O quarto mês de 2022 nos trouxe muitos motivos para comemorar junto de um carnaval fora de época. Como de costume para o amplo espectro da Redação do Persona, estivemos seguindo os lançamentos, eventos, notícias e celebrações do mundo da Música, dentro e fora do Brasil, durante os últimos 30 dias. Então, acompanhados de uma Rita Lee curada, Anitta internacionalizada e Harry Styles emplacado, sonhamos com uma São Paulo primaveril e apresentamos o Nota Musical de Abril. 

E tem coisa melhor do que começar o balanço do mês com notícia boa? Porque Abril trouxe uma das melhores: Rita Lee está totalmente curada do câncer que tinha em seu pulmão esquerdo. Diagnosticada com a enfermidade em maio de 2021, a Rainha do Rock Brasileiro precisou passar por sessões de imunoterapia, radioterapia e quimioterapia até finalmente receber a confirmação de remissão da doença.  Celebrando a lenda viva da MPB, o Persona canta, com muita alegria e respeito “quero mais saúde!”, e se despede do tumor nomeado de “Jair” como uma profecia para outubro de 2022.

Na avenida de um ano atípico que celebrou o Carnaval depois da Páscoa, algumas das referências musicais não poderiam passar despercebidas. O trono vazio da Mocidade Independente de Padre Miguel foi uma forma de homenagear a eterna Elza Soares no lugar onde a cantora desfilou pela última vez, em 2020. Aquele assento simbólico nos trouxe duas grandes certezas: a Voz do Milênio é insubstituível e estará sempre presente em todos os ramos da Cultura nacional. 

Ao lado de Elza no hall das imortais brasileiras, não podemos deixar de mencionar o centenário de Dona Ivone Lara. Aqui, a comemoração ao legado da primeira mulher a compor um samba-enredo no Brasil conseguiu ser ainda mais especial: por desejo assertivo do destino, a celebração da memória da sambista revolucionária nascida em 13 de abril de 1922 foi, mais uma vez, sucedida pela magnitude do carnaval

Lá, o nome de Dalva de Oliveira brilhou. Homenageando Arlindo Rodrigues, carnavalesco responsável por levar a escola ao primeiro de seus oito campeonatos, a Imperatriz abriu os desfiles do Grupo Especial do Rio sob o samba-enredo Meninos, Eu Vivi… Onde Canta O Sabiá, Onde Cantam Dalva E Lamartine, do compositor Gabriel Mello. Além de estar vivíssima nos versos “sonhei com Dalva e fui morar com Deus”, a artista também marcou presença na interpretação da atriz paranaense Lana Rhodes, honrada em representar a Rainha da Voz em plena comissão de frente. 

Fora do Brasil, também rolou o equivalente ao nosso ‘bolo e guaraná’, com a celebração do trabalho de Laurie Anderson através dos 40 anos de Big Science. De forma a transcender a si mesma, a Música de uma das musas e mães do Alternativo parece situar-se em um tempo e espaço nunca vivido, se não até mesmo extraterrestre às concepções que temos de humanidade e arte como um todo. Em abril de 1982, a proposta da artista, que até então se dedicava à pintura e à performance (junto de sua amiga de longa data Marina Abramovic), abriu-se na música O Superman, atingindo o topo das paradas britânicas com uma maneira própria de fazer música pop. 

Construindo suas canções a partir do ato de contar histórias, suas composições assemelham-se a fusões de contos de fadas com um misticismo quase xamânico. Suas performances, que envolvem a corporalidade e as constantes dicotomias do biológico e tecnológico, reafirmaram o espaço do artista enquanto um generalista da expressão, numa constante contemporaneidade que se mostra até em suas reinvenções atuais, como no remix feito por Arca em janeiro de 2022.

As boas notícias também se colocaram no presente com direção ao futuro. Em 2022, a cidade de São Paulo vai receber a primeira edição do Primavera Sound, que preparou um line up dos sonhos para a sua grandiosa estreia em solo brasileiro. Se quiser conferir os shows de Björk, Arctic Monkeys, Beach House, Gal Gosta, Interpol, Mitski, Lorde, Travis Scott, Arca, Charli XCX, Phoebe Bridgers, Caroline Polachek, MC Dricka e muito – mas muito – mais entre os dias 31 de outubro e 6 de novembro, se prepare para o investimento e corra para garantir os seus ingressos, disponíveis com um preço não tão amigo para o Brasil de Bolsonaro e esgotando desde o dia 26 de abril. 

Nesse cenário complexo para a manifestação e promoção da nossa própria Arte e Cultura, os artistas brasileiros têm almejado e conquistado os palcos internacionais, com destaque para o maior festival de Música do mundo. No Coachella 2022, Anitta brilhou com um dos melhores shows da edição, com direito a palco principal, cenografia da Disneylândia, MPB e convidados como Snoop Dogg e Saweetie. Esse ano, o deserto californiano recebeu como os nomes principais de seus dois finais de semana Harry Styles, Billie Eilish, The Weeknd e Swedish House Mafia. Mas entre 15 e 24 de abril, nossa Pabllo Vittar fez história como a primeira drag queen a se apresentar no festival, consagrando seu lugar dentre as melhores performances do ano ao lado de Rina Sawayama, Wallows, Phoebe Bridgers, Conan Gray, girl in red e Emo Nite, só para citar alguns destaques além dos headliners.

O assunto festival também rendeu para Miley Cyrus, que aproveitou o buzz da sua turnê pela América Latina para anunciar um disco ao vivo logo no fim de seu show no Lollapalooza São Paulo. ATTENTION: MILEY LIVE foi majoritariamente gravado durante o Super Bowl Fest Concert, trazendo uma setlist feita para agradar os fãs da artista, com duas faixas inéditas e uma série de covers e medleys que já se tornaram clássicos em seu timbre rebelde.

Assim como sua colega, Anitta usou a repercussão do festival ao seu favor. Depois de dominar o Autódromo de Interlagos com Cyrus no dia 26 de março e atrair a atenção do Coachella nos dias 15 e 22 de abril, ela emplacou o lançamento de Versions of Me. Como o aguardado oitavo trabalho da carreira da estrela pop brasileira, o disco definitivamente  estabelece seu vínculo com o cenário internacional. 

Em 15 faixas que misturam influências do pop, R&B e funk com letras em português, inglês e espanhol, Anitta traz uma mistura das suas fases já exploradas. Chencho Corleone, Khalid e YG são algumas das participações presentes no disco, que como o esperado, soa mais uma playlist. Mas o triunfo de Versions of Me é outro: com sua ousadia e pioneirismo, Anitta transforma a indústria em um jogo e faz de suas músicas uma grande comemoração de vitória.

Agora, a brasileira se aloca nos lançamentos do pop internacional, onde esse mês esteve acompanhando os discos de Labrinth, Let’s Eat Grandma, Alec Benjamin e Camila Cabello. Começando pelo álbum dedicado à trilha sonora original da segunda temporada de Euphoria, se a condução de Sam Levinson no novo ano da série da HBO tem suas dúvidas, a liderança de Labrinth no âmbito musical segue inerrante. Em 24 faixas que permeiam o pop, o rap, a eletrônica e o gospel, com a presença de Zendaya, Dominic Fike e Angus Cloud, o CD entrega o complemento sensível na atmosfera caótica de Euphoria, sem deixar de acompanhar o desenvolvimento dramático dos personagens.

Ao lado da trilha do drama adolescente que conquistou a nata da TV, Alec Benjamin se coloca também para falar sobre amadurecimento. (Un)Commentary é o terceiro álbum da carreira do artista estadunidense, sendo o segundo gravado em estúdio. Nas composições, são encontradas parcerias com o vencedor do Grammy Dan Wilson, e com Charlie Puth, e nas avaliações, surgem muitos elogios da crítica. Poético entre esperança e desilusão, Alec Benjamin estabelece sua marca em canções suaves e cativantes, cuja coletânea foi definida pelo cantor como: “uma versão mais madura de si mesmo”.

Para as pistas de dança, quem trouxe material foi Let’s Eat Grandma. O duo de synth-pop do Reino Unido retorna com um disco enxuto que brinda o público com a chance de se extravasar, não importam as dores carregadas nas costas. Em Two Ribbons, a dupla retrata as fissuras de sua amizade, pela primeira vez escrevendo e compondo as canções de forma individual.

No meio termo entre a celebração externa e a reflexão interna, está Familia de Camila Cabello. Em seu terceiro álbum de estúdio solo, a cantora arrancou elogios da crítica se entregando às suas origens e apresentando fortes influências de ritmos do pop latino. São 12 canções em que a cubana explora uma mistura de espanhol e inglês com marcas clássicas do pop estadunidense – talvez mérito de suas colaborações com Willow Smith, Ed Sheeran e a cantora argentina Maria Becerra.

O cenário do pop, como de costume, foi mais agitado nos singles, sendo o maior destaque da vez para a dupla Harry Styles e Lizzo. Iniciando sua terceira era, o mais bem-sucedido ex-One Direction lançou o single As It Was no primeiro dia do mês. Para começar a promoção do álbum seguinte a Fine Line, Styles apostou alto em um ritmo viciante e uma letra levemente melancólica, que encontra vazão no clipe dirigido pela ucraniana Tanu Muino e coreografado pelo francês Yoann Bourgeois.  

Como primeiro ato do disco intitulado Harry’s House, o cantor apresentou uma estética mais alternativa, embora ainda pop, e conseguiu novamente conquistar o público: As It Was bateu o recorde de maior número de streams em 24 horas para um artista masculino, e ficou três semanas na lista da Hot 100 (ocupando o primeiro lugar em duas delas). Mas do outro lado, a bff de Harry – com direito até a participação especial no seu segundo show no Coachella – não atingiu as mesmas expectativas comerciais com o lançamento da vez.

Três anos após o devidamente louvado Cuz I Love You, finalmente temos nome e data de nascimento prevista para o novo álbum de Lizzo. Special deve chegar aos nossos ouvidos no dia 15 de julho, agora oficialmente apresentado através de About Damn Time. Enquanto reafirma o discurso de auto aceitação frequentemente explorado pela artista, o single chegou prometendo novos sucessos carregados de influências do soul, desta vez com experimentações mais ousadas – o que não agrada muito as paradas que ela conheceu em 2018.

De maneira similar, Chlöe chegou em seu novo single. Desde que finalizou sua era bem-sucedida ao lado de sua irmã e dupla musical, Halle Bailey, com Ungodly Hour, a cantora vem investindo em sua carreira solo. A bola da vez é Treat Me, que sucede Have Mercy mantendo a estética sensual e poderosa e discursando sobre amor próprio – elementos que constituem sua assinatura oficial e definitiva. A canção é, provavelmente, parte de seu primeiro álbum, anunciando como já foi finalizado mas ainda sem data de lançamento. 

Em outras duas menções de nomes queridinhos do pop, Shawn Mendes usou o hall dos lançamentos musicais de abril para desabafar sobre as dores de um término em When You’re Gone e 5 Seconds Of Summer reflete – dois dias antes de embarcar em turnê – sobre as mudanças da vida e da banda com o eu-lírico de Take My Hand. Já nem tão querida assim, Noah Cyrus apresentou I Burned LA Down, a primeira música de seu álbum de estreia, The Hardest Part, que será lançado em julho. 

De acordo com a cantora, a composição foi escrita durante os incêndios florestais que tomaram a Califórnia em 2021, estabelecendo um vínculo entre as emoções de um término de relacionamento e a força das mudanças climáticas. Precedido pelas polêmicas que envolvem a caçula dos Cyrus, o lançamento cria expectativas de que o álbum traga uma era dramática e explosiva.

A maior novidade do pop, no entanto, é que o gênero recebe uma migração. Do punk para cá, WILLOW prova mais uma vez que sabe trabalhar em equipe como ninguém e aparece em duas parcerias do mês. Primeiro, PURGE aproveita as influências do rock e do metal radicalmente aplicadas em lately I feel EVERYTHING para uma colaboração com Siickbrain, agora apresentando a estética da artista com faces futuristas que compõem uma atmosfera noturna e distopicamente fascinante.

Já ao lado de PinkPantheress, a caçula dos Smith é movida pela ambição de construção de uma nova nostalgia – tá feliz, Dua Lipa? –.  Em Where you are, a dupla extravasa uma emoção coletiva e extratemporal, convergindo os perfis musicais das artistas, baseados na reinvenção de gêneros como o garage, o punk rock e o pop, com a produção mestra de Skrillex e Mura Masa. Os vocais sempre delicados da musa do TikTok são logo cortados pelas entoações quase que guturais da nova diva do rock, estabelecendo um contraste que, surpreendentemente, consegue ser um espaço de conforto e emoção.

Mas foi essa mesma referência ao passado que vitimou mxmtoon. Para preparar o lançamento de seu novo disco, Rising, a artista viajou pelas narrativas de amadurecimento no single victim of nostalgia, onde ela suplica por tempo e sabedoria. As lembranças também perturbaram Conan Gray em Memories, o lead single do próximo álbum do artista, intitulado Superache. Na canção, ele abraça as ruínas de um relacionamento, revelando o seu amadurecimento sem deixar para trás o que há de marcante em sua Música, que promete uma identidade ainda mais visceral do que a apresentada em Kid Krow.

Entre os tantos desejos do pop em abril, também houve espaço para Justin Bieber vislumbrar seu próximo conceito a ser perseguido na era pós-Justice. Pelo visto, a palavra da vez é honestidade, como sugere seu novo single do hitmaker feito em parceria com Don Oliver. Já do lado mais alternativo, Florence + the Machine pediram por liberdade às vésperas do lançamento de seu novo disco, Fever Dream. Dessa vez, o ator Bill Nighy foi convidado para dar vida à personificação da ansiedade da frontwoman em Free, enfim aceitando-a no belo clipe dirigido por Autumn de Wilde.

Por outro lado, o mundinho alt pop esbanja energia. A principal representante disso é Ava Max, que se joga em batidas oitentistas e dá nítidos sinais de amadurecimento artístico em Maybe You’re The Problem. Ela até flerta com o universo gamer no vídeo assinado por Joseph Kahn – nome por trás de clipes clássicos do pop como Toxic, de Britney Spears, e Look What You Made Me Do, de Taylor Swift. A protegida de Charli XCX por sua vez, traz instrumentações construídas na influência do melhor que o synthpop pode trazer para revelar uma declaração de amor. Ela acontece nos moldes de uma paixão típica da música pop que, sem pretensões de sucesso interestelar, é movida apenas pelo sentimento de descontração e liberdade da emoção de ELIO.

Para o bem e para o mal, o amor também sempre está relacionado com o trabalho de Troye Sivan. Agora, o príncipe australiano lançou a versão acústica do single Angel Baby, provável carro-chefe do vindouro terceiro registro de estúdio. Já Trixie Mattel vai por outra direção em C’mon Loretta. Em antecipação para seu novo álbum de estúdio, a drag queen apresenta uma canção que mescla country e pop e se inspira na vida da estrela Loretta Lynn, referência do gênero e uma das musas da vencedora de Drag Race.

Nos clipes do mês, o pop alternativo seguiu dando o seu nome. A começar por Charli XCX, que trouxe mais uma das experimentações da era CRASH para o visual de Used to Know Me. Com inúmeros looks e cenários, a direção de Alex Lill, que já esteve também presente em vídeos de The Weeknd e BTS, é tudo o que a britânica necessita para compor seu universo açucarado de pop star comercial ao mesmo tempo em que confirma: realmente, é impossível prever seus próximos passos. 

A sua conterrânea FKA twigs também segue com a proposta de CAPRISONGS na hora de criar os produtos audiovisuais da era, acompanhando integralmente o sentimento das canções da mixtape. Assim, os chamados ‘caprivids’ não passam de rápidos lapsos da visão de twigs sobre amor, sexo, vida urbana e, principalmente, sobre o estar e sentir-se bem. E assim é papi bones: intercalado por vertigens do ballroom, o clipe mostra twigs e Shygirl transitando em uma Londres presa entre a sensualidade e a espontaneidade que anuncia as referências da dance music presentes na canção.

E não tem como falar de alt pop sem citar a princesa dele, ROSALÍA. O clipe da faixa homônima do mais novo álbum da espanhola consegue ser o produto que mais sintetiza as pretensões de MOTOMAMI – sendo também o vídeo mais esperado pelo público, principalmente por ter sido usado como teaser para o anúncio do disco. Utilizando-se do simbolismo das borboletas, presente em quase todo o projeto, e do contraste dos takes e colorações, o clipe é resultado das inúmeras tensões que cercam o mundo da artista – exatamente como ela disse que MOTOMAMI seria.

Para completar, a mais nova dupla do pop alternativo completou sua colaboração – e não, não estamos falando delas juntinhas no palco do Coachella. No vídeo de Follow Me, Pabllo Vittar e Rina Sawayama assumem a passarela como as divas que são. E para somar ao time dos meninos, The Weeknd lançou o clipe de Out of Time, que dá continuidade à busca de Abel pela sua tão desejada luz no fim do túnel. Apesar de ainda ser fiel a narrativa criada para o álbum Dawn FM, o vídeo que acompanha essa balada é bem menos turbulento do que os outros dessa nova era.

O pop nacional agora divide Anitta com o resto do mundo, mas isso não quer dizer que o gênero esteja menos frequentado. O que não falta, na verdade, são nomes promissores, a exemplo de Jade Baraldo. Depois de passear pelos versos icônicos do hit internacional Believe, da deusa-veterana do pop, Cher, a semifinalista do The Voice Brasil ressurgiu extremamente sincera e intensa na sonoridade viciante de Desapaixonar. Atualizada nas tendências, a faixa ainda veio acompanhada de um lo-fi remix, além de um visualizer sensual e intimista. 

Os veteranos não ficaram para trás. Rody Martinez, recorrente parceiro de Gretchen, embarca em mais uma jornada solo com o single – e quase EP, já que possui duas vinhetas – Flashback. Misturando sons das décadas de 1980 e 1990 com os da atualidade, o artista finalmente disponibilizou o material criado “no auge da pandemia”, que recebe outras dimensões com um videoclipe muito interessante. Já o duo OUTROEU prepara o seu novo álbum com ninguém mais ninguém menos que Lulu Santos através do single Praia. E Chico César, sempre uma parceria requisitada nas produções nacionais, esteve com Felipe Cordeiro para unir os sons das regiões Norte e Nordeste do Brasil na eletrizante De Amor, Amor.

Para o campo dos discos, o destaque foi Canicule Sauvage, sétimo registro de estúdio de Otto que finalmente está entre nós. O novo álbum do pernambucano é influenciado pela obra de Serge Gainsbourg, nome influente da música popular francesa, e aposta na experimentação, reunindo participações de nomes como Tulipa Ruiz, Nina Miranda e Ana Cañas. O toque final do novo disco vem de uma lembrança do início da carreira de Otto, que traz de volta a assinatura de Apollo Nove, seu primeiro produtor.

Sempre entre o passado e o presente, a MPB tem, mais uma vez, a compreensão única de Rodrigo Alarcon. Para lançar um de seus trabalhos mais consistentes até o momento, o artista flerta com as criações mais tradicionais do gênero ao mesmo tempo em que brinca com os sons atualíssimos que vêm surgindo no Brasil. Assim, nasce Rivo III e a Fé, que além de conter os seus singles mais recentes (Rivotril e a Fé e Garota da Linha Azul), pode ser classificado como um álbum visual, já que os clipes de todas as faixas formam, juntos, um filme dividido em 10 capítulos. Elaborado de maneira muito talentosa, Rivo III e a Fé nos deixa com a forte sensação de que Alarcon ainda contribuirá bastante com as novas vertentes da Música brasileira.

Novidade é o que não falta, entretanto, algumas são mais surpreendentes que outras. É o caso de Alexandre Nero, que agora sai das telinhas para se aventurar pelo universo musical com seu primeiro disco, Quarto, Suítes, Alguns Cômodos e Outros Nem Tanto. O trabalho é surpreendente desde o princípio, já que a faixa de abertura, Virulência, tem Aldir Blanc envolvido nos bastidores – e a canção esteve presente no disco Aldir Blanc Inédito, lançado em Setembro de 2021. Assim, a nova obra do ator deve chamar a atenção principalmente por conta das participações nas interpretações. Cantando ao lado de Milton Nascimento e Elza Soares, Nero conquista um privilégio que se destaca logo de cara, antes mesmo de termos contato com essas duas colaborações sonoras.

