Bruno Andrade

No dia 17 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal de São Paulo, o público acomodou-se de forma lenta e espaçada, aguardando a apresentação de um músico carioca, tido como o mais conceituado da Semana de Arte Moderna e um dos maestros brasileiros mais promissores já à época do evento. O musicista fazia parte de três dias da programação da Semana, e, ao ser convidado para integrá-la, estava às vésperas de completar 35 anos. Para sua estreia no palco paulistano, ele selecionou o que de mais representativo havia produzido em música de câmara nos anos anteriores. Não demorou para que o compositor, vestindo casaca e calçando, em um pé, sapato, e, no outro, chinelo, surgisse no palco, seguido por vaias e urros de negação. A plateia havia interpretado o uso do chinelo como puro desrespeito; aparentemente, era apenas um machucado no dedão – mas pode bem ser que não fosse. De qualquer forma, o espetáculo pôde enfim começar: Heitor Villa-Lobos chegou.

Nascido em 5 de março de 1887, no Rio de Janeiro, Villa-Lobos teve sua consagração através de um esforço em integrar elementos nacionalistas e ritmos ligados à cultura afro-brasileira e indígena, jogando luz a uma faceta da cultura nacional que muitas vezes mantinha-se à margem dos musicistas clássicos. Em suas obras maiores, atingiu um tom ufanista, e misturou complexos padrões rítmicos da Música brasileira com multi-tonalidade, influenciado por Stravinsky e Milhaud. Assim, combinou elementos da Música popular e da tradição musical europeia, impulsionando, invariavelmente, o Brasil na rota da Música Clássica do século XX.

Falar de Villa-Lobos apresenta algumas dificuldades elementares, visto que sua vasta produção musical possui mais de mil obras, e algumas sequer foram executadas. Ao mesmo tempo, mistura-se às dificuldades encontradas em analisar a Semana de Arte Moderna, como a ausência de documentos sobre o evento e a forma destoante que foi interpretado pela sociedade. Durante a Semana, o músico se apresentou em três dias (13, 15 e 17), cujo episódio marcante – em que surgiu no palco calçando um chinelo solitário – ocorreu somente no terceiro dia de apresentações, com a sala do Theatro Municipal mais vazia que nos dias anteriores. O jeito irreverente do compositor – era chamado pejorativamente de “Vira-Loucos” – põe em dúvida a existência da possível lesão no pé, mas de nenhuma forma descarta a possibilidade. Ilustra, porém, muito da personalidade de Villa-Lobos: ele foi a junção do popular e do erudito.

Seu pai, Raul Villa-Lobos, foi um bibliotecário e músico amador, que deu o pontapé inicial para introduzir o filho à Música Clássica, após perceber seu talento natural. Aos 6 anos de idade, Heitor já havia aprendido a tocar clarinete e violoncelo, sob supervisão do pai. Não muito tempo depois, quando o futuro maestro tinha apenas 12 anos, Raul faleceu, vítima de malária. Concomitante à morte paterna, a mãe de Villa-Lobos, Noêmia, instituiu regras bastante claras contra os interesses musicais do filho, e declarou que ele deveria se tornar médico. A História diz que, após Villa-Lobos ser proibido de tocar violão – outra de suas paixões –, passou a fugir pela noite para frequentar as rodas de choro (nesse caso, além da proibição imposta na casa, havia também o preconceito, visto que a Música popular ainda tinha a pecha de ser dominada pelas classes mais baixas), e aprimorou-se silenciosamente no instrumento, o qual mantinha escondido embaixo da cama.

Das milhares de composições de Heitor Villa-Lobos, destacam-se as 11 sinfonias, três óperas e 18 peças para quarteto de cordas, criadas sob influência do choro – ou chorinho –, gênero de Música popular e instrumental, com origem carioca em meados do século XIX, cuja personalidade de maior renome foi Pixinguinha (1897-1973). Ele também compôs nove obras intituladas Bachianas Brasileiras, entre 1930 e 1945, que combinam as influências da Música brasileira e do neo-barroco, especialmente de Johann Sebastian Bach, como seu título sugere. Nessas suítes, Villa-Lobos fundiu de forma intensa material folclórico brasileiro – em especial a música caipira – à elementos clássicos, transformando esse trabalho em uma de suas principais obras. O Trenzinho Caipira, parte final das Bachianas No. 2, é um de seus trabalhos mais populares.

Depois de sua apresentação na Semana de Arte Moderna – e uma estadia em Paris, de 1923 a 1925 –, sua música sofreu mudanças significativas. Na França, Villa-Lobos encontra uma vanguarda musical que contesta as ideias de Claude Debussy – Darius Milhaud faz parte desse grupo –, cujo interesse cultural estava lentamente transicionando para o surrealismo e o extravagante, o que influenciou o músico a apostar em formatos distantes do conservadorismo que dominava as composições clássicas. Um instrumento que ganhou destaque em muitas realizações do músico pós-Semana foi o saxofone. Ele próprio tocava clarinete e eventualmente tocava o sax. Um de seus amigos de infância, Anacleto de Medeiros, foi um exímio saxofonista, colaborando em muitos dos trabalhos de Villa-Lobos, os quais resultaram em uma quantidade considerável de música de câmara para o instrumento, além de obras orquestrais, como a Sinfonia No. 4, a qual pede um quarteto de saxofones.

No entanto, embora fosse importante para Villa-Lobos, Fantasia para saxofone soprano e pequena orquestra é seu único trabalho solo para o instrumento. A obra foi composta em 1948, e dedicada ao saxofonista francês Marcel Mule, o qual Villa-Lobos conheceu ainda em Paris. A composição foi iniciada em Nova York mas concluída somente no Rio de Janeiro, ao final daquele ano. Mule nunca chegou a tocar Fantasia, alegando dificuldades devido a tonalidade exigir notas fora da tessitura do saxofone. Foi, portanto, Waldemar Szpilman, um saxofonista polonês que se mudou para o Brasil em 1925, que estreou a obra como solista, no Rio de Janeiro, em 1951. Um fato curioso é que Waldemar era primo de Władysław Szpilman, o pianista que de forma milagrosa sobreviveu em Varsóvia durante a Segunda Guerra Mundial, como relatado nas memórias que originaram O Pianista (2002), filme que rendeu o Oscar de Melhor Ator para Adrien Brody. Mas o mais interessante é que, paradoxalmente, após a viagem à França, Villa-Lobos entende que precisa deixar de lado as influências francesas, vistas com muito esmero pela aristocracia brasileira à época – as Bachianas surgem daí, num esforço em apontar Bach no cenário folclórico brasileiro.

Outro personagem musical relevante na Semana de Arte Moderna – naturalmente ofuscado por seu trabalho de poeta e romancista –, foi Mário de Andrade (1893-1945). Além de escritor, Andrade foi musicólogo, crítico musical e um relevante compositor, atuando como professor de Música no Conservatório Dramático e Musical de São Paulo (CDMSP). Alguns de seus poemas, em especial os da coletânea Paulicéia Desvairada (1922), desenvolvem-se com a utilização livre das métricas, e, por conseguinte, traçam certos ideais musicais, visto que se desprendem da estrutura formal a qual vinha sendo produzida a poesia brasileira.

Alinhado com Villa-Lobos, o escritor defendia que a pesquisa do folclore brasileiro deveria ser a principal fonte temática e técnica dos músicos eruditos – pelo menos daqueles que se propunham a criar uma música verdadeiramente brasileira. Dessa forma, ambos os autores ganharam notoriedade como os principais integrantes da Semana que vislumbraram um novo projeto de cultura nacional através da Música.

O folclore, na concepção mais ou menos uniforme desses autores, manifesta-se como o conjunto de relações que se originam de provérbios, histórias, danças e junção das religiões, além de elementos da música de rua. Não seria absurdo afirmar que, no fundo, a ideia defendida por Villa-Lobos e Mário de Andrade era a de que a cultura popular deveria ser o principal motor de identificação artística dos brasileiros, deixando em segundo plano as referências internacionais. Estendendo ao todo, essa também foi uma reivindicação dos demais modernistas.

Villa-Lobos demorou a ser consenso, e uma parcela da crítica interpretou as referências folclóricas de suas obras como apropriações; à época, esses críticos não estavam preocupados com as questões identitárias imprescindíveis a acusação, mas tinham o intuito de apontar uma falta de originalidade do compositor. Para Leopoldo Waizbort, professor do Departamento de Sociologia da USP, Heitor Villa-Lobos não incorporou apenas elementos indígenas em suas composições, mas também os defeitos de gravação registrados nos fonogramas. Dessa forma, não seria a música indígena que estaria sendo reproduzida, mas havia, sim, algo criado a partir dela. Aí encontra-se a originalidade: a partir de elementos folclóricos, obras totalmente novas foram concebidas.

No documentário Villa-Lobos: O Índio de Casaca (1987), dirigido por Roberto Feith e produzido pela Rede Manchete, Tom Jobim aparece reverenciando Villa-Lobos e demonstrando seu débito com o maestro. Nos trechos, Jobim relata os encontros que manteve com o compositor em sua residência, nos quais observava suas produções caóticas, sempre cercado por barulhos diversos – dos sons altos que saiam da TV aos músicos que ensaiavam na sala da casa. Não é difícil entender que, para Villa-Lobos, os ruídos internos e externos seguiam por caminhos diferentes, e, talvez, fossem unificados somente no resultado final de suas obras. Em seus últimos anos, Heitor Villa-Lobos consolidou-se como uma figura de importância na divulgação da Música, e seu projeto orfeônico de educação musical, iniciado ainda nos 1930, não terminou com sua morte.

As partituras de Villa-Lobos revelam que, além da preocupação com uma identidade nacional, mantinha-se uma inquietação quanto aos procedimentos que se tornavam acadêmicos, destituídos de significação para a música cotidiana. Um dos legados do maestro foi introduzir, na Música Clássica brasileira, uma ruptura, na qual foram promovidas ideias revolucionárias que, à época, soaram absurdas. Esse rompimento foi totalmente absorvido pelos movimentos contraculturais no Brasil, em especial o Tropicalismo. Seus ideais foram tão difundidos que é difícil não enxergar Villa-Lobos em toda a Música brasileira – ele está na MPB, na Bossa Nova, e até nos atos de revolta de bandas de rock nacionais (considerando, também, que o musicista possui uma extensa composição para instrumentos de corda, inclusive o violão). No entanto, a maneira mais fácil de prestar homenagem a Villa-Lobos é imaginar o quanto o Brasil teria sido mais pobre sem ele.

