Março foi recheado de comebacks e performances de tirar o fôlego. Não é para menos, afinal estamos falando sobre o mês em que o maior evento da música ocidental ocorreu, trazendo para nós o Santo Graal das composições – ou pelo menos é isso que eles dizem. Contudo, após uma noite de esnobados e merecidos, o bafafá se perpetuou mesmo através de nomes como Megan Thee Stallion e Cardi B, que trouxeram a brasilidade do funk para o palco do Grammy.

Voltando à questão dos comebacks, foram tantos que é difícil enumerar. Bruno Mars retomou sua carreira, parada desde 24K Magic de 2016, com a parceria ao lado de Anderson .Paak. Outro nome que volta a entregar canções inéditas – para o delírio dos fãs – é Lana Del Rey, que traz toda a estética dos country clubs, tipicamente americanos, para sua atmosfera sóbria e melodramática, pela qual todos a conhecem. Sem deixar de lado o pop mainstream, Nick Jonas também reinicia seu trabalho solo com Spaceman.

Na música nacional, o rap foi destaque com a voz de Rico Dalasam e Djonga, que trouxeram suas vivências da forma mais crua possível. Elza Soares foi outra estrela que nos presenteou com a canção Nós, dedicada especialmente ao Dia Internacional da Mulher, que é comemorado no dia 8 de março. E foram realmente as mulheres que reinaram neste mês, ao sermos presenteados com a remasterização do álbum Elis, de Elis Regina, e em uma mesma tomada, com o rearranjo de dois singles de sua filha, Maria Rita, ao lado de Quintal de Prettos. Trazendo o saudosismo das memórias jamais desfrutadas do carnaval de 2021, a união dos vocais de Rita e do grupo paulista nos lembram da esperança de dias melhores.

Não poderíamos nos esquecer, ainda, da preciosidade em forma de EP que Selena Gomez entregou ao colocar em pauta toda a sonoridade latina em músicas na língua espanhola. Bem como é bom ficar de olho no mais novo compilado de Joshua Bassett, que com seu pop frenético trouxe a íntegra de sua versão da conturbada história com Olivia Rodrigo e Sabrina Carpenter. E é em meio a uma polêmica indicação ao gramofone de ouro – merecidamente perdido – que Justin Bieber lança seu sexto álbum, intitulado Justice.

Assim, em um mês de altos e baixos, no qual completamos um ano presos em casa, a Música conseguiu transparecer todos os sentimentos que gritamos entre quatro paredes. Da campanha #fuckthegrammys à realidade distorcida confidenciada por Demi Lovato, Março de 2021 conseguiu ser alvo de altos e baixos intensos que serão lembrados por muito tempo. Por isso, a Editoria do Persona, ao lado de seus colaboradores, comenta tudo isso e ainda mais sobre o que aconteceu no mundo da Música entre os CDs, EPs, singles, clipes e performances que mais marcaram os últimos 31 dias.

CDs

Genesis Owusu – Smiling with No Teeth

O australiano Genesis Owusu não está para brincadeira. Nascido em Gana, o rapper se mudou para a Oceania na infância, inserido num ambiente majoritariamente branco e nada parecido com suas raízes. A saída? Encarar tudo de cabeça erguida e, no processo, transformar sua dor em arte. Ele começou escrevendo contos, depois poesias, até finalmente chegar na Música.

Misturando suas diversas influências no debut Smiling with No Teeth, o cantor modula o rap, o punk e toques de pop para narrar as aventuras dos tais dois cães pretos que latem por quase uma hora. A alegoria, como ele esclareceu, é cultivada pela figura da depressão e do racismo. Buscando fugir dos estereótipos comuns e ter uma voz própria, Owusu evoca melodias quase sagradas no disco de estreia. “Eu sou o Prince, se ele fosse rapper e morasse na Austrália”, disse ao The Guardian. O sorriso desdentado pode nos fazer começar a acreditar nele. – Vitor Evangelista

Nick Jonas – Spaceman

A criatividade bateu na porta de Nick Jonas e o fez entregar obras-primas em formato de álbuns. Dessa vez, o cantor resolveu oferecer algo realmente intimista e profundo sobre seus sentimentos, principalmente por ser uma explícita declaração para sua esposa, Priyanka Chopra Jonas. A junção de euforia e agonia é traduzida ao longo de todas as músicas, especialmente por se tratar de um trabalho feito durante a pandemia. 

Desde Give Love a Try em JONAS, Nick sempre deixou claro que a música é a maneira mais sincera com que consegue se comunicar e transmitir suas emoções. É nítido essa expressão no álbum, usando diversos ritmos para se declarar para Priyanka. Ele transita entre o pop romântico usual em Deeper Love (num compasso muito parecido com I Feel It Coming, de The Weeknd) e versos mais sensuais e maliciosos de uma vibe anos 70 em Delicious. 

O alcance vocal do texano é o que o torna ainda mais admirável, cruzando notas baixas e altas em uma única canção. Não importa se estamos na calmaria ou no entusiasmo, todas as faixas do álbum nos presenteiam com um calor no coração. Não há como discordar que o querido irmão Jonas tem um talento imensurável em mãos. – Júlia Paes de Arruda

Black Honey – Written & Directed

Segundo as regras de distanciamento social, ainda não é seguro realizar grandes concertos musicais, mas isso não parece ter impedido Izzy B. Phillips e o resto da banda inglesa Black Honey de ter lançado um disco que implora para ser ouvido ao vivo. Written & Directed chega três anos depois do álbum de estreia do grupo, e os encontra mais amadurecidos musicalmente, mas ainda com o mesmo entusiasmo adolescente e contagiante pelas suas próprias melodias.

Black Honey está de volta e à procura de sangue. A vocalista confronta diversos adversários no decorrer das dez músicas que se seguem, desde o patriarcado e o conservadorismo até si mesma, ampliando a aura punk rock que já havia sido apresentada casualmente em Black Honey (2018), ecoando a estética punk britânica, mas mantendo uma musicalidade diversificada e ousada. Acompanhada pela guitarra eclética de Chris Ostler, o baixo venenoso de Tommy Taylor e a bateria discreta de Alex Woodward, a voz de Phillips é o que fecha os instrumentos em uma sinfonia rebelde e caótica que não perde nenhum momento do início ao fim.

Com uma abertura incrível composta por alguns dos singles já lançados, é em Run for Cover que Black Honey mostra a que veio: uma música alta, energética e feroz sobre sexualidade feminina em primeiro plano e escancarada. Descrito e cunhado pela banda como “vagina rock” (em oposição ao subgênero cock rock), as faixas de Written & Directed são a exaltação da perspectiva feminina sobre o rock’n’roll, ampliadas por um som amadurecido, mas nem um pouco interessado em se tornar previsível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Djonga – NU

No sentido metafórico ou no regional, Djonga está nu em seu novo álbum. O artista mineiro conhecido pelas letras combativas descasca seus sentimentos pessoais em seu quinto LP, expressando seus receios, alívios e satisfações, assim como o termo do título sugere no mineirês. Nada disso significa discursos suavizados ou letras desconexas do nosso contexto social. Os últimos meses sinistros que atingem com mais força uma parcela específica da população e as razões disso são elementos que continuam muito bem refletidos nas canções fortes de Djonga, acompanhados de sua riqueza lírica e metafórica de sempre e de influências de outros nomes e gêneros da música brasileira. 

Entre reflexões sobre o sucesso, solidão, racismo e desigualdade social, NU encontra contraste ao começar com a grandiosidade de Nós e terminar com o impacto de Eu, marcando também o retorno do rapper que nunca baixa a guarda em Ó Quem Chega. As narrativas são costuradas com suas referências musicais, que dão as caras no flerte com o rock brasileiro contemporâneo combinado à uma levada do samba que o disco mostra em Xapralá. O mesmo é com Vírgula, que cria um intertexto com o samba da década de 60 pensando na desigualdade social atravessada pelas questões raciais, tema aprofundado na cinematográfica Ricô.

A produção de seu fiel companheiro Coyote Beatz desacelera na confessional Me Dá a Mão, e dela nasce a íntima e romântica Dá Pra Ser?, lovesong que dança entre o R&B e trap com a participação doce de Budah. Entre si, todas as oito faixas funcionam muito bem, mas perto da marcante discografia do artista, a repetição temática e sonora pode alimentar críticas à produção. Lembrando do contexto delicado do artista, NU é familiar e modesto, sem novidades arriscadas e sem exageros. Quer dizer, nada de excedente além do peso da arte do trabalho, que pode ter marcado o último 13 de março em que ouvimos ineditamente uma coletânea de Djonga. – Raquel Dutra

AJR – OK ORCHESTRA

O terceiro álbum do trio de irmãos Adam, Jack e Ryan saiu no dia 26 de março desse ano, dando continuidade ao tom intimista, pessoal, autobiográfico e metalinguístico do segundo, Neotheater. Com um caráter ainda mais experimental musicalmente do que este, o álbum brinca, por exemplo, com uma sucessão de diferentes instrumentos que tocam a mesma melodia em faixas como Bummerland ou World’s Smallest Violin. Ele também experimenta efeitos que lembram músicas dos anos 40 e 50, como em 3 O’Clock Things ou The Trick. Tudo isso misturado com uma mixagem bastante eletrônica, dando origem a um tipo único de música, que funciona como a assinatura da banda.

Os temas variam entre experiências pessoais dos músicos que se traduzem em temas universais, como My Play, que trata de uma criança afetada pelo divórcio dos pais; estilos inspiradores, como em Adventure is Out There e Way Less Sad; e o tom metalinguístico que citei, que aparece aqui em Christmas in June e Bang!. Outras músicas de destaque que também tratam de temas universais são Ordinaryish People (o único feat do álbum, feito em parceria com o Blue Man Group), Joe e Humpty Dumpty. Esta última considero a mais fraca delas, não porque não tem seu valor, mas porque as outras são excepcionais em comparação.

É um álbum de música pop, que trata de problemas cujos adolescentes tendem a se identificar mais. As várias referências às vivências dos adolescentes no século XXI (e até breves menções indiretas à pandemia, que permeou o desenvolvimento do álbum) deixam claro o público-alvo, que recebe um prato cheio. Para aqueles que não se identificam com a estética mais adolescente e despojada, os experimentos musicais e as melodias enérgicas valem o play. E para não esquecer: a música de abertura do álbum, OK Overture, é genial, porque junta várias das peças do álbum em uma só. -Flora Vieira

Lana Del Rey – Chemtrails Over The Country Club

A forma mais simples de definir o novo álbum de Lana Del Rey é sufocante. Durante suas 11 faixas, somos levados por um caminho monótono na melancolia da cantora, que reutiliza a mesma sonoridade branda e densa em todas as músicas que montam a coletânea. Nos sentimos presos em uma interminável sequência de cópias dos demais trabalhos de Lana, que dessa vez peca por se afogar demais em um sofrimento lírico, o qual ao invés de ser belo e tocante, se torna indigesto e tedioso.

É claro que em meio a várias faixas, um tanto chatas, algumas se destacam positivamente por escaparem, mesmo que pouco, da identidade em tons de cinza do álbum. A voz de Nikki Lane é o suspiro que tanto queríamos. Ao lado de Del Rey, as cantoras entoam Breaking Up Slowly, trazendo uma sensibilidade sonora que faz falta nas demais canções. Chemtrails Over The Country Club, que dá nome ao disco, é outra que merece destaque por conseguir imprimir a identidade vocal de Lana, escondida atrás de tanto sofrimento em suas outras faixas.

O álbum é cansativo e, assim como sua capa, é cinza. Nem preto, nem branco. Numa tentativa de se manter no meio do caminho e agradar a todos, Lana Del Rey se perdeu e deixou levar por uma perspectiva pouco convidativa. Sua voz, tão encantadora quanto um canto de uma sereia, nos puxa para as profundezas, afogando os marinheiros que se atreveram a navegar nas águas de Chemtrails Over The Country Club. – Ana Laura Ferreira

Pitty – Matriz Ao Vivo Na Bahia (Ao Vivo Deluxe Edition)

Não faltam adjetivos para descrever a brilhante carreira de um dos maiores nomes do rock brasileiro: Pitty. A baiana é dona de músicas que você pode não saber o nome, mas basta um acorde para cantar toda letra. Atemporal, começou 2021 com o Deluxe do disco gravado ao vivo na Bahia antes da pandemia. Com um repertório que caminha desde os primeiros CDs até o álbum de 2019 que também batiza esse trabalho, Matriz, o registro conta com duas faixas novas: Para o Grande Amor e Serpente.

Pitty não estava sozinha em cima do palco. As faixas Noite Inteira e Te Conecta / Tudo Me Faz Sentido são divididas com uma das vozes mais importantes da Bahia, Lazzo Matumbi, Roda conta com a presença do grupo BaianaSystem, e Larissa Luz faz feat em Máscara / Bonecas Pretas. Ao fim do espetáculo, eles voltam ao show para juntos ecoar a poderosa Sol Quadrado, que deixa uma mensagem de persistência e resistência. As canções que encerram Matriz Deluxe, apesar de antagônicas, são o viés da proposta musical da cantora, deixando aquele gostinho de quero sempre mais.

Quem acompanha a discografia de Pitty sabe toda a dor e delícia que suas músicas causam. Quem nunca se pegou cantando Na Sua Estante em alto e bom som que atire a primeira pedra. Presente também neste trabalho, vemos a história ficar ainda melhor com sua seguinte faixa: Motor. Canção ressuscitada por Gal em A Pele do Futuro, a música parece ter sido composta para a voz de Pitty, sendo o nó certeiro que amarra todos os sabores presentes no disco. Matriz é um prato cheio de talento e sonoridade, que imprime seus 20 anos de carreira solo. –  Ana Júlia Trevisan

Elis Regina – Elis (Remastered)   

Neste 17 de março, dia quase sagrado para milhões de pessoas, Elis Regina – a maior cantora brasileira de todos os tempos, diga-se de passagem –  completaria seus 76 anos de vida. Já faz quase 40 anos daquele traumático 19 de janeiro em que Elis se concretizou como estrela no sentido literal da palavra. A saudade dela cresce cada dia mais no coração e na memória de todos nós, amantes de seu trabalho e admiradores de sua pessoa.

Para saciar a saudade dos fãs da gaúcha, seu filho João Marcelo Bôscoli nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do disco Elis (1972). Já não é a primeira vez que ele utiliza sua arte de produção musical para relembrar e exaltar a carreira e a vida de sua mãe. Essa tarefa nada fácil é feita com imensa maestria e nos comprova, mais uma vez, todo o talento da cantora, presente não só na sua voz, mas também no DNA.

O álbum conta com os clássicos Nada Será Como Antes, Atrás da Porta, Casa no Campo e Águas de Março. Além de músicas como Olhos Abertos, Me Deixa Em Paz e Boa Noite Amor, que nos trás um “lado B” pouco conhecido de Elis. Esse primor em formato de álbum, disponível em vinil e CD, está em todas as plataformas digitais para o deleite dos fãs. – Guilherme Teixeira

The Weeknd – House of Balloons (Original)

Jamais poderemos negar o talento de The Weeknd. Trazendo sempre uma sonoridade única que o caracteriza, o cantor consegue unir o pop mainstream a sua personalidade, dosando pitadas eletrônicas e às vezes até mesmo de rock em seus projetos. O estouro que seu trabalho deu em 2020 com o álbum After Hours lhe abriu portas e, melhor do que isso, nos abriu caminhos para que retornássemos às origens do cantor, a fim de acompanhar esse delicioso amadurecimento.

House of Balloons, primeiro disco de The Weeknd, foi disponibilizado neste mês de março nas plataformas de streaming. Retornando à sua estreia em 2011, somos agraciados com músicas intensas que nos fazem se perder em meio a um universo sonoro mágico criado por ele, sendo as principais representantes High For This e aquela que dá nome ao álbum. Sempre muito atento aos detalhes, tudo no disco parece se encaixar perfeitamente, pedindo para que a coletânea seja colocada no repeat e reproduzida eternamente. Nós não nos importarmos com isso. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Justice

Depois de retornar para o mundo musical com o abominável Changes, não se podia esperar muito de Justin Bieber. E, curiosamente, ele conseguiu nos surpreender. Enterrando de vez sua relação delirante com o R&B, o canadense resgata suas raízes com o pop em Justice. Apesar de conceitos falhos, que vão desde o título do álbum até um discurso de Martin Luther King entre as faixas, a produção consegue entregar toda a musicalidade leve e contagiante que esperamos por tanto tempo.

Junto com as serenatas românticas de sempre, Bieber traz letras mais sinceras e pessoais, tratando sobre seu problema com as drogas (Off My Face) e as dificuldades do estrelato (Lonely). E também se mostrou cada vez mais aberto sobre sua espiritualidade, algo que já era previsto após o lançamento do single Holy. Outra novidade de sua nova fase é a valorização de seus vocais, ainda mais reforçados pela série de performances ao vivo que vem realizando. 

