Arthur Caires

Chegar ao Lobofest é como entrar em um universo paralelo onde tudo respira Arte. O caminho da Arena Lucky Friends já entrega o que vem pela frente: brechós espalhados com peças singulares, vitrines de artesanato assinadas por mãos locais e uma decoração que traduz com nitidez o espírito de quem é, e se sente, do interior. Não é só um festival de música, é uma mostra da cena cultural sorocabana, um espaço onde cada detalhe carrega a identidade de quem constrói e vive a cidade.

Enquanto festivais gigantes como Lollapalooza e The Town são definidos por multidões correndo de um palco a outro, tentando encaixar na maratona um pedaço de seus artistas favoritos, o Lobofest se desenha em outra lógica: a da calmaria. Não há pressa, não há sobreposição de shows, não há a sensação de que você está perdendo algo em outro canto. O espaço é acolhedor, confortável, pensado para que a experiência seja menos sobre a ansiedade da escolha e mais sobre o prazer da imersão. Tudo se organiza em nome de quem ama música e quer vivê-la por inteiro.

Criado em 2022 pela produtora independente Lobotomia, o Lobofest nasceu com a proposta de transformar Sorocaba em um ponto de encontro da música alternativa. O coletivo já vinha se consolidando como um dos principais agentes culturais da região, sempre equilibrando a vinda de artistas que despontaram no cenário nacional e internacional com a valorização de talentos locais. O festival surgiu como a extensão natural desse trabalho: não apenas um palco para shows, mas uma celebração de toda a cadeia cultural que pulsa no interior paulista.

A line-up deste ano deixou claro o quanto a programação estava disposta a experimentar contrastes. De um lado, dois dos maiores nomes da música brasileira atual – Marina Sena e Djonga – puxaram os holofotes com a força de quem dita tendência no cenário nacional. Do outro, uma seleção de artistas profundamente ligados à cena local e regional, como Gabrelú, Ana Praia e Yá Rosa. Se em 2024 o evento apostou em um equilíbrio mais evidente, mesclando nomes como Clarice Falcão e FBC com atos em ascensão como Boogarins, Duquesa e DJ Ramemes, em 2025 a curadoria quis entregar um gostinho de grandiosidade.

No meio desses polos, três apresentações se destacaram. O Vanguart retornou à cidade depois de mais de uma década, trazendo a turnê Demorou Pra Ser e lembrando ao público que vinte anos de estrada cabem em um repertório de hits nostálgicos. O Terno Rei, parceiro antigo do Lobotomia, apresentou o show inédito de Nenhuma Estrela, mantendo o indie melancólico como trilha perfeita para o friozinho do interior. Já Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo trouxe a inquietação experimental que a acompanha, agora ainda mais lapidada sob a produção de Ana Frango Elétrico. Foi durante o show dela, aliás, que comprei um dos CDs vendidos no merch oficial.

E então veio Marina Sena. O ápice da noite – e talvez das duas edições do festival – foi a entrega visceral da mineira com o show de Coisas Naturais. Energia é pouco para definir o que Marina levou ao palco: cada música parecia meticulosamente colocada na ordem certa, uma narrativa feita para ser vivida ao vivo. O álbum, que já soa potente em estúdio, revelou-se um organismo vivo diante de uma multidão que cantava como se cada um tivesse um vínculo particular com aquelas faixas. O momento em que ela entoou Mágico cristalizou o espírito do Lobofest: “Dar um giro, ver a cidade comigo”.

Mas, o Lobofest não se limita apenas ao que acontece diante das luzes do palco. A cada esquina da Arena Lucky Friends havia uma experiência que lembrava ao público que festival também é encontro: a Feira Selvagem, com seus expositores locais, transformava o espaço em um passeio cheio de cores e texturas; a praça de ‘rangos’ reunia diferentes opções para todos os gostos e preferências; e os afters espalhados pela cidade prolongavam a sensação de comunidade para além do horário oficial. Até mesmo o Lobofest na Cidade, realizado ao longo de julho com shows gratuitos em pontos estratégicos de Sorocaba, ajudou a criar essa atmosfera: um movimento de democratização da música, capaz de estender seu impacto para quem talvez nunca tivesse a chance de viver um evento assim.

O Lobotomia encerra a segunda edição do seu evento reafirmando algo maior do que um simples dia de shows: ele prova que a música independente tem força para descentralizar a cena cultural do país. Em um momento em que até os grandes festivais enfrentam dificuldades para esgotar os ingressos, o evento sorocabano mostra que o interior também vibra, cria e sustenta movimentos próprios. No fim das contas, a sensação de estar ali não era a de disputar espaço em uma multidão anônima, mas de compartilhar um pedaço vivo da cultura. Talvez seja essa a verdadeira mágica do Lobofest: transformar um festival em comunidade.

O post Lobofest 2025: a calmaria do interior que respira música apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Tharek Alves

Em 2017, no lançamento de seu primeiro álbum, Heresia, Djonga havia carimbado seu nome no meio do rap nacional, com uma estreia abaladora o suficiente para alavancar as expectativas em cima de suas próximas obras. Porém, o rapper dobrou a aposta em 2018 e superou todas as expectativas com O MENINO QUE QUERIA SER DEUS, tão abalador e marcante quanto seu antecessor. Visto na época como novo nome do rap mainstream, o mineiro tinha uma árdua missão de manter a qualidade em seus próximos lançamentos.

Assim como os antecessores e os que viriam posteriormente, Djonga também lançou seu terceiro álbum em 13 de Março e provou, mais uma vez, que raios podem sim cair no mesmo lugar. Intitulado Ladrão, os discursos presentes nas músicas ficaram ainda mais objetivos, com críticas incisivas ao racismo e desigualdade social, além de assumir, de fato, o papel de protagonista não só na luta antirracista, como também, no rap nacional.

Na faixa-título, LADRÃO consegue sintetizar bem o sentimento do disco. Nela, o cantor fala sobre os lugares que conseguiu acesso graças a sua fama e dinheiro, além da maneira como ele usa disso para devolver ao povo preto e pobre. Contextualizada na realidade do mineiro, a letra o retrata como uma espécie de Robin Hood, um herói do povo retratado, obstinado a tirar dos boys e devolver aos seus. Por diversos momentos, a canção ainda faz críticas às apropriações culturais recorrentes na Música.

A exemplo de JUNHO DE 94, Djonga questionou sua própria posição por diversas vezes durante seu segundo álbum, porém, HAT TRICK, a faixa debutante, demonstrou que, agora, o caminho adotado seria completamente oposto. Referenciando  um termo do futebol utilizado quando um jogador faz três gols na mesma partida, o cantor reconhece o novo disco como acerto e, ressoando um forte “abram alas pro rei” no refrão, deixa clara a mudança de visão que terá sobre si nas músicas. Encerrando-a com uma poesia, a primeira faixa demonstrava o golaço que Gustavo Pereira Marques (nome de nascença de Djonga) estava para fazer.

fiado nos versos, o cantor mineiro usa de um vasto repertório de referências, que bebem da Música, política, história, Literatura e Cinema. BENÉ e DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL retratam bem essa criatividade, mesclando o título e tema das músicas com obras cinematográficas clássicas do imaginário brasileiro. Em referência ao personagem homônimo do filme Cidade de Deus, a primeira faixa relata a proximidade do tráfico com a juventude periférica, mostrando os males do envolvimento nessa atividade e fazendo um apelo para que não sigam o mesmo caminho. No filme, o personagem que dá nome a faixa é um jovem preto periférico que se envolve com o tráfico e melhora suas condições financeiras, porém, acaba morto por sua ligação  com atividades criminosas.

