Raquel Dutra e Vitor Evangelista

Dono de um dos Melhores Discos de 2021, Gabeu tomou conta do ano passado no cenário do queernejo. Como parte do Especial do Mês do Orgulho, o Persona retoma o quadro de entrevistas e inaugura a editoria de conversas musicais para receber a estrela em ascensão, em um papo que viaja de suas raízes no gênero musical até as mais diversas influências que fizeram de AGROPOC, seu trabalho de estreia, um dos destaques musicais mais instigantes e criativos da cena atual. 

“Eu sempre tive a certeza de que eu queria fazer Música de alguma forma”, começa Gabeu, que conversa conosco sorridente, frente a um cenário composto pelo saudoso vinil do AGROPOC, um cavalo de brinquedo que serviu de companheiro na composição visual do disco e uma máscara com estampa de vaquinha malhada. Filho do cantor Solimões, ele sempre encontrou no sertanejo a base de toda sua formação, mas o trajeto até o gênero em que hoje triunfa não foi tão simples quanto pode-se pensar. 

Seja frequentando os shows do pai ao lado de Rio Negro ou mesmo ouvindo canções em casa, o jovem artista sempre se sentiu deslocado ali, e demorou a aceitar que poderia trabalhar na mesma linha que cresceu consumindo, incrementando-a com a expressividade e a bagagem que ele, como homem gay, carrega. “Então, isso é uma coisa muito recente”, ele define, sobre a ideia de entender que o sertanejo, um local carregado por padrões de gênero, masculinidade e heteronormatividade, poderia também ser um espaço de atuação seu.

Como foi o seu caminho até a Música? Você teve contato pessoal com o meio desde criança? Sempre quis ser músico? Ou foi uma vontade que só surgiu depois?

Gabeu: “Eu sempre tive a certeza de que eu queria fazer Música de alguma forma. Acho que uma das coisas que eu mais brinquei na minha infância era de pegar o microfonezinho lá e ficar horas e horas fazendo show, então eu sabia que de alguma forma a Música ia estar presente na minha vida, seja como um hobby ou como uma coisa mais profissional. 

Mas eu acho que essa coisa também de ter o meu pai como a principal referência, sendo ele um cantor sertanejo, e ocupando esse lugar de um homem hétero, coisas que eu não me identificava muito, foi decisivo para eu tentar explorar outras coisas e achar durante um tempo que a Música não era realmente uma possibilidade profissional pra mim. Porque eu pensava, ‘ah, eu não quero fazer sertanejo, porque eu acho que não tem nada a ver’, mas a Música pop que eu gosto, a Música pop gringa, também não é uma coisa que rola muito no Brasil, na época, quando eu era criança, não era uma coisa muito expressiva, aí depois que veio a Anitta, a Pabllo, aí eu falei ‘hum, acho que existe uma possibilidade’. 

Então quando eu comecei a pensar de fato em me profissionalizar e me lançar como cantor, ainda não era assim com o queernejo. Eu até cheguei a entrar no estúdio, gravei uma música popzinha, mas que hoje eu escuto e falo ‘nada a ver, ainda bem que eu realmente fui por outro caminho, porque não ia rolar’. Mas passei por esses processos, de pensar ‘vou me lançar como cantor, mas vai ser pop? Será que eu tento fazer alguma coisa sertaneja?’. Então eu fiquei meio nessa, durante muito tempo, pensando e pensando pra de fato chegar nessa ideia de Amor Rural”.

Amor Rural, sua faixa de estreia, foi lançada há apenas 3 anos, provando que essa jornada está apenas no início. “Eu fui crescendo, fui passando por esse processo de descoberta da sexualidade, fui, enfim, me encontrando em outros rolês, me encontrando num rolê mais de Música pop, num rolê LGBTQIA+ e fui me desprendendo, me desprendendo desse universo sertanejo”. 

Na adolescência, Gabeu chegou a renegar esse espaço: “eu tive um tempo de parar um pouco de ir nos shows do meu pai e agora, um pouquinho antes de Amor Rural, que eu venho fazendo esse processo de fazer as pazes com as minhas raízes e olhar com um pouquinho mais de carinho, de ver o quê desses lugares, desses ambientes, dessa musicalidade, eu consigo aproveitar, transformar e fazer com que faça sentido pra mim”.

É uma coisa que ele ainda está entendendo, toda essa ideia de se apropriar de um gênero que antes ele não se via representado, “e eu acho que isso é gostoso também, de eu não ter uma resposta pronta”. Considerando estar em um período fértil de criatividade, Gabeu enxerga com otimismo esse “início do queernejo”, com as ideias borbulhando e a Música tomando vida nesse processo criativo aflorado. 

Repleto de misturas, o trabalho musical de Gabeu se inspira em artistas como a Banda Uó, precursores na arte de incorporar o queer à estética nacional. Além disso, o repertório de AGROPOC conta com canções narrando casos amorosos para lá de específicos e chamativos (caso de Esconde-Esconde). Quanto ao processo de composição, o cantor revela que percebeu que estava explorando a criação de histórias, portanto, os relatos não necessariamente aconteceram em sua vida. 

Admitindo ter ouvido muita Música caipira, onde os intérpretes não viviam o que colocavam nas letras, ele destaca a ideia de “adotar um eu-lírico, um personagem, e cantar como se fosse aquele personagem”. Nenhuma novidade para quem tem aproximação e formação formal em Teatro e o Cinema: “é uma coisa até meio teatral, porque eu gosto muito. Então, em Bandoleiro e Atacante, por exemplo, não, eu nunca roubei banco com um cowboy, nunca tive um sugar daddy”.

No disco, você traz em Cowboy um cover da Banda Uó, que foram artistas muito marcantes para a cena nacional, levando uma roupagem queer para sonoridades tipicamente brasileiras. Você os considera uma inspiração para a criação do AGROPOC?

G: “Obviamente eles são uma referência muito grande, e eu acho que não só pra mim, mas eu acho que pra todos esses artistas pop LGBTs, que estão aí sabe, fazendo sucesso hoje. Eu acho que a Banda Uó é uma das principais inspirações, eu considero que todos esses artistas de hoje são os filhos da Banda Uó, porque é isso, eles foram muito pioneiros mesmo nessa coisa de misturar o pop com uma estética diferente, com coisas regionais, eles brincavam muito com os gêneros no geral, tem uma música deles sertaneja, Cowboy, eles brincavam com tecnobrega, forró, enfim, várias coisas que eles exploravam. Então eu considero muito eles uma referência, e eu escolhi Cowboy porque, enfim, era a faixa sertaneja deles, é uma das faixas que eu mais ouvi da carreira deles. 

Quando eu descobri eu fiquei maravilhado, eu nunca tinha sentido aquilo, eu acho que foi o primeiro sinal de vida do queernejo de fato ali, sabe? Porque é isso, dois caras gays, uma mulher trans, fazendo Música sertaneja, se eu não me engano eles são do Goiás, então eles têm essa raiz também, por mais que eles não trabalharam isso durante toda a carreira, eles carregam isso também. Então, sabe, muitas coisas que me fazem olhar pra eles e falar ‘faz sentido essa música estar no meu repertório’. É uma música que eu cantava nos meus shows antes de pensar no álbum, e aí no meio desse processo de produção do álbum eu falei ‘ah, acho que ela cabe muito bem aqui no meio dessas faixas’, e aí eu regravei e coloquei, e a galera super curtiu, super achou que fez sentido também”. 

Os diálogos com outras obras do universo pop não param por aí, já que ele também viveu a experiência de viajar pela sua capacidade de criação em plena pandemia. Agora, no entanto, o momento é de viver a sua música junto do seu público, que desde maio vem mantendo encontros com Gabeu em cima do palco: “eu tô vivendo esse momento de sair de casa pela primeira vez pra cantar o álbum, encontrar as pessoas e ver as pessoas cantando as músicas, e ter essa troca, das pessoas virem até mim e falarem que elas acharam do álbum, qual a faixa favorita delas, o que elas sentiram, como o álbum foi importante pra elas na pandemia… eu ouvi muito isso.” 

Em época de celebrações essencialmente ligadas à cultura caipira, ele vivencia tudo o que sonhou para o disco, planos que, assim como todo o resto do mundo, foram paralisados pela crise sanitária advinda do covid-19: “Sinceramente, foi uma loucura lançar o álbum na pandemia. Produzir ele foi muito gostoso, mas eu tinha muitos planos grandes pra ele, obviamente não contando com a pandemia. Era pra ele sair no comecinho de 2020, e aí veio todo esse desastre, enfim, e aí agora reencontrar as pessoas e ter essa troca com elas é muito, muito, muito gratificante e me faz lembrar de como foi importante pra mim produzir e mergulhar nesse universo de fato e ter realmente a coragem de não abandonar a ideia do queernejo.”

O carinho pelo gênero que está no centro do seu seio familiar reluz no olhar de Gabeu quando ele avalia os ônus e os bônus de construir o seu lugar em um espaço que inicialmente lhe era hostil. Agora, ao ver um aspecto tão importante para a formação da sua identidade na boca da mídia por conta das recentes denúncias de superfaturamento em shows sertanejos pelas cidades do Brasil, a sua voz representativa, crítica e reflexiva não se desvia das polêmicas. 

Nesse momento em que o sertanejo passa por uma série de investigações e denúncias, como você, que tem tanto carinho, identificação e proximidade com o meio, mas também esse olhar mais crítico, se relaciona e encara essas problematizações? 

G: “Eu acho que muitas coisas dentro do meio sertanejo nunca foram questionadas, em relação à qualquer tipo de pauta, à qualquer tipo de discussão mais séria e mais profunda, em relação à representatividade, à política, ao cenário que a gente está vivendo hoje. Eu acho que as pessoas não se aprofundam em muitas coisas nesse meio, e eu acho que o que tá rolando agora talvez seja um sinal para que a gente comece a debater alguns assuntos importantes no meio, como essa coisa mais contratual, mais financeira, bem polêmica que tá rolando, mas também de pautas identitárias, que é uma coisa que a gente vem reiterando no queernejo, vem tentando trazer as discussões, e não só em relação à comunidade LGBTQIA+. 

No ano retrasado, a gente fez o Fivela Fest, o Festival de Queernejo, que rolou on-line também, e a gente propôs várias mesas de debate, sobre masculinidade tóxica no sertanejo, sobre negritude no sertanejo. E fazendo essa pesquisa, de ir mais a fundo no sertanejo raiz, a gente consegue encontrar mais cantores e artistas negros lá nos anos 20 e 30 do que hoje, então é uma coisa a se discutir também. Eu dou esses exemplos mais pra falar sobre isso: que o mercado sertanejo não gosta de se aprofundar em discussões, eles gostam muito de ficar na superficialidade, eles têm muito medo de se comprometer, têm muito rabo preso com várias questões políticas. Enfim, eu acho que o queernejo está aqui também pra questionar esse tipo de coisa.”

Sobre esse momento delicado, ele compartilha que foi tranquilo de forma externa e conflituoso de forma interna, mas que o pai foi a primeira pessoa da família a saber: “A reação dele foi muito natural, ele tava meio sem saber o que dizer, mas ele teve uma preocupação de demonstrar acolhimento. E foi a mesma coisa com a minha mãe, a minha irmã, depois de um tempinho que eu contei pro meu pai”.

Os conflitos geracionais, no entanto, não deixaram de aparecer no meio da aceitação familiar. “Às vezes rola uns embates de geração mesmo, de não entender o porquê de ficar sempre reiterando a sexualidade, a identidade de gênero, de estar sempre falando sobre isso, de estar sempre levantando essa bandeira”, ele compartilha, reforçando o carinho e acolhimento que encontrou dentro de casa.

Quais são os seus discos favoritos da vida? Um brasileiro e um internacional?

G: “Dois? Ai meu Deus. Só 2 é difícil. Bom, esse aqui tá bem aqui do meu lado, é o Born This Way da Gaga. Pra mim é o maior disco da História, tipo pra mim realmente é uma obra de arte. Eu gosto muito de um álbum recente que é um cantor country gay, estadunidense ou canadense se eu não me engano, ele chama Orville Peck, e ele lançou nesse ano, chama Bronco, e é um álbum muito, muito, muito bom, tipo muito countryzão raiz que eu me identifico muito. E brasileiros assim eu gosto muito do Rito de Passá, da MC Tha, sou muito, muito fã da MC Tha, gosto muito do Simulacre da Potyguara Bardo e, ah, enfim, eu poderia listar dez milhões de álbuns aqui. A gente pode depois fazer uma entrevista só de álbuns, só pra falar de álbuns dos outros”.

Nós também acompanhamos o Orville Peck, e quando alguém comenta que está ‘ouvindo um CD de um cowboy LGBTQIA+’ a primeira reação é perguntar se é o Gabeu. E esses dias você compartilhou que estava ouvindo uma música dele.