Dentre os materiais novos, também há de se destacar Grito, de Manuela Rodrigues. Assumindo a função de instrumentista, relembrando o período em que foi vítima da Paralisia de Bell e reunindo cinco composições autorais, a cantora e compositora baiana retorna ao mercado fonográfico com um EP instigante. Fruto, em grande parte, de um “mestrado profissional em música” feito entre 2017 e 2018, o novo trabalho de Rodrigues se distancia de sua persona costumeiramente solar e alegre para revelar o “outro lado” que existe em todos nós. 

A mesma impressão promissora se aplica a Leila Maria – destaque da primeira edição do The Voice+, transmitida nacionalmente em 2021 –, que se evidencia entre os lançamentos de álbuns de MPB do mês de abril. Disponibilizado na última sexta-feira do mês, Ubuntu traz novas nuances para as composições de Djavan, mergulhando também em elementos fascinantes de culturas africanas. Colaborando com artistas desse continente tão diverso e artisticamente rico – como o maestro maliano Ahmed Fofana, que já trabalhou com nomes como Björk -, Leila constrói caminhos encantadores e instantaneamente admiráveis. Além disso, em pleno desfecho do álbum, a cantora ainda firma laços com ninguém menos que Maria Bethânia.  

Para quem se interessa por documentos históricos da MPB – mais especificamente, do Pessoal do Ceará –, o disco Sarau Vox 72, de Ednardo, é uma imersão obrigatória. Compilando raridades da Música brasileira, originalmente registradas em fita cassete, a obra foi gravada em uma sala comercial do Edifício Parente, localizada acima da loja de discos Vox, no centro de Fortaleza (CE). E se o assunto é história, Rico Ayade aparece certeiro com sua versão de Negue, canção imortalizada na voz de Maria Bethânia que ganha dimensões LGBTQIA+ na repaginação do multiartista baiano. Essa nova perspectiva aparece principalmente no videoclipe, que foi elaborado em plano-sequência e exibe cenas de tirar o fôlego, gravadas entre o próprio Ayade e Barroso.

Ainda no retrospecto da Música Popular Brasileira, Fafá de Belém celebrou os 81 anos de Roberto Carlos com um single duplo, formado por duas composições da bem-sucedida dupla Roberto e Erasmo: O Portão e Ilegal, Imortal ou Engorda. Acompanhada pelo piano de Jonas Dantas, Fafá consegue reforçar – mais uma vez – a admiração que nutre pelo amigo e parceiro musical de longa data, que ainda recebe o popular título de Rei no cenário heterogêneo da Música brasileira. 

A veterana Claudya não ficou de fora da onda de regravações de abril. Preparando território para o álbum A Nossa Bossa Sempre Jovem, a mãe de Graziela Medori lançou o single Aquele Beijo Que Te Dei, composição de Edson Ribeiro que ficou conhecida nacionalmente na voz de Roberto Carlos. Acompanhada de um videoclipe simples, em preto e branco, a canção é a primeira amostra do trabalho que pretende “transformar em bossa as canções da Jovem Guarda”. 

Por falar em bossa, Diogo Nogueira e Hamilton de Holanda resgataram o projeto Bossa Negra (2014) por meio do single Fim do Horizonte, cuja composição é dos próprios intérpretes junto de Marcos Portinari e Seu Jorge. Enquanto isso, Carlinhos Brown registra em sua voz pela primeira vez a canção Na Estrada, composição que divide com Marisa Monte e Nando Reis, popularizada pela cantora em 1994. Apresentada em versão inédita, agora em espanhol, a faixa é dividida com a cantora, compositora e atriz colombiana Juliana.

Seguindo o movimento atual da MPB, Hyldon também olhou para trás a fim de vislumbrar o que existe na sua frente. Celebrando colaborações importantes feitas ao longo da carreira, principalmente no ramo da composição, o cantor e compositor baiano pode até não trazer muitas gravações e regravações inéditas em Parceiros, tendo em vista que quase todo o repertório do disco foi disponibilizado por meio de singles nos últimos tempos. No entanto, a reunião de nomes como Tim Maia, Mano Brown, Caetano Veloso, Arnaldo Antunes e Céu em uma mesma tracklist certamente comprova a relevância desse novo trabalho. Seja como for, a parceria firmada com Nando Reis, Chuva e Saliva, é o grande material inédito do álbum, para a alegria de quem é ávido por novidades.

Esses também serão satisfeitos por Alceu Valença. Dando sequência aos trabalhos gerados durante a pandemia, o veterano da Música Popular Brasileira lançou o disco Alceu Valença e Paulo Rafael, que sucede a trilogia Sem Pensar No Amanhã, Saudade e Senhora Estrada, lançada inteiramente em 2021. Além de trazer na capa uma xilogravura até então inédita do artista pernambucano J. Borges, o novo álbum de Valença reúne regravações de músicas já conhecidas – tais como Girassol e o hino Anunciação -, dando também espaço para uma canção inédita, a encantadora Fada Lusitana. Mas o maior destaque do disco se encontra, com toda certeza, na presença eterna de Paulo Rafael, parceiro musical de longa data do cantor pernambucano que faleceu no ano passado.

Os baús de Tom Zé também foram remexidos. De lá, surgiu Os Clarins da Coragem, canção finalizada há cerca de quatro anos que seria lançada em outro disco, mas mudou de percurso e chega finalmente ao mercado fonográfico como primeira amostra do álbum Língua Brasileira. Misturando português com expressões do tupi-guarani e termos relacionados à Inconfidência Mineira, o single foi disponibilizado nas plataformas de streaming exatamente na data que marca a chegada das embarcações portuguesas ao Brasil. Assim, a faixa ainda provoca a curiosidade acerca do novo disco, previsto para o primeiro semestre de 2022 com a promessa de discutir o conceito de brasilidade e a formação das identidades nacionais.

Inventiva que só, Iara Rennó começou a apresentação de um projeto fonográfico que está em preparação há 13 anos, cujo lançamento será dividido entre 2022 e 2023, por meio de dois discos. O marco inicial é a canção Babá Ori, que para oficializar a primeira amostra do álbum Oriki, ultrapassa seis minutos de duração e traz a colaboração com a cantora e atriz Thalma de Freitas. Para encerrar o mês, a multiartista ainda saudou o orixá Oxóssi ao lado do seu grande parceiro musical, Curumin. Sendo o segundo single do álbum em questão, Uma Flecha (Òkè Aró) também opta por uma longa duração – tendo pouco mais de cinco minutos – e apresenta uma composição igualmente baseada em textos preexistentes.

Também em dose dupla, o abril de Chico Lobo primeiro deu sequência aos lançamentos do álbum ainda inédito O Tempo é Seu Irmão. Primeiro, homenageando o povo nordestino, ela afirma Indagorinha é uma letra que o artista compartilha com o compositor e poeta Carlos Di Jaguarão. A interpretação, por sua vez, é dividida com Sérgio Andrade, membro da Banda de Pau e Corda – veterana criada em 1972. Não deixando o público sem material inédito, Lobo ainda dividiu o single Lua e Sol com a cantora Tetê Espíndola, de quem é fã confesso. Transitando entre as nuances do dia e da noite, a dupla dá vida a um trabalho que é pura poesia. 

Uma das maiores responsabilidades do mês ficou aos cuidados do talentoso Nobat. Ao lado do carioca BNegão, o cantor e compositor mineiro foi quem resgatou o canto imortal de Elza Soares ao lançar o single Me Deixa Sambar, parceria inédita entre os três artistas. Preparando território para o vindouro álbum MESTIÇO, Nobat assina letra e música do lançamento, e também presenteia o mundo com os versos “A vida aconteceu/e a gente nem se conheceu” – trecho que, na voz da Mulher do Fim do Mundo, chega a ser até mesmo doloroso, devido à recente morte da cantora.

A sua presença, no entanto, ainda é sentida em meio a música nacional – exatamente como deve ser pelo tempo em que nossas canções ecoarem pelo nosso país. Em sua terceira aparição dentre os lançamentos de abril, o nome da Rainha aparece aqui pela última vez com Meu Guri. Canção já apresentada nos álbuns Trajetória, Beba-Me Ao Vivo e Elza Soares & João de Aquino, agora retorna à discografia da Voz do Milênio em gravação feita no Salão Nobre do Theatro Municipal de São Paulo, apenas dois dias antes da sua morte. Com toda a sua habilidade em adaptar-se à realidade artística de cada momento, Elza consegue atribuir novas nuances à composição de Chico Buarque ao lado do pianista Fábio Leandro, utilizando os sentimentos para desviar magistralmente de possíveis limitações técnicas da idade numa interpretação que é, sobretudo, revestida de emoção.

Para animar um pouco os ares, Gigante César e Maria Alcina se encontram com os foliões apaixonados por Carnaval em Língua Lôka. A canção é extremamente calorosa e atenta aos sons da atualidade: basta perceber – e aproveitar – a animada mistura de instrumentos tradicionais com uma sonoridade explicitamente eletrônica em pouco mais de quatro minutos de faixa. “Ela chupa fruta, lambe picolé/É trans, bicha, homem e mulher”, canta Maria Alcina, reafirmando a deliciosa irreverência que permeia sua carreira acompanhada do imperdível videoclipe da canção.

Falando em folia, Emílio Dantas se uniu a Helton Alves para comemorar os 40 anos de Barão Vermelho com uma uma regravação de Bete Balanço, sucesso da banda brasileira. Transportando a música de 1984 para o atual universo carnavalesco, e acrescentando nela alguns toques de funk, o single de 2022 dá continuidade a uma recente tradição do grupo festivo: transformar as canções de Cazuza em obras com abordagens foliãs.

O nome da estrela do rock nacional foi lembrado em mais um lançamento de abril. Afinal, mais de 30 anos se passaram desde o lançamento do álbum O Tempo Não Para – Cazuza Ao Vivo, e agora, finalmente podemos ouvir na íntegra o show gravado por Caju no Canecão, Rio de Janeiro, em 1988. Disponibilizado nas plataformas de streaming no dia 4 de abril, data em que Cazuza completaria 64 anos, O Tempo Não Para – O Show Completo (Ao Vivo) resgata as sete faixas que, por critério artístico e falta de espaço no LP, ficaram de fora da primeira versão do disco. 

Além das canções extra, a nova edição do trabalho ao vivo de Agenor traz takes alternativos de músicas já apresentadas no lançamento original, acompanhados de pequenos discursos do cantor e compositor brasileiro – fora a nova mixagem dos áudios, feita por Walter Costa, e uma remasterização assinada por Ricardo Garcia. Na ordem exata do repertório apresentado no show, o destaque é a faixa Blues Da Piedade, que recebeu um videoclipe oficial construído principalmente com fotografias de Cazuza se apresentando ao vivo. 

Então, é hora de amplificar as guitarras: o Red Hot Chili Peppers ressurgiu com Unlimited Love, álbum que marca o retorno triunfal de John Frusciante. Com 17 músicas distribuídas em 73 minutos de duração, o disco deixa claro, através dos solos de guitarra, que este álbum pertence a Frusciante, misturando elementos eletrônicos com sons orgânicos. Um dia antes do lançamento do disco, a banda recebeu uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood. 

E falando em veteranos do gênero, lendas do grunge se juntaram para dar vida ao projeto 3rd Secret, cujo disco homônimo marca a estreia do grupo, composto por Krist Novoselic, ex-baixista do Nirvana, Matt Cameron (baterista do Pearl Jam e do Soundgarden), Kim Thayil (guitarrista do Soundgarden), Jon “Bubba” Dupree, Jennifer Johnson e Jillian Raye (vocalista do Giants In The Trees, projeto que compõe junto a Novoselic). 

Todavia, diferente do que se possa imaginar, o disco não é uma tentativa dos veteranos de alcançar o topo novamente – isso se reflete na ausência de qualquer publicidade acerca do disco, reivindicando os ideais que nortearam as origens do grunge como movimento –, mas sim um reflexo de uma roda de conversa entre amigos, relembrando os velhos tempos de estrada. As canções refletem sobre o amor, perdas e vingança, e o resultado é um disco moderado, bem longe daquilo que o grunge sempre foi: barulhento, em todos os sentidos.

Sob o aspecto de sons moderados e explosivos na medida certa, os irlandeses da Fontaines D.C. chegaram com Skinty Fia, terceiro álbum da carreira. No novo trabalho do grupo pós-punk, há o detalhamento da sensação de viver em uma terra semelhante à de origem, mas cujas dificuldades residem nos detalhes, prevalecendo divagações sobre a condição de expatriados irlandeses, falando a mesma língua da cultura dominante da Inglaterra – os integrantes da banda se mudaram para Londres em 2019 –, porém sendo instantaneamente identificados e subjugados a categoria de “estrangeiros” no momento em que seus sotaques são revelados.

O título da obra deriva de um insulto irlandês arcano, que se traduz como “condenação do cervo” – que, para os propósitos de Fontaines, funciona como uma metáfora vívida de mutação e degradação cultural. Skinty Fia é um disco sobre ambientar um lugar que se transveste de lar, mas que no fundo reafirma sua distância. Esse sentimento de indefinição perpassa o álbum, e permite que o quinteto explore diferentes formatos nas canções, se reinventando faixa a faixa.

Como reflexo, os paralelos entre Dublin – cidade em que a banda se formou em 2017 – e Londres transcorrem todo o CD, refletindo em uma cidade de origem idealizada e num destino assombrado. A canção Bloomsday, por exemplo, faz referência ao homônimo feriado irlandês no qual se comemora o livro Ulysses, de James Joyce, cujo nome faz referência ao personagem Leopold Bloom. Na canção final do disco, Nabokov, as referências são menos claras, mas ainda assim presentes: o escritor Vladimir Nabokov foi um russo que fez carreira nos Estados Unidos, escrevendo magistralmente em inglês. É, portanto, dono de uma obra composta por um expatriado, tal qual Fontaines D.C. faz em Skinty Fia.

Abrindo a porta do “gizzverso”, os hiper-prolíficos King Gizzard & The Lizard Wizard divulgaram Omnium Gatherum, seu 20º disco de estúdio e o primeiro álbum duplo. Ao longo de 80 minutos, o disco expansivo mistura as influências do grupo, como o garage rock, o rock psicodélico e o rock progressivo. O trabalho funciona como a trilha sonora de um sonho, e por essa razão há diversas extrapolações dentro do Rock, pois um único gênero não poderia abarcar toda a complexidade e fragmentação onírica, dando origem a diversas experimentações musicais, do heavy metal ao indie mais melódico.

Já com Wet Leg, grupo britânico de indie rock liderado por Rhian Teasdale e Hester Chambers – que estreiam com seu álbum autointitulado –, não há limitação em referenciar todo pedaço de Arte da terra da Rainha de maneira arbitrária e pontiaguda. Na verdade, as cantoras buscam subterfúgio em suas inspirações, mas triunfam na confecção de um microverso muito autoral e muito próprio. 

O deboche vira regra na composição, ao passo que o escrutínio e o ar despojado dominam os vocais. Elas cantam sobre sexo, sobre amor, sobre namorados ruins e pais caretas, sem espaço para frear entre temas cabeludos e bem-humorados. Em tempos de reconstrução de ambientes sonoros e de criação de mundos diversos, as novatas do Wet Leg manipulam sua realidade, dando luz e espaço para o caos arquitetado e carismático do fim do mundo na idade dos vinte e poucos anos.

Thom Yorke, incapaz de parar de trabalhar – como ele próprio revelou em entrevista –, chegou em dose dupla (ou tripla) em abril: assinou três canções autorais, sendo duas com seu novo projeto The Smile, o qual compõe com Jonny Greenwood e Tom Skinner. That’s How Horses Are, canção de 2 minutos e 23 segundos, que faz parte da trilha sonora composta pelo britânico para a nova temporada de Peaky Blinders, é uma faixa instrumental, cujo piano e os sintetizadores se cruzam para criar uma atmosfera melancólica, trazendo referências de Sigur Rós e Brian Eno. Já Free In The Knowledge e Pana-vision – que também deve entrar na trilha do seriado inglês – foram as duas novas canções divulgadas para promover A Light For Attracting Attention, disco novo do trio o qual Yorke faz parte, lançado no dia 13 de Maio.

Na energia emanada pelo Primavera Sound, Interpol lançou duas novas canções, Toni e Something Changed, que possuem clipes complementares (parte 1 e parte 2), dirigidos por Van Alpert. Os estadunidenses anunciaram um novo álbum para o dia 15 de julho, The Other Side of Make-Believe, e acompanharão os Arctic Monkeys nos shows avulsos no Brasil, inclusive integrando o line up do Festival que ocorre no Brasil entre o fim de Outubro e começo de Novembro.

Por fim, outro nome que apareceu no anúncio do festival espanhol em solo brasileiro e no meio dos lançamentos de abril foi Father John Misty, de carona em seu quinto disco – o primeiro projeto completo do artista desde God’s Favorite Customer (2018). Com Chloë and the Next 20th Century, o título artístico que existe para apresentar a música de Josh Tillman se aloca confortavelmente no seu rock suave e clássico que traz um toque de folk, criando contos referenciados pela sua cinematografia de sempre.

As paisagens aconchegantes formadas por uma musicalidade imaginativa e sentimental são as mesmas qualidades de Lizzy McAlpine, destaque indie desde 2020 pelo seu disco de estreia, Give Me A Minute. Agora, ela vislumbra um acesso mais amplo com five seconds flat, seu segundo disco que traz participações dos indicados ao Grammy Jacob Collier e FINNEAS para vislumbrar diferentes aspectos de um coração quebrado – e não estamos falando apenas de um término de relacionamento. 

Quando o assunto é a sinestesia visual, não tem como não citar a roteirista musical Phoebe Bridgers. Incansável em seus lançamentos mês a mês em 2021, ela descansou até o abril de 2022 para começar seus trabalhos inéditos com Sidelines. A canção é parte da trilha original composta para Conversas entre Amigos, minissérie do Hulu baseada no livro homônimo de Sally Rooney, e parece ser o único material inédito que ouviremos da artista esse ano. 

A linguagem cinematográfica também é a forma de expressão do novo trabalho de Faye Webster. Em sessões acompanhadas de uma orquestra liderada por Trey Pollard, ela produziu um EP de regravações – com exceção da faixa título e de músicas dos outros dois álbuns da artista, que no passado enveredou-se justamente pelo country e pelo folk. Quando une sua típica expressividade ao meio orquestral mágico, a artista fala de suas inseguranças e fragilidades num som que quase parece o tema de um conto de fadas.

Mas nem tudo foi um mar de rosas para o indie de abril de 2022. Mais próximo do fervor do rock, a banda estadunidense Built To Spill trouxe Gonna Lose para anunciar seu novo álbum, When the Wind Forgets Your Name, a ser lançado no dia 9 de setembro. O disco será o primeiro álbum de músicas autorais desde 2015, quando o grupo lançou Untethered Moon. 

Soccer Mommy também rompe com a sua atmosfera delicada para trazer algo como um nightmare pop no segundo single de seu futuro segundo álbum, Sometimes, Forever. Contando com a produção de Oneohtrix Point Never, que produziu, esse ano, músicas para The Weeknd e Charli XCX, ela não abandona completamente seus toques oníricos, mas investe em um instrumental agressivo para acompanhar sua composição sombria.

O movimento mais recente de MUNA foi na mesma direção, embora um pouco menos surpreendente visto a estética comum da banda. Investindo numa narrativa de empoderamento e amor próprio, o trio indie rock de Los Angeles adiciona Kind Of Girl à seleção de seu futuro terceiro disco autointitulado, que recentemente apresentou Silk Chiffon (uma colaboração eletrizante com a madrinha Phoebe Bridgers).

Agora para os lançamentos mais barulhentos, o principal destaque foi a rotineira ousadia de 10000 gecs em Doritos & Fritos, o segundo single do seu futuro álbum autointitulado. Ainda construindo uma identidade sonora acerca de um instinto maníaco e questionador das convenções de bom gosto e estética, o duo aventura-se em uma sonoridade muito mais puxada ao nonsense, com riffs de guitarras pós-produzidos eletronicamente. Nessa mesma ambição de superar os padrões do hyperpop, gênero em que 100 gecs fora tão encaixado, reside a escolha de Laura Les de não distorcer seus vocais. Antes fortemente baseados na aguda entonação do autotune, agora a artista reinventa a si mesma ao aceitar sua própria voz, ainda mais sendo uma pessoa trans.