O sucesso do álbum também se deve ao seu time de peso, que conta com nomes como Skrillex, FINNEAS e Josh Gudwin na produção, além dos brilhantes feats como Daniel Caesar, Burna Boy e Khalid. Uma curiosidade é que a faixa Hold On tem o cantor Gotye creditado, por utilizar samples da música Somebody That I Used To Know, que, por sua vez, usou samples de Seville, do brasileiro Luiz Bonfá, que também recebeu os devidos créditos. Bieber conseguiu explorar e se divertir por novas tonalidades do pop, mas sem sair da atmosfera musical que o consagrou como o artista que é hoje. Justice é, de fato, o seu retorno triunfal. – Vitória Silva

Rico Dalasam – Dolores Dala Guardião do Alívio

Um tempo longe dos holofotes da indústria musical parece ter feito bem para Rico Dalasam. Depois de sofrer com linchamentos virtuais em 2017 devido a polêmicas judiciais, o rapper retorna amadurecido em Dolores Dala Guardião do Alívio, um álbum menos pop, menos comercial, porém bem mais intimista e sincero, provando que sua arte transcende qualquer estereótipo ou rótulo. Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, sua premissa é agora potencializada para tornar-se uma narrativa alegórica, cativante e imersiva que passeia pelas vivências do poeta nos últimos três anos, mergulhando em temas como negritude, homossexualidade, colonialismo e relacionamentos inter-raciais.

Sendo assim, Rico aborda suas experiências individuais para comentar temáticas sociais coletivas, porém sem nunca soar redundante ou reducionista: ele sabe que sua bagagem pessoal não resume um fenômeno sociopolítico complexo. Visto isso, ele universaliza esses eventos, tornando-os relacionáveis para o ouvinte, entretanto ainda depositando a eles um caráter único e particular que só ele poderia dar, encontrando no caminho o equilíbrio perfeito entre o amplo e o singular. Usando tais ferramentas, Dalasam costura sua fábula através de distintas sonoridades afro latinas das mais diversas origens, inevitavelmente atravessando também a história do continente latino-americano.

Com uma tracklist potente e plural, explora desde as intempéries de um romance inter-racial em Braille, vendo-o evoluir para um relacionamento abusivo que fatalmente reproduz opressões raciais e coloniais em Mudou Como?, o enfrentamento de uma situação de abandono em Última Vez, uma revisita nostálgica a um tempo e lugar distantes em Vividir, até o fatídico término, seguido de uma reconciliação pacífica, ainda que não menos crítica, em Estrangeiro. Rico Dalasam apresenta com Dolores Dala Guardião do Alívio uma obra tanto reconfortante e consoladora quanto autoconsciente, difundindo sua mensagem através de uma plataforma que ele mesmo construiu. E, acredite, nós definitivamente deveríamos estar prestando atenção. – Enrico Souto

Evanescence – The Bitter Truth

Se você teve a oportunidade de escutar o melhor do rock que estava sendo produzido no início dos anos 2000, é certo que conheça pelo menos uma música da banda Evanescence. Popular entre todos os estilos graças a Bring Me To Life, do álbum Fallen de 2003, o grupo liderado por Amy Lee entrega no mês de março seu sétimo disco original. Inteiramente construído de forma a contar uma história sonora, somos engolidos pelos vocais de Lee e pela bateria de Will Hunt, que juntos dançam uma valsa no melhor estilo punk.

Não deixa de ser clichê falar que Evanescence entregas músicas poderosas, mas haveria então outra forma de definir Broken Pieces Shine do que como o poder em sua forma mais bruta? O que encontramos na coletânea de The Bitter Truth é uma cadência de emoções intensas, mas extremamente alinhadas. Não estamos falando aqui de gritos jogados ao vento ou uma potência sonora sem propósito, mas sim de um trabalho inteligente que consegue prender, até mesmo aqueles avessos a esse gênero, em uma incessante busca de saber como será a próxima faixa.

O refrão de The Game Is Over nos leva diretamente para o rock mais emo consagrado na primeira década deste século. Já Wasted On You nos agracia com uma suavidade tão aguda que fica impossível não fechar os olhos para simplesmente sentir os vocais de Amy. Orgânico, o disco constrói sua heterogeneidade em meio a um crescente de emoções que nunca se abalam, produzindo assim um dos melhores álbuns da carreira de Evanescence. – Ana Laura Ferreira

Zara Larsson – Poster Girl

Dentro do nicho do pop, vira e mexe o termo “música de playlist da Renner” é utilizado para se referir a canções que combinam com a vibe loja de departamento. Sendo bem direto, Zara Larsson é exatamente isso. É algo ruim? Não exatamente. Quem nunca ouviu uma música enquanto dava uma olhada nas camisetas moderninhas e pegou o celular para descobrir qual era pelo Shazam? Porém, é algo que indica o maior problema de Zara: a falta de uma identidade definida que a diferencie. Poster Girl não é ruim, mas a maioria de suas músicas poderia ser de qualquer um tentando fazer um pop que hite nas playlists do Spotify. 

O maior problema do disco é justamente que a ideia da garota-sonhando-em-ser-estrela-pop-de-pôster é levada um pouquinho a sério demais. Zara não assina metade das canções, sendo uma das exceções a maravilhosa (ufa!) Love Me Land. Ou seja, parte do que ela canta ali não veio dela mesma. E até o que veio teve dedo de outros trocentos compositores. A polêmica de artista vs. intérprete pode levar a discussões, mas aqui é inegável que se torna uma problemática. No fim do dia, quem é realmente Zara Larsson? Ela é a garota do pôster para quem podemos olhar e nos identificar? – Jho Brunhara

EPs

ARON e MYGAL – Nieve

Enquanto a quarta temporada de Elite não sai do forno, os atores tentam engatar sua carreira na música. A primeira foi Danna Paola, com a chegada de K.O.. Agora, foi a vez do favorito dos fãs, o apaixonante Arón Piper. Sua voz rouca marcante somada às letras alcóolicas não poderiam trazer outra imagem a não ser a sua à nossa mente. 

Em 2020, Arón já havia lançado singles soltos, como Todo e Friends, provando que seu talento não fica restrito à Ander Muñoz. Neste ano, o alemão se arriscou e lançou um EP com apenas cinco músicas, em sua grande maioria, acompanhado de parcerias. Entretanto, as duas primeiras canções são as que mais se destacam. A primeira, a faixa-título, traz um som parecido com chocalhos que a tornam mais calma, transmitindo a preocupação e a frustração do eu lírico. Já a segunda, Cielo Morao, tem aquele ar caótico de uma festa baseada em doses de bebida e drogas ilícitas. Seus primeiros minutos remetem à We Can’t Stop, de Miley Cyrus. 

Apesar delas terem ritmos totalmente diferentes, são as mais difíceis de caírem no esquecimento. A falta de uma divulgação mais engajada e uma batida mais grave em todas as canções (aquelas que fazem vibrar o coração), tornam o EP facilmente ignorável. Por enquanto, fica a torcida para que o sotaque memorável de Arón firme mais no meio musical. – Júlia Paes de Arruda

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Charlotte Lawrence – Charlotte 

Charlotte Lawrence foi uma ótima descoberta para o nicho pop da internet em 2017. Com sua sonoridade brilhante e personalidade sincera, a modelo conquistou um número considerável de seguidores nas redes, além de conseguir um contrato vantajoso com a Atlantic Records. Em março ela lançou seu segundo extended play, Charlotte, que mistura mid-tempos irritantes e infusões pop rock que amargam ainda no primeiro play. O single promocional Talk You Down insiste, mas soa mais como um descarte de Selena Gomez. Nem as guitarras do renomado Ryan Tedder conseguem salvar o projeto.

A obra só chama atenção no final: Why Do You Love Me é um pop rock direto dos anos 80, com a sarcástica narrativa de Lawrence e a produção eletrizante de Charlie Puth, que remete a grandes sucessos do produtor, como Attention e How Long. Longe de seu ótimo antecedente Young, Charlotte é vazio e desanimador – a energia adolescente e encantadora que ela trouxe no início de sua carreira parece ter sido apagada por completo. A composição detalhista da musicista não combina com a produção datada e irritante da obra – por enquanto, é melhor ela ficar pelas passarelas. – Laís David

“Há algo especial sobre Knebworth”, aponta o baterista Nick Manson, em comunicado à imprensa, ao relembrar apresentação histórica do Pink Floyd em um dos palcos mais importantes da Inglaterra. Três décadas após juntar forças com Paul McCartney, Eric Clapton, Genesis, Robert Plant e outros vencedores do Silver Clef Award, a banda disponibilizará (em CD, LP e streaming) o show completo no álbum ao vivo Live at Knebworth 1990. 

Previsto para ser lançado no dia 30 de abril, o álbum traz a setlist modesta daquela noite, mas que carrega os maiores hits da banda. A parte A do LP já está disponível no Spotify com as célebres The Great Gig in the Sky e Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5). A faixa de The Dark Side of the Moon tem como convidada Clare Torry, vocal original que tornou a música conhecida por usar sua voz apenas como instrumento, sem cantar uma palavra sequer.

Já a composição de cinco partes, que conta com a participação da saxofonista holandesa Candy Dulfer, abre o concerto de forma majestosa fazendo jus a atmosfera da história que assombra essa faixa. A música é um tributo a Syd Barrett, mente criativa e perturbada dos primeiros anos do Pink Floyd, que foi afastado por problemas com drogas e logo substituído por David Gilmour. Anos após a separação conturbada, Barrett fez uma visita inesperada aos estúdios justamente enquanto a banda trabalhava na música que o eterniza (Shine on You Crazy Diamond). Este ano, a morte de Syd Barrett completa 15 anos. – Maria Carolina Gonzalez

Joshua Bassett – Joshua Bassett

Parece um tanto piegas dizer, mas às vezes o menos é realmente mais, e no caso de Joshua Bassett o mais é um exagero de ritmos e sonoridades que, ao invés de se complementarem, apenas nos desorientam. É muita informação saltando aos nossos ouvidos ao mesmo tempo e nos vemos perdidos, sem saber em que prestar atenção. Tentando atirar para todos os lados, o cantor mistura inúmeros estilos, acertando em cheio em alguns e errando o alvo em outros, como se estivesse fazendo isso de olhos vendados.

As grandes estrelas do EP, que leva o mesmo nome de Joshua, são Do It All Again e Only a Matter of Time, isso por serem também as músicas mais contidas e centradas. Em contrapartida, Sorry abre o álbum como um tsunami sonoro que nos atordoa e anestesia para seguirmos o disco. Saltando entre o eu lírico do apaixonado e o do passivo-agressivo, Bassett mostra que sabe fazer música, mas se vê cego por sua ânsia de ser certificado com esse talento.

Joshua Bassett era uma boa oportunidade de destaque para o músico que tem seu nome crescendo na boca das pessoas. Contudo, o tiro saiu pela culatra ao entregar um material sufocante que chama mais atenção por seu turbilhão do que pela técnica ou valor sentimental. Talvez, se fosse diluído entre outras faixas mais simples e contidas, o EP poderia ser bem digerido, mas infelizmente teremos de esperar os próximos trabalhos de Joshua para descobrir se essa intensidade é naturalmente sua ou parte de um belo pé na porta para apresentá-lo à indústria da música. – Ana Laura Ferreira

O que mais chamou a atenção no EP foi a estética impecável (Foto: Reprodução)

Selena Gomez – Revelación

Selena Gomez está de volta com mais um projeto e, dessa vez, uma promessa de uma década: o álbum em espanhol. Há muito tempo a cantora quer fazer um trabalho que reflita sua ascendência latina paterna e finalmente aconteceu. O EP Revelación nasceu e está incrível. Com singles que chamaram a atenção, o álbum coleciona faixas interessantes a serem exploradas.

A cantora aproveitou a oportunidade e se mostrou confiante do início ao fim em um campo pouco explorado por ela. Em todas as músicas, Selena não deixa a desejar na pronúncia do idioma, mesmo que seu espanhol não seja mais fluente. Vicio, Adiós e Buscando Amor são o top 3 desse trabalho, as músicas reúnem letras desinibidas e independência emocional. O projeto conquistou o recorde de EP solo com maior número de #1s ao redor do mundo e a maior estreia de um EP feminino no Spotify. 

Em meio à polêmica de se aposentar da música, o disco foi um sucesso. Um trabalho confiante, sensual e de extremo amor próprio. Selena deu o que o público sempre esperou dela, e a esperança é que ela continue assim para proporcionar mais trabalhos como esses. O que tinha tudo para ser um apanhado de reggaetons, se tornou uma virada de chave na atualidade musical da texana. Revelación é o primeiro passo para Selena não querer mais desistir da música. – Giovana Guarizo

Drake – Scary Hours 2

Drake passou por maus bocados nos últimos meses. Depois de se hospedar um tempo numa clínica de reabilitação, o canadense cancelou o lançamento de seu futuro disco, enfrentou o período da recuperação da cirurgia no joelho e sumiu desde então. Boatos apontam que o rapper já está com seu próximo sucesso pronto, gravando clipes e tudo mais. Mas, por agora, conhecemos a parte 2 do projeto Scary Hours.

O material da vez, com uma faixa a mais que o EP de 2018, não arremata Drake longe de sua zona de conforto, mas também nem deveria. What’s Next agita o clima, que será suavizado ao lado de Lil Baby com Wants and Needs. Lemon Pepper Freestyle fecha Scary Hours 2 na melhor nota do trabalho, performada junto de Rick Ross por mais de seis minutos. Drake comemorou os recordes quebrados, e bem que poderia usar essa energia para finalmente nos mostrar o que aprontou para o Certified Lover Boy. – Vitor Evangelista

Músicas

Elza Soares – Nós 

Março é um mês marcado pela comemoração do Dia Internacional da Mulher. Data, essa, usada para lembrar a importância dos direitos e igualdade feminina. No dia em que lutamos para nossa voz ecoar mais forte, a mulher do fim do mundo lançou a regravação do single Nós em homenagem a data. Além da canção, Elza Soares também apareceu no especial Falas Femininas da Rede Globo, depondo sobre ser mulher nos tempos de hoje e dando voz à O Que Se Cala, do álbum Deus é Mulher.

Inédita na voz da cantora, a música já mostrou sua potência no fim do segundo milênio com gravação de Cássia Eller mas, dessa vez, tem uma força diferente vindo da intérprete, uma força de 90 anos de luta. A canção ainda conta com um belíssimo videoclipe repleto de fotos da cantora e com a letra nas manchetes do jornal. Elza Soares é resistência e acerta em cheio tudo aquilo que se propõe a fazer. Nós é o primeiro lançamento musical da carioca em 2021 e prepara o campo para brilhantes trabalhos durante o ano. – Ana Júlia Trevisan 

Ashe e FINNEAS – Till Forever Falls Apart

Em março, completamos um ano de quarentena. Um ano trancados em nosso isolamento e tendo nas artes o principal amparo. Em meio a tantas emoções intensas, a música ganhou novos patamares conseguindo imprimir todo esse drama em melodias embaladas solenemente. E é desse caos controlado e dos gritos modulados que Ashe e FINNEAS entregam Till Forever Falls Apart, como uma trilha de sensações exorbitantes que nos submergem na intensidade de sua composição.

A cantora que ganhou destaque depois de sua participação na trilha de Para Todos Os Garotos: P.S. Ainda Amo Você, mostra ser muito mais do que apenas uma one-hit wonder ao se juntar a FINNEAS, que aos poucos vem perdendo o cargo de “irmão da Billie Eilish” para traçar seu próprio legado. E se não bastasse todo o poder emocional que melodia e letra transmitem, o single veio acompanhado de um clipe igualmente melancólico e belo. A fotografia apagada em contraste com os tons amarelados e azulados criam uma atmosfera cinematográfica que nos impede de piscar enquanto o assistimos.

Talvez seja muita pretensão colocar a canção, bem como todos seus elementos visuais e sonoros, no mesmo patamar de grandes obras milenares. Mas de que outra forma teríamos de classificar Till Forever Falls Apart senão como um exemplo cru e óbvio de excelência artística? O single, que merecia um lugar em museus de todo o mundo, é a evocação do poder que a música tem sobre nós. – Ana Laura Ferreira

Foxes – Kathleen

Em abril, a britânica Louisa Rose Allen, conhecida pelo nome artístico Foxes, quebra seu hiato com o lançamento do EP Friends in the Corner, seu primeiro disco desde 2016. Ele reúne todos os singles lançados desde a volta da cantora ao cenário do pop em 2020, incluindo o recém-lançado Kathleen. Inspirado em uma conversa que ela teve com sua avó, Kathleen Allen, a música é uma homenagem simples e melódica à ela.

