Já estamos cansados de reclamar da situação do país em meio a esse turbilhão de confusões, esquemas e agressões vindas da politicagem brasileira. Será que a Arte ainda é capaz de nos fazer esquecer de toda essa bagunça no mundo exterior? Ou é ela que nos mantém sãos? Bem, não há resposta certa para isso. Junho chegou, Junho foi embora e a leva de filmes e séries que marcaram a metade do ano não poderia ter sido mais diferente uma da outra.

No mundo cinematográfico, onde alguns poucos irresponsáveis arriscam ir aos cinemas, as produções foram escassas e não muito chamativas. Os apaixonados pelo medo e pelo horror ganharam de presente duas bombas: Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio não é um fracasso completo, mas abala o ânimo dos fãs da franquia com uma trama fraca e pouco impressionante. Por outro lado, para quem pensava que não poderia ser pior, Espiral: O Legado de Jogos Mortais se esforçou para entregar um dos piores filmes da saga de Jigsaw. Não foi dessa vez que o deus da carga dramática te abençoou, Chris Rock.

Os streamings, pelo menos, nos garantiram um pouco mais de diversão. A nova animação do Disney+ pode ter uma narrativa marcada pela simplicidade, mas não falha em emocionar o espectador com a sua fofura. Estamos falando de Luca, que conta com os dois monstros marinhos mais carismáticos desde o peixão apaixonado de A Forma da Água, lá em 2017. Pelas mãos da dona Netlfix, Carnaval foi lançado e conseguiu o feito de nos fazer fechar a cara só de ouvir o nome da melhor festa do ano. Mesmo assim, nessa altura do campeonato, dá vontade de pular um bloquinho, não é?

Lin-Manuel Miranda emplacou mais um hit e trouxe os musicais de volta ao cinemas com Em um Bairro de Nova York, que encantou a crítica com suas coreografias e o protagonismo de Anthony Ramos – não, não é o ator da Globo. No entanto, faltou tato por parte da produção do filme, que foi duramente criticada pela falta de representação entre o elenco principal de afro-latinos no bairro de Washington Heights. Apesar de Miranda se pronunciar “verdadeiramente arrependido”, o resto dos envolvidos protagonizou um show de horrores ao comentar a polêmica. Complicado, Rita Moreno.

Na parte da TV, o cenário foi mais positivo. No Brasil, O Caso Evandro chocou tanto que até ganhou episódios extras, com informações importantíssimas que só foram descobertas pela repercussão do documentário. Colônia, original do Canal Brasil, ganhou casa no Globoplay, dando voz e rostos aos temas do livro Holocausto Brasileiro, de Daniela Arbex.

O Amazon Prime Video finalmente investiu nas produções nacionais, entregando DOM e Manhãs de Setembro. A primeira leva a periferia e o tráfico em discussões que perpassam temas sociais, enquanto a segunda finalmente dá a Liniker um papel de atuação. A artista canta e encanta, se firmando como um símbolo de poder e resistência nesse Mês do Orgulho.

Fora do radar nacional, We Are Lady Parts inovou as típicas narrativas musicais que estamos acostumados, Grey’s Anatomy finalizou seu 17º ano na união da ficção de Meredith com a pandemia do mundo real e RuPaul’s Drag Race Down Under se provou a pior temporada do reality de competição de drag queens. Original do Hulu, mas com exibição do Paramount+ no Brasil, The Handmaid’s Tale finalmente entregou um ótimo capítulo neste livro de sofrimentos que é a vida de June.

A Netflix continuou Lupin e nos deu uma overdose de Elite. Além da estreia do quarto ano da sacanagem espanhola do Ensino Médio, fomos agraciados com curtas especiais, que não agregaram muito, mas foram agradáveis de acompanhar. O HBO Max aterrissou por aqui e duas de suas melhores produções acabaram em Junho: Hacks coroa o talento inestimável de Jean Smart na comédia e Legendary continua na construção de seu maravilhoso império. É sério, vejam Legendary.

O Mês do Orgulho coloriu a arte desse Cineclube de Junho, com o azul-claro da bandeira trans se prostrando como resistência. Uma das melhores séries da história, Pose, deu um tristonho tchau, através de uma terceira temporada cautelosa, calorosa e cheia de paixão. Para além de ser ‘apenas’ a produção com o maior elenco trans da história da TV, a obra-prima do FX se livrou das amarras narrativas que uma história LGBT pode se colocar, dando suficiente material para que MJ Rodriguez, Dominique Jackson, Indya Moore, Billy Porter e cia cravem seus nomes para a eternidade.

O Persona fecha o primeiro semestre com um Cineclube mais modesto que o habitual (é que o frio de Junho congelou até a gente). A conclusão do Mês do Orgulho não deixa dúvidas: o nosso papel, como espectadores e divulgadores de conteúdo, é o de prestigiar, aclamar, indicar e celebrar essas joias raras. Agora, é só chegar junto da Editoria e dos Colaboradores para conferir tudo o que falamos sobre o Cinema e a TV no sexto mês de 2021.

Cinema

Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio (The Conjuring: The Devil Made Me Do It, Michael Chaves)

Que bagunça que fizeram com o pobre Invocação do Mal. Quando James Wan deu a luz ao primeiro filme da franquia lá em 2013, os fãs de terror convulsionaram tamanha a qualidade e o carisma do longa. 8 anos e sete filmes depois, Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio chegou aos cinemas e ao HBO Max para provar que, infelizmente, tudo que é bom dura pouco.

O problema já começa na trama. Apesar do caso interessantíssimo que tinha em mãos – o julgamento de Arne Cheyenne Johnson que, acusado de assassinato, alegou ter estado sob possessão demoníaca –, Michael Chaves não se decide quanto ao rumo que pretende dar ao seu filme. As cenas nos tribunais, que poderiam ter aberto outras portas para a franquia, são esquecidas e retomadas apenas nos minutos finais. Ao invés disso, Chaves prefere inserir um plot horrendo envolvendo os talentos sensitivos de Lorraine Warren, que se torna quase uma X-Men perdida no mundo de Annabelle. 

Extremamente convenientes para a narrativa e utilizados com um excesso pavoroso, os poderes da demonologista e sua relação psíquica com a Ocultista bagunçam a história de forma quase incorrigível. No entanto, uma coisa é fato: Vera Farmiga e Patrick Wilson continuam impecáveis como Ed e Lorraine Warren. Um dos melhores casais do Cinema contemporâneo, Wilson e Farmiga entregam qualidade demais em comparação com o resto da trama. Filmes ruins de franquias boas assustam mais que os demônios de Michael Chaves. – Caroline Campos

Carnaval (Leandro Neri)

Quem não está com saudades do calor do Carnaval bom sujeito não é. Com  suas gravações iniciadas antes da pandemia, a Netflix tenta engajar um filme nacional com os camarotes da festa de Salvador. A primeira metade do longa é pavorosa, depois, descemos descontroladamente a ladeira da vergonha alheia com o enredo e personagens vazios e sem nenhum atrativo externo ou de contexto.

Com um elenco temível – Giovana Cordeiro e Gkay – não podemos contar nem com boas atuações. O filme não traz o melhor do Carnaval de Salvador, que são os blocos de rua. Os camarotes, que são forçados a todo momento, se encaixam com sentido na premissa que a história segue, mas, exclui toda parte contagiante da festa, que renderia uma boa produção.

Tenho que ser justa. Nem só de calamidade se constrói o longa da Netflix. A representatividade dos orixás dentro do filme arrepia, há respeito em demonstrar figuras sagradas e pais de muitos. Carnaval acerta em trazer o candomblé, com misticismo, para o grande público. Não recomendo Gkay nem para minha pior inimiga, entretanto, se você estiver – assim como eu – com saudades do Carnaval,  assista essa produção que o sentimento passa. – Ana Júlia Trevisan

Luca (Idem, Enrico Casarosa)

Trazer até as crianças o debate sobre a inclusão através de metáforas é uma ferramenta que os estúdios de animação adoram. Em um mundo tão excludente, filmes que abordam essa universalidade conseguem sempre um lugar especial no nosso coração. A bola da vez está em Luca, a nova animação da Pixar, dirigida por Enrico Casarosa, que conseguiu mesclar A Pequena Sereia e Me Chame Pelo Seu Nome em uma narrativa simples e eficiente sobre amizade e criaturas marinhas.

Abraçados pela comunidade LGBTQIA+ por conta de suas alegorias, os dois peixinhos Luca e Alberto conseguem assumir a forma humana fora da água. Enquanto o primeiro possui uma família protetora e um medo absurdo do mundo terrestre, o outro parece viver sozinho e se aventurar por qualquer coisa que o mundo tem a oferecer. Sem tramas complexas nem reviravoltas absurdas, Luca, disponível no Disney+, encanta pela simplicidade e delicadeza com que relaciona seus personagens, todos procurando e explorando o seu lugar no mundo e as possibilidades desse vasto universo.

Opostos, Luca e Alberto, dublados no original por Jacob Tremblay e Jack Dylan Grazer, se enveredam pelo mundo humano com o medo constante da rejeição e da exclusão. Assim, de forma sutil, Luca constrói seu carisma e apelo ao tratar das diferenças sociais com tamanha sensibilidade, sem deixar de lado a aventura juvenil e divertida de seus protagonistas. Mesmo com a conclusão morna, não há nada que apague o encanto dos monstrinhos em meio aos terrestres. Silenzio, Bruno! – Caroline Campos

Em um Bairro de Nova York (In The Heights, Jon M. Chu)

O sucesso absoluto de Hamilton trouxe outra obra de Lin-Manuel Miranda da Broadway para as telas do mundo todo. Agora, é hora de conhecer In The Heights, a adaptação de um musical criado pelo dramaturgo, ator, produtor, cantor e compositor, que apresenta uma história de sonhos e raízes num bairro predominantemente latino de Nova York. 

Esse cenário é Washington Heights, que abriga uma comunidade imigrante em busca de oportunidades na terra da liberdade, e que é onde Miranda, de descendência porto-riquenha, nasceu e cresceu. A proximidade do dramaturgo com a história, no entanto, não garantiu que sua transposição para o Cinema (na direção de Jon M. Chu) fosse representativa como o planejado quando a história ganhou seus contornos através da peça.

O musical protagonizado pelo carisma brilhante de Anthony Ramos decepciona com a falta de representação fiel da comunidade latinoamericana. In The Heights é tudo o que se esperaria de algo com a assinatura artística de Lin-Manuel Miranda (que respondeu às críticas e se desculpou pela falha na produção do filme), exceto pelo descuido em algo tão fundamental para a narrativa da obra e para o significado de seu trabalho. – Raquel Dutra

Espiral: O Legado de Jogos Mortais (Spiral: From the Book of Saw, Darren Lynn Bousman)

Como se não bastasse uma decepção no mês, os obcecados pelo Cinema de horror ganharam outra. Espiral: O Legado de Jogos Mortais causa, na melhor das hipóteses, gargalhadas. Falta de tudo na obra de Darren Lynn Bousman: criatividade, originalidade, roteiro, atuações decentes, e, se tratando de Jogos Mortais, muito sangue. A franquia de sucesso dos anos 2000, que com certeza transita entre altos e baixos, ficou conhecida pelo seu horror corporal e tortura explícita em cenas de causar enjoo no espectador. O filme de 2021, no entanto, não consegue transmitir nem um mal-estar.

Tentando recriar a estética do primeiro longa, dirigido por James Wan (olha ele de novo!) em 2004, Bousman deixa seu filme caricato e repetitivo, com momentos que, segundo a Geração Z, se enquadram em cringe total. Chris Rock, o detetive protagonista, parece ter colocado em si mesmo uma trava de segurança que o impede de expressar emoções minimamente convincentes, e sua relação com o assassino, principalmente durante os momentos finais, é talvez o plot twist mais sem graça de 2021.

Só para não descer a lenha em absolutamente todos os pontos de Espiral, Samuel L. Jackson convence. Apenas isso. Não é dono de uma atuação primorosa, mas também não se junta a sinfonia de fracasso do cineasta, que dirigiu outros filmes da saga ao longo da carreira. Isso talvez porque o personagem do veterano tem duas cenas na obra – a última delas, inclusive, o mais próximo da vibe contagiante de Jogos Mortais que esse filme tem a oferecer. Jigsaw estaria envergonhado. – Caroline Campos

TV

O Conto da Aia (The Handmaid’s Tale, 4ª temporada, Hulu/Paramount+)

Depois de um chove, não molha desgraçado, The Handmaid’s Tale conseguiu entregar uma temporada intensa, corajosa e, o mais importante, que tomou decisões drásticas em direção à conclusão da trama. O ano 4 tirou June (Elisabeth Moss) de Gilead, guiando a jornada da personagem para o encerramento de ciclos. Com 3 episódios a menos que o habitual, a série de Bruce Miller demonstrou assertividade e culhões, dando a Moira, Emily, Serena, Janine, Waterford e até à Tia Lydia, muito o que fazer.

Com a sombra de um quinto ano pela frente, O Conto da Aia fez de 2021 um chamariz de boas ideias, com destaque para a sempre formidável Mckenna Grace, jovem prodígio de Hollywood e que agora interpreta uma Esposa, ainda adolescente. O choque pelo choque continua sendo o lema da produção, não recomendada para quem tem problemas em ver gente se ferrando muito antes de começar a se dar bem. O presente floresceu The Handmaid’s Tale, e a dúvida que fica é se o fruto abençoado por Ele vai vingar quando as Aias darem seu adeus no ano que vem. – Vitor Evangelista

We Are Lady Parts (1ª temporada, Channel 4/Peacock)

Lançada originalmente no Reino Unido através do Channel 4 em maio, a 1ª temporada de We Are Lady Parts chegou aos Estados Unidos através do serviço de streaming da NBC, o Peacock. Baseada no curta Lady Parts, ela narra a vida de cinco jovens muçulmanas que formam a banda de punk rock Lady Parts, acompanhando-as através dos olhos de sua mais nova integrante, Amina (Anjana Vasan), uma doutoranda introvertida que tem medo de tocar guitarra em público.

O roteiro e a direção de Nida Manzoor capturam sagazmente a essência e as nuances de cada uma das personagens, rejeitando estereótipos e criando uma trama de crescimento pessoal poderosa ancorada em excelentes atuações e uma estética feroz. Ao longo de seus seis curtos episódios, somos transportados até a realidade de suas personagens e partilhamos de cada risada e cada lágrima derramada.