Em uma viagem à Europa, ao ser questionado sobre as influências folclóricas em suas obras, Villa-Lobos respondeu, impaciente: “Eu não uso o folclore, eu sou o folclore.” Essa afirmação aponta dois caminhos possíveis de interpretação: 1) como compositor brasileiro motivado pela criação de uma identidade cultural, sua própria história se entrelaça com a do folclore nacional, e suas obras podem ser vistas como continuações da cultura popular; 2) Villa-Lobos foi tão grande e inigualável a ponto de fazer, ele próprio, parte dos mitos que circundam o folclore brasileiro. Levando em conta o senso de humor característico do maestro e os motivos pelos quais refletimos sobre o seu legado 100 anos depois de sua apresentação na Semana de Arte Moderna, é bem provável que fosse a segunda opção.

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Raquel Dutra

O planeta Terra não era habitado por Marisa Monte quando este iniciava o ano de 2006 ao completar mais um ciclo ao redor do Sol. Depois de dar à luz ao fenômeno romântico filho de Vênus batizado de Memórias, Crônicas e Declarações de Amor em 2000, a jovem deusa da música pop brasileira se recolheu. Para bem longe do brilho, grandiosidade e tudo mais que envolvia a ideia de sua ascensão escrita nas estrelas, cuja concretização nesta galáxia lhe era prometida desde os anos 90, Marisa Monte passou seis anos orbitando o seu próprio universo. 

Dentro de seu sistema, a artista só permitiu a presença de objetos voadores identificados, o que fez com que aqueles anos não fossem de completo silêncio decorrente do vácuo espacial. No período entre a virada do milênio e o primeiro terço do século XXI, ecoaram por aí as ondas sonoras da estreia dos Tribalistas, supergrupo da MPB composto pelos amigos de longa data de Marisa Monte, Arnaldo Antunes e Carlinhos Brown, que consolidaram sua parceria estelar no disco autointitulado de 2002. 

Assim, o hiato de Monte ficou resguardado aos seus singulares voos solo. Mas quando sentiu falta do oxigênio da nossa atmosfera e finalizou a exploração de seu próprio cosmo, a astronauta da Música brasileira voltou. Como alguém que retorna de uma missão trazendo itens que servirão para quem ficou aqui compreender as descobertas de quem foi para lá, Marisa Monte aterrissou na Terra em 10 de março de 2006 com Infinito Particular em uma mão e Universo Ao Meu Redor em outra.

A primeira coisa que perguntamos para alguém que chega de viagem é como a experiência dela foi. Sendo assim, quando Marisa Monte se apresentou de volta através de sua dupla de discos lançados simultaneamente, ela ofereceu uma espécie de diário de bordo para os seus ouvintes através de suas primeiras canções, que também constituíam as faixas-título de cada álbum.

Infinito Particular comunicou as descobertas da artista em seu âmbito mais íntimo, somando-se às outras 12 composições inéditas que sustentavam o pop psicodélico do disco – o primogênito de 2006 por uma fração de segundos. Já Universo Ao Meu Redor introduziu um novo olhar de Marisa Monte para a Música que a cercava, com direito a chamada no rádio da espaçonave e a companhia de um generoso repertório de samba, cujas 14 canções misturavam autorais e regravações de grandes referências do gênero.

Mas obviamente, depois de conhecer as nebulosas e supernovas que deram origem ao seu mundo, Marisa Monte tinha muito mais a dizer. O público, por sua vez, diante do seu retorno celestial, também tinha muito mais a saber. Sem tirar a novidade dos discos que chegaram à Terra na velocidade da luz, boa parte das questões que giravam ao redor da artista naquele momento poderiam ser respondidas pelo seu próprio contexto e pelo seu próprio trabalho.

As razões para uma viagem tão intensa e extensa? Algumas secretas para a artista que habita Marisa Monte, e nenhuma surpresa para o público que a acompanha. Embalando a vida de uma mulher de ciclos, a carreira artística de Marisa foi consolidada apenas no novo milênio. Primeiro, a dupla MM (1989) e Mais (1991) apresentaram Monte ao Brasil e para fora dele; depois, Verde, Anil, Amarelo, Cor-de-Rosa e Carvão (1994) alcançou o clamor da crítica como um dos melhores álbuns não só de sua discografia como também de toda a Música brasileira. Tudo isso permitiu à artista inaugurar seu próprio selo musical, um ano antes de Memórias, Crônicas e Declarações de Amor colocá-la entre as mais vendidas do país.

Então, o que faltava à constelação de Marisa Monte depois de 2000? Autoria. Detentora de uma carreira que colocou os palcos na frente dos estúdios, a artista já era conhecida como uma intérprete extraordinária desde sua estreia em 1987 com a turnê Veludo Azul. A setlist do show produzido por Nelson Motta para divulgar o nome de Marisa pelo território nacional originou seu primeiro disco, composto por 15 faixas, das quais apenas uma era inédita. A decisão criativa não foi nenhum problema para sua capacidade de regravar canções clássicas da Música brasileira, e assim, o primeiro aspecto da identidade artística de Monte estava formado, aguardando para ser muito bem aplicado em seus próximos quatro álbuns. 

E o que orientava os movimentos de Marisa Monte no universo da Música brasileira? Suas (muitas) referências artísticas. A diva revelada no final dos anos 80 ostentava um repertório eclético em shows performáticos e teatrais, que destacavam sua versatilidade e maestria em qualquer papel que a Música lhe concedesse. Ao criar para si mesma muito mais experiências coletivas do que representações pessoais, e alimentar muito mais respeito pelas suas influências antes de trabalhar alguns de seus dons, a Música de Marisa Monte se aproximava da independência, mas ainda sentia a necessidade de desenvolver seu próprio sistema.

O conflito era do tamanho do mundo. E por isso é que a artista foi além da materialidade conhecida para compreender o que era seu ambiente artístico. Assim, Infinito Particular é Marisa conhecendo o seu âmago criativo, e Universo Ao Meu Redor é Monte aprendendo a lidar com suas referências. Quase como um conto bíblico que explica a origem de tudo, a deusa criou seu Universo Particular a partir do Infinito que existia ao Redor. Ali, tudo é perfeitamente coordenado: ela define muito bem o dia e a noite, a luz e a escuridão, o que compete ao ser humano e o que compete a natureza, qual criação domina qual ambiente e como cada uma delas deve existir dentro daquele cosmo.

É por isso que Infinito Particular foi o primeiro trabalho totalmente autoral em composições de Marisa Monte e que Universo Ao Meu Redor consolidou sua musicalidade tão aclamada e bem referenciada. A artista esteve presente em cada uma das letras que criaram o primeiro disco (também assinadas por, obviamente, Arnaldo Antunes e Carlinhos Brown, além de outros nomes como Pedro Baby e Nando Reis) e escolheu a dedo quem estaria junto dela para formar as canções do segundo (resgatando a presença de deuses e deusas da Música brasileira, como Dona Ivone Lara, Moraes Moreira, Paulinho da Viola e Argemiro Patrocínio). 

Nesse ínterim, ela foi do pop ao samba, esbarrando no rock, bossa nova, MPB e jazz, contando com a coprodução de Alê Siqueira no disco-infinito e Mário Caldato no disco-universal. Revisitando algumas épocas de sua carreira com composições antigas que ainda não haviam sido gravadas, e estabelecendo contato direto com sua gênese artística, Marisa Monte se encontrava imersa em Música. E aproximando as características contrastantes dos álbuns-siameses pela última vez, a coesão magnética de Infinito Particular é o principal nó do mundo musical de Marisa Monte, frente à vibração espontânea que coloca o apreço de Universo Ao Meu Redor antes de seu irmão gêmeo.

A autoconsciência de Infinito Particular é tudo o que Marisa Monte sugere no primeiro verso da faixa-título que abre o disco. “Eis o melhor e o pior de mim”, ela inicia a apresentação de seu mundo com um tremendo suspense. Dançando em um instrumental curioso e convidativo mas hesitante e nada dócil, a letra mestra de Marisa Monte é ecoada num contraste denso, surrealmente combinado com a rarefação de sua voz em um ambiente quase inóspito. Ela brinca com os seus elementos, e na melhor das sinestesias, a imagem que se constrói para a trilha da canção é a de uma deusa que livremente compõe sua criação.

No entanto, ao ouvinte irresistivelmente atraído pela sua gravidade, Marisa Monte confessa alguns segredos e afasta qualquer ideal metafísico que poderia comprometer seu compromisso com a humanidade (“Eu sou daqui, eu não sou de Marte”). Quando a intimidade parece profunda demais, ela não desiste de buscar a companhia de outras formas de vida nem na última estrofe (“Vem cá, não tenha medo”), e nunca falha em manter os tripulantes cientes das consequências de adentrar aquela atmosfera, avisando que ali, a realidade existe de uma forma diferente: “Só não se perca ao entrar no meu infinito particular”.

Mas uma vez imersos no universo de Marisa Monte, a perdição é a lei mais natural e o crime mais recompensador. O magnetismo anunciado dos sintetizadores que domina a sonoridade de Infinito Particular, combinado à densidade prometida das composições que rumam o disco, confunde a bússola do melhor dos exploradores. Atenta e generosa como toda boa figura divina, a artista aponta uma referência para orientar as testemunhas de criação no verso que anuncia um de seus maiores sucessos: “Há um vilarejo ali”.

Numa delicadeza que parece o pisar no solo de Saturno mas valendo-se da força rochosa de seus anéis, estamos na segunda faixa do disco, que já afirma a mais valiosa descoberta de Infinito Particular: a Marisa Monte compositora. Vilarejo a revela numa ponta de crítica social, cuja realização só pode partir de uma aluna exemplar da MPB. Afinal de contas, flores enfeitam os caminhos, os vestidos, os destinos, e essa canção, que compreende uma das principais lições de Elis Regina ao tomar o sonho como um aliado na missão de transformar a realidade.

Assim, ela cria um Levante numa deslumbrante influência de jazz que ironiza a cidadania passiva – também conhecida como uma das principais características da nação brasileira –  com apenas uma expressão: nada demais está acontecendo aqui. A canção, que soma Seu Jorge na composição dos Tribalistas, prepara o caminho para a próxima parada na viagem interestelar de Marisa Monte, apresentando em Aquela o que pode ser compreendido como uma de suas essências mais marcantes: uma espécie de bossa nova 00’s que faria o olhar de Tom Jobim brilhar. 