Seguindo a linha de referências ao Cinema nacional, Djonga, em parceria com o carioca Filipe Ret, entrega DEUS E O DIABO NA TERRA DO SOL, com fortes críticas às desigualdades sociais do país. Entretanto, a música deve muito ao filme de Glauber Rocha, ficando cansativa em seus seis minutos de duração.Uma repetição sonora que tenta ser uma proposta diferente de métrica, mas acaba chata e enjoativa. Os versos que tentam ser divinos se chocam com um beat diabólico dentro da terra ensolarada que é todo o álbum.

Característica sempre presente em seus álbuns, Djonga convida para seus feats artistas do cenário musical de Belo Horizonte, e com Ladrão não foi diferente. Tendo o refrão cantado pelo mineiro MC Kaio, TIPO fala sobre o padrão de mulher com quem o artista se relaciona, usando e abusando de um romantismo carnal e sensual. Além disso, a presença do beatmaker JNR Beats na produção da faixa entrega algo que difere (muito positivamente) do restante das faixas do álbum, em um beat leve e sedutor que conversa muito bem com a proposta da música.

Mas as parcerias mineiras não se restringiram a apenas um som. Assim como seu título, VOZ deu a fala para que dois grandes nomes do rap de BH, DougNow e Chris MC, se reunissem com Djonga e, assim, os três brincassem de fazer Música. Gustavo e Doug relatam em seus versos as violências que pretos e periféricos passam diariamente, refletindo sobre amizades já perdidas e, como, surpreendentemente, eles conseguiram se esquivar disso e permanecer vivos. Chris MC fica responsável pelo refrão, no qual reforça que, mesmo a visão da sociedade sobre pretos favelados não tendo mudado, eles resistirão sendo quem são, ainda que morram com isso.

Sua visão sobre mim ainda não mudou

Não vai ser da forma que tu quer

Sempre faço questão de ser quem sou

Mais honrado morrer sendo quem é e tamo aí

                                                                    -Chris MC em “Voz”

Nos seus álbuns anteriores, as ‘love songs’ foram pontos marcantes. Cantando amores cafajestes em Geminiano e Solto, Djonga assume o romantismo  apaixonado para ser, de fato, LEAL. Com sua amada no status de musa, o cantor não poupa palavras para demonstrar a admiração que sente pela parceira, assim como o gosto pelos laços que a relação do casal criou, seja através de brigas ou dos momentos de ternura sexual. No ápice de seu sentimento, o jovem mineiro usa do estribilho pedindo por lealdade e reciprocidade na relação, com a promessa de que tudo durará enquanto a paixão for uma realidade.

Em um resgate das raízes do rap no Brasil, que bebeu e ainda bebe do samba, Djonga se apropria da música Moleque atrevido de Jorge Aragão e presta uma homenagem ao grande musicista carioca. Recitando as rimas de maneira crua, sem nenhum acompanhamento instrumental, MLK 4TR3VIDO é uma releitura que fala sobre todo esforço e os caminhos percorridos para conseguir chegar onde chegou. A trajetória para Gustavo Pereira Marques ser reconhecido como Djonga não foi fácil, e ele reinvindica respeito por toda luta e história conquistada.

Ainda buscando falar sobre suas raízes, Djonga volta sua atenção para a família, como fez anteriormente em Canção Pro Meu Filho. Com extrema sensibilidade, o rapper rima sobre a vida de sua avó, Maria Viana, e dos duros caminhos enfrentados para construir e sustentar uma família sozinha, além de abordar a importância da valorização da ancestralidade para famílias pretas. BENÇA fala sobre não esquecer de onde você veio e saber que, em sua família, reside seu porto seguro. É saber que é possível sair para ganhar o mundo e encarar as dificuldades que a vida dá, mas também encontrar os momentos de recuar e voltar para a segurança do laço familiar.

Já a música que encerra a obra, FALCÃO, apresenta uma crítica do artista sobre aqueles que acabam por deixar a causa que lutavam e se renderam para produção de obras vazias, visando o retorno financeiro. Com essas condições, Djonga observa como as correntes e ‘ostentação’, retratadas por esses artistas, não adiantam de nada se os versos cantados não puderem mudar vidas. O rapper ainda reflete, em forma de desabafo, sobre a ambiguidade de se enxergar tanto na situação de mais um corpo no chão, quanto como o de alguém sentado no trono, e encerra desejando que a violência contra corpos negros acabe de uma vez.

Para além dos diversos feats do álbum, é importante citar duas importantes presenças nas faixas. O beatmaker Coyote Beatz é o responsável pela produção de todas as músicas e, novamente, mostra que sua parceria com o rapper é uma deliciosa e sonora junção. A segunda participação é a de Marina Sena, que empresta sua voz para o backing vocal em quatro registros, e oferece contraste entre sua suavidade vocal e o cantar ‘raspado’ presente na voz de Djonga.

O ano de 2019 foi importante para a carreira do cantor. Com participação marcante no festival João Rock, turnê de seu projeto recém-lançado e cada vez mais visibilidade na grande mídia, o período foi um grande pavimento para futuros shows, como o Lollapalooza 2022. Mesmo que não seja sua obra mais aclamada e esteja abaixo de seus antecessores, Ladrão é um ótimo álbum e foi essencial para a consolidação de Djonga no cenário da Música nacional, confirmando para todos que os dias 13 seriam os dias em que ‘raios’ cairiam no mesmo lugar.

O post Há 5 anos, Djonga roubava a cena com Ladrão e provava que um raio pode cair mais que duas vezes no mesmo lugar apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Andrezza Marques

O quinto álbum de estúdio de Felipe Desiderio, ou Febem (conhecido pelas rimas que têm o mesmo peso do apelido), foi lançado em 9 de abril de 2021. Agora, já tendo completado pouco mais de um mês de existência, caminha para ser considerado um dos melhores e mais genuínos trabalhos do hip-hop, rap e grime (ou Brime) atuais. O grime, que despontou no país com o rapper baiano Vandal de Verdade, e é a aposta principal de nomes como o próprio Febem (os dois artistas tem, inclusive, um feat), tem tudo para colocar o Brasil em evidência internacional. O lançamento de JOVEM OG é mais uma prova que o rap nacional passa por um ótimo período, e o cantor, com trabalho consistente, se mostra cada vez mais perto do mainstream pela qualidade técnica e lírica, sem deixar de lado a agressividade e essência crítica características do rap, bem distante das lovesongs e outros sons comerciais que eram febres em outros tempos e ainda seguem populares no país, como os hits sequenciais dos projetos Poetas no Topo e Poesia Acústica.

