Júlia Paes de Arruda

Ainda que as expectativas fossem altas, Cavaleiro da Lua não parecia ser algo próspero no primeiro momento. Comparado a outras obras do catálogo, a mais recente série do Disney+ seria mais uma com pouco potencial atrativo ao olhar – especialmente por ser a primeira produção da Marvel depois do épico Homem-Aranha: Sem Volta para Casa. Entretanto, figurinos belíssimos, atuações incríveis e cenários mágicos propiciaram que o roteiro de Jeremy Slater se tornasse uma das obras mais fascinantes do estúdio.

Lançada no final de março, Moon Knight foge do padrão de outras produções de Kevin Feige. Em momento algum, o blip é mencionado, deixando de lado todo o enredo da cansativa linha temporal dos heróis mais poderosos do mundo. Aliás, estar longe deste universo possibilitou maior liberdade criativa à série, já que, depois da mitologia nórdica e greco-romana, chegou a vez do MCU explorar as divindades egípcias. A direção de Mohamed Diab, nascido em Ismaília, no Egito, foi fundamental para que o resultado não caísse nos estereótipos da sua cultura, caracterizando cenários e costumes autênticos.  

Adaptando os quadrinhos de mesmo nome, Moon Knight nos apresenta, a princípio, o protagonista Steven Grant. Diferentemente das HQs, Steven é um funcionário do museu de Londres, trabalhando veementemente para se destacar na seção egípcia. Atrapalhado e inseguro, ele não possui a pose de um herói como conhecemos. Nos primeiros episódios, tudo se mostra confuso e tedioso, bem como o comportamento de seu ilustre personagem. Com o desenrolar da narrativa, seu amadurecimento é impressionante, tornando-se uma personalidade cada vez mais admirável e querida.

É óbvio que nada disso poderia acontecer sem a atuação exemplar de Oscar Isaac (X-Men: Apocalipse e Star Wars: O Despertar da Força). O guatemalteco encarna com muito fôlego seu papel, o qual possui transtorno dissociativo de personalidade. Assim, somos muito bem servidos com um Steven Grant e um Marc Spector impecáveis. Marc é o oposto de Steven: sendo um ex-mercenário, ele é meticuloso, calculista e extremamente frio. Gestos, expressões e até mesmo os sotaques entre os avatares do deus Khonshu transitam nas cenas com muita naturalidade, como se realmente estivéssemos cara a cara com dois atores de performances diferentes. 

A atuação de Ethan Hawke também não é desmerecida. O ator, que debutou sua entrada no MCU interpretando Arthur Harrow, já foi indicado quatro vezes ao Oscar, sendo duas vezes como roteirista na categoria de Melhor Roteiro Adaptado por Antes do Pôr-do-Sol (2004) e Antes da Meia-Noite (2013). Em Cavaleiro da Lua, Hawke constrói um personagem de muitas camadas, líder de um culto fervorosamente devoto à deusa Ammit. Por não haver um vilão específico nos quadrinhos, incorporou-se aspectos de outros antagonistas que também possuíam aspirações morais realistas, como foi o caso de Killmonger e o próprio Thanos. Sendo assim, ele consegue cativar o público do início ao fim, passando cada nuance com maestria.  

Não dá para deixar de mencionar a magnífica evolução de Layla El-Faouly, interpretada por May Calamawy. A atriz, de ascendência egípcia e palestina, concebe uma figura fascinante, largando seu status simplista de esposa do Marc para a primeira heroína de origem árabe do universo da Marvel. Fora de seu belíssimo traje, Layla é destemida e inteligente, não deixando de transparecer suas emoções e de medir esforços para lutar por seus objetivos – originando o pacote completo para um avatar de um deus.

O grande pecado de Cavaleiro da Lua, além de ter sido ofuscada por outras novidades da Marvel, é tentar incorporar uma história de longas horas, em poucos minutos. Quando o ápice acontece, no quinto episódio, O Manicômio, o enredo se encerra com lutas rápidas e insatisfatórias, que poderiam facilmente ser melhor equilibradas com uma extensão de capítulos. Além disso, não foi uma boa ideia soltar o final do seriado no mesmo dia do tão esperado lançamento de Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, encobrindo o desempenho da produção com o público. 

Na verdade, o CGI de Cavaleiro da Lua também é um grande elefante (ou hipopótamo) na sala. Enquanto temos uma elegante performance do cineasta egípcio Karim El Hakim como Khonshu (acompanhado da brilhante dublagem de F. Murray Abraham), a definição de Ammit acaba se tornando cômica. Ainda que a cena de seu despertar seja atraente, não faltou comparações com nossa Cuca nas redes sociais. Esse assunto ficou ainda mais evidente depois do lançamento do trailer de She-Hulk, em que a Marvel sofreu diversas críticas a sua computação gráfica, comparando a super heroína com outra personagem verde icônica. 

Apesar disso, não há como negar que a fotografia do seriado seja deslumbrante. No terceiro episódio, O Tipo Amigável, Khonshu – considerado o protetor dos viajantes noturnos -, surge com um mapa estelar incrível para guiar seu avatar. O diretor responsável, Gregory Middleton, cria uma paisagem magnífica, incorporando tons de roxo e azul, que possivelmente só seriam vistos em um cenário ideal de observação astronômica. Esse capítulo acaba sendo um dos melhores de Cavaleiro da Lua apenas por essa cena que, pessoalmente, é uma das mais lindas que o estúdio já nos apresentou.

Mesmo com certas ressalvas, Cavaleiro da Lua é uma das séries originais do Disney+ mais bem estruturadas e instigantes. Com um enredo primoroso e muito bem alimentado, não há dúvidas que a obra trouxe um toque de elegância no extenso cardápio do universo Marvel. Ainda que não haja indícios – até o momento – de ligação de Marc Spector e Steven Grant (ou, quem sabe, Jake Lockley) com o MCU, os poucos episódios valem “a luz que banha a noite e faz o sol adormecer”. 

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Nathan Sampaio

Há 10 anos, os filmes de super-heróis eram muito nichados, em um período em que apenas fãs de quadrinhos, crianças e alguns poucos curiosos se interessavam por essas adaptações. Poucos eram os longas que furavam a bolha, como Superman – O Filme (1978), Batman (1989) e Homem-Aranha (2002). Porém, tudo mudou em abril de 2012, pois Os Vingadores (The Avengers) chegava aos cinemas mundiais, representando o que seria o princípio de uma era. 

O projeto surgiu com uma ideia desafiadora e ousada: a Marvel Studios propôs a realização de um longa-metragem para cada herói, para que, no final, pudesse uni-los em um grandioso filme crossover. Essa prática era raramente vista no Cinema e, por isso, era um risco apostar nesta vertente. Felizmente, os realizadores, Avi Arad, Kevin Feige e Jon Favreau, acreditaram no potencial do projeto e o fizeram, após os cinco filmes precursores, Homem de Ferro, O Incrível Hulk, Homem de Ferro 2, Thor e Capitão América: O Primeiro Vingador.

No enredo de Os Vingadores, Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) precisam unir forças para impedir que Loki (Tom Hiddleston), irmão de Thor, invada o planeta Terra e domine a humanidade. Porém, essa não será uma tarefa fácil, já que nenhum deles trabalhou em uma super equipe antes. Além disso, o vilão possui artefatos cósmicos chamados “joias do infinito”, as quais irão dificultar – e muito – a vida dos protagonistas. 

A trama é básica, e, talvez por isso, seja tão efetiva. Afinal, o filme não perde tempo com um enredo complexo e que teria chances de prejudicar o projeto, mas os realizadores apostaram em uma história segura, uma aventura clássica de heróis, o que foi muito bem executado. Mesmo possuindo um roteiro simples, Os Vingadores  é divertido, cativante e empolgante, e isso torna-o encantador.