G: “Nossa é impressionante, quando eu descobri o Orville Peck eu fiquei embasbacado, eu fiquei tipo, não só pela figura dele, pela representatividade que ele traz pro country, que eu acho que a Música country também enfrenta muitas coisas como o sertanejo, num lugar parecido ali, mas pela estética dele, eu acho ele incrível, maravilhoso. […] Tem uma cena country queer lá na América do Norte, na Europa também tem uma galera. Enfim, será que vem aí uma carreira internacional?”

E tem algum filme ou série que você queira recomendar? Pode ser algo que tenha te inspirado na criação do disco.

G: “Olha, eu sou uma pessoa que não assiste muitos filmes e muitas séries, eu sou meio preguiçoso pra isso, e o que eu assisto geralmente não tem muito a ver com o que eu tenho feito na Música e se eu falar O Segredo de Brokeback Mountain vai ser muito clichê eu acho, mas é um filme que eu amo muito e já até fizeram um edit um dia de Amor Rural com as cenas do filme, eu achei uma gracinha, se bem que aquele filme é muito triste. Mas, deixa eu pensar, eu gosto muito dos filmes do Mazzaropi, os filmes antigos do Mazzaropi, por conta do meu pai. 

Obviamente tem muitas coisas questionáveis hoje em dia, tem coisas muito machistas, muito homofóbicas, mas eu acho que é aquilo tipo, eu assisto algumas coisas hoje em dia do Mazzaropi e eu tento pincelar as coisas que me seriam úteis, para minha carreira e que são inspiradoras pra mim, sabe. Então os números musicais dos filmes eu gosto muito, quando ele canta, e o tom de comédia, o tom dramático também, porque ele vai do drama ao cômico, ele ia do drama ao cômico rápido e de uma forma que eu achava que era interessante. Enfim, não é um filme específico, mas é a filmografia toda do Mazzaropi. [..] Eu tô numa vibe de produções sul-coreanas da Netflix, eu tenho assistido umas coisas interessantes. Assisti uma que chama Profecia do Inferno, que eu amei muito. E tem outra que se chama Juvenile Justice, muito legal. Recomendo”.

E agora de volta à Música, se você pudesse escolher algum artista para trabalhar junto, quem seria?

G: “Um só? Uma coisa mais atual, mais do momento, eu gostaria muito de um dia fazer uma colaboração com a Gloria Groove. Acho que ela é o momento e ela é uma artista que consegue explorar bem vários gêneros musicais, eu acho que ela canta muito bem pop, acho que ela explora muito bem o funk e o rap. Acho que ela poderia fazer uma coisa meio sertanejinha. Ela fez né, ela cantou Marília Mendonça lá no programa, ela fez o cover de Marília Mendonça, e foi muito bom, ela canta muito bem, acho que ela cantando uma música sertaneja seria muito interessante. Comigo então, nossa senhora”.

Agora que o disco foi lançado como o primeiro passo da sua consolidação como artista de queernejo, quais são suas expectativas para o futuro?

G: “Em primeiro lugar, eu quero muito dar continuidade nisso que a gente começou mês passado com os shows. Eu quero muito fazer show, eu preciso estar em cima do palco, eu preciso subir e cantar o AGROPOC pra galera e ter essa troca com o público. Eu tô muito nesse estágio, então essa é a primeira coisa que eu penso quando as pessoas me perguntam o que eu quero pro futuro: fazer shows. Obviamente, eu tô sempre compondo, tô sempre tendo muitas ideias de próximas músicas, de próximos lançamentos, de próximos discos… Eu já tenho ideia para 10 discos diferentes na minha cabeça, que eu só preciso colocar no papel direitinho, porque às vezes vira uma bagunça. 

Eu tenho planos também de começar a produzir algumas coisas novas, entrar em estúdio. Eu amo muito a energia de estúdio também, gosto muito de estar dentro do estúdio, de trocar experiências com quem tá produzindo comigo, de estar ali, enfim, pensando a música, pensando arranjos, essa é uma coisa que me dá realmente muito prazer, então eu quero muito voltar pro estúdio logo pra produzir coisa nova. Com isso tudo, eu quero também que muitas pessoas, mais e mais pessoas, se identifiquem com o queernejo, e eu gostaria muito de ver mais artistas surgindo, novos artistas queer fazendo sertanejo, pra cena crescer. 

Eu acho que isso é importante porque a gente ainda é uma cena muito pequena se comparada aos outros gêneros musicais que tão rolando. Então, acho que quanto mais artista tiver mais fortalecimento a gente vai ter, e mais as pessoas de fora vão começar a levar a sério, porque uma coisa que eu vejo é que muita gente não leva a sério, encara como uma coisa engraçada, uma piadinha, enfim, uma galera LGBT querendo fazer graça, sei lá. Então eu gostaria que isso acontecesse, que a gente crescesse cada vez mais”. 

Pouco menos de um ano depois de lançar o disco, Gabeu está viajando, cantando e realizando os shows da AGROPOC Tour. 

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João Batista Signorelli

Entre filmes premiados em Cannes e pré-candidatos ao Oscar, a 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo trouxe uma grande amostra do Cinema mundial em 2021. Em meio a tantos lançamentos badalados que ainda vão dar muito o que falar, também surgiram muitas pérolas escondidas que também foram dignas de atenção, e Madeira e Água certamente é uma delas. Contando a história de uma mãe que busca se encontrar com seu filho distante, o diretor alemão Jonas Bak levou seu filme de Berlim para festivais no mundo todo, e vem agora ao Persona Entrevista contar como foi a produção de seu primeiro longa-metragem. 

De estudante de Cinema na Escócia a cinegrafista e diretor freelancer em projetos comerciais, Jonas abandonou os trabalhos em Londres para se mudar para Hong Kong com sua parceira, que viria a se tornar também sua produtora. Lá foi onde a ideia para o longa surgiu pela primeira vez, e, influenciado por sua experiência distante de sua família e da Alemanha, seu país de origem, ele focou em escrevê-lo por mais de dois anos. 

Quais foram as suas principais influências ao construir essa história? 

Jonas: “Eu diria que minhas referências principais foram mesmo minha própria história, a história da minha mãe e das pessoas (…), os lugares à minha volta, Hong Kong, meus sonhos, minhas alegrias e medos, talvez mais meus medos que minhas alegrias, e apenas a vida eu acho, a realidade se quiser chamar assim. (…) Mais do que dizer: ‘Eu copiei o estilo de Kiarostami ou Tsai Ming Liang…’. Há muitos paralelos aí, e eles são definitivamente diretores que eu admiro, e que, talvez, eu penso, influenciaram meu trabalho, moldaram como eu vejo filmes, como eu abordo o visual, e como eu vejo a vida. (…) Se você quiser algumas referências fílmicas, Kiarostami, Tsai Ming-Liang, Angela Schanelec… Eu acho que essas pessoas me influenciaram muito. Wong Kar-Wai talvez, quando eu estava em Hong Kong.”

A história de um homem jovem que está longe de casa e um pouco perdido na vida e na cidade grande lhe veio naturalmente. Desse ponto de partida, Jonas olhou para trás, para sua mãe, e com isso veio a preocupação de que ela, viúva, vivendo por conta própria e próxima da aposentadoria, estivesse se sentindo sozinha. Contar essa história de um filho pródigo a partir da perspectiva da mãe acabou tornando sua proposta muito mais interessante, além da possibilidade de, caso ela aceitasse o papel, de fazer algo com ela, e de reaproximar-se com ela.

Sua mãe sempre foi sua primeira opção para o papel? Como foi trabalhar com ela?

Jonas: Eu acho que vi e procurei outras atrizes, mas eu tive um jeito legal de meio que provocar a minha família (risos) em fazer isso, dizendo que nós íamos fazer um pequeno filme. Começou como um documentário familiar e, discretamente, eu fui construindo a partir daí. (…) Se eu me lembro, ela nunca disso não no início, então ela estava sempre aberta para isso. Foi difícil, talvez, encontrar um jeito de trabalharmos juntos, de resolver essa questão da atuação… Bem, nós encontramos um caminho, e eu penso que ela foi definitivamente minha primeira opção. 

Jonas diz não ter realizado o filme com a intenção de aproximar-se mais da ficção ou do Cinema documental. Sua maior intenção era fazer do filme algo verdadeiro e honesto. “É real, apesar de não ser documentário”, diz o diretor, que trabalhou com atores não profissionais, ao mesmo tempo que usou o roteiro que escreveu apenas como uma base para orientar as gravações. Com uma equipe reduzida, todos viveram a história como uma pequena família, e a experiência se tornou uma jornada para todos eles.

Na maior parte das cenas do filme você trabalhou com uma alta distância focal da lente, de modo que as cenas tiveram uma grande profundidade de campo, e com tudo parecendo mais próximo. Como você chegou a este visual para o filme?

Jonas: “Foi, talvez, a ideia de que, a tensão e o drama estão fora dos limites do frame. No filme, nós estamos bastante próximos da mãe e nós sentimos um pouco a densidade e a estreiteza das ruas de Hong Kong, (…) essa sensação de peso como uma experiência sensorial da cidade. Ao mesmo tempo, foi uma aproximação um tanto fotográfica. (…) Eu também não queria apenas capturar a imagem da minha mãe e estar próximo dela, eu também queria dar para a audiência mais do que isso, é um pouco de generosidade também, mostrar mais da cidade. (…) Como você disse, nunca há profundidade de campo rasa, de modo que as coisas ficariam desfocadas no fundo. Era importante mostrar tudo, e tudo era parte da história. A aproximação fotográfica que eu acabei de mencionar, a sensação fotográfica era para capturar isso bem rigorosamente no enquadramento, para que ele ficasse como tirar uma foto, é como algo nostálgico, você quer congelar o momento. (…) Na Alemanha foi como congelar memórias antigas, em Hong Kong, foi congelar esse momento bastante especial, mas também dar mais espaço para ele.”

Há essa bela fala próximo ao final do filme em que sua mãe diz que ela não reza para pedir a Deus que mude as coisas, mas para que ela seja forte o suficiente para lidar com qualquer coisa que viesse a acontecer. De onde veio essa ideia?

Jonas: “A ideia foi de ter essas duas personagens falando sobre as similaridades espirituais entre o ocidente e o oriente. A cartomante e o templo taoísta versus a fé cristã dela, e elas encontram alguma espécie de base semelhante, algo para realmente falar sobre. Eu apenas perguntei para minha mãe: ‘Você reza? Você ainda reza?’, pois eu sabia que ela rezava quando eu era mais jovem. Ela disse algo similar ao que está no filme, basicamente que ela não se assustava com o que a vida jogava nela, ela apenas esperava ter força, e ela pedia por força.  Eu acho que foi uma linda fala. (…)  Foi uma fala difícil de entregar, e nós ensaiamos muito essa cena porque, como você disse, ela se destaca no filme, e poderia facilmente ficar brega. (…) Eu tive que fazer um figurante entrar no trem no meio na fala, para que não parecesse artificial, montada. (…) Foi uma fala verdadeira que veio do coração dela.”

Anke Bak, a mãe do diretor, assistiu ao filme com público apenas uma vez em Berlim, mas não quis subir ao palco. Sempre recusando os convites para ir a festivais, ela diz já ter “passado para frente com esse filme”. Mas a relação dela com o filme não parece ser unicamente negativa: durante o processo de edição, Jonas mostrou alguns cortes do filme para ela, e foi a versão de New Space Music de Brian Eno, que enfatizava um sentimento meditativo e de calma, que rendeu uma reação positiva, deixando-a bastante feliz. A composição de Brian Eno permaneceu na trilha sonora.

Como você escolheu essa música específica?

Jonas: “Eu tentei muitas coisas com o compositor. Tentei, talvez, intelectualizar a música para entender o que funcionava, porquê e onde, e experimentar muito. Algumas vezes estávamos felizes, outras não. (…)  O processo de edição foi muito longo e um tanto assustador porque nós não sabíamos se haveria um público para o filme com o covid. Com todos nós trancados, eu estava tentando tantas coisas diferentes e não estava nunca satisfeito, e eu ouvia muita música desse tipo, apenas para mim mesmo, e para me sentir melhor também. Eu estava ouvindo a música e ela me fez sentir tantas coisas. Eu a conhecia de antes, quando era mais jovem, (…) ela me fazia sentir que eu fazia parte de tudo, e tudo estava bem. E isso era como a experiência da mãe. (…) 

Então eu apenas coloquei a música nessa ou naquela cena, e, obviamente, o apego emocional ajudou a elevar, e algumas pessoas disseram que elevou demais, e que eu não precisava realmente da música. Para mim, exatamente pelas coisas terem conectado, funcionou, e eu mantive e mostrei para o compositor pedindo-o para fazer algo similar. Mas ele disse: ‘eu não consigo, não sei como ele criou esses doces sons metálicos’. Ele disse que não sabia como ele fez nos anos 90 com instrumentos analógicos, e nós apenas a mantivemos. Nós não podíamos mostrar esse filme em um festival sem os direitos autorais, e Brian Eno e seu empresário estavam felizes em cedê-los para festivais. (…) Mas ficou um pouco mais complicado quando foi sobre os direitos de distribuição, e (…) a produtora teve que negociar um pouco porque eles entenderam que era um projeto difícil, pessoal, e não esperavam que estaria vendendo. Eu, pessoalmente, não esperava esse tipo de sucesso com o filme. Eu esperava passar em alguns cinemas ou festivais, mas daí nós conseguimos uma distribuição nos Estados Unidos, e nós realmente tivemos que pedir (…) os direitos para tudo, (…) mas ainda bem que tudo deu certo.”