Ela é leve ao cantar “aonde me levar a minha voz, eu vou”, munida de uma determinação artística que não fica só na produção ambiciosa, mas se estende à letra de uma Marisa Monte certa do que faz. É assim também quando ela canta O Rio, em toda a musicalidade etérea proposta por Infinito Particular, que dedica uma atenção especial para encontrar matérias reais e universais dentro dos elementos abstratos e pessoais.

Enquanto um lado de Infinito Particular é iluminado pelo Sol, o outro está numa escuridão que permite apenas os feixes de luz da Lua. Lá, a assinatura sonora de Infinito Particular aparece de novo nos sintetizadores hedonistas de A Primeira Pedra. A canção reproduz uma melodia de fundo que soa quase como uma resposta à primeira faixa do disco, e ao invés de destacar os mistérios de Marisa Monte, ela traz a resolução de alguns deles. E quem ousaria dessas vozes duvidar?

A essa altura da exploração de Marisa Monte, vale lembrar a teoria da composição de um universo: atualmente, a astrofísica acredita que a matéria comum constitui apenas cerca de 5% do cosmo, enquanto 25% dele é preenchido por matéria escura e os outros 70% por energia escura. E se a premissa era compreender seu Infinito Particular, a cosmonauta conseguiu encontrar a potência que preenche boa parte da seu espaço sideral. Ela está em Pernambucobucolismo.

Curiosamente, aqui é a localização do conglomerado musical que mais se difere do resto do álbum, e também marca a origem da vibração que mais expressa o desejo de Marisa Monte em criar um movimento. Em perfeita harmonia com as leis da natureza, a canção coloca a dona do universo em tudo: na composição da letra, dividida com o amigo Rodrigo Campello, e na produção sonora, que fica apenas entre a liderança do groove de seu baixo e a percussão de Dadi Carvalho.

Ao contornar o buraco negro de seu disco, Marisa Monte relata a experiência de sucumbri à sua própria densidade: “quando me dei por mim, já estava aqui”. Na confusão dos eventos de um espaço-tempo distorcido, a décima primeira faixa de Infinito Particular mistura todos os componentes do disco: as modulações do teclado, o pop sintético, o groove grave, a referência acústica da MPB e a composição psicodélica da letrista. Como? A resposta está no nome da canção: Aconteceu. 

De volta às lições da astronomia, o que a concentração de energia procura saciar é sua ânsia por luz. Assim, o lugar mais obscuro e perigoso do universo de Marisa Monte usa seus últimos minutos em atividade para extrair toda a iluminação possível de Infinito Particular. Porque a última música do disco transita a harmonia universal? Os astros explicam, enquanto Pelo tempo que durar flutua em notas lançadas como foguetes da base das últimas oitavas do piano, numa operação pacífica orientada pelo violão melodioso que identifica a canção mais onírica da seleção.

Mas mesmo estando em acordo com as ordens do céu, o que Marisa Monte faz ao fim da fase mais intensa e profunda de sua missão de exploração é um mistério do autoconhecimento. Ou nem tanto assim, já que ela também cria os meios necessários para seu acompanhante entender as conclusões de Infinito Particular: a capacidade de manter-se sã diante das ocorrências é o triunfo de confiança que honra quem se arrisca a compreender o próprio mundo.  

Quando chegamos no território já estudado de Universo Ao Meu Redor, a nova etapa da viagem de Marisa Monte não mais estava à mercê do desconhecido. Isso é o que a artista faz questão de postular na faixa-título do segundo disco, cantando que já não se sente mais só confiante de responsabilidade em reportar as novidades. O samba leve composto pelos Tribalistas nos coloca num planeta mais seguro à vida humana, onde o clima é mais caloroso e podemos tocar os pés no chão, sem a preocupação com o que se passa lá no alto do céu, mas autorizados a observar o microcosmo.

A paz proposta pela segunda-primeira-canção embala o caminho até O Bonde do Dom, cuja levada malandra quase traz de volta a pulsão extraterrestre, que tenta saudar a humanidade através dos traiçoeiros sintetizadores escondidos em efeitos de transição. Mas o foco em Universo Ao Meu Redor não é mais a exploração do que pode existir além do infinito, e sim a observação da boa finitude do mundo que já conhecemos. 

Desta forma, Marisa Monte contempla a fauna pela ótica da composição lúdica de Jayme Silva em Meu Canário, a linguagem através do romance de Moraes Moreira em Três Letrinhas e o romance na marcha do jazz de Quatro Paredes. A artista também interrompe o curso de Universo Ao Meu Redor para apreciar a própria vida do gênero reverenciado no disco entre as harpas de Perdoa, Meu Amor. E quando o desejo é olhar para as cidades e seus monumentos, ela faz isso junto de ninguém mais ninguém menos que David Byrne em Statue Of Liberty.

Mas como todos que bravamente não desistiram da exploração espacial já sabem, nem só de matéria e ordinariedade se forma o Universo. Lá pra metade do disco, no momento em que Marisa Monte olha com mais atenção para ser humano, ela identifica o Cantinho Escondido que guarda algumas das nossas dores emocionais. O samba é aparentemente inofensivo com o objetivo de amansar a saudade, a ira, o rancor, a decepção, o arrependimento e a revolta que são nomeados na leveza do kalimba de Marisa. Desta forma, quando chegamos em Lágrimas e Tormentos, o processo de cura sentimental escrito por Argemiro Patrocínio é verdadeiramente pleno.

Se fora do Vilarejo nem tudo são flores, as Pétalas Esquecidas de Dona Ivone Lara trazem ao solo local duas memórias através do timbre de Marisa Monte: o veneno amargo que flui da arrogância do homem, e a erosão que a paixão destrutiva pode causar. E falando de ações antrópicas, a presença de Adriana Calcanhotto cria um temporal que faz o céu cair em Vai Saber. Onde existir um fenômeno da natureza é onde Marisa Monte estará, e a canção é o ápice do disco que reafirma a intérprete de Universo Ao Meu Redor. 

Ao fim de todas as observações, explorações e experimentações, a conclusão de Marisa Monte é regida em A Alma e A Matéria – lembra da composição do universo? -. Entre o plano físico e o espiritual e perfeitamente de acordo com as leis do universo, ela mais uma vez organiza a criação: “Vem pra esse mundo, Deus quer nascer”. O ouvinte, no entanto, não pode mais contar com a hesitação convidativa de Marisa Monte. Agora, ela revela em Satisfeito sua independência e chega ao destino final almejado por Infinito Particular e Universo Ao Meu Redor, entendendo o que significa ser um sistema por si mesma e compreendendo como viver em harmonia com a vastidão à sua volta.

É fato que nas descobertas de Marisa Monte o tempo passa de uma maneira diferente do que conhecemos e o espaço não se constrói da forma como estamos acostumados. Mas o Infinito não temeu nenhuma experiência e o Universo foi certeiro em todas as orientações. Aqui é só mistério, não tem segredo. Você também não está só e o mundo é portátil, mas só para quem não tem nada a esconder. O 15º ciclo ao redor da órbita de Marisa Monte se completou e sua cosmologia continua em expansão. Parabéns para você que permaneceu nele até aqui e olá para você que acabou de chegar para o próximo.

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Não há medo mais apavorante do que o da solidão. Construímos nosso entendimento de mundo baseado em nossas conexões afetivas e, logo com a chegada da vida adulta, nos deparamos com a instância de trilhar um caminho tortuoso por conta própria. Nesse temor pelo desconhecido e por não pertencer, Machado, Lay e Lio – ou Tuyo, como os conhecemos juntos – encheram sua casa de gente, para não se sentirem sozinhos. Diante disso, Chegamos Sozinhos em Casa, o novo projeto artístico da banda, imerge na psique de seus integrantes, explorando o instante em que essas pessoas voltam para onde vieram, ou criam seus novos espaços, e o que sobra da gente quando, enfim, estamos sós. 

Chegamos Sozinhos em Casa é uma aposta ambiciosa por parte da Tuyo, que distingue-se de qualquer coisa que já fizeram, ainda que continue respirando a personalidade artística que os formaram até o presente. Um projeto transmidiático, construído no entorno de quase dois anos, e lançado pelo período de pelo menos um semestre. Consistindo em dois álbuns, que se unem em uma versão Deluxe de 19 faixas, lançada em conjunto com Chegamos Sozinhos em Casa – Fragmentos, uma série documental de oito episódios publicada no YouTube. Havia muita história para ser contada, e não é de se surpreender que a banda, que jamais poderia ser reduzida a um nicho musical, chamou a atenção no mundo inteiro. O ápice disso foi em setembro deste ano, quando eles receberam sua primeira indicação ao Grammy Latino, pelo Volume 1 do disco, em Melhor Álbum de Pop Contemporâneo em Língua Portuguesa.

Performances em eventos estrangeiros, reconhecimento em grandes veículos da imprensa internacional, indicações em premiações enormes; Tuyo já é pop, furou a bolha da cena independente, e agora passa a ocupar espaços que não poderia alcançar antes. Porém, ao mesmo tempo que se permitem celebrar tais conquistas, elas não são fáceis de lidar para os membros da banda. “[Eu tenho a impressão que] nenhum de nós, nem os nossos iguais, foram autorizados por alguém”, diz Lio, no primeiro episódio da série Fragmentos. “Parece que tinha uma parte da cerca que estava aberta, e a gente começou a passar”. E isso torna-se evidente quando, por exemplo, percebe-se que, na categoria em que foram indicados no Latin Grammy Awards, Lio, Lay e Machado são os únicos artistas pretos.

Devido a isso, o álbum passa, em várias ocasiões, por um lugar de questionamento e hesitação, do receio que dele surge, na necessidade de confrontar um trajeto ainda inaugural e o seu destino final. Neste caso, trata-se da individualidade, do olhar para dentro, que, para a Tuyo, também é uma vivência muito nova. Usufruir da solidão e do prazer de estar só é um privilégio e uma condição elitizada. Afinal, para quem precisa constantemente se preocupar em sobreviver, pouco espaço sobra para pensar sobre o que isso significa. Nesse sentido, Chegamos Sozinhos em Casa reflete sobre o momento em que, após muita construção, essa experiência passa a atravessá-los, e como ela os afeta, eles vindo de onde vieram.