JOVEM OG explora as vivências da quebrada, com lírica ácida, flow seguro, de quem escreve certo por linhas tortas, e beats inusitados, ao mesmo tempo que são extremamente bem acabados e arranjados, passeando pelo grime, funk, boom bap, trap e indo além. Essa originalidade sonora se deve muito a CESRV (ou Cesinha), produtor do álbum e parceiro quase fixo, presente nos trabalhos mais recentes de Febem, Running (2019) e o colaborativo BRIME! (2020) – sendo o último, inclusive, aclamado pela crítica e por fãs.  

Os versos, recheados de referências e metalinguagens, citam desde The Notorious B.I.G.  e Racionais Mc’s até Poesia Acústica, Baco Exu do Blues, e a lista não para. O disco segue alinhado com os antecessores, além de permanecer coeso na própria proposta, com as dez faixas conversando entre si. Bem amarradas, e nada óbvias, elas parecem funcionar como narrativas relatadas por personagens distintos, ou, pelo menos, por diferentes fases da vida, no mesmo universo.

Não por acaso, o nome do álbum faz alusão à autenticidade e essência, com o O.G – Original Gangster, termo que nomeou o disco lançado por ICE-T, em 1991, considerado clássico da era de ouro do hip-hop (meados dos anos 80 e 90), e é também muito replicado no gangsta rap. Dois gêneros nascidos em comunidades afro-americanas, caribenhas e latinas nos EUA, e marcados pelo retrato da rotina de guerra, vivida em bairros dominados por gangues, como no sul de Chicago e na costa oeste da Califórnia. 

Temas como o cancelamento virtual, a ostentação de quem está finalmente saindo das estatísticas, o dia a dia de violência nas favelas, além de fortes críticas ao estado e aos abusos policiais, estão presentes em todo o disco. O que não poderia ser diferente, já que Febem é fruto da realidade em que um jovem negro é assassinado a cada 23 minutos, e precisa romper com esse ciclo com as armas que têm. No seu caso, a arte: “Se pá que era melhor ter feito um clipe de fuzil/ Pra estourar no Youtube com dez milhão de view/Nada contra/Progresso pra quem trampa/Mais uma arma no clipe é menos um menor na boca”, ele canta em MÉXICO.

Em JOVEM OG, Febem traz uma extensa lista de colaborações, como as gêmeas Tasha e Tracie, que, assim como ele, vêm diretamente da Zona Norte de SP, e estão se impondo cada vez mais na cena, com produções únicas e consistência, e o fenômeno mineiro Djonga, que, envolvido ou não em polêmicas, é o primeiro rapper do Brasil indicado ao BET Hip Hop Awards. Outros nomes de uma nova geração promissora de artistas como Jean Tassy, Vulgo FK e Kyan, também estão entre os convidados do álbum. 

A intensidade, revolta e verossimilhança dos versos, mais a voz suave do rapper paulistano, são responsáveis por um jogo de contrastes. JOVEM faz a oposição decadência versus otimismo ficar em evidência nos trechos sobrepostos: “Nunca estive tão bem/Posso voar também/Dizem que Deus não dá asa a cobra/Mas de vez em quando ele resolve emprestar”, na voz melódica com o refrão cantado por Smile, e a voz robotizada, propositalmente distorcida do rapper. 

Febem nunca esteve tão bem, é fato. Em 2016, o rapper deixou o grupo ZRM (Zero Real Marginal), onde já tinha um trabalho significativo, pelo selo Damassaclan, e, desde 2017, integra a CEIA Ent., coletivo que tem o papel social do rap como máxima. Criada por Don Cesão e Nicole Balestro, a CEIA une vários artistas num movimento que produz música, moda e influência, e conta com o patrocínio de marcas como a Adidas. 

Em 2018, a CEIA lançou o EP Somos, composto por 6 faixas, além da bônus Troféu, disponíveis em todas as plataformas digitais. Nele, Febem estrela no clipe de sua música Bandida, contracenando com outros artistas do selo, como Tasha e Tracie. O projeto contou com a participação de todos os artistas do coletivo, como Pizzol, Djonga, e Clara Lima. Todas as composições também ganharam clipes no canal da CEIA no YouTube. O nome do primeiro projeto coletivo traz, inclusive, o que pode ser uma alusão ao patrocínio da Adidas, numa referência às 3 listras da marca, na grafia original: SO///OS. 

Em JOVEM OG, nos videoclipes de CRIME, MÉXICO e VAI PENSANDO, Febem recria a mesma atmosfera de máfia e/ou quebrada e sigilo que domina o clipe do EP de 2018. As faixas que também mencionam os patrocínios não tem nenhuma participação nos vocais e são carregadas de referências ao próprio trabalho e à família de Febem – que menciona sua filha, irmão, mãe e avó em diversos momentos. Nos clipes, as três composições são continuações entre si, para promover o disco, além de funcionarem como encarte audiovisual, uma das apostas do selo.

Recheadas de punchline, MÉXICO e CRIME são também as canções que carregam o versos mais contraditórios do rapper no álbum, e foram até alvo de críticas: “Quebrada e crime é que nem vírus chinês/Tá todo mundo exposto e a vacina ninguém cria” e “Ela diz que adora levar tapa/Ela tem descendência da Europa/Pra eu não me sentir mal/Pensei reparação histórica”. 

Os versos de Febem são, por vezes, propositalmente indigestos. Tanto é que o rapper chega a debochar disso nas letras, e consegue soar áspero e proeminente, mesmo com a voz baixa, bem longe do speed flow. O que pode ser encarado como provocação ao estilo de alguns colegas do selo antigo. Mesmo com as críticas, MÉXICO e CRIME trazem a drill music, subgênero do trap, inserções de áudios de WhatsApp ou de RADDIM e outros samples famosos ao fundo (marca registrada do BRIME! e de CESRV), junto a passagens totalmente inesperadas e inteligentes:

“E na vida algumas coisa é como um Golf GTI/

Não cura minha dor, mas mesmo assim vou adquirir”

– CRIME

A curtíssima SEM TEMPO, como o próprio nome sugere, tem a participação de Jean Tassy em menos de dois minutos de duração, e deixa a sensação de que poderia ter durado mais. O som mais comercial, assim como o dance-pop, da onírica e auto-tunada MARCHA, com Vulgo FK, fazem ambas soarem estranhas entre as mais agressivas e com grave bem marcado do resto do disco, mas acabam funcionando bem na sequência. Em JOVEM OG, Febem aproveita muito de palavras com duplo sentido e com a figuração e repetição de frases para construir coros pegajosos, o que poderia ser um exagero e cair na mesmice, se não fossem muito bem arranjadas.

Exemplo disso são CRIME, ME PAGA, com Djonga, e BALLA, produzida por MU540 e com participação de Kyan. Ao lado de ÁREA DE RISCO, com Tasha e Tracie, as quatro são donas dos refrões mais marcantes do JOVEM OG. Todas com inserções pesadas do funk e trap, tanto na letra, quanto nas batidas mais aceleradas, que por vezes remetem ao 140 e 150 BPM. BALLA sampleia trechos do som da Rave dos Fluxos, Passinho do Bota, produzido por DJ GBR e voz por Mc Lan, e chega a despertar memórias afetivas da época do clássico Baile de Favela, lançado por Mc João em 2016. Quem viveu, sabe. 