Os personagens são outro elemento muito forte do longa, ajudando-o a alcançar outro patamar de qualidade. Todos são muito diversos, com características únicas e modos de agir diferentes: a união deles é perfeita, pois todos têm uma função importante na trama e ninguém está nela sem razão. Steve Rogers é o líder nato do grupo, Natasha Romanoff, a espiã que consegue extrair informações do vilão, Bruce Banner e Tony Stark são a inteligência, Thor e Gavião Arqueiro possuem conhecimento do vilão e do seu plano. Logo, percebe-se a importância e a excelente utilização de todos os heróis.

É impossível elogiar os personagens sem comentar de seus intérpretes, já que todos os atores se encaixaram perfeitamente nos papéis, e por isso seus rostos se tornaram tão conhecidos. Chris Evans mostra um personagem bem idealista, mesmo fora de seu tempo. Scarlett Johansson e Jeremy Renner constroem um mistério em volta de seus passados e uma ótima dinâmica entre si, enquanto Chris Hemsworth e Mark Ruffalo representam personas mais sérias, mas que se desconstroem em eventuais piadas. Por fim, Robert Downey Jr. é sarcástico, debochado e desconfiado de toda a situação. 

Quando os atores contracenam, o filme brilha pelos conflitos de ideias, comentários sarcásticos, críticas ao próprio universo e pela dinâmica invejável entre eles. É interessante assistir Os Vingadores e observar o quanto os heróis cresceram ao longo dos anos e as suas relações mudaram, demonstrando, assim, o avanço da gigante história criada pela Marvel.

O vilão também é excelente: Loki é ameaçador, perigoso e tem uma presença muito forte em tela. Porém, ainda assim, ele consegue ser cativante, sendo sarcástico, irônico e muito carismático. Muitos desses méritos vem de seu intérprete, Tom Hiddleston, que se entregou ao papel e o adora fazer, tornando seu personagem um dos mais queridos da franquia. 

É interessante evidenciar que a maioria desses heróis não estavam inseridos no imaginário popular, diferente de Superman e Batman, personagens que já eram parte da cultura pop há décadas. Dos Vingadores fundadores, apenas Hulk era conhecido, devido ao seu seriado para TV nos anos 70 e 80. Isso tornava a tarefa de realizar o longa ainda mais desafiadora – afinal era necessário vender um grupo de heróis totalmente anônimos, algo que eles conseguiram com muito êxito. 

Os méritos de Os Vingadores não residem em sua história, até porque esta é recheada de clichês. Os pontos altos do filme estão na união dos personagens e no visível carisma, que provém tanto dos atores quanto do universo construído. Logo, o que era mais desafiador e arriscado na proposta inicial se tornou o ponto mais forte da produção: a preparação dos personagens e a construção do mundo. Isso porque todos os protagonistas foram muito bem trabalhados em suas respectivas histórias solo, e todos os itens importantes para a trama já estavam estabelecidos, fazendo com que o enredo fosse mais ágil e focado no que importava: a interação e conflito entre eles. 

Os Vingadores também ajudou a moldar uma história que viria a durar mais de 10 anos, sem expectativa de acabar. Muitos dos elementos presentes aqui retornaram na franquia, como a relação conflituosa entre Homem de Ferro e Capitão América, que culminaria em Capitão América: Guerra Civil; a dinâmica entre Thor e Loki, que voltaria a ser explorada em Thor: O Mundo Sombrio e Thor: Ragnarok; e o mais importante de todos: as joias do infinito. Delas, resultaram dois épicos filmes, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, fechando todo um arco iniciado em 2012.

A estrutura de Os Vingadores funcionou tão bem que passou a ser repetida em todos os longas da Marvel Studios, formando, assim, o que se conhece hoje como Marvel Cinematic Universe, o MCU O uso desse universo compartilhado é o que torna o estúdio um dos mais renomados atualmente – afinal, a empresa montou uma história gigantesca, envolvendo centenas de personagens, tudo em um único mundo, complexo e muito vivo. 

Outros estúdios também tentaram aplicar esse mesmo conceito, objetivando o mesmo prestígio e sucesso da Marvel, como o InvocaVerso e o Monsterverse, ambos pertencentes a Warner Brothers. Há ainda o Dark Universe, tentativa da Universal de criar um mundo com diversos monstros da Literatura clássica, o qual fracassou no primeiro longa. Nota-se que Os Vingadores foram os responsáveis por criar essa tendência de universos compartilhados no Cinema, algo que se reflete até hoje em diversos projetos. Porém, o longa-metragem também foi responsável por popularizar os super heróis nas telonas e na cultura pop.

Antes de Os Vingadores, apenas alguns filmes de heróis alcançaram a fama, e, muitas vezes, isso ocorria porque esta já vinha junto com o personagem, por sua popularidade em quadrinhos ou animações. O longa, porém, alçou heróis desconhecidos do grande público ao estrelato, e hoje, 10 anos depois do seu lançamento, todos fazem parte do imaginário popular, podendo ser até mais populares do que os heróis clássicos, como Superman ou Mulher-Maravilha. 

Após o imenso sucesso da obra, diversos estúdios buscaram ter seus próprios heróis. A Warner Brothers criou seu mal estruturado universo compartilhado com os personagens da DC Comics, o Amazon Prime Video investiu na desconhecida HQ The Boys e a Netflix lançou séries como O Legado de Júpiter e The Umbrella Academy, entre outras produções. 

Pode-se dizer que, atualmente, a indústria cinematográfica vive a era dos heróis, na qual a maioria dos filmes lançados nas salas de cinema são voltados a essa temática. O frenesi não se aplica apenas aos estúdios, já que a busca do público também está voltada para essa vertente, tornando assim, as histórias de super-heróis as mais lucrativas nos dias de hoje. Os Vingadores é um filme icônico, seja pela catarse ao ver o crossover entre vários heróis da Marvel Comics ou por sua qualidade invejável e cativante. Todas as qualidades e acertos do longa ainda repercutem, criando tendências na indústria cinematográfica e projetando o MCU para lugares cada vez maiores na indústria do entretenimento. 

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Nathan Sampaio

É muito comum que os filmes com maior notoriedade no Oscar sejam aqueles que concorrem nas principais categorias, como Melhor Filme, Direção, Ator e Atriz. Ainda assim, há ótimos longas que ficam escondidos, pois são lembrados em apenas em uma ou duas disputas técnicas. Na premiação de 2022, temos um excelente exemplo desse caso: Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis, o longa-metragem indicado na categoria de Melhores Efeitos Visuais. 

Esse novo capítulo nos filmes da Marvel conta a história de Shang-Chi (Simu Liu), filho do líder de uma organização criminosa conhecida como Os Dez Anéis, e treinado desde cedo para se tornar um guerreiro perfeito. Mas o jovem se rebela e foge para viver uma vida pacífica, até que certo dia ele é atacado por criminosos e isso o forçará a enfrentar seu passado. 

Pela sinopse, pode-se notar que o longa não se destaca por ter uma história inovadora ou criativa, afinal há várias outras tramas muito parecidas no Cinema. O que diferencia Shang-Chi de outras obras é sua mistura entre universo de super-heróis e cultura chinesa, afinal é o primeiro filme do MCU protagonizado por um herói asiático. Essa união é muito bem aproveitada tanto na trama quanto no visual do filme dirigido por Destin Daniel Cretton. 

A cultura chinesa influencia diretamente em todo o design da obra, principalmente por trazer elementos da mitologia da região e fazer várias referências a grandes obras do Cinema chinês, como O Clã das Adagas Voadoras, que serviu de inspiração na cena que mostra o primeiro encontro entre Xu Wenwu (Tony Leung) e Ying Li (Fala Chen). 

Muitos mitos se mostram presentes em tela também, pois a equipe de efeitos especiais, comandada por Christopher Townsend, recriou perfeitamente diversas criaturas mágicas, que se tornam muito críveis ao espectador. Até mesmo seres exóticos e que não temos familiaridade se tornam fofos e carismáticos pelas lentes de Bill Pope, o diretor de fotografia. 

