Mariana Bezerra 

Desde o início da história do cinema, as adaptações se tornaram um ponto marcante das produções audiovisuais. Os livros nunca pararam de virar filmes – ou séries, como vem acontecendo nas últimas décadas. No entanto, o surgimento de outros suportes midiáticos também passaram a chamar atenção dos criadores de produções seriadas. Grandes serviços de streaming como Apple TV e Amazon Studios, começaram a transformar os podcasts em seriados. Em 2025, quem ganhou destaque e garantiu presença no Emmy foi Morrendo por Sexo (Disney +), com nove indicações, incluindo as categorias de Melhor Atriz, Melhor Ator em Série Limitada e Melhor Série Limitada. 

O cinema surgiu oficialmente na França em 1895, pouco tempo depois, o romance de George du Maurier,  Trilby e o Pequeno Billy (1896), se tornou o primeiro título a ser adaptado para as grandes telas. Depois desse, outros clássicos literários também se tornaram filmes, como: As Viagens de Gulliver Entre os Liliputianos e os Gigantes (1902), O vento levou (1939) e Branca de neve (1937). Esse projeto adaptativo se formou com o objetivo de propiciar ao público o contato com grandes histórias de modo que pudessem conhecê-los despertando outros sentidos. Ou seja, era apenas uma questão de tempo até que histórias feitas para os nossos ouvidos, despertassem os interesses dos nossos olhos.

O advento dos podcasts faz parte de uma sociedade extremamente apegada a velocidade e a ideia da multitarefa, ou seja, a tentativa de realizar várias atividades ao mesmo tempo. No livro Sociedade do Cansaço, o filósofo coreano, Byung Chul-Han, essa realidade é um retrocesso, uma vez que o ser humano não consegue se dedicar plenamente a mais de uma função. A sociedade se revela contraditória: ao mesmo tempo em que são criadas séries no formato de podcasts, esses ganham imagem e viram videocasts como se fossem programas de televisão. De qualquer forma, uma única tarefa que exija a ativação de mais de um sentido, é capaz de forçar uma maior concentração e de despertar diferentes possibilidades para um conteúdo. E a verdade é que o público está comprando essa ideia. 

Assim surge Dying for Sex (no original), uma série de oito episódios inspirada no podcast homônimo de 2018, narrado pelas amigas Molly Kochan e Nikki Boyer. Molly foi diagnosticada com câncer de mama em 2011 e passou por um longo processo de quimioterapia até a sua cura. Quando, quatro anos depois, recebeu a notícia de que seu câncer havia voltado em forma de metástase (espalhado por todo corpo), Molly decide deixar o marido e começar o seu despertar sexual com 41 anos e câncer estágio IV. 

As duas amigas viveram o inimaginável juntas, desde o desabafo sobre experiências sexuais, às consultas médicas desconfortáveis até verdades difíceis de encarar sobre o quadro de Molly. Essa história dolorosa, aventureira e, principalmente, prazerosa, de uma mulher que decidiu seguir viva até seu último segundo, levou a criação do podcast com os relatos intimistas da dupla, que, certamente, inspiraram muitas outras mulheres. 

A narrativa em primeira pessoa é uma ótima oportunidade para a adaptação de uma história tão particular. Ainda mais quando se fala, literalmente, da voz dessa pessoa. Além disso, Morrendo por Sexo chegou ao streaming com as incríveis performances de Michelle Williams e Jane Slate, que interpretam Molly e Nikki respectivamente. O roteiro não precisou ousar, porque Kochan e Boyer já o fizeram suficientemente. Sem tabus, ao mesmo tempo que, sem a necessidade de criar a imagem de uma super-heroína em um pedestal, a produção consegue emocionar e entreter com uma história que subverte os padrões por si só. 

A adaptação concede ao público mais uma chance de entrar em contato com relatos fascinantes sob uma perspectiva diferente. No entanto, é preciso expandir e ir além de uma simples reprodução. Aproveitar material original, mas saber adicionar e aproveitar com excelência os elementos necessários para uma boa produção audiovisual. Até porque, a variedade de estilos de podcasts é enorme e, enquanto uns são pautados em uma narrativa linear, quase teatral, com efeitos sonoros elaborados – como em A mulher da Casa Abandonada (2022) –, outros se estruturam de forma espontanea, a partir de um bate-papo entre amigas, a exemplo de Morrendo por Sexo. 

A nova era exige – e ao mesmo tempo propicia – um exercício criativo dos produtores, que podem ampliar o leque de sua curadoria. A pesquisa realizada pela Associação Brasileira de Podcasters (Abpod) estima que, no Brasil, há 31,94 milhões de ouvintes de podcast. Diante disso, os estúdios podem se aproveitar de públicos já consolidados para as novas produções, o que pode não garantir, mas possibilita um engajamento prévio significativo. Esse foi o caso da série documental A mulher da casa abandonada (2025), que aborda o caso investigado e apresentado pelo jornalista Chico Felitti em uma narrativa sonora de mesmo nome. 

Os nove episódios contam a história de Margarida Bonetti, procurada pela justiça estadunidense por ter, juntamente com seu marido, submetido uma brasileira a trabalho análogo à escravidao enquanto morava nos Estados Unidos. A produção de 2022 foi um sucesso. No entanto, por ser um caso criminal que não gerou penalização, o documentário foi ainda mais longe – literalmente, para os Estados Unidos – e trouxe informações e relatos não explorados no podcast. Em coletiva de imprensa, Chico Felitti afirmou que “só faria sentido [ a série ] se fosse além do podcast”. 

Pensando em podcasts como ‘materiais’, é importante discutir como eles se inserem no universo digital. A ideia de que a internet é ‘terra de ninguém’ deixa de fazer sentido à medida que a legislação avança. Assim, esse formato pode ser registrado como marca e considerado propriedade intelectual. Diante disso, é preciso pontuar que o ímpeto do ser humano em se comunicar, bem como o seu talento, vem abrindo portas e gerando inovações. 

Em 2023, aconteceram as greves dos roteiristas e atores em Hollywood, que questionavam a desvalorização e precarização do trabalho na indústria do entretenimento. O período atual também é marcado por discussões sobre a possível substituição de funções pela inteligência artificial. Com o advento de mais uma forma de fazer Arte, fica claro que a força criativa humana está está mais viva do que nunca e pronta para usar novas tecnologias ao seu favor.

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Vitória Borges

Os vizinhos mais queridos do Upper West Side estão reunidos novamente, Charles (Steve Martin), Oliver (Martin Short) e Mabel (Selena Gomez) retornam mais uma vez com sua sagaz habilidade em desvendar mistérios. Na terceira temporada de Only Murders in the Building, indicada na categoria de Melhor Série de Comédia no Emmy 2024, o trio apaixonado por crimes reais é encarregado de manter a dinâmica e química que somente eles possuem. Criado por Steve Martin e John Hoffman, o seriado que conquistou uma legião de fãs mistura o humor afiado de Martin e Short com o jovem talento de Gomez. 