Como foi a recepção do filme no Festival de Berlim?

Jonas: “Berlin foi majoritariamente digital, e houveram exibições ao ar livre em junho depois do lockdown. Eu já estive na Berlinale antes, é um dos meus festivais favoritos, e foi um pouco amargo estar neste grande festival para ter apenas uma exibição em junho, que não é o período para a Berlinale mais. (…) Eu vivi muito no exterior, então eu não sei muito sobre a indústria cinematográfica alemã, mas as críticas foram mistas no início, e então ficaram um pouco melhores. O sucesso veio, talvez, internacionalmente, as críticas estão muito positivas, então, pensando um pouco, é mais um filme internacional, e na Alemanha é um pouco mais difícil para esse tipo de filme vender, nós não temos um distribuidor aqui, por exemplo. Mas eu não poderia pedir mais.”

Se você pudesse escolher três pessoas, vivas ou mortas para trabalhar em um filme, quem você escolheria e porquê?

Jonas: “Eu escolheria Fred Keleman, (…) Ele é o diretor de fotografia do Béla Tarr, e simplesmente mudou totalmente minha perspectiva sobre o que é Cinema. Eu acredito que os filmes do Béla Tarr e também do Fred Keleman estão em seu próprio nível, são muito mais complexos, talvez uma arte elevada, não sei se esse é o melhor termo, mas são algo a mais. Deixe-me pensar quem mais… (risos) (…) Marilyn Monroe… Marlene Dietrich… Klaus Kinsky. Ele é um ator alemão que trabalhava muito com Werner Herzog. É um absoluto maluco que dá 200% em tudo o que faz. (…) Eu adoraria não apenas trabalhar com ele, mas estar por perto de uma pessoa assim, porque eu sinto que não há mais muitas pessoas assim. Dedicado, mas também escandalosamente louco e inspirador, é maior que a vida. Klaus Kinski, Marilyn Monroe e Fred Kelemen. (risos)”

E se você pudesse levar três filmes para uma ilha deserta, quais seriam e porque?

Jonas: “Freedom (2000), de Sharunas Bartas, porque se passa no deserto e é sobre sobrevivência no deserto, e é o tipo de filme que eu gosto. (…) Eu estou tentando lembrar um filme que me fez sentir muito bem… Sleep Has Her House (2017) de Scott Barley, é apenas sobre sensações naturais, é um filme muito sensorial, é como eu descrevi a música de Brian Eno, me faz sentir parte de tudo.  Vamos lá, uma comédia de Hollywood… Boogie Nights (1998).”

Você já assistiu algum filme brasileiro? Se sim, qual o seu favorito?

Jonas: “Sim, mas faz tempo… Eu não vejo tantos filmes, mas há esse épico, (…) Cidade de Deus (2002)? Sim, eu vi esse e foi muito tocante. Eu vi um documentário sobre um terrorista em um ônibus.”

Ônibus 174. 

Jonas: “Sim. E quando eu puder ir pra São Paulo verei muitos outros (risos). (…)”

Quais são os seus próximos passos após Madeira e Água?

Jonas: “Eu estou trabalhando em uma sequência de algum modo. Estou finalizando o roteiro e iniciando a pré-produção. Ela basicamente conta a história do filho, e é uma história de amor psicológica. Ele está com uma garota de Hong Kong e ambos estão vivendo uma crise de saúde mental, estão travados com o seu relacionamento e também com suas perspectivas, em Hong Kong. Então eles estão reconstruindo a vida e o amor deles. (…) É sobre alienação cultural e se o amor consegue sobreviver a isso, é sobre precisar de um sentimento de lar, e se é possível viver sua vida no estrangeiro. (…)”

E eu ouvi que você estava planejando uma trilogia?

Jonas: “Sim, mas eu tenho que voltar um pouco atrás e não me precipitar muito, (…) precisamos primeiro ver. Está bom para um segundo filme por enquanto. Também depende se conseguimos voltar para Hong Kong, isso é possível, mas com quarentena e tudo mais o quão fácil ou difícil seria fazer o filme. O interesse de financiamento existe. Então sim, eu tenho uma ideia para uma trilogia. É basicamente uma trilogia de heróis, os heróis da minha vida. Primeiro minha mãe, segundo minha parceira, (…) e então meu pai. O último filme seria uma espécie de história de fantasma sobre o pai que eu nunca tive. É uma ideia vaga, um passo de cada vez.” 

Madeira e Água continua sendo exibido em festivais mundo afora, mas ainda não tem previsão de estreia comercial no Brasil.

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Caroline Campos

Fiz essa entrevista ainda em julho, há longos cinco meses – que mais parecem cinco anos. Cercada pelos horrores da pandemia e a esperança da vacina, encontrei na leitura de Pequena coreografia do adeus uma forma de desabrochar velhos traumas e olhar para dentro de mim com o mesmo carinho que era capaz de olhar para Júlia, protagonista dessa criação de Aline Bei. Não esperava encontrar o que encontrei – palavras flutuando pelas páginas como pensamentos perdidos, te convidando a preencher esses espaços com sua própria e pesada bagagem. 

E quem diria que a artista por trás de um dos maiores lançamentos literários de 2021 não só elogiaria minha emocionada resenha como também toparia fazer parte de mais uma edição do Persona Entrevista. Em uma conversa no fim da tarde de uma terça-feira, Aline me contou sobre a infância com a leitura, a rotina movimentada pós-lançamento e as várias faces de suas protagonistas femininas. Com alguns meses angustiantes de atraso (2021 não foi fácil para ninguém), você pode conferir esse bate-papo especial para conhecer melhor a figura por trás dessa dança tão (des)amorosa.

“Eu não sei se tenho mais uma história para contar”. Foi assim que a paulistana Aline Bei se sentiu logo depois de lançar seu estrondoso livro de estreia, O peso do pássaro morto. Atravessada por um sentimento de devastação após finalizar seu primeiro romance e com público recém-chegado que suplicava por uma nova obra, a autora de voz suave e fala calma conta que primeiro foi necessário acolher o medo de não possuir uma segunda narrativa para, então, começar a trabalhar nela.

E trabalho foi o que não faltou, já que sua filha mais nova, Pequena coreografia do adeus, levou quatro anos de estudos para chegar a sua versão final. No meio do caminho, Aline cruzou com a Companhia das Letras e iniciou um processo de reescrita da versão entregue. “Como eu vim do Teatro, já gostava muito desse processo coletivo e sentia bastante saudade dessa troca escrevendo, porque tem esse processo mais solitário quando a gente escreve. Mas é muito bom poder compartilhar com as pessoas”, relembra a escritora a respeito da parceria com suas editoras, Camila Berto e Stéphanie Roque.

Em Pequena, como Aline carinhosamente se refere, conhecemos Júlia Terra, uma jovem escritora sufocada pelo abandono, pela falta de afeto e pela solidão de uma família destroçada – Vera amava demais, Sérgio amava de menos. Para chegar nessa complexa e dolorosa relação, Bei navegou pelo tortuoso mar da psicanálise até entender a importância dos primeiros anos da vida de uma pessoa e o peso que os familiares exercem sobre ela. “Foi bacana investigar esse divórcio, essa separação, pelos olhos de uma criança. Muito mais interessante dentro da minha linguagem do que pelos olhos de um casal”, conta a paulistana, também citando o trabalho da coreógrafa alemã Pina Bausch como inspiração performática para a diagramação de seu livro, característica extremamente marcante no trabalho de Bei.

Com uma destreza textual impressionante e uma protagonista demolida, Aline Bei exala, naturalmente, a sensibilidade que sua própria obra transparece. Quando a entrevista foi realizada, a autora contou que sua Júlia ainda era muito presente em seus pensamentos, mas já estava assumindo o lugar de uma personagem construída, e não em construção. “O Pequena foi publicado quase um ano depois que eu entreguei, então eu consegui me distanciar da protagonista de uma forma criativa. É algo que eu criei, ainda está fresco, mas já consigo habitar outros personagens, porque ela está em uma trajetória de passado”.

Inclusive, no momento em que comenta a relação entre Pássaro e Pequena, Bei ressalta o fato de Júlia carregar uma individualidade difícil de ser comparada com a sua protagonista anterior, que carrega muitas mulheres em um corpo que tem o verbo perder como força-motriz. Já com a experiência de dois livros na carreira, a autora entende a personagem de Pássaro como uma criação menos profunda, muito relacionada à variedade de ações que pendem ao longo de sua vida. “Com a Júlia, eu entrei em uma existência de fato, talvez por ela ter nome e sobrenome. É uma personagem em que a história do livro está muito vinculada a ela, mais até do que a protagonista do Pássaro”, comenta Aline, reforçando que a imersão em Pequena foi, sem dúvidas, muito maior.

Seria possível, então, depois das 282 páginas de Pequena coreografia do adeus, imaginar um futuro para a jovem Júlia Manjuba Terra? Segundo Aline, sim. Para não cercar a própria imaginação nem fechar a trajetória de sua personagem, a autora de muitos textos curtos fecha seu segundo romance já convidando o leitor a pensar no futuro que deseja. Mesmo assim, após o longo período de convívio entre criadora e criatura, Aline vislumbra Júlia como uma espécie muito especial de escritora – daquelas que “vem de dentro para fora”, do jeitinho que podemos caracterizar a própria Bei. 

No entanto, com uma nova perspectiva de afeto, uma nova realidade e uma nova coreografia, a história de Júlia é de começos. “Eu queria falar sobre o começo de uma trajetória de uma artista brilhante. Não exatamente tão bom quanto o futuro, já que, às vezes, o começo necessita de muita coragem para seguir adiante”. E, se tratando de Aline Bei, a escritora, atriz e poeta que iniciou a viagem pelas páginas dos livros ainda vivendo a ingenuidade da infância, a  tal “trajetória de uma artista brilhante” só está começando.

que o Artista não é quem explode por dentro, isso pode acontecer com toda e qualquer pessoa; só é Artista quem Entrega 

a explosão 

aos pés do público

com ritmo, poesia, beleza

ainda que ele esteja dançando um crime.

(Pequena coreografia do adeus, p. 130)

Como sua persona de atriz se transpõe na sua Literatura?

Aline: “Eu sinto esse corpo sempre muito presente na criação. Até sou um tipo de escritora que não pode trabalhar em lugares públicos, porque eu acho que sou expressiva demais criando – faço sons, não chego a levantar nem nada, mas é algo que fica bem físico. E me toma bastante nesse sentido obsessivo que eu tinha também com o personagem, de ficar tentando entender a trajetória, porque entender, também quando a gente lê uma peça, é uma parte do que aconteceu, é uma parte daquele personagem. A gente escreve o recorte de algumas coisas, mas tem tantas coisas que a gente não diz e vão ficando na gente como uma possibilidade do que aconteceu, e eu acho que fico muito imersa em tudo isso, sabe, na atmosfera. Como se eu tivesse preenchida de Júlia para escrever uma parte da vida dela, mas tem muito mais. Então eu fico com esse ‘muito mais’ depois que eu termino o trabalho e continuo vivendo com os personagens, tentando encontrar a voz dela dentro da minha voz. E pode ser agora não a voz física, a fisicalidade da atriz, mas essa voz da Literatura, encontrando a voz da Júlia dentro da minha dicção literária. É muito parecido com o exercício de atriz.”

Consegue escolher 3 livros e 3 autores favoritos?

Aline: “A Obscena Senhora D, da Hilda Hilst, estaria com certeza no meu top. Da Clarice, que também sou muito fã, eu fico muito em dúvida entre A Paixão segundo G.H. ou A Hora da Estrela, mas acho que vou de A Hora da Estrela. E Lavoura Arcaica, do Raduan Nassar. São três livros que me acompanham muito, e eles três [autores] são muito queridos aqui no meu altar. Eu também gosto muito dos poetas – Fernando Pessoa, Herberto Helder –, mas sou também sou bastante atravessada pelas minhas novas descobertas, como o James Baldwin, a Bernardine Evaristo, o Milan Kundera. Estou sempre lendo, então acho que esse altar está sempre se renovando.”