Outra evidente inspiração para Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings são os filmes de artes marciais, principalmente os estrelados por Jackie Chan. O protagonista, interpretado por Simu Liu, realiza diversas cenas de ação e luta durante a projeção, espetaculares, muito empolgantes e belíssimas visualmente. Os trechos, muito bem filmados, lembram muito o estilo adotado e popularizado por Chan. 

Bruce Lee também é uma forte influência para as cenas de ação. O astro hollywoodiano fez história no Cinema com seus longas de artes marciais, e Cretton trouxe essa inspiração para o MCU, principalmente na personagem de Xialing, que possui um estilo de luta e uso de armas que se remete muito a Lee. 

Assim como as sequências de ação, os efeitos visuais também desempenham um importante papel nas cenas, pois Wenwu, pai de Shang-Chi, utiliza-se de dez anéis, os quais possuem poderes místicos, para lutar contra os oponentes, promovendo cenas magníficas e criativas. Isso ilustra, mais uma vez, a perfeita união entre elementos do Cinema com inspirações asiáticas, como as artes marciais, com o mundo dos heróis. Essa mistura, tão criativa, traz um frescor a essas histórias tão exploradas nas mídias atuais. 

Todo o elenco está excelente nos papéis, com destaque para Simu Liu e Awkwafina, que transbordam carisma e bom humor, fazendo com que suas jornadas sejam cativantes e divertidas de se acompanhar. Meng’er Zhang compõe uma Xialing dúbia, que parece transitar entre amiga e inimiga a todo momento, tornando-a uma personagem misteriosa e capaz de atiçar a curiosidade do público. 

Tony Leung, astro da Ásia e que finalmente faz sua estreia no Ocidente, constrói um bom antagonista, com uma motivação crível. Sua atuação está incrível, e é uma pena que o roteiro, escrito por Destin Daniel Cretton, Andrew Lanham e David Callaham, não o ajude a se tornar um personagem mais complexo, pois havia muito potencial dele ser um antagonista memorável. 

O elenco de apoio também possui nomes de peso e que constroem personagens cativantes. Dois destaques são Michelle Yeoh, grande nome do Cinema asiático e protagonista do clássico O Tigre e o Dragão, que serve como uma mentora para Shang-Chi, e Ben Kingsley, que reprisa seu papel de Homem de Ferro 3 e atua como um bom alívio cômico na trama, além de ser um pedido de desculpas do estúdio por seu personagem que carregava estereótipos e preconceitos. 

Os pontos negativos do longa, entretanto, estão centrados em sua conclusão. Nesse momento, a direção de Cretton deixa de lado as artes marciais, as quais tinham sido o ápice do filme, para focar em uma briga de criaturas mágicas, que, embora lindas visualmente, não tem o mesmo apreço que os próprios personagens lutando. Além disso, há várias decisões de roteiro que, embora auxiliem no avanço da trama, são inverossímeis ou de difícil aceitação, como a flechada certeira de uma personagem que tinha recentemente aprendido como utilizar a arma. 

Como já dito no texto, esse longa-metragem está concorrendo na categoria de Melhores Efeitos Visuais no Oscar 2022. Essa é a 11ª indicação da Marvel Studios na categoria, não tendo ganho nenhuma vez o prêmio. O estúdio disputa a premiação desde seu início, em 2009, com seu primeiro filme Homem de Ferro. Além da estreia de Tony Stark, outros fortes concorrentes do MCU que bateram na trave foram Doutor Estranho, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato. 

O responsável pelos efeitos visuais no filme é Christopher Townsend, o qual já foi indicado a outros 2 Oscars de efeitos visuais, em 2014 e 2018, por Homem de Ferro 3 e Guardiões da Galáxia Vol. 2, respectivamente. Juntamente dele, há outros dois profissionais que já foram indicados anteriormente, Joe Farrell, nomeado em 2010 por Hereafter e Dan Oliver, indicado em 2015 por Mad Max: Estrada da Fúria. Além deles, o estreante Sean Noel Walker também concorre. 

Esse ano, a categoria de Efeitos Visuais está com diversos blockbusters, pois competem com Shang–Chi e a Lenda dos Dez Anéis, Homem Aranha: Sem Volta para Casa, Free Guy: Assumindo o Controle, 007: Sem Tempo para Morrer e Duna, o qual é provavelmente o favorito na premiação, embora surpresas possam ocorrer. Afinal, Shang-Chi é um ótimo filme que tem um trabalho de efeitos visuais inacreditável e que se mescla muito bem com a proposta e o enredo do longa. 

Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis apresenta uma história divertida e cativante, com protagonistas carismáticos e antagonistas interessantes. A mistura de gêneros e estéticas promove uma experiência única e instigante ao espectador. Além disso, os efeitos especiais são incríveis, conseguindo corroborar para criar cenas de luta magníficas e dar vida a seres míticos da cultura chinesa. Certamente é um longa que  merece muito ser visto por todos, tanto sua indicação ao prêmio de Melhores Efeitos Visuais quanto pela sua qualidade para além disso. 

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Vitor Evangelista

O que significa ser um super-herói? O senso de justiça, o dever a ser cumprido e o regozijo em fazer o bem podem estar na ficha técnica de qualquer mascarado que pirueteia pelas vielas escuras de uma cidade recheada de crimes. O Homem-Aranha, mais do que qualquer outro advento quadrinhesco, ganha novas camadas quando analisamos suas características mais específicas: ele é um adolescente passando pela puberdade, alguém efervescendo e encontrando seu lugar no mundo, em adição a picada do aracnídeo e o combo de grandes responsabilidades que chegam junto dos grandes poderes. 

Em 2018, Homem-Aranha no Aranhaverso soube destacar as particularidades do personagem-título com astúcia, deixando claro que, além do trauma de perder alguém, ser o Cabeça de Teia está muito ligado a ideia de sacrificar seu próprio espaço pessoal em prol de um parente, um amigo ou mesmo uma metrópole. Em 2021, chegou a vez do Peter Parker de carne e osso (Tom Holland) perder o chão e se firmar como o Amigão da Vizinhança que tanto lhe cobraram de ser desde que assumiu o manto em um aeroporto alemão. 

A narrativa de Homem-Aranha: Sem Volta para Casa (Spider-Man: No Way Home, no original) segue os eventos de Longe de Casa, quando um já derrotado Mysterio (Jake Gyllenhaal) dá a cartada de mestre de seu plano maléfico e revela ao mundo a identidade secreta do herói. Em meio ao caos, Peter resgata uma zonza MJ (Zendaya) do linchamento público e, reunido com Ned (Jacob Batalon), May (Marisa Tomei) e Happy (Jon Favreau), o time Aranha precisa decidir os próximos passos.

O Doutor Estranho se lamenta, sem entender que diabos ocorreu. Ele, agora sem o título de Mago Supremo depois de morrer no estalo de Thanos e tampouco sem o poder da Joia do Tempo, assume o papel de carrasco do Aranha, ditando o plano de resgate para que figuras históricas da mitologia de herói possam ser detidas e não causem mais dano à Nova Iorque lavada e sem cor da Marvel. Acontece que, na hora de conjurar a magia que faria boa parte do mundo esquecer que Peter Parker é o Teioso, bolas foram invertidas e as pessoas que tem conhecimento dessa identidade, independente de que mundo moram, estão sendo puxadas para essa Terra.

Assim, retornam 5 grandes antagonistas das sagas anteriores do personagem. Resgatando um vilão de cada produção solo, o diretor Jon Watts começa a movimentar seus peões. Da obra de Sam Raimi, retornam o Duende Verde (Willem Dafoe), o Doutor Octopus (Alfred Molina) e o Homem-Areia (Thomas Haden Church); das aventuras espetaculares, os malvados do pedaço são o Lagarto (Rhys Ifans) e o Electro (Jamie Foxx). Com o circo armado, Parker e Watts precisam, além de pingar os is de uma trilogia que chega ao fim, satisfazer os fãs mais fervorosos do momento.