Não muito diferente das outras duas partes, a terceira temporada de Only Murders in the Building acompanha o trio reunido para desvendar um misterioso assassinato, dessa vez, fora do Edifício Arconia. A nova fase da série ganha um ar teatral e implementa figuras novas ao seu enredo. A trama, que acompanha o drama do ‘Quem matou?’, segue dando show de glamour e excelência dentro e fora de cena.

Com o desafio de manter o frescor e a originalidade das temporadas anteriores que prenderam a atenção dos espectadores, o Teatro se torna o novo palco para os acontecimentos da série; Meryl Streep, Ashley Park e Paul Rudd se juntam ao elenco da nova parte da trama. A transição entre a teatralidade e o cenário narrativo dialoga entre si, afinal, tanto o Teatro quanto Only Murders in the Building vivem da performance, das máscaras e das revelações inesperadas.

Proporcionando novas vivências e interações entre os personagens, a inclusão de novos rostos é uma grande tentativa de expandir o universo da série e adicionar camadas de complexidade aos episódios. O papel de Rudd como o egocêntrico ator Ben Glenroy, e Meryl Streep, na pele da talentosa atriz Loretta Durkin, dão fôlego à terceira temporada, que é marcada pelo ar cômico, trágico e envolvente.

Características como fragilidade e sagacidade são essenciais para a narrativa de mistério da série, flutuando entre o suspense e a Comédia. No entanto, é impossível não notar que o seriado parece se perder em sua fórmula ‘risonha’ e descontraída. Episódios que poderiam conter excelentes acréscimos à trama acabam se alongando em diálogos pouco produzidos e sem sentido, dispersando o foco do mistério central da temporada. 

Em 2024, Only Murders in the Building foi nomeada em 21 categorias do Emmy. Pelo terceiro ano consecutivo, o seriado foi indicado como Melhor Série de Comédia. A química entre os atores expõe muito o motivo da série ser tão aclamada pela crítica, não é atoa que Steve Martin e Martin Short foram ambos nomeados na mesma categoria como Melhor Ator em Série de Comédia. Eles se uniram a Matt Berry (What We Do in the Shadows), Larry David (Curb Your Enthusiasm), Jeremy Allen White (The Bear) e D’Pharaoh Woon-A-Tai (Reservation Dogs) na busca pela estatueta. No entanto, o vencedor da noite foi Jeremy Allen, o icônico Carmen de The Bear.

Após duas rejeições na premiação, Selena Gomez finalmente foi indicada na categoria de Melhor Atriz em Série de Comédia. A cantora conquistou a posição de produtora com ascendência latina mais indicada na história do Emmy. Ela competiu com Quinta Brunson (Abbott Elementary), Ayo Edebiri (The Bear), Maya Rudolph (Loot), Jean Smart (Hacks) e Kristen Wiig (Palm Royale), perdendo para a protagonista de Hacks.

Visualmente, a cinematografia explorou com maestria os novos ambientes de Only Murders in the Building, o figurino e a direção de Arte contribuíram para a criação de uma atmosfera única e familiar. O novo cenário teatral ofereceu um contraste interessante e excêntrico, expandindo o universo visual da série. Em 2024, a produção foi nomeada à categoria de Melhor Figurino Contemporâneo, porém disputou com fortes concorrentes, como The Crown – que saiu vitoriosa – e The Bear.

Misturar humor com tragédia nem sempre é fácil, mas a tranquilidade que a trama encontra um equilíbrio único entre mistério e Comédia é excitante. A série, que retorna com tudo, cantando e investigando uma temporada criativamente dramática na Broadway, parece confiar demais em seu próprio charme, esquecendo alguns pontos ainda em aberto e os deixando mal resolvidos.

Em resumo, Only Murders in the Building prova que, apesar de ter entregue uma temporada morna, ainda tem muito a oferecer. É impossível dizer que a série anda em uma linha tênue, já que possui erros e acerto durante sua produção. O mistério central da trama acaba não sustentando o peso das subtramas e da expansão narrativa dos personagens, colocando em jogo a necessidade de reavaliar a fórmula e encontrar novas maneiras de surpreender o público.

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Arthur Caires

Em Abril de 2024, Sex and the City entrou no catálogo da Netflix e foi novamente popularizada. Originalmente, a série esteve no ar de 1998 a 2004, mas foi com o poder da maior plataforma de streaming do mercado que se tornou, mais uma vez, o assunto do momento. E assim, de uma hora para outra, as redes sociais foram dominadas pelas frases de efeito de Carrie, discussões sobre como a protagonista é uma péssima amiga e vários tutoriais de como fazer o famoso drink Cosmopolitan.

Um dos motivos do grande sucesso de Sex and the City é a sua história despretensiosa e as personagens que geram grande identificação com o público. Criada por Darren Star e baseada no livro homônimo da jornalista Candace Bushnell, a série acompanha quatro mulheres solteiras, por volta de seus 35 anos, vivendo em Nova Iorque e explorando sua feminilidade de maneira aberta e honesta.

Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), uma escritora e colunista que explora com sensibilidade os altos e baixos dos relacionamentos e do sexo em suas crônicas, transmitindo um charme e inocência únicos que só Parker poderia proporcionar. Samantha Jones (Kim Cattrall), por outro lado, é uma publicitária de sucesso, destacando-se por sua atitude desinibida e liberdade sexual, com Cattrall trazendo uma ousadia cativante à personagem. 

Enquanto isso, Charlotte York (Kristin Davis) se mostra como uma galerista romântica e otimista, cuja busca incessante pelo amor verdadeiro e pelo casamento perfeito é retratada com uma doçura que Davis entrega com naturalidade. Por fim, Miranda Hobbes (Cynthia Nixon), a advogada cínica e pragmática, luta constantemente para equilibrar sua carreira e vida pessoal, com Nixon trazendo uma força e vulnerabilidade que tornam sua personagem profundamente autêntica.

Sex and the City não foi apenas mais um programa de Comédia. Ao abordar abertamente temas como sexualidade feminina, amizade, carreira e a busca por identidade em uma grande cidade, a série quebrou tabus e moldou a forma como a Televisão retrata as mulheres. Ao trazer para a tela personagens femininas complexas, ambiciosas e com desejos próprios, a produção de Michael Patrick King abriu caminho para uma maior diversidade de narrativas sobre mulheres na TV. Por esses motivos, a série merece o grande reconhecimento que recebe.

O fenômeno da repopularização que está acontecendo com Sex and the City já ocorreu algumas outras vezes com seriados da mesma época de circulação. Em 2018, Friends foi disponibilizada na Netflix do Reino Unido e se tornou a série mais assistida daquele ano no país. Já em 2020, The Office foi a produção mais reproduzida do catálogo estadunidense. Além de tais acontecimentos trazerem um novo público para as produções, é interessante notar o contraste entre a realidade daquela época apresentada e a visão de hoje em dia, junto ao modo que as pessoas reagem a isso.