Apesar de começar com versos simples e diretos, um refrão breve e energético revela as raízes pop da artista, que repete animadamente as palavras de Kathleen sobre amor, término e a não se prender ao passado. Foxes usa as mesmas técnicas dos últimos singles para criar composições que não necessariamente se distanciam de seus trabalhos anteriores, mas que parecem dar outro tom às suas canções.

O videoclipe de Kathleen acompanha bem as palavras da musicista, mostrando uma bela dança de balé que traduz visualmente o diálogo na letra e a admiração da cantora por essa figura que claramente significa tanto para ela. Apesar do ritmo acabar se tornando repetitivo na parte final, há uma bela inserção do áudio original da conversa que consegue terminar belamente essa homenagem. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Urias – Foi Mal

Urias já foi modelo, drag queen, assistente pessoal de Pabllo Vittar e agora é artista musical. No final de 2019, a mineira de 25 anos estreou na cena pop nacional através do EP homônimo, já se consagrando como uma promessa de sucesso pelo seu estilo único e inovador, e assim ela segue em seu novo single. Imersa na sonoridade da música brasileira dos anos 90, Foi Mal é uma nova faceta de Urias, que até então conhecida pela sua atitude e poder, agora faz um desabafo íntimo e vulnerável sobre as dores e delícias do fim de um amor ruim.

Seu glamour característico, no entanto, não é sufocado pelo sofrimento. Foi Mal pode até soar melodramático – e isso não é necessariamente um defeito, vale destacar -, mas Urias vive a fossa como uma exímia diva no videoclipe charmoso da canção. Com produção da Brabo Muisc Team – assinatura comum em grandes sucessos do pop brasileiro que surgem na voz de Anitta, Iza e Luísa Sonza -, o single é poderoso na profundidade do eu-lírico da artista e prepara o terreno para seu novo e primeiro disco, que deve ser lançado ainda no primeiro semestre de 2021. – Raquel Dutra

Bebe Rexha – Sacrifice

Elevando os patamares de femme fatale para sua proposta mais literal possível, Sacrifice entrega as batidas agitadas do fim dos anos 1990 e início dos 2000 com uma roupagem própria que mostra a influência das grandes divas da época, como Christina Aguilera, sem perder personalidade. Bebe Rexha sabe como contrastar sua voz particular com um ritmo agitado próprio para as festas pós-pandemia. Entretanto, toda essa estética baseada no sobrenatural que cerca a canção é apenas uma roupagem que esconde sua mesmice.

Com um clipe empolgante e visualmente bonito, Sacrifice na verdade se mantém na mesma temática, ritmo e sonoridade de tantas outras produções anteriores da cantora. Entrando em um ciclo vicioso, Rexha cria expectativas monumentais que são quebradas com músicas que passam aquela sensação de “já escutei isso antes”. O que torna tudo mais triste é saber do poder e da potência da cantora, que tem qualidades mais do que suficientes para entregar produções monumentais, mas se mantém na segurança de sua estagnação. – Ana Laura Ferreira

ROSÉ – On The Ground  

Atingindo o novo recorde de artista solo de k-pop com mais visualizações no YouTube, em seu primeiro projeto a parte do grupo BLACKPINK, ROSÉ obteve aproximadamente 42 milhões de views no período de 24 horas pós-lançamento de seu single On The Ground. O sucesso de sua composição é mais uma conquista para a carreira da cantora neozelandesa, que agora investiu em um projeto individual, paralelo ao seu trabalho como integrante de uma das girl group de k-pop mais famosas da indústria musical até o momento.

Alcançando tanto sucesso, percebemos que toda a dedicação de ROSÉ em seu primeiro single álbum está sendo compensada tanto a ela, quanto também para nós, admiradores do grupo e suas integrantes. O debut solo R, contém duas faixas, Gone e On The Ground, uma canção sobre amadurecimento, amores e desilusões, que já chegou aclamada com um clipe que intercala entre explosões e campos floridos. Além de uma produção audiovisual impecável, essa música é uma demonstração do potencial da artista, que deixou todos nós ansiosos para saber quais serão os próximos passos de sua carreira. – Gabriel Brito de Souza

Kylie Minogue, Dua Lipa e Initial Talk (Studio 2054) – Real Groove Remix 

A sensação reconfortante da nostalgia pode ser por vezes traiçoeira, pois nos cega de comodidade enquanto aproveita para reproduzir em uma mesmice desnecessária. Entretanto, não é isso que acontece no remix de Real Groove. Kylie Minogue traz toda a sua estética sonora, que se consolida a anos, com uma nova pitada de frescor ao lado da mais recente ganhadora do Grammy de Melhor Álbum Pop Vocal, Dua Lipa, tendo como bônus o nome de Initial Talk no time.

Intensa é a melhor palavra para definir essa música que é empolgante e ao mesmo tempo saudosa. As tradicionais batidas oitentistas de Minogue se misturam com o tecnopop dos anos 90 e com todo o respiro de inspiração que vimos surgir em 2020 com nomes como The Weeknd e a própria Lipa. Tudo se torna ainda mais gratificante de se escutar nessa, que é a segunda versão do remix, por trazer ainda mais inovação e distinção a uma canção que já era, por si só, imponente. – Ana Laura Ferreira

Jão – AMOR PIRATA  

O cantor Jão, que não possuía novas músicas desde 2019, parece que chegou neste ano com sua nova era. Coringa, lançada em fevereiro, foi o pontapé inicial, e em março, AMOR PIRATA vem para acrescentar no repertório do paulista. As composições destes novos trabalhos parecem casar e não fogem de um amor mais desapegado. Jão sofre mais uma vez, mas agora parece estar aproveitando algum lado positivo dessa história. Com uma letra e uma melodia alegre, ele pode alcançar lugares diferentes com essas novas canções. 

O cantor lançou também um clipe que possui uma vibe que se conecta muito bem com a melodia. O vídeo apresenta o Jão como um marinheiro que é encantado por uma sereia e levado ao fundo do mar. Com isso, o nome da música revela um duplo sentido. Um que se conecta com a letra e o outro com a história retratada no clipe. Com esses novos trabalhos, a gente não se apaixona por Jão só na sexta-feira. – Ana Beatriz Rodrigues

Silk Sonic, Bruno Mars e Anderson .Paak – Leave the Door Open

Quando se trata da indústria da música muito se fala sobre renovação, criação de eras e reinvenções constantes. Artistas como Taylor Swift, Lady Gaga e Beyoncé ilustram magnificamente cada uma de suas fases criando estéticas próprias e singulares, sempre trazendo novidades por vezes inimagináveis, afinal, quem se quer sonhou que Swift passaria de Lover para folklore em tão pouco tempo? Contudo, essa pressão da indústria que pede por recriações se restringe apenas às musicistas, que são taxadas de “folgadas” ou “sem graça” quando ousam reutilizar um estilo, enquanto músicos, como Bruno Mars, são aclamados como inovadores ao entregarem mais do mesmo.

Leave the Door Open é suave, gostosa de se escutar e um tanto cativante, isso não podemos negar. Mas onde está a inovação? Não seria essa apenas uma réplica barata de canções já entregues pelo cantor? Isso definitivamente não precisaria ser um problema caso sua aprovação pela crítica não fosse embasada em uma suposta revolução no som de Mars.

Empregando uma estética visual e sonora que data do fim da década de 70 e início da de 80, o músico decepciona em seu tão aguardado comeback, ao lado de .Paak e Silk Sonic. O que nos resta agora é aguardar pelo mais novo álbum do cantor, prometido para os próximos meses, e torcer para que o primeiro single seja apenas um desvio de sua criatividade. Sabemos do potencial de Bruno e por isso rezamos para que ele seja usado. – Ana Laura Ferreira

Aly & AJ – Pretty Places

Com o lançamento do novo álbum a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se aproximando, o duo pop Aly & AJ revelou seu terceiro single no início de março. Pretty Places, que chega após as batidas românticas de Slow Dancing e do pop rock 2000 de Listen!!!, complementa os ritmos ecléticos do novo disco das irmãs Michalka. Inspirado pelo rock dos anos 60 e 70, Pretty Places captura a sensação de uma road trip através das planícies californianas que as irmãs chamam de lar.

O violão é o instrumento mais marcante da nova faixa, ecoando o ritmo e o compasso do country rock americano, deixando claro que o novo ciclo delas é pautado na diversidade de estilos musicais. Apesar do recente sucesso da regravação explícita de Potential Breakup Song, as duas já confirmaram não querer repetir seus sucessos, optando por aumentar cada vez mais seu repertório instrumental e se manterem fiéis às suas letras.

O sentimento é de sair em busca de novos começos e deixar o passado para trás: “Todos os lugares lindos/Nos tiram de onde a dor está/Esse céu aberto/Deixando o passado para trás/Eu iria, por todos os lugares lindos”. O videoclipe que acompanha a música reflete esses temas em sua estética, mostrando elas viajando num conversível enquanto a melodia country dá ritmo às suas experiências. Descrita pelo próprio duo como “a música que elas mais gostaram de ter escrito”, Pretty Places é um ode às grandes e simples jornadas que fazemos em busca da felicidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Convidada mais que especial, Maria Rita fez a festa no Quintal dos Prettos (Foto: Reprodução)

Quintal dos Prettos e Maria Rita – Num Corpo Só / Coração em Desalinho (Ao Vivo)

O Quintal dos Prettos é um roda de samba na qual, diga-se de passagem, é um dos primeiros lugares que pretendo ir pós-vacina. Um dos melhores pagodes de São Paulo, o quintal mantém o formato clássico das rodas acústicas, referenciando grandes nomes da música brasileira. Em 2019, os irmãos Magnu Sousá e Maurílio de Oliveira convidaram Maria Rita, Emicida, Arlindinho e Salgadinho para esquentar a tarde fria de São Paulo com a gravação de um DVD no Maria Zélia.

Esse mês foi disponibilizado nas plataformas digitais a gravação feita em participação da grandiosa Maria Rita. O single é a junção de dois grandes clássicos na voz da cantora: Num Corpo Só / Coração em Desalinho. A primeira é composição de um dos maiores mestres do samba, Arlindo Cruz, e acompanha Maria desde seu primeiro disco de samba, o Samba Meu. A segunda já foi trilha de novela e é composta por Monarco, baluarte da Portela que é a escola de coração da cantora. 

A emoção da gravação está na voz do povo. Maria Rita puxa Num Corpo Só / Coração em Desalinho sem fazer o uso de microfone, tendo seu vocal abafado pelo calor do público. A  cantora, que é dona da voz mais potente do Brasil, mostra sua forte presença de palco enquanto se diverte com a cantoria da roda. O single é produzido levando a ferro e fogo o ditado repetido por Maria em todo show: “A voz do povo é a voz de Deus”. – Ana Júlia Trevisan

Maroon 5 e Megan Thee Stallion – Beautiful Mistakes

Não é sempre que bons artistas entregam boas músicas, e esse é o caso do mais novo single do Maroon 5, Beautiful Mistakes, em parceria com Megan Thee Stallion. A canção chiclete, que parece mais o resgate de um pop dos anos 2000 negado pela banda em oportunidades anteriores, irrita com suas batidas genéricas e enjoativas. Talvez a melhor forma de nos referirmos a essa música é como preguiçosa, afinal, repetir incansavelmente os mesmos três beats não é sinônimo de grandes produções.

E se já não bastasse a escolha duvidosa, o clipe que acompanha o single é a cereja desse bolo que nos dá náuseas. No mínimo estranha, a escolha por uma estética psicodélica acabou por cair na breguice. Nem mesmo a voz aveludada de Adam Levine, que parece melhorar com o tempo, ou o rap recitado pela maravilhosa Stallion conseguem salvar a produção. A combinação dos timbres é interessante, se encaixa como luva e, definitivamente, merecia mais do que a bizarrice de Beautiful Mistakes. – Ana Laura Ferreira

No Rome, Charli XCX e The 1975 – Spinning

Não tem ninguém que goste tanto de trabalhar na pandemia quanto Charli XCX (ok, talvez apenas Taylor Swift). A bola da vez é a formação de um supergrupo, ao lado de seus amigos do The 1975 e de No Rome. Ao que parece, o projeto gerará um álbum de estúdio completo e cheio das milhões de influências e peculiaridades de cada um dos artistas. O tira-gosto é Spinning, onde Matty Healy e Charli dividem os vocais, deixando No Rome no comando da mesa de som, e os meninos da banda ao fundo. 

A faixa não é inspiradora, irreverente ou propriamente refrescante. A união destes 3 talentos pode ensurdecer pelo barulho excessivo e a criatividade aflorada, e o material disponível é aquém das expectativas. Healy e Charli parecem distantes demais do microfone, e os instrumentos engolem suas belas vozes britânicas. Em formato animado pelo isolamento social, o clipe não empolga. O supergrupo, ainda sem nome (mas será que vai ter nome?), tem mais coisas no forno. Dedos cruzados para ser melhor que Spinning. – Vitor Evangelista

Demi Lovato – Dancing With The Devil

Demi Lovato teve seu comeback. Dancing With The Devil, homônimo do documentário da cantora, é uma canção que reflete a dor que ela sentiu no momento em que passou por uma overdose em 2018. A situação que quase levou a morte aconteceu 3 dias após a cantora escrever Anyone, a composição que marcou o retorno de Demi ao mundo da música no Grammy 2020.

A canção é uma carta aberta de dor da cantora e um relato reflexivo sobre como o mundo da música pode ser horrível. Nos seus 4 minutos de duração, a composição é chocante e extremamente comovente. Sem dúvidas do seu talento, Demi passa as suas emoções para essa produção com a sua voz que atravessa as barreiras de sentimentos. A realidade distorcida, citada na música, é, infelizmente a triste vivência de Lovato que não tínhamos ideia da dimensão. – Ana Beatriz Rodrigues

Taylor Swift e Maren Morris – You All Over Me (From The Vault) (Taylor’s Version)

Vem sendo meses realmente bons para os fãs de Taylor Swift, em especial para aqueles que se apaixonaram pela cantora ainda em seu começo de carreira. Retornando ao seu lado mais country, a musicista lançou a inédita You All Over Me, ao lado de Maren Morris. Essa, que é a primeira faixa inédita das 6 que irão compor a regravação do disco Fearless, resgata a sonoridade mais tradicional de Swift em moldes vocais atuais e bem mais maduros.

Seria fácil escutar essa canção ao lado de willow ou cardigan. Por mais que não tragam a mesma sonoridade, uma vez que as músicas dos últimos álbuns de Taylor puxem para uma pegada pop e folk, a mais recente canção consegue imprimir uma estética que dá continuidade a sua discografia, mudando mas nunca destoando de sua proposta. Assim como migrou aos poucos do country para a sonoridade que escutamos em Lover, agora vemos a mais recente vencedora do Álbum do Ano no Grammy retornando a suas origens também de forma gradual, nos encantando ainda mais, se é que isso é possível. – Ana Laura Ferreira

Lil Nas X – MONTERO (Call Me By Your Name)

Blasfêmia vende, e todo mundo sabe disso. Madonna já usou, Lady Gaga também, assim como muitos outros artistas. Mas desde o início dos anos 2010, fazia tempo que alguém não utilizava do artifício com tanto primor, e gerava tamanho estardalhaço. Talvez Gaga saturou a heresia e demorou uns 10 anos para as pessoas se chocarem novamente? Ou a geração TikToker nem lembra de Alejandro e Judas, e quem dirá Like a Prayer? Não dá para saber. A verdade é que Lil Nas X além de saber escrever boas canções, é um gênio do marketing. Sua própria carreira surgiu dos memes: ele colocava Old Town Road em vídeos engraçados e espalhava nas redes sociais, e a música estourou após o ‘yeehaw challenge’ no Tico e Teco.

A antecipadíssima MONTERO (Call Me By Your Name) cumpriu totalmente sua promessa. Anunciada meses atrás por Nas e tendo seu lançamento enrolado ao máximo para gerar hype, fez valer a espera. Deixando o clipe de lado, vemos aqui mais uma vez o talento do artista com palavras e melodias, e sua força como cantor negro e gay, uma raridade no pop e mais ainda no rap. Para os que achavam que Old Town Road seria sua coroação como one-hit wonder, MONTERO prova exatamente o contrário. – Jho Brunhara

Clipes

Doja Cat – Streets  

Além da sua recente performance como uma das atrações do Grammy Awards 2021, a rapper norte-americana Doja Cat tem alavancado sua carreira cada vez mais com seus hits de sucesso no TikTok, como é o caso da música Streets, de seu último álbum, Hot Pink. Próximo de sua apresentação em uma das maiores premiações musicais do mundo, a cantora lançou o tão esperado clipe da faixa, depois do hype que a composição recebeu através do ‘silhouette challenge’, que invadiu as redes sociais nos últimos meses, além dos muitos pedidos de seus seguidores.