Afinal, com a abertura do Multiverso (que começou em WandaVision e continuou em Loki), as possibilidades são infinitas. É interessante, entretanto, que na exploração do conceito, o produtor executivo Kevin Feige opte por domar leões conhecidos antes de partir para apresentações inéditas. Se o Mercúrio de Evan Peters do começo de 2021 não passava de uma piada sem graça, o retorno dos eternizados Tobey Maguire e Andrew Garfield é a recompensa que a Casa de Ideias germina desde a concepção dos eventos pós-Thanos. Considerando que ir ao Cinema nesses anos de pandemia se tornou um acontecimento raro, filmes-evento como o terceiro Aranha de Holland não se provam apenas como uma retomada às salas, mas também um gigante alerta sobre a dominância dos arrasa-quarteirões nas bilheterias e nos mercados menores.

Quando foi lançado, Homem-Aranha: Sem Volta para Casa dominou as sessões, chegando a acabar com exibições de longas menos populares, como o Amor, Sublime Amor, de Steven Spielberg, King Richard: Criando Campeãs e até Marighella, de Wagner Moura, que sofreram com orçamentos grandes e um retorno financeiro que não se mostrou à altura. Todos os anos, em principal quando a Marvel reúne seus bonecos de ação em obras derradeiras, a discussão sobre monopólio cultural é acendida e apagada. 

A demanda é alta, é claro, mas se apenas um filme é exibido em uma porção de salas, qual a escolha do público senão prestigiar e assim inflar a bilheteria bilionária? Enquanto o Brasil não fizer nada para regulamentar questões do gênero, a vitrola continuará riscada, repetindo a mesma nota de pesar pelo conteúdo nacional, mas sem efetivamente preferenciá-lo ao lado da Lei. Dito isso, o sucesso mundial do Spider-Man transformou o longa na maior arrecadação da pandemia, além de aumentar um falatório em relação a uma possível nomeação ao Oscar. Mas isso são outros quinhentos.

De volta ao filme, é impressionante notar o fator sorte na direção de Jon Watts. Isto é, depois de Sam Raimi revitalizar o gênero dos heróis (ao lado de Blade e dos X-Men) no início dos anos 2000, e de Marc Webb não permitir que Garfield fosse parte de narrativas empolgantes (e mesmo assim cair no gosto do público), o cineasta da Marvel tem todas as cartas à mostra para celebrar o Cinema do Aranha, fechar ciclos importantes dentro do MCU e ainda sanar a inquietude de quem implorava por um Parker independente, sem as facilitações cedidas pelo Homem de Ferro, Nick Fury e Doutor Estranho.

Por conta disso, momentos como a introdução de Matt Murdock (Charlie Cox) são tanto ou até mais empolgantes que as lutas de Holland com os vilões. A surpresa, rápida e eficiente, de enfim enxergar o Demolidor ser convidado à festa suprime qualquer ação de computação gráfica que tem tesão em destruir concreto e capotar veículos de luxo. Quando atuou em 2004, Alfred Molina era auxiliado por humanos que controlavam seus quatro amedrontadores braços, dando substância à concepção de um vilão que nasceu, em telas, da mente do diretor que brincava com A Morte do Demônio nos anos 80.

Dessa vez, a movimentação do Doutor Octopus não passa perigo algum, por mais que o carisma e a entrega de Molina segurem o tom ameaçador que o personagem sempre exibiu. O contrário vale para o Duende Verde, que muito se beneficia da expressividade imortal de Willem Dafoe. O ator se manteve longe do Cinema mais pop nos últimos anos (apenas montando tubarões no Oceano), alternando sua rotina entre ocupar faróis imundos, motéis coloridos e manicômios artísticos, mas faz de seu último ato como Norman Osborn um espetáculo de loucura e alucinação.

A decisão de abdicar da característica e aterrorizante máscara verde pode doer o coração de quem borrava as calças quando criança só de ouvir a risada e o planador à distância, mas a síndrome Marvel de estampar o rosto dos atores enriquece o Duende, um magnata falido e doentio, sofrendo de distúrbio de personalidades. As trocas entre Dafoe e Holland são as melhores que o jovem ator já teve com qualquer antagonista, e, por conta das nuances do vilão, cada cena oferece múltiplos graus de emoção e tensão, afinal, nem a trilha de Michael Giacchino dá conta de modular as viradas do texto, escrito por Chris McKenna e Erik Sommers.

A música do compositor sabe complementar a direção de Watts, partindo da abertura até a canção que embala os créditos. Aliado à potência de reunir 3 gerações do aracnídeo, o filme se sustenta pela emoção. Afinal, a iminente e já anunciada ponte para a trama do segundo Doutor Estranho impossibilita Sem Volta para Casa de voar alto demais. Mesmo a notícia de uma nova trilogia, desta vez ambientada na faculdade, apenas aterra esse capítulo três como um inevitável acerto de contas da Marvel com os fãs.

Os comentários mais autorais da obra perdem-se no emaranhado de referências, mas não devem passar totalmente despercebidos. Quando reescala J.K. Simmons para o papel de um psicopata da mídia, Jon Watts discursa a respeito da proliferação de notícias falsas e do valor mercadológico da indústria de sensacionalismo. Não à toa, o J. Jonah Jameson da Marvel é um mix de José Luiz Datena com Luiz Bacci de bigodes, partindo de um cenário de porão mal iluminado quando dá o furo da identidade do Aranha, até conseguir orçamento para financiar helicópteros sobrevoando a vida do menino como urubus famintos.

Detalhes desse gênero se camuflam por toda a narrativa do filme. A discussão que permeia o antipunitivismo pode ser mais discutida no campo extra-filme, assim como a escolha de situar o embate derradeiro entre Aranha e Duende por cima dos ideais de paz derrotados no escudo caído do Capitão América. E não é como se o Cinema de herói não encontrasse espaço para discussões mais aprofundadas, mas visto que os Eternos de Chloé Zhao carregam o fardo de filme com a recepção menos positiva do MCU por não se apoiar no já desmiolado e deturpado conceito de fan service (quando a obra atende pedidos diretos de quem a consome), não é estranho que a empresa por trás do império tenha apostado todas as fichas na nostalgia e no apreço pelo que já é passado.

E, falando dos dois grandes monumentos históricos de Sem Volta para Casa, Tobey Maguire e Andrew Garfield brilham no maior filme de 2021. Os Aranhas experientes são um complemento à jornada de Tom Holland no papel, formando a base para que, sem um lar físico ou emocional, ele possa seguir em frente. O conceito de moradia que permeia a versão da Marvel para o personagem culmina no medo mais genuíno do homem, o de se encontrar sem um norte, sem uma casa para voltar. Para se tornar o Spider-Man que Stan Lee e Steve Ditko criaram em 1962, Tom Holland precisava não apenas ir ao baile de formatura com a filha do Abutre, virar um Vingador, lutar contra um alien roxo e ter sua identidade secreta revelada. Ele precisava perder o tio Ben.

Mas não existe Tio Ben na Marvel, nunca existiu. Como então rasgar o coração com oito patas do jovem? Como destruir seus sonhos e dilacerar sua alma? Voltando à origem da concepção moderna do Teioso nos cinemas. Não há inimigo mais terrível que o Duende Verde, não há vítima mais letal que a Tia May, não há como esse caminho ser desviado. Com grandes poderes, vem grandes responsabilidades, já disseram três parentes, agora falecidos. E eles falaram a verdade. A juventude e a inocência de Holland foram expurgadas de seu corpo cansado, machucado e dolorido.

Se nem MJ nem Ned sequer se lembrarão do nerd do Queens, o que lhe resta para continuar se pendurando pelos prédios da Grande Maçã, ele questiona seus mentores-irmãos. Nem Maguire nem Garfield têm o gabarito em mãos, mas suas experiências de perda, luto e sobrevivência oferecem suficiente compaixão e esperança para Holland. O amanhã pode ser cinzento, mas ele deve continuar na jornada. Sem namorada, sem melhor amigo, sem tia, sem Stark e sem Estranho. Sem volta para casa, sem emprego e sem formatura. Sem todos os mimos que lhe privilegiavam, mas com grandes responsabilidades nas costas. Bem-vindo, Peter Parker, será ótimo te conhecer ainda mais.