Através de uma série de músicas originais e alguns covers excelentes de Queen e Dolly Parton, vemos o crescimento do grupo enquanto banda, mas também como pessoas. Ao final do último episódio, a sensação que fica é de que as Lady Parts só começaram e, mesmo que não haja uma segunda temporada confirmada, o público clama por um bis. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Elite Histórias Breves (Elite Short Stories, Especial de Elite, Netflix)

Depois de muita espera, Elite finalmente retorna com novos episódios. A série espanhola trouxe personagens e tramas diferentes, mas não sem antes se despedir das figuras que conquistaram o público, para início de conversa. Se, no final da terceira temporada, vemos o encerramento do ano escolar em Las Encinas, as Histórias Breves nos mostram um pouco das férias de seus alunos. 

Com narrativas que se conectam, os curtas são divididos em quatro partes. E, como não poderia faltar, duas delas focam em um dos aspectos mais marcantes da série: os romances. Samuel com Carla, assim como Guzmán e Nadia, sofrem turbulências ao serem separados pela Universidade. Namoros de Ensino Médio são, de fato, ótimos. Mas quando os anos mágicos acabam, a magia dos amores pode sumir junto. Sabendo que Carla (Ester Expósito) e Nadia (Mina El Hammani) precisavam sair da série, a Netflix deu um final quase digno para cada uma. 

Alguns personagens, por outro lado, continuaram suas jornadas. Omar, Ander, Cayetana, Rebeka e Guzmán protagonizam seus curtas com muita comédia e drama. É difícil não rir com a festa bagunçada de um trio inesperado, assim como não é fácil segurar as lágrimas quando o percurso de Ander com o câncer resulta na perda de um grande amigo. Resumindo Elite em poucos minutos, Histórias Breves é um compilado perfeito para matar a saudade do seriado. – Mariana Chagas

Colônia (1ª temporada, Canal Brasil/Globoplay)

Baseado no livro Holocausto Brasileiro de Daniela Arbex, a série Colônia narra, algumas das situações reais que foram vivenciadas no hospício Colônia de Barbacena, em Minas Gerais. Por meio de personagens ficcionais são contados alguns dos absurdos ocorridos neste período terrível da história nacional e que foi estrategicamente apagado dos livros de História. Acompanhamos em 10 episódios a história de Elisa, interpretada pela atriz Fernanda Marques, e pelo ponto de vista da personagem começamos a entender o que acontece e como funciona a instituição.

“Ninguém entra naquele vagão por acaso”. As pessoas mandadas para o Colônia não eram somente as que possuíam patologias mentais, muitas pessoas eram apenas descartadas naquele lugar. Negros, LGBTQIA+, mulheres grávidas, prostitutas, pessoas consideradas inimigas da ditadura militar ou mesmo as que sabiam de segredos de indivíduos ricos e influentes eram mandadas para a unidade para nunca mais voltaram às suas casas. Todos os internos eram tratados de maneira desumana, sendo violentados, torturados e consequentemente enlouquecendo.

A direção da série, de André Ristum, fez a escolha de apresentar os episódios em preto-e-branco, dando à narrativa um tom melancólico. Colônia é uma obra que em cada personagem acompanhado questiona temáticas que atualmente continuam pertinentes, como por exemplo, a luta antimanicomial, as visões extremamente conservadoras afetando vidas, a desumanização consequente do sistema capitalista e o respeito aos direitos humanos. – Ma Ferreira

Elite (Élite, 4ª temporada, Netflix)

A preparação do novo ano em Las Encinas começou com quatro histórias breves, amarrando os nós deixados pela terceira temporada. Depois de metade do elenco ter se despedido das gravações, sobrou para Cayetana (Georgina Amorós) e Rebeka (Claudia Salas) carregarem a nova fase nas costas, já que Samu (Itzan Escamilla) e Guzmán (Miguel Bernadeau) ficaram disputando o cargo de macho alfa da alcateia. Além disso, o relacionamento de Ander (Arón Piper) e Omar (Omar Ayuso) tentava voltar nos trilhos, com tudo o que aconteceu anteriormente. 

A chegada do trio de irmãos Ari (Carla Díaz), Patrick (Manu Rios) e Mencía (Martina Cariddi) e do príncipe Phillippe (Pol Granch) desequilibra o ambiente em diversas formas. Contudo, o ponto mais importante para desprender de toda série é a abordagem dos relacionamentos abusivos. Caye se reinventa de diversas maneiras e se mostra muito mais amadurecida e longe do fantasma de Polo. Mesmo que no começo isso pode ter acontecido, até mesmo o repugnante príncipe não dispersa os olhos da nova faxineira de Las Encinas. 

Já no seu quarto ano de exibição, Elite não se inovou, continuando na mesma fórmula de: 1) um corpo foi encontrado e 2) todos os alunos são suspeitos. Com novas saídas do elenco principal e a adição de outros personagens, resta a dúvida se uma quinta temporada seria realmente necessária ou não, mesmo com numerosas pontas soltas. Mantendo ainda as (muitas) cenas de sexo e aquele ar de mistério, já podemos dizer que a série espanhola já se banalizou, mas que não precisamos ter vergonha de mostrar que a gente gosta. – Júlia Paes de Arruda

DOM (1ª temporada, Amazon Prime Video)

A história de Pedro Machado Lomba Neto, mais conhecido como Pedro Dom, chega ao Amazon Prime Video como uma forte produção brasileira. O “bandido gato” fez fama ao assaltar prédios e casas da alta sociedade fluminense no começo dos anos 2000, usando o racismo estrutural a seu favor e se popularizando entre as manchetes dos jornais. Mas a produção do cineasta Breno Silveira (2 Filhos de Francisco) conta não só a história de um criminoso, também mostra como isso afetou sua família e principalmente seu pai, Victor Dantas, um policial civil aposentado que foi pioneiro no combate às drogas no Rio de Janeiro.

A produção tem dado o que falar e já se tornou a produção internacional mais assistida do Prime Video, e ela é recheada de boas atuações. O protagonismo é de Gabriel Leone (Eduardo e Mônica), que entrega uma bela parceria de cena com Flávio Tolezani, que retrata Dantas. DOM ainda conta com outros grandes nomes: Raquel Villar, Ramon Francisco, Isabella Santoni e Digão Ribeiro como integrantes do “bonde”. Já Filipe Bragança interpreta o personagem do pai quando jovem em uma das fases da narrativa, passada nos anos 1970, enquanto Laila Garin vive a mãe de Pedro, e Mariana Cerrone é, na série, irmã do personagem principal. Fábio Lago, Julia Konrad e André Mattos complementam o elenco principal.

DOM é um ótimo drama policial, com uma bela fotografia que retrata o Rio de Janeiro dos morros e praias aos condomínios de luxo. Baseado em fatos reais, a sua premissa aborda um problema social: o tráfico de drogas e os 8 episódios tem um bom ritmo e prendem a atenção do espectador apesar da temática pesada. É uma produção ousada e envolvente, para quem gosta de uma boa série dramática com boas cenas de ação, essa é com certeza uma das melhores produções lançadas recentemente. – Nicole Saraiva 

Grey’s Anatomy (17ª temporada, ABC)

É 2021 e precisamos falar da 17ª temporada de Grey’s Anatomy mesmo depois de tanto tempo. Não porque, nesse ano conturbado por si só, a produção teve que introduzir os dramas médicos da vida real para a frente das câmeras, mas também porque, aos trancos e barrancos, a série conseguiu fazer isso de maneira interessante, mesmo com os elos dramáticos que percorrem todos os anos da série. 

Com uma premissa de então abordar a pandemia da covid-19, a série da ABC deu mais uma vez à protagonista, Meredith Grey (Ellen Pompeo) o posto de carregar o peso da produção nas costas. Mas dessa vez de uma maneira diferente, já que ela pode estar ao lado, mais uma vez, de grandes nomes como Patrick Dempsey, Chyler Leigh, Eric Dane e T.R. Knight que voltaram do mundo dos mortos, literalmente, como um modo de levar a série para a sua última temporada, se não fossem os altos índices de audiência. 

Além disso, a vida dentro dos hospitais foi retratada como uma forma de humanizar os verdadeiros médicos por trás das máscaras. No entanto, por mais um ano, Grey’s Anatomy pecou no sentido medicina, e se carregou nos dramas pessoais dos protagonistas. Ainda assim, a temporada teve um brilhantismo único e imbatível que, com certeza, vai dar trabalho para Krista Vernoff, responsável pela série, manter o patamar no ano seguinte. – Larissa Vieira 

Manhãs de Setembro (1ª temporada, Amazon Prime Video)

De quem foi a ideia de manter Liniker tanto tempo longe dos papéis de drama? Não há como apontar o responsável por tal barbaridade, mas, finalmente, deram a essa mulher uma série para ela estrelar. O serviço de streaming felizardo foi o Amazon Prime Video e, nesse mês de junho, os cinco episódios da primeira temporada de Manhãs de Setembro aterrissaram entre nós. A cantora vive Cassandra, uma motogirl trans que descobre do dia para a noite que teve um filho 10 anos atrás com Leide, interpretada pela também magnífica Karine Teles. 

Gersinho, o fruto desse relacionamento, passa perrengue atrás de perrengue com a mãe, já que os dois vivem num carro embaixo de um viaduto e vendem o que conseguem nos faróis de São Paulo. O que não falta em Manhãs de Setembro é talento: além de Liniker e Teles, Gustavo Coelho, que interpreta o garoto, é uma revelação e tanto. O título da série vem através da música da cantora Vanusa, que, pela voz de Elisa Lucinda, dá conselhos dentro da cabeça de Cassandra durante toda a temporada.

Construindo o afeto entre a protagonista e seu filho de forma gradual e detalhista, Manhãs de Setembro entende que a realidade da comunidade trans não se resume apenas a violência e transfobia – isso também porque a série conta com a ícone do queernejo Alice Marcone em seu time de roteiristas. Cassandra é dona de uma narrativa complexa, de altos e baixos, cheia de amores e desamores. Vivendo no país que mais mata pessoas trans em todo o mundo, a nova produção do Prime Video é um conforto, um ato de resistência e um manifesto. – Caroline Campos

Lupin (Parte 2, Netflix)

Em Junho também houve a volta de Lupin, a queridinha francesa da Netflix estrelada por Omar Sy e criada por George Kay, que retorna após um hiato de cinco meses. A nova leva de cinco episódios traz de volta o carisma sobrenatural de Sy na pele de Assane, o lendário ladrão de casaca, mas carece do foco narrativo e da estrutura que tornaram os primeiros capítulos da série tão saborosos.

Ela começa com um episódio que teria se encaixado muito melhor no final chocante da parte anterior, resolvendo o seu clímax e oferecendo um gancho tragicamente forte para sua sequência. Do jeito que está, a narrativa perde fôlego após os dois primeiros capítulos, por mais que a atuação impecável de Sy segure as viradas mais abruptas que o roteiro dá. Os episódios ainda são bem construídos e oferecem pontos de virada engajantes, com grande parte deles vendo o protagonista na defensiva, tendo que improvisar ao longo do caminho, nos oferecendo outra perspectiva para o personagem.

Com um clímax elaborado e surpreendente, Lupin  nos oferece um final que amarra satisfatoriamente as pontas da história da vingança de Assane contra a família Pellegrini, o que deixa difícil ficar de mal com a série por conta de seus poucos erros. A promessa de uma terceira parte em desenvolvimento chega como um suspiro de alívio: essa não é a última que vemos do astuto ladrão de casaca e seus roubos elegantes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Hacks (1ª temporada, HBO Max)

Hacks. Guardem bem o nome dessa série, vocês vão ouvir falar dela em setembro. Não é novidade para ninguém a alta presença das originais HBO na premiação do Emmy que, aliás, foi a emissora que mais levou estatuetas no ano de 2020. Agora, Hacks está entre as cotadas para representar o mais novo streaming que chegou ao Brasil. Isso por causa do bom desempenho da série que facilmente agrada os assinantes e mesmo não popularizada no país conquista o Top 10 assistidos da semana.

Não é à toa. O HBO Max traz sua veterana de guerra, Jean Smart – que também está presente em grandes produções como Mare of Easttown e Watchmen -, para um papel de estrelato pleno. A atriz brilha e reluz numa personagem complexa que tem um certo toque inovador para as telas. Jean Smart domina a arte de fazer comédia sobre comédia interpretando Deborah Vance, que é famosa em Las Vegas por sua longa trajetória, mas passa a perder os melhores horários de apresentação por suas piadas ultrapassadas. 

A solução para o problema é contratar uma estagiária, Ava (Hannah Einbinder). É assim que Hacks ganha sua proporção. A dualidade entre as mulheres e a diferença de idade combinadas a dificuldade de ser do sexo feminino e fazer parte da industria hollywoodiana são os pontos altos da produção que acerta a mão em representá-los. A série consegue construir tramas paralelas dentro de sua própria história, o que a torna mais cativante. Jean Smart ganhará o Emmy de Melhor Atriz em Série de Comédia. Anotem. Me cobrem. – Ana Júlia Trevisan

RuPaul’s Drag Race Down Under (1ª temporada, Stan)

A exportação do programa de RuPaul Charles nos rendeu frutos de diversas qualidades, desde divertidas e empolgantes temporadas (2ª do Reino Unido) até jurados decepcionantes mas competidoras exemplares (1ª do Canadá). Na versão da Oceania, Drag Race Down Under, encontramos um show realmente de cabeça para baixo. A começar pela produção, que claramente sofreu com um orçamento menor, já que assistimos as queens performarem em um palco pequeno, quase como alguns caixotes de madeira colocados lado a lado. 

As competidoras também não impressionaram: nada do que foi apresentado ali era inédito, e a chance de vermos a diversidade étnica do continente representada no programa foi limitada pela própria produção, que convidou um elenco majoritariamente branco. Jojo Zaho, a primeira competidora aborígene australiana, acabou sendo também a primeira a ir para a casa; Coco Jumbo, de descendência fijiana, deu adeus ao reality no terceiro episódio. A partir daí, passamos a assistir um elenco formado apenas por queens brancas, duas delas com passado racista: Scarlet Adams, que fez blackface e brownface em apresentações anteriores ao programa, e Karen From Finance, que colecionava bonecos racistas e até mesmo chegou a tatuar um deles em sua pele.