A nova produção audiovisual da artista inicia com a mesma, como um manequim na vitrine de uma loja em frente a uma rua congestionada, mas que ao decorrer da cena e a forma como o outro personagem a observa muda totalmente o clima da história. A transição de um ritmo instrumental para uma mistura de pop eletrônico e R&B, torna a música, junto a cena, em um ritmo mais sensual e atraente que nos cativa a continuarmos envolvidos pelo encanto de Doja Cat. Esse mais atual lançamento é um presente ao olhos e ouvidos dos amantes de seus trabalhos, além de um mimo para seu aclamado álbum, Hot Pink. – Gabriel Brito de Souza

SZA – Good Days

Lançada no dia de Natal de 2020, aniversário da falecida avó da cantora, Good Days fez muito mais sucesso do que SZA ou sua gravadora inicialmente projetaram. Tanto que o clipe só veio agora, meses depois da chegada da faixa. Cantando sobre as expectativas colocadas em si mesma, a artista é menos pontiaguda do que vimo-nas ser no debut, mas as composições elevam o grau de qualquer inspiração mundana ou simplória.

O clipe, dirigido pela própria, assinando como Solana, mistura o lúdico com a dança. Deslumbrada pelo mundo dos sonhos, SZA se move ao som de seus pensamentos e motivações, ela desliza num pole dance na biblioteca. Explorando cada vez mais sua gama de talentos, a artista finaliza Good Days com um trecho de Shirt, próximo single da era. Anuncia o CD logo, SZA, tem criança doente esperando aqui! – Vitor Evangelista

Miley Cyrus – Angels Like You

Miley Cyrus fez de seu novo clipe um meio para reforçar a mensagem mais importante do momento. O lançamento do mês da artista é o vídeo da graciosa Angels Like You, novo single de seu álbum mais recente, Plastic Hearts. Entre o rock e o country, a música é sua casa perfeita, e Cyrus usa seu espaço para rolar no gramado, expressar a saudade que sente de viver a música ao vivo, enaltecer o trabalho de quem enfrentou a pandemia na linha de frente e reforçar a importância da prevenção à doença e da vacinação.

Co-dirigido pela própria, o vídeo não abusa da sorte em tempos pandêmicos e aproveita as gravações da apresentação que Miley fez no pré-show do SuperBowl 2021 para uma plateia de profissionais da saúde já vacinados contra a covid-19. É claro que o vídeo é pouco para quem já nos entregou obras icônicas como Wrecking Ball, mas, contextualizando a situação atual que é muito mais importante que qualquer capricho, Cyrus acerta em cheio mais uma vez ao honrar os verdadeiros anjos dos últimos doze meses. – Raquel Dutra

Kali Uchis – telepatía

A pandemia limitou os recursos, mas despertou o senso de exploração de novos talentos, e colocou Kali Uchis para dirigir o clipe de telepatía, destaque máximo de Sin Miedo, o álbum em espanhol que saiu meses atrás mas continua fresco e cheio de sensualidade. Com o sucesso da faixa no TikTok, Kali resolveu capitalizar ainda mais em cima da canção, e o resultado final é digno de seus trabalhos anteriores.

Respeitando o núcleo da música (a falta de contato humano) e o isolamento social, a colombiana espreme o suco do desejo sexy, nunca tocando seu objeto de afeto e fantasia. O sentimento é transmitido pelo filtro açucarado do vídeo, pelos takes de Uchis honrando um cabaré latino e pelos próprios figurinos provocantes da cantora. – Vitor Evangelista

Performances

Justin Bieber no Tiny Desk

O que Justin Bieber faz deveria ser crime. É tortura o que se sente ao ouvir os últimos registros sonoros do artista conhecendo seu potencial enquanto musicista. No ao vivo, Justin voa. Interpretação, arranjo, repertório… Tudo se transforma em ouro quando ele se entrega e sente prazer no que está fazendo. Um pouco disso é recuperado em seu álbum recém-lançado, Justice, e tudo é provado em sua apresentação no Tiny Desk, que traz versões ao vivo das principais canções do disco. 

Ele começa brando, com a bateria – sempre um de seus instrumentos favoritos – flutuando no hino de Holy e acompanhando as melodias de sua voz, limpa e equilibrada. Em seguida, somos presenteados com uma versão maravilhosa de Peaches, seu novo single que já se destaca dentre a tracklist do álbum. Na performance, o hit se transforma num R&B delicioso – muito longe do que ele fez em Changes – liderado pelos teclados de Bieber, que ainda protagonizam um jamming com um toque de jazz junto dos outros instrumentos de sua ‘banda incrível’, como ele mesmo elogia.

Uma das melhores faixas de Justice se transforma em algo ainda melhor na versão que ele apresenta no Tiny Desk. Iniciada como um pop acústico, Hold On cresce em direção a um rock perfeito para cantar bem alto num festival de música. O mesmo é com Anyone, que encerra com louvor os melhores 15 minutos de Justin Bieber em anos. Ficamos aqui, esperando que ele encontre o caminho maravilhoso que está bem debaixo de seu nariz e entenda que nasceu para fazer aquilo, exatamente daquele jeito. E boa parte dos mais de 11 mil comentário do vídeo concordam comigo. – Raquel Dutra

Harry Styles no Grammy 2021

Responsável por abrir o Grammy de 2021 com sua voz, Harry Styles performou, novamente, a canção Watermelon Sugar, que mais tarde venceu a categoria de Melhor Performance Solo de Pop na noite. No mínimo peculiar, a apresentação chamou a atenção por ir contra as últimas aparições do cantor. Apresentando uma versão muito mais sensual do single, com pitadas bem dosadas de jazz, Styles conseguiu dar uma cara nova ao hit chiclete.

Se apoiando em uma estética glam rock à la Freddie Mercury, sua roupa de couro e o boá de plumas verdes foram o real destaque. Mesmo com o desgaste que a música de seu mais recente álbum, Fine Line, sofre, é inegável que algo diferente surgiu no palco da premiação. Claro que preferíamos ter escutado outra das inúmeras canções de Styles, mas para não chorar pelo que nunca teremos, é mais vantajoso aproveitar o frescor dessa performance que foi no mínimo icônica.  – Ana Laura Ferreira

DaBaby no Grammy 2021

O rapper que iniciou sua carreira sob o nome de Baby Jesus transformou sua apresentação no Grammy 2021 numa celebração espirituosa. Com direito a coral gospel, instrumentos clássicos e uma cenografia celestial, DaBaby performou ROCKSTAR ao lado de seu colaborador, Roddy Ricch, e com participação especial do veterano do soul Anthony Hamilton, que conduziram a performance quando o artista deixou o microfone no centro do palco para reger seu coro.

A música foi indicada a Melhor Canção de Rap, Gravação do Ano e Melhor Colaboração de Rap, é um dos singles do álbum mais recente do artista, BLAME IT ON BABY, que dentre muitas colaborações com nomes de peso, como Quavo, Future e Ashanti, traz também uma canção em parceria com Artista Revelação do ano, Megan Thee Stallion. Na noite do dia 15 de março, DaBaby não levou nenhum gramofone pra casa, mas deixou sua marca gloriosa no palco mais importante da indústria da música. – Raquel Dutra 

Post Malone no Grammy 2021

Apesar de sair de mais um Grammy Awards com as mãos vazias, Post Malone não deixou de registrar sua evolução musical na premiação. Trazendo uma atmosfera gótica e medieval, que também compõe a estética de seu último álbum, o rapper optou por performar a faixa que também dá nome a ele, Hollywood’s Bleeding. E, que, ironicamente, contém uma letra que denuncia as mazelas do meio artístico, e foi cantada em um dos eventos mais problemáticos da indústria da música. 

Quase isolado no palco, Malone apostou por completo nos seus próprios vocais, beirando à rouquidão. Como apoio, ele contou com um coral ao seu redor, que sustentaram ainda mais o conceito da performance. Ficou faltando apenas emendar com uma entrada de Ozzy Osbourne cantando Take What You Want, para entregar uma apresentação tão memorável quanto sua parceria com o Red Hot Chilli Peppers no Grammy 2019. – Vitória Silva

BTS no Grammy 2021

O sucesso do k-pop chegou até os palcos da mais importante premiação da música. Concorrendo por Melhor Performance de Pop Duo/Grupo, os astros sul-coreanos, BTS, não levaram nenhum gramofone para casa, mas marcaram a noite com uma apresentação dinâmica e eletrizante, digna de quero mais. Trazendo toda a estética de seu estilo musical, o grupo dançou, cantou e brincou com todo o espaço do evento com o single Dynamite.

A apresentação que começou um tanto simples se tornava, passo a passo, mais complexa e empolgante conforme seus sete membros deslizavam, com toda a propriedade do mundo, pelos quatro cantos da cerimônia. Até mesmo quem não gosta de k-pop tem que admitir estar no mínimo cativado pela performance que uniu o som aveludado da banda à agitação e dinamismo que o Grammy pedia. Encerrando no topo do prédio, com a vista panorâmica de L.A., o BTS provou que mesmo sem seu gramofone eles não estão para brincadeiras e que, em 2022, é bem capaz de os vermos ainda mais na premiação. – Ana Laura Ferreira

Megan Thee Stallion e Cardi B no Grammy 2021

A primeira vez de Megan Thee Stallion no Grammy foi memorável. Transbordando confiança, a artista brilhou em sua performance de Body e do hit premiado como Melhor Canção e Performance de Rap e indicado a Gravação do Ano, Savage Remix. Infelizmente, Beyoncé não nos agraciou com sua participação na apresentação enquanto parceira na canção de Megan, mas o espaço da insubstituível Queen B não ficou no negativo.

A Artista Revelação de 2021 foi acompanhada pela icônica e querida Cardi B, que intervalou a performance da novata com seu single mais recente, Up. Então, as duas se encontraram numa apresentação enérgica e grandiosa de outro sucesso que provocaram juntas nos últimos meses, WAP. O melhor, no entanto, ficou para o final. Cardi e Megan incluíram na canção um sample de funk de Pedro Sampaio e colocaram a cultura popular brasileira para todo o mundo ouvir na premiação mais importante da música. O que dizer sobre isso? Apenas lendárias. – Raquel Dutra

HAIM no Grammy 2021

Os amantes de rock sentiam falta de um poder feminino aos moldes de Stevie Nicks, entregando segurança vocal com ritmo e melodias sonoras mais do que bem construídas, sem precisar apelar para falsetes exagerados. E foi exatamente com isso que HAIM nos presenteou em sua performance no palco do Grammy de 2021. As irmãs se preocuparam mais em entregar um espetáculo sonoro do que um visual, e acertaram em cheio na sua aposta ao cantarem The Steps.

Sem grandes elementos, mudanças de roupas ou cenários monumentais, a banda se destaca por tocar, e trocar, seus instrumentos ao vivo. Mostrando que são mais do que capazes de deixarem sua marca na música, HAIM abriu caminho para novas indicações e apresentações na premiação, exibindo todo o seu talento que merece ser exaltado. Para quem não as conhecia, essa foi a oportunidade perfeita de entrar em contato com seu nível de qualidade extraordinário, e para os fãs devotos, a apresentação mais aqueceu os corações. – Ana Laura Ferreira

Black Pumas no Grammy 2021

Black Pumas explodiu suas cores na noite do Grammy 2021. O duo apresentou seu o soul psicodélico através de Colors, single principal de seu disco homônimo de estreia, junto de uma banda apaixonada e de um backing vocal divino. O centro das atenções, no entanto, não teve como fugir do casamento dos agudos perfeitos do vocalista Eric Burton, com os solos de guitarra de Adrian Quesada. 

Os dois nomes passaram de indicados a Artista Revelação de 2020 para concorrentes a Álbum e Gravação do Ano em 2021 com a versão Deluxe do disco que os revelou no ano passado. Mesmo que este não seja mais uma vez o ano de Black Pumas, a riqueza do som da dupla é um fato, que não deixou nada a desejar em sua performance. – Raquel Dutra

Taylor Swift no Grammy 2021

Trazendo uma floresta mágica para os palcos do Grammy, Taylor Swift nos entregou um compilado de algumas das principais músicas de seus dois últimos álbuns. Sedentos por uma apresentação ao vivo da cantora, fomos agraciados com todo o encanto e beleza do folclore criado por ela. Ao unir o fantasioso à mistura do pop, country e folk, Swift ofereceu um prato cheio de emoções para aqueles que a acompanham há uma década e meia e um convite para quem se aventura agora por sua sonoridade.

O nome da musicista foi marcante em 2020 ao lançar dois álbuns surpresas – folklore e evermore – um documentário pela Netflix e uma apresentação comentada, a the long pond studio sessions, pelo Disney+. Apesar do distanciamento e do recente cancelamento de sua turnê, que seria a primeira a passar pelo Brasil, Swift fez seu ano cheio de altos e trouxe tudo isso para o palco da premiação. Ao lado dos músicos Jack Antonoff e Aaron Dessner, Taylor embalou a noite ao trazer as canções cardigan, august e willow.

Vencendo a categoria de Álbum do Ano por folklore no fim da noite, a cantora mostrou para quem quisesse ver que ela merece o título. Muito mais do que apenas um compilado de músicas bem interpretadas ao vivo, o que Swift fez foi nos imergir em seu mundo fantasioso ao ponto de nos esquecermos de que ela não era a única a performar na noite. Chamativa por sua delicadeza e marcante por sua comoção, Taylor pôde provar, mais uma vez, que ela é a própria indústria da música. – Ana Laura Ferreira

Bruno Mars e Anderson .Paak no Grammy 2021

É difícil resistir aos encantos do som 80s de Bruno Mars e ao charme que essa característica ganhou junto de Anderson .Paak. Sob um fundo estrelado e docemente vestidos em tons caramelo, os artistas flutuaram nas melodias e harmonias de Leave the Door Open, novo single que promoveu o projeto da dupla junto da banda Silk Sonic no Grammy 2021.

Há quem diga que Bruno nasceu para fazer aquilo e que a mudança no estilo de .Paak é um acerto, há também os que se incomodam com a brincadeira de Michael Jackson, e ainda há quem use o exemplo dos músicos para nos relembrar do privilégio dos artistas masculinos. Entre as opiniões divididas, Bruno se sente em casa no passado e Anderson .Paak pareceu amar viajar no tempo junto de Mars no palco da premiação. – Raquel Dutra

Dua Lipa no Grammy 2021

Podemos dizer que estamos acostumados a esperar por performances no mínimo extravagantes quando se trata de Dua Lipa, e no Grammy não seria diferente. Iniciando o espetáculo, que teve a participação de DaBaby com uma versão imponente do single Levitating, a cantora conseguiu nos prender e manteve todos os holofotes sobre si, migrando entre diferentes roupas, cenários e danças. Sempre cheia de brilho, é unânime dizer que essa foi uma das apresentações mais marcantes da noite.

Seguindo para a música que fez dela a estrela de 2020, Don’t Start Now ganhou um suspiro de inovação ao ser mixado em uma nova linha sonora. Puxando influências claras do pop disco da década de 1990, Dua Lipa conseguiu trazer inovação, fanservice e diversão para a noite. Talvez seja sua excentricidade, no melhor sentido da palavra, ou talvez sua dualidade, que migra da delicadeza para a femme fatale, mas seja o que for, é certo que a cantora sabe como elevar os patamares de nossas expectativas e ainda ultrapassá-los. – Ana Laura Ferreira

Bad Bunny e Jhay Cortez no Grammy 2021

¡El mundo es latino! O grandioso Bad Bunny quer passar. Antes de vencer na categoria Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop com YHLQMDLG, Benito nos apresentou a deliciosa DÁKITI, ao lado de Jhay Cortez.

A enérgica performance brilhou a essência da música e o talento da dupla. No final, teve direito até mesmo a uma revelação: o elemento do palco que eles estavam caminhando era um grande olho. Mensagem secreta para o Persona? A gente finge que sim. – Jho Brunhara

Billie Eilish no Grammy 2021

Uma das primeiras performances da premiação foi de everything i wanted, de Billie Eilish, que mais tarde seria coroada com o Grammy de Gravação do Ano. Em um cenário que remete ao videoclipe da faixa, Eilish cantou em cima de um carro que parece estar afundando, tendo como companhia os vocais do seu irmão e fiel escudeiro FINNEAS, que também estava ao teclado. 