É curioso, portanto, que um projeto que comenta tanto sobre um processo individual e particular também seja o primeiro que a banda compõe em conjunto, em um espaço compartilhado, ao invés de seus discos anteriores, em que as faixas nasciam a partir de construções mais individualizadas. O resultado disso é um processo que nasce de fora para dentro. Uma produção coletiva, mas que, por fim, se reduz a um estudo íntimo e um mergulho nas singularidades de cada uma das partes que compõem o que conhecemos como Tuyo. Cria-se um processo de desvencilhamento, para que, finalmente, eles possam se reencontrar em seu estado cru e pleno.

Posto isso, Fragmentos se torna uma ferramenta de enriquecimento desse processo. A série documental apresenta diferentes interpretações de Chegamos Sozinhos em Casa. Primeiro, sobre o conceito geral do disco e, mais tarde, sobre canções específicas. Contudo, de jeito algum eles pretendem explicar sua obra e restringi-la a apenas uma leitura. Pelo contrário, os três constroem identidades únicas, separadas uns dos outros, e trazem suas perspectivas individuais sobre o trabalho, que se chocam e entram em divergência o tempo todo. E eles estão cientes disso. Não só cientes, como também prezam por essa dissonância. 

“Tá tudo dito lá, dentro do disco. Mas às vezes as pessoas querem entender os desdobramentos das metáforas, porque hoje parece que não basta a metáfora. Ou talvez ela nunca tenha bastado.”

– Lio

Isso se comprova na tracklist quando, apesar de partirem de uma composição coletiva, várias músicas irão focar em vivências e relatos próprios de cada um dos integrantes. Vitória Vila Velha trata sobre a cidade natal de Machado e a saudades que ele guarda daquelas memórias, e O Que Você Diria Agora comenta o ressentimento e a raiva que ele construiu pelo pai. Pronta Pra Cair e Turvo versam sobre a autoestima da Lay, e como isso reverbera em sua autoimagem, ganhando camadas ainda mais profundas e multiformes em Fragmentos. Enquanto O Jeito É Ir Embora e Tem Dias abordam experiências muito pessoais de Lio sobre amor e desvencilhamento, em suas mais variadas formas.

Acompanhamos o trajeto emocional de Tuyo. Porém, o que encontra-se no final dessa estrada? Eles chegam aonde? Para quem foi definido a vida inteira por uma falta de identidade, pelo não-pertencimento, esse lugar não existe. A alternativa, nesse caso, é munir-se dessa designação, ressignificá-la e torná-la tangível. Aqui, Tuyo transforma o não-lugar em conceito, e se apropria dele como uma identidade totalmente nova. Se lhes foi negado o direito de pertencimento, o que restou a eles foi pavimentar essa estrada do zero.

Um exemplo é Fragmentos, que está na limiar de inúmeros gêneros do audiovisual. É documentário? É drama? É performance ao vivo? A série não se preocupa em definir isso, e a direção de Laís Dantas brinca o tempo todo com os formatos que dispõe. Ora ela irá usar uma proporção de câmera cinematográfica, com planos longos e contemplativos, ora ela irá explorar uma estética nostálgica de videotapes noventistas, com as imagens de bastidores. Não há limites criativos para a produção, o que torna assistí-la uma experiência envolvente e nunca monótona.

Para isso, a banda procura no passado as inspirações e influências que os moldaram no passado, a fim de compreender o presente e vislumbrar o futuro. Toda a discografia do projeto é uma amálgama das referências que formaram a sonoridade do que é hoje sua música. A Tuyo nunca se limitou pelas restrições de um gênero musical específico. Seja folk, jazz, hip-hop, indie ou MPB, eles sempre souberam bem como apanhar os melhores elementos de cada estilo e transformá-los em um som novo, mais próximo de como se enxergam e do que almejam comunicar artisticamente. Então, misturando beats com instrumentos acústicos, Chegamos Sozinhos em Casa extrapola esse experimento estético como nunca antes.

Em diversos momentos, parece haver um exercício ativo da banda de sair da sua zona de conforto. É o caso de Sonho da Lay, um dos singles de divulgação do Volume 1. Trata-se de uma viagem cinematográfica entre os devaneios emergidos na mente de Lay, refletindo sua inquietude e vontade de desaparecer. A estrutura da faixa é de uma legítima música eletrônica, com uma construção de ambiente minuciosa no verso, para então elevar-se à uma grande catarse instrumental. É uma faixa marcante, com uma identidade própria, totalmente diferente de tudo que a Tuyo já fez, mas que ainda carrega em si a essência do trio. Já entre as referências que citam terem sido cruciais para a concepção do disco, estão Marília Mendonça, Kamasi, The Internet, Linkin Park, Kirk Franklin e outros artistas que, à primeira vista, jamais poderiam ser fundidos. 

Além disso, essas inspirações ultrapassam o plano das ideias e se manifestam nas colaborações vocais, que não eram do feitio da banda em projetos solo. Desde os versos melodiosos e envolventes de Luccas Carlos, Lenine e Drik Barbosa, os backing vocals leves, mas poderosos de Jaloo e Lucas Silveira – que também é creditado na produção do projeto –, e as rimas fortes e contundentes da lenda Kamau, até os arranjos únicos que RDD, Jonathan Ferr e Shuna (da Yoùn) oferecem, nas respectivas faixas que assinam. Todos são pessoas abertamente presentes na vida dos três integrantes, e os auxiliam a pincelar as arestas de sua Música.

Tuyo também olha para o passado de maneira mais prática. Chegamos Sozinhos em Casa versa sobre os trabalhos passados da banda, reinterpretando sua mensagem. Pra Curar, o exemplo mais explícito, recebe o nome do primeiro disco de estúdio do trio. Porém, ao contrário do que se imaginaria, a música se coloca quase como uma sátira de seu antecessor. Se o álbum de 2018 procura encontrar esperança em um ambiente de dor, compreendendo que o caminho para alcançar a cura não é fácil, a canção de 2021 se posiciona em um contexto catastrófico, de completa desilusão, e abraça essa angústia. O refrão, que repete o mantra “nenhuma dor é pra curar”, atesta o que Lio afirmou para a Rolling Stone, logo depois do lançamento do primeiro volume: “às vezes tem processo que dói e só dói, é dor pela dor mesmo”.

O movimento de revisitação proposto aqui passa, igualmente, por um território metalinguístico. Em todo episódio de Fragmentos, a banda apresenta um setlist diferente das músicas do disco, reinterpretadas e rearranjadas. O primeiro episódio chega com os dois pés na porta, entregando uma versão refrescante das principais faixas de Chegamos Sozinhos em Casa, em uma estética escancaradamente afrofuturista, bebendo do house, dance hall e EDM no melhor estilo KAYTRANADA. Outros episódios também retomam momentos anteriores da carreira da Tuyo, como no sétimo, quando eles performam as canções inolvidáveis da Simonami, projeto musical anterior que Lay, Lio e Machado fizeram parte, ou no sexto, em que o trio interpreta remixes de algumas de suas músicas, dando outra cara a elas e uma autenticidade ímpar.

Compreender o lançamento dividido em dois volumes também é fundamental para assimilar o que aspira o projeto. “O primeiro volume está condensando uma demarcação bastante territorial. A gente abre o disco falando de memória, de origem, com ‘Vitória Vila Velha’, cidade natal do Machado. E, seguimos falando sobre retornos, partidas, chegadas, reencontros… o segundo volume concentra um outro aspecto menos pragmático desses ritos contemporâneos”, comenta a banda, em entrevista para o site Nação da Música. Mesmo que ambos os volumes se oponham e inclusive se contentem sozinhos, quando se unem, alcançam a proporção exata que esse trabalho pedia.

Visto isso, em questão de temática, Chegamos Sozinhos em Casa é repleto de contrastes. O exemplar mais forte musicalmente são as duas colaborações de Jonathan Ferr no álbum. Ambas finalizam os dois volumes e são essencialmente instrumentais. Ao passo que Toda Vez Que Eu Chego Em Casa é de longe a mais longa da tracklist, introduzindo pacientemente cada um de seus elementos e transmitindo uma energia lúdica e doce, Pouco Espaço exala uma sensação constante de claustrofobia. Ela é frenética, urgente, e grita uma necessidade de se libertar, ainda que essas amarras não tenham uma definição clara.

Essa oposição também se manifesta em nível emocional. Ao relatar seu processo agridoce de amadurecimento, a Tuyo não tem medo de expor essas emoções da maneira mais sincera e verdadeira possível, seja em suas boas ou más fases. Se Tem Dias e Do Lado de Dentro compreendem uma perspectiva mais positiva, reafirmando o amor e o autoamor, e entendendo como tal amor molda nossa percepção do outro, Abismo – faixa extra da versão Deluxe –, Fracasso e Hoje Eu Quero Chorar aceitam a melancolia, se fundem à dor e a assumem como parte de si. O projeto nunca confina esses pontos de vista em ideias superficiais de bem e mal, apenas os entende como sentimentos complexos e parte de um processo que muitas vezes vai muito além da nossa compreensão.

O contraste nasce não só na ambiguidade do sentir, mas também na necessidade de se diferenciar do outro. Lio aborda isso mais assertivamente no quarto episódio de Fragmentos: “Parece que, não importa o que a gente tava escrevendo, a gente tava falando sobre isso. Sobre a vontade de desenhar na gente um contraste entre nós e o que acontecia ao nosso redor”. O apogeu disso é Turvo, provavelmente a peça de maior impacto de Chegamos Sozinhos em Casa. O ‘turvo’ do título parece se referir ao momento em que você cria uma dependência tão grande sobre quem te rodeia, que o limite entre o ‘ego’ e o ‘outro’ se confunde, ao ponto de que encontrar o ‘eu’ ali torna-se quase inconcebível. Dessa forma, a faixa – e todo o álbum, em certa medida – retrata o desespero para, nesse cenário, se localizar em si e encontrar autossuficiência.

Chegamos Sozinhos em Casa é sobre várias coisas, e delimitar seus significados é uma tarefa impossível. A própria Tuyo não conseguiu, ainda menos uma crítica como essa. Contudo, no fim das contas, esse é o atestado da grandiosidade do projeto. O trabalho que a banda construiu é mutável, se molda ao prisma de quem ouve e se imortaliza no coração de quem o sente. E isso também afeta a percepção de quem deu vida à obra. Fragmentos narra várias situações em que algum dos três membros tiveram uma epifania sobre o sentido íntimo de uma canção, geralmente despertado por um elemento externo. É o caso de Lay com Turvo, quando uma amiga traz à tona a questão da solidão da mulher negra, alterando completamente a ótica com que ela enxergava a música. E, agora, com essa perspectiva sendo exposta em tela, alterando a nossa também.