E o que seria da música alternativa sem a voz de Arca? Com o som mágico que é ecoado pelas suas cordas vocais remanescentes de self titled, a multiartista apresenta uma estreante das inúmeras sessões de livestreaming pandêmicas: Cayó. Aproveitando da colaboração de Tim Hecker para a construção de uma sonoridade ambient, a canção partilha de um quê cinematográfico, vinda direto de um filme de mistério ou terror. Finalmente integrada dentro do universo dos kicks, série de álbuns lançada anteriormente pela cantora, a canção também é acompanhada de um vídeo, formado por resquícios de gravações de clipes não lançados e do anúncio do set de vinis do projeto.

Agora, se o assunto é polêmica, o Brasil, mais uma vez, pode se destacar. Abril foi o mês de Valéria Almeida, a impersonator de Selena Gomez viral da internet brasileira, expandir seu público. É que a partir de peças de spoken word sobrepostas a instrumentais que promovem desencontros harmônicos com os vocais, os seguidores da personalidade produziram um disco intitulado Secrets. Sabe-se lá como, a gringa se interessou pelo trabalho e o disco debutou no top 5 da rede social Rate Your Music. O final da história não foi tão promissor quanto o esperado, mas é fato que o projeto de Valéria Almeida conseguiu colocá-la além do estatuto de meme para firmá-la no território do som alternativo brasileiro.

Nas lembranças da instrumentação agressiva de SOPHIE, Vince Staples retorna para seu quinto álbum.Em RAMONA PARK BROKE MY HEART, o rapper se debruça sobre as experiências contrastantes de violência e amor, sob óticas do futuro e passado, criando um mosaico de emoções acerca da sua vida e criação. Na mesma abordagem de self titled, lançado ano passado, ele envolve-se em trajetórias mais íntimas e, musicalmente, minimalistas. As faixas exploram instrumentais muito mais delicados e surreais, próximos a uma atmosfera quase que onírica que é o voltar-se ao passado, mesmo nas canções que se identificam pela sua curta duração, como AYE! (FREE THE HOMIES).

Já no mainstream, o nome segue sendo o de Megan Thee Stallion. Depois de performar Plan B de maneira inédita no Coachella, a rapper lançou oficialmente essa que é uma de suas canções mais ousadas, explícitas e robustas. A faixa é uma diss track que descasca um antigo amante – boatos de que seria o cara que atirou no pé dela e rendeu a poderosa Shots Fired, abertura do disco Good News. 

Um tanto mais romântico, Jack Harlow dominou as paradas do gênero com seu novo single, First Class, que traz samples de Glamorous, hit de Fergie em 2006 e a participação de Anitta no clipe. No topo da Billboard pela primeira vez como artista solo – já que anteriormente havia alcançado o posto ao lado de Lil Nas X por INDUSTRY BABY, o rapper emplacou o lançamento de seu segundo disco, Come Home the Kids Miss You, previsto para maio de 2022, como ele mesmo cantou: “E eu posso colocar você na primeira classe, lá no céu…”.

No Brasil, a cena do rap também foi movimentada no último mês. O principal destaque é o trabalho de Rap Plus Size, que aparece com muito vigor nos quase 20 minutos de Revoada. Depois de participar do reality Sobe Junto e marcar presença no Lollapalooza 2022, o duo transita entre rap, trap, brega funk e mandelão para brilhar a presença de nomes como BADSISTA, Mc Xuxú e Doralyce. Liricamente, o EP também vai bem, ecoando mensagens essenciais à diversidade humana, tais como o direito que todo corpo dissidente tem de existir e viver a vida livremente.

O veterano Emicida usou o mês para revisitar seis canções de sua trajetória, formando uma espécie de linha do tempo da carreira no EP autointitulado cujas faixas foram repaginadas pelo produtor Damien Seth. Já caminhando em territórios inéditos, Negra Li misturou rap e pop no cativante single Era Uma Vez Liliane, que encaminha a artista para o seu novo álbum. Inspirada na história de vida da própria artista, a canção vem acompanhada de um clipe para lá de especial. Isso porque os filhos de Liliane de Carvalho, Noah Malik e Sofia Kymani, participam da obra audiovisual.

E antes que você pergunte, Baco Exu do Blues também segue na atividade. Em ação  para comemorar a chegada de The Batman ao canal de streaming HBO Max, a canção Gotham É Aqui introduz uma letra crítica que relaciona a cidade do crime fictícia ao Brasil. Os versos falam de corrupção, criminalidade e injustiça social, trazendo questionamentos sobre os heróis e vilões nacionais que reconstroem com destreza a imagem real de um país em ruínas.

Os ares do R&B, sempre dominados pela dona do gênero mundo afora, ecoou o lançamento de City of Gods (Part II) desta vez junto de alguns rostinhos novos. O principal deles talvez seja Omar Apollo, que aos seus 24 anos, emplaca suas raízes latinas em seu primeiro disco recém-lançado, Ivory. Na companhia dos gigantes Daniel Caesar e Kali Uchis, o novato firma seu nome no estilo que é conhecido por conservar alguns dos melhores músicos do século.

O novo trabalho de Syd busca justamente essas referências. Cinco anos depois de sua estreia solo com Fin, a artista segue sua entrega completa aos seus sentimentos expressos em música nas 13 faixas de Broken Hearts Club, agora explorando a influência da música oitentista de ídolos como Prince e Michael Jackson. Dentre as colaborações, aparecem os nomes de peso de Lucky Daye, Smino e Kehlani – que também teve um disco para chamar de seu entre os lançamentos do mês, nos últimos suspiros de abril.

Para a galera de caubói, as novidades vieram da rainha Miranda Lambert, que finalizou o mês com o lançamento de Palomino. Precedido pelo single If I Was a Cowboy, o nono álbum da lenda country é marcado pela sua produção, realizada ao lado de Luke Dick e Jon Randall, e pela sua composição, que assina 14 das 15 faixas. E ali é que está a maior preciosidade do trabalho que reflete (e às vezes se perde) numa viagem conceitual pela vida norte-americana.

Mas para a galera do Persona, a melhor aquisição do mês foi Bronco. Lançado a conta-gotas, o novo trabalho de Orville Peck chega na íntegra provando que o cantor, ícone gay da música country, fez com clareza e precisão sua passagem do nicho para o popular. O CD marca sua contratação com a Sony Records e é recheado por 15 faixas que somam quase uma hora de rodagem, narrando contos cinematográficos do Velho Oeste.

Assim como fez com Pony, disco anterior que o sacramentou na cena três anos atrás, o artista segue enigmático (sempre com a máscara franjuda ocultando o alter ego humano do ex-cantor de punk), mantendo a máxima de esconder o rosto enquanto canta sobre perdição, amor e um faroeste espaguete digno do primoroso século passado. Vindo de um artista queer inserido em um gênero conhecido pelo machismo e pelo preconceito, o Bronco de Orville Peck se prostra como uma figura de admiração e, mais do que tudo, de mudança e progresso.

Se Abril deu o que falar, Maio promete muito mais. Quando o novo disco de Harry Styles chegar, depois do tão esperado retorno de Kendrick Lamar e do finalmente completo trabalho de Florence + the Machine, te esperamos junto do próximo trabalho aclamado de Bad Bunny nesse mesmo persona-canal, para acompanhar cada nota do cenário musical que vai se colocar para tocar diante de nós. Até lá!

Texto: Raquel Dutra

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Eduardo Rota Hilário, Enzo Caramori, Gabrielli Natividade da Silva, Jamily Rigonatto, Laura Hirata-Vale, Nathália Tetzner e Vitor Evangelista

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Se o mês passado esquentou as telonas com a versão em couro e tesão do Batman de Robert Pattinson, Abril foi marcado pelo verdadeiro estopim de múltiplos lançamentos imperdíveis. Mas, antes de destrinchar o amor perfeito de Heartstopper, as tragédias de Ozark, a potência de Medida Provisória e a resiliência de RuPaul’s Drag Race, é hora de nos despedirmos do Blue Sky Studios, propriedade adquirida pela Disney no ano passado e agora oficialmente extinto. Responsável por sucessos que iam de Rio à Era do Gelo, os animadores da empresa atingiram a jugular do público quando, no tchau, recompensaram o esquilo Scrat com a sonhada noz que movimentou uma saga de filmes jurássicos e gélidos. 

Ainda nos eventos que moldaram o quarto mês de 2022, o Festival de Cannes anunciou a programação de sua 75ª edição, com direito a destaque históricos para as mulheres cineastas, retorno de nomes consagrados da Sétima Arte e até um aceno importantíssimo para o sertão marítimo do Brasil de ontem, com a exibição em qualidade 4K de Deus e o Diabo na Terra do Sol, clássico de Glauber Rocha já exibido em terras francesas mais de 50 anos atrás. 

De fato em terras nacionais, a vigésima segunda edição do Big Brother Brasil chegou ao fim longe do apelo e da relevância de suas antecessoras. Coroando o ator Arthur Aguiar como o campeão do ano, o reality se escorou no apelo dos fãs do artista nas redes sociais, tudo arquitetado por uma esposa expert no marketing digital e em um elenco que não viveu à altura do legado da turma de Thelma e Juliette. Se quem venceu o prêmio de 1 milhão e meio saiu desgostado pelo público, os eliminados prematuramente sorriram alegres no Carnaval de Abril.

 De Jade Picon a Lucas Bissoli, de Gustavo Beats à Dra. Laís Caldas, passando pelas comadres Naiara Azevedo, Jessilane Alves e Natalia Deodato, o nome máximo do BBB 22 é Lina Pereira. A Linn da Quebrada, que não deixa de ser Linda Quebrada e Linda Que Brada, tomou o Brasil de supetão, conquistando pela simpatia, pelo ar da graça e pela presença nunca antes sentida por entre as quatro paredes da casa mais vigiada. Além da cantora, atriz e agitadora cultural, Pedro Scooby, Douglas Silva e Paulo André ganharam status de queridos da audiência, com direito a desfile de modelitos fashion no Baile da Vogue, que esse ano brindou a brasilidade fantástica. 

Na ficção, após uma leva de projetos menores que sucederam Boyhood (2014), Richard Linklater está de volta à ativa na nova aposta da Netflix, Apollo 10 e Meio. E Linklater não só voltou a boa forma mas também aos campos em que domina: as crônicas da vida comum, principalmente da infância e adolescência e a rotoscopia. O filme, que é uma espécie de semi-autobiografia do diretor, conta a história de Stan, um jovem que, após um erro de cálculo da NASA que faz com que a cabine do futuro Apollo 11 fosse pequena demais para um adulto, é recrutado para a agora Apollo 10 e Meio.

O diretor prefere se abster de uma crítica política mais ácida ao período da época para dar foco em como a Guerra do Vietnã e a contracultura interferiram na visão que o jovem Stan tem do mundo durante seu processo de amadurecimento. Vale ressaltar que, além da técnica de rotoscopia, outros méritos de Apollo 10 ½: A Space Age Adventure vão também para as atuações, incluindo a deliciosa narração do Jack Black; e para a trilha sonora psicodélica dos anos sessenta que casa perfeitamente com o estilo de animação.

Longe do sucesso crítico do novo trabalho de Linklater, o diretor Judd Apatow decidiu satirizar um set de filmagens em período de pandemia em A Bolha (The Bubble). Ainda na Netflix, misturando a leveza e a pegada despojada, o cineasta Peter Sollett dirigiu o roteiro de D. B. Weiss (um dos produtores de Game of Thrones) e deu vida a Metal Lords, que narra a jornada de três adolescentes deslocados que têm paixão pela Música, especialmente pelo heavy metal, gênero homenageado com as participações de Kirk Hammett (Metallica), Rob Halford (Judas Priest), Scott Ian (Anthrax) e Tom Morello (Rage Against the Machine, que atua como produtor executivo).

O filme possui protagonistas que estão em seu próprio caminho de autodescobrimento e autoaceitação: Kevin (Jaeden Martell), que inicia a trama sem saber muito sobre o gênero musical e sua relação com ele; Hunter (Adrian Greensmith), que tem problemas para lidar com emoções e interações sociais; e Emily (Isis Hainsworth), tímida, mas propensa a ataques de fúria. Juntos, o trio se torna a banda Skull Fucker (posteriormente Skull Flower) e enfrenta a banda pop Mollycoddle, liderada por Clay (Noah Urrea). 

Asa Butterfield pode até estampar o material promocional de Escolha ou Morra (Choose or Die), mas a estrela de Sex Education fica na sombra de Lola Evans, a verdadeira protagonista do terror dirigido por Toby Meakins. Mais catastrófico que ele foi a estreia de 365 Dias: Hoje. Continuando o fracasso de crítica mas sucesso de público 365 dni, o longa romantiza questões problemáticas e se vende com um pornô estiloso demais para os sites gratuitos. 

Meses depois de hipnotizar o público do Festival de Berlim, Pequena Mamãe (Petite Maman) chegou ao Brasil através do Amazon Prime Video. Munido do realismo fantástico único com o qual Céline Sciamma tem assinado suas últimas obras, o filme mais recente da diretora francesa carrega, desde sua estreia na capital alemã em 2021, a difícil tarefa de suceder o espetáculo de Retrato de Uma Jovem em Chamas – e aqui vai um spoiler amigo: tudo o que a história de Marion (Gabrielle Sanz) e Nelly (Josephine Sanz) deseja e concretiza é existir por si mesma.

Isso é quase uma alegoria para o próprio filme, que trabalha uma narrativa de amadurecimento de forma objetivamente simples e subjetivamente complexa. Ao viver o luto de sua avó, a pequena Marion guarda em seus olhares tímidos e curiosos a necessidade de entender um dos momentos mais delicados da vida de sua família aos oito anos. Na condução gentil e firme de Sciamma, Pequena Mamãe relaciona dimensões emocionais intergeracionais sem qualquer pretensão de extrair uma exaustiva análise psicológica de suas personagens naturalmente encantadoras – definitivamente, a habilidade nata do Cinema de Céline Sciamma.  

Enquanto não chegava ao fim da exibição de Cavaleiro da Lua, o streaming do Mickey presenteou os fãs de musicais. Primeiro com Apresentando, Nate (Better Nate Than Ever), que tem Joshua Bassett no elenco. Depois, com Os Simpsons: Quando Billie Eilish Encontra Lisa (The Simpsons: When Billie Met Lisa). A obra narra a busca da filha do meio da família de seres amarelos por um ambiente tranquilo para tocar saxofone, quando acaba se deparando com a cantora. Apesar da duração de quatro minutos, não faltou tempo para a trama fazer piadas com a Disney, com o produtor musical Finneas O’Connell e, até mesmo, com a própria Eilish.

Em Abril, a MUBI foi palco de duas notórias produções estrangeiras. Com a Itália como cenário do longa, O Conto do Caranguejo Rei (The Tale of King Crab), filme dirigido por Alessio Rigo de Righi e Matteo Zoppis, narra uma história de conflitos entre Luciano, um aldeão que vive na Tuscia, e o príncipe da região. Essa intriga resulta no exílio do plebeu, que passa a viver em Tierra del Fuego com escavadores de ouro. 

White Building, o escolhido a representante cambojano na disputa pela vaga de Melhor Filme Internacional no Oscar 2022, também marca a estreia do diretor Neang Kavich em longas. O filme conta a história de Samnang, um aspirante a dançarino de 20 anos que vive com seus dois amigos e familiares em um prédio fadado à demolição na capital Phnom Penh. Para lidar com o estrangulamento que uma cidade em constante mudança causa em um jovem também em mudança, o diretor aposta na contemplação e nos planos longos, fazendo do filme, mais um expoente do slow cinema.

Entre os grandes lançamentos de terror de 2022, X tinha um lugar especial no pódio das expectativas. O slasher distribuído pela A24 é dirigido por Ti West (A Casa do Demônio) e acompanha uma equipe que decide fazer um filme adulto na região rural do Texas, no final da década de 1970. Quando seus anfitriões reclusos os pegam no flagra, o grupo passa a lutar desesperadamente por suas vidas. Aguardado pelos fãs de filmes do gênero, X tem um ritmo lento, utilizado para estabelecer bem a dinâmica entre os personagens e o ambiente rural inóspito. 

No entanto, a demora para que a violência exploda de vez e a repetição excessiva de temas ligados à religião mostram que o filme não aproveita todo o potencial para o terror que estabelece na maior parte de sua duração. É fato que o longa entrega uma dose considerável de sangue nos últimos 20 minutos, mas poderia ter ido mais fundo na luta pela sobrevivência que os personagens estavam experienciando. O grande destaque vai para Mia Goth (Emma.) e Jenna Ortega (Pânico), que se entregam completamente aos seus respectivos papéis e exibem atuações viscerais perfeitas para o gênero no qual estão inseridas. 

Algumas semanas antes de comemorar os 20 anos de Homem-Aranha e mergulhar na loucura de Doutor Estranho 2, o diretor Sam Raimi produziu outro terror de Abril: Umma. Estrelado por Sandra Oh, a obra narra a história de Amanda e sua filha, que vivem uma vida pacata em uma fazenda americana. Quando os restos mortais da mãe ausente da primeira chegam da Coreia do Sul, ela passa a ser assombrada pelas memórias e pelo medo de se transformar na própria mãe. Apesar da premissa promissora, Umma não caiu no gosto da audiência, marcando o quarto mês de 2022 de maneira negativa para Oh, que também deu adeus a uma nada inspirada temporada final de Killing Eve.

Se a ex-médica de Grey’s Anatomy se encontra numa maré de azar, Nicolas Cage deu um cavalo de pau na carreira e agora surfa na aclamação. Após uma série de projetos extremamente duvidosos, surgiu a piada em Hollywood de que Cage aceitava qualquer papel por 1 milhão de dólares, tanto que, ele virou a personificação de ator com boleto para pagar (ou com dívida de jogo, como já diria Isabela Boscov). É justamente a partir dessa premissa que O Peso do Talento se desenvolve. 

Mesmo sendo uma comédia baseada em uma piada, The Unbearable Weight of Massive Talent é uma ode a um dos atores mais excêntricos, carismáticos e adorados do Cinema. Ele aqui abraça a piada e desenvolve uma química fenomenal com Pedro Pascal ao longo da história, que propositalmente é desenvolvida como se fosse um dos filmes mais mirabolantes do qual o ator aceitou participar. O longa é muito consciente ao misturar a comédia encarnada na carreira do vencedor do Oscar ao mesmo tempo que o homenageia com seus momentos de ternura, dando a Cage o que é de Cage.

Mais movimentadas do que nunca, as salas de cinema receberam grandes nomes de Hollywood e do Brasil no mês. A começar por Medida Provisória, primeiro longa dirigido por Lázaro Ramos, que nos apresenta a um futuro distópico em que um governo tirano promove medidas para deportar os cidadãos brasileiros negros para o continente africano. A ideia absurda desencadeia uma série de protestos e movimentos de resistência pelo território nacional. O filme, que apresenta um tom crítico semelhante ao de Bacurau, escalou grandes nomes para compor o elenco, como Taís Araújo, Adriana Esteves, Seu Jorge, Emicida, Renata Sorrah e Alfred Enoch.

Em alta por seu papel na majestosa Pantanal, Dira Paes protagoniza Pureza. O filme estreou no 52º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, fez campanha para o Oscar 2021 e percorreu várias premiações até chegar aos cinemas, após dois anos de pandemia. A história, como esperado, é dolorosa e nada fácil de encarar: no começo da década de 90, uma mãe dava início a busca por seu filho, que havia saído de casa para tentar a vida nos garimpos da Amazônia.

Munida apenas da roupa do corpo e do amor de mãe, Pureza Lopes Loiola descobriu que ele provavelmente estaria trabalhando em condições análogas a escravidão. Até resgatá-lo, ela mergulhou na realidade brasileira que ainda possui raízes no trabalho escravo. Responsável direta pela criação do Grupo Especial de Fiscalização Móvel, Pureza deu o nome e a história para o longa de Renato Barbieri, cineasta de Atlântico Negro – Na Rota dos Orixás (1998) e Cora Coralina – Todas as Vidas (2015), que toma uma certa liberdade criativa para sustentar o drama biográfico. 

Com passagem pela 44ª Mostra de SP, outro título que passou por festivais antes de chegar às salas comerciais foi Mar de Dentro. Daiana Toffoli, a diretora de Manhãs de Setembro (2021) e De Volta Aos 15 (2022) assina um longa-metragem pela primeira vez na carreira, mergulhando Monica Iozzi nas profundezas de uma gravidez não planejada. Na pele de Manuela, uma publicitária bem sucedida, a atriz encara e escancara a complexidade de uma gestação.