Com uma presença de palco diferente do comum, acostumada com performances movimentadas, a cantora não deixou de entregar o ideal para essa que é uma de suas músicas mais profundas. E ainda favoreceu a demonstração do seu controle e potência vocal invejáveis, que vão muito além dos sussurros que muitos costumam debochar. Mais uma prova de que nunca será demais premiar a grandiosidade de Billie Eilish. – Vitória Silva

Doja Cat no Grammy 2021

Doja Cat não aguenta mais cantar Say So, e isso é fato. Mas isso não desanima as performances, não: no Grammy, Doja mostrou mais uma vez sua capacidade de entregar números de encher os olhos.

Se preparando para começar a nova era do álbum Planet Her, ela já nos deixa ansioso pelos próximos hits que vão suceder Streets. Já Say So, podemos combinar que deu o que tinha que dar. – Jho Brunhara

O post Nota Musical – Março de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

No mês que antecede o evento mais importante da música ocidental, alguns dos grandes nomes do Grammy 2021 aproveitaram para agitar a campanha para a premiação, que acontece no dia 14 de março. A dupla Chloe x Halle vestiu tons frios para Ungodly Hour (Chrome Edition) e para o clipe futurista da canção-título. Dua Lipa juntou novos singles com a tracklist mais famosa de 2020 em Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Doja Cat e Megan Thee Stallion comandaram um remix de Ariana Grande, e a banda HAIM cantou mais uma vez – e agora pra valer – com Taylor Swift.

Falando nela, a artista que protagonizou a maior polêmica do mundo pop dos últimos anos iniciou sua volta por cima. Depois de jogar a ***** no ventilador e suscitar uma discussão importante sobre a relação complicada que existe entre direitos autorais, artistas jovens e a indústria musical, Swift alertou que não deixaria barato e que faria o possível para tornar seus trabalhos, que foram vendidos sem a sua permissão, obsoletos, regravando-os. É fato que a cantora de reputation é firme com sua palavra, e assim ela apresentou ao mundo Love Story (Taylor’s Version), anunciando que a nova versão de Fearless, seu segundo álbum, também chegará aos nossos ouvidos em breve.

O maior injustiçado da temporada, por sua vez, brilhou forte em sua performance no intervalo do Super Bowl promovendo The Highlights. A coletânea reforça a relevância e impacto do trabalho de The Weeknd, que não engoliu a desonestidade da Recording Academy. Quem também superou cenários hostis foi Rebecca Black, o assunto da internet e alvo de um episódio de cyberbullying massivo em 2011, que dez anos depois do fatídico clipe de Friday, retorna àquele lugar para um remix da música original.

Ascensão também é uma palavra que se aplica aos artistas brasileiros, que mantiveram a atividade em um fevereiro sem carnaval. Pabllo Vittar voou alto ao interpretar o remix de Man’s World com MARINA e Empress Of. Ludmilla, que sabe pregar o funk como ninguém, colaborou com o trio Major Lazer e ainda encontrou espaço para trazer visibilidade ao grupo baiano ÀTTOOXXÁ e ao artista jamaicano Suku Ward. Luísa Sonza mostrou mais uma vez sua versatilidade num pagode ao lado de Thiaguinho, e Papatinho fez o mesmo ao misturar samba, funk e rap com Seu Jorge e Black Alien.

Já na MPB, celebramos a vida e a carreira de Gal Gosta. Não exatamente como gostaríamos, num show ao vivo lotado de apaixonados por uma das maiores vozes do Brasil, mas da melhor maneira que os moldes pandêmicos podem nos proporcionar, com o disco Nenhuma Dor. Assim como nossa musa, sempre atento e forte, Gilberto Gil se uniu aos seus filhos e netos em Refloresta para fortalecer uma campanha a favor da conservação de nosso bem mais precioso.  

A notícia triste foi o fim de Daft Punk. Depois de 28 anos de carreira, o duo composto por Guy-Manuel de Homem Cristo e Thomas Bangalter deixa um legado incalculável e uma influência que vai muito além da música eletrônica, lar da dupla. Tudo isso e muito mais sobre as movimentações do mundo da música foi registrado no Nota Musical de Fevereiro pela Editoria e colaboradores do Persona, que dessa vez, além de CDs, EPs, singles, clipes e performances, inventaram de falar também sobre as trilhas sonoras de alguns dos filmes mais importantes do mês.

CDs

The Staves – Good Woman 

Falar sobre Good Woman é um desafio e tanto. De cara, é um álbum sobre o luto compartilhado das 3 irmãs pela morte súbita da mãe. Além disso, esse é o terceiro registro da banda The Staves, que não lançava nada em seis anos. Good Woman veio em ebulição por vários fatores: ele documentou um período de distância entre Emily, Camilla e Jessica. O trio de britânicas tirou tempo para focar na vida pessoal, longe do eixo de Watford, onde nasceram. Quando a mãe faleceu, elas se recolheram em proteção. 

Mais que uma banda, elas eram uma família naquele momento de dor extrema. Elas se tornaram as ‘boas mulheres’ que Good Woman alude no título. Suas vozes harmonizam sentimentos de dor, perda, clausura e reconstrução. As letras, compostas em sua maioria antes da tragédia de 2018, se ressignificam após os temores e a superação, uma porção de cenários são construídos ao longo das 12 faixas.

Paralysed, o melhor que 2021 ofereceu no campo musical, destroça pelas nuances de silêncio e protesto. É uma canção ciente de onde quer chegar, emocionando pela honestidade bruta. Good Woman é o amadurecimento das irmãs Staves na vida, na carreira e no modo de lidar com o mundo. Emily, que teve uma filha, agora entende o papel da mãe do outro lado da equação. Elas continuarão cantando harmonias familiares. O que é o luto, se não o amor que persevera? – Vitor Evangelista

Madison Beer – Life Support

Mostrando mais uma vez que não está na indústria apenas para produzir músicas superficiais e de qualidade questionável, Madison Beer lança seu debut album. Com 17 faixas que prometem te fazer dançar, chorar e refletir sobre a vida, Life Support atinge o ouvinte de uma forma que apenas os vocais impecáveis da cantora junto com a produção maravilhosa da sua equipe conseguem fazer.

Navegando entre os diversos aspectos de viver um relacionamento tóxico e lidar com transtornos mentais, Madison compõe letras tão nuas que possilitam-nos sentir cada um de seus traumas enquanto escutamos a obra. Não tem como não se emocionar com Effortlessly, onde a cantora se abre sobre a dificuldade de fazer coisas do cotidiano que antes conseguia sem nenhum esforço.

E entre as composições melancólicas, há também as felizes e agitadas. Os singles Baby e Boyshit contam com uma batida altamente contagiante e versos sobre autoestima. E em ambas as partes mais alegres ou tristes do álbum, Madison Beer entregou um trabalho que valeu a pena a longa espera. – Mariana Chagas

Dua Lipa – Future Nostalgia (The Moonlight Edition)

Dua Lipa ainda tem o que dizer sobre a viagem no tempo que fez em Future Nostalgia. Mesmo que o hit Don’t Start Now já tenha passado da data de validade e que as demais canções do disco tenham sido alvo de remixes não tão bem-sucedidos em Club Future Nostalgia, algumas delas conseguiram resistir, como Pretty Please, Break My Heart, Hallucinate e Cool. Assim, Dua juntou a tracklist do disco original – que também concorre às principais categorias do Grammy 2021 – com novos singles e três faixas inéditas para compor a segunda edição do álbum, o Future Nostalgia (The Moonlight Edition).

Diluindo a personalidade marcada de Future Nostalgia com a identidade de Dua em seu primeiro disco, o álbum não é um experiência musical como foi com o lançamento do ano passado, até mesmo por ter pouca novidade. O que vemos é a exploração de algumas nuances, como algo mais dark que vem de Love Again em That Kind Of Woman, que destaca as influências de Madonna na música de Dua, e Prisioner, a colaboração de Dua Lipa com Miley Cyrus que também compõe Plastic Hearts, o último álbum da artista. Ela também aproveita as brincadeiras no tempo para retroceder um pouco mais até chegar nos 60’s com We’re Good e Not My Problem.

Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais a identidade disco de Dua Lipa, The Moonlight Edition inicia um avanço para trabalhos futuros mais contemporâneos com um o reggaeton Un Día (One Day) e o dance de If It Ain’t Me, que podem brigar um pouco com o resto do disco. Refrescando a música de Dua ao lado da estrela pop belga Angèle, Fever é uma faixa que já poderia servir como single para uma próxima era, mas ao inseri-la junto desse material, a nossa viajante do tempo parece guardar outras coisas para o futuro. Já tendo explorado tudo o que pôde da safra de Future Nostalgia, esperamos que ele não seja mais tão nostálgico assim. – Raquel Dutra

Sia – Music (Songs From and Inspired By The Motion Picture) 

Em casos comuns, mesmo filmes ruins podem ter partes boas. Mas Music não é um filme ruim, ele extrapola qualquer limite de gosto pessoal, boa vontade ou produto artístico. É uma atrocidade filmada, um assassinato de direitos, é um crime por existir e não ter havido qualquer tipo de impedimento na concepção e lançamento. Todo o potencial destrutivo e porco do filme de Sia é transferido para a Trilha Sonora.

A australiana canta feliz, como se estivesse fazendo algo bom liberado ao mundo esse arroto atroz que dá vida ao pior filme de 2021. É ridículo, é asqueroso e combina com primazia com a imagem que Sia ajudou a criar nos últimos anos. Irresponsável, uma imundice sem tamanhos. Nada se salva e, por conta disso, não haverá clipe anexado ao texto. Music é desumano e deve ser tratado como tal.  – Vitor Evangelista

The Pretty Reckless – Death By Rock And Roll

Quase cinco anos após o blues de Who You Selling For (2016), Taylor Momsen e os outros membros do The Pretty Reckless voltam às raízes com Death By Rock And Roll, seu quarto álbum de estúdio. Inspirado por um período de auto reflexão após tragédias como o suicídio do vocalista Chris Cornell, da banda Soundgarden, depois de um show que eles abriam em Detroit e a morte inesperada do produtor da banda, Kato Khandwala, o disco vem carregado de alegorias nada sutis sobre a efemeridade da fama e da morte dos ícones do rock.

Musicalmente, ele não agrega muito à discografia da banda, oferecendo poucas notas originais ou surpreendentes, mas mesmo assim entrega o que os fãs de longa data já esperam: vocais e melodias épicas feitos para serem sentidos ao vivo. A energia que Momsen e o resto dos músicos carregam continua excelente, mas parece faltar algo que separe o novo disco de seus trabalhos anteriores, por mais energizantes que as músicas sejam.

O destaque vai para faixas como 25, em que Momsen canta sobre sua trajetória na música e na vida, e And So It Went, colaboração com o lendário Tom Morello, do Rage Against the Machine, e que parece visada em confrontar a autoridade e o status quo. É um disco recheado de letras simples e honestas, mas que não parecem realmente revelar algo de novo sobre a banda. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Gal Costa – Nenhuma Dor 

Uma das vozes mais potentes do Brasil comemorou seu aniversário de 75 anos de idade e 55 de carreira. Referência nacional e internacional, Gal influenciou músicos de sua época e continua inspirando a nova geração. O reluzente brilhantismo da cantora faz com que nomes como Rodrigo Amarante, Criolo, Rubel, Tim Bernardes, o uruguaio Jorge Drexler e o português António Zambujo se espelhem nela para cantar e compor. Em uma homenagem mútua, Gal convidou vozes masculinas para gravarem ao seu lado grandes clássicos de sua discografia. 

O projeto, que recebeu o nome de Nenhuma Dor, vem para curar o mal estar que perpetua em tempos de isolamento. Recheado de músicas de Caetano Veloso, compositor mais interpretado pela mãe de todas as vozes, o álbum contou com a presença de Zeca Veloso, filho do cantor. Foi ele que de maneira intimista, deu vida a canção que batiza o disco. Em cada faixa, Gal reafirma sua grandiosidade, dando a liberdade de cada qual criar seu próprio arranjo, transformou canções imortais, como Baby e Juventude Transviada, em regravações inesquecíveis. – Ana Júlia Trevisan

Black Country, New Road – For the first time

O grupo Black Country, New Road vive abraçado num invólucro de mistério. Dessa vez, eles lançaram seu primeiro registro de estúdio, intitulado For the first time. São mais de 40 minutos divididos sabiamente em seis longas canções espetaculares. Os instrumentos dominam a essência de rock e punk que a banda imprime nas extensas composições dos 7 jovens que formam o BC,NR, todos com menos de vinte e dois anos.

De fato, o vocalista Isaac Wood passa um bom tempo em silêncio, absorvido pela atmosfera de saxofones e violinos. A abertura com Instrumental aclima quem ouve, e os quase dez minutos de Sunglasses (agora com pinceladas da voz rouca de Wood) oscilam no medo, na angústia e na súplica dos londrinos.

O trabalho se inspira em tudo um pouco: desde ritmos judaicos até Arlindo Cruz. É como ouvir uma interpretação punk da Biblía Sagrada, com pitadas de pop americano e muitas referências da Geração Z. Para o futuro, aguardemos mais do material precioso que sai da mente do Black Country, para agora, For the first time ainda tem muito a dizer. – Vitor Evangelista

Ariana Grande – positions (deluxe)

As plataformas de streaming transformaram o jeito que se lança música – a rapidez de se consumir conteúdo abrevia grandes eras, e também faz com que as gravadoras tenham que se desdobrar para estender campanhas promocionais de um álbum. Um dos jeitos de contornar esse problema e tornar uma era mais memorável é se render a relançamentos, o que foi o caso de Ariana Grande com o positions (deluxe).  Com cinco novas canções, o relançamento não surpreende, mas é uma ótima manobra publicitária.

Escutar a versão deluxe é uma experiência frustrante. Claro que a produção musical deve se adaptar a novas formas de consumo, mas lançar músicas tão curtas parece mais uma tentativa de lucrar com uma junção duvidosa de descartes. test drive mal engata e já vai embora com seus humildes dois minutos de duração; main thing parece uma versão menos interessante de pov e someone like u (interlude) tenta ser tudo que Pete Davidson foi no passado. O destaque do álbum é de worst behaviour, que traz o sensual R&B dos anos 90 à tona e é uma suave amostra do que Ariana pode atingir como artista. A artista que, nos últimos tempos, ela parece não tentar ser. – Laís David

Ex:Re – Ex:Re with 12 Ensemble

Ex:Re, o projeto solo de Elena Tonra, vocalista da banda britânica Daughter, ganhou uma regravação com novos arranjos da compositora Josephine Stephenson tocados pela orquestra de cordas 12 Ensemble. O álbum captura a colaboração dos artistas gravada em 2019 no espaço musical Kings Place.

Os novos arranjos ajudam a alterar quase completamente a composição musical de Ex:Re, transformando um som que já era sofisticado em algo mais próximo do etéreo. Canções como Crushing e The Dazzler se beneficiam bastante da nova abordagem, elevando o ritmo e criando um senso de urgência que não existia no original. No entanto, Elena e o resto dos músicos sabem exatamente quando desacelerar para que o impacto das músicas caia no ouvinte, como na excepcional e devastadora Romance, que permanece uma das melhores do disco.

É uma regravação notavelmente bem feita, mantendo todo o espírito do original e ao mesmo tempo fornecendo uma nova perspectiva sobre cada faixa. Essa não é a versão definitiva de Ex:Re, porque nunca vai existir algo assim. Essa versão existe apenas no momento em que cada música é tocada e ouvida, seja no álbum original, no novo ou numa apresentação ao vivo. Se tem uma coisa que Ex:Re with 12 Ensemble deixa abundantemente claro, é a capacidade que cada faixa tem de se conectar com quem a ouve. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Weather Station – Ignorance 

Um minuto se passa antes da voz de Tamara Lindeman rasgar a atmosfera vibrante e arisca de Robber, a faixa que abre o mais recente registro de estúdio da canadense. O que sucede Ignorance é um conjunto de batidas hipnóticas que permeiam a vibe folk do The Weather Station, projeto que surgiu anos atrás experimentando o alternativo em tons terrorosos. 

Agora, quase 10 anos depois do lançamento do debut All of It Was Mine, a atriz e cantora de Toronto brinca com sua composição literal e profundamente ligada ao interior da tristeza, dessa vez batendo na tecla das mudanças climáticas. É o encontro do folk com o rock, com singelos respiros pops (Separated cria essa ponte com facilidade). 

A capa do disco fotografa uma Lindeman acuada no matagal, iluminada apenas por um único foco de luz. Essa luz, ela prova nos quarenta minutos do CD, é sua fonte de desejos para criar algo único e sincero como Ignorance. – Vitor Evangelista

Pale Waves – Who Am I?