O resgate da cultura brasileira de quebrada e para a quebrada, vindo de um cara da Vila Maria, na metrópole de contrastes que é São Paulo, acima das referências de outros países, é o  acerto máximo do álbum. A principal proposta de CESRV e Febem, desde o CD colaborativo com Fleezus, o BRIME!, de 2020, é justamente essa. “No fim das contas foi um processo muito natural para nós. Só traduzimos a nossa realidade para dentro das músicas”, contou CESRV ao canal Rap TV. 

O segundo grande acerto é a dinâmica das colaborações, onde os versos destaque são quase sempre das participações, como é também o caso da ácida ÁREA DE RISCO e da gozação de ME PAGA. Mesmo com a experimentação diversificada, o trabalho mantém sua personalidade e essência, e entrega um resultado extremamente original. “Sou bipolar, mas pentacampeão, jogando descalço, sem boot e meião/Na frente da tropa igual Tutancâmon/Referência pros preto pique Conceição Evaristo/Filho de Jesus Cristo, só fiz o que ‘tava previsto’”, canta Djonga em ME PAGA.  

Em ÁREA DE RISCO, Tracie, com a dureza e assertividade costumeiras, denuncia: “Na Faria Lima foi pro Peri/Achou que ia pra Santa Cecília/Ele ficou em choque/Mó fita sabia que aqui o grave só não bate mais que a polícia”. Mesmo cantadas pelos convidados, as letras são uma amostra do trabalho de base, sem a ilusão na qual Febem acredita. Ao receber elogios pelo álbum inteiro, em entrevista ao PODPAH, o rapper é modesto e afirma que acabou de subir um degrau com o novo trabalho: “Eu acho que tá bom, eu evolui, é o que eu vivo na minha vida”. 

Modéstia a parte, JOVEM OG é um trabalho pesado, preciso e afrontoso. A produção do álbum durou um ano, e narra de maneira cativante a trajetória marginalizada de quem está no corre e sempre correu a vida inteira: JOVEM, como faixa de abertura, e OG, que precede o encerramento com ME PAGA, traduzem a justaposição estratégica do discurso de quem cobra com razão por esse corre que ainda vai muito além do dinheiro. 

O post Febem escreve certo por linhas tortas e, com JOVEM OG, mira e acerta todas as balas apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Elder John

Existem duas certezas na vida: uma é que vamos morrer e a outra é que dia 13/03 tem álbum do Djonga. O rapper emplacou mais uma produção pelo quinto ano seguido. Heresia (2017), O menino que queria ser Deus (2018), Ladrão (2019), Histórias da minha área (2020) e agora NU (2021).

A produção conta com apenas duas participações nas letras, Doug Now e Budah. A capa é mais uma vez um ponto de destaque, a cabeça do artista na bandeja, como ele entende que é o desejo de muitos, principalmente daqueles que o julgam.

Sobre a escolha do nome, ficar nu é algo totalmente íntimo e Gustavo nos mostrou mais uma vez seu lado humano, mas dessa vez de uma forma mais direta. O artista trouxe um álbum que é uma obra completa, uma faixa complementa a outra e todas juntas contam uma história.

Outra característica marcante no álbum é a questão das referências, tanto nas letras, quanto nos clipes. A principal é o próprio Djonga em cima de um cavalo branco com um revólver na mão, em alusão à Django Livre. Além disso, todas as produções audiovisuais também contam com uma sequência e completam a narrativa contada pelo rapper.

Existe muita pressão nos artistas em geral, para não errarem, serem pessoas perfeitas. Ainda mais no rap, todo aquele discurso de que o rapper não pode se vender, tem que ser leal, mas do que vale ganhar o país e perder a si mesmo?

E pensando nisso que Djonga se afastou das redes sociais e buscou ficar mais próximo da família, voltar a ser o Gustavo Pereira da Zona Leste de Belo Horizonte: “Ó, saudade de andar por aí/Vento na cara e ninguém pra assistir/Falar o que penso sem ter que acertar/Sabe a sensação de só existir?”, como canta na música Xapralá.

O estudante de produções audiovisuais, Gustavo Henrique, nos contou sobre o que sentiu ao ouvir o disco: “Ao mesmo tempo que nos dá um choque de realidade, nos alivia deste momento caótico e nos recarrega, chorei do inicio ao fim com este álbum, tanto pela representatividade,  quanto pelo momento vivido por nós e pelo artista. Me trouxe um alívio e limpeza, O Menino Que Queria Ser Deus pra ser mais humano, esta é uma obra de Djonga para o Gustavo Pereira“.

Por outro lado, Aiza Pereira, estudante de Engenharia Civil, teve uma outra percepção sobre a obra: “Eu curti muito a primeira música, ele começa o disco com uma explosão mas muda o ritmo durante o álbum e você fica esperando mais dessa explosão que só volta na última faixa. Ele trouxe algo mais “leve”, mas ainda sim Djonga. Falaram sobre “mais do mesmo”, mas o mesmo dele é ótimo, não quer dizer que seja ruim”.

Djonga entende e até admite essa mudança no ritmo: “Já fui camisa nove, hoje eu faço o meio de campo/Pros manin’ que tá no ataque não tomar nem mei’ pipoco”. Essa é só mais uma das passagens marcantes da obra, fazendo uma analogia a um movimento corriqueiro no mundo do futebol: atacantes que viraram meias, assim como Messi e Neymar.

Sim, o rapper já foi mais agudo e objetivo, hoje, em NU, ele cadencia mais, controla o ritmo. Isso não quer dizer que perdeu a qualidade. Se acostumem com o Djonga camisa 10 que organiza e pensa o jogo, não mais como um finalizador com sede de marcar gols.

O post Em NU, Djonga recua e vira camisa 10 do rap apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Março foi recheado de comebacks e performances de tirar o fôlego. Não é para menos, afinal estamos falando sobre o mês em que o maior evento da música ocidental ocorreu, trazendo para nós o Santo Graal das composições – ou pelo menos é isso que eles dizem. Contudo, após uma noite de esnobados e merecidos, o bafafá se perpetuou mesmo através de nomes como Megan Thee Stallion e Cardi B, que trouxeram a brasilidade do funk para o palco do Grammy.

Voltando à questão dos comebacks, foram tantos que é difícil enumerar. Bruno Mars retomou sua carreira, parada desde 24K Magic de 2016, com a parceria ao lado de Anderson .Paak. Outro nome que volta a entregar canções inéditas – para o delírio dos fãs – é Lana Del Rey, que traz toda a estética dos country clubs, tipicamente americanos, para sua atmosfera sóbria e melodramática, pela qual todos a conhecem. Sem deixar de lado o pop mainstream, Nick Jonas também reinicia seu trabalho solo com Spaceman.