RuPaul e Michelle Visage pareciam cansados, e Rhys Nicholson caiu na maldição da chatice aguda quando se faz parte da bancada internacional de Drag Race. A eliminação precoce de Anita Wigl’it, mesmo tendo vencido o Snatch Game nos episódios anteriores, nos doeu na alma, mas, pelo menos, Kita Mean pôde vingar a amiga e levar a Coroa para a casa, justamente. A maior (e melhor) zebra da temporada foi Elektra Shock, perseguida nos primeiros episódios e subestimada, a neozelandesa ganhou o coração dos fãs e, mesmo fora do top 4, saiu por cima e encontrou paz em sua narrativa. Não é claro ainda se teremos uma nova chance para as vizinhas da Lorde, mas, caso uma segunda temporada venha aí, que os erros da produção não sejam cometidos novamente. – Jho Brunhara

O Caso Evandro (Minissérie Documental, Globoplay)

A minissérie documental que narra os acontecimentos do Caso Evandro, dirigida por Michelle Chevrand e Aly Muritiba, é um dos lançamentos recentes do Globoplay. A produção, dividida em 9 episódios, apresenta a história a partir do seu princípio, com o desaparecimento de Evandro Ramos Caetano, de apenas 6 anos, na cidade de Guaratuba, no Paraná. Em uma época em que já havia uma forte comoção em torno do sumiço de diversas crianças na região, o fato chocou pelos aspectos macabros e pelas diversas reviravoltas em seu julgamento. 

O corpo de Evandro foi encontrado em um matagal sem os órgãos e com as mãos e dedos dos pés cortados. Com o passar da investigação, o ocorrido passou a ser direcionado como um caso de magia negra, a partir de fortes intervenções de um dos parentes do menino. Os principais acusados – e, por fim, condenados – foram o pai de santo Osvaldo Marcineiro, a então primeira dama Celina Abagge e sua filha, Beatriz Abagge; Vicente de Paula Ferreira, ajudante de Marcineiro; Davi dos Santos Soares, artesão de Guaratuba; Francisco Sergio Cristofolini, vizinho e dono do imóvel onde Marcineiro morava; e Airton Bardelli, funcionário da serraria da família Abagge.

O Caso Evandro aposta em cenas que simulam os acontecimentos que são narrados como forma de ilustração, dando um verdadeiro toque de suspense para esse crime tão brutal por si só. São apresentadas diversas facetas da história, contando com mais de 30 personagens, entre eles, jornalistas, policiais, testemunhas, advogados, promotores e acusados. O jornalista Ivan Mizanzuk, criador do podcast que inspirou a série, surge como um grande norteador de interpretações que podem ser feitas acerca das evidências mostradas. Ao longo dos episódios, é difícil saber em que lado acreditar, ao passo que a produção se encerra sem trazer as devidas respostas, pelo próprio julgamento não poder ser considerado, de fato, encerrado.  – Vitória Silva

Legendary (2ª temporada, HBO Max)

Legendary é uma das séries mais importantes no ar. O reality show de competição, com foco na cultura de ballroom e no Vogue, chegou ao segundo ano muito mais maduro e despojado. A bancada de jurados permaneceu igual, mas recebeu o adicional de placares numéricos e mais argumentação na hora de deliberar. Law Roach é o Pray Tell da vida real, Jameela Jamil é agradavelmente entediante e Megan Thee Stallion parece ter encontrado seu tom e aura naquele painel.

As estrelas do show são Dashaun Wesley, que apresenta, e Leiomy Maldonado, jurada especialista em Vogue, ícone do ballroom e uma personalidade da mídia que faz por merecer seu holofote. As Casas aumentaram o nível de estrelato e valor de produção, com destaque para a Haus of Tisci (injustamente eliminados e os vencedores morais) e a Haus of Balenciaga, que começou com a bola toda e foi murchando ao passo que os consecutivos salva-vidas foram acionados.

Quem saiu com o título foi a Haus of Miyake-Mugler, um grupo envolvente mas sem a faísca familiar que nos faz apaixonar pelos competidores. O time de jurados convidados entreteu com maestria, valendo a menção para Taraji P. Henson, Adam Lambert, Tiffany Haddish e Demi Lovato. No mesmo mês em que Pose se despediu, é de importância imprescindível que séries como Legendary, que honram a cultura negra, os ballrooms e as pessoas trans, sejam prestigiadas e cresçam mais e mais. Está sem nada para fazer no feriado? Abra seu HBO Max e dê play em Legendary. – Vitor Evangelista

Pose (3ª temporada, FX)

E chega ao fim uma das maiores e mais importantes séries da história. Do momento mais triste ao mais feliz, da representação mais pura de amor à mais crua de violência, Pose segurou as mãos de seus personagens e soube compreender tudo o que eles representavam. Sempre com delicadeza quando necessário e força quando oportuno, o drama encerra uma história de glória, que se transforma em algo muito maior do que a já grandiosa experiência de seus três anos, protagonizados pelo trabalho do maior elenco trans da história da televisão.

O que se vê no encerramento de Pose é uma narrativa que cresceu cada vez mais, desdobrando-se em algo cada vez mais significativo, ao mesmo tempo em que manteve sua proposta desde o início. Essa nunca foi uma história reduzida ao sobreviver às margens. Pose abraça a completude do viver e encerra sua jornada em pleno mês do Orgulho LGBTQIA+, quando o debate é, sobretudo, o direito à vida. Nisso, o show dá seu recado na existência maravilhosa do lendário, amado e venerado Pray Tell de Billy Porter: Live. Werk. Pose. – Raquel Dutra

O post Cineclube Persona – Junho de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Junho é o mês de enaltecer o amor, e acima disso, é o mês da celebração, da luta e do Orgulho LGBTQIA+. Para marcar a data, o Persona apresenta esta edição do Nota Musical valorizando o trabalho de artistas que fazem parte da comunidade, com destaque especial para os que representam os tons de rosa e azul da bandeira. Nem nos dias que são dedicados à reivindicação de direitos o preconceito do país dá trégua, e ainda hoje, é necessário gritar que Vidas Trans Importam!

Para quem quer ressoar o grito, um primeiro passo é dar play em Liniker, uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+ brasileira, que nos presenteou com o caloroso clipe de seu mais novo single. O mesmo vale para potencializar as palavras e existência de Linn Da Quebrada, que prepara o terreno para seu novo álbum com muito conceito, coesão e aclamação.

Para quem procura novos artistas, Joy Oladokun canta sua vivência como mulher negra, pessoa gorda e LGBTQIA+, em letras biográficas transformadas pelo seu tato singular com as canções. Também falando sobre suas vivências, Home Video de Lucy Dacus é a história de amor e amadurecimento da cantora, que reflete sua própria existência.

Em CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator, que já explorou sua sexualidade em álbuns anteriores, revisita outras décadas do hip-hop para seu novo trabalho. Ainda assim, o cantor não deixa de passear entre o R&B e o soul e inspirar com sua autenticidade e destreza musical.

O mês firmou nomes que serão lembrados como os Melhores do Ano. No indie rock – com influência do jazz -, Rostam supera a Changephobia com um disco completo e original. No rock alternativo, a grandiosa Wolf Alice lançou o emotivo Blue Weekend. No pop, a revelação Griff se desprendeu da mesmice do gênero com One Foot In Front Of The Other. No pop alternativo, Japanese Breakfast marca 2021 com Jubilee e toda pureza de Michelle Zauner.

O pop brasileiro veio para esquentar o frio de Junho. IZA leva todo seu imenso poder para Gueto, que engrandece a cultura periférica. Marina Sena une o melhor da música nacional em VOLTEI PRA MIM. E com cringe entrando em nosso vocabulário, Garbo sai diretamente do Tumblr e nos apresenta a juventude softpop.

E se estamos sofrendo com as baixas temperaturas por aqui, na Coreia do Sul o girlgroup TWICE esbanja o clima tropical, trazendo um gostinho caloroso para nossas bocas. Ainda do lado oriental da Terra, o calor do verão dá espaço às sombras, no dolorido álbum da chinesa Pan Daijing. 

Já Pabllo Vittar prova por a + b que piranha não sente frio, e nos deixa triste e com T em seu Batidão Tropical. O lançamento é uma prova de amor e orgulho por Maranhão, terra natal da cantora. Com regravações e inéditas, um dos melhores álbuns nacionais do ano é criado, dominando o Top 50 do Spotify Brasil. 

Mas mais uma vez, é preciso lembrar que a pandemia ainda não acabou. E é para escapar desse ambiente de angústia gerado pelo isolamento social que vemos artistas florescerem e, até mesmo, se reinventarem. É o caso da rapper K.Flay que escuta todas suas Inside Voices e as solta como grito de guerra. De forma mais passivo-agressiva, mas ainda capaz de acolher, Cavetown externaliza seus atormentados sentimentos. Usem máscara, se cuidem e cuidem dos seus.

Seja pelas alterações climáticas, seja pela interminável pandemia, o mundo beira o inabitável. Para fugir disso, Doja Cat cria seu próprio planeta em um disco que divide opiniões. Reafirmando a influência do TikTok no cenário musical, Planet Her lidava com grandes expectativas e entregou os extremismos, entre músicas que vieram para habitar o repeat e outras que não queremos na porta de casa.

Junho veio também para ajudar as cantoras a saírem do meio do mato. Na Nova Zelândia, o fogo no rabo de Lorde nos deixou saudosos por verão e praia, e ainda trouxe o gostinho do novo álbum, Solar Power, que virá em agosto. Em solo brasileiro, Marisa Monte nos pediu Calma, pois, depois de uma década, o disco de inéditas está saindo do forno.

Dois anos depois do temível Love + Fear, MARINA volta revigorada com sons do tabu quebrando em Ancient Dreams In A Modern Land. Já Maroon 5 retornou de maneira oposta, batalhando para que JORDI não fosse um trabalho completamente esquecível. Billie Eilish se aproxima de estar mais feliz do que nunca com seu vindouro álbum e aposta numa versão mais debochada de si no single Lost Cause.

O mês das festas juninas foi propício para bolo, guaraná e muito doce. Dois discos gigantes da Música Internacional comemoraram seus aniversários, ganhando de presente edições especiais. O mais velho é o disco de estreia de Alicia Keys, Songs In A Minor, que inovou o R&B e o soul há 20 anos. Além dela, Lady Gaga convida a comunidade LGBTQIA+ para Born This Way The Tenth Anniversary, reinventando o álbum que marcou toda uma geração. 

O fenômeno da internet, boy pablo já se tornou figurinha carimbada dos posts mensais. Dessa vez, o jovem chileno-norueguês aparece para finalizar sua trilogia e nos deixar atentos para quais podem ser os próximos passos. Quem também dá as caras de novo é Kali Uchis que, mais uma vez, espreme seu fenomenal trabalho Sin Miedo. Agora podemos apreciar a cantora em versão acústica e vê-la cavalgando em seu cavalo branco. Good Morning Sunshine.

Outra que não larga o osso é Dua Lipa, que ainda vive seu Future Nostalgia. Foi na sola da bota que a cantora lançou o clipe de Love Again, permitindo que fãs e haters criassem teorias sobre um ovo. Relacionamentos falhos? Relacionamento novo? Foto mais curtida do Instagram? Todas essas hipóteses passaram pela cabeça do fandom, mas nenhuma foi confirmada pela artista.

Para os amantes das mídias físicas, BROCKHAMPTON surpreendeu positivamente com o deluxe do psicodélico ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE. Com quatro novas faixas para acompanhar vinis e CDs, a banda mantém o alto padrão de qualidade proposto no disco.

A queridíssima Olivia Rodrigo – Olivia Rogéria, para os chegados – nos leva para o mágico mundo da Disney com The Rose Song, parte da trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. A jovem ainda convidou seus amigos para a formatura online. Seguindo os típicos padrões estadunidenses, Olívia apresenta SOUR entre limusine e líderes de torcida.

Para um mês tão importante e recheado de novidades, a Editoria e os colaboradores do Persona encerram a primeira metade de 2021 reunidos para fuxicar os melhores e os piores de Junho e para celebrar o Orgulho LGBTQIA+. O guia mensal de CDs, EPs, músicas, clipes e performances acompanha uma playlist fresquinha pra escutar no carro, no banho ou onde quiser.

CDs

Lucy Dacus – Home Video

Home Video é a tentativa de Lucy Dacus entender o que a formou. Como uma história de amadurecimento revisitada na idade adulta, a narração preciosa de traumas e amores se une ao sentimentalismo da cantora, ao passo que ela abre a torneira das emoções e deixa a água fluir. Como a capa bem sublinha, Lucy é espectadora de sua vida, assistindo em uma tela empoeirada suas lembranças distorcidas. 

Seja nas memórias agridoces (Hot & Heavy), ou nos momentos em que ressente uma figura paterna (Thumbs), ou até mesmo nas súplicas unilaterais (Please Stay), Dacus convida a si própria e a seu ouvinte para uma montanha-russa emocional. Sua voz se equilibra em uma linearidade desgastante, mas a convidativa Going Going Gone traz Phoebe Bridgers e Julian Baker para a festa, complementando o alcance do trabalho. Nesse frio de junho, Home Video foi feito para ser ouvido agarradinho com quem a gente gosta. – Vitor Evangelista

Tyler, The Creator – CALL ME IF YOU GET LOST

Depois de Tyler, The Creator reformular totalmente sua sonoridade com IGOR, se desvencilhando do rap convencional e explorando gêneros como o soul e o R&B em uma refrescante revisita à Música dos anos 60 e 70, enquanto se aprofundava em suas experiências pessoais com amor e sexualidade ao retratar um romance homoafetivo, o aclamado rapper e produtor lançou seu novo álbum CALL ME IF YOU GET LOST, agora andando alguns passos para trás ao percorrer pelos terrenos hoje inabitados das mixtapes gratuitas que tomaram conta da cena do hip-hop nos anos 2000, mas, óbvio, dando a sua cara e identidade únicas. Essa referência influencia desde a estética, musicalidade e duração das faixas, até a estrutura da tracklist e a presença massiva de colaborações com outros artistas.