Grande título internacional do mês, e após quatro anos de jejum da saga, Animais Fantásticos retorna para o seu terceiro filme, dessa vez com uma história centrada entre a Alemanha e o Butão. Os Segredos de Dumbledore apresenta uma história muito mais política do que mágica, com as eleições para a Confederação Internacional dos Bruxos como holofote da narrativa, o que deixa os segredos do diretor de Hogwarts de lado.

The Secrets of Dumbledore conta com o retorno de David Yates na cadeira de direção, com um roteiro assinado por J. K. Rowling e Steve Kloves (chamado às pressas depois do fracasso colossal do volume anterior). Também reprisam seus papéis Eddie Redmayne, Jude Law e Dan Fogler, com alguns atores novos adicionados à franquia, como William Nadylam e a incrível Maria Fernando Cândido. Importante ressaltar a presença quase nula de Katherine Waterson, atriz que bateu de frente aos comentários transfóbicos de Rowling e, mesmo sendo o par do protagonista, mal aparece no filme.

Não tem jeito, não importa o charme de Jude Law ou os números pífios de bilheteria que podem acabar com a chance da série ganhar mais filmes, todas as manchetes se voltam para o elenco problemático da franquia. Em julgamento por abuso e violência doméstica, Johnny Depp foi demitido e substituído por Mads Mikkelsen no papel do vilão Grindelwald. A escolha, acertada em gênero, número e grau, denota o talento do norueguês, que não tenta imitar o americano, dando ao bruxo suas próprias características e nuances. 

Figurinha carimbada das comédias românticas, Sandra Bullock revisita o seu passado pela direção dos irmãos Aaron e Adam Nee em Cidade Perdida, o novo longa de aventura da Paramount Pictures para o Cinema. Bullock interpreta Loretta Sage, uma autora que é raptada durante a turnê de divulgação do seu mais novo romance. Ao lado de Channing Tatum na pele de Alan, o modelo de capa do livro, a satirização de clichês tenta a todo custo tirar a risada de quem assiste.

Em uma participação especial que faz o público pedir bis, Brad Pitt não tem medo do ridículo e encara a melhor versão do agente desastrado Jack Trainer. O cargo de vilão é trabalho para Daniel Radcliffe, o sequestrador Abigail Fairfax. The Lost City é despretensiosa na mesma medida que genial. Com um elenco de peso, o blockbuster deve arrecadar o suficiente em bilheteria para cobrir o seu custo de 68 milhões de dólares.

Outro sucesso do mês pascoal foi o ouriço azul mais veloz do planeta. Em Sonic 2 – O Filme, as aventuras do personagem titular, dublado por Ben Schwartz, mais uma vez se cruzam com o super vilão Dr Robotnik (Jim Carrey) e recebem a benção de Knuckles (Idris Elba) e Tails (Colleen O’Shaughnessey). Aqui está o escolhido do mês como o filme-para-toda-a-família: inspirando o revival do ícone dos anos 90 no imaginário da geração Z, a sequência entrega o carisma que promete com o seu elenco e faz a saga caminhar em direção à superação dos percalços passados. 

No campo das animações, uma das maiores bilheterias na história dos animes e dono de um selo Fresh no Rotten Tomatoes, Jujutsu Kaisen 0 é o filme inspirado no mangá de mesmo nome que antecede o quadrinho de sucesso Jujutsu Kaisen. O Volume 0 narra as aventuras sobrenaturais de Yuta Okkotsu, um jovem assombrado pela sua amiga de infância e paixão platônica Rika Orimoto. Ambientado em Tóquio, o desenvolvimento da trama toma forma quando Okkotsu acaba se matriculando em um Colégio Técnico de Jujutsu repleto de mistérios. 

Para fechar os filmes prestigiados nas salas, a coprodução ítalo-brasileira, O Traidor recebeu aplausos e elogios desde sua estreia no Festival de Cannes em 2019, se tornando um dos mais premiados filmes do Cinema italiano recente. Anos depois, o público geral finalmente poderá assistir Marco Bellocchio em toda a sua glória.

Do mesmo diretor de De Punhos Cerrados (1965) e Vincere (2009), não é de se estranhar o cunho crítico com o qual O Traidor trata a política italiana. O filme é baseado na vida de Tommaso Buscetta, mafioso da Cosa Nostra que posteriormente colaborou com a justiça para delatar o esquema de corrupção. A atriz brasileira Maria Fernanda Cândido, em dose dupla nos cartazes do Cinema em abril, interpreta a esposa de Buscetta, Maria Cristina de Almeida Guimarães.

A Televisão de Abril pode muito bem ser dividida entre estreias empolgantes e conclusões aguardadas. Na Netflix, Ozark se despediu menos emaranhada do que de costume. Depois de respirar à beira do precipício com o sétimo episódio, a parcela final da quarta temporada movimenta os personagens entre o cartel, o FBI e a ascensão política. Marty (Jason Bateman) solta a embreagem e permite pequenas explosões, ao passo que Ruth (Julia Garner) tem material suficiente para marcar a História das telinhas.

Melhor e mais destemida do que antes, Wendy (Laura Linney) usa a loucura como carta magna nos momentos de escrever seu futuro. Depois de 44 episódios recheados de tensão, filtro azul e muitos sotaques caipiras, o veículo mais sóbrio da Netflix desata seus nós versando sobre o legado, o amor familiar e a falta de consequências para os abastados. O mundo é dos privilegiados, mas isso Ozark já havia nos dito desde 2017. Meia década depois, a lembrança é amarga, mas nunca surpreendente. 

Três anos depois de dobrar o tempo com a primeira temporada de Boneca Russa, Natasha Lyonne retorna. O ano dois, que dessa vez se envereda para viagens no tempo e um bocado de trauma familiar, é ainda mais inventivo que a estreia, por mais que a ideia de dar continuidade a algo tão único e singular como Russian Doll possa soar profano. E para quem ainda bate o pé sem vontade de mergulhar em 7 novos capítulos, a participação hiper-especial de Annie Murphy é o bastante para o convencimento. 

Grace and Frankie acabou na 7ª temporada, se tornando a produção original da Netflix com o maior número de episódios lançados. Ainda no tudum, David E. Kelley pulou da HBO para criar e escrever Anatomia de um Escândalo (Anatomy of a Scandal), um mistério que toma de base o livro de Sarah Vaughan. E se os assinantes do streaming esperavam melhorias para a quinta temporada de Elite, eles se decepcionaram mais uma vez. O quinto ano da série continua se apoiando em um plot reciclado, que alterrna entre um caso de assassinato e muitas cenas de sexo apelativas. 

Entre os personagens originais, ficaram apenas Samuel (Itzan Escamilla) e Omar (Omar Ayuoso), que aparecem com personalidades e uma amizade que nada têm a ver com o início da produção. Já entre rostinhos novos estão Isadora (Valentina Zenere), Iván (o brasileiro André Lamoglia), Bilal (Adam Nouru) e Cruz (Carloto Cotta), mas nem mesmo a adição deles conseguiu movimentar a história maçante. Toda a trama se desenvolve de forma superficial e repetitiva, e, apesar de abordar assuntos importantes (como discussões que perpassam os tabus do estupro, pedofilia, abuso psicológico e vício), a maioria é tratada de forma irresponsável e irreal. Uma sexta temporada já foi confirmada, e só o que resta para os fãs é rezar por uma luz no fim do túnel. 

Para os românticos de plantão, Abril findou a espera pela adaptação de Heartstopper. Com o envolvimento da autora Alice Oseman, a saga de Charlie e Nick foi levada às telinhas com a leveza das HQs, incrementada pelas performances deliciosas de Joe Locke, Kit Connor e companhia. Ainda sem confirmação de uma bem-vinda temporada dois, a história do encontro entre dois garotos borbulha nas redes sociais e fumega para além das telas, dando à comunidade queer um amor idealizado, perfeito e impossível de largar.

Na contramão das borboletas no estômago da paixão juvenil, a Apple TV+ chegou com duas pedradas. Depois de desbancar gigantes do streaming no último Oscar, a produtora resolveu iniciar a temporada com os dois pés na porta com a postulante a melhor série do ano, Ruptura (Severance). Com um elenco que tem nomes como Adam Scott, Christopher Walken, John Turturro e a queridinha da Televisão Patricia Arquette, a produção é um deleite de ficção científica. Seu roteiro, que mistura toques de Black Mirror, O Show de Truman e David Lynch, foi milimetricamente escrito e faz com que os mistérios da trama e seus vislumbres de surrealismo se desenvolvam de forma muito engenhosa e cativante. 

A isso junta-se um primor técnico, desde sua direção concisa, cargo dividido entre Ben Stiller e Aoife McArdle, até outros aspectos como uma montagem e design de produção e som agonizantes, que dão o tom daquele ambiente de trabalho nada ortodoxo (mas que faria muito sucesso no LinkedIn). Diferentemente da premissa, onde se é possível separar seu “eu” do trabalho de sua vida pessoal e esquecer esses ambientes num piscar de olhos, é impossível tirar Ruptura da cabeça.

O HBO Max viu a consagração de Queen Stars, reality que envolve drag e cantoria, com a apresentação de Pabllo Vittar e Luisa Sonza. Além disso, Minx: Uma Para Elas fez barulho o suficiente para ter uma segunda temporada anunciada. A comédia criada por Ellen Rapoport acompanha Joyce (Ophelia Lovibond), uma jovem feminista que une forças com o editor Doug Renetti (Jake Johnson) para criar a primeira revista erótica voltada ao público feminino. A série, que possui 10 episódios com duração de aproximadamente meia hora, tem Paul Feig (Missão Madrinha de Casamento, Caça Fantasmas) como um dos produtores, e um elenco que esbanja os nomes de Michael Angarano (Quase Famosos), Sofia Gonzalez (Grace and Frankie) e Amy Landecker (Transparent). 

Ainda no aplicativo roxinho, e inspirada no livro reportagem Tóquio Proibida, de Jake Adelstein, a série Tokyo Vice se consolida como um envolvente drama policial, nos mostrando o submundo da cidade de Tóquio no final dos anos 1990 e o funcionamento da Yakuza – vista de perto pelo autor do livro . Em 2013, a produção foi concebida como um filme, e Daniel Radcliffe chegou a ser contratado para dar vida ao protagonista Jake. No entanto, seis anos depois, o projeto foi reformulado para uma série em 8 episódios, e o ator Ansel Elgort (Baby Driver, A Culpa é das Estrelas) assumiu o lugar de Radcliffe, dando vida ao primeiro jornalista estrangeiro a ser contratado no prestigioso jornal The Yomiuri Shimbun. 

A Tóquio Proibida de Jake Adelstein é capturada por alguns takes que fazem lembrar Encontros e Desencontros (Lost in Translation) – talvez pelo jogo de luz e pelo próprio cenário de Tóquio –, mas em alguns trechos parecem haver referências à Miami Vice, e isso não é por acaso. Embora a maioria dos episódios tenham sido dirigidos por Josef Kubota Wladyka, é Michael Mann quem dirige o piloto – o diretor do filme de 2006. 

Sua ambientação é tão poderosa que quase podemos sentir o cheiro de nicotina invadir nosso quarto enquanto tentamos desvendar os rostos escuros que perambulam pelas ruas obscurecidas de Tóquio. O desenvolvimento da série é lento, e foca no amadurecimento pessoal dos personagens. Além disso, a produção mostra a força que a máfia japonesa detinha no Japão, mantendo uma censura não declarada nos jornais locais, em que não se podia noticiar nenhum homicídio. “Não existe homicídio no Japão se nenhum policial falar que foi homicídio”, Jake ouve após tentar noticiar um assassinato visto com seus próprios olhos.

Streaming mais adulto do grupo Disney, o Star+ recebeu a megalomania de The Dropout, minissérie com fome de Emmy que coloca Amanda Seyfried numa sinuca de bico. A história, que se baseia em eventos reais, mostra a tentativa da fundadora da Theranos, Elizabeth Holmes, de revolucionar o setor de saúde após abandonar a faculdade e iniciar uma empresa de tecnologia. Entre fraudes, performances memoráveis e reviravoltas de arrepiar os cabelos, a produção do Hulu tem tudo para crescer ao longo dos próximos meses. 

Enquanto alguns emergem, The Walking Dead caminha para o fim. A série de Televisão da AMC voltou a ser exibida no começo de 2022 e, agora, com a segunda parte da última temporada finalizada, o gran finale deverá acontecer em outubro. Prometendo entregar uma despedida digna para os fãs, os episódios da parte 2 da 11ª temporada tiveram como o principal evento a dominação de Alexandria, Hilltop e Oceanside pela Commonwealth, elevando as expectativas para uma guerra liderada por Daryl (Norman Reedus) e Maggie (Lauren Cohan) contra o Império.

Também no bonde da despedida, e após 176 episódios exibidos, chegou o momento de black-ish dar adeus aos fãs. Estrelada por Anthony Anderson e Tracee Ellis Ross, a sitcom do casal de protagonistas, Dre e Bow, tem a felicidade de ser encerrada com o sentimento de dever cumprido: a família Johnson conseguiu manter e fazer presente a sua identidade cultural negra, mesmo vivendo em um bairro branco de classe média alta.

Em 2022, os últimos episódios contaram com muito humor e emoção, além das participações especiais do ex-jogador de basquete Magic Johnson e da ginasta Simone Biles. A série exibida pela ABC possui incontáveis indicações aos principais prêmios da Televisão estadunidense. Entre eles, o BET Awards, o SAG e o Emmy Awards, o último segue devendo duas estatuetas de Melhor Ator e Atriz em Série de Comédia para Anderson e Ross. Com o fim, fica a dúvida: a 8ª temporada irá quebrar esse jejum?

O remake de Um Maluco no Pedaço, batizado apenas de Bel-Air, encerrou sua jornada inicial na TV, levantando elogios pelo tom mais dramático e pela acertada escalação de Jabari Banks no papel que deu o estrelato ao vencedor do Oscar Will Smith. Também amparada pelo apoio crítico e do público, na Itália, a HBO deu fim ao terceiro ano de A Amiga Genial, drama de amadurecimento que se baseia na obra mais famosa de Elena Ferrante. 

Em Abril de 2022, o público queer comeu o pão que o diabo amassou com a temporada final de Killing Eve. Apressada, nada concisa ou mesmo certa da história que gostaria de detalhar antes de encerrar o jogo de gato e rato, a produção demorou a engatar e, quando encontrou a marcha ideal para os sacrifícios de Eve (Sandra Oh) e Villanelle (Jodie Comer), já era tarde demais. Isso, e claro, a conclusão cretina que além de matar o amor menos saudável da atualidade, também assassinou a esperança dos fãs.

E para os que sobreviveram à amargura que o drama impregnou no paladar, foi vez de limpar a garganta com a 14ª temporada de RuPaul’s Drag Race. Ela foi longa, e dos 14 episódios competitivos, 7 deles não encontraram eliminação alguma. O senso de estagnação na Corrida das Loucas foi eclipsado pelo melhor elenco de drags desde os tempos de ouro de Sasha e Shea, além de diversificar suas competidoras. Pela primeira vez na histórias, 5 mulheres trans foram escaladas (e três delas se revelaram ao mundo como parte da comunidade trans durante a exibição do programa).

Entre o primeiro competidor homem cis hétero, o truque das barras de ouro, uma eliminação precoce e o pior Snatch Game em quase quinze anos, a temporada 14 coroou Willow Pill, drag queen que se identifica como pessoa trans feminina, filha/irmã de Yvie Oddly e uma das figuras mais marcantes da mitologia do show. Ao lado dela, que impressionou desde o Show de Talentos dadaísta até se tornar a primeira trans a vencer o programa principal, subiu ao trono Kornbread “The Snack” Jeté, a primeira Miss Simpatia trans de Drag Race. No fim, 16 extensos capítulos foram a quantia certa para a história ser mudada, graças aos deuses drag e ao talento de Pill, Jeté, Bosco, Lady Camden, Daya Betty, Angeria e companhia. 

Foi difícil compilar o melhor e o pior de Abril de 2022 entre as telonas e as telinhas, o que parece se tornar rotina, considerando que, com a volta ao novo normal, o Cinema e a TV se rearranjam, tiram o atraso da pandemia e despejam lançamentos semanalmente. É tanto filme e série que fica difícil para qualquer um acompanhar os movimentos do mundo cultural. Mas, para os que procuram um seriado com garra e audácia cômica, a dica da vez é Abott Elementary. A trama segue um grupo de professores reunidos numa das piores escolas públicas do país, simplesmente porque adoram ensinar, e tem no elenco a criadora do show Quinta Brunson, que se destaca junto de Tyler James Williams, Janelle James e Sheryl Lee Ralph.

Para Maio, resta um Multiverso da Loucura, um Homem do Norte, um Cavaleiro da Lua e muito, mas muito mais. No aquecimento para a tempestuosa e movimentada corrida do Emmy 2022, acontece também o 75º Festival de Cannes. No Persona, você acompanha os pormenores e as engrenagens do audiovisual, sempre banhado pelas dicas mais deliciosas e suculentas do mercado. Até lá! 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Bruno Andrade, Caio Machado, Gabriel Gatti, Gabrielli Natividade da Silva, Guilherme Veiga, Nathalia Tetzner e Raquel Dutra

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Remixes de músicas consagradas são muito polêmicos. Imagine então uma coletânea de novas versões para as canções imortais de Rita Lee, qual a chance de dar certo? Spoiler: deu e muito. Em Abril, fomos presenteados com o interessante Rita Lee & Roberto – Classix Remix Vol. l, idealizado pelo filho do casal, João Lee. É claro que as novas roupagens nem se comparam com a genialidade original da cantora, mas não é nenhum desastre, e sim um disco muito divertido de se ouvir. 

Falando em clássicos, esse é um instantâneo: DUDA BEAT, tesouro nacional, está de volta com o maravilhoso Te Amo Lá Fora. A pernambucana queridinha do Brasil com certeza estará em muitas listas de melhores do ano. Os donos do sertanejo universitário também trouxeram novidades em Tudo em Paz, mostrando que 15 anos de carreira não foram suficientes para esgotar a arte da dupla Jorge & Mateus, que segue encantando os fãs com sua música. 

Por aqui também tivemos POCAH descobrindo durante uma festa enquanto ainda estava no BBB que sua música com Lia Clark, Eu Viciei, tinha sido lançada. O funk, assinado pelo trio Hitmaker, entra para a lista de músicas que teriam bombado em todas as festas se não fosse a pandemia. Ludmilla e Xamã também colocaram no mundo uma ótima parceria: Gato Siamês deixa claro que Lud também nasceu para cantar R&B. Em Abril, rolou até uma colaboração internacional: Luísa Sonza e Bruno Martini foram convidados para um remix de Cry About It Later, de Katy Perry.

Nos States, assistimos Demi Lovato colocar seu coração nas canções de Dancing With The Devil… The Art of Starting Over, e estabelecer o disco como o melhor trabalho de sua carreira, com viciantes faixas pop e um desabafo sincero de alguém que quase nos deixou mas conseguiu recuperar sua vida. Taylor Swift também fez história em sua carreira ao lançar a primeira das regravações de seus álbuns antigos, que estão encaminhadas para sair nos próximos meses. Depois de ter sido impedida de comprar os masters de suas músicas, a artista decidiu voltar ao estúdio e regravar cada um de seus discos. Fearless (Taylor’s Version) já está entre nós, e que venham os outros!

Doja Cat finalmente foi libertada do cativeiro Say So e já começou a divulgar seu novíssimo álbum, Planet Her. O primeiro single escolhido é a contagiante Kiss Me More, ao lado de SZA. Twenty One Pilots também fez seu comeback cor-de-rosa e azul bebê. Choker e Shy Away são uma indicação que teremos uma era mais pop ainda do duo, e com uma vibe retrô. BROCKHAMPTON retornou iluminando toda sua criatividade em seu novo disco, enquanto Rina Sayama e Elton John se juntaram para uma parceria e regravaram Chosen Family, de Rina. No ano passado, Elton John declarou que SAWAYAMA era seu álbum favorito de 2020.