Um tópico que sempre foi reforçado pela banda, desde o anúncio do Volume 1, foi a busca por democratizar a sua linguagem e expressão artística. De tornar acessível temáticas densas e difíceis, sem que elas percam sua dimensão e profundidade. E pode-se dizer que, nesse projeto, ela a alcançou. Desta vez, eles partem de uma premissa resoluta – discutir crise de identidade, e o amadurecimento que vêm com a fase adulta – ao mesmo tempo que é hermética e tridimensional. Não abandona seus floreios e lírica poética, mas sempre trata seus temas com firmeza e ternura. A Tuyo já conquistou o coração dos ouvidos que passou, e sua mensagem se expandirá cada vez mais e mais, com a validação de uma premiação internacional – já conhecida pelo histórico problemático de suas decisões – ou não.

De todo modo, pode-se dizer que Chegamos Sozinhos em Casa procura beleza na solidão. Entende que amadurecer implica que certos laços sejam desatados, para que espaços novos sejam abertos. Que é necessária a construção de um espaço particular, para que possamos nos entender como indivíduo único, dotado de autoestima, que se ama e que se basta. Mas também compreende a importância de quem nos acompanha para que esse processo de autoconhecimento ocorra – de quem segura nossas pontas até que possamos levantar voo sozinhos. Para a construção de um vínculo saudável, distinguir-se do outro é primordial, pois é apenas se encontrando que podemos encontrar a quem nos cerca. E é assim que Lio parafraseia Machado, na frase que sintetiza o núcleo emocional do disco: “Eu acredito que a casa onde a gente chegou foi um no outro”.

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Gabriel Leite Ferreira

No princípio era o beat. O primeiro aperitivo que o público teve da nova fase de Juçara Marçal foi em uma live, no dia 7 de abril de 2021. Como parte de um ciclo de transmissões que o Metá Metá fez naquele mês, Juçara veio à frente só, munida de samplers, percussão, piano e voz. Mais uma ruptura em uma carreira repleta de rupturas. Iyalode mbé mbé, a última faixa de Delta Estácio Blues, lançado em 30 de setembro, já marcava presença.

Meses depois, o que era expectativa se transformou em assombro. Crash, única música divulgada como single, tem as percussões características da live junto de um rap venenoso assinado por Rodrigo Ogi e cuspido com autoridade por Juçara. É a lógica do hip-hop interpretada por uma artista que não faz parte do movimento, mas também se nutre dele. “Eu não sou rapper”, ela afirma em entrevista ao site da Casa Natura Musical. De novo, a ruptura.

O que já é de se esperar, em se tratando de Juçara Marçal. Encarnado, a estreia solo lançada em 2014, é uma bomba que distorce o formato canção sem usar instrumentos percussivos  —  a guitarra, o cavaquinho e a rabeca se combinam em um quebra-cabeça ruidoso onde a voz se encaixa e destaca. Ao passo que, como bem apontado na entrevista para o podcast da revista Bravo, Delta Estácio Blues é todo beat, ritmo, graves.

Ainda que a cantora tenha participações em álbuns de rap (Nó na Orelha e Convoque Seu Buda, de Criolo, e RÁ!, de Rodrigo Ogi) e de outros tipos de Música eletrônica (Anganga, composto e gravado com Cadu Tenório, e Rocinha, de Mbé), Delta Estácio Blues representa um novo mergulho em outras possibilidades de composição. Ao lado do parceiro de longa data Kiko Dinucci, que produziu o disco, Juçara entrou de cabeça nos samplers e softwares de edição de áudio para dar forma a um trabalho radicalmente acolhedor.

As bases de Delta Estácio Blues vêm de “cacos”, termo que Juçara usa para caracterizar os diversos samples que ela e Kiko usaram para compor as faixas. Vi de Relance a Coroa abre os caminhos evoluindo a partir de três batidas para uma paisagem sonora ao mesmo tempo familiar e incômoda. Os glitches se espalham pelo instrumental como a “fuligem de brilho tão real” do Reis Malunguinho, entidade afroindígena mencionada na letra assinada por Siba.

O resto de familiaridade do disco se dissipa no momento em que começa Sem Cais. Quando o “mar agitado nas praias de ultramar” toma conta da música, nós, ouvintes, somos impelidos a navegá-lo sem os rótulos e gêneros musicais como “boias para nos salvar”. A sequência de faixas possui as bases eletrônicas como fio condutor, mas o que Juçara e Kiko inventam é de uma versatilidade tão distinta que restringir Delta Estácio Blues a um só fio é desperdício.

A faixa-título, inclusive, talvez seja uma síntese adequada da proposta apresentada aqui. A letra de Rodrigo Campos reimagina a história do mitológico Robert Johnson, figura imprescindível para a história do blues e do rock. Segundo a lenda, Johnson era um violonista comum até fazer um pacto com o demônio para adquirir habilidades sobre humanas no instrumento. 

Mas, nesta terceira canção, Robert Johnson na verdade faz um trato com Bide, Baiaco e Ismael Silva, sambistas do bairro carioca Estácio de Sá, berço da primeira escola de samba do Brasil. Em apenas uma estrofe, duas tradições musicais são fundidas e a estética onívora de Delta Estácio Blues se assume, também, política: é preciso sempre reafirmar o pioneirismo radical das populações negras e periferizadas no samba, no blues, no rock, no rap; o que não significa responder a apenas uma dessas tradições, mas criar novas possibilidades a partir delas: “Delta Blues Mississippi cultua um novo deus”.

Talvez por isso Delta Estácio Blues tenha pouco de tradicional. Os instrumentos eletrônicos são manipulados de um jeito que faz com que a desorientação se torne o fundamento da audição inteira. Faz sentido um rap como Crash suceder os breakbeats e graves deslizantes de Ladra  —  e fazer isso sem cerimônia, sem preparo, com o sample fragmentado já de cara dando contorno a uma nova paisagem sonora. 

Dirigido por Ana Júlia Theodoro, o videoclipe de Crash traduz essa fragmentação com uma sequência frenética de imagens simultaneamente cotidianas e insólitas: crianças mascaradas correndo, um homem fazendo a sobrancelha ao ar livre, um balão no céu. A velocidade dos cortes da edição se sintoniza com o flow e a voz ríspida de Juçara e, mais do que isso, passa uma sensação parecida à jornada de Delta Estácio Blues.

O acolhimento radical é ainda mais palpável na segunda metade do repertório. Especialmente em Baleia e Lembranças Que Guardei, que usam a imagem da profundidade para passar mensagens mais subjetivas, semelhantes às letras de Encarnado. As referências à pós-modernidade (“Deixa ela dançar na minha tela” em Baleia e o uso do autotune em Lembranças Que Guardei) dão uma dimensão particular a elas.

Entre as duas, La Femme à Barbe e Oi, Cat, versões para Brigitte Fontaine e Tantão e Os Fita, respectivamente. A jornada se aprofunda ainda mais, o tom duro de Crash volta à voz de Juçara Marçal e a sensação é de terra arrasada. Ao final de Oi, Cat, o sample do comício da Central do Brasil proferido por João Goulart às vésperas do golpe militar de 1964 reforça o desconforto.

Delta Estácio Blues, então, chega ao fim com o samba torto e nostálgico Corpus Christi e o oriki Iyalode Mbé Mbé, encerramento-acalanto da fonte inesgotável que é o segundo álbum solo de Juçara Marçal. Um conjunto de faixas que apontam inúmeros caminhos, ao mesmo tempo, dentro e fora de tradições. Uma invenção que só poderia ter sido batizada com um nome próprio, único e peculiar: Delta Estácio Blues.

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Leticia Stradiotto

É impossível não gostar da Lagum. A chegada da banda ao mundo da Música começou em 2014, em Belo Horizonte, Minas Gerais, e desde então, os mineiros ganham cada vez mais destaque. A origem foi dada pelo Facebook, com um vídeo da composição de uma canção do vocalista Pedro Calais. Nisso, um amigo promotor de eventos incentivou a criação de uma banda. Amém. Atualmente, o grupo conta também com os integrantes Chico, Jorge e Zani, depois do falecimento do baterista Tio Wilson em 2020, que deixou muitos sons para os fãs. Apesar da perda enorme, a banda cresce cada vez mais e inova o estilo de som brasileiro com muita alegria.

Sem um gênero musical especificado, o som da Lagum é definido como quando o rock’n’roll decidiu ir à praia de skate ouvindo reggae. É difícil de entender, mas basta escutar e tudo faz sentido. A música tem feeling e existe para te acompanhar. Pular do sofá, ir pro mundo, vadiar, conhecer gente nova, viver amores, se decepcionar com os amores e por fim, criar uma coleção de momentos inesquecíveis.

Em 2016, o primeiro álbum da Lagum foi lançado. Ainda em forma de CD, o som era conhecido apenas pela turma que frequentava os bares e eventos em que a banda participava, ou seja, era bem restrito às regiões mais próximas. Felizmente, agora as músicas estão disponíveis nas principais plataformas. De maneira simples, o nome do disco traz toda a essência do grupo. Seja o Que Eu Quiser é para quem curte a vida e, obviamente, gosta de ser o que quiser.

Para os amantes de um bom rock brasileiro, é possível notar a presença de influências externas muito importantes no álbum, como o conjunto Charlie Brown Jr.. Realmente, o vocalista Pedro Calais tem grande admiração e já realizou até uma live em homenagem a banda. E sejamos sinceros, quem não curte CBjr? Seguindo essa base, já dá para esperar muita coisa boa vindo da Lagum.

Após 5 anos de lançamento, Seja o Que Eu Quiser, apesar de ser o início dos trabalhos da banda, é um disco espetacular e super atual. A escolha da primeira faixa do álbum não poderia ser outra, pois Pra Lá de Bagdá faz parte daquela lista de músicas que te dão uma enorme vontade de viver e enfrentar os problemas da vida. O som é sobre a liberdade, e em conjunto com a voz de Pedro Calais e as guitarras de Jorge e Zani, não existe outro sentimento se não o de ser “livre, pra fazer o que eu tiver afim”.