Ouvindo o álbum, o que instantaneamente salta aos olhos é a produção. Como de costume, Tyler é responsável por escrever, compor e arranjar todas as canções, novamente sem deixar a desejar. Na mão de Tyler, qualquer coisa vira instrumento. Seu tato musical, criativo e sensível, transborda através de seu uso inventivo e refrescante de diferentes sons e samples, dessa vez voltando às suas raízes ao desenterrar as sonoridades e convenções da cultura de mixtapes – popularizada por nomes como Don Cannon e DJ Drama que, não coincidentemente, participa de todas as faixas como uma espécie de anfitrião do projeto –, porém ainda dando espaço para as melodias mansas do soul, R&B e, acredite se quiser, reggae em WUSYANAME e SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE.

CMIYGL, diferente dos clássicos álbuns de Tyler, não segue uma narrativa linear, apesar de possuir um conceito claramente definido. Aqui, o rapper nos apresenta seu novo alter ego Tyler Baudelaire, uma versão excêntrica, arrogante, esnobe e presunçosa de si mesmo. De certa maneira, faixas como CORSO, JUGGERNAUT e MANIFESTO demarcam o retorno de Tyler aos tempos de Goblin e Wolf, com a energia despojada e irreverente e as rimas ousadas e constantemente chocantes que caracterizavam esses trabalhos, porém a partir de uma execução bem mais refinada, amadurecida e autocrítica. Além disso, essa atmosfera também é contrastada pela história de um romance proibido, encurralando esse personagem e expondo emoções e sensações antes inexploradas. Por fim, CALL ME IF YOU GET LOST é mais um fantástico e estimulante projeto que ocupa a prateleira de sua renomada discografia, e ressalta um fato que já é incontestável: estamos vendo a história sendo escrita. – Enrico Souto

Japanese Breakfast – Jubilee

Michelle Zauner deu um passo além do habitual tema do luto no terceiro disco de seu projeto musical Japanese Breakfast. Em busca de uma sonoridade mais ensolarada, a cantora trouxe em Jubilee uma nova variedade de temas, inspirada em gigantes da vanguarda pop, como Kate Bush e Bjork. O resultado foi um dos registros mais emblemáticos do ano, ainda marcado fortemente pela experiência traumática de perder um ente querido, mas enxergando novas perspectivas além da dor.

Canções como Savage Good Boy e Kokomo, IN mostram a evolução de Michelle enquanto compositora, que deixa de lado o tom autoral e passa a escrever letras sob o ponto de vista de outros personagens. O que se leva do disco é um trabalho transitório, de uma artista que sempre alinha sua carreira com as questões mais íntimas. A mudança de sonoridade, temática lírica e estética deixam evidente  que trabalhos futuros serão o reflexo da constante evolução pessoal e artística da cantora. – Carlos Botelho

Pan Daijing – Jade 玉观音

Jade 玉观音, segundo álbum de estúdio da produtora de origem chinesa Pan Daijing, não é suave aos ouvidos. O experimentalismo da artista abre espaço para a criação de sons emotivos e emocionais, com direito a muita dor e angústia condensadas em melodias pesadas e vagarosas. Ela recria traumas à mercê das canções, essas que carregam nomes subjetivos e cargas dramáticas para lá de desconfortáveis.

Se música experimental não casa com a sua vibe normal no Spotify, a experiência de ouvir Jade 玉观音 pode cair em dois buracos. Ou você sai galvanizado e ciente de coisas sobre as quais nunca sequer considerou como canções, ou sai correndo, assustado pelo ronco do motor e o barulho do Oceano que Pan Daijing grava em estúdio e liquidifica à versos marcantes e, definitivamente, inesquecíveis. – Vitor Evangelista

Pabllo Vittar – Batidão Tropical

Nascida no Maranhão, Pabllo Vittar escolheu os ritmos do Norte e Nordeste para acompanhar suas letras apaixonadas e um tanto chorosas de Batidão Tropical. Com seis regravações e três originais, o álbum foi recheado de tudo que constitui o brasileiro: muita animação, um tanto de sofrência e, é claro, uma pitada de safadeza. 

A resposta do público foi imediata e positiva. Todas as canções entraram no Top 50 do Spotify Brasil, tornando o álbum a segunda maior estreia do país neste ano. Diversos são os hits que Pabllo coleciona, e Batidão Tropical prova que essa lista ainda vai continuar crescendo. O segredo, talvez, seja a forma que ela celebra a nossa cultura com tanto carinho e amor que é impossível não querer gritar junto as suas maravilhosas canções. – Mariana Chagas

MARINA – Ancient Dreams In A Modern Land

Depois de mais de dois anos do lançamento decepcionante de Love + Fear, MARINA retorna a seu nicho com seu mais novo disco, Ancient Dreams In A Modern Land. Composto inteiramente pela galesa, o álbum passeia por elementos de soft rock e pop alternativo em 10 faixas muito bem produzidas. Muito mais interessante que seu antecessor, o LP trava uma batalha incerta entre lirismos pretensiosos e sonoridades revigorantes.

Por momentos, Modern Land soa como uma paródia de si mesmo. Purge The Poison até tenta apresentar uma análise séria sobre as mudanças climáticas e a realidade pandêmica, mas se revela extremamente superficial. Nessa mesma linha, Man’s World é uma carteirada feminista que poderia ter sido retirada do Tumblr de 2014. Quando Marina se desprende dessa persona, o resultado é fantástico. Venus Fly Trap é uma reflexão aguçada sobre padrões hollywoodianos, e I Love You But I Love Me More interpola um soft rock encantador. Ancient Dreams In A Modern Land não tem a genialidade lírica de FROOT ou a honestidade brutal de The Family Jewels, mas ainda entretém com sua própria humanidade. – Laís David

Joy Oladokun – In Defense of My Own Happiness

Joy Oladokun leva o total de 14 canções para soar com uma estrela da Música deve soar. De fato, seu álbum de estreia caminha por temas comuns às composições que preenchem o planejamento diários de playlists e rádios por aí, mas o tato singular da jovem artista é o que transforma In Defense of My Own Happiness em um estudo muito particular e, ao mesmo tempo, coletivo, do sentimento de sentir.

Como mulher negra, pessoa gorda e parte da comunidade LGBTQIA+, Oladokun canta sobre vivências próprias, guardando suficiente espaço para desabafos e válvulas de escape. O som passeia pelo pop melódico de Arlo Parks, sem se acomodar aos maneirismos que o cenário mainstream se acostumou a escutar no dia a dia. No Mês do Orgulho, ouvir Joy Oladokun vivendo livremente em toda sua maestria é motivo de sobra para celebração. – Vitor Evangelista

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK

Algo que não foi comentado na minha crítica, mas que fica evidente ao observar a arte da capa de ROADRUNNER nas plataformas digitais, é que o último álbum lançado pela BROCKHAMPTON foi primordialmente idealizado para mídias físicas. Desse modo, talvez como uma forma de compensação para quem optasse por adquiri-lo nesses formatos, todas as alternativas físicas, de CDs à vinis, acompanhavam quatro faixas bônus exclusivas. Faixas que, mais tarde, seriam disponibilizadas digitalmente através de sua edição Deluxe, nomeada de ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE PLUS PACK, liberada quase dois meses depois da versão básica. E as canções novas, já antecipando, não decepcionam

Abrindo as músicas adicionais, PRESSURE / BOW WOW é um choque térmico, explorando a dicotomia entre dois climas totalmente opostos dialogando em curtíssimo período de tempo. A primeira parte ganha destaque pelo sentimento pungente de urgência, intensificado por um sample agudo de sirenes, por graves graúdos e longos, e versos agressivos de Merlyn Wood e Dom McLennon; enquanto a segunda parte é uma quebra de expectativa, que interrompe a ambientação sombria e dá espaço para um beat suave e ameno, acompanhado por rimas leves de Kevin Abstract e ssgkobe, que colabora com a banda aqui.

Essa atmosfera dualista também permeia as três faixas que sucedem. Na irreverente SEX, seis dos sete vocalistas da boyband evocam suas individualidades e personalidades únicas ao entregarem em cima de um instrumental pesado de trap versos eróticos e vulgares sobre… bom, sexo. Ao passo que JEREMIAH, tanto o remix quanto a original, é um pop com veias no R&B, dançante e frenético. Nesse caso, o remix apenas se diferenciará pela pós-produção pesada e pelos vocais achatados de autotune, o que afeta a dinâmica da música e até a torna, em certa medida, monótona. Ainda assim, todas as quatro canções são empolgantes e cheias de atitude. A única ponderação a se fazer é que, uma vez que a edição básica de ROADRUNNER tem uma narrativa autocontida muito bem desenhada, as faixas bônus pouco dialogam com o conceito geral do disco. Porém, como experiência isolada, com certeza valem a sua atenção. – Enrico Souto

Maroon 5 – JORDI

Não há forma melhor de definir o mais recente álbum da banda Maroon 5 do que como preguiçoso. De forma simples e direta, JORDI é um compilado de músicas rasas e sem criatividade que se sustentam em abatidas repetidas, tornando esse um trabalho extremamente inferior ao que esperaríamos dos donos de hits como Payphone. Construindo uma história sem pé nem cabeça, o álbum nos entrega uma playlist com músicas que parecem terem sido descartadas em outras oportunidades e agora estão sendo reutilizadas.

Apesar de extremamente genérico, é claro que JORDI teria alguns pontos positivos, três para ser mais específica. O primeiro deles é a faixa Memories que nos lembra o som que costumávamos escutar no início da carreira da banda, no melhor estilo This Love. Já as duas demais cartadas certas não se devem exatamente ao Maroon 5, mas sim às participações especiais que abrangem quase todo o álbum. Dando destaque para Remedy com Stevie Nicks e Convince Me Otherwise com H.E.R., somos agraciados com um suspiro de alegria em meio a tantos desastres, uma vez que os vocais femininos das cantora não só contrastam como apimentam as batidas sem sal de JORDI.

Com muito pesar e decepção, o que vemos e ouvimos é a transformação de uma das bandas pop mais imponentes dos anos 2000 se tornar nada mais do que mais um em meio a multidão. Os vocais de Levine continuam marcantes, mas isso não é suficiente para salvar uma obra que se prende em seu conforto e não ousa, em momento algum. Assim, JORDI é chato e esquecível, se bem que não seria nada mal se apagassem essa gafe das boas memórias que temos de Maroon 5. – Ana Laura Ferreira

Doja Cat – Planet Her

Doja Cat constrói seu próprio planeta e nos leva para visitá-lo em Planet Her. Lançado no dia 25, o mais novo álbum da cantora já nasceu com grandes expectativas. Depois de abalar a indústria musical com seu extremamente bem sucedido Hot Pink, era grande a espera por suas novas músicas. Seu primeiro single, Kiss Me More, estourou no TikTok e iniciou muito bem a nova era.

Dentre as 14 faixas, grandes nomes como Ariana Grande, The Weeknd e SZA participaram em feats que enriqueceram bastante a obra. Apesar dessas parcerias e algumas outras músicas com potencial de viralizarem, a outra metade do álbum não atingiu o nível que Doja é capaz de fazer com sua habilidade única de criar hits. Bem mais ou menos, Planet Her está dividido em composições completamente viciantes e outras nem mesmo divertidas de escutar. Em suma, um EP poderia ter sido uma escolha mais certeira da cantora, mas pelo menos recebemos canções ótimas para adicionar nas playlists de 2021. – Mariana Chagas

Lady Gaga – Born This Way The Tenth Anniversary

Quem imaginou que Lady Gaga poderia ficar mais gay ainda? Ou melhor, quem imaginou que o Born This Way poderia ficar ainda mais queer? Por incrível que pareça, a Mother Monster conseguiu. Em um relançamento mais que especial, comemorando os 10 anos do disco em pleno Mês do Orgulho LGBTQIA+, Gaga reuniu Kylie Minogue, Big Freedia, The Highwomen, Brittney Spencer, Madeline Edwards, Ben Platt, Years & Years e Orville Peck para presentear o mundo com covers de algumas de suas melhores canções. 

Marry the Night, cantada pela lendária Minogue, e The Edge of Glory nos servem a energia do seriado Glee, no melhor dos sentidos. Highway Unicorn (Road to Love) e Yoü and I reimaginam a força das faixas em uma nova roupagem, sem perder o impacto e envolvimento. Born This Way (The Country Road Version) nos coloca para sentir a fivela gelada do cinto na barriga, dessa vez cantada por Peck. E Big Freedia fica com o melhor rework da compilação, uma insana e elétrica Judas, pulsante com sua fanfarra e a voz maravilhosamente grossa da artista. 

O maior defeito do álbum reimaginado é que tenhamos tão poucas faixas novas. Existem tantos cantores e produtores LGBTQIA+ talentosíssimos por aí que poderíamos receber um cover para cada música do Born This Way original. Infelizmente, só podemos sonhar com uma Scheiße refeita por Kim Petras, por exemplo, ou uma Bad Kids de Isaac Dunbar. Quem sabe no aniversário de 15 anos? – Jho Brunhara

Rostam – Changephobia

Ao contrário do que o nome do disco sugere, Rostam não tem medo das mudanças. Ex-integrante da banda Vampire Weekend e agora atuando como produtor e artista solo, Rostam tem em seu currículo grandes investidas da música indie de agora, desde seu debut de 2017, Half-Light, até a produção do recente e próximo-da perfeição Women in Music Pt. III, das HAIM.

Sua segunda aventura solo é Changephobia, um disco encorpado e difuso, no melhor sentido das palavras. Dessa vez, Rostam Batmanglij não hesita em mergulhar sem proteção em influências do rock e do jazz, filtradas por seu apurado senso estético e pelas ideias originais que imprime em todas as onze faixas. As guitarras sambam e as vozes se esgarçam, ao passo que temas como amor, medo e ilusão viram formas geométricas frente à criatividade do músico, sedimentando, de modo claro e simples, Changephobia como um dos destaques sonoros deste ano de 2021. – Vitor Evangelista

iris – love and other disasters

iris é uma cantora norueguesa que, desde 2019, vem trazendo singles e EPs sensíveis e com um toque pessoal. Agora, ela debuta com o álbum love and other disasters. Suas dezesseis músicas decorrem no tempo certo de 47 minutos, não deixando sua crescente sonoridade ficar maçante, ou até mesmo exaustiva. Mas, como nem tudo são flores, a qualidade do disco cai nos momentos em que a cantora tenta forçar a voz em melodias que poderiam ser simplistas.

push, don’t push, canção que abre love and other disasters, tem toda essência pop e já deixa o spoiler de um trabalho mais livre, sem amarras ou tabus. É em la petite mort que a cantora se entrega, sem medo, a falar de sua sexualidade. voodoo voodoo traz acordes e técnicas vocais complexas porém, sem falhas, e é um ótimo resumo de tudo que você pode esperar do disco. love and other disasters lida com produção extrema, do melhor ao pior. O equilíbrio faz do álbum apenas um trabalho mediano. – Ana Júlia Trevisan

Mallu Magalhães – Esperança

O quinto projeto solo de Mallu Magalhães não poderia carregar um nome mais propício. A esperança de dias melhores ronda o país há anos, por mais que a dura realidade contraste com a ideia de utopia. Mallu, agora com a maturidade da idade e da maternidade à seu favor, canta em Esperança sobre uma porção de temas sensíveis e alegres, refletindo com lentes de otimismo sua jornada e seu alcance.