No Reino Unido, ao lado das drag queens A’Whora, Tayce e Bimini Bon-Boulash, que participaram da segunda temporada de Drag Race UK, as meninas do Little Mix lançaram seu primeiro trabalho em formação de trio. A nova versão de Confetti também contou com a colaboração da rapper Saweetie. Falando em girlbands, as sucessoras naturais do Little Mix nos apresentaram seu primeiro EP. As integrantes da Boys World estão apenas começando a trilhar seu caminho, e aos poucos estão construindo uma discografia promissora e empolgante, como a perfeita Girlfriends. 

Olivia Rodrigo, o rostinho da Geração Z, continua fazendo muito barulho mesmo tendo apenas duas músicas lançadas em sua carreira solo. Dessa vez foi deja vu que explodiu no streaming e viralizou no TikTok. O debut da cantora, SOUR, nem viu a luz do dia ainda, mas já acumula mais de 1 bilhão de streams. Billie Eilish também está se preparando para lançar seu segundo álbum. As faixas que já pudemos ouvir, my future, Therefore I Am e, agora, Your Power, só aumentam as expectativas desse próximo trabalho de Billie. Com uma atmosfera mais adulta sem perder a essência Eilish, a pergunta que já começa a aparecer é: será que vem mais um AOTY aí? 

No assunto bedroom pop, temos Ryan Woods. O jovem cantor alternativo é também produtor de suas canções, e colocou no mundo seu primeiro EP, King of the Basement. Nos distanciando um pouco mais do mainstream, dois trabalhos se destacaram com aclamação da crítica. O primeiro é Vulture Prince, obra-prima de Arooj Aftab que encontra um lugar entre a tradição da música oriental e a contemporaneidade dos sons do ocidente para atingir a universalidade da experiência do luto e processamento da dor. Longe da serenidade da musicista paquistanesa radicada em Nova York, está o barulho do hardcore divertido de The Armed em ULTRAPOP.

Abril também foi o mês de celebrar o maior evento do Cinema que encontra uma graça especial em suas performances musicais. No terraço do Museu da Academia, quatro das músicas indicadas a Melhor Canção Original foram brilhantemente entoadas, mas a honra da dimensão musical do Oscar foi dela, literalmente. Aos 26 anos, H.E.R. já tem estatuetas do Grammy e Oscar na prateleira de casa, e seu novo disco, com lançamento previsto para o segundo semestre de 2021, promete.

Para um mês recheado de novidades, retornos e expectativas, a Editoria e os colaboradores do Persona prepararam o seu guia mensal que abriga tudo o que rolou no mundo da música num só lugar. Conecte seus fones de ouvido para passear conosco pelos sons que nos encontraram através dos CDs, EPs, singles, clipes e performances no Nota Musical de Abril de 2021.

CDs

Demi Lovato – Dancing With The Devil… The Art of Starting Over

Desabafo é a palavra que descreve o novo álbum de Demi Lovato. Em toda a sua carreira, ela nunca se arriscou dessa forma e o resultado não poderia não ser espetacular. Tudo aquilo que estava preso na garganta, ela soltou em Dancing With The Devil… The Art of Starting Over. 

Seu pedido de socorro já começa na primeira faixa, Anyone, a qual ela declama com todas as palavras que ela precisa de alguém. Ela percorre seus sentimentos mais sinceros por todas as faixas, desde o complicado relacionamento com o pai até sobre seus transtornos alimentares. Agora, revigorada e com uma voz de dar inveja, sua sobriedade californiana está “cansada de ser conhecida pela minha doença” e pronta para mostrar seu devido valor. – Júlia Paes de Arruda

Rita Lee é um fenômeno inegável da Música Popular Brasileira. A cantora, dona de pelo menos um hit em cada década desde dos anos 60, é estrondosa desde sua banda Os Mutantes, mas conquistou seu maior reconhecimento e o auge de sua carreira ao lado de seu glorioso marido Roberto de Carvalho. Juntos, eles tiveram três filhos e marcaram toda uma geração com suas polêmicas e dançantes músicas. Idealizado pelo filho do casal, João Lee, o Classix Remix é uma releitura feita por DJs, das maiores canções da dupla.

Mania de Você, a música mais marcante da discografia de Rita, ganhou um delicioso remix de Dubdogz & Watzgood e outro mais noturno de Harry Romero. Lança Perfume foi assinada pelo francês The Reflex, que soube aproveitar a sonoridade original do clássico. Tropkillaz também está presente no projeto, trazendo um som mais contemporâneo pra inigualável Saúde. Trabalhar com remix é sempre um tiro no escuro, mas o tato de João Lee fez com que o alvo fosse acertado em cheio. – Ana Júlia Trevisan

Charlotte Cardin – Phoenix

É hora de conhecer Charlotte Cardin. A cantora e compositora canadense surgiu nos holofotes da música como uma das finalistas do La Voix (versão do programa de calouros The Voice de Québec) em 2013, aos 19 anos. Seu primeiro EP, intitulado Big Boy, foi lançado em 2016, seguido por Main Girl, em 2017. Com esses trabalhos, a artista recebeu duas indicações para o Juno Awards, o ‘Grammy canadense’, em 2018, como Artista Revelação do Ano e Compositora do Ano. Desde então, muitos singles nasciam vez ou outra preparando o terreno para seu primeiro álbum, que depois de dois anos de produção, chega até nós com o nome de Phoenix.

A inauguração da discografia da artista de 26 anos conserva suas raízes e influências culturais e musicais passeando entre o inglês e o francês, o pop, electro e jazz. O resultado impresso em Phoenix é de um electro-jazz e pop-soul que flerta com um R&B carregado de contemporaneidade, já que das canções mais dançantes às baladas, Cardin está à vontade na plenitude da energia da juventude, tanto em seus pontos de celebração, quanto de frustração. Mesmo trabalhando com a obviedade das desilusões amorosas, autoconhecimento e desabafos enraivecidos de quem busca entender a si mesmo e seu lugar no mundo, Phoenix ainda é vertiginoso e enigmático. 

Existe a segurança e o preço de se trabalhar com clichês, mas se Cardin ainda ensaia o acabamento de suas composições, como intérprete não guarda hesitação alguma. O vozeirão da vocalista de Phoenix é plenamente valorizado junto da arquitetura sonora do disco. Ouça os singles Passive Aggressive e Meaningless para se compreender o potencial de seu pop e Sex To Me para se viciar nele, Anyone Who Loves Me para topar com seu controle vocal excepcional, Je quitte para se embalar no jazz francês, e Sad Girl para conhecer a identidade de Charlotte Cardin e não esquecer mais dela. – Raquel Dutra

Taylor Swift – Fearless (Taylor’s Version)

Taylor Swift sempre foi dona de suas próprias narrativas, e nem mesmo a venda de sua discografia a impediu de tentar. Após quase dois anos de espera, ela reconquista seus direitos autorais com seu décimo álbum de estúdio, Fearless (Taylor’s Version). Além das 20 faixas da obra original, ela traz seis novas canções como parte do side de inéditas chamado The Vault. Mr. Perfectly Fine é a cartada clássica de Swift sobre um término abrupto e That’s When (feat. Keith Urban) é a colaboração masculina essencial que seus primeiros álbuns nunca tiveram. 

É quase impossível colocar em palavras o impacto de Fearless (Taylor’s Version). O disco consegue trazer as mesmas emoções que criou no imaginário popular treze anos antes, seja no universo shakespeariano de Love Story ou no romance adolescente de You Belong With Me. Poucos artistas conseguem se conectar com sua audiência de forma tão gloriosa como Taylor Swift – a longevidade de suas composições é imensurável. Escutar Fearless é uma jornada cheia de anacronismos que nos leva aos lugares que, junto com Taylor, já visitamos antes. – Laís David

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE

JOBA, um dos vocalistas da boyband BROCKHAMPTON, ao ser perguntado em vídeo promocional qual seria o lugar ideal para ouvir ROADRUNNER, responde algumas coisas: em um parque, parado no acostamento de uma estrada à noite, olhando para as estrelas, “apenas em algum lugar aí fora”. É curioso como, em um disco como ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE – que tem como principal proposta a fuga de uma existência afligente, ao encontro de uma utopia, ou senão, à procura de uma catarse –, a banda nos convide a também exercer essa fuga, a absorver a obra fora da rotina, em um ambiente que realce nosso aspecto absorto, longe de qualquer coisa que remeta à realidade impiedosa em que vivemos.

O que, é claro, não significa que o grupo de rap não encare essa realidade em momento algum no álbum. Junto a momentos agitados e vívidos, mas que sempre carregam também um ar de confusão, questionamento e incômodo, nos deparamos com verdadeiros manifestos trágicos e indigestos, que escancaram com crueza os tormentos pessoais de cada um dos integrantes como em THE LIGHT e THE LIGHT PT. II, e com statements potentes sobre a violência institucionalizada dos Estados Unidos contra grupos raciais e LGBTQ+ em DON’T SHOOT UP THE PARTY. Sua sonoridade é colorida, diversa e dinâmica, atravessando desde momentos mais poderosos e afrontosos como BUZZCUT, BANKROLL e CHAIN ON, até músicas mais brandas que remetem a aspectos clássicos de boyband como COUNT ON ME, OLD NEWS e I’LL TAKE YOU ON, e experimentações mais ousadas como o coral gospel de DEAR LORD e o indie rock guiado por guitarras inspiradas de WHAT’S THE OCCASION?.

Enquanto a trilogia SATURATION, trabalho que consolidou a banda no mainstream, abraça a contradição ao se apropriar de características e elementos do status quo para assim criticá-lo, ROADRUNNER se afasta ao máximo de qualquer coisa que possa aludir à normalidade ou à ordem vigente e, mesmo que não ofereça a solução para todas essas opressões e violências, ele dá o primeiro passo. Encara a realidade como ela é, com o fim de libertar-se dela. Pode até ser que o novo lançamento da BROCKHAMPTON não lhe entregue todas as respostas que precisa, mas com certeza será um espaço de acolhimento. É a proposta de um exercício de identificação e empatia que, talvez, seja exatamente o que estamos precisando. – Enrico Souto

DUDA BEAT – Te Amo Lá Fora

Se você vive no Brasil, com certeza já ouviu Bixinho em algum momento nos últimos três anos, seja numa festinha, na rádio ou até cantado pelos protagonistas do BBB21. DUDA BEAT é um fenômeno nacional: se lançou independente, entregou conceito, poesia pop e ritmos brasileiros em seu debut e em pouco mais de um ano já estava até abrindo show para a gigante britânica Lily Allen. 

Em Te Amo Lá Fora, DUDA prova mais uma vez ser um tesouro nacional. Se Barões da Pisadinha fosse synthpop, eles com certeza teriam lançado Meu Pisêro. A primeira faixa de trabalho do disco já mostrou qual seria o propósito desse CD, misturar a sonoridade que explodiu no Nordeste com um pop puxado para o alternativo, tudo isso em uma embalagem visualmente impecável. O resultado é surpreendente e absolutamente delicioso, e já torna o segundo álbum de DUDA um dos melhores de 2021. – Jho Brunhara

The Armed – ULTRAPOP

A capa colorida e o título enganam: ULTRAPOP não é um álbum espirituoso e/ou facilmente digesto e The Armed não é próximo grupo a estourar nas rádios e dancinhas do TikTok. Trata-se do quarto disco da misteriosa e mutável banda de hardcore punk, que faz sim uso de efeitos vibrantes e divertidos, mas que não deixa de se jogar no peso das guitarras, sintetizadores, baterias, guturais e críticas políticas agudas.

A quebra de expectativa para quem não conhece o trabalho do grupo já acontece nos primeiros minutos. A abertura com a faixa-título apresenta elementos de pop melódico misturados ao caos arquitetado do post-hardcore que explode no single ALL FUTURES e na seguinte MASUNAGA VAPORS. Nessa mistura, o álbum não se torna em momento algum algo obscuro, vide a jovialidade de WHERE MAN KNOWS I WANT e a loucura de REAL FOLK BLUES. 

ULTRAPOP também guarda algo para os punks mais tranquilos. AN ITERATION e AVERAGE DEATH são rocks mais limpos e BAD SELECTION é a mais básica da tracklist – e aqui isso não é de forma alguma um defeito. Ao final, tudo parece se encontrar em THE MUSIC BECOMES A SKULL, que segue mais leve mas não perde a urgência e ensaia algo mais dark em looping com a primeira faixa, confirmando que ULTRAPOP é coisa de doido e uma experiência e tanto. – Raquel Dutra

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Os instrumentos de apoio levitam Jenn Wasner, a voz por trás do Flock of Dimes, ao longo de quarenta minutos, oscilando o miraculoso eu-lírico da americana pelo segundo disco do projeto. Nada novata no meio, Wasner, que coleciona créditos com a banda Wye Oak, com o grupo Bon Iver e também em registro solo, dessa vez se banha nas dores de um término amoroso, criando melodias angustiantes, mas belamente adornadas pelo processo criativo da pandemia e do isolamento social.

Ouvir Head of Roses é como entrar em um quadro histórico, imagine molhar os pés no lago de Ophelia, de John Everett Millais. A cantora modela o Universo nas próprias cordas vocais. A faixa de abertura, 2 Heads, começa com uma Wasner perdida, sem saber justificar sua reflexiva e difusa voz. O trabalho encerra em Head of Roses, com a artista relegada a nunca encontrar sua bússola moral. “Eu não posso te contar o que não sei”, ela declama, e nós sentimos cada sílaba desse ardor. – Vitor Evangelista

Febem – JOVEM OG

Em seu novo álbum, Felipe Desiderio, o Febem, relata como é ser mais um JOVEM OG na Vila Maria, Zona Norte de São Paulo. O artista paulistano que é ex-integrante do extinto grupo de rap ZRM, é conhecido por ter um estilo diferenciado no meio do rap nacional, trazendo referências do grime,  rap old school, trap e até funk, uma mistura que faz com que Febem seja um dos rappers mais versáteis do cenário. Nesse álbum, o músico expressa seus sentimentos, vivências, reflexões e satisfações da forma mais pura possível. Suas letras destacam-se pelas temáticas e se diferenciam em cada música, com linhas sarcásticas, críticas e combativas. Ao ouvir cada faixa do disco, você percebe as diferentes vertentes do rap presentes, músicas que causam o sentimento de nostalgia, outras com um estilo moderno e outras que você quer até dançar. 

As histórias contadas sobre vivências na rua como em Crime e Vai Pensando se completam, a faixa Jovem traz um aprofundamento ainda maior nas questões sobre abuso policial e discriminação, mas também empodera o próprio cantor. O que é de se destacar são as incríveis participações desse álbum. Na faixa Área de Risco as gêmeas Tasha e Tracie foram impecáveis em cada rima, com empoderamento e sarcasmo. Na música Balla, Kyan e Febem deram um show de trocadilhos. Em Sem Tempo, Jean Tassy conseguiu entrar num grande contraste com Febem, mesmo tendo um estilo de canto bem diferente. Na faixa Marcha, Vulgo FK tem muito destaque por conta de sua incrível voz. Na última música do álbum, Me Paga, a participação ficou por conta do mineiro Djonga que casa muito com o estilo do Febem, ao mesmo tempo que a letra traz um sentido de combate e protesto, também engrandece as conquistas deles.

A versatilidade do disco não se dá só sobre as letras e participações, mas também por seu fiel produtor CESRV, que produziu  nove das dez faixas do álbum em que entram em destaque OG e México com temáticas e efeitos totalmente diferentes. O álbum traz diversas reflexões, abordagens e diferentes tipos de entendimento para o ouvinte, que fica com cada vez  mais vontade de escutar. JOVEM OG mostra a nítida evolução de Febem ao decorrer dos anos e comparado à seus antigos álbuns, esse é o mais brilhante. – Matheus Braga 

Vulture Prince é tão lindo quanto sua capa, quanto sua criadora e quanto seu nome. O terceiro disco da musicista paquistanesa radicada em Nova York é uma peça musical delicada e forte sobre luto, dor e superação dedicada ao seu irmão mais novo, falecido recentemente no seu país natal, que passava por “onda crescente de ódio e conflito” e agora, como todo o resto do mundo, luta “para lidar com uma pandemia global” e seus efeitos, como a própria Arooj Aftab diz.

Assim, a partir de suas vivências pessoais, Aftab transcende qualquer barreira para nos convidar a visitar processos que têm sido universalmente experienciados nos últimos meses. Mergulhada nas cordas e sopros da música oriental combinadas a influências contemporâneas do jazz, soul e rock clássico, a artista encontra vazão para seus sentimentos de forma tão sincera e bem organizada que uma única coisa sobre Vulture Prince é certa: a música do álbum é capaz de te atingir. E é bom estar preparado. 

O centro de Vulture Prince é o ghazal, gênero do sul da Ásia que se aproxima do que conhecemos por blues. Na música de Aftab, o som tem pulsões existenciais em composições íntimas e declamações de poesia que formam sete canções, mais que suficientes para a artista fazer sua mágica acontecer. Todas têm mais de cinco minutos e a maioria delas não tem percussão, deixando a condução musical apenas para o sentimento de sua intérprete, que mesmo suave, ainda é carregada de sentimento. Não ouso nomear destaques e fragmentar a beleza da obra completa de Vulture Prince, apenas recomendo que ouça. – Raquel Dutra

Birdy – Young Heart

A passarinha está de volta com Young Heart. Quem conhece Birdy sabe que as melodias calmas e aconchegantes da cantora estão sempre presentes, e nesse novo disco somos relembrados disso. A poesia das canções se funde às cordas e somos embalados em uma viagem por seus sentimentos e confissões. 

Aqui, Young Heart encanta mas infelizmente cansa. As 16 faixas não ajudam na certa monotonia do disco, e parece que não houve um crivo mais assertivo de quais músicas deveriam ou não entrar para a tracklist. Mesmo assim, esse não é, de longe, um trabalho ruim. O que escancara o talento da britânica, que não comete erros, apenas meio-acertos. – Jho Brunhara

Jorge & Mateus – Tudo em Paz

Finalizando abril com chave de ouro, Jorge & Mateus lançaram seu novo álbum, intitulado Tudo em Paz. Depois de 15 anos de carreira, a dupla só comprova que cada vez mais seu talento se aprimora e alcança degraus inestimáveis dentro do sertanejo. Cinco músicas já haviam sido apresentadas em janeiro num EP de mesmo nome, só para dar um gostinho do que estava por vir. De imediato, era perceptível que Lance Individual seria o single desse recente trabalho, o qual detém cerca de 100 milhões de reproduções no Spotify. 

Uma novidade deste projeto é uma parceria com a rainha da sofrência, mas seu poderoso e marcante alcance vocal acaba não sendo destacado. Contudo, a serenidade acústica é o que predomina na grande parte das faixas, tendo as notas do violão como a base segura da emoção. Eu que achava que já tinha visto de tudo, só sei sentir amor por essa nova fase que Jorge & Mateus tem construído. – Júlia Paes de Arruda

girl in red – if i could make it go quiet

3 anos, 2 EPs e muitos singles depois do sucesso de i wanna be your girlfriend, a cantora e multi-instrumentista girl in red coloca as cartas na mesa e reflete sobre as próprias expectativas e inseguranças, relacionamentos e fama em seu álbum de estreia if i could make it go quiet. Na onda das produções caseiras e selos independentes do bedroom pop, a norueguesa continua a compor, produzir e cantar sobre a juventude em seus diferentes perrengues e sentimentos, mas, mais madura e sincera, não cai na repetição de sucessos anteriores.

As letras menos românticas e metafóricas e mais diretas revelam uma evolução na mensagem e até nos sentimentos da artista: já se falou sobre as primeiras paixões e sobre a aceitação da sexualidade, agora é a hora das desilusões, desejos e vacilos no amor, como em Did You Come?, midnight love e .; da solidão e das consequências da fama, como em hornylovesickmess; e dos sentimentos confusos e inseguranças com que estamos familiarizados, como em Serotonin, Body and Mind e Apartment 402. A sonoridade também é uma evolução: as guitarras indie pop das canções já são conhecidas, mas não ficam repetitivas acompanhadas de pianos e batidas eletrônicas. Ao mesmo tempo em que a artista mantém uma identidade, ela explora ritmos e instrumentos.