Na música nacional, o rap foi destaque com a voz de Rico Dalasam e Djonga, que trouxeram suas vivências da forma mais crua possível. Elza Soares foi outra estrela que nos presenteou com a canção Nós, dedicada especialmente ao Dia Internacional da Mulher, que é comemorado no dia 8 de março. E foram realmente as mulheres que reinaram neste mês, ao sermos presenteados com a remasterização do álbum Elis, de Elis Regina, e em uma mesma tomada, com o rearranjo de dois singles de sua filha, Maria Rita, ao lado de Quintal de Prettos. Trazendo o saudosismo das memórias jamais desfrutadas do carnaval de 2021, a união dos vocais de Rita e do grupo paulista nos lembram da esperança de dias melhores.

Não poderíamos nos esquecer, ainda, da preciosidade em forma de EP que Selena Gomez entregou ao colocar em pauta toda a sonoridade latina em músicas na língua espanhola. Bem como é bom ficar de olho no mais novo compilado de Joshua Bassett, que com seu pop frenético trouxe a íntegra de sua versão da conturbada história com Olivia Rodrigo e Sabrina Carpenter. E é em meio a uma polêmica indicação ao gramofone de ouro – merecidamente perdido – que Justin Bieber lança seu sexto álbum, intitulado Justice.

Assim, em um mês de altos e baixos, no qual completamos um ano presos em casa, a Música conseguiu transparecer todos os sentimentos que gritamos entre quatro paredes. Da campanha #fuckthegrammys à realidade distorcida confidenciada por Demi Lovato, Março de 2021 conseguiu ser alvo de altos e baixos intensos que serão lembrados por muito tempo. Por isso, a Editoria do Persona, ao lado de seus colaboradores, comenta tudo isso e ainda mais sobre o que aconteceu no mundo da Música entre os CDs, EPs, singles, clipes e performances que mais marcaram os últimos 31 dias.

CDs

Genesis Owusu – Smiling with No Teeth

O australiano Genesis Owusu não está para brincadeira. Nascido em Gana, o rapper se mudou para a Oceania na infância, inserido num ambiente majoritariamente branco e nada parecido com suas raízes. A saída? Encarar tudo de cabeça erguida e, no processo, transformar sua dor em arte. Ele começou escrevendo contos, depois poesias, até finalmente chegar na Música.

Misturando suas diversas influências no debut Smiling with No Teeth, o cantor modula o rap, o punk e toques de pop para narrar as aventuras dos tais dois cães pretos que latem por quase uma hora. A alegoria, como ele esclareceu, é cultivada pela figura da depressão e do racismo. Buscando fugir dos estereótipos comuns e ter uma voz própria, Owusu evoca melodias quase sagradas no disco de estreia. “Eu sou o Prince, se ele fosse rapper e morasse na Austrália”, disse ao The Guardian. O sorriso desdentado pode nos fazer começar a acreditar nele. – Vitor Evangelista

Nick Jonas – Spaceman

A criatividade bateu na porta de Nick Jonas e o fez entregar obras-primas em formato de álbuns. Dessa vez, o cantor resolveu oferecer algo realmente intimista e profundo sobre seus sentimentos, principalmente por ser uma explícita declaração para sua esposa, Priyanka Chopra Jonas. A junção de euforia e agonia é traduzida ao longo de todas as músicas, especialmente por se tratar de um trabalho feito durante a pandemia. 

Desde Give Love a Try em JONAS, Nick sempre deixou claro que a música é a maneira mais sincera com que consegue se comunicar e transmitir suas emoções. É nítido essa expressão no álbum, usando diversos ritmos para se declarar para Priyanka. Ele transita entre o pop romântico usual em Deeper Love (num compasso muito parecido com I Feel It Coming, de The Weeknd) e versos mais sensuais e maliciosos de uma vibe anos 70 em Delicious. 

O alcance vocal do texano é o que o torna ainda mais admirável, cruzando notas baixas e altas em uma única canção. Não importa se estamos na calmaria ou no entusiasmo, todas as faixas do álbum nos presenteiam com um calor no coração. Não há como discordar que o querido irmão Jonas tem um talento imensurável em mãos. – Júlia Paes de Arruda

Black Honey – Written & Directed

Segundo as regras de distanciamento social, ainda não é seguro realizar grandes concertos musicais, mas isso não parece ter impedido Izzy B. Phillips e o resto da banda inglesa Black Honey de ter lançado um disco que implora para ser ouvido ao vivo. Written & Directed chega três anos depois do álbum de estreia do grupo, e os encontra mais amadurecidos musicalmente, mas ainda com o mesmo entusiasmo adolescente e contagiante pelas suas próprias melodias.

Black Honey está de volta e à procura de sangue. A vocalista confronta diversos adversários no decorrer das dez músicas que se seguem, desde o patriarcado e o conservadorismo até si mesma, ampliando a aura punk rock que já havia sido apresentada casualmente em Black Honey (2018), ecoando a estética punk britânica, mas mantendo uma musicalidade diversificada e ousada. Acompanhada pela guitarra eclética de Chris Ostler, o baixo venenoso de Tommy Taylor e a bateria discreta de Alex Woodward, a voz de Phillips é o que fecha os instrumentos em uma sinfonia rebelde e caótica que não perde nenhum momento do início ao fim.

Com uma abertura incrível composta por alguns dos singles já lançados, é em Run for Cover que Black Honey mostra a que veio: uma música alta, energética e feroz sobre sexualidade feminina em primeiro plano e escancarada. Descrito e cunhado pela banda como “vagina rock” (em oposição ao subgênero cock rock), as faixas de Written & Directed são a exaltação da perspectiva feminina sobre o rock’n’roll, ampliadas por um som amadurecido, mas nem um pouco interessado em se tornar previsível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Djonga – NU

No sentido metafórico ou no regional, Djonga está nu em seu novo álbum. O artista mineiro conhecido pelas letras combativas descasca seus sentimentos pessoais em seu quinto LP, expressando seus receios, alívios e satisfações, assim como o termo do título sugere no mineirês. Nada disso significa discursos suavizados ou letras desconexas do nosso contexto social. Os últimos meses sinistros que atingem com mais força uma parcela específica da população e as razões disso são elementos que continuam muito bem refletidos nas canções fortes de Djonga, acompanhados de sua riqueza lírica e metafórica de sempre e de influências de outros nomes e gêneros da música brasileira. 

Entre reflexões sobre o sucesso, solidão, racismo e desigualdade social, NU encontra contraste ao começar com a grandiosidade de Nós e terminar com o impacto de Eu, marcando também o retorno do rapper que nunca baixa a guarda em Ó Quem Chega. As narrativas são costuradas com suas referências musicais, que dão as caras no flerte com o rock brasileiro contemporâneo combinado à uma levada do samba que o disco mostra em Xapralá. O mesmo é com Vírgula, que cria um intertexto com o samba da década de 60 pensando na desigualdade social atravessada pelas questões raciais, tema aprofundado na cinematográfica Ricô.