Se você pudesse escrever uma história com algum personagem que já existe, qual e como seria?

Aline: “Pra mim é muito difícil. Eu sou uma grande leitora, eu amo ler, mas eu sempre me envolvo com os livros que eu leio de uma forma leitora. Eu gostaria de escrever os livros que eu escrevo, porque eu acho que é o que eu quero fazer, sabe. Então, eu não escolheria um personagem de Machado, de Clarice, que eu amo, para continuar, porque eu não continuaria. Eles que fazem o que eles fazem, eu faço o que eu faço e quero cada vez mais me identificar e aprofundar o que eu faço. Então, eu acho que vou escolher uma própria personagem pro meu estudo, que seria a viúva Argentina, que eu sinto que é uma personagem que me interessa muito, que eu admiro, e que tem uma trajetória que fica delineada no livro, mas que a gente não tem tanto contato. E eu a aprofundaria com certeza. É uma personagem que me levaria para um romance também.”

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João Batista Signorelli

Raro exemplar de longa-metragem realizado com a técnica de stop-motion no Brasil, Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente foi um dos grandes destaques da 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, chegando ao Brasil já com um prêmio em mãos, da Mostra Contraponto do Festival de Cinema de Animação Annecy. O Persona assistiu ao filme, e com muito prazer retoma o quadro de entrevistas para conversar com o diretor César Cabral, que também é sócio-fundador da Coala Filmes, produtora paulistana focada em produzir animações em stop-motion. 

Antes de explorar a obra do cartunista Angeli em vários de seus projetos, antes de fundar uma produtora de animação, e antes mesmo de receber o seu diploma em Cinema pela Universidade de São Paulo, Cabral estudou Física por cerca de três anos. Foi o tempo que levou para perceber que não era aquilo que queria levar como trabalho e  profissão, o que o fez largar aquela graduação e prestar para o curso de Cinema (atualmente chamado de Audiovisual), onde teve aula com excelentes professores e grandes nomes como Jean-Claude Bernardet e Ismail Xavier. Ainda sem recursos digitais, César Cabral iniciou seu primeiro experimento em stop-motion com um rolinho de película que recebera da faculdade para um exercício de filmagem. 

“É engraçado como as coisas dão voltas: eu lia muito histórias em quadrinhos, gostava muito de desenhar, mas nunca imaginava trabalhar diretamente com (…) o universo da animação.” Da animação em stop-motion brasileira, dois curtas marcaram e influenciaram o seu trabalho: Frankenstein Punk e Garota das Telas, ambos realizados por Cao Hamburger e Eliane Fonseca. “‘Se eles fizeram isso lá nos anos 80’, eu pensava assim – a ingenuidade – ‘eu consigo fazer isso nos anos 90’” relembra o diretor. Procurando pessoas que gostavam de modelar, ele acabou conhecendo Olyntho Tahara, seu futuro sócio na produtora Coala Filmes. Já nesse primeiro exercício que se tornou um ‘curtinha’, César começou a explorar o mundo dos quadrinhos da Chiclete com Banana que lia em sua adolescência, criando um duelo de faroeste entre os palhaços mudos, criação da cartunista Laerte.

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Durante o final do curso, ele já começou a ir atrás de trabalhos em publicidade, onde, prestando serviços de assistência em produtoras, encontrava espaço para a construção de maquetes, cenários, bonecos, ou até mesmo animação. Foi um período para aprender e descobrir como fazer stop-motion, uma área que não tem mercado e poucos profissionais atuantes. Entre 2004 e 2005, começou a se desenvolver a Coala Filmes, onde escreveu o projeto para o curta-metragem Dossiê Rê Bordosa. “O Dossiê é o início do que virou o Bob Cuspe de certa maneira.” E foi ali que César Cabral enveredou para o audiovisual, se afastando da publicidade e acompanhando a alavancada que a ANCINE iniciava naquele momento. “Foi um período que o fundo setorial entra e começa a fomentar toda a produção audiovisual, acabou possibilitando que a gente fizesse séries e o longa. A gente vai fazer um segundo mas… estamos no primeiro” sinaliza o diretor, já gerando a expectativa para uma sequência. 

Somando referências que vão dos blockbusters americanos que cresceu assistindo, aos lançamentos que acompanhou nos cinemas como Pulp Fiction, além de clássicos da Nouvelle Vague que via na Cinemateca na época da faculdade, César Cabral recheou Bob Cuspe de homenagens de forma consciente e inconsciente. Se citações a filmes como 2001 – Uma Odisseia no Espaço e O Iluminado são mais explícitas, o diretor se surpreendeu ao re-assistir Poltergeist – O Fenômeno e descobrir um zoom com travelling em um corredor muito igual ao que fez na cena em que Angeli se aproxima de uma porta para encontrar Laerte. “É engraçado como essa coisa inconsciente que a gente vai construindo na nossa cabeça – o nosso repertório (…) – fica, e acaba saindo de um modo natural, sem um planejamento óbvio.”

Seu primeiro contato real com o cartunista Angeli foi no mundo da revista Chiclete com Banana, que foi essencial para a formação do diretor ao trazer muito material não apenas de quadrinhos, mas de Música, Cultura e variedades, em um mundo onde a internet ainda não existia. Quando foi realizar o curta Dossiê Rê Bordosa, entrou em contato com o Angeli, que de início relutou, pois havia matado a personagem em suas tiras para justamente não precisar mais falar sobre ela, mas que ao final acabou topando. A partir de entrevistas com Angeli e outras pessoas, César Cabral realizou o curta animado documental, e temendo uma reação negativa do artista ao mexer com sua obra, foi surpreendido por uma reação positiva.

Enquanto se aprofundava ainda mais no mundo da Chiclete com Banana na série Angeli – The Killer, produzida para o Canal Brasil, Angeli comentou com Cabral que sempre achou que o Bob Cuspe renderia um longa. E ali foi lançada  a sementinha do que viria a se tornar o longa Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente. “Pensar num longa-metragem de certa maneira é uma loucura (…) parece uma coisa impossível de acontecer.” Gravando uma série de entrevistas com Angeli, César foi se aprofundando em seu processo criativo. “O Angeli, como a gente sabe, é famoso por ser o Angeli em crise, né? (…) É um cara que nunca para no trabalho, ele quer ir à frente. (…) o processo criativo dele vem muito disso, de não se estabelecer com algo que já tá definido. (…) E de certa maneira, ele agora, com 60 anos, ‘tá’ nesse lugar de procurar e tentar encontrar um novo caminho pro trabalho dele.”

O ponto de partida da narrativa principal do filme veio do próprio Angeli, que tinha esboçado uma morte do Bob Cuspe devorado por mini Elton Johns. “Ele é meio que um símbolo do pop, do glitter, que de certa forma é o oposto à postura punk. Então o que melhor mata um punk? Qual é a pior morte que um punk pode ter? É o pop devorando ele, fisicamente ou metaforicamente.” A partir dessa ideia, a equipe desenvolveu um mundo pós-apocalíptico dentro da cabeça do Angeli, onde o Bob Cuspe, ao perceber que seu criador está desenhando sua morte, vai atrás dele para enfrentá-lo.

Um dos desafios da produção foi transpor o traço do lápis no papel em duas dimensões dos desenhos consagrados de Angeli, e transportá-lo para o stop-motion tridimensional, e nesse empreitada, César destaca o trabalho do diretor de arte Daniel Bruson, que também trabalhou no curta Dossiê Rê Bordosa. Sobre a técnica utilizada, ele destaca como sendo a que mais se aproxima do live-action, pois há o espaço físico do estúdio, a maquete que é o cenário, o set de filmagem, e os bonecos que são os atores do filme. A única diferença seria a captura quadro a quadro. “Não tem um ‘gravando’, tem ‘vamo lá, rodando o plano’, e esse plano vai levar dez, vinte horas pra ser produzido’, brinca o diretor. O ritmo da produção, realizada em 6 sets de filmagem, era de três/quatro segundos por dia, por set de filmagem.

Outro desafio foi construir uma estrutura para a produção do filme, com espaço físico e profissionais. A falta de um mercado consolidado de animação stop-motion no Brasil e no mundo fez com que houvesse um forte trabalho de formação na produção de Bob Cuspe, onde as pessoas aprenderam a fazer coisas como construir os bonecos, manipular a sua estrutura interna, e como animá-los. Da pequena produção de Dossiê Rê Bordosa, em que César Cabral animou sozinho com uma equipe bastante reduzida, ao longa de 90 minutos, a produção da animação tornou-se bastante complexa. “No stop-motion as coisas andam meio em paralelo, é tudo meio escalonado, sabe? A gente tá animando no set, mas a equipe já tá pós-produzindo o que foi animado. E a equipe de pré-produção já tá preparando o próximo cenário (…). Então é tudo muito amarradinho pra funcionar.” 

Comentando a situação atual do audiovisual no Brasil e o que diria para alguém que está se introduzindo na área do audiovisual, com enfoque em animação, César chama a atenção para o momento difícil que o audiovisual tem passado com o governo atual, mas também destaca produções que vêm acontecendo apoiadas por canais de streaming e TV, sem depender de um incentivo governamental. Ressalta também os desafios de fazer Animação, o que a princípio pode parecer algo maravilhoso, “bonitinho”, mas que exige muito trabalho e dedicação, para muitas vezes apresentar um resultado final muito pequeno. “É um processo muito custoso. Ao mesmo tempo, é muito gratificante.”

César destaca a preocupação em atingir um público mais amplo com o longa. “Eu não queria fazer um filme fechado só pro cara de 40, 50 anos que lia Chiclete com Banana. Então a gente foi tentando não ser didático, mas deixar palatável para que a pessoa entre e conheça quem é o Angeli (…) e esse universo dele. (…) Claro que é difícil a gente saber o limiar pra não passar a mão e fazer um filme que fica muito explicativo, mas tivemos um cuidado.” Foi quando o longa estreou no Festival de Annecy que ele recebeu o primeiro feedback de alguém de fora, que o fez saber que o filme havia dado certo. Foi de uma estudante vietnamita da Escola Gobelins, a maior escola de animação da França, que escreveu um texto para o diretor, que trocando ideia com ela, e vendo que tinha entendido a narrativa e quem é o Angeli, percebeu que o projeto tinha realmente dado certo.

Você tem alguma tira favorita do Bob Cuspe?

César: “Tem uma muito boa em que o Bob Cuspe ‘tá’ no meio do cinema, e que ninguém ‘tá’ perto dele, sabe? Acho que o Bob Cuspe – Nós Não Gostamos de Gente, representa um pouco essa imagem, porque as pessoas ficam meio com medo da figura dele na cena. (…) O Bob Cuspe não é um personagem que fala muito, ele vai lá e cospe, dá porrada nas pessoas, no sentido não-físico, mas tá sempre ali peitando, é muito boa”.

Se você pudesse escolher três pessoas para trabalhar em um filme, vivas ou mortas, quem você escolheria e por quê?

César: “Pergunta difícil essa hein…. Tim Burton é um cara que eu gosto muito, o universo que ele cria, pensando com foco em animação. (…) Gosto muito do Wes Anderson também, como diretor e com a aproximação com a animação que ele tá cada vez mais. É um cara que vem do live, e tem um universo muito particular na forma de filmar. Pô, quem mais? Acho que uma delas seria o Angeli mesmo, que eu me aproximei e que eu acho que de certa forma era uma grande referência sempre na minha formação, então eu acho que uma eu consegui assim que seria trabalhar com o universo dele. Gosto muito do Crumb também, que seria um deus desse universo underground dos quadrinhos”.

E se você pudesse levar três filmes para uma ilha deserta, quais seriam?

César: “Vou falar dos filmes que eu gostava e gosto muito ainda. Os Incompreendidos é um filme que eu gosto muito do Truffaut, vi muitas vezes… Claro que meu trabalho não tem nada a ver com ele, com esse universo do Truffaut, mas é um filme de formação. Falei do Cães de Aluguel, gosto muito de Pulp Fiction mas gosto muito de Cães de Aluguel, se fosse pra colocar um filme do Tarantino (…), Clube da Luta é um filme que eu gosto também. Gosto bastante. Mas falando sem pensar muito assim, certamente teriam outros tantos”. 

Você tem algum filme nacional favorito?

César: “Tenho, alguns… Mas um que eu gosto muito é Bangue-Bangue, do Andrea Tonacci. Eu acho o filme foda demais. O Bandido da Luz Vermelha do Sganzerla também é outro filme que pra mim marcou muito, inclusive o próprio Dossiê Rê Bordosa bebe muito naquela construção de investigação de uma certa maneira jornalística, uma rádio que faz esse jornalismo espreme-sai-sangue, (…) o Dossiê é muito construído dessa forma, e veio muito do próprio Bandido da Luz Vermelha”.