O segundo álbum de estúdio da banda inglesa Pale Waves, intitulado Who Am I?, chega no embalo de seu antecessor, My Mind Makes Noises (2018), com a vocalista Heather Baron-Gracie cantando sobre relacionamentos fadados ao fracasso e sentimentos não correspondidos. Mas, contrariando as expectativas, não demora muito para que a banda se liberte do passado e passe a cantar sobre um tipo de amor mais corajoso, arriscado e, apesar de tudo, acolhedor.

É um álbum sobre excluídos feito por excluídos, o que fica evidente em faixas como Tomorrow e You Don’t Owe Me: “Porque eu vou ser o que eu escolher/E o que te faz pensar/Que você tem o direito de dizer?/Então é melhor sair do meu caminho”. Mas também é sobre paixão e comunidade, como na maravilhosa She’s My Religion, onde Heather explora seu próprio relacionamento como se fosse uma atriz coadjuvante, fornecendo suporte e carinho em face aos demônios alheios. É um disco de letras honestas e vulneráveis sobre sentimentos universais.

O som da banda também se expande, ampliando seu indie pop com algumas canções acústicas e homenagens bem colocadas ao pop dos anos 2000, acompanhando bem o ritmo das narrativas, mas que ainda retém a identidade musical desenvolvida nos álbuns e EPs anteriores. Enquanto em seu primeiro trabalho Pale Waves ansiava por aceitação, em Who Am I? eles parecem ter entendido que se o amor é capaz de nos salvar, nós primeiro temos de entender que merecemos ser salvos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Chloe x Halle – Ungodly Hour (Chrome Edition)

Estamos vivendo a era dos relançamentos, e chegou a hora do maior trabalho em pop/R&B de 2020 ganhar a Chrome Edition. A hora ímpia, claramente longe de acabar, foi turbinada com duas novas canções e um clipe estiloso de Ungodly Hour que, depois de render apresentações estupendas, demorou a ganhar um vídeo próprio.

As princesas Chloe e Halle Bailey ainda derramaram o conceito cromado na capa de Ungodly Hour (Chrome Edition), revitalizando o propósito original de anjos e já entregando a visão madura das irmãs. Hazy, a primeira adição do Deluxe, fez valer seu papel de descarte na versão Standard, mas não diminui o impacto artístico das cantoras, enquanto 80/20 cai na armadilha da curtíssima duração. Não há muito a ser dito de inédito sobre o material, fora a parte visual que (como virou costume do duo) é impecável. – Vitor Evangelista

C. Tangana – El Madrileño

O terceiro disco de C. Tangana, artista espanhol que nasceu no rap em 2006, é tudo. Experimental, pop, plural, livre, transgressivo e divertido, El Madrileño é um exagero de elementos e um exagero de bom. Entre gêneros regionais, misturas do épico com o eletrônico, muita referência da música brasileira e uma videografia grandiosa, o álbum fascina pela habilidade que seu criador tem para traçar qualquer caminho que desejar com a sua música. Para isso, ele conta com a ajuda de muita gente, e o ouvinte pode até se assustar com o tanto de nome que tem na tracklist composta por 14 faixas, das quais apenas duas são solo.

Quando sozinho, C. Tangana interpreta canções mais urbanas que revelam sua raiz do rap e influências do funk brasileiro como em Nunca Estoy, balada romântica que ainda surpreende e experimenta. Quando acompanhado, ele chega ao ápice com as pitadas de flamenco de Tu Me Dejaste De Querer, o evento teatral Un Veneno e com o violão de Toquinho – cantando obscenidades em espanhol –  amarrado às modulações de voz, beats e samples de funk em Comerte Entera. Não satisfeito, C. Tangana traz o maestro Jorge Drexler para a enérgica Nominao e brinca até com o tempo na moderna e sentimental Cuando Olvidaré junto do falecido cantor espanhol Pepe Blanco que, imerso na aura épica e de suspense da canção, declara a paixão que sente pela sua cultura e pela música de seu povo.

Um álbum demais tem destaques demais, brilha demais e impressiona demais. A abertura Demasiadas Mujeres é um encontro de gêneros, Muriendo de Envidia explode regionalidade, Ingovernable é o new flamenco perfeito e CAMBIA! dá vontade de viver. Ao finalizar o trabalho com Hong Kong, C. Tangana desvia para o rock e confirma pra quem, depois das 15 faixas, ainda tinha dúvidas quanto às suas ambições, deixando bem claro que não vive para respeitar nenhum limite, mas sim quebrá-los. Tudo é harmônico, coeso e surpreendente e a mistura doida do álbum – que já é um dos destaques do ano – não tem nada de improvisação. A música de El Madrileño é gloriosa e só ouvindo pra entender o motivo da aclamação. – Raquel Dutra

Vários Artistas – Nomadland (Original Motion Picture Soundtrack)

Marcando presença na temporada de premiações, Nomadland já pode ser considerado um dos melhores filmes do ano. Sua trilha sonora calma complementa perfeitamente o que vemos na tela, as angústias da solidão e da liberdade envoltas pela natureza. O longa permite uma imersão total não apenas nos sentimentos de Fern, vivida pela brilhante Frances McDormand, mas também nos instrumentais que enriquecem as cenas sensíveis propostas pela diretora Chloé Zhao.

Ólafur Arnalds, Federico Mecozzi e, principalmente, Ludovico Einaudi são alguns dos nomes que compõem melodias suaves que dão o ritmo melancólico que percorre a trama. E, apesar de não ser elegível para um Oscar de Melhor Trilha Sonora Original, a história por trás da escolha das músicas de Einaudi para Nomadland impressionam pela semelhança com a narrativa da protagonista. Sendo retiradas de trabalhos anteriores do artista, com foco para o álbum Seven Days Walking (2019), onde o cantor obteve inspiração a partir das emoções oriundas de uma caminhada pelos Alpes Italianos.

Percorrendo o país com uma van, a personagem encontra cenários impressionantes, com algumas paisagens únicas e até um nascer/pôr-do-sol aqui e ali. Ambas as primeiras faixas da trilha, Oltremare e Day One: Golden Butterflies, além de mais longas se destacam pela serenidade que acompanha toda a produção. Assim, fica claro como a beleza do aspecto visual encaixa com a trilha sonora de Nomadland, pois como dito pela diretora, ela foi formada justamente por músicas inspiradas pela natureza. – Isabella Siqueira

Claud – Super Monster

No susto, Claud ganha nossa atenção por conta de seu álbum de estreia, Super Monster, ser o primeiro lançamento da Saddest Factory, recém-nascida gravadora de Phoebe Bridgers. A música de Claud cai, como a maioria das jovens estrelas em ascensão, no campo do bedroom pop. O que no passado era sinônimo de simplicidade, agora cresce em gênero e grau. O dedo de Bridgers no trabalho de Claud é o toque de Midas que a alma de 21 anos, cheia de frustração acumulada, precisava para libertar seu eu lírico tão cheio de confiança. 

Gold é o carro-chefe do registro. A faixa rebola em um arranjo eficaz, e a letra é repleta de rimas deliciosas de cantarolar. Soft Spot suaviza o impacto do amor adolescente e Jordan ecoa além dos três minutos e quarenta de duração. Mais do que uma promessa, a geração de Claud, Isaac Dunbar e tantos outros artistas queer agora passou a ser sinônimo do presente da música. Amplificada, multifacetada e com espaço para todas as minorias antes silenciadas. – Vitor Evangelista 

The Weeknd – The Highlights

Como se a peça final de um grande quebra-cabeça universal fosse enfim colocada, The Weeknd, uma das maiores vozes da indústria da música atual, lançou um compilado dos grandes sucessos da sua carreira. O disco foi disponibilizado em 5 de fevereiro, dois dias antes da performance de tirar o chapéu do cantor no intervalo do Super Bowl. A coletânea conta com 18 hits que flutuam entre suas músicas mais icônicas, tocadas sagradamente nas rádios de todo o mundo, e seus feats mais famosos – o canadense escolheu incluir Ariana Grande, Kendrick Lamar e o recém-separado Daft Punk na sua lista.

Escutar The Highlights é fazer uma viagem pela mente genial do cantor, que possui mais de 67 milhões de streams mensais no Spotify, e dar de cara com todos os ritmos e sutilezas que Abel nos entregou em seus 10 anos de história. Enquanto não conseguimos nos cansar de Blinding Lights, ele nos relembra de Can’t Feel My Face para provar o poder irresistível que é capaz de criar. Quando achamos que já superamos The Hills, ela vem acompanhada de Pray For Me e joga a última pá de terra na cova do nosso coraçãozinho que não aguentou tamanho baque.

E é claro que o globo responderia ao presente: The Highlights foi o disco mais reproduzido na história do Spotify em seu dia de estreia. The Weeknd prova, dia após dia, que merece sua popularidade arrebatadora – que venham mais álbuns! – Caroline Campos

Andra Day – The United States vs. Billie Holiday (Music From The Motion Picture)

Lançado em 26 de fevereiro pela Hulu, o filme Estados Unidos Vs Billie Holiday conta com uma trilha sonora impecável para o conjunto da obra. A protagonista é interpretada pela vencedora do Globo de Ouro, Andra Day, que, brilhantemente, encaixa sua voz aos arranjos feitos para homenagear Billie Holiday, uma das maiores ícones do jazz.

Andra realiza um profundo mergulho nos versos cantados. Strange Fruit, uma das músicas mais fortes do filme e da carreira de Billie, é interpretada de forma impactante, transpassando todo contexto de medo, agonia e revolta presentes na cena. All of Me também tem seu destaque a capella, mostrando que o vocal da cantora independe dos instrumentos mas que, em cima do palco, o universo se transforma em pura canção. Solitude traz uma performance com tamanha destreza que a escolha de Andra Day para o papel se prova formidável.

Day ainda prova que não usou apenas técnica para ser intérprete, seu talento ímpar guia o tom da apresentação de maneira impecável, seguindo as emoções da personagem. Prova disso é a marcante Tigress & Tweed que foi composta especialmente para o filme. Inspirada em Strange Fruit, a música que concorreu ao Globo de Ouro de Melhor Canção Original, mas injustamente está fora da categoria do Oscar, deixa a mensagem de que temos poder para fazer as coisas seguirem em frente.  – Ana Júlia Trevisan

Cassandra Jenkins – An Overview on Phenomenal Nature

Um mergulho no mar de manhã. Ou molhar os pés num rio gelado. Na verdade, qualquer sensação ligada à pureza da água serve de comparativo à An Overview on Phenomenal Nature. O segundo CD de Cassandra Jenkins toca notas semelhantes ao trabalho do The Weather Station em Ignorance (também presente nesta lista). O que se torna fator comum é a permanência do estado de tristeza e seu caráter metamórfico. Não estamos mais tristes: a partir de agora, nós somos tristes. 

A atmosfera do disco cura pelo cintilar, mas agride pela dor de Jenkins cantando letras cruas e sem filtros. New Bikini veste o oceano como remédio, Hard Drive martela constatações futuras (e lembra o terceiro disco do The 1975) e Michelangelo desenrola o limbo que a nova-iorquina escolhe como farol. A etérea capa de An Overview on Phenomenal Nature nos dá o spoiler do conteúdo aniquilador que se prosseguirá por 7 faixas em trinta e um minutos. – Vitor Evangelista

EPs

Taylor Swift – the “ladies lunching” chapter

Nada que Taylor Swift lance jamais poderá ser chamado de desperdício, porque ela faz com que estejamos sempre buscando por mais. Do compilado de músicas de folklore e evermore nasce o mais novo EP da cantora intitulado the “ladies lunching” chapter. E sim, ele não traz absolutamente nada novo, mas do mesmo jeito permite que nos deleitemos com sua perfeição ao reunir todas as mulheres que protagonizaram as histórias de Swift no decorrer de 2020.

Na coletânea acompanhamos cada uma das narrativas e perspectivas femininas, trazidas em seus dois últimos lançamentos, sem pretensão alguma de inovar. Como um chá da tarde inglês, é fácil imaginar Dorothea, Betty, Augustine, Marjorie, Este e Taylor sentadas em volta de uma mesa debatendo sobre amigos que se separaram e amigos que se casaram. Imersivo e aconchegante, o protagonismo feminino se torna implacavelmente significativo ao que a cantora traz ainda mais luz para as essas tramas entrelaçadas e tecidas por ela. – Ana Laura Ferreira

Wallows – Remote (Deluxe)

Depois do coming of age musical Nothing Happens, o primeiro álbum do Wallows, a banda norte-americana retorna com o EP Remote, que recentemente ganhou uma versão Deluxe com cinco faixas, sendo três inéditas. No novo trabalho, que foi concebido e lançado na pandemia, Cole Preston, Braeden Lemasters e Dylan Minnette se recusam a deixar o isolamento impedi-los e continuam cantando suas composições identificáveis à juventude, que escuta sobre seus desafios românticos, anseios e inseguranças nas vozes moduladas do trio.

Resilientes aos desafios do distanciamento, membros discutiram a criação do EP via Zoom e testaram possibilidades ao gravarem remotamente, separadamente e em aplicativos de celular. Com os efeitos eletrônicos divertidos, como no primeiro single Virtual Aerobics e na inserção ao final de Talk Like That; as guitarras grunge distorcidas, como nas animadas Nobody Gets Me (Like You) e Dig What You Dug; e as batidas sintéticas, como nas reflexivas Wish Me Luck e Quarterback, o trio experimenta sonoridades. 

Mesmo sem se consagrar como o melhor trabalho da banda, o EP Remote (Deluxe) mostra que a Wallows não tem medo de explorar e sair da ‘caixinha’ de um só gênero. Combinando letras sobre temas comuns, mas que não soam repetitivas, a melodias indie pop, a banda cria uma identidade, tanto sonora quanto visual, que torna qualquer trabalho divertido de se escutar – ou assistir. A expectativa para o que virá no segundo álbum só aumenta. –  Vitória Lopes Gomez

Diomedes Chinaski – A Vida Ainda Pode Ser Bela

O aprendiz trouxe seu novo trabalho como um reflexo de sua nova fase. “A vida ainda pode ser bela se eu fizer dinheiro” é o verso que sustenta o EP, com um misto de pedido de socorro, frustração e desabafo. Após um período conturbado, Diomedes afirma que está mais próximo de sua família, com a vida mais tranquila e conseguiu entender que A Vida Ainda Pode Ser Bela.

Apesar de ser uma produção de 20 minutos, temos uma grande variedade de assuntos e mudança de ritmo nas faixas. Poucas participações, mantendo o protagonismo em Chinaski e nos permitindo apreciar cada letra. Uma mixtape cirúrgica e que cria uma expectativa muito boa para os próximos lançamentos do artista. O processo de amadurecimento de Diomedes é nítido e promissor, essa facilidade em ser versátil é o que o torna um bruxo lendário. – Elder John

Callista Clark – Real To Me

Com apenas 17 anos, Callista Clark lança seu primeiro EP, Real To Me. Trabalhando com Scooter Braun, a cantora segue um estilo parecido com início da carreira de Taylor Swift, composto por músicas country com letras verdadeiras e emotivas, mas também divertidas. Sua voz forte e vocais potentes também lembram os primeiros anos da loirinha.

O primeiro track do EP, It ‘s Cause I Am, é o que carrega a energia mais animada. Com uma letra sobre confiança e singularidade, Callista diz que não é e nunca será uma garota simples. A batida acompanha o tom da composição ao contar com uma produção agitada e vibrante.  A música é um contraste com a melancolia presente em Heartbreak Song, Don’t Need it Anymore e Real To Me.