Transante tem gingado, com uma mistura de efeitos scratch no disco (muito utilizado por DJs). A letra é sobre aquela paixãozinha do começo de um relacionamento. Porém, esse detalhe passa totalmente despercebido, afinal o ritmo da banda é tão contagiante que a música também é ótima para os desapegados. Seguido por Fifa, com um tom mais calmo, que retrata aquele sentimento sereno de acabar de conhecer alguém e já querer levar pra vida toda.

Lagum é sobre sentir. Ambas as músicas, Transante e Fifa, possuem a mesma letra perto do encerramento. As últimas frases são iguais, mas as sensações de cada uma, em cada obra, são extremamente diferentes. Transante emite um sentimento de desapego e tranquilidade,  enquanto em Fifa é um conforto, é saber entender as mudanças e conviver com elas. E isso é muito f*da!

O álbum também realiza um movimento de abrir a janela e apreciar os momentos da vida, que é tão efêmera. Último dia foi escrita pelo baterista Tio Wilson, e essa foi um dos legados mais bonitos que ele deixou para os fãs e futuros ouvintes da banda. É incrível a maneira que a realidade e a composição se encaixam perfeitamente. O resultado é uma das lembranças eternas do baterista recheada de carinho e incentivo para ser o que você quiser sempre.

Aos ansiosos de plantão, 2026 demonstra que você não está sozinho. Acompanhado de uma pegada mais pesada do rock’n’roll, o som dá grande destaque aos jovens que piram de tanto pensar no dia de amanhã, ou melhor, em agosto de 2026. Agora em 2021 com a quarentena, todo mundo está louco pra sair de casa, né? Então, Sei Lá te dá um abrigo, e com um groove puxando um reggaeton fica evidente o desejo de sair da rotina e curtir um pouco o mundo.

Olha foi escrita pelo vocalista Pedro Calais a partir de uma briguinha boba de banheiro de festa. A letra retrata que curtir a vida, passear e conhecer gente nova é legal, mas na realidade nem tudo são flores. De qualquer forma, a faixa contém uma vibe acolhedora com um som de gaita delicioso. E no fim, aprender a lidar com os problemas da vida escutando Lagum, isso sim, são flores.

Acompanhando o álbum inteiro na íntegra e agora chegando ao final, é fácil pensar que não tem como ficar melhor, mas estamos enganados. A última faixa vem para surpreender e dar aquele gosto de quero mais. Sem Hora inicia com um solo do baixista Chico junto com os guitarristas Jorge e Zani com uma entrada extremamente expansiva. É complicado definir o som, é o rock do jeitinho da Lagum, e assim, Seja o Que Eu Quiser se encerra totalmente dedicado a quem ama viver.

O álbum é sobre uma vida cheia de liberdade e contém músicas para ouvir a qualquer hora, seja viajando, curtindo a vida, tendo um dia ruim ou até mesmo como forma de se declarar para alguém. É interessante perceber que cada vez mais o papel da Lagum no som brasileiro ganha destaque, não apenas porque eles oferecem música boa, mas também porque oferecem sensações aos ouvintes, e é isso que dá a originalidade característica da banda.

Seja aquela vontade de ofender alguém em um lindo dia, ou só fazer o que estiver afim. Viver mais momentos reais e deixar a gratidão registrada. Não é preciso muito, uma gaita pra trocar, uma gata pra abraçar, fazendo um som, um reggae no rock, sei lá. No filme da vida, não existe melhor soundtrack se não Seja o Que Eu Quiser.

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Victoria Malara

Também conhecida na internet como Clapivara, a cantora Clarissa Müller percorreu diversos caminhos para chegar ao seu encontro com a Música. A partir de pequenos trabalhos como modelo, surgiram as primeiras oportunidades de sua carreira como atriz. A carioca ganhou grande visibilidade com seus primeiros covers postados no Instagram, Twitter e YouTube, mas a grande virada veio com sua atuação como Cecília, no filme Ana e Vitória em 2018. No longa ela contracenou com Ana Caetano e cedeu sua voz a três canções do álbum O Tempo É Agora, cantando os altos e baixos da relação das personagens na história.

O sucesso foi grande e com o incentivo do público, Clarissa continuou investindo em sua carreira musical iniciando em 2019 o desenvolvimento de seu EP homônimo, com o selo Olga Music. Composto por cinco faixas autorais repletas de sentimentos, a artista conseguiu de forma genuína tocar corações e levar suas canções a mais 600 mil streamings em apenas três semanas. 

Clarissa estava previsto para alguns meses atrás mas, com os desdobramentos da pandemia de covid-19, a data foi adiada. A cantora afirmou em entrevistas que esse tempo foi, na verdade, bastante benéfico em termos de crescimento pessoal, e que o lançamento, em 25 de junho, veio em boa hora. Além disso, permitiu que a faixa Xodó, uma de suas últimas composições, estivesse entre as músicas divulgadas.

O ano de 2021 já prometia ser grande na vida da artista que deu vida à personagem Priscila no filme Me sinto bem com você, de Matheus Souza, que estreou na plataforma de streaming Amazon Prime Video em maio. Juntamente com Gabz, que interpretou seu par romântico, compôs e cantou a música Guaxinim que contou com a produção de Lucas Silveira. Uma semana antes do lançamento do EP, Clarissa ainda estreou um videoclipe e a regravação da música Estrelas ao lado do cantor e compositor Oswaldo Montenegro.

As faixas retratam, numa vibe levinha e repleta de sensibilidade, as mais diversas faces que o amor pode assumir. Desde as coisas mais triviais que nutrem sentimentos de alegria e tranquilidade, até os momentos que parecem sutis mas que revelam medos, inseguranças e dores. 

Em ritmos envolventes, Ela e Pro Nosso Azar contam sobre amores desafiadores em paralelo, O Vento Leva, O Vento Traz e Xodó carregam uma sensação de calmaria. A música Bem Me Quer, Mal Me Quer, por sua vez, já chegou acompanhada por um clipe, dirigido por Matheus Sodré, com diversas referências e ironias e uma direção de arte completamente doce e harmoniosa pensada por Jessica Cirino. Clarissa tem tudo para seguir conquistando corações e brilhando não só nas telas, mas também no cenário musical.

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Ana Júlia Trevisan

Como continuar a carreira após um hit? Como produzir o segundo álbum quando o   primeiro conta com a música que estourou nas rádios e marcou toda a trajetória da discografia? Era nesse embate que os Los Hermanos se encontravam após seu disco de estreia ter emplacado Anna Júlia, a famigerada fim de festa que tirou o Grammy de Chico Buarque e, até hoje, é responsável por registros em cartório (vide a pessoa que vos escreve).

É em meio às brigas da banda, confusão com a gravadora e uma aliança fiel com fãs que, em 2001, nasce Bloco do Eu Sozinho, reforçando ainda mais a parceria musical entre Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante, e marcando toda a escola de MPB unida ao rock alternativo construída pelos cariocas. Quebrando os próprios padrões, um dos discos mais importantes da música nacional alternativa foi criado e dita até hoje o rumo do gênero, servindo como fonte, direta ou indiretamente, dos trabalhos nacionais que o sucedem. 

Se no começo de Los Hermanos o rock se faz presente e memorável, em Bloco do Eu Sozinho a banda aposta na poesia com um leve toque de samba. Mesmo sem abandonar as guitarras e bateria, o álbum se desprende daquilo que havia sido proposto no anterior, não forçando a repetição da fórmula mágica dos singles que os levaram para as paradas nacionais e para os principais programas de TV. 

Solidão, términos conturbados, paixões, indiretas, são esses os cordões que o Bloco segue. Os sentimentos, tratados de maneira menos mercadológica, passam a sensação de liberdade em amplos aspectos. Se, em 1999, a primavera se foi levando o amor, em 2001 somos tomados pelas cicatrizes e traumas desse fim. As canções crescem conforme o álbum avança, e a melancolia envolvida aos sons do baixo se mantém do início ao fim.

Os instrumentos de Bruno Medina e Rodrigo Barba tem sua incontestável importância dentro da produção. Não é qualquer um que faz o trabalho de Barba, que tocou o samba miudinho na bateria. Mas, são Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante que constroem toda a imensidão do disco. Juntos, a dupla divide as composições, guitarras e os vocais, que são a peça-chave do diferencial irresistível de Bloco do Eu Sozinho. É o desalento misturado ao amargo sabor da saudade e traduzida nos exatos arranjos que nos aproxima das lembranças de Los Hermanos.

Sentimental é a canção que melhor explica a tese. Marcada como um dos momentos mais tensos do álbum, a letra quase biográfica nos invade a cada belo verso melodramático e cresce exponencialmente até chegar em seu refrão, que é o grito dos sofridos e apaixonados. É na pergunta “Quem é mais sentimental que eu?” que fãs e artistas se misturam em um ser só. É a exatidão da música explicando aquilo que não temos palavras para definir.

A gritante ruptura de Bloco do Eu Sozinho começa logo em sua primeira faixa. Quem esperava por uma música seguindo todos os padrões do mainstream e  intitulada com nome feminino foi surpreendido por Todo Carnaval Tem Seu Fim. Nela, o rock, o indie e o ritmo carnavalesco se mesclam para formar uma das melhores canções da banda. Ela chega com os dois pés na porta mostrando para que o álbum veio ao mundo, encerrando toda a produção do disco de 1999 e declarando que, a partir dela, os instrumentais serão mais completos, complementares e melódicos.

Todo Carnaval Tem Seu Fim é seguida por A Flor, que, carregada de beleza, traz uma sonoridade diferente, reiterando a dedicação e a destreza que a banda teve em construir o Bloco. Os metais que abrem a música ajudam a composição da letra a explodir. O choque entre o coração de Marcelo Camelo e a razão de Rodrigo Amarante reverbera em seus versos nada sutis, que contam a história de uma desilusão amorosa. 

Após as duas canções deixarem suas digitais, quem ganha espaço é a absurda Retrato Pra Iaiá. Com sua simplicidade, ela é o primeiro respiro do álbum, trazendo uma melodia mais despojada, sem perder toda a beleza que é marca registrada de Bloco do Eu Sozinho. É essa tríade que abre o disco e prende o ouvinte de maneira intimista, dançando entre personalidades e fazendo brotar todos os questionamentos da dualidade entre presente e futuro.