Chegando ao fim da entrevista, o diretor falou sobre o espírito punk presente em Bob Cuspe, e sua relevância hoje. “A gente não quer falar só de um mundinho fechado que foi passado. Eu acho que o filme é pro jovem de hoje. A gente fala de punk, mas o punk é em um sentido amplo. O punk é uma postura do jovem perante esse mundo, perante o mundo que virá. A gente está sempre em um embate, o jovem tem esse papel de não aceitar esse mundo estabelecido. Se ali é o punk, talvez o punk hoje é essa postura que permanece. De certa forma, é universal. Estou muito feliz com o resultado, que é muito gratificante mesmo.” 

E para a alegria daqueles que perderam as sessões do longa na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o filme estreou nos cinemas no dia 11 de novembro, levando sua postura punk para várias capitais do país, e permanece em cartaz até a publicação desta entrevista.

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Caroline Campos

Foi durante o governo de Fernando Collor que, em 1990, a Embrafilme, principal órgão de financiamento, coprodução e distribuição de filmes no país, foi extinta. O resultado não demorou para chegar e, sem incentivos fiscais, o Cinema brasileiro foi quase totalmente eliminado na época, quando cerca de apenas 3 longas-metragens chegavam às telas por ano. Com uma reestruturação gradual através de novas fontes de recursos, como a Lei de Incentivo à Cultura, em 1991, e a Lei do Audiovisual, em 1993, a produção cinematográfica nacional foi recuperando o fôlego e, hoje, chamamos essa fase regenerativa de Cinema de Retomada, entre 1995 e 2002.

Mas para que toda essa história? Hoje, o Persona Entrevista traz um dos cineastas que participaram dessa avalanche de novos filmes sedentos por vida. Ao lado de Paulo Caldas, Lírio Ferreira dirigiu o primeiro filme pernambucano em quase 20 anos sem produções no estado. Baile Perfumado, de 1996, traz um Lampião pop em uma narrativa influenciada pelo manguebeat, recriando as fotografias de Benjamin Abrahão do cangaceiro e seu bando. 25 anos depois, sob a sombra de um outro aniquilador cultural na presidência, Lírio comenta sobre a estreia de Acqua Movie em meio à pandemia e a importância da resistência artística durante o desgoverno Bolsonaro.

O sertão sempre foi protagonista na filmografia de Lírio Ferreira. Além de Baile Perfumado, Árido Movie, de 2005, também visitou as paisagens semiáridas de Pernambuco para acompanhar Guilherme Weber em uma narrativa de ‘excesso de informação e falta d’água’. Agora, em 2021, Ferreira estabelece uma “extensão kardecista” dos acontecimentos que dirigiu 16 anos atrás com Acqua Movie, que chegou aos cinemas em junho retratando a influência da água de transposição do rio São Francisco na secura sertaneja. O longa traz Weber de volta no papel de Jonas, mas o protagonismo fica a cargo de Alessandra Negrini e Antonio Haddad. 

Por que você quis revisitar Árido Movie depois de 16 anos?

Lírio: “O Árido Movie é um filme que eu tenho muito carinho na minha vida. Representa muito um momento da minha vida, tenho muitas memórias afetivas do filme. Eu acho que nunca mais vou fazer um filme, na minha concepção, tão belo e tão imperfeito. Não imaginava revisita-lo assim naturalmente, mas aí uma vez o acaso me colocou no sertão. Eu me esbarrei com as obras de transposição do rio São Francisco e tive um alumbramento que algumas portas eu poderia revisitar ali. Pensei, a princípio, em uma coisa mais normal, que seria uma continuação clássica, porque eu vi aquelas obras de transposição e eu percebi uma certa utopia, uma possível utopia da água que, no Árido Movie, era uma coisa meio ‘excesso de informação falta d’água’ e, de repente, tinha isso ali; uma esperança de água que fosse inatingível, mas estava ali e eu me senti no impulso de revisitar.” 

“A princípio, deu uma coisa clássica mesmo, mas com o tratamento, com a pesquisa, com a entrada dos roteiristas, o Marcelo Gomes, o Paulo Caldas, as provocações, as pesquisas em campo, o filme acabou passando a ser uma extensão. Mudou o foco, acho que a água trouxe o personagem feminino da Alessandra pro filme, a maternidade do Antonio, que virou um spin-off da barriga final da Giulia Gam em Árido Movie, e acabou virando, ao invés de uma continuação mais cartesiana, mais clássica, acabou virando uma extensão mais kardecista, mais espiritual, em que os personagens estariam ali em essência e alma, mas não necessariamente os mesmos atores e os mesmos nomes de personagem. ‘É e não é, mas está sendo’, como diria Celso Martinez.”

“O sertão tem aquele tempo dele”

Acqua Movie começou a ser filmado em São Paulo e, depois, viajou diretamente para as cidades de Salgueiro, uma das pontas do Polígono da Maconha – onde se produz a melhor maconha da América Latina, brinca o diretor –, Cabrobó, Belém de São Francisco e Santa Maria da Boa Vista. Lírio reforça que filmar em estradas, ainda mais no sertão, é um desafio e tanto. “Não é um lugar muito confortável, digamos assim. Um lugar muito quente, um sol muito forte, a natureza é muito presente, muito selvagem, inóspita, muito agressiva até certo ponto, né, muito inseto e enfim”, conta Ferreira, que também agradece à equipe e ao elenco por o ajudarem a enfrentar o desafio. No entanto, para o cineasta, não há nada que simbolize mais o Cinema brasileiro do que a região. 

Lírio: “E por mais que o sertão tenha essa primeira imagem que você tem né, a primeira imagem mais seca, mais árida, mais inóspita, essa coisa toda que se tem, eu quando vou ao sertão me bate de uma maneira diferente. Na verdade, eu meio que subverto essa história, porque eu sempre acho o sertão extremamente fértil, acho o sertão extremamente poético, eu acho o sertão extremamente solidário. O sertão é um povo, a geografia, me encanta de uma maneira e me toca de uma maneira muito especial, e o tempo no sertão passa de uma forma muito diferente. O tempo das pessoas, o tempo da paisagem, então é o que você falou mesmo, é contemplar, é ligar a câmera e esperar o momento certo que vai aparecer e tentar criar uma mise-en-scène, uma dramaturgia no meio desse cenário simbólico, cenário que é o mais simbólico e mais profundo do Cinema brasileiro.”

Na trama, a personagem de Negrini é uma documentarista engajada na defesa dos direitos dos povos indígenas. Quando se aventura com o filho em uma viagem até Nova Rocha, interior de Pernambuco, se depara com a violência com que essas comunidades são tratadas, principalmente pela quadrilha de Múcio, prefeito da cidade interpretado por Augusto Madeira. “A gente joga aquela trajetória ali e é um território que eu acho muito bacana de você trazer isso para dar uma visibilidade a essas nações indígenas do Nordeste. Todo mundo tem essa ideia da Amazônia, do Xingu, mas temos nações indígenas fortes e históricas no Nordeste. Então, acho que o filme traz um pouco da questão da briga pela terra que ainda existe, até hoje é secular, tanto com os agricultores quanto com povos indígenas e dá visibilidade nessas nações importantíssimas na construção daquele pedaço”, rebate Lírio. Acqua Movie contou com a participação do povo Truká e do povo Pankararu.

Você explora o sertão em boa parte da sua filmografia. O que mudou desde Baile Perfumado, lá em 1996? O que mudou, não só no sertão, mas na sua própria visão desse cenário?

Lírio: “No sertão o tempo é diferente, né. Não muda muito. Dá pra perceber que quando eu fui filmar lá pela primeira vez, eu tinha o cabelo preto até aqui, a barba era feita, não tinha óculos, etc e tal. O tempo foi passando, o sertão muda em um tempo diferente do meu, ainda bem. O sertão ainda tem as mesmas contradições, os mesmos paradoxos que tinha naquela coisa do Árido Movie. Chegou a modernidade, a internet, a fibra óptica, o celular, mas a água não chega. Tem esse conflito ainda. Enquanto isso, a minha barba ficou branca, os cabelos não estão tão… [risos] já foram pintados também, mas o sertão tem aquele tempo dele. Um segredo, um enigma muito forte, mas muita poesia. Uma coisa é sempre ter respeito por aquele lugar. Eu me sinto muito bem, e tento me conectar com esse tempo que é diferente do meu, mas que se move. Ele não tá parado não. Ele pode estar se movendo no tempo dele, mas ele está em movimento. Sempre em constante mudança.”

“Primeiro veio o verme, depois o vírus”

É impossível falar sobre Cultura em 2021 sem mencionar Jair Bolsonaro. O presidente tem como plano de governo, desde que assumiu o cargo em 2019, o desmonte do setor – mesmo que a indústria audiovisual brasileira seja a quinta maior atividade econômica do país, responsável por mais de 330 mil empregos. Para Lírio, Bolsonaro não consegue conversar nem conviver com o que o contradiz. “Ele não consegue entender, ele só consegue exterminar. (…) Mas eis que burro e tapado do jeito que ele é, não sabe que a gente tem uma coisa que é a resistência. A gente é muito mais forte do que isso, é ele que é passageiro”, ressalta o diretor.

E em meio a tanta imparcialidade, a tão pouco posicionamento de artistas e influencers, Lírio é certeiro ao afirmar: “estar em cima do muro é estar do outro lado do muro”. Em uma pandemia que já acumula mais de 500 mil mortos, onde 400 mil poderiam ter sido salvos pela resposta de um e-mail, o silêncio diz muito, seja ele em vida ou em morte. “É muito dificil, hoje em dia, você dialogar com uma pessoa que é adepta à tortura, que o maior ídolo do cara é um torturador. (…) A gente tá vivendo essa dupla onda, né. Primeiro veio o verme, depois o vírus. Então, lançar filme é resistir”.

No entanto, a estreia de Acqua Movie nos cinemas – que era para ter acontecido ano passado – durante o isolamento só se deu por conta das obrigações e compromissos legais que o filme possui e que, se ignorados, podem tornar a distribuidora e produtora inadimplentes. “A gente tem plena consciência de que o filme não vai gerar aglomeração. Quem tiver com condição e segurança total, assiste. Quem não, fica em casa com mais segurança e espera o filme passar no streaming”, explica o cineasta, já que, para o longa poder chegar aos serviços de streaming, ele precisa, antes, ter sido lançado nas telonas.

Como Acqua Movie, então, se relaciona com o Brasil atual, mudando da paisagem  semiárida para um sertão que jorra água?

Lírio: “Quando eu tive esse alumbramento, por assim dizer, a gente ainda tava no meio daquele paraíso, numa sequência de governos que tinham uma visão mais progressista, mais humanista. E, de certa maneira, bem ou mal, queria consertar algumas coisas na construção dessa sociedade brasileira, que é muito errada, muito equivocada e mal feita. (…) O roteiro foi feito em 2016 e a gente filmou em 2017. Existia só uma leve ameaça, mas jamais passaria na minha cabeça que aquela ameaça que pairava no ar viria a se concretizar. Era uma coisa folclórica, um louquinho ali que tinha seus 10% de pessoas que acreditavam naquele discurso equivocado e não passaria disso. E o filme foi filmado e montado e foi quando o personagem, essa persona que infelizmente assumiu o país, foi  crescendo, mas o filme ficou pronto antes da eleição dele.”

“Mas aí a gente percebe, na verdade, que aquilo tudo, apesar da gente ter tido esse sopro de esperança em algumas propostas, sempre existiu no Brasil, né. Ou tava debaixo do tapete ou tava adormecido, mas tava ali. E quando você tem esse fascismo, essa falta de humanidade, toda essa perversidade que é o momento que a gente tá vivendo, agora sobretudo em um contexto de pandemia, a gente vê que tava tudo ali. (…) Então, acho que o filme, infelizmente, conversa ainda com essa situação que a gente tá vivendo hoje e com outras camadas também, como a briga pela terra, uma terra que pertenceu àquelas nações indígenas daquele território sagrado onde a gente filma, que é na região do São Francisco. (…) E aí a gente traz tudo isso que infelizmente ainda é atual e contemporâneo e o Cinema, meu Cinema, que eu acredito, que eu exercito, vem pra denunciar e pra contextualizar essas desigualdades e essas infelicidades que ainda permeiam nossos caminhos.”

Se você pudesse citar três filmes e três diretores nacionais, quais seriam?