Sendo uma produção do início da década de 2000, é claro que há diversas problemáticas e erros que Sex and the City cometeu. Como quando Carrie invalida a bissexualidade de um interesse romântico ou, por exemplo, a predominância de personagens principais brancos, enquanto as minorias eram estereotipadas, caricatas e, na maioria das vezes, motivos de piadas. É importante olharmos para essa história de 20 anos atrás com as lentes de hoje, mas não esquecendo de aproveitar seus pontos positivos. Encontrar essa nuance é a chave para conseguirmos ter um senso crítico ao mesmo tempo que reconhecemos as qualidades de uma obra.

Sex and the City serve como um refúgio escapista para muitos, uma viagem para um universo onde mulheres sofisticadas e bem-sucedidas navegam por relacionamentos, moda e a vida em Nova Iorque. A série, apesar de apresentar uma realidade idealizada e, muitas vezes, distante da vivência de grande parte do público, consegue conectar-se com os espectadores por meio de temas universais. Além disso, funciona como uma cápsula do tempo, capturando um momento específico da cultura pop e dos costumes sociais, ao mesmo tempo, abordando questões atemporais que ressoam com o público de todas as gerações.

Diante desse sucesso crítico, seria natural esperar que os criadores encerrassem a história após seis temporadas, sem forçar uma continuação, certo? Infelizmente, isso não aconteceu. Após o término da série, foram desenvolvidas quatro produções derivadas: Sex and the City – O Filme (2008), Sex and the City 2 (2010), O Diário de Carrie (2013) e a mais recente And Just Like That… (2021). Seguindo a lógica hollywoodiana de que, se algo é lucrativo, deve-se fazer uma sequência, um spin-off, uma prequel, uma requel e assim por diante, a franquia foi estendida muito além do seu final original.

O primeiro filme pode até ser justificável, pois realmente agrega à história, fornecendo mais detalhes sobre o que aconteceu logo após a última temporada. Apesar de repetir o mesmo arco de Mr. Big (Chris Noth), ele oferece um fechamento satisfatório para os fãs, explorando as consequências das decisões finais das personagens. Funciona como uma última visita àquela realidade, permitindo que o público finalmente se despeça de suas nova-iorquinas favoritas de forma adequada, com uma sensação de conclusão e nostalgia.

No entanto, o segundo longa tem um objetivo puramente comercial. Carrie, Samantha, Charlotte e Miranda decidem passar as férias em Abu Dhabi, simplesmente porque seus problemas do dia-a-dia estão muito difíceis de lidar. Além de ser um prato cheio de estereótipos do Oriente Médio, a personagem de Sarah Jessica Parker encontra – coincidentemente – Aidan (John Corbett) na viagem, fazendo com que ela tenha que escolher novamente entre os dois homens da sua vida. 

Ainda assim, 11 anos após o lançamento de Sex and the City 2, foi lançado em 2021 And Just Like That…, o revival da série original. A premissa até parece promissora: mulheres lidando com desafios típicos da meia-idade, como a perda da juventude, a pressão estética associada ao envelhecimento, casamentos desmoronando em divórcios, filhos amadurecendo e novas ambições profissionais. No entanto, a produção falha em proporcionar qualquer reminiscência da história original que pudesse recompensar o público com uma dose de nostalgia.

O que acontece é uma tentativa de corrigir os erros do passado, trazendo uma representatividade superficial por meio de novos personagens que possuem apenas essa função. Quanto à Carrie, Miranda e Charlotte, as narrativas são as mesmas de 20 anos atrás, mas sem a essência que as caracterizava, como se fossem completamente diferentes. Fora a ausência de Kim Cattrall, que se recusou a voltar ao papel de Samantha por desentendimentos com Sarah Jessica Parker. É como se a criação de Darren Star deixasse de ser uma história autêntica para se tornar um produto, uma franquia que o público consome não por sua qualidade, porém, unicamente por ser algo familiar em sua memória.

Um dos grandes méritos das plataformas de streaming, como a Netflix, é que não há necessidade de reboots e revivals para que uma série ou filme voltem a ter sucesso. Na maioria das vezes, essas produções são apenas uma tentativa de conquistar a aprovação da Geração Z, subestimando esse público ao pressupor que precisam de adaptações na sua linguagem, mesmo que não se encaixem. No entanto, a verdadeira magia do audiovisual está em nos transportar para realidades e épocas diferentes da nossa, sem a necessidade de modificar a essência original das obras.

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Aryadne Xavier

Adaptações são sempre um sonho e um medo para fãs de sagas literárias. Trazer à vida – nas telas de cinema ou por meio de streamings – personagens que, outrora, foram apenas vistos em palavras, gera um misto de ansiedade e receio, podendo ser um resultado muito bom ou algo desastroso. Essa experiência perpassa pontos chaves como casar a fidelidade ao material original com a mudança de mídia e, principalmente, fazer conversões que tenham lógica e respeitem o que já existe, se moldando e criando algo identificável para além do que já foi produzido.

Existe um ditado que diz que ‘um é pouco, dois é bom, mas três é demais’. Em questão de adaptações, Rick Riordan fingiu não escutar a sabedoria popular e, com a firme decisão de reescrever a fama de sua saga ‘xodó’ no meio audiovisual, embarcou na produção da nova leva de episódios de uma das franquias mais populares entre os jovens nascidos nos anos 2000. Quando anunciada em Maio de 2020, a ideia trouxe uma empolgação sem igual para a fanbase já cansada de esperar e já calejada com decepções anteriores. Após dois filmes de desempenhos desastrosos entre os fãs e crítica, e depois de três longos anos de espera, Percy Jackson & os Olimpianos chegou à Disney+ em oito generosos capítulos que cobrem todo o arco do primeiro livro da saga, Percy Jackson e O Ladrão de Raios.

Outro recurso que não funcionou tão bem foram os cortes secos e as muitas telas pretas, ferramentas de grande utilidade em momentos específicos para criar uma quebra durante a ação mas que, em excesso, se mostram entediantes ou, em alguns casos, irritantes. A falta de continuidade nas cenas causada pelo efeito poderia ser explicada pela antecipação criada ao precisar virar a página de um livro ou começar o próximo capítulo, contudo, no audiovisual, outros recursos poderiam ser utilizados, trazendo uma linguagem própria e melhor adaptada ao contexto. De certa forma, o escape de pós-produção para trocar de um cenário para outro rapidamente passa um ar de intervalo comercial ou, no pior dos casos, esmaga as expectativas ao fragmentar a ansiedade pelo que pode vir a seguir, passando sem nenhum impacto.

O acerto mais louvável de toda a equipe, no entanto, se deve a escolha muito assertiva do trio de atores principais. Representando o protagonista – que por anos foi retratado com o rosto de Logan Lerman –, Walker Scobell entrega carisma e atuação correspondentes a um adolescente descobrindo ser um semideus enquanto lida com seus problemas na escola, saudade da mãe e todos as novas questões que surgem com sua mudança para o Acampamento Meio-Sangue. Leah Sava Jeffries, que vive a protagonista Annabeth Chase, encarna o humor e personalidade da personagem, enquanto Aryan Simhadri, que vive o sátiro Grover Underwood, equilibra seus momentos de bondade com força em uma atuação balanceada. Separados, cada um consegue brilhar à sua maneira, mas quando juntos, os três conseguem ser mais convincentes do que seriam as figuras imaginadas por nós nas páginas.