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Vitor Evangelista

O conceito de virgindade é cultural, mas se tem uma coisa que o épico bíblico Eternos faz é deflorar o Marvel Studios. Recheado de barreiras quebradas, a aventura comandada pelas mãos de ouro de Chloé Zhao não apenas ruma as investidas do Universo Cinematográfico para longe do sanduíche dos Vingadores, como também vai de encontro a uma leitura muito mais interessante desses heróis em roupas de látex. Ainda por cima com mais de dez anos de histórias nas costas e a exaustão da fórmula pipoca das narrativas.

Sem qualquer aparição dos Heróis Mais Poderosos da Terra, o filme de 2021 apresenta uma visão acima dessas figuras. Partindo de uma introdução histórica e um bocado celestial, somos, então, colocados à frente dessas espécies de deuses, seres místicos, sábios e super poderosos, destinados a batalharem contra os Deviantes, monstros sanguinários. Mas, longe da avareza do Homem de Ferro ou do lado mesquinho de Steve Rogers, a Grande Família dos Eternos oferece uma visão menos unilateral das narrativas advindas dos quadrinhos.

Isso se reflete na perspectiva de sua genitora, a premiada e aclamada Chloé Zhao. Recém-vencedora de dois Oscars, incluindo o histórico troféu de Melhor Direção, em sua quarta produção na cadeira de chefona, Zhao mantém o olhar cuidadoso e por vezes documental que envelopa suas produções. Depois de sobreviver aos Estados Unidos do século XXI na Terra Nômade, ela decide migrar para um plano maior, tanto em espaço quanto em tempo.

O roteiro, assinado por ela ao lado de Patrick Burleigh, Ryan Firpo e Kaz Firpo, é despreocupado em se adequar ao molde ocidental dos três atos e da história de ascensão, queda e redenção. Bebendo de fontes orientais e do formato Kishotenketsu, construído em quatro “capítulos”, o texto imerge o espectador na história e foca, ao invés de conflitos e reviravoltas costumeiras, em uma experiência de contemplação e ambientação. Os Eternos não salvam o mundo em uma trama envolta em mistérios e traições, pelo contrário, para combinar com a longevidade que carregam no próprio nome, esses seres místicos e mágicos aprendem a viver com as mudanças das batalhas.

Quase uma história “sem conflitos”, não é estranho que a recepção do longa-metragem seja a menos positiva do MCU. O filme tem notas piores até que as de Thor: O Mundo Sombrio, Homem de Ferro 2 e Capitã Marvel, de longe os tomates podres do estúdio. Na verdade, a estranheza de Eternos faz parte do lado ímpar de sua construção de berço. Chegados à Terra há mais de 7 mil anos, esses personagens passaram, literalmente, por todos os eventos que moldaram a humanidade, da Mesopotâmia à Segunda Guerra Mundial. Sem a liberdade de intervir em favor do mundo dos homens, os Eternos assistem passivos às drásticas ações do tempo.

Chloé Zhao, rainha da imersão e da mundanidade, coloca o público no mesmo barco. Com quase duas horas e quarenta de duração, os acontecimentos do filme vão em zigue-zague (outra característica marcante da construção oriental da trama), indo e vindo no mundo, no calendário e na mente dessa galera que não envelhece. A complicação narrativa, que chega na “terceira parte” do filme, revisita o começo e oferece uma reviravolta mais simbólica do que palpável. Nós, como espectadores, podemos reavaliar a visão leviana de início, mas não há nada a ser feito.

Importante, e vital, reiterar o caráter de epopeia do filme, que se descola do que a Marvel acostumou seu público, de Homem de Ferro à Shang-Chi. Em Eternos, Thanos é uma baratinha, e o inseticida está em uma prateleira alta demais. Existem problemas maiores, existem preocupações melhores; o tempo passa, a eternidade não. Para vender bem esse peixe, era necessário uma grande química do elenco, escolhido sabiamente e respeitando a diversidade que uma história desse nível pede. A liderança cai no colo de Ajak (Salma Hayek), que ordena bem as emoções e o sentimento materno que a personagem emana.

Embora tenha menos tempo de tela que seu rebanho, a Eterna curandeira faz sua presença (e ausência) serem latentes e imprescindíveis para o andamento da trama. Ao seu lado, e depois de interpretar uma personagem classe C em Capitã Marvel, Gemma Chan retorna como Sersi, heroína benevolente e talvez a mais empática do grupo. Fosse Eternos um filme realizado dez anos atrás, é capaz que a figura de protagonismo fosse dada a uma Angelina Jolie da vida, mas a série de “primeiras vezes” da Marvel acaba por beneficiar a escalação caprichada de Chan, que tem carisma suficiente para contracenar com qualquer Vingador daqui para frente (por mais que a química com seus pares românticos deixe a desejar).

Na pele da primeira mulher asiática protagonista, a atriz não é a única a fazer história. Zhao é pioneira na direção, e após de Anna Bowen e Cate Shortland, se sagra a primeira mulher asiática a comandar o MCU no Cinema. Além disso, Eternos se envereda para outros cantos: primeira heroína e intérprete surda (a lendária Makkari de Lauren Ridlof), primeiro herói indiano (o astuto Kingo de Kumail Nanjiani) e coreano (o fofo mas bravo Gilgamesh de Don Lee), primeiro beijo entre dois homens e primeira cena de sexo (que deu o que falar, mas não entrega nada que a criançada que assiste os filmes do James Gunn não tenha ouvido antes). 

Recebido com censura em países homofóbicos, Eternos se prostra como um avanço desejado e oportuno. Ninguém aguenta mais a jornada do herói, ou as mesmas sequências de ação super coreografadas. E, para quem ainda anseia ver o Homem-Aranha nas tramas juvenis ou o Thor fazendo piada de pinto, seus filmes ainda existem e continuarão existindo por um bom tempo. Olha só, mês que vem, o Doutor Octopus de Alfred Molina volta às telonas, pois o poder da nostalgia é uma das maiores fraquezas humanas, perdendo apenas para o pescoço.

Sequências de amor, seja ele o ato sexual ou um tocar de mãos ao anoitecer, são o singelo lembrete que heróis são pessoas, e pessoas transam. Melhor dizendo, pessoas vivem. Amam, brincam, lutam, ficam bravas e tem sonhos de loucura. Nas transes que justificam sua participação singela e diminuta em Eternos, a Thena de Angelina Jolie parece atuar mais como um pilar de admiração do que uma figura de ação equiparada a seus companheiros de equipe. Constantemente separada do grupo, sem contar suas interações riquíssimas com Gilgamesh (o hilário e subaproveitado Don Lee), Thena é a guerreira que Jolie se orgulha em dar vida. 

Estrela da Hollywood da virada do século, é preciso reconhecer que sua Malévola é mais Marvelística que qualquer traço da Eterna loira que mantém um olhar distante, unindo dor e saudade e usa branco e amarelo na armadura. A cor dos uniformes lava a imagem colorida e quase pornograficamente cromatizada que o criador Jack Kirby desovou nos anos setenta. A visão de Zhao, pendendo para o marrom e o bege, não apenas apaga a Guernica da Marvel, como reflete que o Cinema de hoje tem uma predileção trivial que, para ser levado mais a sério, uma obra deve beber da sobriedade. Afinal, não existe nada mais infantil que um filme do Thor todo gozado de neon, não é Taika Waititi?

A maturidade de Eternos reivindica seu local de fala original, e dentro da visão banhada da diretora, o design de produção e os figurinos elevam o material, acenando para as páginas dos gibis mas mantendo certa classe. Quem se aproxima sem pudores da criancice, não à toa, é Sprite, que no Brasil teve seu nome traduzido para Duende. A jovem garota, interpretada com o sarcasmo lírico de Lia McHugh, é quem mais rememora as HQs, e tem em sua trama toques de Entrevista com o Vampiro, em uma discussão quase inédita da prisão do corpo humano.