A produção de seu fiel companheiro Coyote Beatz desacelera na confessional Me Dá a Mão, e dela nasce a íntima e romântica Dá Pra Ser?, lovesong que dança entre o R&B e trap com a participação doce de Budah. Entre si, todas as oito faixas funcionam muito bem, mas perto da marcante discografia do artista, a repetição temática e sonora pode alimentar críticas à produção. Lembrando do contexto delicado do artista, NU é familiar e modesto, sem novidades arriscadas e sem exageros. Quer dizer, nada de excedente além do peso da arte do trabalho, que pode ter marcado o último 13 de março em que ouvimos ineditamente uma coletânea de Djonga. – Raquel Dutra

AJR – OK ORCHESTRA

O terceiro álbum do trio de irmãos Adam, Jack e Ryan saiu no dia 26 de março desse ano, dando continuidade ao tom intimista, pessoal, autobiográfico e metalinguístico do segundo, Neotheater. Com um caráter ainda mais experimental musicalmente do que este, o álbum brinca, por exemplo, com uma sucessão de diferentes instrumentos que tocam a mesma melodia em faixas como Bummerland ou World’s Smallest Violin. Ele também experimenta efeitos que lembram músicas dos anos 40 e 50, como em 3 O’Clock Things ou The Trick. Tudo isso misturado com uma mixagem bastante eletrônica, dando origem a um tipo único de música, que funciona como a assinatura da banda.

Os temas variam entre experiências pessoais dos músicos que se traduzem em temas universais, como My Play, que trata de uma criança afetada pelo divórcio dos pais; estilos inspiradores, como em Adventure is Out There e Way Less Sad; e o tom metalinguístico que citei, que aparece aqui em Christmas in June e Bang!. Outras músicas de destaque que também tratam de temas universais são Ordinaryish People (o único feat do álbum, feito em parceria com o Blue Man Group), Joe e Humpty Dumpty. Esta última considero a mais fraca delas, não porque não tem seu valor, mas porque as outras são excepcionais em comparação.

É um álbum de música pop, que trata de problemas cujos adolescentes tendem a se identificar mais. As várias referências às vivências dos adolescentes no século XXI (e até breves menções indiretas à pandemia, que permeou o desenvolvimento do álbum) deixam claro o público-alvo, que recebe um prato cheio. Para aqueles que não se identificam com a estética mais adolescente e despojada, os experimentos musicais e as melodias enérgicas valem o play. E para não esquecer: a música de abertura do álbum, OK Overture, é genial, porque junta várias das peças do álbum em uma só. -Flora Vieira

Lana Del Rey – Chemtrails Over The Country Club

A forma mais simples de definir o novo álbum de Lana Del Rey é sufocante. Durante suas 11 faixas, somos levados por um caminho monótono na melancolia da cantora, que reutiliza a mesma sonoridade branda e densa em todas as músicas que montam a coletânea. Nos sentimos presos em uma interminável sequência de cópias dos demais trabalhos de Lana, que dessa vez peca por se afogar demais em um sofrimento lírico, o qual ao invés de ser belo e tocante, se torna indigesto e tedioso.

É claro que em meio a várias faixas, um tanto chatas, algumas se destacam positivamente por escaparem, mesmo que pouco, da identidade em tons de cinza do álbum. A voz de Nikki Lane é o suspiro que tanto queríamos. Ao lado de Del Rey, as cantoras entoam Breaking Up Slowly, trazendo uma sensibilidade sonora que faz falta nas demais canções. Chemtrails Over The Country Club, que dá nome ao disco, é outra que merece destaque por conseguir imprimir a identidade vocal de Lana, escondida atrás de tanto sofrimento em suas outras faixas.

O álbum é cansativo e, assim como sua capa, é cinza. Nem preto, nem branco. Numa tentativa de se manter no meio do caminho e agradar a todos, Lana Del Rey se perdeu e deixou levar por uma perspectiva pouco convidativa. Sua voz, tão encantadora quanto um canto de uma sereia, nos puxa para as profundezas, afogando os marinheiros que se atreveram a navegar nas águas de Chemtrails Over The Country Club. – Ana Laura Ferreira

Pitty – Matriz Ao Vivo Na Bahia (Ao Vivo Deluxe Edition)

Não faltam adjetivos para descrever a brilhante carreira de um dos maiores nomes do rock brasileiro: Pitty. A baiana é dona de músicas que você pode não saber o nome, mas basta um acorde para cantar toda letra. Atemporal, começou 2021 com o Deluxe do disco gravado ao vivo na Bahia antes da pandemia. Com um repertório que caminha desde os primeiros CDs até o álbum de 2019 que também batiza esse trabalho, Matriz, o registro conta com duas faixas novas: Para o Grande Amor e Serpente.

Pitty não estava sozinha em cima do palco. As faixas Noite Inteira e Te Conecta / Tudo Me Faz Sentido são divididas com uma das vozes mais importantes da Bahia, Lazzo Matumbi, Roda conta com a presença do grupo BaianaSystem, e Larissa Luz faz feat em Máscara / Bonecas Pretas. Ao fim do espetáculo, eles voltam ao show para juntos ecoar a poderosa Sol Quadrado, que deixa uma mensagem de persistência e resistência. As canções que encerram Matriz Deluxe, apesar de antagônicas, são o viés da proposta musical da cantora, deixando aquele gostinho de quero sempre mais.

Quem acompanha a discografia de Pitty sabe toda a dor e delícia que suas músicas causam. Quem nunca se pegou cantando Na Sua Estante em alto e bom som que atire a primeira pedra. Presente também neste trabalho, vemos a história ficar ainda melhor com sua seguinte faixa: Motor. Canção ressuscitada por Gal em A Pele do Futuro, a música parece ter sido composta para a voz de Pitty, sendo o nó certeiro que amarra todos os sabores presentes no disco. Matriz é um prato cheio de talento e sonoridade, que imprime seus 20 anos de carreira solo. –  Ana Júlia Trevisan

Elis Regina – Elis (Remastered)   

Neste 17 de março, dia quase sagrado para milhões de pessoas, Elis Regina – a maior cantora brasileira de todos os tempos, diga-se de passagem –  completaria seus 76 anos de vida. Já faz quase 40 anos daquele traumático 19 de janeiro em que Elis se concretizou como estrela no sentido literal da palavra. A saudade dela cresce cada dia mais no coração e na memória de todos nós, amantes de seu trabalho e admiradores de sua pessoa.

Para saciar a saudade dos fãs da gaúcha, seu filho João Marcelo Bôscoli nos presenteou com a remasterização e nova mixagem do disco Elis (1972). Já não é a primeira vez que ele utiliza sua arte de produção musical para relembrar e exaltar a carreira e a vida de sua mãe. Essa tarefa nada fácil é feita com imensa maestria e nos comprova, mais uma vez, todo o talento da cantora, presente não só na sua voz, mas também no DNA.