Lírio: “Eita… que coisa! Fica difícil. Vou tentar botar assim que talvez um represente vários, por exemplo. Eu tenho uma admiração muito grande por Cinema Novo, então vários eu poderia citar aqui, mas uma pessoa que tá ali presente, que eu trabalhei e tenho um carinho muito grande, eu cito Ruy Guerra, Os Fuzis. Um filme seminal. Acho Ruy Guerra um diretor, como diria meu amigo Cláudio Assis, do caralho. Ele tem 90 anos com um espírito jovem absurdo nos filmes deles. Seria o primeiro. Ali da minha geração… caramba, como é que eu posso fazer isso? Vou falar de um e o outro vai ficar chateado, né, mas enfim…”

“Vou citar Beto Brant, um amigo querido de geração, que faz um Cinema que eu adoro e aprendeu na mesma época que eu. A gente foi sócio no Sangue Azul, e [escolho] Os Matadores, que é o filme da minha geração que eu gosto muito e representa todos esses – Paulo Caldas, Cláudio Assis, Marcelo Gomes, Heitor Lacerda, Natara Ney, Renata Pinheiro. E dos jovens, eu vou falar que assisti um filme que não consegui assistir no cinema, também teve esses problemas de lançamento, o filme da Maya Da-Rin, A Febre. Um filme fantástico, incrível. Conheci ela há um tempão atrás e realmente achei o filme formidável, incrível, com um olhar super sensível e novo. Me penou no bom sentido. Então seriam três pessoas, assim cada uma numa geração, representando.”

Quais são seus próximos planos?

Lírio: “É poder sair na rua sem máscara, abraçar o povo, brincar carnaval, dar beijo de boca, fazer um monte de coisa louca, esse seria meu próximo desejo. Mas é o filme do Cafi mesmo que eu tô fazendo com Natara Ney. É o filme de um fotógrafo pernambucano, maravilhoso, amigo, querido, e fotógrafo de várias capas de disco e vários momentos. Cafi fotografou muita gente e é um documentário que eu venho dirigindo com Natara que tá quase pronto e, quando a gente tiver outra possibilidade, a gente vai tá junto de novo.”

Acqua Movie passou pela Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, pelo Festival do Rio e pela Mostra Ecofalante de Cinema.

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Caroline Campos

A 17ª edição do Festival de Cinema Fantástico de Porto Alegre, que ocorreu no último mês de abril, rendeu o acesso a muitas obras internacionais até então inéditas no Brasil. Depois da cobertura do Fantaspoa XVII pelo Persona, o quadro de entrevistas do site retorna para conversar com Felipe M. Guerra, o diretor de um dos filmes mais comentados do evento: Entrei em Pânico ao Saber o que Vocês Fizeram na Sexta-Feira 13 do Verão Passado. 

No aniversário de 20 anos do longa, Guerra, também jornalista, conta um pouco sobre seu processo de criação e a recepção do público durante o Fantaspoa, que marca a primeira vez que o filme foi disponibilizado online e sem restrições. Simpático, o gaúcho ainda comenta sobre a relação do Cinema com as novas tecnologias e o papel da arte independente. Sentiu saudade do Persona Entrevista? Então, acompanhe abaixo o papo que tivemos com o responsável por um dos maiores mitos do cinema amador.

Entrei em Pânico… é fruto de outra era tecnológica. Felipe, com seus 30 anos de carreira e 41 de vida, lembra das dificuldades de se produzir cinema independente no mundo analógico, decorrentes da baixa qualidade de imagem, som e dos processos mirabolantes de edição e montagem de um filme. “Tudo era um pouquinho mais difícil, mas, ao mesmo tempo, mais desafiador. (…) Naquela época, para se gostar de Cinema, tinha que gostar muito”, brinca o cineasta, relembrando das videolocadoras e comparando com a facilidade dos dias de hoje, onde um filme pode ser disponibilizado em diversas plataformas e difundido pelo Brasil. 

Ainda por cima, quando o então presidente Fernando Collor extinguiu a Embrafilme, fazer Cinema virou coisa de rico. Felipe e outros interessados em realizar seus próprios filmes precisavam se virar com o que estava disponível, como a câmera VHS. “Para você querer fazer filme com VHS, você precisava gostar muito de Cinema e não ter dinheiro algum”, conta o gaúcho, que então resolveu juntar os amigos e dar vida às suas obras. Além do VHS, o diretor já filmou em câmeras digitais, semiamadoras e, por enquanto, só falta o 4K. “Nunca consegui ficar rico nem ir para a Globo fazer novela, mas me diverti muito nesses quase 30 anos de produção independente”. 

A relação entre Felipe Guerra e o Fantaspoa não é de agora. O gaúcho já estreou muitos de seus filmes no Festival e possui obras produzidas pelo Fantaspoa Produções. A amizade rendeu a ideia de reeditar seu longa Canibais & Solidão, que comemora 15 anos em 2021. No entanto, o vigésimo aniversário de Entrei em Pânico ao Saber o que Vocês Fizeram na Sexta-Feira 13 do Verão Passado falou mais alto. “Eu ofereci para eles e eles ficaram fascinados, já que o Fantaspoa nem existia quando o filme foi lançado em 2001”, comenta Guerra.

No mundo pré-internet, Felipe lembra que, para vender suas fitas, era necessário enviá-las por correio. “Eu tive muita sorte. Apesar do filme ter sido feito nessas condições difíceis, a mídia em geral se interessou por ele, tanto pelo título quanto por ter sido feito em uma cidadezinha do interior”. Na época, Carlos Barbosa, localizada no Rio Grande do Sul, contava com cerca de apenas 15 mil habitantes. O filme se tornou uma pauta ambulante, fruto do imaginário popular e, logo, era uma das obras independentes mais conhecidas do Brasil – e menos vistas, já que o público não possuía acesso sem a compra da fita.

Mesmo com a repercussão gigantesca de Entrei em Pânico…, que o custou R$ 250,00, Felipe confidencia que não gostava muito de sua produção. Agora, por conta do carinho da nova geração pela obra após o Fantaspoa XVII, ele aprecia um pouco mais seu terror-comédia gaúcho. “Foi realmente inesperado. Eu jurava que o filme ia ser uma piada de mau-gosto”, zomba o diretor, que se diz emocionado com o burburinho e conta que respondeu resenha por resenha na página do Letterboxd da obra.

Após a reedição do longa de 2001, que ganhou o nome de Redux, muitos minutos do original foram cortados. “O filme original era horrível. (…) Quando eu percebo, o filme tá com 70 minutos já e nem começou a morrer gente. Aí eu acelerei o restante, então nossa, era muito ruim aquilo”, comenta Guerra no meio de risadas, mas afirma que redescobriu sua obra depois desses vinte anos, relembrando cenas que foram retiradas e esquecidas na memória. Para Felipe, sua versão Redux tem um quê de redenção, com um ritmo melhor depois da edição no computador e muita nostalgia em assistir seus amigos e família tão novinhos.

Depois que surgiu a franquia Pânico nos anos 90, Felipe e seus amigos, acostumados com a violência dos slashers da década anterior, ficaram frustrados com o fato de haver pouco sangue na obra. “Entrei em Pânico… surgiu dessa ideia: vamos brincar com Pânico, mas pegando esse espírito dos slashers dos anos 80”. As referências são muitas, como o próprio vilão abrasileirado Geison, que homenageia Jason Voorhees, e o hilário “Olá, Cinthia” no começo da trama.

Apesar do reconhecimento pela paródia de 2001, Guerra, que tem Robert Rodriguez como guru, é responsável por uma filmografia variada e criativa. Uma de suas estrelas é a avó de 90 anos, Dona Oldina do Monte, que protagoniza o documentário curta-metragem Dona Oldina – A Fernanda Montenegro Trash e Dona Oldina Vai às Compras, curta mais recente do cineasta. Como uma vovó fazedora de tricô foi parar atuando nos filmes trash do neto? Felipe conta que, em 1995, O Quatrilho, de Fábio Barreto, filmou algumas cenas na região onde a família morava, e Dona Oldina acabou conseguindo uma palinha como figurante. 

“Ela já era uma estrela da Globo quando eu comecei a trabalhar com ela, mas foi contaminada por esse vício quando eu comecei a fazer meus próprios filmes”, revela o diretor, com muito afeto pela avó. Dona Oldina sempre comenta que participar das aventuras nas telas a salvou da depressão, depois que o marido, avô de Felipe, morreu. Extremamente carismática na frente de uma câmera, Oldina ganhou uma sobrevida com os filmes e topa tudo pelo Cinema, inclusive possui um papel exclusivo em Entrei em Pânico… parte 2, disponível no YouTube.

Analisando a própria filmografia, Felipe M. Guerra conta o processo criativo por trás de Blanket, curta de 2014 com apenas 3 minutos. Ao lado da então namorada, atual esposa, Daniela, o gaúcho filmou sua obra em apenas meia hora no corredor sombrio do hotel em que estava hospedado. “Eu gosto de citar o Blanket como um exemplo de que não há mais desculpas para você não fazer filme. (…) Se não ficar bom, você não gastou dinheiro”, reforça o diretor, incentivando, sempre, o Cinema feito em casa – ao final de Entrei em Pânico…, a mensagem de que “fazer os próprios filmes é divertido” aparece na tela logo antes dos créditos.

Infelizmente, a produção de filmes de terror no Brasil é escassa e, muitas vezes, mal recebida. Com um público difícil, Felipe afirma que prefere fazer a mescla com a comédia, em um terror mais satírico a fim de atingir uma parcela maior. “Eu sempre quis chegar num público maior, não só fãs de terror, mas filmes que minha mãe pudesse assistir, por exemplo”. O objetivo, na visão do diretor, é conseguir se divertir, mesmo com um susto ou outro, já que o espectador brasileiro ainda possui muito preconceito com o próprio Cinema no geral. “Tem público que acha muito esquisito ver gente falar português em filme de terror, e esse argumento é tolice, porque depois essa pessoa vai assistir o estrangeiro dublado”, rebate Guerra.

A situação ainda se agrava pela dificuldade de produzir e conseguir retorno pelas obras. Para o diretor, o principal problema hoje é como monetizar as produções, já que, com o fim iminente da mídia física, é mais complicado gerar algum dinheiro de filmes autofinanciados, até porque não se consegue colocá-los em plataformas de streaming. “O amor ao Cinema vai até certo ponto, mas, depois que você gastou um monte do seu dinheiro nisso, já não dá mais”, lamenta. Felipe vê muitos amigos e realizadores independentes desistindo da carreira, pois, além de não conseguirem incentivo dos raros editais que são disponibilizados, também não conseguem vender as obras. “Uma hora você tem que pagar suas contas”.

Com tristeza, Felipe lamenta pelo tratamento indiferente que José Mojica Marins, o Zé do Caixão, recebeu durante a vida. O Rei do Terror no Brasil, que ganhava dinheiro em bingos, só passou a ser reconhecido quando foi notado pelo estrangeiro. “As pessoas lembravam dele como uma piada. Ele se tornou uma figura folclórica, mesmo sendo o cara que introduziu o terror no Brasil. Um pioneiro”, afirma o cineasta, retomando as obras que passaram pelo Fantaspoa XVII, como O Cemitério das Almas Perdidas, de Rodrigo Aragão, e Dois Minutos Além do Infinito, do japonês Junta Yamaguchi. 

Finalizando a conversa, Felipe M. Guerra enfatiza que o papel do cinema independente é contar as histórias ignoradas pelo mainstream, pelo Oscar e pelos cinemas de shopping. “Eu fico me perguntando ‘como é que esse filme não estourou?’, mas ele não chega a um público maior”, comenta o diretor, afirmando que gosta e acompanha produções hollywoodianas também, mas só encontra a originalidade no cinema independente. “Hoje, com a internet, o céu é o limite. Você tem um mundo de coisas para ver”. 

Em decorrência do sucesso de público, Entrei em Pânico ao Saber o que Vocês Fizeram na Sexta-Feira 13 do Verão Passado ficou disponível por mais uma semana após o encerramento do Fantaspoa XVII.

Quais são seus três filmes de terror favoritos?

Felipe: “Nossa, que pergunta difícil! (risos) Então vamos fazer assim, três filmes que eu gosto muito, tô sempre revendo e acho que todo ser humano deveria ver. O filme que me fez gostar de cinema de horror: Um Lobisomem Americano em Londres [1981]. É o modelo que eu sigo para meus filmes, ele é super terror quando tem que ser e é engraçado quando não precisa ser assustador. (…) Foi o primeiro filme de horror que eu vi quando era criança e me marcou muito. Depois, O Massacre da Serra Elétrica [1974], porque provavelmente foi uma das vezes que o cinema foi mais sujo, mais bárbaro, violento. No filme original, parece tudo verdade, que as pessoas tão morrendo mesmo. Parece um documentário. (…) E, para mim, o filme de terror perfeito O Enigma de Outro Mundo [1982], do John Carpenter. É um filme sobre isolamento, paranóia e tá super atual. Os efeitos, todos práticos, são muito bons, você assiste hoje e não diz que é um filme de 82. Esses três [filmes] são obrigatórios”. 

E três cineastas?