É complicado ser jovem e lidar com tantos sentimentos e contradições e o primeiro álbum da girl in red, assim como seus trabalhos anteriores, mostra que tem mais alguém lidando com essa imensidão e essa bagunça que existe dentro da gente. if i could make it go quiet funciona como um desabafo tão identificável que é como encontrar as palavras para os nossos próprios desabafos. – Vitória Lopes Gomez

Sharon Van Etten – epic Ten

A cantora Sharon Van Etten é o nome certo para aqueles dias onde a calma e sensibilidade são necessárias. Famosa por sua atuação na série The OA, sua nova produção epic Ten possui a dose certa de ousadia e tranquilidade, características marcantes da artista americana, mesmo que o destaque do trabalho não seja ela própria. O álbum traz releituras corajosas de canções importantes em sua carreira, semelhante à proposta de Adriana Calcanhotto em Nada Ficou no Lugar (2019), Sharon optou por convidar outros artistas a interpretarem suas palavras.

O destaque do trabalho ficou a cargo da última faixa, Love More, cantada por ninguém menos que Fiona Apple, sendo essa uma boa oportunidade para lembrar dela antes de mais um desaparecimento iminente. Mas, outros nomes igualmente entregaram interpretações incríveis das músicas originais de Van Etten, a experiente Lucinda Williams trouxe um belo cover de Save Yourself. Enquanto St. Panther oferece uma versão moderna de One Day, a banda britânica IDLES optou por recriar a poderosa Peace Signs numa versão completamente diferente da original, trazendo um pouco de rock à canção.

Onze anos após o lançamento de Epic, seu segundo álbum de estúdio, a cantora e compositora teve a humildade de nos oferecer novas vozes em letras tão especiais para ela. Mas, apesar dos novos lançamentos serem maravilhosos por si só, é difícil desapegar das músicas na tonalidade agradável e tranquila de Sharon. Para aqueles que não conheciam o trabalho da artista, como eu, vale a recomendação de gastar uma tarde ouvindo a produção original de 2010, e aproveitando a onda de bons pensamentos e emoções evocadas sem nenhuma pretensão pela obra. – Isabella Siqueira

Julia Michaels – Not In Chronological Order

Você com certeza conhece Julia Michaels. Ou pelo menos, uma parte dela. Antes mesmo da artista viver a recepção positiva de Not In Chronological Order, seu primeiro álbum, ela já passou pelos lugares mais badalados do pop através de suas palavras. No passado, a compositora colaborou com Justin Bieber no hit absoluto Sorry, escreveu alguns dos maiores sucessos de Selena Gomez, está na boca de Demi Lovato em seu novo e grandioso disco e já teve suas letras cantadas também por Britney Spears, Dua Lipa, Ed Sheeran, Lady Gaga, dentre muitos outros artistas.

Assim, o primeiro álbum de Michaels (que já produziu dois EPs: Nervous System, de 2017, e Inner Monologue Part 2, de 2019) era um evento muitíssimo aguardado. A expectativa só cresceu com os singles promocionais extremamente bem acertados que já traduziam a identidade da artista em Not In Chronological Order: All Your Exes é um pop rock divertido, chiclete e crescente de um indie folk que encontra a interpretação perfeita na voz rouca de Julia; Love Is Weird, por sua vez, trabalha com a mesma base para explorar um pouco mais seus vocais e a capacidade de identificação de suas letras.

Dedilhados de violão, storytelling e um fundinho bem leve de country que às vezes dá espaço para mais instrumentos acústicos (oi, Taylor Swift) se estendem a History, Little Did I Know e That’s The Kind Of Woman, enquanto o pop melódico atraente de Michaels se mostra num timbre a là Lorde em Wrapped Around e brinca com os sons da música dos anos 90 em Orange Magic. O que significa tudo isso? Que, mesmo com os contratempos narrativos do amor em Not In Chronological Order, tem tudo o que a gente gosta no primeiro álbum de Julia Michaels. – Raquel Dutra

London Grammar – Californian Soil 

O terceiro registro de estúdio do trio de trip hop London Grammar representa uma passagem de bastão. Na verdade, Californian Soil serve para colocar a vocalista Hannah Reid como a representante do grupo. Tomando seu espaço de direito, ela o faz graciosamente. Muito mais maduro que em seus trabalhos anteriores, o som dos músicos alcança a plenitude que a capa do disco reflete.

Sozinha e iluminada, Reid canta sobre a força da feminilidade e sobre vivências próprias enquanto mulher. Baby It’s You brinca com o destino, I Need The Night cresce em cima da figura feminina. Lord It’s A Feeling evoca o lirismo de Florence Welch, ao passo que a arte do London Grammar se eleva, flutua e alcança os Céus. – Vitor Evangelista

Paul McCartney – McCartney III Imagined

Depois de se isolar numa fazenda e dar a luz ao McCartney III no meio da pandemia, há quem pense que Paul McCartney estaria satisfeito. No auge de seus 78 enérgicos anos, o beatle gosta mesmo é de se atualizar nas tendências e reinventar seu próprio som, e foi daí que Macca resolveu convidar artistas da nova geração para criarem releituras das músicas que ele mesmo compôs e produziu em 2020. McCartney III Imagined reúne covers e remixes de Dominic Fike, EOB, Phoebe Bridgers, Anderson .Paak e outros nomes na indústria musical – o terror dos fãs da velha guarda que insistem que Paul deve manter a essência, mesmo que esta esteja parada no tempo.

O disco ganha traços alternativos e contemporâneos, provando que, enquanto o roqueiro respirar, ainda estará vivo como músico. Paul cede os vocais para Fike na romântica The Kiss of Venus e ganha um rearranjo por Beck em Find My Way. Se Bridgers assume Seize The Day, Women And Wives se torna uma experiência psicodélica nas mãos de St. Vincent. Brincando com riffs e explorando as próprias letras, as onze faixas de McCartney III Imagined assumem a identidade de seus convidados e a mesclam com a unicidade que só a carreira de meio século de Paul possui. – Caroline Campos

DJ Khaled – KHALED KHALED

Another one! de DJ Khaled. O 12º álbum de estúdio do rapper, produtor, hitmaker e orquestrador de encontros dos sonhos conhecidíssimo na música mainstream é a essência mais pura de seu trabalho: vibrante, maximalista e repleto de colaborações grandiosas. Nas 14 faixas de KHALED KHALED, pode-se ouvir, prenunciadas pela sua assinatura, as vozes de Drake, JAY-Z, Cardi B, Post Malone, Lil Wayne, H.E.R., Justin Bieber, Roddy Richh, Lil Baby, Megan Thee Stallion, Justin Timberlake, dentre muitas outras das mais conhecidas da música norte-americana.

O que eleva KHALED KHALED é também o que o derruba e a farra sonora do artista impressiona pelo que oferece e decepciona pelo que entrega. A dificuldade em amarrar tantas participações diferentes era esperada, mas parecia o trabalho perfeito para um dos nomes mais versáteis da indústria da música, que não deu conta de combinar toda a sua agenda de contatos no disco. Com tanto potencial impossível de ser explorado, o resultado é uma coletânea de canções rápidas e pouco memoráveis assinadas por artistas de peso que são capazes de entregar muito mais. 

Assim, as faixas menores acabam por salvar a tracklist de KHALED KHALED. O rap solo de Drake é bem-sucedido em POPSTAR e GREECE, Cardi B voa em BIG PAPER e Justin Bieber trabalha bem com 21 Savage em LET IT GO. A aglomeração só funciona com a experiência de JAY-Z que traz uma pontinha de Beyoncé em SORRY NOT SORRY, cantada junto de Nas e James Fauntleroy. De resto, Khaled não deu conta de organizar a galera. – Raquel Dutra

EPs

Ryan Woods – King of the Basement

Existe uma mística inebriante nos lançamentos do bedroom pop, um subgênero que imprime a característica mais caseira à produções essencialmente simples e que discutem dramas adolescentes. A bola da vez é o jovem Ryan Woods, que debutou com o EP King of the Basement, um ode ao cômodo em que se descobriu e conseguiu transformar as dúvidas e os medos do Ensino Médio em quase vinte e seis minutos, distribuídos entre as 7 tocantes faixas do trabalho.

Ele revela que as canções não são todas sobre uma única pessoa, mas essa definitivamente é uma narrativa contínua. Não existe seguro para um coração quebrado, é claro, mas as emboscadas em que Woods se mete fazem valer seu tato artístico e o cuidado familiar que ele teve com cada arranjo, cada rima e cada música. O destaque repousa em Bad Texter, hino dos desengonçados com mensagens de texto.

Mas a originalidade do EP não morre por suas claras inspirações em Tame Impala, Billie Eilish e Harry Styles. King of the Basement mergulha no mundinho adolescente do pop do quarto (nesse caso, do porão) para demarcar Woods como um bom escritor e um ávido contador de histórias. Antes da friendzone, o cantor nos mostra o THE FRIEND SPACE. E, em abril de 2021, lugar mais interessante não há. – Vitor Evangelista

Teto – previas.zip

O menino das prévias finalmente lançou seu primeiro projeto. No dia 1 de abril, o trapper Teto liberou os sons que os fãs tanto pediram para ouvir oficialmente. O nordestino, que já acumula milhões de seguidores e milhões de visualizações em músicas vazadas no YouTube, marcou seu início com o EP previas.zip.

O trabalho tem 4 músicas, dentre elas o hit Paypal, que já era bastante conhecido, principalmente por se tornar viral no cobiçado TikTok. O fenômeno é realmente impressionante, a música Manha, por exemplo, já tinha 13 milhões de visualizações no YouTube, um feito que nenhum trapper da cena nacional conseguiu atingir com uma prévia. Dia Azul e Fashion também cumprem com o que ele prometeu e são extremamente viciantes, assim como as outras duas que estão no compilado.

Além do tremendo sucesso nas plataformas e redes sociais, o cantor ainda é disputado por duas das maiores produtoras do trap nacional: 30PRAUM e Hash Produções. As duas já trocaram farpas entre si por conta de Teto, mas o menino permanece na 30, ao que tudo indica, sendo guiado por Matuê. É fato de que nunca se sabe o que esperar do nordestino, mas o sucesso está sempre garantido. – Giovana Guarizo

dodie – I Kissed Someone (It Wasn’t You)

Se você passeou pelo YouTube em 2013, já deve ter esbarrado com milhares de cantores que começaram sua carreira lançando vídeos de covers e canções originais. No meio dessa multidão estava a tímida Dodie Clark, que aos poucos se soltava e compartilhava os detalhes mais sinceros da sua vida por meio das músicas, das redes sociais e até de um livro. Anos depois, pode-se perceber a evolução daquela garota para uma mulher que constantemente supera suas inseguranças e que se sente livre para soltar suas emoções ao mundo em forma de música, conquistando cada vez mais espaço na indústria cultural e criando sua própria marca como dodie, cantora e compositora.

Todos que a conheceram na época do seu primeiro single, Sick of Losing Soulmates, esperam pelo grande momento em que dodie lançará seu primeiro álbum. E finalmente, em 2021, isso acontecerá: Build a Problem estará disponível a partir de 7 de maio, e para promover algumas canções do debut, a cantora lançou o EP I Kissed Someone (It Wasn’t You), com quatro músicas que ganharam o privilégio de serem lançadas antes da obra completa. Através delas, já é possível notar que a poesia continua introspectiva e espontânea, sem medo de falar diretamente sobre sentimentos ruins – como o arrependimento e a insuficiência – , enquanto a produção musical evolui na composição instrumental.

A primeira canção, homônima ao EP, traz à superfície aquela sensação de tentar esquecer alguém em outros beijos, mas acabar sentindo ainda mais falta e lamentando o quão inútil foi a promiscuidade. Como de costume, dodie compôs as músicas pensando no cenário onde esses pensamentos acontecem; no caso de I Kissed Someone (It Wasn’t You), a cantora afirmou em entrevista que os versos estão em uma mentalidade bêbada, sombria e triste. Seguida por Hate Myself, ela constrói uma paisagem comum dentro de suas estrofes: a dificuldade de se relacionar em sociedade e de se conectar com outras pessoas que são tão complexas quanto nós mesmos. A terceira canção, Rainbow, volta para as raízes da compositora que escreveu 6/10 e que se sente ordinária e que deseja a aprovação das pessoas ao redor. Por fim, Cool Girl conversa diretamente com o monólogo de Garota Exemplar e finaliza o EP confirmando a mensagem de que dodie não é como as outras garotas. – Carol Dalla Vecchia

Boys World – While You Were Out

O EP de estreia do grupo Boys World (sendo o “Boys” um acrônimo para Best Of Your Self), While You Were Out, chegou para fazer vontade em todos: a partir do momento em que você escuta, quer rapidamente reunir amigos para cantar músicas pop enquanto se diverte, como um grande karaokê ou um show que você faz para si mesmo. Elana, Lilian, Makhyli, Olivia e Queenie são as amigas que sempre quisemos ter. 

Girlfriends, o primeiro single do grupo, funciona como um tributo direto a Wannabe das Spice Girls. O pop orgulhosamente chiclete faz você dançar e gritar aos quatro ventos que se por algum acaso uma das minhas amigas não gostar de você, claramente não vai dar certo, desculpe. Já Wingman, o segundo single, possui um baixo viciante, e tem o poder de fazer com que qualquer um que ouça se sinta no mínimo em uma passarela de um grande desfile, sendo o mais confiante possível. 

A mais sóbria Tiptoe foi um single promocional para gerar expectativas sobre o Extended Play; e foge um pouco do som mais anos 90/2000 das músicas anteriores, apresentando o primeiro rap dentro das músicas do grupo. Relapse é uma balada que mostra o quão diversos e poderosos são os vocais das cinco garotas, enquanto Touched by an Angel é um grande “olha só o que você perdeu”, mas em um ritmo divertido de acompanhar. É difícil dizer se elas serão a nova grande girlband dos EUA (já que ninguém tem forças o suficiente para lutar por este título desde o anúncio da pausa do Fifth Harmony em 2018), mas elas com certeza merecem. As redes sociais com certeza estão do lado delas, então por favor, TikTok, faça alguma coisa! – Layla de Oliveira

A cantora britânica Foxes (Louisa Rose Allen) lançou no início do mês o EP Friends In The Corner, que compila todos os seus singles lançados desde o ano passado e inclui duas faixas inéditas, Dance e Courage, assim como a versão acústica de Kathleen. A falta de novas músicas é decepcionante, mas a decisão de lançar essas músicas como um EP só reforça a integridade do novo pop da artista e a promessa de seu novo álbum de estúdio.

Das músicas já lançadas, o destaque fica para Love Not Loving You e Hollywood, dois singles que revelam lados completamente diferentes de Foxes. Se por um lado o som de Love Not Loving You (sua primeira adição musical em quase quatro anos) remete ao seu antigo pop elétrico e doce, em Hollywood vemos uma artista mais amadurecida, cantando sobre desilusão e fragilidade com confiança, com uma melodia que fica progressivamente mais intensa.: “Bem vindo à parte em que eu tenho um colapso/Sentado no escuro, lá está você/E talvez você estivesse certo”.

Das novas adições, Courage é a que mais marca presença, casando ambos os lados com uma letra assertiva e reveladora. No entanto, a falta de conteúdo novo continua como um grande ponto negativo, por mais promissora que suas novas notas sejam. Com um novo projeto anunciado ainda para este ano, vai ser interessante ver que cartas a britânica ainda guarda na manga. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Trixie Mattel – Full Coverage Vol. 1 

De surpresa, Trixie Mattel, uma drag queen mundialmente famosa e com paixão pela arte de maquiagem, lançou o EP Full Coverage Vol. 1. O trabalho consiste em 4 covers da Super Estrela Drag: ela começa cantando Video Games, de Lana Del Rey, dando o toque country que é sua marca registrada. Além do sucesso da cantora indie, Mattel grava uma nova versão da clássica Believe, de Cher, unindo ícones gays ‘antigos’ com os mais recentes.

Também acabou no EP sua brilhante interpretação de Blister In The Sun, originalmente da banda Violent Femmes, e que ela já havia liberado com um clipe cheio de identidade e humor. O Vol. 1 de Full Coverage fecha com a parceria ao lado de Orville Peck, Jackson, dueto original de Johnny Cash e June Carter Cash. Mattel vem conquistando louros em todas as áreas em que se arrisca. A vencedora do All Stars 3 e coproprietária do UNHhhh é a maior Ru-Girl mesmo, e não tem discussão. – Vitor Evangelista

Justin Bieber – Freedom. 

Após um retorno nada grandioso em 2020, Justin Bieber tirou o ano de 2021 para desenvolver diferentes aspectos de sua carreira. Pouco depois de ter lançado seu álbum Justice e a versão Deluxe do mesmo, e ainda em meio a uma sequência de performances de seus últimos singles – incluindo até uma pontinha na última festa do BBB 21 -, o cantor surpreendeu com o anúncio de mais uma produção musical. No domingo de Páscoa, Bieber liberou o EP Freedom., sem divulgações prévias, apenas com publicações nas redes sociais. 

Revelando uma das capas mais preguiçosas dos últimos tempos, a produção conta com seis faixas, em que cinco delas são parcerias, com nomes como Tori Kelly, Chandler Moore e Pink Sweat$. Entre os convidados também está o pastor Judah Smith, que colaborou com citações de versículos bíblicos em meio às canções; ele comanda a igreja Churchome, da qual Bieber faz parte, e vem acompanhando a trajetória do cantor nos últimos anos.

Nessa nova produção, o canadense se abre por completo em relação a sua fé e espiritualidade, da qual já tivemos uma pequena prévia com o single Holy. Se arriscando em um estilo gospel mais voltado para o rap, Justin cria monólogos tratando sobre suas crenças religiosas e as mudanças que a religião teve em sua vida, relembrando até o seu passado rebelde repleto de polêmicas. E, assim, segue criando a sua narrativa de redenção e mudança de sua imagem, que vem sendo elaborada desde o lançamento da sua série documental Seasons. – Vitória Silva

Músicas

Olivia Rodrigo – deja vu

Viagens à Malibu, sorvete de morango, dividir jaquetas, assistir reprises de Glee: são experiências comuns como essas que envolvem o ouvinte no novo single de Olivia Rodrigo, deja vu. Se afastando da melancolia de seu sucesso massivo drivers license, aqui ela se aventura em melodias mais vibrantes e composições mais coloridas. Misturando diversas sonoridades, a produção de Dan Nigro traz a freneticidade esperada de uma adolescente como Rodrigo sem deixar sua marcante identidade de lado. Extasiada, ela grita: “Tudo é reutilizado/eu sei que você sente deja vu’’.

Seguindo os passos de sua veterana Taylor Swift, Rodrigo utiliza da ponte de suas faixas como o clímax de sua composição, e deja vu não fica de fora. Por mais que sua experiência amorosa na faixa seja bem específica, é impossível não se envolver com a indignação delirante da artista ao se queixar com seu ex-namorado: “Quando você vai contar para ela/Que nós fazíamos isso também?/Ela acha que é especial’’. Não há dúvidas que seu álbum de estreia vai consolidar seu nome na indústria musical e revolucionar o caminho para um teen pop menos superficial. – Laís David

Regard, Troye Sivan e Tate McRae – You 

Letras chorosas acompanhadas por batidas dançantes já são marca registrada de Troye Sivan. E foi apenas isso, um pouco mais do mesmo, que o cantor entregou em seu último lançamento, You. Troye, que tinha o plano de produzir um álbum ano passado mas por conta da pandemia acabou por fazer apenas um EP, estreia seu 2021 com uma parceria: o DJ e produtor Regard e a cantora Tate McRae se juntam ao garoto para a construção da faixa que entrou nas plataformas na madrugada de 16 de abril. 

Apesar da letra clichê e da produção similar com algumas músicas de In A Dream, You traz a combinação de duas vozes que casam perfeitamente. O queridinho do indie pop e a artista revelação que vem crescendo na indústria tem estilos musicais parecidos e acabaram por se mostrar uma dupla promissora. Se forem trabalhar juntos novamente no futuro, é bom torcer para que ousem um pouco mais. Ambos possuem talento para se arriscar e presentear seus fãs com algo ainda melhor que You. – Mariana Chagas

Ludmilla e Xamã – Gato Siamês

Em 21 de janeiro, Ludmilla e Xamã lançaram uma parceria junto do DJ Dennis canetada pelos compositores Gabriel Cantini, Gabriel de Ângelo, Xamã e o próprio Dennis. A canção Deixa de Onda foi um enorme sucesso, protagonizando grandes momentos nas festas do Big Brother Brasil e morando no top 20 das 50 mais tocadas no Brasil pelo Spotify. Embarcando no sucesso, Lud e Xamã apostaram numa nova colaboração, desta vez numa música com um ritmo mais lento e apostando no sex appeal dos dois artistas, o resultado? Gato Siamês.