Concomitante a Eternos, enquanto Titane choca com o horror corporal elevado à enésima potência, Sprite sente que vive em uma prisão que a separa gradativamente do amor e do afeto. Também recentemente, What We Do in the Shadows lidou com o tédio de se viver para sempre, e, depois do MCU pintar e bordar com o humor que não leva em conta a vida, o universo e tudo mais, é um alívio assistir os Eternos cansados de serem, bem, eternos. Claro que essas leituras pontuais extrapolam qualquer subtexto que o filme imprima originalmente, mas a discussão não é nova: a Arte pertence a quem a consome.

E se quem a consome tem a figura de um cantor pop britânico como o símbolo de atração sexual de uma geração inteira, é apenas uma feliz coincidência que Chloé Zhao pareça concordar com a afirmação. Fato é que Eternos não existe para agradar os aficionados pelo estalo de Tony Stark. Se isso é um detrimento ou uma qualidade, não cabe ao filme se preocupar, pois ele tem seus olhos em outro objetivo: o de ser sustentável por si só. 

Para guiar o caminho e criar empatia com as criaturas, Eternos toca notas próximas de nós, ficcionalizando sobre eventos traumatizantes e que moldaram o mundo. Quando Phastos (o excepcional Bryan Tyree Henry) chora em meio a uma Hiroshima devastada pós-bomba atômica, o público sente a impotência ou, pelo menos, se importa em entender aquele lamurio. Para a mitologia que gasta tanto seus heróis ao ponto de reciclá-los em qualquer cenas pós-créditos ou menção honrosa possível, Eternos se sai bem ao não soar guloso ou procurar a saída mais simples.

O Universo Cinematográfico da Marvel acabou de abrir portas para o multiverso, enquanto assobia para os Mutantes e acaricia a ideia dos vampiros, e seria uma mão na roda se Zhao optasse por fazer chamada e ir colocando em sua arca cada uma dessas figuras míticas dos quadrinhos, mas que bom que ela não o faz. De suas obras anteriores, ela coleta elementos específicos e os adapta para o que a Marvel entende por Cinema. A sutileza de Songs My Brothers Taught Me (2015) é dobrada por cima de Makkari, a resiliência de Domando o Destino catapulta a experiência fílmica de Phastos, e a câmera na mão que flerta com o documental de Nomadland se reflete na poderosa e crescente jornada de Sersi.

Chloé Zhao entende onde estão e como quer chegar a seus objetivos, nem para que isso se curve a algumas máximas do entretenimento pipoca. O humor desregulado de Kumail Nanjiani opera em sintonia com a gozação de Druig (o extremamente atraente e altivo Barry Keoghan). O mesmo vale para a aparente virgindade de Dane Whitman (Kit Harington), que vai se desdobrando no gancho mais clássico da Marvel, o da herança eterna e da predileção pelo destino. A breve aparição de Kro (Bill Skarsgard) é necessária para que a função de vilão não sofra da difusão narrativa que Eternos toma como regra geral.

Afinal, deuses não tem oponentes à altura, senão eles próprios. Thena é uma ameaça, mas Angelina Jolie é grande demais para receber o tratamento básico da mulher superpoderosa que joga amarelinha entre o Céu e o Inferno. Richard Madden esconde bem as cartas na manga, e a tara pelo biblíco segue à letra uma narrativa de redenção e queda que pode muito bem ser servida daqui alguns anos, quando o mundo entender o papel de algo como Eternos na grande máquina que se tornou a experiência Marvel de fazer Cinema.

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Vitor Evangelista

Antes mesmo de lançar sua primeira série de TV, o Universo Cinematográfico da Marvel já usava a estrutura da telinha para contar histórias. Kevin Feige, a mente por trás do império, ligava os filmes entre si, como capítulos na grade semanal. Por conta disso, ao anunciarem a migração do início da Fase 4 para o Disney+, a empresa suscitou a curiosidade: como eles se comportariam frente ao formato propriamente dito? A Marvel seria capaz de sustentar uma narrativa difusa e não condensada nas duas horas e meia que acostumou o público a assistir, com óculos 3D e um baldão de pipoca com manteiga? O fim de WandaVision responde algumas dessas questões.

Foram oito semanas de exibição, passeando entre as eras da Televisão. Cada capítulo ganhava um título sugestivo de seu papel metalinguístico, e os créditos comiam boa parte da duração. As seis horas de conteúdo, prometidas no modelo Marvel televisivo, não passaram de balela. Essa foi a primeira mentira. A direção de Matt Shakman, de cara, soube extrair o ouro das inspirações cômicas na qual o cerne de cada episódio era construído em volta. I Love Lucy, A Feiticeira, The Brady Bunch, não havia maneira melhor de inserir o MCU na TV que não fosse homenageando esse meio.

Algo que Kevin Feige sempre teve em mente enquanto revolucionava o cinema blockbuster com a Saga do Infinito era a ciência de quais fontes beber. Os filmes da Marvel dosaram a mão para, na mesma medida, homenagear e criar cenas memoráveis o bastante para se tornarem referência no futuro. Nesta década de construção da tensão e do clímax de Thanos, a Televisão americana passava por sua própria ascensão. O apreço pelas minisséries tomou Hollywood de solavanco, grandes nomes das telonas fizeram TV e foram reconhecidos e premiados por isso. Estrelas do próprio hall dos Vingadores, como Mark Ruffalo, tiveram performances desafiadoras e ovacionadas. 

WandaVision começou como uma estranha sitcom que homenageava as sitcoms do passado. Cada capítulo mudava completamente o formato, a linguagem, a abertura e até o cenário. Era uma aula de história com personagens da Marvel, algo inédito para o Universo que já fez de tudo, desde romances shakespearianos até óperas especiais e comédias no Ensino Médio. Então, quando saímos do ambiente do Hex, o misterioso domo que abrigava Westview, para entender o que rolou no mundo de fora, a minissérie perdeu o fôlego e nunca mais conseguiu recuperá-lo.

Para quem estava investido em Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e no Visão (Paul Bettany), de nada importava a quantas andavam as coisas depois do Blip. Mas, mesmo assim, o roteiro encheu a tela com a presença de Monica Rambeau, Jimmy Woo e Darcy Lewis. Coadjuvantes bons? Sem dúvidas! Mas no que eles agregariam à série de origem da Feiticeira Escarlate? Volta à nossa mente, então, que a Marvel já fazia TV e enfiava personagens onde podia para dar o nó narrativo e suspirar no fim: “olha aí, estava na nossa cara sempre”. Quando o último capítulo sobe as letrinhas, e nenhum desses rostos periféricos tem o mínimo de desfecho, WandaVision decepciona.

Uma cena entre créditos de Monica encontrando alguém que pode guiá-la à Capitã Marvel 2 ou à Invasão Secreta não é o suficiente para quem acompanhou sua jornada aqui. A Darcy (Kat Dennings, subaproveitada), coitada, que passa O Grande Final sumida e aparece atropelando o grande chefão do mal, nem ganhou segundos a mais de tela para criar uma ponte com Thor 4. Falando no vilão, que é bunda mole o bastante para nunca representar ameaça alguma, Hayward é o cuspe de todos os generais que a Marvel já usou de antagonistas: sem primeiro nome, sem carisma e sem motivação. Ele queria parar a Wanda, pois! Mas, e o motivo? Ah, porque sim.

Todo o enredo da corrupção da S.W.O.R.D. já foi feito melhor em Soldado Invernal. Os momentos fora do Hex e longe da série da Wanda ajudaram a tornar enfadonha a experiência de acompanhar uma história honesta sobre perda e dor, protagonizada pela personagem mais interessante da Marvel. No episódio 8, Wanda participa do Arquivo Confidencial do Faustão ao lado de Agnes, e a bruxa revê uma de suas primeiras interações com o futuro marido, logo após a morte de Pietro em Era de Ultron.