E dentre as 5 faixas, a terceira, que foi a escolhida para nomear o EP, é um resumo de tudo que a obra retrata. A letra é um desabafo da cantora que diz que apesar de ser nova e saber que muito ainda há por vir, tudo que ela sente é real para ela. O lyric video retrata perfeitamente esse conceito ao parecer que ela está escrevendo em um diário, que resolveu ler em voz alta para o mundo. – Mariana Chagas

AURORA – MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE

Após o sucesso do seu último single, Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção, a cantora norueguesa AURORA embarca agora em um novo projeto que traz ao seu público compilados de suas músicas em EPs temáticos organizados pela compositora. Segundo o que a cantora declarou em live, essas coleções representam o vínculo que há entre suas faixas, são como músicas irmãs de álbuns distintos, mas que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O primeiro EP lançada foi MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE, que AURORA descreve como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. Reunindo seis músicas dos seus três álbuns já emplacados, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), a artista mostra a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando do significado que cada música tem para si e despertando a nossa conexão com suas obras. – Gabriel Brito de Souza

Isaac Dunbar – evil twin 

Isaac Dunbar é um artista muito singular. Suas letras recorrem aos clichês, mas todo o tratamento além das composições colocam o jovem de 18 anos num patamar específico. O bedroom pop do cantor do Massachussets só cresce desde que surgiu, em 2018. Dunbar integrou a trilha sonora de Love, Victor, lançou alguns EPs e chegou em 2021 gritando evil twin para todos os interessados em ouvir música boa.

pink party surpreende pelos vocais distorcidos e pela sensação de escutar a sonoplastia de um filme de terror envelopado na aura adolescente queer característica do artista. O material é curtíssimo, mas as 7 canções pedem morada no Repeat. Isaac não tem dificuldade de imprimir detalhes nas batidas chicletes: rendezvous é uma delícia por não saciar de cara a sede de quem ouve, e kissy kissy faz o rolê do primeiro crush ainda soar interessante. Ele cria instigantes ganchos sonoros e suas rimas se seguram pela familiaridade dos sentimentos.

intimate moments é o destaque de evil twin. “Eu tenho medo de momentos íntimos, se você está por perto, por que estou triste?”, ele lamenta. Sua música é o cume de emoções brutas cantadas por um jovem queer que se sente confiante o suficiente para fazer isso. Não há espaço para medo de experimentar e ousar, quando o assunto é Isaac Dunbar, a barra de expectativas e nível de entrega não param de subir. – Vitor Evangelista

Amy Winehouse – I Told You I Was Trouble: Live In London

No doloroso ano que completa uma década da partida de uma das maiores e mais inconfundíveis vozes do planeta, chega ao Spotify o áudio da gravação de I Told You I Was Trouble: Live in London. Lançado em 2007, após Amy Winehouse verdadeiramente brilhar no Grammy de 2006, o show é um dos mais vivos no consciente coletivo daqueles que conhecem o trabalho da cantora. A versão em DVD ainda traz um documentário sobre a vida, a carreira e turnê na Europa e Estados Unidos.

O setlist reúne os grandes clássicos do irretocável repertório de Amy Winehouse. Produzido ao vivo, é um selo de qualidade na potência vocal da sublime cantora que é ovacionada durante o espetáculo. As músicas de seu maior álbum – Back to Black – se fundem aos hits de Frank, seu disco de estreia. A canção homônima ao CD de 2006 é um dos pontos mais fantásticos da gravação, Amy canta Back to Black com tamanha facilidade que parece apenas estar brincando com a composição. Não é atoa que sua interpretação é imortal. – Ana Júlia Trevisan

Músicas

Jessie Ware – Remember Where You Are – Single Edit 

A lista de coisas boas de 2020 é quase ínfima, mas no topo está o precioso What’s Your Pleasure?, quarto álbum de estúdio de Jessie Ware. O sucesso de seu disco e a grandiosa coerência do repertório nos deixa ansiosos pela versão Deluxe que está por vir. Para retornar o disco às paradas de sucesso, a cantora lançou o single, após o alvará de Barack Obama, de um dos maiores hinos, Remember Where You Are, que encerrou o trabalho com chave de ouro.

Com a encantadora apresentação no The Graham North Show, Jessie Ware serviu arranjos vocais luxuosos, com backing vocals envolvidos a fundo à performance e sentimentos da cantora. Sentimentos esses de esperança que sempre ressoam ao ouvir a familiar Remember Where You Are. Jessie também revelou sua terceira gravidez, exibindo a gestação durante o show, dando um visual ainda mais belo e intimista para o lançamento do single, que também ganhou um short film onde a atriz caminha, visivelmente emocionada, pelas iluminadas ruas da cidade. Além de esperança, o clipe também tem gosto de recomeço. – Ana Júlia Trevisan

Jão – Coringa

Se no clipe de Vou morrer sozinho um Jão-zumbi invade um casamento para tacar o terror, em Coringa seu alvo é uma festa de pessoas ricas. Com uma dupla de cúmplices, Jão vive uma aventura tão perigosa quanto se apaixonar. A música é uma mensagem para o seu amor coringa, confessando que o crime só compensa se tiver a companhia daquela pessoa.

A letra viciante sobre relacionamentos é marca registrada do cantor, e ele parece ter decidido seguir esse mesmo estilo em sua nova era. Assim como várias outras músicas de Lobos e Anti-herói, Coringa é uma faixa contente sobre uma situação nem tão contente assim. No final do clipe, Jão é traído por um de seus parceiros e acaba machucado. A visão dele jogado no chão, sangrando, é uma ótima alusão a como ele pode ficar quando perder essa paixão. Seja como for, o cantor parece estar sempre disposto a correr os riscos de se relacionar, se pelo menos no final isso render conteúdo para suas ótimas músicas. – Mariana Chagas

Sam Fisher e Demi Lovato – What Other People Say

Entregar-se de corpo e alma é algo que Demi Lovato sempre alimentou em suas performances. É inegável notar que seu poderoso alcance vocal combinado com notas ritmadas geram uma melodia marcante. Depois de muitos anos conturbados, a cantora renasce como uma fênix e mostra seu maravilhoso potencial em uma nova era. 

Cada vez mais, ela aposta suas fichas em oferecer canções que transmitem seus próprios sentimentos e experiências. Foi o caso de I Love Me e Ok Not To Be Ok, sendo essa última lançada no Dia de Prevenção ao Suicídio. What Other People Say segue a mesma linha, porém une piano, violão e a percussão de uma maneira totalmente diferente. Uma batida enérgica e amarga aperta o coração quando se apoia nos versos, especialmente os mais íntimos de Demi (creditada na composição), como “Eu não iria desistir, não iria fazer parte/Das mesmas velhas drogas que todo mundo usa”. 

O lyric video é a forma mais bonita de traduzir o duo com Sam Fisher. Baseando-se num jogo de cara-a-cara, várias personalidades dos dois compõem os tabuleiros. Com o passar dos minutos, as teclas se abaixam e evidenciam a única que realmente importa. Ambos não querem ser reduzidos a um conceito (“mandão”, sozinho, encantador, confiante), mas sim ser o compilado de particularidades que os tornam únicos. Pode até ser clichê, mas se Demi caminhar com esse pensamento, é fato que ela encontre seu verdadeiro ‘this is me’. – Júlia Paes de Arruda

Surf Mesa e Madison Beer – Carried Away

Dentre as tantas músicas de amor escritas, Carried Away consegue, de forma magnífica, nos passar o sentimento de estar apaixonado, mostrando o lado positivo e a leveza do sentimento. Escrita por DJ Surf Mesa, conhecido por sua música ILY (cover e remix de Can’t Take My Eyes Of You) a canção é cantada por Madison Beer, dona do hit Selfish, que foi viral no TikTok no ano de 2020.

Começando com uma batida suave, a voz de Madison é o que prende o ouvinte nos primeiros segundos da faixa. É no refrão que o ritmo se intensifica e a música se torna mais animada, tornando difícil ficar parado. Já a letra descreve lindamente o sentimento de amar alguém, e ser carregado por essa paixão. Na canção, Madison conta que vê o amor como um fogo, uma cura e uma luz. Apaixonado ou não, o ouvinte se encontra amando também.

No meio de todos os fatores que fazem um feat funcionar, a harmonia entre os participantes é um dos pontos mais importantes, se não o principal. E é com a combinação perfeita da voz de Madison Beer com o trabalho do DJ Surf Mesa que Carried Away virou uma canção tão mágica, que faz o ouvinte se sentir carregado pela música.  -Mariana Chagas

Trixie Mattel – Blister in the Sun 

Na mesma semana em que se tornou uma das donas do This Is It!, o bar gay mais velho de Wisconsin, a super estrela Trixie Mattel lançou o cover de Blister in the Sun. A canção é original da banda Violent Femmes, cria de Milwaukee, terra natal da drag queen. A faixa cai como uma luva na vibe country despojada de Mattel, e funciona tanto como renovação quanto homenagem.

Em tempos de pandemia e estabelecimentos fechados, a vencedora por direito do All Stars 3 salvou o This Is It! de sua iminente ruína e decidiu comemorar usando vestido branco com quadrados pretos no vídeo de Blister in the Sun. É cool, é camp e é a cara do legado de Trixie, uma artista interessada nas causas em que lucra e consciente de seu papel como alguém com privilégios. Quer heroína melhor que essa? – Vitor Evangelista

Taylor Swift – Love Story (Taylor’s Version)

A maior treta do mundo pop nos últimos anos parece estar chegando ao fim. Conforme informou Taylor Swift em julho de 2020, depois da implosão de toda confusão envolvendo seu catálogo musical em novembro de 2019, ela, junto à sua nova gravadora, decidiram por regravar seus antigos trabalhos, de forma que as gravações antigas, cujos direitos não pertecem à ela, se tornassem obsoletas. No dia 12 de janeiro, conhecemos o primeiro material regravado, o lead single de Fearless, seu segundo álbum originalmente lançado em novembro de 2008, Love Story (Taylor’s Version). 

Com o terreno muito bem preparado pela estética de seus últimos álbuns, folklore e evermore – e o primeiro na corrida das principais categorias do Grammy 2021 -, a veterana da indústria musical sabia que não tinha momento melhor para iniciar seu projeto de regravações. O contexto atual, inclusive, parece ter sido muito bem utilizado por Swift na concepção da nova versão da canção. Cercada pela energia pesada da confusão que a envolveu nos últimos anos, a aura juvenil do amor inocente e shakespeariana agora se revela nostálgica e folclórica – risos -, que tem seu caráter de história ainda mais demarcado, especialmente pelo lyric video que retoma algumas memórias do início da carreira de Taylor e pelo estilo narrativo que a artista empregou nas composições dos últimos discos. 

Sonoramente, quase nada mudou. A voz de Taylor soa, obviamente, mais madura, mas é tão suave ao ponto de sequer alterar o tom da música. Os arranjos suaves do country também permanecem presentes, fiéis à proposta de Taylor com as regravações: fazer com que ela e os fãs pudessem ouvir as músicas sem que os lucros por isso fossem destinados à quem ela denominou como seu “maior inimigo dentro da indústria”. Entretanto, a atitude determinada de Swift em se recusar a entregar de vez seu legado musical torna a experiência da nova canção completamente diferente – e jamais negativa -, já que é interpretada por uma artista que tem a completa certeza de que as coisas não são da forma como ela imaginou que seriam 13 anos atrás. – Raquel Dutra

Luna França e Tiê – Terapia

Desde que lançou o single Minha Cabeça em novembro de 2020, a tecladista, compositora e produtora Luna França está abrindo seu caminho à frente das canções – sem deixar de lado os bastidores, claro. Enquanto termina a produção de seu álbum de estreia, com a parceria de André Whoong do Estúdio Rosa Flamingo,  ela leva ao público essas músicas como chamariz para sua carreira de cantora. Em fevereiro de 2021, o single Terapia, com a participação da já conhecida Tiê, integra a coleção de grandes apostas da Nova MPB.

A poesia da canção é mais um seguidor do movimento musical indie-mental health, que explora a saúde mental dentro de versos que segundo a própria cantora, foram escritos como num diário: “Só de escrever esta música, já me sinto bem melhor. Como é bom fazer canção e ao mesmo tempo… terapia”. De fato, as confissões escolhidas por Luna França são aqueles segredos que morrem no divã, que ela mesma diz ter vergonha de falar. Não é fácil admitir que não queremos ver um ex-amor mais feliz que nós, mas a compositora expõe essa sensação contraditória. 

A tal melancolia que faz parte da letra e do ritmo, torna a música favorável para ser ouvida repetidamente. No entanto, as palavras não são impactantes ao ponto de a canção ficar gravada em sua mente, mesmo após ouvir em looping. De qualquer forma, a experiência como produtora fica evidente: o arranjo instrumental e a harmonização de Terapia são impecáveis, assim como a participação vocal de Tiê, que contrasta muito bem com o timbre de Luna França. Devemos manter os olhos bem abertos, porque uma possível voz marcante está chegando na música brasileira. – Carol Dalla Vecchia

Conan Gray – Overdrive

Quase um ano após o lançamento do seu debut, Kid Krow, Conan Gray surpreende seus fãs com seu novo single, Overdrive. Completamente diferente do seu último hit, Heather, a faixa conta com uma letra contagiante e viciante sobre aproveitar a noite. Enquanto em sua era anterior Conan parecia estar constantemente lutando contra problemas e amores do passado, em Overdrive o cantor pareceu deixar de lado todas as suas preocupações. 

O ritmo da música segue o mesmo estilo animado de Maniac e Wish You Were Sober, com uma produção que, como as outras faixas, vai agitar quem estiver ouvindo. É aquele pop perfeito para quem gosta de cantar no carro, no volume máximo. O artista ainda não deu nenhum indício de que Overdrive seja o single de algum álbum ou projeto futuro, mas, se for, o fandom já aguarda ansiosamente. 

Em live, Conan comentou que a inspiração na hora de escrever foi apenas tentar criar uma forma de escapismo para o momento complicado que o mundo se encontra, dessa forma tentando levar felicidade para seus fãs. Com um clipe colorido e divertido assim como a música, o cantor conseguiu alcançar seu objetivo. – Mariana Chagas

Shura – obsession

A britânica Shura lançou seu novo single, obsession, no dia 17 e aproveitou para anunciar uma versão deluxe de seu segundo álbum de estúdio, forevher (2019), prevista para ser lançada em 19 de março. A música, que é um dueto entre Shura e a cantora Rosie Lowe, fará parte da nova versão do disco, que contará ainda com novas demos e versões acústicas.

obsession se encaixa muito bem com o clima e a ambientação de forevher, com versos melódicos sobre devoção e comprometimento que ecoam os sentimentos de outras faixas do álbum: “Você não é legal só por ser legal/E eu gosto disso em você/Eu me sinto sagrada nos seus braços”. A voz de Rosie Lowe também se encaixa muito bem com a de Shura, acompanhada pela guitarrista Anna Calvi, que invoca na faixa o pop jazz característico da cantora. Junte a isso os sintetizadores e um baixo muito bem colocado, e Shura já nos dá motivos para ficarmos (novamente) obcecados. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Papatinho, Seu Jorge e Black Alien – Final de Semana

Sim, Papatinho conseguiu juntar Seu Jorge e Black Alien em mais um feat. Os dois já haviam trabalhado juntos em Meu Bem Querer, de 2018, mas nada que tivesse o encanto de Final de Semana. A música é uma mistura de rap, funk e samba. No dia de seu lançamento, o single ganhou um clipe autêntico e brasileiro.

A voz grave de Seu Jorge é misturada com a rima fluida de Black Alien, e é aí que está o poder. A canção é relaxante, mas também tem um toque de animação, o que a torna tão diferente. “Estou muito feliz de conseguir reunir dois monstros sagrados da música brasileira. O Seu Jorge tem uma das melhores vozes que conheço e o Black Alien é um letrista de primeira. ‘Final de Semana’ tem uma pegada diferente, uma vibe calma, mas também dançante, sabe?”, disse o beatmaker carioca.

Além da mistura dos ritmos, o produtor adicionou instrumentos clássicos nesse trabalho, o que deu ainda mais genuidade ao som. No final do clipe, é possível ver alguns violinistas, um baixista, pianista e violoncelista finalizando a canção. Papatinho garantiu que o single estará presente em seu primeiro álbum, intitulado Workaholic. Quando Seu Jorge canta “liguei pro Papatinho perguntando se ele tinha uma batida pra mim”, era praticamente impossível que a resposta fosse “não”. – Giovana Guarizo

Cardi B – Up

Coroada como Mulher do Ano pela Billboard, ficou claro que Cardi B dominou 2020. Depois de um ano liderando as paradas, dominando as plataformas de streaming e consolidando sua carreira como rapper, parecia difícil Cardi B conseguir replicar a sagacidade que tornou WAP um dos maiores sucessos de sua carreira. No entanto, ela consegue surpreender novamente com Up, segundo single de seu novo projeto.

Aqui, ela se distancia de uma melodia mais elaborada em busca um beat mais tradicional, e também se afasta da temática sexual de seus últimos singles para colocar seu poder, beleza e rivalidades como tema principal. A música é carregada pelo flow energizante de Cardi, que retrata acontecimentos de forma cômica e com sua presença inigualável (“Era uma vez, cara, eu escutei que eu era feia/Veio de uma vadia que o cara queria transar comigo”). Se o álbum da rapper for meramente parecido com os seus últimos singles, não há dúvida que será um dos maiores sucessos do ano. – Laís David

Noname – Rainforest

Três anos após a estreia badalada de Room 25, a rapper e ativista Noname está preparada para embarcar em um novo ciclo musical com o lançamento do música Rainforest. Ela também confirmou que seu segundo álbum, intitulado Factory Baby, será disponibilizado mais tarde esse ano, ainda sem uma data específica.

Em Rainforest, Noname continua exibindo seu talento para letras íntimas e radicais e batidas precisas e pesadas. Cada verso do single é lido com uma intensidade e uma vazão de significado que ajudam a estabelece-la como uma das melhores liricistas da atualidade, como se o seu trabalho em Room 25 não fosse prova suficiente dessas habilidades.