As 12 faixas foram compostas pela artista, sozinha, mas a produção de Mario Caldato Jr. encorpa a narrativa do LP, cantado e versado em português, inglês e espanhol. A faixa que vale o stream é As Coisas, um louvor agudo que revela o ar de leveza que Magalhães guarda em seu timbre. Deixa Menina, dueto incomum com Preta Gil, coloca a filha de Mallu em foco, misturando samba e bossa nova. Esperança pode não renovar os ares da paulista de 28 anos, mas com certeza envereda sua Arte para ruelas mais floridas. – Vitor Evangelista

¿Téo? – Sol

A mistura de bossa nova com hip-hop de ¿Téo? em Sol vai marcar presença em algumas listas de melhores álbuns de 2021 por aí. O segundo disco do artista colombiano-americano continua os trabalhos do seu álbum de estreia homônimo de 2018, agora elevando a habilidade do artista de mesclar gêneros distintos e desenhando novas faces de sua identidade, que está exatamente nas diferentes influências culturais.

A abertura do disco nos apresenta o resultado exato dessas experimentações, muito bem-sucedido, vale ressaltar. E enquanto Pantera e Buena existem na interseção dos ritmos das diferentes Américas, a continuação de Sol também consegue se separar dentro dos gêneros que combina em suas 12 faixas. Para os ouvintes do raiz hip-hop, ¿Téo? reserva The Most e Americano, modernizando seu estilo com um pouco de reggaeton em Rrrrico e desenvolvendo o ritmo latino de forma mais suave em What’s On Ur Mind, I’ll Wait e Suplicar, esta última que acumulou milhões de streams e foi patrocinada por Justin Bieber.

Compreendendo as nuances da música latina desde seu aspecto global às suas raízes regionais, Sol ainda entrega a beleza do new flamenco em UNI2 e Buena. E a bossa nova? Está presente de forma mais pura em Do U Wanna Leave, mixada às batidas do funk e vocais de Mirella Costa em Assim, mas ela surpreende mesmo é em Buzzeed, resultado da colaboração de ¿Téo? com WILLOW. Eu sei, o conjunto de Sol é difícil de explicar e mais ainda de acreditar. Mas facinho de apreciar. – Raquel Dutra

Wesley Joseph – ULTRAMARINE

Rapper em ascensão, o jovem Wesley Joseph não cansa de inovar. Surgido com um single auto produzido, acompanhado de um videoclipe que esbanjava talento e visão artística, chegou a hora de Joseph lançar seu primeiro trabalho de estúdio completo. 

ULTRAMARINE aterrissa ciente do flow do cantor, que desata a rimar poeticamente, criando versos cinematográficos e que casam com o olho apurado que possui quando o assunto é complemento visual. Ecos de The Weeknd batem à porta enquanto ele convida a cantar sua conterrânea Jorja Smith na melhor canção do curto disco, Patience. – Vitor Evangelista

H.E.R. – Back of My Mind

Depois de ganhar não apenas um Oscar, mas também dois Grammys, H.E.R. consolidou seu nome como uma artista bem sucedida de 2021. Não tem como pensar em música nesse ano sem lembrar da jovem, e ao escutar seu álbum fica claro os motivos de tanto triunfo. 

Back of My Mind é uma viagem para, como o próprio nome diz, dentro da cabeça da artista. A obra é cheia de desabafos emotivos e profundos que, com tanta verdade, tocam nossos próprios sentimentos. Em My Own, Gabriella não tem vergonha em admitir que está carente e com saudade do seu amor. A maneira que fala abertamente da sua necessidade por afeto é a mesma que usa para rimar sobre seus traumas na terceira faixa da obra. 

Além dos solos, sete canções contam com feats que só elevaram ainda mais o potencial do álbum. Ty Dolla Sign, Lil Baby e outros grandes nomes se juntam a H.E.R. para cantar sobre suas emoções. De forma intimista, Back of My Mind vem para mostrar que a queridinha das premiações é apenas gente como a gente. – Mariana Chagas

Faye Webster – I Know I’m Funny haha

“Você me dá vontade de chorar, mas de um jeito bom”, canta uma jovem de 23 anos em In A Good Way, a voz fina e anasalada se engrandece ao mesmo tempo em que confessa esse sentimento conflituoso. E o quarto disco de Faye Webster é recheado deles. A começar pelo título, sutilmente passivo-agressivo, que rememora as risadelas características do MSN, lol.

I Know I’m Funny haha engana pelo escopo de suas criações, por suas letras aparentemente simples e pelos vocais de Webster, que brincam com tons e com formas. Ela é despreocupada, carente, inteligente e ela está entediada. Qualquer tema escolhido ao longo dos quarenta minutos são tratados com o mesmo grau de seriedade, fazendo da integridade artística e da entrega sincera os pontos mais altos do trabalho. – Vitor Evangelista

Wolf Alice – Blue Weekend

O Fim de Semana Azul da banda Wolf Alice já é um dos álbuns mais prestigiados do ano, e com toda a razão. Em suas onze faixas, ouvimos uma história contada através das letras e da ambientação alcançada através da produção detalhista das músicas. Quase como uma experiência cinematográfica, somos conduzidos a sensações que crescem e culminam numa catarse musical, embalada pela voz de Ellie Rowsell. 

O rock alternativo e o shoegaze/dream pop já são conhecidos por esse poder de colocar o ouvinte quase num transe, e de transportar para uma atmosfera única e etérea, e Blue Weekend confirma a capacidade de Wolf Alice em acentuar essa força do gênero. Delicious Things com certeza tem Bowie nas suas veias, sendo uma das melhores faixas do disco. 

Ao longo do LP, nos deparamos com sintetizadores ecoantes, guitarras calmas, e até mesmo um rock mais convencional, e tudo se encaixa, numa síntese sobre como manter um álbum coeso sem que se torne monótono. Não se assuste quando Blue Weekend aparecer nas listas de melhores do ano por aí, eles merecem isso e muito mais. – Jho Brunhara

Alicia Keys – Songs In A Minor (20th Anniversary Edition)

Em 2001, o mundo admirava a estreia aclamada e promissora de Alicia Keys. Hoje, celebramos junto dela seus maravilhosos 20 anos de carreira. A comemoração acontece através de Songs In A Minor (20th Anniversary Edition), edição especial do primeiro álbum da artista. Na época, o disco foi sucesso absoluto de público e de crítica, vencedor do Grammy de Artista Revelação, Melhor Álbum de R&B e Música do Ano, e o motivo por trás da fama da novata que ficou conhecida como “a próxima rainha do soul”.

O fenômeno partiu de uma jovem de apenas 20 anos que flutuava com completa liberdade criativa pelo soul, R&B, hip-hop, jazz, música clássica e gospel, em canções escritas e idealizadas durante a adolescência e no início da vida adulta, simbolizando, de forma pessoal e histórica, um amadurecimento em meio a um novo mundo e um novo momento da indústria musical. Assim, Songs In A Minor é onde a origem do piano clássico de Alicia se encontra com a sua existência enquanto mulher moderna, suas referências musicais dentro dos gêneros urbanos contemporâneos e sua habilidade enquanto compositora, arranjadora e produtora. 

O trabalho abriga uma parte importantíssima da música dos anos 2000, como Rock wit U, que representa como nenhuma outra o R&B da época, em contraste com as juvenis Butterflyz, Troubles e Caged Bird. A tracklist original vem acompanhada de Foolish Heart, Crazy (Mi Corazon) e I Won’t (Crazy World), três faixas inéditas das sessões de gravação do disco em 2001. Parafraseando a música que é o carro-chefe do álbum, um dos destaques de sua discografia e considerada sua assinatura musical, 20 anos depois, nós continuamos a nos apaixonar por Alicia Keys. – Raquel Dutra

EPs

Cavetown – Man’s Best Friend

Apesar do isolamento, muitos sentimentos causados pela pandemia são, também, globais. Raiva, solidão, tristeza, carência… Tudo o que transformou o último um ano e meio em um dos momentos mais complicados se tornou tema do último lançamento de Cavetown, Man ‘s Best Friend.

Não é a primeira vez que saúde mental é discutida nas faixas de Robbie. Tema bastante comum, ele contou em entrevista que usa a escrita de músicas para aliviar o que está sentindo, e dessa vez não foi diferente. O EP nasceu em um momento bem conturbado de sua vida, o que pode ser refletido nas letras amarguradas e passivo-agressivas. Em Ur Gonna Wish U Believed Me, Let Me Feel Low, Guilty e Sharpener, o ruivo constantemente se refere a alguém, com uma certa hostilidade, como culpado de seus problemas. Já Idea of Her, que ele confessou ser sua favorita entre as faixas, traz mais à tona sua carência e saudades de uma certa pessoa.

A produção continua simples como sempre. Além de escrever, Robin também produziu todas as músicas, seguindo seu estilo mais clean. O objetivo, segundo o cantor, é fazer com que o ouvinte se sinta acolhido, como se ele estivesse cantando ao seu lado. O que funciona muito bem, ainda mais com a voz tão calorosa de Cavetown. E é a junção de todos esses elementos que ajudam na construção de um EP perfeito para servir de companhia em uma tarde solitária de pandemia. – Mariana Chagas

Griff – One Foot In Front Of The Other

Chamada por muitos críticos como a grande revelação do pop de 2021, haja visto seu prêmio na categoria homônima do BRIT Awards 2021, Griff prova merecer o título com o lançamento do seu primeiro EP, One Foot In Front Of The Other. Podendo ser vista como um suspiro de inovação em meio a um gênero musical que muitas vezes se repete, a cantora não faz nada incrivelmente surpreendente, apenas tem a ousadia de não se prender em clichês, assumindo sua identidade sonora de forma confiante mesmo em seu início de carreira.

Com vocais e estilos que lembram muito as composições de Julia Michaels, Griff é um pouco mais ousada ao adicionar pitadas de jazz e R&B em faixas como o single de abertura Black Hole. E uma vez que conseguimos comparar seu estilo com os primeiros singles de Dua Lipa, podemos esperar um futuro tão brilhante quanto para a nova revelação do pop. Outro destaque que precisa ser dado é para Shade of Yellow, canção que poderia muito bem fazer parte do arsenal de Taylor Swift, combinando perfeitamente em sonoridade e letra com a construção do álbum reputation. 

Entretanto, por mais que estejamos falando em comparações, é muito difícil definir Griff de forma tão simples, uma vez que mesmo com apenas 7 faixas, seu registro consegue nos mostrar a versatilidade da cantora, que caminha entre as variáveis de seu gênero, indo desde de um pop eletrônico até uma batida oitentista em Walk. Sabendo como construir sua mistura perfeita, One Foot In Front Of The Other é um disco que não merece apenas ser escutado, mas sim reproduzido repetidas vezes, de forma que sua complexidade, humildemente disfarçada, possa ser um chamado para que apreciemos a abundância de sua construção. – Ana Laura Ferreira

Overcoats – Used To Be Scared Of The Dark

Pouco tempo depois de lançarem o tocante The Fight, disco que debatia o fim de um relacionamento, o duo Overcoats dá uma prévia do futuro com o rápido mas marcante Used To Be Scared Of The Dark, um EP que reúne apenas quatro canções. Entre elas, as artistas convidam vozes proeminentes do cenário folk, pop e rock para falar de cura e renascimento.

Antes escondidas na escuridão dos sentimentos negativos, elas agora se banham na luz que emana da superação. Para isso, Overcoats vai do Céu ao Inferno, da culpa à redenção e da infância à velhice. A abertura, na faixa-título em parceria com Middle Kids, regurgita o medo, e o encerramento, Blame It On Me, ao lado de Lawrence Rothman, saúda a inocência em busca do futuro. E nós mal podemos esperar por ele. – Vitor Evangelista

Olivia O’Brien – Episodes: Season 1

Depois de centenas de buzz singles e mini-mixtapes, Olivia O’Brien finalmente entrega um trabalho completo com seu divertido segundo álbum de estúdio, Episodes: Season 1. Dividido em dois extended plays, a primeira temporada de Episodes traz seis faixas recheadas de versatilidade e irreverência. Marcada por letras melodramáticas e sonoridade up-tempo, Episodes é um dos melhores lançamentos da carreira de Olivia.

Numa época que a Geração Z trouxe o pop rock de volta para as paradas, No More Friends é um dos maiores acertos da tracklist, e Oli Sykes eleva a faixa com seu icônico vocal metalcore. Também fica impossível não se emocionar com a realidade hollywodiana em Call Mom ou mergulhar em nostalgia com What Happens Now?. Episodes: Season One abre novos horizontes para O’Brien e deixa expectativas para a segunda parte do disco. – Laís David 

boy pablo – wachito’s self-care tape

Fazendo jus ao título, as cinco faixas de wachito’s self-care tape são a trilha sonora perfeita para só relaxar. Depois de tuck me in e dancing by myself, também lançados em 2021, o quarto EP da carreira do boy pablo, nome artístico do chileno-norueguês Nicolás Pablo Muñoz, dá sequência e finaliza a proposta de fragmentar trabalhos anteriores e rearranjá-los em extended plays.

Selecionando gravações menos frenéticas e dançantes, diferente das do disco de estreia Soy Pablo e de singles como Dance, Baby! e Losing You, o cantor, compositor e produtor usa a última parte da trilogia para abaixar o tom e focar nas melodias calmas. A guitarra agitada dá lugar ao violão e ao piano, como nas declarações de amor de i <3 u e nowadays, e a solos mais contidos, como na revigorante come home e na encantadora honey. Até a animada hey girl ganha uma versão acústica, que, mesmo sem comparação com a original, encaixa na vibe proposta no EP.