Quando expressa o vazio que sente, Wanda ouve um Visão, ainda confuso com as emoções humanas, declarar em forma de dúvida, “o que é o luto, se não o amor que persevera?”. A Marvel nunca antes havia mergulhado com vontade em temas inerentes ao comportamento social dos heróis. Essa fala do robô acontece uma semana depois da minissérie homenagear Modern Family para mostrar o estado depressivo da protagonista. A mudança das décadas entre sitcoms ajudou a denotar a fricção do modelo de família americana que os Estados Unidos representava.

O que começa com os anos 50, a esposa de saia rodada e com a capacidade de cozinhar uma refeição enorme em poucos minutos, se tornou uma desconstrução do papel das narrativas televisivas na vida de quem assistia. Ninguém é perfeito no mundo real, então isso não deveria ser feito na ficção. A casa muda de tamanho, os bebês nascem e crescem. O protagonismo é compartilhado. Quando chegamos nos anos 2010 e Modern Family vira o papel-carbono da semana na Marvel, eles falam sobre depressão, sobre medicamentos e sobre como aceitar essa condição é o primeiro passo para a melhora, por menor que seja.

Super-herói tem direito a terapia? A minissérie tinha tudo para responder isso, fugir do clichezão das lutas aéreas e justificar seu papel como precursora televisa, abrir a Fase 4 e reapresentar a Feiticeira nesse contexto pós-Thanos, sem irmão, sem marido e completamente instável. Ela vivia sua própria e autoinduzida quarentena, enquanto o mundo fazia o mesmo, mas sem o poder de escolha. Wanda Maximoff, uma mutante nos quadrinhos, era peça central das histórias dos X-Men, a minoria que lutava por respeito. O que é WandaVision, senão a Marvel finalmente adereçando temas sensíveis e usando heróis de collant e látex no processo?

Não houve equívoco maior. A razão está ligada ao vício da série em querer se justificar e explicar cada frase e cada cena. O Arquivo Confidencial do episódio 8 foi eficiente por revisitar os traumas em favor do desenvolvimento de Wanda. Assistimos o momento onde sua infância mudou para sempre. O passatempo da família em Sokovia era devorar séries americanas (a-há!), até que uma bomba explodiu os pais dos gêmeos, que passaram dias esperando um míssil Stark ser acionado e finalmente acabar com o sofrimento dos Maximoff, matando-os. 

A bomba nunca fez o seu trabalho. Agnes revelou que Wanda usou magia de probabilidade para salvar sua pele e a de Pietro. A Joia da Mente, na verdade, apenas despertou uma parte dormente dos poderes da jovem Wanda. Um artifício de retcon interessante e pertinente, colocando a jovem mulher como um receptáculo muito maior do que os filmes da Marvel nos mostraram. Numa conferência da S.W.O.R.D., Hayward pergunta enfaticamente se Maximoff tem algum ‘apelido engraçado’, para o que algum coadjuvante nega. WandaVision cai nas armadilhas que a própria Marvel tem feito de piada nas produções recentes, jogando a isca para Wandinha ser chamada do que sabemos que ela será chamada.

O que resulta no pensamento e terrível constatação que as personagens femininas necessitam de tramas engessadas e momentos de batismo clichês, pelo fato dos homens terem feito isso oito anos atrás, e, agora, essas batidas narrativas soam tão fracas e gratuitas (uma pausa para falar que a cena de Agnes nomeando Wanda é sensacional e não deve nada aos heróis babões dos Vingadores). Capitã Marvel, primeira mulher a ganhar um filme solo, só conseguiu o feito 2 anos atrás. Viúva Negra morreu e só terá história própria agora. Wanda era até anteontem pintada como a deusa, louca e feiticeira do grupo, sem personalidade própria ou tempo de tela suficiente para ganhar apelo para além do carisma de Olsen. 

Precisou uma pandemia mundial e o desgaste monstruoso do cinema para as mulheres ganharem o protagonismo e fugirem do arquétipo do par romântico, da maluca ou da personagem poderosa demais, mas estranhamente sem minutos suficientes para trabalhar com essas habilidades. E querer usar a Feiticeira como arma clichê do gênero não representa algo maléfico, mas WandaVision fez representar. A escolha de exibir semanalmente os curtos capítulos abriu espaço para um alvoroço e para a criação das mais mirabolantes teorias.

E elas foram a bênção e a maldição da série criada por Jac Schaeffer. Tudo começa com a notícia de que a trama WandaVision desembocaria diretamente em Doutor Estranho 2, que tem Multiverso no título. O que vem de antes, considerando a compra da Fox pela Disney, e lê-se aqui que os X-Men agora podem aparecer no MCU. Eis que, no meio de uma discussão entre o casal principal, alguém bate à porta. Ding-Dong. É um homem branco, jeito de moleque e de cabelos intencionalmente prateados. Evan Peters, que fez o Mercúrio na saga dos Mutantes anos atrás, dá as caras aqui vivendo o mesmo personagem, velocista alado e irmão da Wanda.

As pessoas perderam a cabeça. Dúvidas e teorias se multiplicaram como coelhos no inverno. A interpretação de Evan Peters remete ao ar jocoso do Pietro da Fox, mas toda sua origem é a da versão que morreu em Era de Ultron. Quais são os planos da Marvel? No fim, o estúdio apenas confirmou o receio já latente de que a simplicidade comanda o Universo. Esse Mercúrio, que era ponto central da história de WandaVision e uma demonstração física da estranheza proposital do seriado, some e nunca mais é dedicado a ele tempo para se justificar ou, ao menos, para existir ali

O que foi repetido pela presença de Agnes. A vizinha enxerida passa o começo da série citando seu marido Ralph e fazendo piadas de duplo sentido com o Inferno e o Diabo, mas nada evolui. Parece que o time de roteiristas tinha ideias, mas elas morreram no processo de solução dos mistérios e mesmo assim foram mantidas. Foi a Agatha o tempo todo! Ainda bem, pois o que não precisávamos era de mais um vilão genérico homem e sem qualquer carisma ou singularidade. A presença iluminada de Kathryn Hahn, acostumada ao formato de sitcoms na carreira, é o fator determinante do saldo positivo de WandaVision.

Um saldo positivo que a cada semana ia extraindo tudo de bom e focando nos fatores mais prejudiciais da série como série. A simplicidade ter reinado por 8 semanas não era um bom sinal. O que não significa que WandaVision precisava de cameos malucas, teorias confirmadas ou a aparição do Quarteto Fantástico, nada disso. A cultura da teoria tem reivindicado esse lugar de barulho, onde algo só é bom e vale a pena se o Luke Skywalker aparecer de surpresa e salvar o Baby Yoda de todo o mal.

A revelação da Agatha sozinha funciona por influenciar a jornada de Maximoff sem soar gratuita. A série da Feiticeira e do Visão não precisava de nada além da Feiticeira e do Visão. O que nasceu com a promessa de desvendar o luto, os traumas e as consequências da tristeza em alguém super humano, acabou renegando esse caráter de sensibilidade e força. Qual a solução que fica? O luto é passageiro e tudo vai dar certo porque seu marido robô ainda pode viver e os filhos mágicos estão em algum lugar por aí? WandaVision começa com Wanda sem controle dos poderes e buscando maneiras de controlar seus sentimentos, e acaba com ela tendo feito exatamente isso, mas pulando o momento de viver com a perda e entender o papel eterno e duradouro das ações de Thanos. 

A metamorfose das décadas televisivas em WandaVision não teve papel na narrativa, fora a estética e a graça de piscar para os nerds da TV. Se o Visão voltou, as crianças têm chance de retornar, e ninguém de Westview se revoltou contra a bruxa, então de que serviu a jornada dela por 9 episódios? Passar de superpoderosa descontrolada para superpoderosa controlada não é um arco narrativo satisfatório, e foi feito mesmo assim. E a parte triste é que a mente por trás dessa escolha tinha total ciência das consequências. Agora, aguardemos para ver Wanda ao lado do Doutor Estranho, torcendo para a Marvel não decidir jogar tão baixo novamente.