Essa mudança na escalação do time de atores e a fidelização ao conteúdo do livro também teve suas consequências. Se uma nova parcela de crianças e adolescentes foi alcançada pela série pela primeira vez, os fãs mais antigos, que acompanharam o lançamento das duas adaptações prévias, tiveram seus desapontamentos ao receberem um seriado que segue parada em alguns momentos e que corta toda a tensão e expansão da violência, junto de outros elementos gráficos. Entre erros e acertos, a obra demonstra maturidade ao assumir o que sempre foi: uma história vivida por e destinada para adolescentes, sem pretensão alguma de agradar aos demais.

Percy Jackson e Os Olimpianos chega ao final da primeira temporada e de seu grande momento de estreia com o saldo de um bom (re)começo. Mesmo perdendo um pouco da linguagem ácida, por vezes, presente no material escrito, a adaptação se mostra fiel e começa a construir, em pequenos tijolos, o que a saga se tornou após longos cinco livros. Não sendo e, muito menos, pretendendo alcançar alto nível no meio audiovisual, a série faz bem o básico e entrega um produto aprazível, mostrando mais acertos do que erros e, apesar de ainda existirem tropeços, pode-se varrê-los para debaixo do tapete e olhar com expectativa para tudo que o novo projeto ainda pode entregar.

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Gabriel Gomes Santana

“Eu não sei porque cheguei, mas sei tudo quanto fiz, maltratei, fui maltratado, não fui bom, não fui feliz, não fiz tudo quanto falam, não sou o que o povo diz”. Estas poucas palavras poderiam fazer parte de uma das falas do personagem Ubaldo, interpretado pelo ator Allan Souza Lima, o protagonista da série de sucesso da Amazon Prime, Cangaço Novo. Na realidade, fazem parte da primeira estrofe da canção “Lampião Falou”, de autoria emblemática de ninguém menos do que o Rei do Baião, Luiz Gonzaga. E é no embalo destes três pernambucanos porretas que é possível entender o porquê do sucesso de uma das produções mais contagiantes do streaming.

Lançada em 2023, Cangaço Novo mistura o que há de melhor do gênero nordestern, um modelo de sucesso em obras que retratam o semiárido nordestino, sobretudo pela representação de um ‘faroeste brazuca’, ou até mesmo pela inspiração da figura icônica do próprio Rei do Cangaço, o Lampião. Ainda que a ficção seja apenas um roteiro adaptado da realidade, a produção cinematográfica dirigida por Fábio Mendonça e Aly Muritiba exala a essência do que realmente acontece nas histórias do sertão.

O título por si só já diz muito sobre a trama. Ele faz alusão às práticas de banditismo social empregadas nos tempos atuais pelas quadrilhas que assaltam agências bancárias em diversos municípios nordestinos. Na realidade, muito do que acontece hoje em dia, nada mais é do que uma adaptação do modus operandi utilizado por Virgulino Ferreira e seu bando nas décadas de 1920 e 1930. Foi pensando em um enredo carregado de dramaticidade, ação e reviravoltas que os roteiristas Eduardo Melo e Mariana Bardan acabaram trazendo o melhor dos dois mundos: tradição e contemporaneidade.

Em uma temporada composta por oito capítulos, o seriado retrata a vida de Ubaldo Vaqueiro. Na trama, o protagonista se encontra em uma péssima situação financeira, tendo que cuidar de seu ‘pai’ Ernesto, que está hospitalizado. Desesperado por ter perdido o emprego como bancário, o rapaz tenta solucionar sua vida e a situação do pai indo de encontro com suas raízes no sertão. Ocorre que ele é adotado e está ciente de que seus parentes, assim como o início de sua biografia, estão vivos e residem no município fictício de Cratará (na série, localizado no interior do Ceará). Desta maneira, caberá ao jovem lidar com os fantasmas de seu passado e tentar adquirir o que é seu por direito.

A fim de vender alguns terrenos que estão no nome de seu pai biológico, Ubaldo acaba entrando em uma sucessão de enrascadas, tendo conflitos não apenas com suas irmãs Dinorah (Alice Carvalho) e Dilvânia (Thainá Duarte), como também com os traumas de sua herança genética. Sabe aquele ditado que diz que a fruta não cai longe do pé? O plot que dá clímax à narrativa acontece devido a essa metáfora popular que, neste contexto, faz total sentido.

Bombardeada por reviravoltas, violências, desigualdades e romances proibidos, a série transborda brasilidades e assuntos que traduzem bastante as mazelas de um povo marginalizado e carente (em todos os sentidos da palavra). Nesse sentido, as temáticas principais abordadas ao longo dos episódios não conseguem fugir de problemáticas sociais profundas e que, infelizmente, ainda fazem parte do cotidiano de muitos sertanejos, tais como: seca, matanças, escassez de recursos hídricos, violência, estupro, machismo, feminicídio, dentre outras questões lamentáveis presentes em outras regiões do país.

Embora tenha aspectos por vezes estereotipados, Cangaço Novo está, assim como Bacurau, na prateleira de obras que conseguem expor muito do que acontece nos bastidores de um Brasil isolado e esquecido pelas grandes metrópoles, e, ao mesmo tempo, é sequestrado pela soberania de tiranos e oligarcas. Na contramão disso tudo, há também um povo de fé, alegre e trabalhador, que mesmo com poucas perspectivas, tira proveito da maior força que existe ali: o coletivo. E é pensando na força da organização popular que a personagem Ziza, tia do protagonista errante, interpretada por Marcélia Cartaxo, se faz tão necessária.

O apelo de Ubaldo e seus familiares esboça também a urgência de políticas de saneamento básico para a população do município e, ao mesmo tempo, conflita com os interesses particulares de uma pequena aristocracia rural detentora dos poderes financeiros e políticos da região. Em meio às aflições vividas pelo povo, Cratará vive sob a ausência de direitos coletivos, ao mesmo tempo em que contrasta com benefícios escusos e ações proselitistas, marcadas pelo coronelismo regional que ainda assola os diferentes sertões do país. À margem disso tudo, a ação dos anti-heróis cangaceiros é provocante e instiga ainda mais os espectadores. 

Se engana quem pensa à primeira vista que a trama se trata de uma exaltação ao banditismo social. Na realidade, talvez este fenômeno seja trazido à tona uma das principais críticas negativas apontadas pelos idealizadores do seriado. Basicamente, podemos dividi-lo em três partes: o resgate ao passado, a dureza do presente e as dificuldades de ter que lidar com um futuro incerto. Talvez estes sejam os emblemas que mais norteiam a trajetória do protagonista que, mesmo sem querer, jamais conseguiu se desvencilhar dos traumas vividos desde a infância.