Não só as melodias acolhedoras, mas as letras suaves e delicadas também se distanciam da ansiedade e das desilusões amorosas de anteriormente e tornam o trabalho praticamente uma playlist romântica e reconfortante. Mesmo sem nenhuma canção inédita, wachito´s self-care tape reúne faixas espalhadas em uma mini-coletânea coesa do início ao fim, que, como o próprio boy pablo descreve, é pensada para seus momentos de autocuidado. – Vitória Lopes Gomez

beabadoobee – Our Extended Play EP

beabadoobee se junta a Matty Healy e George Daniel, membros do The 1975, em Our Extended Play EP, uma rápida parceria colaborativa. Unindo o melhor do bedroom pop da cantora com a megalomania que borbulha da banda de Manchester. 

Em apenas quatro faixas, ela ouve sua voz distorcida e abafada por guitarras tagarelas, marca registrada dos donos de hits como Girls e Somebody Else. A finalização do EP, centrada na bobalhona He Gets Me So High, deixa um saboroso gostinho de quero mais. – Vitor Evangelista

Clarissa – Clarissa

Atriz, influencer e agora cantora. O currículo de Clarissa Müller cresce graciosamente com seu primeiro lançamento musical, Clarissa. O EP de estreia da artista aconchega cinco canções num bedroom pop que promete cair no gosto dos amantes do pop nacional. Com O Vento Leva, O Vento Traz e Bem Me Quer, Mal Me Quer, Clarissa embarca pelos caminhos tortuosos, cantando com suavidade os altos e baixos das narrativas românticas.  

Estética que se estende à Pro Nosso Azar e Ela, dando lugar à algo mais marcado em Xodó. Entre as composições íntimas e os sons charmosos, o ouvinte de Clarissa está avisado: não tem como não falar de amor em tempos de carência coletiva e não tem como não se render à leveza da música em tempos universalmente difíceis. E Clarissa Müller sabe muito bem disso. – Raquel Dutra

K.Flay – Inside Voices

Chegando dois anos após o álbum Solutions, o novo trabalho da rapper americana K.Flay é um grito de guerra e agressão que externaliza as vozes internas da artista em cinco faixas potentes que misturam pop-rock, indie e hip-hop. O apropriadamente nomeado Inside Voices representa, como muitos dos discos lançados em 2021, um processo de introspecção inevitavelmente causado pela pandemia e o período de isolamento social, revelando novas faces de sua artista e reinventando outras.

Como já diz o seu título, Inside Voices revela uma voz mais profunda da rapper, mas também é um episódio sobre as frustrações mais tangíveis de K.Flay como artista e pessoa. Seja na visceral Four Letter Words, em que ela confronta o término de um relacionamento ou na vibrante TGIF, uma insana e fantástica colaboração com o guitarrista Tom Morello, do Rage Against The Machine, em que ambos confrontam a glorificação das sextas-feiras e da semana de trabalho

Outras faixas que se sobressaem são Good Girl, um indie pop que parece saído diretamente de uma cena de filme adolescente dos anos 2000 e Dating My Dad, uma inteligente sátira de relacionamentos e famílias que conta com a bateria de Travis Barker, do Blink-182. Infelizmente o EP perde um pouco de força no final, apostando na introspectiva e sombria My Name Isn’t Katherine, mudando subitamente as engrenagens de suas músicas, mas não o suficiente para tirar o brilhantismo de suas letras instigantes e vorazes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Jensen McRae – Who Hurt You?

A biografia de Jensen McRae no Spotify resume com maestria a energia da cantora: ela tem 23 anos, é virginiana, chorou durante Homem-Aranha no Aranhaverso e nunca negou uma sobremesa. Ela canta sobre doenças mentais, sobre ser negra, sobre ter medo da vida adulta e sobre se apaixonar por qualquer cara que é gentil com ela. Ela provavelmente está escrevendo sobre você em seu diário. Who Hurt You?, seu EP de estreia, é uma boa vitrine dessa personalidade. 

Suas influências de R&B se misturam à calmaria do pop melódico, ao passo que uma aveludada voz de clamor invade o espaço sonoro. Seria fácil e simplório comparar suas canções ao repertório de SZA, mas isso seria diminuir McRae à moldes pré-concebidos. 6 músicas e 21 minutos são suficientes para nos apaixonarmos. Wolves modula seu choro dolorido, enquanto canta sobre o animal selvagem e seu derradeiro encontro. Cansou de ouvir o SOUR e está em busca de algo no mesmo espectro de sofrência? Dê play em Who Hurt You? – Vitor Evangelista

EXO – DON’T FIGHT THE FEELING 

Momentos de hiatus são comuns no mundo do K-pop, mas é impossível deixar de sentir saudades do seu grupo favorito quando param por dois anos. Por isso, o mini-álbum do EXO foi um presente de aquecer os corações dos fãs que não tinham novidades desde OBSESSION, lançado em 2019. Afastados por estarem servindo ao exército, os membros Baekhyun, Chanyeol, D.O., Kai, Sehun e Xiumin se reuniram para trazer à vida o DON’T FIGHT THE FEELING. 

No clipe do single, o grupo embarca em uma excursão animada para o espaço, acompanhados pelo otimismo da letra escrita por Kenzie, compositora já antiga na gravadora SM Entertainment. Liricamente, o álbum também faz uma grande viagem, explorando diversos sentimentos e temas do cotidiano. Bem dividido, há um equilíbrio entre faixas tristes e felizes na obra. Depois de tanto tempo afastados, EXO não poderia ter feito um comeback melhor. – Mariana Chagas

Kali Uchis – sin miedo // acoustic

No apocalíptico ano de 2020, Kali Uchis gravou seu nome no cenário musical sem medo de amores e demônios. A cantora colombiana-americana abraçou suas origens latinas naquele que foi um dos melhores álbuns do ano passado: Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios). Em Março, foi vez de telepatía ganhar um caloroso clipe, transbordando talento. Agora, Sin Miedo continua com sua produção de frutos, entregando um EP acústico com telepatía, fue major, vaya con dios.

O acústico reforça toda a sensualidade da cantora em seu cavalo branco. Com apenas três músicas, Kali consegue facilmente envolver quem escuta seu trabalho. É a fascinante vaya con dios que fecha o EP e merece ser o centro das atenções. Com sua sonoridade latina que nos transporta para o ambiente cinematográfico de cabarés, a música imprime toda energia excêntrica de Kali Uchis e merece um lugar especial em sua playlist. – Ana Júlia Trevisan

TWICE – Taste of Love

Enquanto no Brasil sofremos com as baixas temperaturas e muitas camadas de roupa, TWICE esbanja o verão da Coreia do Sul em nossas caras. Uma mistura de bebidas, flores e praias servem como cenário para Alcohol-Free, e durante os 3 minutos de clipe quase dá para sentir o calor saindo da tela e aquecendo um pouco o friozinho deste inverno.

O mini-álbum conta com 5 faixas liricamente românticas e sensuais. A produção tem uma picada tropical que deixa Taste of Love ainda mais gostoso de se ouvir. Sendo ou não fã de K-pop, a batida de Fist Time consegue te conquistar. E ao escutar Baby Blue Love, o sentimento é de estarmos dançando na noite de verão que as garotas cantam sobre. Sendo essa época do ano uma temporada onde os grupos de K-pop lutam por seu espaço nas paradas, TWICE apostou certo em lançar músicas que casam tão perfeitamente com a estação. – Mariana Chagas

Rebecca Black – Rebecca Black Was Here

Uma década depois de sofrer com Friday, Rebecca Black está de volta. A cantora reúne inspirações eletrônicas no EP que carrega seu nome e sua atual situação. Rebecca Black Was Here dura mais do que sua curta duração se propõe, e a versão 2021 da artista é mais despojada e, também, mais potente.

Better in My Memory é o ápice do trabalho, mas todas as faixas passeiam por características positivas, soando, em sua melhor instância, como sons dignos da produção avantajada de Charli XCX. A PC Music vira tendência aqui, provando que a represália sofrida pela música sobre a sexta-feira não foi nada justa. – Vitor Evangelista

Músicas

Clairo – Blouse

Dois anos depois de seu último lançamento, o unânime álbum de estreia Immunity, a cantora e compositora norte-americana Clairo volta a dar as caras com o single Blouse. Longe do gênero pop (e suas variações) que marcou seu brilhante início de carreira, a artista agora explora o folk, em uma canção acolhedora, ainda que tediosa.

Os vocais suaves de Clairo cantam uma homenagem à sua cachorrinha, Joanie, e são o grande destaque na faixa, enquanto a domesticidade da melodia, que a artista tanto procurava, é mais sonolenta do que emocionante. Blouse, produzido por Jack Antonoff, o requisitado produtor de Taylor Swift e Lorde, é o primeiro single do segundo álbum da artista – e da colaboração entre os dois. Como anunciado pela cantora, seu novo projeto chama-se Sling e será lançado em 16 de julho. – Vitória Lopes Gomez

Madison Beer – Reckless 

Depois de um hiatus de 3 anos entre o seu EP e o seu debut album, os fãs de Madison Beer não esperavam algo novo tão cedo. Porém, menos de quatro meses depois do lançamento de Life Support, a cantora volta com um single que inicia sua próxima era da forma mais linda possível. Se na capa Madison parece estar entre as páginas de um livro, ouvir Reckless é como um convite para viajar com ela para esse capítulo triste de sua história.

Com a melancolia de ser trocada por outro alguém, tema também do sucesso traitor de Olivia Rodrigo, Reckless é um desabafo honesto da vivência de Madison. Logo no primeiro verso, a cantora confessa que contar tal história pode quebrá-la, mas que escolheu contá-la do mesmo jeito. A produção de Leroy Clampitt e Tim Sommers, seus antigos parceiros, usa sons do cotidiano e tantos detalhes que ouvir de fone de ouvido se transforma em uma experiência quase mágica. 

Com mais de 700 mil de streams no Spotify, a faixa ultrapassou Good in Goodbye e se tornou a maior estreia de Beer. A hashtag RECKLESS IS OUT NOW, organizada pelo Madison Beer Brasil, ficou nos assuntos do momento na noite do dia 3. A cantora está crescendo e promete ir muito bem nessa nova fase. Se os próximos capítulos forem tão bons quanto este, não há dúvidas que Madison irá entregar outro álbum incrível. – Mariana Chagas

Marisa Monte – Calma

Após uma década sem inéditas, Marisa Monte nos pede Calma, como um sopro de esperança para não temer o futuro. O single é o primeiro lançamento do álbum Portas, que vem ao mundo em julho. Composição de Marisa em parceria com Chico Brown, a canção tem letra e melodia fáceis, que entram na mente capazes de se repetirem por horas. A música é um spoiler do que podemos esperar de Portas: o reforço na confirmação que cada dia mais a arte de faz necessária, que o som é um dos melhores escapes do mundo apocalíptico em que estamos vivendo. – Ana Júlia Trevisan

Bimini – God Save This Queen

Grande destaque da segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK, Bimini Bon-Boulash escolheu o Mês do Orgulho para dar partida em sua carreira musical. God Save This Queen, faixa selecionada para o pontapé além das passarelas, aumenta o alcance da drag queen, dando ao público mais nuances de sua multifacetada persona, vegana, não-binária e doida. Os versos permanecem fiéis ao que Bimini já cantou no programa, uma expansão de sua visão artística. Agora que a fera está solta, o mundo é um lugar melhor. – Vitor Evangelista 

Jottapê, Kevinho e ARON – Errada Ela Não Tá 

Arón Piper está arriscando no mundo musical aos trancos e barrancos. Depois do lançamento de seu EP no começo do ano, o astro de Elite se aventurou em terras brasileiras para um feat com MC Jottapê e Kevinho, surgindo então Errada Ela Não Tá. Quem dá o tom é o ator de Sintonia numa batida conhecida pelas festas antes da pandemia, vibrante e enérgica. A voz anasalada de Kevinho vem logo em seguida sem grandes novidades, nos mesmos moldes que suas outras músicas. Até aí, o match perfeito. 

Contudo, Arón aparece e desgasta o funk, abusando do auto-tune. Sua voz modulada além do limite diminui os compassos introduzidos pelos MCs e só volta quando ele canta em espanhol o verso introdutório do refrão. Mesmo assim, há aqueles que aprovaram a parceria já que Errada Ela Não Tá entrou no top 200 do Spotify Brasil. Pessoalmente, ainda fico no aguardo de novas produções de Arón que engrandeçam sua voz marcante. – Júlia Paes de Arruda

Jessie J – I Want Love

Há alguns anos a Claudia Leitte do Reino Unido vem tentando repetir seus feitos do início da carreira, seja através de uma abordagem mais pop ou conceitual. E, bom, quem conhece Jessie J sabe que esse é exatamente o problema da cantora: tentar demais. Abençoada com uma voz poderosa, J já foi até mesmo competir na China em uma programa de talentos na TV, e venceu, provando que anos de carreira e alguns hits não te impedem de fazer o caminho contrário da fama. 

Em I Want Love, J usa de todos os artifícios para fazer uma canção viciante, e consegue. A estrutura convencional cumpre seu papel, o refrão é chiclete, as firulas vocais impressionam, e a letra super identificável (afinal, quem não quer amor?) e as influências disco, que estavam em alta, completam o pacote. A mudança de tom no final é a cereja do bolo, quase como uma paródia do próprio gênero, algo que Ed Sheeran usaria sempre se tivesse a ambição e potência vocal de Jessie. Infelizmente, tudo que é muito doce e emperequetado enjoa fácil. – Jho Brunhara

blackbear e Tate McRae – u love u

A nova era de blackbear começou! Em 23 de março, o cantor anunciou em suas redes sociais seu próximo projeto, o EP misery lake, e três meses depois, o single finalmente foi lançado.  Com a participação de Tate McRae, a produção ficou na mão de Andrew Goldstein, que já trabalha com o cantor há muito tempo.