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Vitor Evangelista

Ciência e magia derivam do mesmo significado. O mago e o sábio andam lado a lado. Em 2011, a Marvel lançou a trilogia de Thor, o Deus do Trovão, e se baseou muito nessa dualidade. Com um tom não-linear e má recepção da crítica e da audiência, o Vingador bambeou e quase caiu, mas agora está pronto para enfrentar Thanos, com ou sem martelo.

O primeiro filme foi lançado em 2011. Autointitulado e sem subtítulos, o longa foi dirigido por Kenneth Branagh, que, além de diretor, também atua: ele viveu o professor Lockhart de Harry Potter e a Câmara Secreta e protagonizou e comandou Assassinato no Expresso do Oriente. Branagh é também conhecido por seu trabalho envolvendo as obras de William Shakespeare. 

Kevin Feige, produtor dessa leva de filmes do UCM (Universo Cinematográfico da Marvel), definiu Thor como sendo uma obra familiar com influências das peças do inglês. Isso chamou atenção de Branagh, que aceitou o cargo de comandar essa releitura do clássico personagem.

A trama do primeiro longa gira em torno da saída do personagem de seu cotidiano para ser posto a prova e provar ser digno de empunhar o martelo. Chris Hemsworth é Thor, Tom Hiddleston rouba toda as atenções com seu Loki queer e Anthony Hopkins fecha o trio celestial dando vida a Odin, o Pai de Todos.

Hemsworth é ator de comédia e sempre tentava encaixar improvisações nas filmagens, algo que só alcançou com tranquilidade em Thor: Ragnarok, de 2017. Tudo isso graças à liberdade provida pelo diretor Taika Waititi.

O filme constrói Asgard com uma pintura mais metalizada e colorida, com um senso de pitoresco, os figurinos são espalhafatosos e elegantes. As composições visuais transmitem a negação do sóbrio, visão turva e luzes incandescentes permeiam as festividades asgardianas. Em contraponto, quando o longa se agarra à Terra, ou Midgard, a cinematografia perde o glamour e filma o bom e velho meio-oeste americano. A palheta empoeirada toma os holofotes e a identidade visual do filme morre.

O diretor utiliza um estilo de filmagem chamado ângulo holandês, onde a câmera se inclina para a direita a fim de causar desconforto. Normalmente é utilizado para despertar o senso de estranheza, simbolizado aqui por Thor morando na Terra. Entretanto, Branagh banaliza a técnica, que vira um simples adereço sem funcionalidade.

Dois anos depois de uma recepção morna e desinteressada, a Marvel voltou a colocar o herói no Cinema. Com o subtítulo de O Mundo Sombrio, a produtora exploraria aqui ainda mais a junção do cientifico com o mágico, apresentando uma das Joias do Infinito.

Agora comandado por Alan Taylor, o segundo filme do Thor abusa de tons fúnebres, uma gama de sequências de batalha e uma visão mais sóbria da terra dos deuses. Alan Taylor, que é um diretor de TV, já deu voz de direção para diversos episódios de Game of Thrones, exemplo de como o cineasta consegue tratar tanto de questões internas das personagens quanto de explosões e sentimentos à flor da pele.

A produção de O Mundo Sombrio começou conturbada quando Patty Jenkins (Mulher-Maravilha) saiu do projeto após divergências criativas. A diretora focaria mais na relação amorosa de Thor e Jane Foster (Natalie Portman), mas os executivos barraram a ideia, querendo uma trama mística que engrandecesse a mitologia do personagem naquele universo. Portman também quis dar voz de criação a si mesma, e reescreveu diversos pontos chaves que envolviam sua personagem.

Porém, os executivos não curtiram a ideia e deram a sentença: Portman reduzida a par romântico e adereço de cena. Essa foi sua última participação no UCM. A atriz tinha deixado tão de lado a obra que não pode estar presente na gravação da segunda cena pós-créditos. Nela, Thor volta à Terra e tasca um super beijo em Jane Foster. Com a ausência da vencedora do Oscar, a saída foi colocar uma peruca morena em  Elsa Pataky, esposa de Chris Hemsworth, e pedir para que beijasse o próprio marido.

Esse segundo filme foi marcado por diversas más experiências dos atores envolvidos. Além de Portman, quem veio a público foi Christopher Eccleston, que interpretou o vilão Malekith, um Elfo Negro. Além de ter suas cenas diminuídas e ofuscadas para dar espaço a outro antagonista, Eccleston odiou o processo demorado de maquiagem e figurino.

Além da trama que encabeçava uma destruição em Greenwich, Londres (fugindo, assim, do clichê de destroçar Nova Iorque), o filme apresentou outra das Joias do Infinito, a da Realidade. De coloração vermelha e na forma líquida do Éter (Aether, no original), a Joia da Realidade é a mais poderosa de todas, a mais difícil de controlar e pode sobrecarregar seu portador. Jane Foster é possuída pela força da gema, e Thor luta pra livrar a astrofísica da morte certa. Atualmente, a Joia da Realidade está em posse do Colecionador (Benicio del Toro), o charlatão acumulador de Guardiões da Galáxia, a outra saga cósmica da Marvel.

O Mundo Sombrio é amargo, e finda a era dark dos filmes do Deus do Trovão. As decisões tomadas pela Casa de Ideias levaram os personagens a um estado de exaustão, que só seria exaurido no fechamento da trilogia. E Thor ficou de molho.

O estúdio, descontente com a recepção do filme de 2013, deixou o personagem fora dos holofotes, apenas o colocando como coadjuvante em Vingadores 2, de 2015. Isso mudou quando, em 2014 e 2017, os Guardiões da Galáxia se tornaram um sucesso, com uma trama cômica cheia de um humor escapista e metalinguagem. Essa nova visão do universo de super-heróis deu um respiro à indústria, cada vez mais desgastada.

A Marvel procurou um diretor especializado em Comédia para dar partida no último filme de Thor. O escolhido foi Taika Waititi, um neozelandês maluco que adora improvisação. Waititi dirigiu uma porção de comédias independentes e adorou a ideia do novo projeto: uma visão totalmente inexplorada do Deus do Trovão, e também de Chris Hemsworth.

O ator auxiliou na criação de boa parte do roteiro e mesmo assim improvisou muito na hora que a câmera começou a gravar. Foi ele também que pediu uma mudança de locação das filmagens. Hemsworth, que é australiano, mudou o set para seu país natal. Além dele, a vilã do filme, Cate Blanchett, também australiana, adorou a ideia.

Blanchett vive Hela, a Deusa da Morte, que muda o status quo de toda a realidade asgardiana. Desde a devastação da região até a quebra do Mjölnir, é Hela quem tira Thor da caixinha e dá a ele o gostinho do sofrimento e da perda – algo que será explorado agora por Thanos em Guerra Infinita.

A excentricidade do Grão-Mestre é o que mais chama atenção na interpretação lúdica de Goldblum, um ator ímpar. Para completar o time Thor, a Marvel traz de volta outro Vingador, o Hulk (Mark Ruffalo). Parcialmente adaptando a saga Planeta Hulk, o personagem é um gladiador que luta nas Arenas do Grão-Mestre e não retoma a consciência de Bruce Banner há dois anos. 

Outro fator determinante para o sucesso de Thor: Ragnarok é a identidade sensorial do filme. A curadoria sonora da obra e a escolha de cores consegue transmitir com propriedade a contribuição de Jack Kirby, famoso e célebre quadrinista, para a saga do personagem. 

Thor e Hulk ficaram de fora de Capitão América: Guerra Civil, de 2016, e a saída cômica para explicar o ocorrido foi um falso documentário lançado na San Diego Comic Con, antecedendo o lançamento de Ragnarok.

Ao final do terceiro longa, Thor se encontra numa posição vulnerável. A chegada de Thanos desestabilizará ainda mais o personagem. E, ao que tudo indica, Chris Hemsworth fará suas últimas participações na Marvel em Guerra Infinita e em Vingadores 4, que será lançado em abril de 2019.

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