“O sertanejo é, antes de tudo, um forte”, prega a frase do eterno Euclides da Cunha em seu grande livro-reportagem sobre Canudos, traduzindo um emblema que se encaixa perfeitamente na situação da série. Cangaço Novo, assim como Os Sertões, é uma produção voltada para os fortes. Tem que ter curiosidade e estômago para aguentar as cenas que não são nada fáceis de assistir. Da mesma forma, fortes são os indivíduos ali retratados, formados em sua maioria por sertanejos que exaltam um enredo intenso, bruto, severo e espinhoso, tal qual o cenário que dá vida a ele. Seja pelos absurdos vividos pelos personagens, como também pelo apego sentimental atribuído a estes.  

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Guilherme Veiga

A TV é um território onde não se pode errar, mesmo com as produções desastrosas sempre existindo, inclusive na história recente. Nesse sentido, criou-se um lugar seguro de gêneros em que se pode transitar. Tais segmentos definem uma moda em seu respectivo tempo: os anos 2000 foram férteis para as séries de ‘casos da semana’ com House, Supernatural e CSI nadando de braçada; atualmente, as antologias tem seu lugar ao sol com o sucesso estrondoso de Black Mirror e seus filhos como Love, Death & Robots. 

Porém, toda moda, na verdade, é cíclica. As antologias retomam Além da Imaginação e Contos da Cripta, enquanto o que moldou a Televisão no início deste século bebe de Columbo, série dos anos 1970 que catapultou o gênero de investigação como o conhecemos. Respeitando o intervalo de, pelo menos, duas décadas entre tendências, assim como a estética y2k, Poker Face promete ser a precursora de um possível movimento de retorno.

A obra é uma produção original do Peacock, serviço de streaming – não disponível no Brasil – da rede norte-americana NBC, mesmo canal de Columbo, por isso, pode ser categorizada como um filho pródigo da história setentista. Ela discorre sobre Charlie Cale (Natasha Lyonne), uma estadunidense média que, mediunicamente ou não, tem a habilidade de perceber quando uma pessoa está mentindo apenas olhando em seus olhos. Com esse dom, ela acaba descobrindo um crime em um cassino que culmina no suicídio do gerente, fazendo com que ela seja perseguida pelo pai do falecido e dono do empreendimento.

A partir daí, a obra engata em uma road trip bem ao estilo Supernatural, passando pelos cartões postais dos Estados Unidos que menos vendem em lojas de beira de estrada. Cada lugar, um mistério diferente. Mas esse roteiro você já viu aos montes por aí e a série sabe disso, por isso, brinca com elementos do subgênero. O mistério na verdade é bem claro, nos minutos iniciais de cada episódio você já sabe o que aconteceu, com quem e quem fez. A graça vem quando é revelado como Cale curiosamente está inserida em cada contexto e o que ela faz para chegar à solução.

Nesse sentido, Poker Face também incorpora aspectos de antologia, tanto por seus episódios fechados em si como na trama revelada no final que fecha a temporada, mas diferente de The White Lotus, por exemplo, não usa dessa artimanha para se beneficiar. Por mais que tenha um fio narrativo, ele é bem frouxo e só se amarra devido aos vários nós que a personagem principal dá enquanto percorre as estradas norte-americanas. Para se ter ideia, nem mesmo um elenco fixo robusto ela tem. De personagens recorrentes, somente a Charlie Cale de Natasha Lyonne (Boneca Russa) aparece em todos os episódios juntamente com o capanga Cliff, interpretado por Benjamin Bratt (Miss Simpatia), e o agente do FBI Luca, de Simon Helberg (The Big Bang Theory), que aparecem esporadicamente.

A ideia e criação são de Rian Johnson, que começou de maneira tímida em Hollywood, mas logo foi escanteado da indústria após o incompreendido Star Wars: Os Últimos Jedi. O cineasta se encontrou novamente na carreira em 2019 com Entre Facas e Segredos, tão bem recebido que rendeu a continuação Glass Onion e o indício de uma franquia de mistério. Poker Face é a prova de que Johnson achou seu lugar no gênero investigativo.

Nesse sentido, é natural vinculamos a série aos longas anteriores, de forma que ela possa ser concebida como se o brainstorming do diretor na concepção dos filmes ganhasse vida, ou até mesmo os crimes que não chegaram às mãos de Benoit Blanc. Através dela, fica perceptível o manejo e destreza que o idealizador tem para escrever e filmar esses tipos de histórias. 

É um pecado que Johnson não tenha tomado as rédeas de forma total da produção, tanto que, mesmo escrevendo todos os episódios, os melhores e mais empolgantes são os que ele dirige: Dead Man’s Hand, The Night Shift e Escape from Shit Mountain. Mas esse ponto é totalmente entendível visto que, ainda que se apresente como uma série procedural, ela pega das antologias a característica de ser uma vitrine para novos diretores.

Sempre transitando em estilos, é difícil categorizá-la e analisá-la de forma contínua. Esse reflexo pode ser notado em suas indicações ao Emmy 2023. Temos ótimos personagens na produção, mas o malabarismo que precisaria ser feito para tentar enquadrá-los em ator ou atriz coadjuvante talvez não valesse o esforço. O problema é o mesmo para ator ou atriz convidado: ainda que contenha atuações como as de Joseph Gordon-Levitt, Stephanie Hsu e vários outros podendo (e merecendo) monopolizar as duas categorias, a divisão de votantes em uma série estreante seria prejudicial para ela mesma.

Nesse cenário, a melhor estratégia da produção é focar suas campanhas nas categorias técnicas de Melhor Coordenação de Dublês em Série de Comédia ou Programa de Variedades e Melhor Design de Produção em Programa de Narrativa Contemporânea (Uma Hora ou Mais). Além de confiar nas indicadas Judith Light (O Menu, Transparent) em Melhor Atriz Convidada em Comédia e Natasha Lyonne por Melhor Atriz em Comédia. Por mais que o páreo seja duro para as duas, Lyonne é quem tem mais chance dado ao seu carisma inigualável, suas presenças recentes nas premiações e por sua atuação carregar a série nas costas na construção de uma Charlie Cale extremamente extrovertida e astuta.

Poker Face é a definição visual de como um gênero se revitaliza e Rian Johnson já se mostrou extremamente competente em usar dos clássicos para trazer uma nova roupagem aos estilos. Os investigadores sedutores do passado aqui dão lugar para uma carismática mulher que, antes, seria uma donzela indefesa mas, agora, assume um papel minuciosamente desenhado para ela. A produção retoma o formato consagrado ao mesmo tempo que pincela conceitos que a sociedade moderna assumiu para ele, como a fanatização de true crimes e o consumo de podcasts pela audiência.

Caso essa vertente televisiva volte com tudo mesmo, ela encontrou em Poker Face o perfeito ponto de partida. Instigante, inventiva, cheia de charme e cativante desde o primeiro minuto, a produção traz para si o discurso de Lavoisier de que “nada se cria, tudo se transforma” e nos lembra que o clássico tem um motivo para ser denominado assim, porém, ele jamais deve ser copiado e sim revisitado. Agora, se essa moda realmente vai pegar, é um mistério que a própria série terá que responder.