O álbum conta com os clássicos Nada Será Como Antes, Atrás da Porta, Casa no Campo e Águas de Março. Além de músicas como Olhos Abertos, Me Deixa Em Paz e Boa Noite Amor, que nos trás um “lado B” pouco conhecido de Elis. Esse primor em formato de álbum, disponível em vinil e CD, está em todas as plataformas digitais para o deleite dos fãs. – Guilherme Teixeira

The Weeknd – House of Balloons (Original)

Jamais poderemos negar o talento de The Weeknd. Trazendo sempre uma sonoridade única que o caracteriza, o cantor consegue unir o pop mainstream a sua personalidade, dosando pitadas eletrônicas e às vezes até mesmo de rock em seus projetos. O estouro que seu trabalho deu em 2020 com o álbum After Hours lhe abriu portas e, melhor do que isso, nos abriu caminhos para que retornássemos às origens do cantor, a fim de acompanhar esse delicioso amadurecimento.

House of Balloons, primeiro disco de The Weeknd, foi disponibilizado neste mês de março nas plataformas de streaming. Retornando à sua estreia em 2011, somos agraciados com músicas intensas que nos fazem se perder em meio a um universo sonoro mágico criado por ele, sendo as principais representantes High For This e aquela que dá nome ao álbum. Sempre muito atento aos detalhes, tudo no disco parece se encaixar perfeitamente, pedindo para que a coletânea seja colocada no repeat e reproduzida eternamente. Nós não nos importarmos com isso. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Justice

Depois de retornar para o mundo musical com o abominável Changes, não se podia esperar muito de Justin Bieber. E, curiosamente, ele conseguiu nos surpreender. Enterrando de vez sua relação delirante com o R&B, o canadense resgata suas raízes com o pop em Justice. Apesar de conceitos falhos, que vão desde o título do álbum até um discurso de Martin Luther King entre as faixas, a produção consegue entregar toda a musicalidade leve e contagiante que esperamos por tanto tempo.

Junto com as serenatas românticas de sempre, Bieber traz letras mais sinceras e pessoais, tratando sobre seu problema com as drogas (Off My Face) e as dificuldades do estrelato (Lonely). E também se mostrou cada vez mais aberto sobre sua espiritualidade, algo que já era previsto após o lançamento do single Holy. Outra novidade de sua nova fase é a valorização de seus vocais, ainda mais reforçados pela série de performances ao vivo que vem realizando. 

O sucesso do álbum também se deve ao seu time de peso, que conta com nomes como Skrillex, FINNEAS e Josh Gudwin na produção, além dos brilhantes feats como Daniel Caesar, Burna Boy e Khalid. Uma curiosidade é que a faixa Hold On tem o cantor Gotye creditado, por utilizar samples da música Somebody That I Used To Know, que, por sua vez, usou samples de Seville, do brasileiro Luiz Bonfá, que também recebeu os devidos créditos. Bieber conseguiu explorar e se divertir por novas tonalidades do pop, mas sem sair da atmosfera musical que o consagrou como o artista que é hoje. Justice é, de fato, o seu retorno triunfal. – Vitória Silva

Rico Dalasam – Dolores Dala Guardião do Alívio

Um tempo longe dos holofotes da indústria musical parece ter feito bem para Rico Dalasam. Depois de sofrer com linchamentos virtuais em 2017 devido a polêmicas judiciais, o rapper retorna amadurecido em Dolores Dala Guardião do Alívio, um álbum menos pop, menos comercial, porém bem mais intimista e sincero, provando que sua arte transcende qualquer estereótipo ou rótulo. Anteriormente lançado como um EP de cinco faixas em maio de 2020, sua premissa é agora potencializada para tornar-se uma narrativa alegórica, cativante e imersiva que passeia pelas vivências do poeta nos últimos três anos, mergulhando em temas como negritude, homossexualidade, colonialismo e relacionamentos inter-raciais.

Sendo assim, Rico aborda suas experiências individuais para comentar temáticas sociais coletivas, porém sem nunca soar redundante ou reducionista: ele sabe que sua bagagem pessoal não resume um fenômeno sociopolítico complexo. Visto isso, ele universaliza esses eventos, tornando-os relacionáveis para o ouvinte, entretanto ainda depositando a eles um caráter único e particular que só ele poderia dar, encontrando no caminho o equilíbrio perfeito entre o amplo e o singular. Usando tais ferramentas, Dalasam costura sua fábula através de distintas sonoridades afro latinas das mais diversas origens, inevitavelmente atravessando também a história do continente latino-americano.

Com uma tracklist potente e plural, explora desde as intempéries de um romance inter-racial em Braille, vendo-o evoluir para um relacionamento abusivo que fatalmente reproduz opressões raciais e coloniais em Mudou Como?, o enfrentamento de uma situação de abandono em Última Vez, uma revisita nostálgica a um tempo e lugar distantes em Vividir, até o fatídico término, seguido de uma reconciliação pacífica, ainda que não menos crítica, em Estrangeiro. Rico Dalasam apresenta com Dolores Dala Guardião do Alívio uma obra tanto reconfortante e consoladora quanto autoconsciente, difundindo sua mensagem através de uma plataforma que ele mesmo construiu. E, acredite, nós definitivamente deveríamos estar prestando atenção. – Enrico Souto

Evanescence – The Bitter Truth

Se você teve a oportunidade de escutar o melhor do rock que estava sendo produzido no início dos anos 2000, é certo que conheça pelo menos uma música da banda Evanescence. Popular entre todos os estilos graças a Bring Me To Life, do álbum Fallen de 2003, o grupo liderado por Amy Lee entrega no mês de março seu sétimo disco original. Inteiramente construído de forma a contar uma história sonora, somos engolidos pelos vocais de Lee e pela bateria de Will Hunt, que juntos dançam uma valsa no melhor estilo punk.

Não deixa de ser clichê falar que Evanescence entregas músicas poderosas, mas haveria então outra forma de definir Broken Pieces Shine do que como o poder em sua forma mais bruta? O que encontramos na coletânea de The Bitter Truth é uma cadência de emoções intensas, mas extremamente alinhadas. Não estamos falando aqui de gritos jogados ao vento ou uma potência sonora sem propósito, mas sim de um trabalho inteligente que consegue prender, até mesmo aqueles avessos a esse gênero, em uma incessante busca de saber como será a próxima faixa.

O refrão de The Game Is Over nos leva diretamente para o rock mais emo consagrado na primeira década deste século. Já Wasted On You nos agracia com uma suavidade tão aguda que fica impossível não fechar os olhos para simplesmente sentir os vocais de Amy. Orgânico, o disco constrói sua heterogeneidade em meio a um crescente de emoções que nunca se abalam, produzindo assim um dos melhores álbuns da carreira de Evanescence. – Ana Laura Ferreira

Zara Larsson – Poster Girl

Dentro do nicho do pop, vira e mexe o termo “música de playlist da Renner” é utilizado para se referir a canções que combinam com a vibe loja de departamento. Sendo bem direto, Zara Larsson é exatamente isso. É algo ruim? Não exatamente. Quem nunca ouviu uma música enquanto dava uma olhada nas camisetas moderninhas e pegou o celular para descobrir qual era pelo Shazam? Porém, é algo que indica o maior problema de Zara: a falta de uma identidade definida que a diferencie. Poster Girl não é ruim, mas a maioria de suas músicas poderia ser de qualquer um tentando fazer um pop que hite nas playlists do Spotify. 