A música é sobre estar em um relacionamento mas continuar se sentindo sozinho, mas é tão animada que quase dá para esquecer da triste letra. Bear desabafa sobre amar alguém que não parece o amar de volta tanto assim. Já a capa ficou na mão de Harley Wrecks, parceiro antigo do cantor, que escolheu uma animação que combinasse com o conceito da era. “Decidi fazer ele (blackbear) e Tate se afogando no misery lake”, contou o artista em entrevista. – Mariana Chagas

IZA – Gueto

Que IZA é uma potência todo mundo sabe, mas o novo single da artista e primeiro vislumbre de seu segundo disco é para elevar todas as expectativas a respeito de seu trabalho. Em Gueto, um dos maiores nomes do pop nacional faz jus ao espaço de importância que ocupa enquanto artista, exaltando a cultura da periferia e suas raízes do subúrbio do Rio de Janeiro. Usando de um dancehall e afrobeat carismáticos, o conjunto da obra de Gueto ainda conta com a direção criativa de IZA e entrega um dos vídeos mais lindos do ano, onde brilha forte uma artista confiante, que diz “sim, eu sei o que está reservado pra mim”. – Raquel Dutra

CHVRCHES e Robert Smith – How Not To Drown 

O trio escocês CHVRCHES voltou esse mês com mais uma amostra de seu novo álbum, Screen Violence, programado para sair ao final de agosto, marcando assim 10 anos desde a formação da banda em 2011. O novo single, How Not To Drown, conta com a ilustre colaboração de Robert Smith, do The Cure, nos vocais e na letra.

Escrita em um momento em que a vocalista Lauren Mayberry pensava em deixar a banda de synthpop, a música serve como uma reflexão sobre desistência, ansiedade e depressão: “Me diga como/É melhor se eu não fizer som/Eu nunca vou escapar dessas dúvidas/Eu não estava morta quando me encontraram, olhe como me me afundam”. Adicionando seus vocais fantasmagóricos ao refrão sombrio, Robert Smith só agrega ao ar de mistério e violência proposto na nova fase do trio.

Além da música, Junho também trouxe um vídeoclipe psicodélico seguindo as novas estéticas do grupo, assim como um novo remix de 7 minutos criado pelo próprio Robert Smith. Descrita por Martin Doherty como “o momento mais orgulhoso dele como músico”, How Not To Drown marca mais uma forte adição à discografia da banda e aquece os ouvidos dos fãs até o lançamento de Screen Violence em 27 de agosto. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Michaela Jaé – Something to Say

A mãe tá on! Depois de acalentar nossos corações como a chefe da família Evangelista e na pele de uma das personagens mais queridas da TV, MJ Rodriguez estreia na música como Michaela Jaé em Something to Say, seu primeiro single. A artista já mostrava indícios dos seus dons musicais através em alguns episódios de Pose, e agora, com os trabalhos na série devidamente finalizados, ela se joga numa mistura triunfante de pop, R&B, soul e funk para provar um fato: Michaela Jaé tem muito o que dizer. – Raquel Dutra

Megan Thee Stallion – Thot Shit

Megan encerrou a bem-sucedida era Good News e agora é a hora de Tina Snow brilhar. Alter ego da rapper, essa versão loira é quem dá as caras em Thot Shit (em inglês, Thot é sigla para ‘that hoe over there’, uma maneira de menosprezar as mulheres). O clipe abre com um político branco e idoso comentando barbaridades em um dos vídeos de Meg, para logo depois abrir o zíper da calça e “aproveitar” o que assiste.

Saindo do prédio, ele logo é atropelado por um veículo em alta velocidade. No banco do motorista está a cavalona, empoleirada e rebolando. Ela segue essa máxima todo tempo e não há lugar ruim para o remelexo do bumbum: uma lanchonete e até uma sala de cirurgia são palcos para o twerk. A letra também é lugar seguro para Stallion, que rima sobre sexo e seu sucesso e estrelato, sem tabus ou quaquer vergonha do que diz. Thot Shit abre alas para o futuro dessa que é uma das maiores estrelas que temos. – Vitor Evangelista

Maria Bethânia – A Flor Encarnada

“Haste fina que qualquer brisa verga mas nenhuma espada corta”. Essa é a definição completa de Bethânia, pura e irrestrita. A cantora, que pegou todos de surpresa no dia de seu aniversário, lançou em junho a música A Flor Encarnada – composição de Adriana Calcanhotto. A letra forte combina com toda a história da discografia traçada pela inconfundível voz de Maria Bethânia. A forma poética da cantora em interpretar canções traz profundidade para A Flor Encarnada e nos deixa ansiosa para trabalhos futuros que a menina de Oyá, isolada na mata, possa estar preparando. – Ana Júlia Trevisan

Danna Paola – MÍA

Depois da sua era K.O., Danna Paola enaltece uma nova fase da sua vida, abusando de uma maturidade musical admirável em tão pouco tempo. Sem deixar de celebrar sua notoriedade na música latina, MÍA retrata a transição da inocência à independência, deixando despertar uma mulher preparada para enfrentar o mundo somente com a sua companhia. 

No clipe, a patricinha de Elite simula um funeral, desprendendo dessa fase monótona de corações partidos e relacionamentos imaturos, para renascer cheia de cores e felicidade. Resumindo em suas próprias palavras, bem-vindo ao novo eu de Danna Paola. A versatilidade de sua voz encanta pela energia e as danças bem coreografadas são vitais para traduzir essa intensidade. Seu renascer estilo Bela Adormecida só reforça seu papel de empoderamento e de amor próprio nas próximas gerações de meninas que a viram no uniforme de Las Encinas. Prometendo uma continuação dessa história, a mexicana nos dará a honra de prestigiar performances incríveis em um novo álbum. – Júlia Paes de Arruda

FLETCHER – Healing

O término público do relacionamento igualmente público de Fletcher rendeu bons sofrimentos à artista – e a seus fãs. Com direito até a videoclipe com a ex, a cantora e compositora recompensou os fãs com o EP The S(ex) Tapes, que reflete sobre o fim e o que vem com ele, do sofrimento à expectativa para o próximo amor. Entre outros lançamentos e versões no meio do caminho, o novo single de Fletcher, Healing, retoma a narrativa da onde a artista parou.

Semelhante a canções anteriores, a faixa combina as letras pessoais e honestas ao ritmo pop animado. Álbum, EP ou single, o próximo lançamento ainda não foi anunciado, mas, com uma turnê pela Europa com datas marcadas, o processo continua: em Healing, Fletcher ainda não se curou, mas está no caminho. – Vitória Lopes Gomez

Bad Bunny – YONAGUNI

A nova fase de Bad Bunny já mostra seus primeiros sinais com YONAGUNI. Depois de se despedir de EL ULTIMO TOUR DEL MUNDO na companhia de ROSALÍA, e vencer um Grammy com YHLQMDLG, a expectativa para os trabalhos do artista em 2021 era alta, e a recepção do lançamento foi à altura: quebrando recordes, o single estreou em 3º lugar na parada global do Spotify, com 7,1 milhões de streams em 24 horas, na maior estreia de uma música em espanhol na história da plataforma de streaming. No reggaeton sensual, versos apaixonados e estética extravagante de sempre, Bad Bunny segue um fenômeno. – Raquel Dutra

Bleachers – How Dare You Want More

Quando uma banda constrói seu estilo baseado em fortes e imponentes influências, como é o caso do Bleachers, é fácil se perder entre as mesmices disfarçadas de homenagens em suas construções, sejam líricas ou sonoras. Mas para a alegria dos nossos ouvidos, a banda de Jack Antonoff sabe equilibrar sua personalidade e sua nostalgia, criando a mistura perfeita para nos entregar um single que combina tanto com eles em pleno século XXI quanto combinaria com The Beatles em plenos anos 1960. Animada do jeito certo para disfarçar o peso de sua letra, How Dare You Want More é o passado e o presente que pavimentam o futuro da banda. – Ana Laura Ferreira

Pó de Café e Maria Rita – Tantas Mães

Sou, de longe, a pessoa mais suspeita do site para falar da dona cantora Maria Rita. A filha de Elis Regina não lança um trabalho solo desde 2018, mas nesse longo período de tempo vem colaborando com outros cantores e grupos, e também se arriscando por aí como compositora. Sua voz inebriante marca presença no single Tantas Mães do grupo de jazz Pó de Café.

A música sobre Iemanjá escancara a religiosidade de Maria Rita. Sua entrega na canção demonstra um respeito que transcende as relações musicais, há uma verdade pessoal impressa em seu vocal. Com um instrumental marcante mas que não se sobrepõe à voz da cantora, Tantas Mães nos lembra a sonoridade do Segundo, entrelaçada com a fé do Amor e Música. O single é a junção do melhor dos dois mundos de Maria Rita. – Ana Júlia Trevisan

Ed Sheeran – Bad Habits 

Depois de mais de um ano de uma pausa incessante, mesmo com aparições para notícias maravilhosas e um lançamento sem compromisso, Ed Sheeran está de volta com sua primeira canção solo desde o álbum Divide. Ansiosamente esperando por esse momento e, como sempre, ele nunca decepciona. 

Conhecido por compor letras maravilhosas, Ed canta sobre as decisões erradas tomadas na madrugada, especialmente depois das duas da manhã (uma referência a How I Met Your Mother, talvez?). O britânico se arrisca em algo não visto em outros trabalhos, uma música dançante estilo The Weeknd com vibes eletrônicas de Alok. Ainda processando o lançamento, o ruivo performou seus maus hábitos numa versão acústica no TikTok UEFA EURO 2020. Depois da sua trilogia matemática +, x e ÷, será que estamos próximos do –? Ed Sheeran dá indícios que sim. – Júlia Paes de Arruda

Marina Sena – VOLTEI PRA MIM

VOLTEI PRA MIM, segundo single da carreira solo de Marina Sena, resgata elementos do som pré-setentista da Tropicália e os insere no que há de mais contemporâneo da música pop alternativa brasileira. O som, com destaque para guitarra ritmada, é dançante e esbanja sensualidade, irreverência e leveza. Sensações com as quais os fãs da cantora mineira estão acostumados desde os trabalhos na A Outra Banda da Lua, onde Marina tocou os vocais por 5 anos, até a empreitada Rosa Neon, que acabou em março deste ano e foi a grande responsável por projetar a artista no cenário nacional: seja acumulando mais de 2 milhões de acessos entre Spotify e YouTube, fazendo feat com Djonga, ou figurando turnê na Europa (tá bom?!).

“Amor eu te deixei/Pra ir atrás do que eu sonhei”, são os primeiros versos a ecoar no single. Enquanto a música narra quem prioriza a própria caminhada com clima atmosférico e visual marcante e minimalista ao mesmo tempo, os tons quentes e abafados no clipe transpiram latinoamérica, e Marina lembra uma sereia folclórica. Tudo isso somado ao seu jeito de cantar agudo, envolvente e anasalado, que remetem a Gal, Marisa Monte e Céu, são detalhes que traduzem de maneira cristalina a fase e escolhas profissionais da cantora. O ano de 2021 marca a estreia solo com ME TOCA, precursor de VOLTEI PRA MIM. Lançados com um intervalo de 5 meses, os singles, além de sinais do álbum previsto para agosto deste ano, são produzidos e arranjados por Iuri Rio Branco e contam com realização do selo A QUADRILHA – comandado pelo parceiro e conterrâneo, Djonga.

Marina compõe, canta, toca e dança. Em cima de uma moto, ou no meio de duas delas em círculos, com cabelos soltos e volumosos, como aparece no clipe, a mineira de voz potente e manhosa consegue voltar para o que já vem dando certo, sem ainda soar cansativa e trilha uma trajetória cada vez mais consistente na MPB. “Eu tenho o dom de ir além”, ela canta na faixa, e é bom ficar de olho. – Andrezza Marques

King Princess – House Burn Down

Qualquer lançamento de King Princess tem a difícil tarefa de fazer jus ao nível altíssimo de seu EP de estreia, Make My Bed. Sem erro, o novo single da cantora e compositora já era unânime entre os fãs até antes de ser gravado: House Burn Down era tocada em shows e só foi parar no estúdio depois de incessantes pedidos por uma versão oficial.

Com o lançamento da gravação, os riffs de guitarra e a pegada rock da faixa provam que incendeiam tudo não só no ao vivo. Seguindo PAIN e Only Time Makes Human, a canção é a terceira que integrará o novo álbum da artista, que, segundo ela, está a caminho e será “muito mais rock and roll”. Com a prévia do que vem aí, é de se esperar que o próximo trabalho de King Princess faça jus, afinal, ao seu insuperável EP. – Vitória Lopes Gomez

Billie Eilish – Lost Cause

Pouco mais de um mês antes do lançamento de seu novo álbum, Happier Than Ever, Billie Eilish revelou mais um single dessa nova era. Quase oposto a Your Power, que traz uma letra profunda sobre um tema de extrema delicadeza, em Lost Cause a jovem canta de forma bem descontraída e debochada sobre um antigo relacionamento que teve, enquanto curte uma festa do pijama com algumas amigas – o que não poderia ser um programa melhor. 

Mesmo sem dar nome aos bois ao longo da letra, a tal causa perdida que é nomeada diversas vezes pode se associar muito ao rapper Brandon Quention Adams, com quem Billie teve um relacionamento conturbado, apresentado no seu documentário The World’s A Little Blurry. Ela menciona a falta de atenção e maturidade do tal ex, e também as decepções que teve ao longo e ao fim do namoro. 

Além da música ser um hit de mão cheia, algo que não é novidade quando se trata de Billie Eilish, também é ótimo poder assistir a cantora exalar autoconfiança enquanto se diverte com suas amigas. Como notado até agora, seu próximo álbum tem tudo para mostrar um lado ainda mais pessoal e sincero de Billie, e não poderíamos estar mais ansiosos para ouvir o resultado disso. – Vitória Silva

Nando Reis e Pitty – Um Tiro no Coração

Essa não é a primeira vez que falamos de Nando Reis num post mensal.  O Infernal não lançou nenhum disco solo esse ano ainda, mas se uniu a outros nomes da MPB para contribuir cada vez mais com a cultura nacional. Primeiro DUDA BEAT, depois seu filho Sebastião e agora a fabulosa baiana Pitty se junta ao ruivo. Diferente dos primeiros, a roqueira faz parceria em apenas um single, o que não diminui a química musical entre os dois astros.