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Gabrielli Natividade

Em 2022, foi lançado o filme A Queda, uma história de suspense que mexe com o psicológico de qualquer um que o assista. No longa, as duas amigas, Becky (Grace Fulton) e Hunter (Virginia Gardner) lutam pela sobrevivência no topo de uma torre desativada de 600 metros. No entanto, a narrativa tem diversas camadas, abordando amizade, luto, medo e superação, deixando tudo ainda mais interessante. A produção, que está disponível na Amazon Prime Video, é recomendada para todos que se interessam na temática de sobrevivência – exceto para os que têm acrofobia, ou seja, medo de altura.  

Fall – título original da produção – foi dirigido e produzido por Scott Mann, que tem o costume de lançar filmes com altas emoções e personagens que ficam presos em alguma situação perigosa, como é o caso de O Sequestro do Ônibus 657 (2015), que se passa em um ônibus, e Jogada Final (2018), em um estádio de futebol. O primeiro é protagonizado por Jeffrey Dean Morgan, o qual encantou tanto o diretor que ganhou um papel no longa de 2022, interpretando James Conner, pai de Becky. Pode-se dizer que A Queda é exatamente o perfil do cineasta e ele estar confortável em seu elemento é o que torna seu trabalho tão bom. 

A obra mostra, inicialmente, como a vida de alguém pode mudar frente ao luto. A personagem principal, Becky, nos primeiros instantes da história, perde seu marido durante uma escalada. A partir daí, a garota se fecha para o mundo e todas as suas relações se tornam frustradas: ela não conversa mais com a melhor amiga e discute com o pai o tempo todo. A ideia de escalar a torre foi de Hunter, como uma forma de fazer sua amiga seguir em frente. Ao longo da sequência da subida, é possível perceber, com muita clareza, a forma como a ex-alpinista ainda está machucada e é movida pelo luto e pelo trauma. Ela, que antes era profissional no esporte, de repente precisa de um esforço imenso para subir os metros.  

A partir do momento que as personagens ficam presas, o resto de A Queda se passa inteiramente na torre, refletindo perfeitamente o desespero de não poder fugir dessa situação angustiante. Outros filmes também usam esse recurso, com a principal comparação sendo 127 Horas (2010), dirigida por Danny Boyle, que narra a história real do alpinista Aron Ralston (James Franco) que ficou preso no cânion de Utah. Em ambas as obras, o espectador consegue sentir as emoções dos protagonistas, como fome, frio e a lenta perda de sanidade pelas condições precárias. O que difere os dois é o fato do segundo utilizar recursos mais lúdicos em tom surrealista para retratar as alucinações de Aron no ocorrido. 

Outro aspecto utilizado para enfatizar o caos do longa é o seu elenco pequeno. Becky e Hunter dividem praticamente todo o tempo de tela e não interagem com praticamente mais ninguém. Duas pessoas em um espaço tão pequeno transmitem uma sensação de claustrofobia a quem assiste, mas essa também é uma boa forma de demonstrar como a relação entre elas é importante para o desenvolvimento da primeira, especialmente após passar por tantos atritos durante o seu processo de luto. Além disso, sua pouca interação com outras pessoas reflete perfeitamente a forma como ela se fechou para o mundo em sua depressão. 

Fall é uma produção muito interessante que vai te confundir e te enlouquecer. Mesmo se passando em praticamente uma única habitação e não tendo um elenco vasto com grandes nomes, o filme tem muito a oferecer com suas reviravoltas, situações perturbadoras e o processo de libertação catártico da personagem principal. Scott Mann fez um bom trabalho cinematográfico e usou todos os recursos para passar exatamente a ideia que queria. No papel de Becky, Grace Fulton entregou um trabalho lindo no tom ideal que o longa requer. Ao todo, A Queda é um longa completo com o plot nas alturas.  

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Jamily Rigonatto

Uma caneta estoura manchando as mãos de um garoto, o tom de azul cintila e deixa no ar aquela típica reação envergonhada acompanhada de um sorrisinho de canto. É essa a cena que dá o tom de toda a narrativa carregada por Heartstopper: coisas sobre as quais não se tem controle e deixam marcas difíceis de tirar. O garoto é Nick Nelson, interesse romântico de Charlie Spring, e os dois formam o tipo de casal que nunca daria certo. Um jogador de rugby popular e um jovem doce e sensível? Impossível. Mas na 1ª temporada da série lançada em 2022 pela Netflix, o inesperado é dono de um protagonismo apaixonante. 

Contrariando a maior parte das narrativas LGBTQIA+ do mercado, a obra – inspirada nas HQs de Alice Oseman – escolhe retratar os conflitos com a sexualidade e os momentos de autodescoberta com a leveza de uma brisa que carrega as folhas soltas no outono. Não é como se os enredos que deixam a violência e as retaliações em foco estejam errados – infelizmente, eles são muito fidedignos. No entanto, a produção nos guia por outro caminho; um em que jovens queer têm o direito de sonhar com um romance clichê na adolescência.     

Os meninos estudam juntos no colégio de Truham, onde apenas garotos podem se matricular. Charlie (Joe Locke) teve sua sexualidade exposta um tempo antes para toda a escola e vive com as inseguranças que o bullying garantiu que fizessem parte de sua vida. Enquanto isso, Nick (Kit Connor) é o tipo popular que na verdade nunca estabeleceu laços verdadeiramente sinceros. Talvez essas palavras transmitam um sentimento contrário ao de imprevisibilidade, já que é o tipo de fórmula usada em filmes há muito tempo. No entanto, quando se trata de um espaço distante da heteronormatividade, até mesmo as receitas prontas ganham uma infinidade de sabores novos.        

Por puro acaso do destino, os personagens são colocados para sentar juntos durante uma das aulas e, de maneira rápida e silenciosa, seus cumprimentos passam a ser cada vez mais sinceros e conectados. Desde essas interações, fica no ar como o ato de sentir chega com suavidade e sem segundas intenções. Até mesmo as inseguranças e medos repousam sobre uma ideia de intimismo e prioridade pautada em primeiro lugar pela conexão com o próprio ser. 

Apesar de buscar a sensibilidade como plano de fundo – algo reforçado pela estética colorida e os elementos animados que retomam as ilustrações dos quadrinhos –, a narrativa não deixa de expor o quão violento é viver em um mundo de pensamentos retrógrados. Assim, aos poucos o exterior passa a invadir o desenvolvimento da relação dos protagonistas e criar questionamentos e muita pressão social. 

Em tons pastéis, inseguranças são desenhadas em Nick, Charlie e até mesmo no ciclo de pessoas que os acompanha: Tao Xu (William Gao), Elle Argent (Yasmin Finney) e Isaac Henderson (Tobie Donovan). O núcleo secundário se mostra afetado pelo medo de ver o amigo machucado ao mesmo tempo em que estabelece uma espécie de conforto para as situações controversas presentes na trama. 