O desamor também é decorrente do Bloco do Eu Sozinho. Assim Será e Adeus Você doem em lugares diferentes. A falsa superação de alguém que não consegue enganar a si próprio é um tapa na cara de quem se envolve na suave sonoridade das duas canções. Tão Sozinho traz o mesmo tema de forma mais drástica. A mão pesa no instrumental e o rock vem veloz e furioso. Aos que já estavam se sentindo viúvos de um bom barulho dos Los Hermanos, a música, que destoa do resto do álbum, é encarada como um presente. 

Mas é na leveza que o Bloco se encontra. A letra de Casa Pré-Fabricada revela toda a sensibilidade de Marcelo Camelo. De forma simples e direta, a guitarra serve apenas de adereço para a poesia da canção. Já no sambinha Veja Bem Meu Bem, o eu-lírico conversa diretamente com o ouvinte. Somos descaradamente trocados pela saudade, que ganha seu desprazeroso espaço causando uma quebra inesperada na letra da canção, reafirmando que o disco é composto por versos ímpares.

Com um álbum tão pessoal e de desagrado do mercado, o Los Hermanos não perde a oportunidade de criticar a indústria fonográfica. Cadê Teu Suin? é uma das mais sagazes da banda. Com uma letra rápida e recheada de jogo de palavras, a música pode soar estranha na primeira vez, mas ganha seu sentido quando conhecemos a história de Bloco do Eu Sozinho. Com a primeira versão do disco rejeitada pela Abril Music, os Los acertam em criticar o andamento insano da gravadora, que prejudica a originalidade dos compositores.

Os caras ainda fazem bonito e cantam alguns versos em francês (aposto um rim que essa foi ideia do Rodrigo Barba). Ok que o francês de Amarante beira a precariedade, mas a engraçada Cher Antoine é um alívio na porradaria emocional que o conjunto dessa obra representa. Mais uma Canção tenta lidar com todo o sentimentalismo de uma maneira mais sóbria. Os sopros quase esquecidos durante o álbum servem para acalmar a melodia dessa faixa, que conta a história de maneira literária e simbólica.

Para entender todo o dinamismo do álbum e o porquê dele ter mudado o rumo da Música brasileira em 2001, Fingi na Hora de Rir basta. A música sintetiza o jogo instrumental em letras românticas – com intenso toque sombrio – que é proposto nesse trabalho de Los Hermanos. Com uma composição que facilmente se encaixaria num samba, os arranjos não lineares e com forte apoio no baixo resumem a transformação provocada por Bloco do Eu Sozinho no dito indie brasileiro.

O que hoje entendemos como rock alternativo brasileiro – ou, até mesmo, como a nova MPB – deriva desse álbum carnavalesco melancólico, que completa seus vigésimo aniversário em um ano que não enchemos nosso corpo de glitter nem fomos para a rua, beijar e comprar quatro latas de cerveja por dez reais. É, mais uma vez, o destino gostando de ser poético com um povo sofrido. 

Los Hermanos criaram quatro álbuns distintos, fugindo da sonoridade das Primaveras e Anna Júlias. Cada trabalho da banda tem seus destaques com efeito de suas particularidades, e Bloco do Eu Sozinho conquista seu espaço por ser um disco definitivo da carreira. Quem decidiu acompanhar os Los mesmo depois desse álbum, fugiu das mesmices do rádio e presenciou a supremacia das rimas amorosas que influenciaram toda uma geração. Bloco do Eu Sozinho ainda é responsável por abrir as portas para aquele que é o melhor disco da banda: Ventura.

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Guilherme Teixeira

No dia 17 de março, a nossa saudosa Elis Regina (1945-1982) completaria 76 anos. Em homenagem, seu primogênito João Marcelo Bôscoli – fruto de seu primeiro casamento, com Ronaldo Bôscoli –, em parceria com a Universal Music do Brasil, nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do álbum Elis (1972). Disco produzido por Roberto Menescal que marcou o início da parceria musical entre a cantora e César Camargo Mariano (a quem posteriormente se tornaria seu marido e pai de seus outros dois filhos), e mostrou a verdadeira e mais humana face dela.

A subjetividade que o disco traz mostra que, além do grande poder de escolha de repertório que há nele, seus grandes amigos como Milton Nascimento, Ivan Lins, João Bosco, Aldir Blanc, Belchior, Fagner (este chegou até a morar com Elis e Bôscoli) e os demais compositores, a conheciam muito bem. Em termos de álbuns, creio que esse seja o maior de toda a carreira dela, sendo nele cantado tudo o que estava guardado dentro de Elis, desde a melancolia dos versos de Atrás Da Porta até a descontração de Bala com Bala. Essa, ganhou na nova edição do álbum, logo no início, uma deliciosa risada dessa pimenta um tanto quanto doce, novidade para os ouvintes.

Logo após, temos Nada Será Como Antes, sucesso que marcou o movimento Clube da Esquina e que, posteriormente, deu nome a sua biografia, escrita por Julio Maria em 2015. Há um fato curioso sobre essa música que confunde muito aqueles que a ouvem. Em sua versão, o compositor Milton Nascimento canta “Alvoroço em meu coração” no terceiro verso da segunda estrofe da letra, diferentemente de Elis que opta por “Sei que nada será como está”. Não se sabe ao certo o porquê dessa variação na letra, mas uma coisa é fato: ambas as versões são memoráveis e merecem a mesma e enorme valorização e apreço. 

Além de trazer músicas lendárias como as citadas, o disco também apresenta canções com significados pessoais na vida da cantora, como Vida de Bailarina. “Eu fiz uma homenagem à Ângela Maria cantando uma das músicas que mais gostava de ouvir quando eu era só ouvinte, a música se chama Vida de Bailarina”, disse Elis Regina, que não escondia sua admiração pela rainha do rádio. Outra música muito marcante é Casa No Campo, um sonho de anos que estava sendo realizado durante as gravações do disco. A emoção era tão grande que não coube em seus 1,53 metros e explodiu em uma preciosa gravação onde se emociona ao cantar a composição de Zé Rodrix e Tavito, ambos já falecidos.        

Assim como João, os outros dois filhos de Elis, Pedro e Maria Rita, permanecem orgulhosamente erguendo a bandeira de sua mãe e trazendo ela cada vez mais para o mundo atual. Tarefa feita através de suas armas mais potentes que só a genética explica: a voz. Sua extensão vocal era tão grande que não coube apenas em si e transpassou para seus descendentes com vasta competência. 

O casal de caçulas possui a grande missão de manter a herança materna na música sem necessariamente copiar a mãe (embora seja impossível) e nem por isso, se distanciar totalmente da proposta apresentada por Elis. Principalmente pelo fato de que os fãs ainda têm uma memória muito fresca da pimentinha e cobram severamente, muitas vezes até de forma egoísta, que seus pósteros sempre a mantenham presente para matar a saudade do público, ignorando o fato de que a maior saudade é deles.

Além das remasterizações feitas por seu primogênito, a pimentinha também se mostrou presente em discos gravados ao vivo, como Elis por Eles (2014) e Redescobrir (2012), por seus filhos Pedro Mariano e Maria Rita, respectivamente. Ambos os discos apresentam exclusivamente músicas do repertório da mãe. Contudo, há uma significativa diferença entre eles. No primeiro álbum, Pedro contou com a ajuda de outros artistas como Jair Rodrigues, Lenine, Emílio Santiago, Cauby Peixoto, entre diversas vozes masculinas para completar o projeto, o que foi um tiro no pé de toda a luta de Elis pela inclusão feminina na arte e todo seu empoderamento. Enquanto Maria Rita, que sempre foi alvo de comparações com sua mãe pelo fato de, além de cantora, ser mulher, encarou esse desafio sozinha.

Cantar Elis Regina sem cantar ao menos uma única música desse álbum, que carrega toda a imensidão dentro de si, é impossível. Vida de Bailarina (Americo Seixas/Dorival Silva) e Casa No Campo (Tavito/Zé Rodrix) são algumas das músicas do disco que estiveram presentes no repertório de Pedro e Maria durante suas homenagens à mãe. A primeira delas aconteceu em 2012 no citado Redescobrir. Em um dos maiores discos dos últimos tempos, Maria Rita trouxe uma emblemática apresentação ao cantar a composição de Americo Seixas e Dorival Silva (Chocolate, como era conhecido popularmente), logo no início do show. Revisitando não só a música, mas também a era do rádio.

A cantora ousou ao impor a voz num tom mais grave com vibratos e agudos, fazendo referência a forma melodramática radialista. Em entrevista a Universal Music do Brasil, a filha da pimentinha afirmou que Vida de Bailarina retrata, na verdade, a vida de todos os artistas e ainda se definiu um pouco bailarina, que por vezes cantava para viver e vivia para cantar. Pedro por sua vez, voltou a homenagear sua mãe no dia 17 de março de 2018, dia em que Elis completaria 73 anos. Desta vez, o filho do meio da cantora gravou um dueto de forma póstuma onde, junto dela, entoava Casa no Campo, um dos maiores sucessos do disco. Uma proposta ousada e ainda muito pouco explorada na música brasileira que gerou ótimos resultados.

O disco ainda traz uma versão mais longa do clássico Águas de Março onde, sozinha, Elis brinca deliciosamente com a letra da música no final e arranca um sorriso de quem a ouve. Mucuripe e Cais também contribuem para a formação do álbum com letras majestosas escritas brilhantemente pelos nordestinos Fagner e Belchior e pela nobre dupla Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Apesar de não parecer, as duas músicas apresentam as mesmas ideias: a vida, a solidão e o ir e vir. Questões que sempre estiveram presentes na vida de Elis, o que soma mais um ponto na afirmação de que este se trata do álbum que mais explora o lado pessoal da gaúchinha. 

Também completa o álbum as músicas 20 Anos Blue (responsável por iniciar o disco) e Olhos Abertos. Ambas possuem versos que poderiam facilmente estar falando da atual pandemia em que vivemos, como “Ontem de manhã quando acordei/olhei a vida e me espantei” e “Eu preciso encontrar as pessoas/ficar de mãos dadas com elas”, respectivamente. Mais adiante, temos Me Deixa Em Paz que, em seus versos, se aproxima da situação atual e do cansaço das pessoas referente ao vírus e ao isolamento, como se ela estivesse falando com a covid-19.

Me Deixa Em Paz:

“Paz

Eu não aguento mais

Me deixa em paz

Sai de mim

Me deixa em paz…”

Composição: Ivan Lins / Ronaldo Monteiro de Souza

Somando a brilhante escolha de repertório, atemporalidade, força de interpretação, verdade e a potência vocal entregue em 1972, e tendo como confirmação a remasterização 49 anos depois, digo e repito com clareza que este é o mais autêntico álbum de toda sua carreira, pois nele se enxerga tudo o que havia dentro de Elis e tudo o que ela era. Romântica, amarga, menina, mulher, simples, extravagante… simplesmente, Elis! Ela era a adulta com mais de vinte anos que esquecia quanto custava dar a outra face e que sabia que nada seria como antes. 