Felipe: “Os meus três preferidos de todos os tempos são: [Quentin] Tarantino, gosto muito da maneira como ele resgata esses filmes antigos e faz muita gente mais novinha procurar sobre eles. Acho um serviço ao Cinema isso que ele faz (…); John Landis, porque é um cara que, pra mim, melhor soube dosar essa coisa do horror e da comédia. Pode procurar tudo dele porque ele é um diretor que só tem filme bom; e o terceiro, eu até diria que é meu preferido, é o Jesús Franco, um diretor alternativo, e ele fez mais de 200 filmes na vida dele. Um cara que fazia cinco, seis filmes por ano. Tem muita coisa péssima e muita coisa genial. Gosto tanto que é o nome do nosso gato. (risos) Ele me inspirou muito. Gosto dessa coisa de ser criativo e reciclar seu próprio material”. 

Quais são seus projetos futuros?

Felipe: “Gostei muito da experiência, então quero reeditar o Canibais & Solidão. Eu tenho documentários para editar, coisa que eu filmei no Fantaspoa. Um documentário sobre o Roger Corman, que eu mencionei. Também um documentário sobre mulheres realizadoras do cinema de horror, que a gente filmou em quatro anos a fio, com todas as mulheres que vinham ao Fantaspoa, a gente entrevistava. Então tem muito material, e estamos até pensando em transformar em uma série. Mas, filmar filmes novos eu não tenho planos pra tão cedo, por conta das dificuldades, envolve dinheiro, meus atores familiares e amigos estão desistindo dessa vida, porque perceberam que não vão ficar famosos. Mas uma coisa que eu queria fazer e, quem sabe, faça, é Entrei em Pânico parte 3. Seria um fechamento em ciclo, o primeiro foi filmado em vídeo, o segundo em vídeo digital e o terceiro eu queria fazer em full HD, porque ia mostrar todas as etapas do cinema independente brasileiro. Eu realmente queria fazer pela piada (…) Não sei se vou conseguir fazer, mas seria divertido”.

Para acessar as obras de Felipe M. Guerra, clique aqui.

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Caroline Campos

Fechando definitivamente a cobertura da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o Persona apresenta hoje uma conversa com o simpaticíssimo Lemohang Jeremiah Mosese, que conta um pouco sobre como enxerga seu trabalho de cineasta e a importância da unificação entre as pessoas como força política.

Responsável pelo magnífico Isso Não É um Enterro, É uma Ressurreição, que discute a perda e o luto no processo de resistência, o diretor lesotiano ainda relembra seu trabalho com a falecida Mary Twala e revela os motivos pelo qual espera ansioso pela nova geração ainda não nascida. 

A caminhada para chegar até a ideia de Isso Não É um Enterro, É uma Ressurreição, melhor filme exibido no festival paulistano, foi longa. “Esse filme representa todo conflito que eu tive e tenho desde a minha adolescência”, revela Lemohang Jeremiah Mosese. Para ele, questões como espiritualidade, os tempos em que vivemos, a morte e o sofrimento no mundo sempre o perturbaram e o fizeram refletir. “Eu não estou interessado em respostas. Estou interessado em perguntas”.

O título extenso e elaborado da obra parte do interesse do cineasta em se afastar da imposição de significados e tornar tudo mais abstrato. “Eu gosto da ideia de um material tão abstrato que as pessoas conseguem interpretar de diferentes formas, sem respostas certas ou erradas”, comentou Mosese, já que seu filme anterior Mother, I am Suffocating. This is My Last Film About You (Mãe, Eu Estou Sufocando. Esse É Meu Último Filme Sobre Você, em tradução livre) também conta com um grande número de palavras. O lesotiano destacou que, para ele, suas ideias e o que elas significam não importam. “Eu não sou nada. O trabalho está além de nós, além de minhas pequenas ideias”, enfatiza.

O foco de Isso Não É um Enterro, É uma Ressurreição está em Mantoa, uma viúva que, mesmo passando por um dolorido processo de luto, decide lutar pela sua vila que será alagada pelo governo. Mary Twala Mhlongo, que interpreta poderosamente a protagonista, foi mais uma vítima de 2020, nos deixando em julho aos seus 80 anos. “Ela [Mary] era inacreditável, uma linda alma. Sou feliz e honrado em ter trabalhado com ela”, declara o cineasta enquanto relembra o processo de trabalhar com Mary, que sempre se permitia ir mais fundo em sua interpretação. “Você não finge algo a ver com a morte, você não consegue. (…) Só pode vir de um sentimento verdadeiro em saber o que é perda e o que é luto”.

A narração de Jerry Mofokeng, o tocador de lesiba que zomba dos personagens durante o longa, também foi levantada por Mosese, que afirma ser uma de suas partes preferidas do filme. “Eu pretendia escrever sobre essa zombaria, como se ele estivesse tirando sarro dos vivos. (…) Eu costumava escrever poesia, uma muito ruim por sinal, então escrever esse monólogos me faz retomá-las e traz o que sinto no momento”, brinca o diretor. 

E quando se trata desse momento atual, Lemohang não poupa críticas à situação política do mundo. “Brasil, Estados Unidos, Lesoto. Estamos sob a liderança dos idiotas”, desdenha o lesotiano, que acredita não ser possível separar a natureza do ser humano da política, mesmo se não receber o rótulo de “ativista”. Levando em consideração o ato de resistir, que participa ativamente de Isso Não É um Enterro, o cineasta afirma que não pretendia fazer um filme político, mas, visto que ele é um produto de seu tempo, todos se tornam ativistas. “Eu sou um produto desse caos, dessa tragédia, então tudo que resulta disso eu acredito que seja resistência. Esses tempos pedem resistência”.

Sobre sua geração, Mosese é pessimista. “Eu acredito que nós falhamos. Não há esperança para ela, e eu espero a geração que ainda vai nascer. Nós somos corrompidos e não vemos mais beleza, porque estamos acostumados com o errado, com a morte”, lamenta. Talvez seja esse o motivo para o rosto marcante de uma criança ser o foco do final de sua obra.

Finalizando a conversa, Lemohang Jeremiah Mosese ainda comenta sobre o Brasil e arrisca um português. “Eu nunca fui ao Brasil, mas na minha cabeça eu já estive aí antes”, brinca o diretor. Sobre seu filme preferido, Mosese afirma que não conhece muito da filmografia brasileira, mas gosta muito de Cidade de Deus, de Fernando Meirelles e Kátia Lund, e Terra em Transe, de Glauber Rocha. “Assisti Bacurau no Mubi também, foi uma viagem divertida”.

Por que você escolheu o formato 3:4 para o filme?

Lemohang: “É porque eu estava evitando a beleza, muita beleza. Meu país é um lugar muito bonito e poderia cair na classificação de um filme pitoresco. (risos) Eu queria focar na beleza como um personagem”.

Se você pudesse trabalhar com três pessoas, mortas ou vivas, quem seriam?

Lemohang: “Nietzsche, James Baldwin e… eu gostaria de trabalhar com João Batista, mas na noite antes dele ser decapitado”.

Quais são seus próximos passos depois de Isso Não É um Enterro?

Lemohang: “Estou escrevendo alguns filmes. Meu novo trabalho também tem um narrador. (…) Estou trabalhando em exibições de vídeo, uma será aqui em um museu de Berlim e a outra em colaboração com o festival de Roterdã”.

Isso Não É um Enterro, É uma Ressurreição foi o escolhido pelo Lesoto para concorrer a uma vaga no Oscar pela primeira vez.

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Caroline Campos e Vitor Evangelista

Como é que um diretor nascido no Irã e atual residente do Canadá acabou estreando na ficção fazendo um filme em espanhol na Bolívia? Bahman Tavoosi, o tal cineasta, esbanja talento e versatilidade. Ainda na leva de entrevistas provindas da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Tavoosi é o foco do texto de hoje.

Realizador do estupendo Os Nomes das Flores, filme sensível que usa a figura de Che Guevara para debater legado e memória, Bahman conversou com o Persona sobre as influências que angariou ao longo de sua jornada na área, além de revelar, com exclusividade, qual o sabor da quase mítica sopa que Che provou antes de sua morte.

Quando Bahman Tavoosi viu a foto de um já sem vida Che Guevara, o diretor não teve dúvidas da força daquele momento e daquela imagem. “Era a figura do séc. XX que eu gostaria de abordar, aprender mais e encontrar um jeito de contar sua história”, explica o cineasta que, alguns anos depois, viajou a Santa Cruz de La Sierra, cidade boliviana onde Che foi morto, para iniciar seu projeto. O filme, que alegoriza a morte do líder político, vai muito além de uma cinebiografia comum.

No entanto, o foco de Os Nomes das Flores não é o guerrilheiro revolucionário em si, mas a professora, interpretada por Barbara Flores, que lhe ofereceu um prato de sopa no fim de sua vida. Deixamos de lado o Che como indivíduo para entendermos, na verdade, o seu legado. “Você não vê a figura do homem nem ouve seu nome muitas vezes, e isso é, de certa forma, uma mudança de abordagem para contar uma história que já foi contada muitas vezes antes”, é o que conta Tavoosi, que quis a garantia de que sua narrativa fosse para uma direção completamente diferente.

Barbara Flores carrega todo o poder histórico e emocional que envolve o filme, e para Bahman, foi uma decisão difícil ter uma protagonista com uma idade tão avançada – foi, inclusive, a primeira vez que Flores atuou. A intérprete da professora, que é uma vendedora de produtos no mercado, não foi a única novata, já que “99% do elenco eram não-atores”. Bahman não é novo no ramo de trabalhar com profissionais sem a experiência da indústria, considerando que ele já havia tido essa prática nos seus anos de cinema iraniano. “Quando você mistura não-atores com atores profissionais para manter a consistência e harmonia, tudo se torna mais complicado”, ele continua.

Los Nombres de las Flores, no original, foi rodado na Bolívia, no mesmo vilarejo onde Che morreu e teve seu legado celebrado. Bahman foi enfático no local de onde queria contar sua história: “não tinha como contar a história em qualquer outro lugar”, ele define, “tinha que ser na Bolívia”. Mas as gravações não vieram sem percalços, visto que, por ter seu escritório em Montreal, o financiamento teria de vir do país sul-americano, e, então, a logística foi um tanto desordenada. “Como cineastas, nós encaramos esses desafios se acreditamos no projeto, eles se tornam parte da jornada”.

E a jornada de criação de Os Nomes das Flores vem desde a infância do diretor, que enxerga na mãe, a quem o filme é dedicado, uma força para manter-se apaixonado por seus projetos e concluí-los. “Minha mãe me inspirou a permanecer devoto à protagonista”. E, junto da professora, a sopa ocupa boa parte do foco narrativo da história. Quando perguntado se já provou o alimento, o diretor se divertiu: “eu gosto dessa pergunta, ninguém nunca me perguntou isso antes”, começou, antes de confirmar que já teve o prazer de tomar a sopa.

A professora de verdade, Julia Cortez, é amiga próxima de Bahman. “Toda vez que vou visitá-la, ela é generosa o suficiente para me oferecer vinho”, ele confidencia. Na última vez que a visitou, o diretor fez a mesma pergunta: “posso provar a sopa que você fez para o Che Guevara?”, ele provou a tal sopa de maní, que nada mais é do que uma sopa de amendoim, muito típica da região boliviana. “Ela cozinhou e eu tomei, e ela me disse que é a mesma sopa que Che tomou tanto anos atrás”.

Se você pudesse escolher 3 pessoas para trabalhar junto em um filme, vivas ou mortas, quem seria e por quê?

Bahman: “Essas são perguntas difíceis. Eu não posso escolher um indivíduo específico, diretores de fotografia, diretores de arte e assim em diante. Por alguma razão minha mente não funciona assim, eu penso no cinema como um todo, a história por completo, seu futuro, seu presente e seu passado. Tendo sido educado da maneira que fui, é muito difícil apontar um único indivíduo. Meus amigos costumam ficar bravos comigo, do tipo: ‘vai lá, liste 10 ou 100 filmes que você gosta’. E para mim é muito desafiador fazer isso”.

Você tem um filme brasileiro favorito?

Bahman: “Eu vi Cidade de Deus, que acaba por ser dirigido pelo mesmo diretor de Dois Papas. Eu assisti alguns dos filmes brasileiros dos anos 70 e 80, mas eu teria que procurar os nomes. Essa foi uma verdadeira iniciação visual ao Brasil para mim, antes que eu assistisse a qualquer outra coisa”.

Se você pudesse levar 3 filmes para uma ilha e assisti-los várias vezes, quais seriam e por quê?