Neles também é possível ver uma gama de representatividades e conflitos que se apoiam por construções de sexualidade e gênero, e as consequências de um contexto que sempre espera pela cisheteronormatividade. Seja nos comentários de canto sobre a transgeneridade de Elle ou nas dúvidas sobre a sexualidade de Tao, que mesmo sendo um homem hétero não performa os comportamentos esperados, a farpa que fura a bolha de amizade e aceitação fica sempre à espreita. 

Não é como se o fato da obra ir para o streaming não tivesse um pequeno impacto no roteiro – também assinado por Alice Oseman. Exemplos disso são a inserção de Imogen Heaney (Rhea Norwood) e sua tentativa de trazer um conflito típico em histórias sobre adolescentes ou na construção de um Nick menos obstinado que em sua versão gráfica. O movimento deixa claro: para o audiovisual, as coisas buscam ser mais difíceis que o habitual. 

O preceito não se aplica mal, mas é genuinamente desnecessário, já que, mesmo nas histórias mais doces, a vivência LGBTQIA+ é forçada a se ancorar na resistência. Rotas alternativas em busca de empecilhos são uma perda de tempo quando a própria ideia de ser de verdade perante a sociedade já é uma grande jornada cercada de explicações, invalidação e exigências.

Ainda assim, Heartstopper preza por ser um abraço caloroso e o acolhimento dos pais dos protagonistas prova isso. As presenças da sempre deslumbrante Olivia Colman como a compreensiva Sarah Nelson, e dos preocupados Jane (Georgina Rich) e Julio Spring (Joseph Balderrama) transformam o apoio em um personagem de peso, capaz de iluminar a atmosfera e fazer quem assiste ficar com os olhos cheios d’água. 

Talvez seja isso que faça Heartstopper ser tão encantadora: os personagens secundários são bem desenvolvidos e essenciais para o equilíbrio da trama. Até quem tem falas tímidas consegue contribuir para a completude da produção, como é o caso da irmã de cara fechada e coração aberto que sempre protege Charlie, Tori (Jenny Walser). Assim, cada acontecimento ganha estabilidade na força dos laços que já existiam ou estão apenas começando. 

A série não é sobre um casal, mas sobre todo o contexto de pessoas em volta dando suporte às descobertas e receios, enquanto expõem com maturidade suas próprias inquietações. O relacionamento de Tara Jones (Corinna Brown) e Darcy Olsson (Kizzy Edgell), o ciúmes aparentemente irracional de Tao e até a discrição de Isaac performam papéis de ação e reação. 

O efeito não fica preso aos coadjuvantes, mas se estende também aos antagonistas, Ben Hope (Sebastian Croft) e Harry Greene (Cormac Hyde-Corrin). Cada abuso e atitude perversa deixa marcas e isso reitera a ideia de que a consequência de toda atitude existe e é palpável a níveis diversos – nesse caso, como um alarde para a temática da saúde mental quando se trata de minorias sociais. 

Com vulnerabilidade sincera, Alice Oseman e o diretor Euros Lyn nos oferecem uma história brilhante. Sem esconder as dificuldades de ser LGBT, e até mesmo as de ser humano, Heartstopper vive uma verdadeira jornada em busca do amor, seja do próprio, das amizades, da família ou do romântico. Além de trazer um enredo apaixonante, a versão audiovisual cumpre muito bem seu papel de se adaptar às telas sem perder a essência. Muitas vezes, os personagens realmente parecem ter saído diretamente do papel.

Para aqueles que viam os adolescentes se apaixonando na televisão e nos cinemas, mas nunca se imaginaram vivendo o mesmo porque seus sentimentos não eram aceitos, a 1ª temporada da série é um alento esperado por muitos anos. Em um mundo voraz, sentir frio na barriga junto dos protagonistas nos lembra que, a passos lentos, a comunidade queer conquista espaço todos os dias, inclusive quando se tratam das inocências de um bom clichê em uniformes pomposos. 

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Nathalia Tetzner

Vestindo a carapuça, ou melhor, o manto dourado que encobre as divas do pop traídas, Miley Cyrus começou 2023 colocando o pé na porta da casa em que o ex-marido a traiu com 14 mulheres e com a passagem comprada para uma férias de verão sem fim. Acontece que ambos se provaram uma ilusão: as estatísticas foram inventadas pelos fãs, devotados em trazer Cyrus de volta ao topo, e a tão sonhada celebração de uma das vozes mais potentes da geração com o disco Endless Summer Vacation chegou ao fim antes mesmo de começar, se tornando apenas uma daquelas noites quentes em que o frio parece dominar o psicológico.

Se, em 2016, Beyoncé perdoou Jay-Z somente depois de humilhá-lo publicamente com o aclamado Lemonade, hoje, as paradas musicais voltam a dar voz ao despertar feminino. Ao lado de Shakira com BZRP Music Sessions #53, a eterna Hannah Montana tomou o controle da narrativa com Flowers, composição que utiliza dos acordes de When I Was Your Man, sucesso do Bruno Mars, para contrapor a perspectiva masculina de um relacionamento. Dessa vez, as artistas não estão nem um pouco interessadas em segundas chances, afinal, “Uma loba como eu não é para novatos” e “Eu posso me amar melhor do que você pode”.

O problema é que a primeira faixa liberada de Endless Summer Vacation tocou o suficiente na rádio para grudar na cabeça feito chiclete até a exaustão e levantar falsas esperanças nos fãs de Miley Cyrus, os ‘smilers’. Afinal, a estética atraente do videoclipe, o cabelo descolorido pela metade e a postura confiante da cantora não deixavam sinais de que a era seria marcada pelo descaso dela e de sua nova gravadora, a Columbia Records. Ao compilar as sonoridades exploradas ao longo da carreira de Cyrus, o disco caiu na mesma premissa arriscada do Midnights de Taylor Swift: no fim, o sentimento que fica é de que nem tudo é realmente novo.

Para o mundo, acostumado com as mudanças bruscas do modo como a intérprete de Wrecking Ball canta e age, o projeto de verão não construiu uma identidade visual acompanhada de uma nova persona e muito menos trouxe a experiência calorenta da estação para além da capa fotografada por Brianna Capozzi, uma arte extasiante por representar o que deveria ser a fase de transformação da camaleoa. Talvez, essa elaboração de uma Miley Cyrus pela metade explique porque os veículos especializados tradicionais, antes intensamente críticos, tenham finalmente comprado uma ideia dela por completo.

Então, quais são as melodias que caracterizam o que seria a proposta ideal de Endless Summer Vacation? Em meio a quarenta minutos, o ápice é atingido quando um sabor adocicado toma conta da boca ao passo em que Cyrus enuncia o título do álbum em Rose Colored Lenses, composição que esbanja uma luxúria sem culpa. Para fazer companhia à sensação de desejo, o teor refrescante de Handstand teleporta o público para uma dimensão sensual e futurística. No entanto, a viagem percorre rumos inesperados com a lábia e o duplo-sentido da diva do pop em River, canção que convida todos para uma dança eletrizante na chuva. 