Que tinha suas mágoas levadas para o fundo do mar nas velas do Mucuripe, que se mantinha de olhos abertos e que havia no fundo do peito, um sonho desfeito ou a desgraça de um amor onde adorava seus amores pelo avesso, quem sabe talvez no mês de março, prestes a fechar o verão. Afinal, ela inventava o cais, a lua nova e até mesmo uma paz. Ela só queria paz. Assim como uma casa no campo onde ela pudesse compor muitos rocks rurais e ao fim do dia, escutar uma “boa noite, amor”. 

Definir Elis Regina Carvalho Costa, essa gaúcha gigante de um metro e meio, em uma só palavra é uma missão impossível, nem ela mesma conseguiria. Entretanto, em 1972, o mais íntimo e verdadeiro de si, nos foi dado em forma de música. E hoje, passados mais de 40 anos, nós podemos entendê-la e conhecê-la ainda mais através desse primor de remasterização. Um acalanto para a negatividade dos dias atuais, mata a nossa tão grande saudade da cantora no modo mais autêntico possível. 

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Júlia Paes de Arruda

Consagrado como um dos gêneros mais ouvidos do Brasil, o sertanejo não poderia deixar de referenciar Jorge & Mateus como umas de suas bases sólidas para a disseminação do estilo pelo país. Seria até injusto deixá-los de lado, já que consagram 15 anos de carreira no meio musical. Depois de muito sucesso, Como Sempre Feito Nunca chegou em fevereiro de 2016 como um exemplo de transição, amadurecimento e mudança para os goianos que, após 5 anos, ainda perpetuam nessa nova era de sertanejo universitário. 

Há quem diga que a obra destoa dos grandes marcos de Jorge & Mateus. Porém, como todo artista, sempre chega o momento em que prezam por uma sofisticação instrumental. É o caso de Como Sempre Feito Nunca, buscando equilibrar esse novo mergulho em sons mais comerciais com a tradicionalidade que os impulsionaram nessa carreira. Pra Sempre Com Você é a que mais marca essa passagem. A sanfona, tão ligada ao meio sertanejo clássico, entrelaça a pegada nova do pop. Os dois músicos se dedicam ao vocal enquanto a banda alcança a melodia, na construção de uma harmonia que contagie o público. Por causa disso, é a que promove mais interação com os fãs. 

Devido a essa mudança, apenas algumas músicas são notórias do álbum. Grande parte do repertório é desconhecida ou simplesmente “esquecida do churrasco”. É o caso de Dias de Sol e O Amor Não é Paixão, as quais, coincidentemente, são regravações de canções emplacadas nas vozes da banda Cheiro de Amor e da dupla Chrystian & Ralf, respectivamente. As letras não são ruins e, muito menos, fogem do romantismo pregado pela dupla. Nesse caso, Jorge & Mateus não souberam desenvolver as faixas de forma adequada para prestar uma homenagem espantosa.

Neste disco, as aparições de Mateus são mais frequentes que nos anteriores, as quais são mais destacadas em em Cilada e Vestígios (2010). Dessa vez, além de Pra Sempre Com Você, o músico dá vida a Vou Voando. De cara, ele envolve uma guitarra com um beat mais eletrônico, mostrando seu talento com as cordas com excelência. Nessa, em especial, as raízes clássicas dão lugar a uma experimentação brilhante. 

O clímax do álbum, que explode amor, paixão e cumplicidade, infelizmente é a menos conhecida, apesar de manter os mesmos princípios que conquistaram o sucesso da dupla. Em Aí Já Era, nos deparamos com a perfeita Pra Ter o Seu Amor, impossível de não se emocionar e aconchegar o coração mais apaixonado. Em 2016, Jorge & Mateus poderiam ter dado espaço para que Preocupa Não fosse o novo apego dos fãs, ainda que ela não chegue aos pés da beleza da primeira música. Porém, devido às batidas mais comerciais presente em outras faixas, a canção acaba passando despercebida dos ouvidos do público. 

A imersão em compassos não deixa de lado a essência do que é a dupla sertaneja. Com suas letras poéticas e certeiras, não há quem não derreta o coração. O desejo e a emoção percorrem a serenidade acústica de Sosseguei, atravessa a melancolia de Louca de Saudade e aterrissa na enérgica Problema. Todos os arranjos se divergem entre si, mas é possível sentir o aconchego transmitido pelos versos. Pessoalmente, não consigo definir uma frase em específico que traduza esse sentimento. Ouça o disco e tire suas próprias conclusões.

Essa adição de gêneros ao sertanejo universitário conquistou o coração da dupla. O álbum de 2018, Terra Sem Cep, é o exemplo nítido e seguro de que a junção de estilos é magnífica na voz marcante dos músicos. A obra-prima aqui é Anjo Moderno, que cumpriu com todos os requisitos não atendidos em Preocupa Não. A experimentação em Como Sempre Feito Nunca valeu a pena e já deu resultados, provas de que não há como se desapontar com o que Jorge & Mateus produzem. Tudo sempre tem um propósito. 

Com 15 anos de carreira, é impossível negar o valioso talento dos amigos. Com uma legião de fãs, que os acompanham ao longo de toda a sua trajetória, Como Sempre Feito Nunca poderia realmente desestabilizar a carreira que Jorge & Mateus alcançaram. Contudo, o trabalho dos artistas falou mais alto e engrandeceu ainda mais o amor dos seus seguidores. Por fim, eu termino esse texto com aquela declaração clichê enaltecida nos shows, que não passa de um desejo inevitável: Pelo amor de Deus, Jorge & Mateus!

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Ana Beatriz Rodrigues

Quando o relógio bateu meia-noite do dia primeiro de janeiro, todos estávamos com esperança para esse ano. Depois de um 2020 turbulento, a única coisa que pedíamos era paz nesses meses que nos esperam. Só que o duo ANAVITÓRIA conseguiu nos conceder um ótimo discurso para 2021 e, nos primeiros minutos de janeiro, fomos agraciados com COR. De surpresa, as cantoras lançaram ânimo e felicidade para começarmos o ano do melhor jeito possível.

São as 14 faixas de COR que tiveram o poder de levar ANAVITÓRIA ao segundo lugar no chart global Top Debut Albums no Spotify. Além de números, o COR foi recebido com muito carinho pelos fãs.  Isso não poderia ser diferente, pois a dupla entregou tudo o que um álbum como esse precisava. Não se contentando apenas com as músicas, no mesmo dia as meninas lançaram um clipe e um lyric video de todas as composições no YouTube. 

COR é poético nas letras, nos vídeos e na essência, mas a poesia já começa no seu nome. A mistura de numerologia, espiritualidade e conceito trouxe o álbum de um modo certeiro. Dando significado ao duo novamente, COR extrai a essência de ANAVITÓRIA em apenas três letras e mostra ao mundo que elas não são só cantoras com músicas rasas. A estética de divulgação também surpreendeu e a capa retirada do vídeo de Amarelo, azul e branco transmite o ideal do álbum, como se aquela foto traduzisse o que está contido nas faixas.

É importante também falar um pouco mais sobre Amarelo, azul e branco. A música, que recebe o nome de cores, é uma linda homenagem ao Tocantins, o estado de origem das meninas. Como se não bastasse, a faixa ainda possui a participação da Rita Lee recitando um poema. Essa presença traz ainda mais paixão para a música. No álbum, ainda há outra colaboração – Lenine possui vários versos em Lisboa.

Em COR, a evolução de ANAVITÓRIA é visível. As composições são limpas e aqui podemos ver um trabalho coeso e sólido. Ainda discutindo sobre o amor, nesse álbum ele é intercalado entre o sofrimento e o lado bom de amar. Mas o maior desenvolvimento no disco é a abertura vocal das meninas, principalmente de Ana, mostrando que, além de ser uma ótima compositora, é uma excelente cantora, com excepcionais técnicas vocais. 

Todas essas características fizeram COR ser muito elogiado e aclamado pelo público. Não querendo ser precipitada, o duo pode receber indicações ao Grammy Latino com esse trabalho realizado durante a pandemia. Depois de Me conta da tua janela, as tocantinenses produziram bons trabalhos e não seria novidade elas serem reconhecidas por isso.

O álbum começa com Amarelo, azul e branco que virou trend no TikTok e está sendo usada em vários vídeos. Nessa música, como já dito anteriormente, é possível ver uma conexão da dupla e suas escritas (pois a Vitória também compôs essa) com a sua terra natal. A próxima faixa também segue com um ritmo mais animado e Te amar é massa demais é encaixado certamente nessa posição. Essa canção possui uma melodia feliz e uma letra animadora sobre como é bom amar, além de usar algumas metáforas que já são comuns para as cantoras. Essa técnica também é utilizada em Selva, outra composição da parte “alegre” de COR.

A terceira faixa, Tenta acreditar, é uma daquelas que é fácil de ser ouvida após um término de relacionamento, só que não para chorar e, sim, encarar a realidade com a cabeça erguida. Um ótimo acompanhamento para essa música é encontrado quase lá no fim do álbum. A música que mais se assemelha aos antigos projetos das cantoras, Te procuro, possui um tom melancólico e uma letra que revela tristeza após várias tentativas de desapego. 

Já Explodir é sobre o encontro do amor e como ele pode ser bonito sem complicações. A erupção de sentimentos nessa música pode causar vontade de presenciar uma história que não se resume em falar de amor, mas sim viver. Cigarra também pode ser lembrada como uma grande carta aberta ao sentimento, porém não só romântico. Essa composição revela admiração. Abril é outra grande canção e junto com Explodir ganhou meu favoritismo neste álbum. O interlúdio (dia 34) e a canção Ainda é tempo são os complementos perfeitos na fórmula de COR. 

As outras faixas como Eu sei quem é você, Terra e Carvoeiro compõem o álbum e o transformam em uma harmonia. Depois de N, as cantoras conseguiram um trabalho limpo e leve com a nova produção. O COR é singelo e ao mesmo tempo complexo. ANAVITÓRIA conseguiu começar um novo ciclo de carreira e um novo início de ano de um ótimo jeito.

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