Numa pegada meio R&B – ritmo não tão estourado no Brasil – e mais romântica do que o hit anterior, Gato Siamês é composta pela dupla e produzida pelo multi-instrumentista Malak. Lançada em 16 de abril, a música é cativante. Talvez não seja o melhor trabalho lírico da funkeira e nem do rapper, mas em conjunto com a melodia e o clipe, conseguem vender a ideia de sensualidade que ambos exalam. Logo de cara algumas inspirações ficam explícitas, na letra por exemplo, o trecho “sexo comigo é incrível” nos faz lembrar imediatamente de Sex With Me da cantora Rihanna.

O videoclipe monocromático é protagonizado por cenas quentes entre os dois artistas e também possui referências óbvias. É como se Rihanna viesse para o Brasil e relançasse uma nova versão audiovisual de Kiss It Better mesclando elementos do clipe de Rocket da estrela Beyoncé. Mas dando louros para a cena brasileira, a obra dirigida por João Monteira – que já trabalhou antes com Lud em Verdinha – fez juz aos modelos citados. Não cabe comparar Gato Siamês com Deixa de Onda, são propostas e sonoridades diferentes, provando que a dupla consegue transitar com sucesso em sonoridades diversas. – Giovanne Ramos

MARINA – Purge The Poison

O pop rock não morreu depois que Demi Lovato lançou La La Land, e MARINA está aqui para provar isso. Brincadeiras à parte, Purge The Poison é uma surpresa abençoada. Depois do terrível LOVE + FEAR e da promissora Man’s World, a britânica parece estar retornando às suas raízes no melhor tom possível. Purge é como se a acidez e as críticas sociais de The Family Jewels se juntassem com o rock de garagem de FROOT, nos dando uma deliciosa e assertiva canção. 

Se tem algo que a música não é, é sutil. Porém, estamos em tempos que não pedem sutileza: é preciso gritar, em letras garrafais, a verdade. E mesmo assim alguns não vão ouvir. É nessa filosofia que MARINA entrega Purge The Poison, passeando por questões polêmicas e projetando um futuro que muito possivelmente não terá futuro. Estamos na era do ‘pop apocalíptico’, e se o fim dos tempos eventualmente chegar, MARINA com certeza estará nas playlists do fim do mundo. – Jho Brunhara

CHVRCHES – He Said She Said

O dia finalmente chegou! Após três anos salpicados por um feat. com o DJ Marshmello e uma curiosa adição à trilha sonora do jogo Death Stranding, voltamos à igreja do synthpop de Lauren Mayberry e o resto da banda escocesa CHVRCHES. He Said She Said é o primeiro single do novo álbum, e chega após uma repaginada no visual do trio que remete à estética de filmes de terror dos anos 80 e uma nova e misteriosa conta no Letterboxd dedicada quase exclusivamente a tal gênero.

A nova música não rompe com os padrões estabelecidos em Love Is Dead (2018), mas reforça suas melhores qualidades, particularmente o talento do grupo para criar batidas intensas refletidas nas letras. “Eu sinto como se estivesse ficando louca”, Lauren repete ao longo da faixa, acompanhada pelos sintetizadores de Iain Cook e Martin Doherty, reforçando os temas de um relacionamento abusivo se repetindo e fazendo com que ela duvide de si mesma e vá aos poucos se apagando.

O videoclipe da nova música foi dirigido pelo artista multidisciplinar Scott Kiernan, que tem trabalhado bastante com a banda para a reformulação dos visuais da nova “era”. O clipe captura belamente a letra e as batidas da canção e até mesmo as eleva, com visuais metafóricos e provocantes que imploram uma interpretação aprofundada, mas que entregam claramente a mensagem de dor e manipulação que o trio quis passar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Rina Sawayama e Elton John – Chosen Family

Que coisa linda é a harmonia que pode surgir de um encontro de gerações completamente diferentes através da música, e que preciosidade é a nova versão de Chosen Family. Ao lado de Elton John, Rina Sawayama transforma seus versos sensíveis sobre laços de amizade e reconhecimento, originalmente alocados numa identidade mais futurista, num som suave e glorioso que flui das mãos mais famosas do pop.  

A música é um dos destaques de seu primeiro álbum, SAWAYAMA, que foi lançado com avaliações positivas da crítica em abril de 2020, transformando Rina em uma estrela em ascensão. Elton, por sua vez, nunca deixou de apoiar as novas gerações, e Chosen Family é o lugar perfeito para a lenda da música apreciar o trabalho da jovem artista. Com sensibilidade, uma mensagem tocante e marcando um encontro icônico, a canção é um deleite especial oferecido por dois artistas brilhantes que certamente são parte da nossa família escolhida. – Raquel Dutra

The Cast of RuPaul’s Drag Race Season 13 – Lucky

Número de encerramento dos episódios competitivos da 13ª temporada de Drag Race, Lucky é a melhor música de RuPaul em anos. As quatro finalistas se dividiram em cômodos monocromáticos, entregando versos individuais acompanhadas de dançarinos socialmente distanciados. Gottmik, de azul, abriu o número: “garotos, garotas, e aqueles no meio, é hora de coroar sua Rainha”. Kandy Muse, vestida de amarelo, cantou sem inspiração rimando palavras repetidas, mas deu o nome no episódio.

Obviamente com lingerie cor-de-rosa, Rosé cantou até rap em sua composição, citando o sonho americano e o grande amor da família escocesa. Symone finalizou Lucky, sua cor era laranja e cactos (err) enfeitavam o cenário. A Encantadora do Ébano acabou vencendo a temporada, alguns episódios depois, provando que sorte dada a ela por Lucky não era passageira. – Vitor Evangelista

Grace VanderWaal – Repeat 

O raio mileycyruszador fez mais uma ‘vítima’: Grace VanderWaal. Com uma sonoridade e um visual totalmente distante de qualquer outro momento de sua carreira, como Ur So Beautiful, a estadunidense de apenas 17 anos passou por um makeover total. Cabelo curtinho, som puxado pro rock, e um clipe repleto de micro-rebeldias, isso é mais que o suficiente para escancarar a vontade de mudança. 

Repeat, como o próprio nome já sugere, facilmente mora na função repetição dos players de música. VanderWaal canta: “eu não preciso de mais uma lição”. Aqui, é prazeroso assistir e ouvir sua liberdade de se expressar transbordando durante a juventude, ainda mais através de uma música viciante. A garotinha de America’s Got Talent não está mais entre nós, e como já vimos antes, se permitir ser livre só traz benefícios a longo prazo. – Jho Brunhara

Doja Cat e SZA – Kiss Me More

Que a última era de Doja Cat foi um sucesso, todo mundo sabe. Say So, Streets e outros hits foram um marco na carreira da cantora, que explodiu graças a viralização de suas músicas no TikTok. Depois de uma temporada bem sucedida, Doja começa a trabalhar no seu terceiro álbum de estúdio. E a primeira parceira na sua nova viagem é SZA.

A escolha da colaboração não poderia ter sido outra. Em entrevista para a Apple Music, Doja Cat conta que escreveu a faixa pensando na cantora, e que se o objetivo inicial era apenas ser uma música sobre beijo, SZA levou para um nível mais profundo. A sintonia das duas no clipe é de se perguntar como não haviam trabalhado juntas antes, e de ficar na torcida para que esse não seja seu único feat. 

Produzida por Yeti Beats, Kiss Me More é o collab que não só estreia o Planet Her, mas mostra um pouco da estética que Doja escolheu seguir no álbum: a construção de um planeta próprio. O clipe dirigido por Warren Fu mostra um mundo em tons rosas, sedutor e traiçoeiro, onde a dupla parece comandar. E se a cantora seguir dominando as paradas como vem fazendo, sua dominação promete não ficar apenas em um universo fictício. –  Mariana Chagas

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Katy Perry, Luísa Sonza e Bruno Martini – Cry About It Later 

Não é segredo para ninguém que Luísa Sonza está cada vez mais dominando o mundo, mas agora a gaúcha foi ainda mais além e conseguiu um remix com Katy Perry, artista a qual Luísa é fã desde pequena. Porém, o feat da faixa Cry About It Later, presente no álbum Smile de Katy, não foi o que se esperava.

Apesar de Luísa servir com vocais e um inglês impecável, a música se torna uma mera eletrônica. O remix fica a cargo do DJ Bruno Martini, que usa uma batida nada inovadora e um formato um tanto quanto comum. O que se esperava era um pouco mais de brasilidade, talvez versos em português ou uma batida mais típica do país. Bruno já tem um remix da música 911 de Lady Gaga, um orgulho, mas que também esbarra nos mesmos problemas de Cry About It Later.

Ter um feat com divas internacionais é sim uma tremenda responsabilidade e motivo de comemoração, porém, a pretensão deve ser a mais autêntica possível. Não foi dessa vez que Luísa e Bruno agradaram ao público nacional e internacional, porém, nada muda o fato dos dois merecerem esse tremendo feito. Contudo, não é uma experiência agradável. – Giovana Guarizo

Lia Clark & POCAH – Eu Viciei

A participação de POCAH no BBB21 rendeu um veredito: o Brasil gosta é da POCAH cantora. A participante do reality show, a gente prefere fingir que nem existiu. Já Lia Clark é uma drag queen até que bem conhecida no meio LGBTQ+, mas teve aqui uma nova chance de destaque entre o público mais geral e mainstream. A participação, lançada durante o Big Brother para aproveitar o buzz, valeu a pena. 

Eu Viciei é um daqueles funks lançados durante a pandemia que dói no coração da gente não poder ouvir em uma festinha legalizada e sem vírus. Com produção assinada pelo trio de peso Hitmaker, a qualidade já estava praticamente garantida. O jeito é rebolar de casa mesmo, e ficar sonhando com o dia que vamos poder olhar e sentar num rolêzinho. – Jho Brunhara

Aly & AJ – Symptom of Your Touch e Don’t Need Nothing

Na reta final do lançamento do seu novo álbum, as irmãs Aly e AJ Michalka estão trabalhando à todo vapor na divulgação de seus novos sons, nos presenteando com dois singles no mês de abril: a balada de ânsia amorosa Symptom of Your Touch e a contagiante Don’t Need Nothing, que carrega o coro que dá nome ao disco, “A touch of the beat/Gets you up on your feet/Gets you out and then into the sun.”

Lançada no começo do mês, Symptom of Your Touch é talvez a que mais remete aos EPs anteriores da dupla, Ten Years e Sanctuary, carregando um forte som eletrônico envolvendo os versos de Aly e enaltecendo a voz de AJ no coro. Tematicamente, a letra é similar a Slow Dancing, o primeiro single do álbum, só que com batidas mais entusiasmadas, mas não menos dramáticas: “É um sintoma do seu toque/Sintoma do seu toque/Se é tão bom/Por que dói tanto?”

Já a animada Don’t Need Nothing chega como uma última espiada dentro do novo álbum antes do dia 7 de maio. Finalmente fazendo jus à promessa de seu gigantesco título, Aly & AJ provam que sim, um toque da batida te deixa de pé, te faz sair em direção ao Sol. Se Don’t Need Nothing é a música que sintetiza todos os sons do novo trabalho delas, podemos esperar um disco revigorante e eletrizante que sabe exatamente quando letras são ou não necessárias para que uma música te toque. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Twenty One Pilots – Shy Away e Choker 

Quase 3 anos após o lançamento do seu álbum de estúdio Trench, o Twenty One Pilots está de volta. Com um retorno anunciado apenas por mensagens subliminares em suas redes sociais e cartazes de divulgação espalhados pelo mundo, algo que já se tornou característico da banda, eles revelaram o single Shy Away na primeira semana do mês. A estética de tons escuros de suas últimas produções deu lugar a um azul e rosa vibrantes, que se refletem na sua nova sonoridade, com batidas oitentistas e mais agitadas. O videoclipe também aposta nessa mesma estética, ainda tendo a apresentação de elementos fantásticos, como o dragão azul, que é uma marca registrada dessa nova era.

A dupla já aproveitou para engatar em um segundo lançamento, a faixa Choker, que encerrou o mês de abril. Essa última ainda retoma um pouco da musicalidade que deu início a banda, com versos de Tyler Joseph concluindo a música e que rememoram o final de Taxi Cab, presente no primeiro disco do grupo, ainda em sua formação antiga. Isso tudo sem perder o teor subjetivo de suas letras, que continuam soando como um desabafo do vocalista sobre questões pessoais e psicológicas, ao mesmo tempo que podem ser interpretadas como críticas à indústria como um todo. 

Como tudo que envolve Twenty One Pilots não costuma se resumir apenas a música, diversas teorias já são especuladas sobre as formas que esse novo lançamento pode se conectar com o universo que vem sendo criado desde o Blurryface, após notarem várias referências à fictícia cidade de Dema. Em tempos de isolamento social, a dupla resolveu aproveitar para expandir a experiência dos fãs, oferecendo uma plataforma interativa com oportunidades exclusivas para quem comprar os ingressos para a live de lançamento do disco, intitulado Scaled and Icy, no dia 21 de maio. – Vitória Silva

Billie Eilish – Your Power

Recente vencedora de mais dois Grammys, Billie Eilish anunciou seu próximo álbum, Happier Than Ever, para ser lançado no dia 30 de julho. Deixando o cabelo verde neon de lado, a cantora assumiu um visual diferente como entrada para essa nova era, que parece revelar um lado cada vez mais maduro. A produção incluirá as faixas Therefore I Am e my future, lançadas no ano passado, além de Your Power, seu single mais recente. 

Com uma sonoridade acústica e que abandona os sintetizadores característicos de suas músicas, a jovem cantora em ascensão entrega uma de suas letras mais fortes até então. Ao clamar para que alguém não abuse do seu próprio poder, Billie remete a um episódio de abuso sexual, situação mais do que presente no cotidiano e indústria em que ela está inserida: “Ela disse que você era um herói, e você fez esse papel. Mas você a arruinou em um ano. Não aja como se fosse difícil”. 

O videoclipe que acompanha a faixa faz alusão ao mesmo caso, em que a cantora é enforcada por uma cobra ao longo da música. Após se abrir por completo, tanto no aspecto pessoal quanto profissional, em seu documentário The World’s A Little Blurry, a artista sai de canções que se relacionam apenas com as vivências de sua adolescência para apostar em temas mais sérios, com a profundidade e tratamento que apenas Billie Eilish sabe entregar. – Vitória Silva

Anitta – Girl From Rio

E lá vamos nós… Falar sobre Anitta é sempre complicado. É claro que eu torço por ela, por seu sucesso, e para que represente o Brasil lá fora. Mas não acho que sua estratégia seja das melhores. Depois de dezenas de singles avulsos, feats de justificativa duvidosa e uma imagem desconfiada por parte do público brasileiro, Anitta quer cantar sobre sua origem, o Rio. Em cima da melodia de Garota de Ipanema. Ótimo! Em inglês. Com a produção sendo um trapzinho saturado. Opa…

A estratégia de Girl From Rio é conquistar o mercado estadunidense. Porém, Anitta precisa reconquistar o mercado brasileiro antes. Quando Shakira estourou no exterior cantando em inglês, ela era amada incondicionalmente pelos colombianos e tinha emplacado diversos sucessos recentes cantando na sonoridade que seus fãs a conheciam. Depois do terrível Kisses e as polêmicas de 2018, Anitta deu hasta la vista para o Brasil e foi explorar o espanhol na América Latina. Por aqui, lançou uma ou outra em português, quase sempre como convidada, ou através de feats. Não tem imagem que se sustente dessa forma.

A cantante do Rio tem a qualidade de estrela necessária para tudo que ela almeja, mas precisa trazer os pés de volta ao chão. O Brasil não reconhece mais a Anitta que amou um dia. E o mundo é impiedoso com artistas internacionais, ainda mais sem apoio: se nem a América Latina aceita nossos sucessos direito, quem dirá um país como Estados Unidos, fechado em seu próprio umbigo. Girl From Rio é apenas a primeira música de trabalho de seu novo disco, inteirinho em inglês e espanhol. Espero estar muito errado em tudo que falei aqui, e que essa ou alguma outra canção vingue. Porém, se não acontecer – o que é, infelizmente, provável -, que Larissa saiba que o Brasil estará sempre esperando por ela. – Jho Brunhara

The Weeknd e Ariana Grande – Save Your Tears (Remix) 

Mais de 1 ano após o lançamento do grandioso álbum After Hours, essa nova era de The Weeknd não parece estar tão perto de acabar. E, como forma de dar continuidade a ela, o cantor anunciou, na última semana do mês, um remix de seu single Save Your Tears, com a cantora Ariana Grande. A coletânea já conta com outras parcerias remixadas, como Blinding Lights, com a cantora ROSALÍA, e In Your Eyes, com Doja Cat.

Em conjunto, foi liberado um videoclipe animado para a faixa, que retrata o personagem criado por The Weeknd criando uma boneca semelhante à cantora. Não é a primeira colaboração da dupla, visto que já fizeram a viciante Love Me Harder e, mais recentemente, repetiram a parceria na faixa off the table, que integra o álbum Positions, de Ariana. A combinação das duas vozes do pop não poderia ter uma sintonia mais ideal, o que já reflete em seus resultados, em que alcançou o topo das paradas da Billboard. – Vitória Silva

WILLOW e Travis Barker – t r a n s p a r e n t s o u l

Enquanto seu irmão caminha cada vez mais em direção ao pop e ao rap, a jovem WILLOW vai em um sentido totalmente oposto. Dois anos após o lançamento de seu último álbum, a cantora decidiu lançar o single t r a n s p a r e n t s o u l, com toques totalmente irreconhecíveis para a mesma voz que deu origem ao hit Whip My Hair anos atrás. 

Em parceria com o baterista Travis Barker, WILLOW aposta em uma sonoridade pop-punk para sua nova faixa, que se assemelha muito ao estilo da banda Paramore. O videoclipe ainda relembra a estética emo dos anos 2000, tanto pelo visual da cantora quanto pela filmagem. Resgatar essa musicalidade é um grande ato para alguém, até então, adaptada a um estilo mais alternativo, e parece que irá render apenas bons frutos para a caçula da família Smith. – Vitória Silva

Clipes

Little Mix e Saweetie – Confetti

Para quem pensou que a saída de Jesy Nelson, em dezembro de 2020, desestabilizaria o Little Mix se enganou. No ano das comemorações de 10 anos de formação, a girlband foi consolidada com o single #1 Sweet Melody na primeira semana do ano e surpreendeu ao público, e a crítica, com o lançamento do remix da faixa-título do álbum lançado no último novembro. 

Confetti sempre foi uma das faixas preferidas de Jade Thirlwall, Leigh-Anne e Perrie Edwards, principalmente, já que ela sugeriu o título para o nome do álbum. Mas, a música ainda era mal compreendida por parte de alguns fãs. Com a vontade de iniciar uma nova era, como um trio, mas sem querer dizer adeus a mal explorada, por conta da pandemia, era Confetti, o Little Mix adicionou um rap a faixa-título e entregou um clipe impactante para o single, marcando-o entre os fãs. 

As meninas surpreenderam não só ao remanejarem todas as lines de Jesy e trazerem uma nova produção sonora de MNEK, mas também entregaram um clipe de respeito ao se transformarem numa boyband no clipe, criando um filme, divertido e bem feito, para Confetti. Mandando aquele “shade” aos britânicos machistas que ainda duvidam de seu sucesso, elas vestiram barbas e looks masculinos e provaram que são dignas do queridinho BRITs Awards e ainda trouxeram as estrelas do RuPaul’s Drag Race UK, A’Whora, Tayce e Bimini Bon-Boulash, que adicionaram mais ainda o tom do deboche ao clipe. Não só isso, Saweetie adicionou o tom comercial que faltava na música e, assim, o hit estava pronto para ser consolidado. – Larissa Vieira

Tessa Violet & lovelytheband – Games

Se você, assim como eu, é crepusculete de carteirinha, mal pode esperar para essa música de Tessa Violet e lovelytheband. Depois do lançamento tão aguardado de Sol da Meia-Noite, os ávidos fãs da saga Crepúsculo saíram enfervescidos dos seus esconderijos para demonstrar seu amor pelos vampiros da família Cullen. Tessa foi um deles. 