A música escolhida por ambos foi Um Tiro no Coração. Cássia Eller deu voz à essa canção há 20 anos e se tratando dela, é óbvio dizer que foi feito um trabalho inconfundível. Com base nisso, a nova gravação tem força para quebrar barreiras temporais. Os vocais se mesclam com a guitarra de Walter Villaça, revelando muita afinidade entre o duo. Não sabia que precisava de Nando Reis e Pitty juntos até ouvir eles nessa faixa. – Ana Júlia Trevisan

BANKS – The Devil

Dois anos após o sensível III e um EP de versões acústicas, a californiana Jillian Rose Banks, conhecida mononimamente como BANKS, retorna com um single que revela sua produção intrincada e sua musicalidade sofisticada. No demoníaco The Devil, ela canta sobre renascimento e tentação em meio a gritos agonizantes e sussurros sensuais.

Começando intimamente a faixa com tais sussurros, ela orgulhosamente declara seu novo nome: “Eu sou o diabo, te disseram que eu sou o diabo?/Ponha sua fé em outra vida passada (Ha-ha-ha)”. Os detalhes caprichosos e peculiares do single, co-produzido pela própria cantora, são o que fazem da música uma das mais marcantes do ano. Seja por sua batida sombria e sensual ou por seus versos intrusivos e intimidadores, BANKS chega em 2021 marcando presença.

O vídeoclipe, co-dirigido também por ela e inspirado em clássicos como Drácula de Bram Stoker (1992) e A Morte lhe Cai Bem (1992), expressa deliciosamente esse renascimento e transformação, com a cantora se tornando mais forte que seus demônios e resistindo aos seus charmes. Apesar de curta, BANKS nos enfeitiça com sua voz e seu som na primeira amostra de seu novo álbum ainda não nomeado. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Liniker – Baby 95

Declaro que Junho é o mês de Liniker. Além da série original Prime Vídeo – Manhãs de Setembro -, a cantora disponibilizou a canção Baby 95 junto ao clipe. Não é atoa que Liniker é atualmente uma das maiores referências da comunidade LGBTQIA+. A letra da música mistura português e inglês, MPB e R&B, e cria uma expressiva história de amor que nos envolve no íntimo do casal. Lançado na semana dos namorados, as cores e luzes do clipe colaboram para o sentimento de acalanto e nos faz acreditar de novo no amor. É sempre caloroso prestigiar a Liniker. – Ana Júlia Trevisan

Jonas Brothers – Remember This

Depois de novos rumores que os Jonas Brothers se separariam mais uma vez, o trio surpreendeu os fãs da forma mais amorosa possível através de Remember This. O ritmo não é diferente de outros trabalhos que eles já produziram antes, porém conta com uma energia muito mais valiosa.

Esse tom de aconchego vem das fotos de seus fãs que já tiveram o privilégio de ouvi-los ao vivo. A ausência das performances físicas dos três carrega esse sentimentalismo e, ao fechar os olhos, é como se estivéssemos presentes em um de seus shows. O compasso de violão com a percussão acompanha o refrão como se fosse uma prece: “Costumava rezar por um momento assim”. Contudo, não somos afortunados o suficiente para experienciar essa emoção tão cedo, já que a turnê de mesmo nome não passará pelo Brasil. Remember This é tudo que temos por agora e, a princípio, parece ser o suficiente. – Júlia Paes de Arruda

Jeremy Zucker – 18

Depois de um álbum sobre amadurecimento e relacionamentos sérios, Jeremy Zucker embarca em uma viagem no tempo com ponto de chegada no ensino médio. Narrado por um garoto de 16 anos, 18 é a perspectiva encantada e inocente de um adolescente que se apaixona por uma menina mais velha. 

Depois de apagar todas as fotos do seu Instagram para preparar o seu comeback, Jeremy voltou completamente entusiasmado em relação ao início de sua nova era. Escrita junto a Mikael Temrowski, Alexander O’Neill e Thomas Michel, o single escolhido parece contrastar com seus últimos trabalhos, mas sem perder a essência jovial e divertida que o cantor carrega em seus maiores hits all the kids are depressed e comethru. – Mariana Chagas

Linn Da Quebrada – I míssil

Conceito, coesão e aclamação. Tem forma melhor de definir o trabalho de Linn Da Quebrada? Não tem. E quando pensamos que sua habilidade com as palavras chegou ao seu ápice, ela mostra que ainda pode ir além. É o caso de seu novo álbum, Trava línguas, que tem o lançamento planejado para julho e um caminho perfeitamente preparado pelos singles mate & morra e quem soul eu, de 2020, e oficialmente descrito por I míssil, seu lançamento mais recente. Na canção, Linn brinca com os sentidos de sua composição junto de produção e direção musical de BadSista e da percussionista Dominique Vieira. Ela, mestra com as palavras, segue, como sempre, nos deixando sem elas. – Raquel Dutra

Hayley Kiyoko – Chance

Hayley Kiyoko começou Junho com single novo e, sofrendo por mulher de novo, pondera sobre suas chances e riscos em Chance. Sem medo de cantar sobre suas vivências, experiências e inseguranças como mulher lésbica, a letra honesta e identificável é embalada por uma batida calma e contagiante e gruda na cabeça: “Eu sempre fui um “não”, nunca um “talvez”/Eu sei que ela nunca me daria uma chance”. Para melhorar, o lançamento foi em dobro e Chance acompanha um videoclipe, que contraria a letra e dá o final feliz que Kiyoko – e quem se identifica – merece. – Vitória Lopes Gomez

Olivia Rodrigo – The Rose Song 

Olivia Rodrigo conseguiu entregar a metafórica ‘rosa aprendida pelo vidro da Fera’ de maneira brilhante, mais uma vez. Apesar de ser criada para a trilha sonora da 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series, série que garantiu o sucesso a cantora de SOUR, a metáfora trazida para inserir sua personagem Nini na peça teatral do East High que produz A Bela e A Fera nesse ano dois, a música serviu também para a cantora por trás das câmeras. 

A série é conhecida por seu brilhantismo de permitir que os protagonistas escrevam suas próprias letras para a produção do Disney+, o que garante que elas deixem de ser mais do que uma música infanto-juvenil e conseguem, de fato, representar o ator nos bastidores da composição. E esse é o caso de The Rose Song que, de maneira perfeita, se encaixa tanto com a trajetória de SOUR, mas também com o drama do relacionamento da protagonista e Ricky (Joshua Bassett). 

Como sua personagem para a peça, a então Rosa, Olivia Rodrigo conta sobre os aprisionamentos de um relacionamento conturbado, assim como a Fera e a maldição que o mantém dessa forma, no conhecido conto de fadas da Disney. Além disso, sem novidade, a cantora entrega vocais e uma performance impactante, que fecham de maneira brilhante o 6º episódio da série e, possivelmente, o estilo melodramático de SOUR. – Larissa Vieira

Garbo – Presente

Foi aqui que pediram um típico astro teen vindo diretamente do Tumblr para embalar o inverno pandêmico brasileiro? O Presente de Garbo está aqui para servi-los. O primeiro lançamento do ano do artista independente Gabriel Soares sucede seu último single, espaço-tempo, lançado em 2019, e seu último álbum, jovens inseguros vivendo no futuro, de 2018. Agora, Garbo apresenta um melodrama dançante e doído, em batidas oníricas de softpop e levemente eletrônicas. Numa identidade precisa da nossa juventude, é impossível ser mais presente que Garbo. – Raquel Dutra

Morat e Danna Paola – Idiota

Morat é um nome em ascensão no mercado musical latino. Aliado à belíssima voz de Danna Paola, outra personalidade crescendo nesse meio, não podia surgir algo ruim. Idiota é a representação da sensualidade e da calmaria das músicas latinas. A voz da patricinha de Elite traz a potência feminina que Idiota precisava, junto com a suavidade das vozes masculinas. Apesar da letra sofrer por amor, a batida dançante e sedutora nos cativa dançar no mesmo ritmo. Afinal, um amor como esse não aparecerá outra vez. – Júlia Paes de Arruda

Lorde – Solar Power

Quando a Pantone anunciou que as cores de 2021 seriam Cinza e Amarelo, Lorde com certeza riu em sua casa, ou melhor, na beira da praia. Depois de cantar as melhores músicas sobre se sentir triste no imaculado Melodrama, agora, finalmente, chegou a vez de enxergarmos o espectro oposto da cor azul: a cor do sol. Solar Power evoca o reencontro com a natureza e o banho de luz solar, enquanto Lorde guia a geração não queria crescer e que não queria mais amar para um novo estado mental, de restauração e reencontro.

Em 2021, mais do que nunca, a canção parece cair como uma luva para o Hemisfério Norte e os países sortudos do Sul, onde os recursos abastados permitiram uma compra de vacinas em grande quantidade ou não foram impactados de forma tão severa pela pandemia, por uma boa gestão governamental. Lá, a vida de verdade já voltou, e Solar Power faz ainda mais sentido em convocar seus ouvintes para sair de casa e redescobrir a felicidade que reside no mundo. O Brasil, infelizmente, não divide as mesmas alegrias e conquistas.

Lorde é culpada pelo caos e incompetência no território brasileiro? Não. É culpada pela concentração da compra de boas vacinas por países da América do Norte e Europa que prejudicam os Estados emergentes? Também não. Mas é muito difícil ouvir Solar Power e se entregar da forma que a cantora pede. Ainda não conseguimos esquecer as lágrimas que choramos, Lorde. Por aqui, ainda não acabou. Esperamos que num futuro próximo as palavras que você escreveu, finalmente, possam fazer sentido de verdade para nós. Por enquanto, só podemos usar de escape para sonhar com uma realidade melhor. – Jho Brunhara

Jennifer Hudson – Here I Am (Singing My Way Home)

A aguardada cinebiografia de uma das maiores estrelas da história da música ganha seu tom na voz de Jennifer Hudson e Here I Am (Singing My Way Home). A canção tema do filme traz tudo o que pode da vida de Aretha Franklin para o aspecto que é um dos mais preciosos da produção e da vida da artista, pela autoria de Carole King, compositora do clássico (You Make Me Feel Like) A Natural Woman, de 1967, um sucesso na voz de Aretha. Assim, a música só aumenta as expectativas para o público que aguarda Respect e o dia 12 de agosto, quando finalmente assistiremos surgir em Jennifer Hudson a maior cantora de todos os tempos. – Raquel Dutra 

Clipes

Dua Lipa – Love Again

Mostrando que ainda não está preparada para deixar a era Future Nostalgia, Dua Lipa entrega um clipe para mais uma faixa do seu álbum. Depois de Don’t Start Now, Physical, Levitating, Break My Heart e We’re Good – da versão moonlight do CD, a escolhida da vez foi Love Again. O clipe foi gravado entre os ensaios para o BRIT Awards e teve diversas trocas de looks e uma coreografia que a cantora precisou aprender em menos de uma hora.

O conceito do vídeo pode parecer confuso de primeira, mas tudo se encaixa quando combinado a letra da música. Na letra, Dua Lipa confessa que depois de jurar não se apaixonar outra vez, ela acaba por conhecer alguém que a faz ir contra sua promessa. E isso é retratado visualmente no clipe. O ovo representa a cantora renascida, depois de finalmente se curar das dores do último amor. Os palhaços tentam a todo custo a prender para si e, quando conseguem, ela aparece também com a cara pintada.

Apesar das suas tentativas, Dua acaba por amar novamente, e a ironia é estampada na sua cara de palhaça. O music video ficou nos trends do YouTube em 88 países, e a cantora usou seu Instagram para agradecer o apoio dos fãs. Mesmo com mais de um ano de lançamento, o álbum continua entre os mais escutados no Spotify, e a era de sucesso de Dua não parece que vai acabar tão cedo. – Mariana Chagas

DUDA BEAT – Nem Um Pouquinho

Mais uma vez, DUDA BEAT veio provar que boas produções não são exclusividade de artistas internacionais. Depois de lançar o seu aclamado Te Amo Lá Fora, a cantora presenteia mais uma faixa com um clipe, sendo a vez do seu feat com Trevo. Após excluir suas redes sociais, encheu os fãs de ansiedade para anunciar o lançamento do vídeo de Nem Um Pouquinho.

Com direção da dupla Alaska, que voltou para o Brasil depois de uma temporada nos Estados Unidos, o clipe é cheio de referências  cinematográficas. Uma delas é a inesquecível cena de ET, com as bicicletas passando pela frente da lua, como acontece no minuto 2 e 45. Junto com a estética cyberpunk e sua habilidade de metamorfose, o vídeo é um presente para quem gosta de destrinchar as camadas de uma boa obra do pop. – Mariana Chagas

Performances

Ariana Grande – pov 

Desde o lançamento de positions, pov se tornou uma das favoritas do fandom. Apesar de não ter recebido clipe, foi essa a faixa que Ariana Grande cantou em sua apresentação para a VEVO. Recém-casada, a cantora está tomada pela paixão, e isso transparece na sua voz emocionada e olhar brilhante. Sempre encantadora, dessa vez Ari está ainda mais. 

Em um gramado recheado de flores, a artista passeia pelo palco, iluminada por uma luz roxa e azul suave. O cenário é bem simples, mas ainda assim elegante. A tranquilidade do ambiente acompanha a leveza da letra que Ariana canta. Mesmo lançada a pouco tempo, a performance já se tornou a mais assistida do ano. – Mariana Chagas

Olivia Rodrigo – SOUR prom: the concert film

Continuando a expandir o conceito do amor juvenil, Olivia Rodrigo montou a sua própria festa de formatura (online, é claro!). Depois de ter se formado longe dos amigos e dos corredores do high school, Rodrigo trouxe SOUR para as salas do Ensino Médio, em um show online/experiência de catarse. 

Dirigido por Kimberly Stuckwisch e Toby L, SOUR prom: the concert film bebe em fontes que partem de Carrie e homenageiam até os filmes da Disney. Ela abre a cantoria com um mashup de deja vu e happier de dentro da limusine, seguindo pelo repertório envolvente do álbum de estreia. 

Merecem destaque a versão prolongada da chiclete jealousy, jealousy, o acústico sincero de enough for you e o quebra-pau de good 4 u, acompanhada por uma banda escolar e uma renca de líderes de torcida. Sobrou espaço para Conan Gray e demais amigos de Rodrigo fazerem uma pontinha. A festa de formatura do álbum SOUR parece ticar as caixinhas das músicas ‘juvenis’, limpando o caminho para que o caminho da artista seja de crescimento e exploração de novos ares. – Vitor Evangelista

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