É um rap triste, sobre o sofrimento das comunidades periféricas, racismo e capitalismo. Ela invoca revolução com um cansaço característico daqueles que passaram a vida lutando, mas com a certeza dos que deram a vida pela causa, e é isso que torna sua música tão memorável. Rainforest se encaixa como uma luva na discografia de Noname, ecoando o seu ativismo e sua visão anticapitalista em versos sagazes e muito bem produzidos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Allie X – GLAM!

GLAM! foi um presente para os fãs. A faixa, gravada em 2013 e vazada na internet em 2015, finalmente foi lançada oficialmente em 4 de fevereiro de 2021 para comemorar o relançamento do vinil do CollXtion I, o EP debut da canadense. Assim como muitas outras unreleaseds de Allie que nunca viram a luz do dia (oficialmente), GLAM! é sinônimo da excelência da cantora como compositora e produtora.

A faixa é do jeitinho X de ser: synthpop, chiclete e extremamente contagiante. O que mais será que Allie tem escondido no seu HD que ainda não ouvimos? Fica o mistério… Mas das que já conhecemos, vamos orar para que Alexandra disponibilize Oh Chad e Tongue Tied também de forma oficial nas lojas virtuais e streamings. – Jho Brunhara

Thiaguinho e Luísa Sonza – Cansar Você

Que o Thiaguinho é do pagode o Brasil já sabe, mas e a Luisa Sonza? A cantora surpreendeu com o novo single Cansar Você, em parceria com o pagodeiro. E deu mais do que certo. A voz de ambos se conectam e trazem uma sensação gostosa ao ouvir. A primeira vez que a artista pop cantou esse gênero foi com Dilsinho em Não Vai Embora, mas dá para sentir que só dessa vez ela mergulhou de verdade no ritmo brasileiro.

O furacão Luísa Sonza já deixou claro que veio pra ficar e que gosta de desafios. Ela caiu em um ritmo completamente diferente em sua carreira e os resultados foram bons. O excepcional veterano Thiaguinho soube conduzir a cantora ao ritmo, o que resultou em uma junção musical um tanto quanto adorável. Para fazer jus à música, o clipe foi gravado com cenas da paisagem da Barra de Guaratiba, no Rio de Janeiro. Um audiovisual solar e simples, mas que dá todo o toque que a faixa precisa. 

É uma honra para qualquer artista poder cantar pagode ao lado de Thiaguinho e a dona do hit Braba soube aproveitar essa oportunidade. A voz dos dois cumpre o que promete e a música não cansa você, muito pelo contrário, foi feita para dar replay várias vezes. – Giovana Guarizo

MARINA, Pabllo Vittar e Empress Of – Man’s World (Remix)

Os últimos anos da carreira de MARINA foram questionáveis. De um suprassumo pop como o Froot até o decepcionante Love + Fear, as expectativas do público com o quinto disco da galesa não eram tão altas. Quando MARINA lançou a primeira versão de Man’s World, a sonoridade não era nada além do que esperado de seus trabalhos anteriores. Uma letra reflexiva, feminista e uma produção comum não impressionam um ouvinte fora do nicho musical de MARINA, já que é tudo que ela entrega desde o início de sua carreira.

No entanto, o remix da estadunidense Empress Of deixou Man’s World mais interessante. A música também prova o grande alcance de Pabllo como artista. Sua adição é muito bem vinda na canção e prova que a brasileira tem muito a oferecer em sua carreira internacional – sua naturalidade ao cantar em inglês e os vocais excepcionais a tornam destaque na canção. Longe de tentar demais, a música se transforma em um ótimo eletropop e eleva as expectativas do novo projeto de MARINA. – Laís David 

Rebecca Black, Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3 – Friday (Remix)

O ano é 2011, e um novo meme domina a internet: o videoclipe para a música Friday de Rebecca Black. No Tumblr, só se flodam gifs do vídeo; no Twitter só se fala como a música e o clipe são terríveis; no YouTube rapidamente pipocam paródias e o upload original se torna o recordista em dislikes. Black é, sem dúvidas, uma das maiores lendas da internet e dona de um dos mais gigantescos virais que já vimos. Mas é também vítima de uma onda avassaladora de cyberbullying e também assédios na vida real.

Hoje, a recepção negativa de Friday é uma memória distante do que a carreira artística da cantora significa. Desde então, a viciante Foolish nos fez agradecer que Black não abandonou seus sonhos de cantar, e a honesta Self Sabotage mostra que por trás daquela garota de 2011 que só queria lançar uma canção e se divertir com seus amigos sempre existiu uma grande artista.

Finalmente, no aniversário de 10 anos da música original, Friday (Remix) conclui um arco da vida de Rebecca. Produzida por Dylan Brady do duo 100 gecs e com participação de Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3, o remix hyperpop se inspira na intensidade eletrônica do selo e conta com vocais distorcidos, sintetizadores estridentes e novos versos. Com projetos do gênero propositalmente criados para soarem como um exagero da fórmula pop, hoje podemos dizer que Friday apenas estava muito a frente de seu tempo. Quem diria que Rebecca Black inventou a PC Music? – Jho Brunhara

HAIM e Taylor Swift – Gasoline 

O Women In Music Pt. III não precisava de remix nenhum. Mas, já que as HAIM tomaram a decisão de expandir o conceito do disco, que bom que o trio soube muito bem quem chamar para as colaborações e como as novas versões funcionariam. Depois de sussurrarem ao fundo de no body, no crime em dezembro, Este, Alana e Danielle convocaram Taylor Swift para cantar Gasoline. Sem a adição de novos versos ou batidas, a canção ganhou a vivacidade e o espírito resiliente da loirinha. 

Swift, intitulada a quarta irmã HAIM, entra na faixa com o timbre diferente do comum e surpreende pela versatilidade de se adaptar tão facilmente no ambiente de rock melódico da banda. Fora a parceria com Taylor, o grupo ainda regravou 3am ao lado de Thundercat. A repaginação da booty call é singela, mas a original ainda grita mais alto. O Women In Music Pt. III ganhou uma Expanded Edition com os dois novos registros, o que só serve para bagunçar as bibliotecas do Last.fm mas, quando o debate é sobre material novo das HAIM, a resposta sempre será positiva. – Vitor Evangelista

FINNEAS – American Cliché

Os irmãos O’Connell não têm tempo para descanso. Enquanto Billie Eilish lança seu primeiro documentário e trabalha no segundo álbum de estúdio, seu irmão FINNEAS também prepara o terreno para o seu próximo disco. Com o seu EP Blood Harmony lançado em 2019, e a versão Deluxe em 2020, o cantor já vem revelando novas faixas há alguns meses, como Can’t Wait To Be Dead e Where The Poison Is. 

A bola da vez é intitulada American Cliché, que teve o lançamento acompanhado por um lyric video. Com toques de jazz vibrantes, FINNEAS parece estar apostando em novos estilos, e que destoam cada vez mais do trabalho com sua irmã caçula (e que bom!). A própria capa do single remete à estética de cassinos e clubes noturnos, mas sem perder a vibe romântica e cada vez mais galanteadora do cantor. Enquanto o novo disco não chega, resta aguardar pelo videoclipe conceitual que pode resultar dessa grande fusão de elementos. – Vitória Silva

Ludmilla, Major Lazer, ÀTTØØXXÁ e Suku Ward – Pra Te Machucar

Ela não para! 2021 tem apenas três meses e nesse curto tempo Ludmilla deixou a sua marca com o álbum Numanice (Ao Vivo), que já é um clássico do pagode e uma grande conquista para sua carreira, e o hit Deixa de Onda, parceria com o DJ Dennis e o rapper Xamã. Mas a estrela do funk mostrou que vai trabalhar duro e nos presentear com ótimos lançamentos durante todo o ano. A canetada desta vez é Pra Te Machucar, produzida pelo trio Major Lazer e com a participação do grupo baiano ÀTTOOXXÁ e do artista jamaicano Suku Ward.

Lançado em 19 de fevereiro, o clipe super produzido e gravado em Itu – interior de São Paulo – traz a história de uma cantora negra sequestrada por empresários e substituída por uma artista branca em uma apresentação. Nossa heroína e xerife Ludmilla vai atrás dos vilões e liberta a mocinha que chega a tempo no show desmascarando a impostora e nocauteando os aproveitadores. Tudo isso numa estética faroeste com direito a muitos tiros e é claro, a coreografia da Lud esbanjando seu ponto forte que é a sensualidade.

A obra foi dirigida por Felipe Sassi, que já trabalhou anteriormente com Ludmilla no clipe Rainha da Favela que fez bastante sucesso no ano passado. Não contente em colecionar músicas na boca do povo, a funkeira agora quer construir uma videografia caprichosa, e está conseguindo. Pra Te Machucar acaba de se juntar no altar dos clipes viciantes ao lado de Verdinha, Rainha da Favela e Cobra Venenosa – que, apesar da qualidade questionável da música, no mudo o vídeo é bem feita, vai. – Giovanne Ramos

Nick Jonas – Spaceman

O irmão Jonas de carinha angelical e dono do coração de muitos adolescentes da época boa da Disney não existe mais. Ele foi substituído por um galã charmoso, digno de interpretar Alex em Jumanji: Bem-Vindo à Selva. Nick Jonas ainda mantém o talento inestimável que os fãs encontraram em A Little Bit Longer, umas das suas primeiras composições. Porém, o amadurecimento musical é nítido quando comparamos a carreira atual com os primórdios solo. 

Seu mais recente projeto, Spaceman, é um single futurista com uma letra cheia de referências para o período atual. O cantor define seu sentimento em relação à pandemia do coronavírus como se estivesse no espaço, vivendo conforme um astronauta. A angústia e a insegurança de estarmos confinados em casa é muito clara. Talvez, a  irresponsabilidade do ex-presidente dos Estados Unidos foi a cartada final para que o cantor desse uma pequena indireta e extravasasse toda sua emoção em música, especialmente nos versos “E eu estou falando com você/Mas nunca parece que chega até aí” e “Dizem que é só uma fase, que vai mudar se nós votarmos”.

A batida estilo ficção científica, que é até mesmo robótica, acompanha um ritmo mais rápido da voz de Nick, o qual se opõe totalmente a Jealous, seu primeiro grande sucesso na carreira solo. Sua genialidade e destreza em se multifacetar em harmonias diferentes é um grande sinal de que uma nova era está a todo vapor para nos apresentar o que seu personagem Nate cantou uma vez: “Vou tentar fazer o meu melhor para impressionar/Mas é mais fácil deixar você dar um palpite para o resto”. – Júlia Paes de Arruda

Gilberto Gil, Bem Gil e Gilsons –  Refloresta

Durante a carreira, Gilberto Gil fez uma harmoniosa trilogia de álbuns que receberam o nome iniciado em “R”, são eles: Refazenda, Refavela e Realce. A família Gil é clara evidência de que o fruto não cai longe do pé. Iniciados na música com o tropicalista, os filhos e netos esbanjam talento por onde passam. E agora, o filho Bem Gil e o trio Gilsons (composto por dois netos e um filho) se juntam ao patriarca para gravar Refloresta. A belíssima canção foi produzida para uma campanha do Instituto Terra.

A música, que tem por intenção incentivar o reflorestamento, não poderia ter sido cantada por uma voz mais acalentadora do que a de Gilberto Gil. A guitarra do produtor Bem se mistura a guitarra Francisco Gil, ao baixo e cavaquinho de João Gil e à bateria e percussão de José Gil, compondo assim um verdadeiro hino conscientizador. O trabalho conta também com um sagaz clipe, onde florestas nascem na cabeça dos músicos. Ainda houve uma campanha no TikTok (entre os dias 22 e 28 de fevereiro) nomeada: #ReflorestaComGil. A cada vídeo criado com a música no aplicativo, a plataforma vai plantar uma árvore no Instituto Terra. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Bad Bunny e ROSALÍA – LA NOCHE DE ANOCHE

O encontro do reizinho do reggaeton com a princesa do pop espanhol e do new flamenco é algo a ser admirado, e se LA NOCHE DE ANOCHE já foi algo que agradou os nossos ouvidos ao ser lançada em novembro de 2020, seu vídeo clipe materializa no visual a química entre ROSALÍA e Bad Bunny. Nomes em vertiginosa ascensão nos últimos anos, a dupla colaborou numa canção apaixonada que abaixa a guarda das personalidade marcadas que ambos os artistas carregam em seus trabalhos, sendo uma das faixas mais suaves do repertório de EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO, álbum mais recente de Bad Bunny que abriga a canção. 

No vídeo, a direção de arte de Liam Moore se esbalda de referências surrealistas e paisagens oníricas, criando ambiente perfeito para o romantismo de ROSALÍA e o timbre açucarado de Bad Bunny ecoarem. E assim como a sensualidade da letra surge sem rodeios, a predominância dos tons pastéis vez ou outra são atravessados por texturas aveludadas e um vermelho flamejante. O conjunto da obra é uma melação com toda a licença poética e a dupla – literalmente – pega fogo num romance dos bons. – Raquel Dutra

Daft Punk – Epilogue

Tão silencioso quanto tudo o que permeou sua existência virtual – com exceção ‘apenas’ de sua música -, Daft Punk chegou ao fim. Sem grandes despedidas e com poucas informações, o duo composto por Guy-Manuel de Homem-Cristo e Thomas Bangalter anunciou o encerramento de suas atividades em conjunto através de um vídeo disponibilizado no YouTube no dia 22 de fevereiro. Em cenas recortadas de um outro filme que a dupla fez em 2006, Epilogue coloca os fãs do duo para assistir novamente um dos membros implodindo em mil pedacinhos e se desfazendo em poeira depois de seguir um caminho diferente do de seu parceiro, transmitindo um recado que não poderia ser mais claro ao sinalizar os caminhos diferentes que a vida e a arte tomam num intervalo de quase 30 anos.

Profetas de um futuro virtual, os donos do hit Harder Better Faster fundamentaram sua música em pontuações irônicas sobre a decadência de uma sociedade cujas relações são cada vez mais superficiais. Depois de deixar a banda Darlin’, desistindo do indie rock em 1993 para cair nos braços da música eletrônica, Daft Punk construiu um lar na house music e no techno, sem nunca deixar de reverenciar clássicos do pop e do rock. Quando o mundo inteiro caiu na sua influência, o duo surpreendeu ao assinar uma música mais ‘natural’ em seu último disco, Random Access Memories.

Em hiato há oito anos, a expectativa que pairava sobre o nome Daft Punk era o nascimento de uma nova era, novos trabalhos e perspectivas para o duo, mas tudo isso se transformou na confirmação do fim. Influenciando as tendências da música massivamente em gêneros muito além do nicho eletrônico, o legado que a dupla deixa depois de 28 anos de atividade é presente, concreto e quase-humano, já que a música é um dos elementos mais vivos que existe, especialmente a que um dia surgiu de artistas que construíram uma carreira tão dinâmica quanto Daft Punk. – Raquel Dutra

Performances

The Weeknd no Super Bowl LV Halftime Show

Realizar o show do intervalo de um dos momentos mais importantes dos EUA representa uma enorme consolidação na carreira de um artista. O gramado já recebeu nomes como Michael Jackson, Rolling Stones, Beyoncé e, ano passado, Shakira e Jennifer Lopez se apresentaram para o público mundial na final do maior evento esportivo televisionado. Em 2021, foi a vez do nome do momento ganhar os holofotes em um espetáculo de arrepiar – The Weeknd, em um terno vermelho brilhante, cantou seus sucessos marcantes em uma megaperformance repleta de fogos de artifício e dançarinos sincronizados, e que custou 7 milhões de dólares ao canadense.

O Raymond James Stadium estremeceu com o cenário de espelhos e letreiros neon que abrigavam um batalhão de talentosos músicos no coral da abertura. Starboy iniciou o espetáculo, seguido intimamente de The Hills. A apresentação não demorou para incluir réplicas enfaixadas com terninhos vermelhos (mas não brilhantes) ao som de Can’t Feel My Face para transitar em direção a I Feel It Coming. À essa altura, não havia mais uma garganta em plena funcionalidade no estádio da final entre Kansas City Chiefs e o Tampa Bay Buccaneers, principalmente quando Abel entoou Save Your Tears, uma das estrelas da era After Hours. 

Foi Earned It que preparou o terreno para o maior hit de 2020: Blinding Lights finalizou o evento de forma magnífica, com The Weeknd no centro do gramado dançando, correndo e desfilando. Foi épico, espetacular. Com muito charme, carisma, e, acima de tudo, talento, Abel Tesfaye e sua voz magnífica protagonizaram um intervalo com mais cara de atração principal do que secundária. Não há ninguém maior que The Weeknd, e isso foi deixado bem claro na noite do último dia 7 de fevereiro. – Caroline Campos

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