Bahman: “Bresson estaria lá, poderia ser A Grande Testemunha, poderia ser O Batedor de Carteiras. Eu tenho uma conexão muito pessoal com Bresson, e os filmes que eu levaria para uma ilha e ficaria isolado pelo resto da vida seriam com os quais eu tenho uma conexão pessoal, não apenas por curiosidade profissional. Então, Bresson estaria nesse meio, Antonioni também poderia. Do meu país de origem, Abbas Kiarostami estaria no meio deles. No fim das contas, seriam 3 filmes com os quais eu nutro uma conexão pessoal e humana”.

Quais são seus próximos passos depois de Os Nomes das Flores?

Bahman: “No momento estou trabalhando, ou investigando, algumas ideias para alguns filmes, e normalmente é um processo bagunçado. Pelo fato do meu escritório ser em Montreal, mas eu estou sempre viajando por causa de diferentes projetos. Toma mais tempo que um projeto comum para eu escolher uma ideia final, continuar nela e desenvolvê-la”.

Nós associamos muito a figura de Júlia com nossas avós e o que elas representam. O que você acha dessa associação?

Bahman: “Essa é uma qualidade de Barbara Flores. Ela representa todas as avós, ela tem uma forte presença de avó e uma beleza e um poder muito femininos nela”. 

 Os Nomes das Flores segue sendo exibido em festivais. 

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João Batista Signorelli 

Dando continuidade à série de entrevistas realizadas pelo Persona durante a cobertura da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, o entrevistado da vez é o diretor israelense Dani Rosenberg. Rodando festivais ao redor do mundo com seu seu segundo longa A Morte do Cinema e do meu Pai também, e inclusive marcando presença na Seleção Oficial do Festival de Cannes, o diretor compartilhou um pouco do seu processo de criação, que mistura documentário e realidade para construir um relato pessoal sobre perda e memória familiar. 

O diretor narrou sua trajetória desde sua graduação na Jerusalem Film School, passando pela produção e circulação de seu filme, chegando às dificuldades criativas decorrentes do momento atual de pandemia. De maneira muito simpática e empolgada, ele se abriu para falar tanto sobre as questões familiares pessoais retratadas no filme, quanto sobre sua paixão e influências no cinema. 

Tendo se formado há aproximadamente 10 anos na faculdade, além de curtas, Dani realizou duas séries de TV. “A televisão estava no seu pico com a chegada da HBO e da Netflix um pouco depois. Todos diziam que a televisão era o futuro, e eu queria fazer parte do futuro.” Ainda assim, não tardou muito para que ele descobrisse que sua ambição era outra: “Depois de um tempo, eu entendi que o cinema estava no meu coração, então eu voltei para fazer este filme [A Morte do Cinema e do meu Pai também]”.

Com uma narrativa metalinguística que transforma em ficção suas experiências pessoais, Dani conta como ao longo do processo de produção, ele foi encontrando a história que queria contar. “Ele foi feito em camadas, e os fatos ocorreram de modo bem parecido ao que é visto no filme.” O roteiro foi escrito para seu pai que estava com câncer e poucos meses de vida pela frente. “Meu pai viveria o protagonista junto com a minha própria família. (…) seria sobre esse homem que tenta salvar sua família de uma guerra contra o Irã”.

“Nós filmamos por alguns dias até que meu pai caiu, ele estava doente e com dor, então paramos a gravação” relata o diretor. “Depois eu parei a filmagem, eu tentei filmá-lo com a câmera que já tínhamos, mas ele não quis como você vê no filme.” Após o falecimento do pai, ele tentou novamente fazer o filme com outro protagonista, mas não via mais sentido em produzir o filme sem o pai. 

Diante da dificuldade de prosseguir com uma história, e talvez influenciado por Charlie Kaufman e seu filme Adaptação (2002), sua reconhecida fonte de inspiração, Dani resolveu transformar suas próprias dificuldades em contar uma história em história. “Então eu reescrevi o roteiro do rascunho, contando o que havia acontecido: seria sobre um filho que tenta fazer um filme com o pai adoecido, ao mesmo tempo que lida com o relacionamento com sua esposa que está para ter um filho.”. 

Perguntado sobre o processo de transformar suas próprias experiências em ficção, ele responde que mas também criou situações que ele havia imaginado com o seu pai, mas que não ocorreram realmente. É o caso da cena em que os dois encenam o assassinato de um primeiro ministro, em um momento de aproximação entre pai e filho. “Eu não tinha proximidade com o meu pai, então foi algo bom de se criar.” Além disso, também conta que tentou entender o lado e dar voz à personagem que representava a sua ex-esposa, e lhe dar voz. 

Concluído o filme, ele não sentiu como se o filme estivesse completo. “Eu não gostava do filme, parecia um círculo sem centro“, conta. “Então eu entendi que esse centro eram as imagens reais que eu gravei com o meu pai”. Passando a colaborar com a editora veterana Nili Ferrer, que trabalhou no vencedor do Oscar Valsa com Bashir, eles trabalharam com o material durante um ano para encontrar o equilíbrio entre documentário e ficção. 

Sobre a distribuição e a exibição do longa em festivais, ele lamenta nunca ter visto o filme com uma audiência, que teve exibições virtuais em festivais, e até chegou a ter algumas projeções em salas de cinema. Ele comenta a situação atual dos cinemas fechados em meio à pandemia: “Quando eu dei o título ‘A Morte do Cinema’ não era isso que eu estava esperando”, brinca. Ao mesmo tempo, Dani Rosenberg também se mostra empolgado em dialogar com o público do mundo todo pela internet, que se tornou sua única conexão com a audiência. 

Carregando referências do Cinema Iraniano, como Abbas Kiarostami e Samira Makhmalbaf, além de mestres europeus como Pier Paolo Pasolini, Dani não pretende parar com A Morte do Cinema e do Meu Pai Também. Ele já conseguiu dinheiro e tem o roteiro pronto para seu próximo projeto. Porém, diante da pandemia, sente que o texto precisa de um novo norte: “É um roteiro bem fechado, mas eu sinto que atualmente não há muito sentido em narrativas fechadas pois não parecem haver respostas, não há uma conclusão”.

A Morte do Cinema e do Meu Pai Também está sendo exibido em festivais ao redor do mundo. 

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Vitor Evangelista

Ainda no recém-nascido quadro de entrevistas do Persona, dessa vez a conversa é internacional. Jonathan Cuartas vive em Miami, se formou na faculdade de cinema em 2016 e Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir é o seu filme de estreia. Exibido na 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e ovacionado por esse que vos escreve, o longa abre uma porção de debates sobre doença, vulnerabilidade e sobre o amor familiar.

O jovem cineasta bateu um papo honesto conosco e abriu o próprio coração, contando a sensibilidade de sua criação e o que ele almejava no primeiro trabalho em longa metragem. Como de praxe, ao fim do texto temos um bate-bola mais descontraído, e Jonathan até revela seu time dos sonhos para trabalhar futuramente no cinema.

Da tragédia, a arte pode florescer. A primeira coisa que Jonathan Cuartas identifica quando pensa nas inspirações para Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir acaba por ser um momento de extrema tristeza. “Veio da morte da minha avó”, ele começa. Ela faleceu quatro anos atrás, no mesmo ano que o jovem cineasta se formou na faculdade de cinema. O ponto de partida para a criação do roteiro, também assinado por ele, foi a ideia de exploração da linha tênue entre “a tensão e o amor”.

Sua avó já estava doente por algum tempo antes de partir. Jonathan conta, também, que no lado paterno da família houve essa tensão que acabou servindo como motor do filme. “Meu pai tem 5 irmãos e 4 irmãs, então tinham várias pessoas discutindo”, foi aí que ele enxergou o centro do drama que viria a se tornar um conto vampiresco de três irmãos em busca de sobrevivência.

Mas se engana quem pensa que o processo bruto de criação e lapidação de Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir foi rápido, “demorou uns 2 anos para escrever o roteiro”, é o que conta o diretor. Na verdade, o produto de uma hora e meia é a versão longa do curta-metragem que serviu de conclusão de curso de Jonathan. A versão de 22 minutos é batizada de Kuru, e compartilha o enredo e os personagens do longa. O elenco, todavia, é outro.

Sair da faculdade direto para exibições internacionais foi algo surreal para Jonathan, que ainda se sente como um estudante de cinema. Ele e seu irmão Michael Cuartas, cinematógrafo do filme, realizaram outro curta no intervalo da graduação e do lançamento de Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir. The Horse and the Stag, de 2018, não liga para o baixo orçamento na hora de agonizar seu espectador. Recheado de horrores distantes da câmera, a obra demonstra uma destreza do realizador na hora de mesclar o terror ao drama.

E esse parece ser seu lema ou, ao menos, um preceito seguido à risca. Existe uma porção de exemplos de obras recentes que souberam usar do horror como algo mais que uma simples caixa de susto ou sangue. Jonathan cita A Bruxa (2015) e Hereditário (2018) como filmes que não hesitaram em contar histórias humanas envelopadas no terror. Quando falamos de seu próprio trabalho, claramente um filme de vampiro, ele se orgulha: “eu queria explorar o vampirismo como uma doença”.

“Ao invés de Béla Lugosi e Bram Stoker, que é muito romântico, essa criatura poderosa, com luxúria às mulheres e também muito monstruosos”, é o que aponta. Thomas, o tal vampiro do filme, “está doente demais para se alimentar e depende de sua família para fazê-lo”. Contudo, Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir nunca nomeia a criatura, e para isso Jonathan faz o retorno à ideia da doença e da fragilidade, fatores primordiais na inspiração da mortalidade.

Com um título gigantesco desse, o filme fica na cabeça de quem entra em contato com ele, mesmo antes de ser assistido. Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir é uma letra emprestada da canção I Am Controlled By Your Love, de Helene Smith. A ideia do nome veio do produtor Kenny Riches. “Eu sou péssimo com títulos”, confidenciou Jonathan, “‘The Horse and the Stag’, o que isso tem a ver com a história?”, ele brinca, se referenciado ao curta que realizou em 2018. Kenny sugeriu que eles usassem uma música, uma canção de soul que foi gravada em Miami, mesma cidade onde o colombiano-americano nasceu e foi criado. 

Então, enquanto liam a letra deram de cara com o trecho ‘My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To’, e “meio que coube”, conta Cuartas. “Não só literalmente, pois tem a ver com vida e dar vida a alguém, mas também tematicamente, é sobre amor e a maneira como a codependência limita relacionamentos, especialmente laços familiares”. Fora isso, o diretor acredita que filmes de festival necessitam de títulos “bem pronunciados, para serem lembrados”. E o nome Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir fica com a gente.

Se você pudesse escolher 3 pessoas para trabalhar junto em um filme, vivas ou mortas, quem seria e por quê?

Jonathan: “Steve Buscemi, ele está no topo da lista de atores com quem eu gostaria de trabalhar. E Frances McDormand, os dois colaboraram bastante com os Irmãos Coen. Talvez escolheria um diretor, por mais que eu dirija, apenas para segui-lo, para estar em um de seus sets, Ingmar Bergman”.

Você tem um filme brasileiro favorito?

Jonathan: “Vai parecer muito clichê, mas Cidade de Deus. Na faculdade de cinema nós vimos ele como parte da grade curricular, eles nos ensinam diferentes filmes de uma série de países. Teve outro que eu assisti no Miami Film Festival, Divino Amor, é incrível pois também é um filme de gênero mas de uma maneira muito interessante”.

Se você pudesse levar 3 filmes para uma ilha e assisti-los várias vezes, quais seriam e por quê?

Jonathan: “Onde os Fracos Não Têm Vez, eu assistiria esse filme sempre. Na faculdade nós vimos e aprendemos onde posicionar a câmera, como construir atmosfera. Se bem que ele pode ser um pouco intenso para se ver numa ilha sozinho, mas eu escolheria Embriagados de Amor, para contrabalancear. É um filme muito divertido, eu amo o papel do Adam Sandler nele e a maneira com que ele explora vagamente espécies de distúrbios mentais, um tipo de personagem exilado, e também tem a relação de irmãos, ele tem 7 irmãs.

E o último, talvez um filme mais antigo, Os Olhos Sem Rosto, da França. Ele é muito bom, é um filme de terror belamente realizado, e outra das minhas influências. Eu acredito que é um filme lindo, especialmente para o período que se passa e para o período que foi feito, ele vai além de seu tempo”.

Quais são seus próximos passos depois de Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir?

Jonathan: “Agora vou escrever meu próximo roteiro. Tem sido um pouco lento mas eu tenho algumas ideias, ano que vem já espero ter um rascunho para o próximo projeto. Eu quero fazer algo no mesmo universo, então ainda terror e drama, eu quero que seja mais assustador e o título pode ser um pouco menor. Gostaria de explorar mais da cultura colombiana, talvez seja um filme em espanhol, ou uma parcela dela será, talvez se passe em Miami, também”.

Por enquanto, Meu Coração Só Irá Bater Se Você Pedir está rodando o mundo por festivais de cinema. 

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