A decepção logo volta a tocar com as faixas que soam como descartes dos demais itens da discografia de Miley Cyrus. O principal responsável por tal atrocidade é Kid Harpoon, produtor musical acostumado a trabalhar com Harry Styles e Shawn Mendes. Aparentemente, nem ele, a gravadora ou, até mesmo, a cantora, entenderam o que ela quis dizer ao anunciar o disco como “uma carta de amor a Los Angeles”. Provas disso são Wildcard, Wonder Woman e Thousand Miles, acordes e letras que, apesar de conquistarem, parecem terem saído direto da tracklist de Younger Now (2017).

Seguindo nessa onda de músicas desatualizadas, You aparece como uma assombração e totalmente fora de contexto por já ter sido apresentada aos fãs durante a era de Plastic Hearts (2020). No mesmo tom de ‘reviver é viver’, a parceria aguardada com Sia, Muddy Feet, é experimental o suficiente para integrar o Bangerz (2013). Por outro lado, mesmo no caos, existem salvações: Violet Chemistry atinge em cheio a nostalgia à la Dua Lipa; Island resgata a brisa e paixão de Madonna em La Isla Bonita; e Jaded apresenta um rock depreciativo com notas efervescentes de guitarra.

De um total de 12 músicas, Endless Summer Vacation é devidamente representado em apenas metade delas. Salvo o grande sucesso comercial de Flowers, a era foi marcada por descasos que variam desde a divisão nada convincente dos atos em AM (dia) e PM (noite), até a falta de divulgação com as raras performances, entre elas, o especial disponibilizado no streaming Disney+. Persistente, Miley Cyrus deve lançar um segundo volume do álbum, mas, por enquanto, o que nos resta é esperar que, dessa vez, as férias de verão sem fim da cantora não sejam somente um pedaço de sol em uma manhã de inverno ou terminem cedo demais.

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Laura Hirata-Vale

Quem matou Bunny Folger? É essa a pergunta que abre a segunda temporada de Only Murders in the Building, série da Hulu lançada no Brasil em Junho de 2022 pelo streaming Star+. Depois de solucionarem o assassinato de Tim Kono (Julian Cihi), os moradores Mabel Mora (Selena Gomez), Charles-Haden Savage (Steve Martin) e Oliver Putnam (Martin Short) se juntam novamente após o corpo da mais querida e detestada síndica do edifício Arconia ser encontrado com uma agulha de tricô no peito, no apartamento de Mora. Em dez episódios, o público descobre informações sobre a história dos três protagonistas e do prédio, enquanto tenta desvendar o mistério da morte de Bunny (Jayne Houdyshell).

A série continua com sua proposta de ser um podcast de true crime bem-humorado, sendo sempre narrado por um personagem. Por terem relação com a vítima, e por serem pessoas de interesse para a polícia, o trio protagonista decide – em um primeiro momento – não investigar o caso. Mas, conforme as evidências começam a surgir e a serem plantadas em seus respectivos apartamentos, o grupo percebe que não há como ficar parado: eles precisam correr contra o relógio para achar o assassino, antes que a podcaster rival, Cinda Canning (Tina Fey), e sua assistente, Poppy White (Adina Verson), montem um falso quebra-cabeça e os coloquem como culpados.

Durante a temporada, conhecemos ainda mais o que acontece por dentro das paredes do Arconia. Moradores – antigos e novos – têm suas histórias apresentadas e, dessa forma, tentamos resolver o mistério junto a Charles, Mabel e Oliver. Além disso, os capítulos permanecem com o conceito de recontar o passado enquanto se está no presente. A série utiliza flashes com vislumbres de cenas para mostrar alguns acontecimentos, que, por causa do recurso escolhido, dão um ar de dúvida para a investigação. Por causa da grande quantidade de fatos e momentos contados ao longo da trama, o espectador pode ficar confuso em relação à sequência da narrativa. Porém, Only Murders in the Building mantém sua trilha sonora ótima, feita por Siddhartha Khosla, responsável pelo mesmo departamento em This Is Us: são músicas bem-humoradas, escolhidas a dedo, que beiram a metalinguagem por falarem sobre assuntos tratados durante os episódios.

A história do segundo ano se desenvolve em idas, vindas e reviravoltas, além de possuir flashbacks que voltam para a noite do crime. Depois de uma celebração da vida e morte da síndica, Oliver recebe uma herança inusitada de Bunny Folger: o papagaio Senhora Gambolini. A ave é um ser intrigante, boca suja e até ranzinza, como era sua falecida dona, e, com uma frase, torna o fim do episódio Incriminados chocante. As quatro palavras que formam a fala “eu sei quem foi” também guiam o terceiro capítulo, intitulado O último dia de Folger. Nele, vemos ‘tim-tim por tim-tim’ o que Bunny fez no seu último dia de vida. Assim, conhecemos ainda mais a mulher que estava por trás do gerenciamento do Arconia, quais eram seus segredos, hábitos e tradições, enquanto vemos, em detalhes, o que poderia ter levado ela à morte. 

O quinto capítulo, O Indício, é um dos melhores. Ambientado quase que inteiramente no apartamento de Mabel, vemos uma festa feita por Alice (Cara Delevingne) que, para o trio de podcasters-detetives, serve para revelar segredos e mentiras. Oliver propõe aos convidados uma diversão: um jogo parecido com “Cidade Dorme”, que jogava durante os seus anos de juventude e usava para descobrir qual era o vestígio que seus amigos e colegas davam quando estavam mentindo. Putnam procura quem é o “assassino filho de Sam” em uma sequência de cenas bem montadas, que misturam o tempo real e a brincadeira. Por causa disso, vemos os figurinos corriqueiros e atuais da série se intercalarem com roupas feitas para remeter aos anos 70. O episódio ainda é regado com a música Psycho Killer, dos Talking Heads, fazendo uma grande conversa entre a cena, a série, o jogo e os acontecimentos recentes das vidas dos protagonistas.

Enquanto processamos esses acontecimentos, a primeira temporada da produção criada por Steve Martin e John Hoffman recebeu 17 indicações ao Emmy 2022, e venceu três, incluindo Melhor Ator Convidado em Série de Comédia, pela atuação de Nathan Lane no papel de Teddy Dimas. Além disso, Meryl Streep, Paul Rudd, Ashley Park e Jesse Williams entraram para o elenco, e dessa forma, o seriado televisivo começa a preparação para seu terceiro ano. 

A segunda temporada de Only Murders in the Building é genial, cheia de muitos detalhes. Em um whodunnit bem feito, a série consegue se encaixar, sempre deixando uma ponta solta – ou uma peça faltando – para iniciar uma nova fase. Bem escrita, possui suas reviravoltas e seus instantes que deixam o espectador boquiaberto, em choque, quase sem reação, e continua com a proposta de ser como uma montanha-russa, possuindo momentos de tensão e relaxamento, de comédia e risadas, e de drama e lágrimas. É um bom podcast visual, que nos faz tentar resolver, junto a Charles, Mabel e Oliver, esse grande quebra-cabeça que habita o Arconia. 

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