Filmado de forma panorâmica, o clipe Games recria a icônica cena de baseball no primeiro filme, a qual se deparam com os “The Black Eyed Peas” James, Victoria e Laurent. Assim como no original, filtros azuis nas filmagens contribuem para o olhar de frieza e preocupação ficar em evidência. Do mesmo jeito que os Cullen se sentem incomodados e receosos com a nova adesão no clã, Tessa canta uma desconfiança num relacionamento conturbado. Apesar dos jogos que o “companheiro” faz, o eu-lírico reconhece que algo não está certo. Num ritmo mais agitado, mas ainda na pegada indie, a música garante aquela sensação nostálgica e uma surpresa emocionante (com direito a altos surtos!). – Júlia Paes de Arruda 

Performances

O límpido céu azul que se ergue atrás de uma Rina Sawayama é majestoso e convidativo para o espetáculo de 15 minutos que acontecerá dentro de instantes. A popstar nipo-britânica se veste com o terno estiloso de uma dona de império, ou melhor, de uma Dinastia. Ela solta a voz, primeiro modesta, rodeada por sua banda e um quarteto de cordas nesse cenário corporativo, cantando 3 sucessos de seu potente álbum, SAWAYAMA, marcado a primeira vez que eles performam ao vivo canções do trabalho.

Dynasty é sucedida por XS, marcando o momento em que Rina nos agarra com a garganta, implorando para cantar essa seleção no concerto mais lotado do mundo, por favor. A cantora finaliza a curta participação no Tiny Desk com o belíssimo novo arranjo de Chosen Family, lançado ao lado de Elton John. Você também faz parte de nossa família escolhida, Rina. – Vitor Evangelista

Leslie Odom, Jr. no Oscar

Speak Now pode não ter ganhado o Oscar 2021, mas recebeu uma performance divina de Leslie Odom, Jr. um pouco antes da cerimônia começar. A música escrita por Leslie a pedido de Regina King e seu Uma Noite em Miami… já é poderosa por si só, mesmo entoada de dentro de um estúdio. Agora, prestigiar o ator em um palco multicolorido no Museu da Academia é o equivalente a flutuar pelas nuvens de gelo seco que montaram ao seu redor. A sutileza vocal do intérprete de Sam Cooke ao vivo não é surpresa, visto que Leslie é dono de algumas das melhores performances de Hamilton com seu Aaron Burr, mas o artista parece ter ciência do equilíbrio perfeito que é necessário para declamar Speak Now – infelizmente, esse ano as performances não acontecerem ao vivo no palco da premiação.

Mesmo sem dançarinos ou outros músicos no palco, Leslie Odom, Jr. conseguiu realizar uma apresentação tocante no meio do suave jogo de luzes que refletia em seu terno branco e o transformava na fonte principal de seu show. “Onde Leslie Odom, Jr. acaba e Sam Cooke começa?”, há quem pergunte. Depois da versão de A Change Is Gonna Come para o longa de King, Speak Now foi o que deu o tom que guiou a espetacular trilha sonora de Uma Noite em Miami…, e Leslie Odom, Jr. soube carregar sua importância naquele palco circular na noite do dia 25 de abril. Impossível não ficar impressionado com o talento do ator, cantor e compositor. – Caroline Campos

Celeste e Daniel Pemberton no Oscar

As apresentações musicais que geralmente ocorriam durante a noite do Oscar, na premiação de 2021 foram diferentes. Previamente gravados, os shows foram transmitidos antes da cerimônia e a entrega de estatuetas começar. E dentre os convidados a participar, Celeste se juntou a Daniel Pemberton para performar Hear My Voice, canção da dupla escrita para o filme Os 7 de Chicago.

Vestindo Gucci, a cantora iniciou o espetáculo com nada além de sua voz tão bela e potente. Em cima do terraço do Museu do Oscar, a compositora britânica, com apenas uma luz a destacando na escuridão, foi fascinante. Passou então a ser acompanhada pelo piano nas mãos de Daniel Pemberton, co-escritor da música indicada a Melhor Canção Original. Os artistas, junto à sua equipe de músicos, provaram o mérito da obra de ser indicada à premiação. Nós ouvimos a sua voz, Celeste. E ainda bem que ouvimos. – Mariana Chagas 

Molly Sandén no Oscar

“A música perfeita não é aquela que vence, mas a que vem do coração”. Isso quem diz é o protagonista de Festival Eurovision da Canção, filme que já nasceu clássico e indicou  Savan Kotecha, Fat Max Gsus e Rickard Göransson ao Oscar 2021 na categoria de Melhor Canção Original. Husavik não ganhou, mas brilhou no Into the Spotlight, o pré-show da Academia. 

Diretamente da Islândia, mais precisamente da cidade de Husavik, um coral de crianças abriu a apresentação, cantando o refrão no idioma nativo europeu. Molly Sandén, embrulhada num confortável vestido azul, explorou todo seu gogó, finalmente aparecendo nos holofotes, visto que no longa, ela dubla as notas que saem dos belos lábios de Rachel McAdams. Depois do estonteante número, tenho certeza que Husavik tem lugar guardado no coração de cada amante de Cinema. – Vitor Evangelista 

H.E.R. no Oscar

Vencedora da Canção do Ano do Grammy 2021 com I Can’t Breathe, a cantora H.E.R. é a voz mais potente na luta social, e principalmente racial, nesse ano. Com apenas 23 aninhos, H.E.R. conquistou – além do gramofone – a Academia, com Fight For You, canção composta originalmente para o necessario longa Judas e o Messias Negro.

Na performance que antecedeu o tapete vermelho, a cantora se mostrou uma artista completa. Iniciando com ela na bateria, H.E.R. logo apresenta seu magnífico vocal que traz uma força ancestral à canção. Com intensa presença de palco, ela se destaca toda de dourado ao lado de seus bailarinos que vestiam preto. No show temos também o vídeo do discurso de Fred Hampton, ativista e líder dos Panteras Negras, representado em Judas. Todos os componentes da apresentação se entrelaçam causando impacto e emoção. – Ana Júlia Trevisan

Laura Pausini e Diane Warren no Oscar

A primeira indicação ao Oscar de uma das mais tradicionais estrelas do pop internacional teve a glória que o evento merecia. Laura Pausini encantou em sua apresentação de (Seen) Io Sí, canção composta junto de Diane Warren (essa conhecidíssima da Academia, acumulando 11 indicações) que foi uma das indicadas a Melhor Canção Original de 2021.

A dupla não levou a estatueta mas preencheu o anoitecer do terraço do Museu da Academia com a maravilha da canção. Lá, Laura Pausini reluziu como o objeto mais brilhante do céu de verão ao lado do piano vermelho de Warren combinando com os demais instrumentistas que pareciam corações espalhados pelo palco. Harpas e violinos completaram a emoção da música que traduz a sensibilidade de Rosa e Momo para os nossos ouvidos. – Raquel Dutra

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Egberto Santana Nunes, Jho Brunhara, Leonardo Santana Teixeira, Natália Santos e Rafaela Martuscelli

Abril foi um mês marcante para a cultura pop. A chegada do quarto capítulo dos heróis da Marvel, a estreia modesta de Shazam e o fim de Game of Thrones foram destaques aqui. O Persona cavou mais fundo e fez uma seleção do melhor que chegou no mês da Páscoa, passando pela Netflix, Amazon Prime Video e o cinema nacional. Confira.

Guava Island (2019, Hiro Murai)

Ou a arte como instrumento de revolução

Em junho de 2018, uma foto de Rihanna com Donald Glover, na ilha de Havana, em Cuba, ambos sob trajes “desajeitados”, surgiu na internet e os fãs foram à loucura com a nova parceria. Logo se descobriu que era um set de um filme, porém os detalhes da obra foram mantidos em segredo apenas dias antes da estreia. A produção de pouco menos de uma hora foi ao ar no show de Childish Gambino (alter ego musical de Glover) no Coachella, e logo depois disponibilizado na Amazon Prime.  

Para além da união entre os dois artistas, Guava Island é um pequeno musical político sobre disputa de classes e opressão. Na trama, Deni (Glover) prepara um festival para libertar o povo da Ilha de Guava, que trabalha diariamente para Red, líder local.

This is America é refeito aqui, ao som de máquinas de uma fábrica, e Summertime Magic, dentre outras composições de Gambino, aparecem para dar tom na relação com a personagem de Rihanna, Kofi. Celebração, amor e crítica, cada momento tem sua música, quer você entenda como parte da trama, ou como pequenos clipes do rapper.

Inspirado por Cidade de Deus e produzido pela mesma banca de Atlanta, a equipe conseguiu entreter um tema político-social através de uma câmera persecutória e cambaleante junto duma cinematografia colorida e viva. Tudo isso narrado como uma história de ninar, na voz de Riri, e com sons tocados pelos próprios nativos do local de gravação, afro-cubanos de Havana.  

Seja no discurso ou na técnica, Guava Island já nasceu destaque do ano. Obrigatório. – Egberto Santana Nunes

De Pernas pro Ar 3 (2019, Júlia Rezende)

Pela terceira vez, a empresária da franquia de sucesso Sex Delícia volta às telas dos cinema brasileiros. Depois de rodar o mundo e expandir a sua marca, Alice (Ingrid Guimarães) enfrenta um momento delicado: o embate entre sua vida empresarial versus o distanciamento de sua família.

Em meio a uma crise existencial, Alice opta por deixar a liderança dos negócios com sua mãe Marion (Denise Weinberg) e volta para a vida pacata de esposa do João (Bruno Garcia) e mãe dos filhos Paulinho (Eduardo Mello) e Clarinha (Duda Batista). Entretanto, o que Alice não esperava era o aparecimento de Lorena (Samya Pascotto), uma jovem empreendedora capaz de causar um grande alvoroço no mercado de sexy shop com o seu novo produto.

Desde o primeiro filme da franquia, é perceptível uma certa preocupação em enfatizar questões sobre o mundo feminino, principalmente o prazer e a liberdade sexual feminina, temas chave do enredo. O terceiro capítulo, dessa vez, vai além das situações visíveis. Ainda temos a mulher empresária, que tem sido tradicional dos últimos lançamos da Globo Filmes, entretanto agora o leque de debate estende-se às consequências das escolhas de Alice. O longa navega por temáticas já vivenciadas nas telas como a presença feminina no mercado de trabalho e crise conjugal ao mesmo tempo em que se aventura ao refletir sobre envelhecimento e competitividade feminina.

Com a estreia de “Vingadores: Ultimato”, duas semanas após o lançamento de “De Pernas para o Ar 3”, o nacional perdeu cerca de 300 salas de exibição, uma vez que a nova estreia da Marvel ocupou 80% das salas de cinema no Brasil.

Mesmo com mais de um milhão de espectadores antes do corte de salas, o filme de Ingrid Guimarães sofreu com o domínio da produção norte-americana que aproveitou a ausência da política de “cota de tela”, ainda não assinada por Jair Bolsonaro na época de lançamento de ambos os filmes. Essa política consiste em uma forma de afirmar que discriminando o número de dias que toda sala de cinema comercial é obrigada a exibir filmes brasileiros de longa-metragem.

O governo brasileiro resolveu voltar a interferir numa verdadeira luta entre Davi e Golias, e restabeleceu a política de “cota de tela” para as salas de exibição de cinema nacionais. Por conta de um “vácuo” na lei que obriga os cinemas a exibirem um percentual de filmes locais, blockbusters estrangeiros tomaram conta dos espaços disponíveis – caso de “Vingadores: Ultimato”, que ocupou mais de 80% das salas em sua estreia no País, no fim de abril. – Natália Santos

Alguém Especial (2019, Jennifer Kaytin Robinson)

Outra aposta da Netflix em tramas jovens, Alguém Especial é mais um de seus filmes que retrata sobre questões amorosas. Aqui, Jenny, interpretada por Gina Rodriguez, é uma jornalista musical que acaba de terminar um longo relacionamento e conta com suas duas melhores amigas para procurar maneiras de deixar a tristeza de lado e superar essa grande perda.

Apesar do clichê romântico, o filme não decepciona. Ele tem tudo que precisa para te manter entretido por algumas horas, fazer você desejar por um amor e quem sabe até derramar algumas lágrimas. O desenvolvimento de Jenny é incrível, assim como sua personagem, forte e enérgica. Ouso dizer que podemos usá-la como inspiração, já que em nenhum momento trocou sua carreira e seus sonhos por nenhuma paixão, por mais que parecesse que ela seria para a vida inteira.

Não diria que é um imperdível, mas se estiver procurando por algo na Netflix para passar um tempo e se distrair, segue a dica que vale a pena! – Rafaela Martuscelli

O Mau Exemplo de Cameron Post (2018, Desiree Akhavan)

Lançado em território brasileiro apenas no mês passado, O Mau Exemplo de Cameron Post é a adaptação do livro homônimo. A história que se passa em 1993, conta sobre Cameron Post (Chloë Grace Moretz), que é flagrada pelo namorado transando com uma menina. Cam é mandada pela família para um acampamento de cura-gay, chamado God’s Promise.

Lá, como no longa Boy Erased: Uma Verdade Anulada — que também chegou no Brasil apenas esse ano — , Post precisa enfrentar a terapia de conversão, pensamentos arcaicos e preconceituosos dos religiosos que conduzem o acampamento, e encontrar em si sua própria verdade.

Diferentemente de Boy Erased, que é extremamente melancólico e sério chegando até mesmo a ser chato, O Mau Exemplo de Cameron Post aposta em uma linha mais descontraída, que funciona por partes. A certa leveza em tratar de um tema tão problemático permite deixar o espectador mais confortável. Porém, falta coragem de ousar e impôr o que difere o longa de todos os outros de temática LGBT+ e conversão sexual.

O roteiro é reflexivo, a amizade construída é muito bonita, e existem pequenos momentos em que o filme parece crescer, mas de resto é morno e previsível. A falta de uma conexão criada entre o espectador e as personagens gera pouca chance de comoção, e as existentes são chochas.

Cameron Post é o longa perfeito para assistir em uma tarde chuvosa em que se reserva o dia para maratonar filmes, e começar por ele. Gostaria que não fosse tão esquecível quanto é. Está na hora do cinema LGBT+ contar as histórias como o cinema negro vem abordando: de forma crua e verdadeira, sem medo de não ser tão facilmente digerível pelo público geral.  —  Jho Brunhara

Homecoming: A Film by Beyoncé (2019, Beyoncé, Ed Burke)

Mais que cantora, Beyoncé é um gigante cultural. Mais de 20 anos de carreira, incontáveis hits e influência enorme no mercado fonográfico são elementos associados à artista, considerada por muitos (incluindo esse que vos fala) o meio ícone de sua geração. Ela condensou, na edição de 2018 do festival Coachella, todo esse poder em duas apresentações impecáveis e cheias de significado. Por sua vez, Homecoming revela os processos emocionais e políticos por trás das performances.

Ainda que circundando o universo pessoal da cantora — o puerpério depois de dar luz a gêmeos, principalmente, assim como o perfeccionismo —, o longa é mais sobre nós do que sobre ela. Com ‘nós’ me refiro à juventude negra, público maior de Beyoncé e objeto da homenagem prestada aqui.

Dividida em alguns blocos musicais e outros contemplativos, que revelam bastidores do show, o roteiro encontra guia em frases de pensadores negros. O catálogo de Bey se entrelaça com esses momentos de reflexão, levando a um entendimento mais amplo da importância da discografia da artista sob a perspectiva da música da diáspora africana.

A direção é controlada e ciente de onde quer chegar, assim como tudo que Beyoncé realiza. Mas a experiência não perde espontaneidade, já que a importância das narrativas contadas aqui pertencem a um plano social muito maior que a figura da artista. Registro essencial para qualquer interessado por fenômenos culturais, o documentário é um estudo apaixonado da cultura negra no século XXI. – Leonardo Santana Teixeira

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Raul Felipe

A maior banda de punk rock de todos os tempos. É dessa maneira que podemos definir os Ramones, os precursores do new wave no cenário musical. Os nova iorquinos do Queens, começaram a carreira no famoso CBGB em Manhanttan. O grupo formado por Joey Ramone, Jhonny Ramone, Dee Dee Ramone e Tommy Ramone estreou em 1976 com um álbum autointitulado, depois vieram Leave Home e o excelente Rocket to Russia.

Foi da junção desses três que surgiu It’s Alive, considerado um dos melhores álbuns ao vivo gravado por uma banda, lançado como disco em primeiro de abril de 1979. A turnê Rocket to Russia – que reunia as melhores músicas dos três álbuns lançados – estacionou em Londres, no Rainbow Theatre, para uma sequência de quatro shows.

Porém, o concerto de 31 de dezembro de 1977 entrou para a história, onde a banda condensou 28 músicas em apenas 54 minutos para uma plateia insana que esperava a virada do ano. O teatro estava tomado por 3 mil ingleses que cantavam aos berros os sucessos do grupo. Foi no palco que  fizeram sucesso: tocando alto, rápido e simples. Para os fãs do gênero, o ano de 1977 em Londres só pode ser contado a partir desse show histórico.

O projeto teve a colaboração de Generation X, a banda que lançou Billy Idol para o mundo e os escoceses The Rezillos, conhecidos pelo hit “Top Of The Pops”. O nome do álbum fazia alusão ao filme de terror produzido por Larry Cohen ,“It’s Alive”, e lançado no Brasil com o título de “Nasce um monstro”.

O show começa com “Rockaway Beach”, que logo vira “Teenage Lobotomy” e incendeia o teatro de uma só vez. Com a banda aquecida vem o maior sucesso de todos os tempos. “É bom estar de volta à Inglaterra, e é bom ver todos vocês de novo”, diz Joey. “Take it, Dee Dee”. O baixista conta e a banda explode no hino infeccioso “Blitzkrieg Bop”.

Hey ho, let’s go
Shoot em’ in the back now
What they want, I don’t know
They’re all reved up and ready to go

Os Ramones quase não davam tempo para o público aplaudir as faixas. Terminada Blitzkrieg Bop, a banda logo toca “Glad to See You Go” e em seguida passa para “Gimme Gimme Shock Treatment”. É incrível o modo como o grupo emenda mais 20 músicas nos próximos 45 minutos.

You gotta go go go go goodbye glad to see you go go go go goodbye
Now I know the score I don’t need you anymore don’t want
You cause you’re a bore I need somebody good I need a miracle
Should I take a chance on her? one bullet in the cylinder

“Tudo estava dando certo para aquele show”, disse Monte Melnick, gerente de estrada da banda. “As luzes eram ótimas, o som era ótimo, tocavam as músicas terrivelmente, a platéia era incrível; tudo clicou. Para os quatro originais, esse foi o melhor show deles: Johnny, Joey, Dee Dee e Tommy.” A esta altura da carreira os Ramones contavam com três álbuns de estúdio e mais de 300 shows, algo que no final da banda em 1996 somaria algo em torno de 2.263 shows. Eram os deuses da América.

Porém nem tudo em Londres foi perfeito. A imprensa inglesa e o público inglês não acolheram a banda da maneira correta. “[Eles] nos trataram como palhaços”, escreveu Dee Dee sobre a mídia britânica da época em seu livro de memórias, Lobotomy. “O público inglês gostava de cuspir em nós”, disse Dee Dee. “É um insulto à banda”, acrescentou Johnny em sua autobiografia, Commando. Mas nada disso impediu que os nova iorquinos voltassem mais vezes em solo real.

O show se encaminha para o final. O quarteto vai tocando seus maiores sucessos como “Sheena Is a Punk Rocker,” “Commando” e “Pinhead. Sem perder o fôlego, a apresentação termina um pouco depois da meia noite com “We’re a Happy Family”.

We’re a happy family, we’re a happy family
We’re a happy family, me, mom and daddy
We’re a happy family, we’re a happy family
We’re a happy family, me, mom and daddy

Alguns fatos curiosos sondam o lançamento do disco. Apesar de ser o quinto álbum da banda, It’s Alive é o quarto álbum cronologicamente feito pelo quarteto. Isso ocorreu pois em 1978 a banda lançou Road to Ruin. Além disso, esse é o único registro ao vivo da banda com sua formação original, isto é, com Tommy na bateria. O disco foi lançado em LP duplo na Inglaterra 1979, mas apenas em 1996 foi lançado em formato CD nos Estados Unidos.

Dentre os mais de 2.263 shows, este com toda a certeza, é o melhor show da carreira dos Ramones. Marcado pela data de véspera de ano novo e tocando para um público louco por punk, os Ramones entraram para a história da música com uma apresentação ao vivo impecável e sublime.

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