O maior problema do disco é justamente que a ideia da garota-sonhando-em-ser-estrela-pop-de-pôster é levada um pouquinho a sério demais. Zara não assina metade das canções, sendo uma das exceções a maravilhosa (ufa!) Love Me Land. Ou seja, parte do que ela canta ali não veio dela mesma. E até o que veio teve dedo de outros trocentos compositores. A polêmica de artista vs. intérprete pode levar a discussões, mas aqui é inegável que se torna uma problemática. No fim do dia, quem é realmente Zara Larsson? Ela é a garota do pôster para quem podemos olhar e nos identificar? – Jho Brunhara

EPs

ARON e MYGAL – Nieve

Enquanto a quarta temporada de Elite não sai do forno, os atores tentam engatar sua carreira na música. A primeira foi Danna Paola, com a chegada de K.O.. Agora, foi a vez do favorito dos fãs, o apaixonante Arón Piper. Sua voz rouca marcante somada às letras alcóolicas não poderiam trazer outra imagem a não ser a sua à nossa mente. 

Em 2020, Arón já havia lançado singles soltos, como Todo e Friends, provando que seu talento não fica restrito à Ander Muñoz. Neste ano, o alemão se arriscou e lançou um EP com apenas cinco músicas, em sua grande maioria, acompanhado de parcerias. Entretanto, as duas primeiras canções são as que mais se destacam. A primeira, a faixa-título, traz um som parecido com chocalhos que a tornam mais calma, transmitindo a preocupação e a frustração do eu lírico. Já a segunda, Cielo Morao, tem aquele ar caótico de uma festa baseada em doses de bebida e drogas ilícitas. Seus primeiros minutos remetem à We Can’t Stop, de Miley Cyrus. 

Apesar delas terem ritmos totalmente diferentes, são as mais difíceis de caírem no esquecimento. A falta de uma divulgação mais engajada e uma batida mais grave em todas as canções (aquelas que fazem vibrar o coração), tornam o EP facilmente ignorável. Por enquanto, fica a torcida para que o sotaque memorável de Arón firme mais no meio musical. – Júlia Paes de Arruda

---

Charlotte Lawrence – Charlotte 

Charlotte Lawrence foi uma ótima descoberta para o nicho pop da internet em 2017. Com sua sonoridade brilhante e personalidade sincera, a modelo conquistou um número considerável de seguidores nas redes, além de conseguir um contrato vantajoso com a Atlantic Records. Em março ela lançou seu segundo extended play, Charlotte, que mistura mid-tempos irritantes e infusões pop rock que amargam ainda no primeiro play. O single promocional Talk You Down insiste, mas soa mais como um descarte de Selena Gomez. Nem as guitarras do renomado Ryan Tedder conseguem salvar o projeto.

A obra só chama atenção no final: Why Do You Love Me é um pop rock direto dos anos 80, com a sarcástica narrativa de Lawrence e a produção eletrizante de Charlie Puth, que remete a grandes sucessos do produtor, como Attention e How Long. Longe de seu ótimo antecedente Young, Charlotte é vazio e desanimador – a energia adolescente e encantadora que ela trouxe no início de sua carreira parece ter sido apagada por completo. A composição detalhista da musicista não combina com a produção datada e irritante da obra – por enquanto, é melhor ela ficar pelas passarelas. – Laís David

“Há algo especial sobre Knebworth”, aponta o baterista Nick Manson, em comunicado à imprensa, ao relembrar apresentação histórica do Pink Floyd em um dos palcos mais importantes da Inglaterra. Três décadas após juntar forças com Paul McCartney, Eric Clapton, Genesis, Robert Plant e outros vencedores do Silver Clef Award, a banda disponibilizará (em CD, LP e streaming) o show completo no álbum ao vivo Live at Knebworth 1990. 

Previsto para ser lançado no dia 30 de abril, o álbum traz a setlist modesta daquela noite, mas que carrega os maiores hits da banda. A parte A do LP já está disponível no Spotify com as célebres The Great Gig in the Sky e Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5). A faixa de The Dark Side of the Moon tem como convidada Clare Torry, vocal original que tornou a música conhecida por usar sua voz apenas como instrumento, sem cantar uma palavra sequer.

Já a composição de cinco partes, que conta com a participação da saxofonista holandesa Candy Dulfer, abre o concerto de forma majestosa fazendo jus a atmosfera da história que assombra essa faixa. A música é um tributo a Syd Barrett, mente criativa e perturbada dos primeiros anos do Pink Floyd, que foi afastado por problemas com drogas e logo substituído por David Gilmour. Anos após a separação conturbada, Barrett fez uma visita inesperada aos estúdios justamente enquanto a banda trabalhava na música que o eterniza (Shine on You Crazy Diamond). Este ano, a morte de Syd Barrett completa 15 anos. – Maria Carolina Gonzalez

Joshua Bassett – Joshua Bassett

Parece um tanto piegas dizer, mas às vezes o menos é realmente mais, e no caso de Joshua Bassett o mais é um exagero de ritmos e sonoridades que, ao invés de se complementarem, apenas nos desorientam. É muita informação saltando aos nossos ouvidos ao mesmo tempo e nos vemos perdidos, sem saber em que prestar atenção. Tentando atirar para todos os lados, o cantor mistura inúmeros estilos, acertando em cheio em alguns e errando o alvo em outros, como se estivesse fazendo isso de olhos vendados.

As grandes estrelas do EP, que leva o mesmo nome de Joshua, são Do It All Again e Only a Matter of Time, isso por serem também as músicas mais contidas e centradas. Em contrapartida, Sorry abre o álbum como um tsunami sonoro que nos atordoa e anestesia para seguirmos o disco. Saltando entre o eu lírico do apaixonado e o do passivo-agressivo, Bassett mostra que sabe fazer música, mas se vê cego por sua ânsia de ser certificado com esse talento.

Joshua Bassett era uma boa oportunidade de destaque para o músico que tem seu nome crescendo na boca das pessoas. Contudo, o tiro saiu pela culatra ao entregar um material sufocante que chama mais atenção por seu turbilhão do que pela técnica ou valor sentimental. Talvez, se fosse diluído entre outras faixas mais simples e contidas, o EP poderia ser bem digerido, mas infelizmente teremos de esperar os próximos trabalhos de Joshua para descobrir se essa intensidade é naturalmente sua ou parte de um belo pé na porta para apresentá-lo à indústria da música. – Ana Laura Ferreira

O que mais chamou a atenção no EP foi a estética impecável (Foto: Reprodução)

Selena Gomez – Revelación

Selena Gomez está de volta com mais um projeto e, dessa vez, uma promessa de uma década: o álbum em espanhol. Há muito tempo a cantora quer fazer um trabalho que reflita sua ascendência latina paterna e finalmente aconteceu. O EP Revelación nasceu e está incrível. Com singles que chamaram a atenção, o álbum coleciona faixas interessantes a serem exploradas.

A cantora aproveitou a oportunidade e se mostrou confiante do início ao fim em um campo pouco explorado por ela. Em todas as músicas, Selena não deixa a desejar na pronúncia do idioma, mesmo que seu espanhol não seja mais fluente. Vicio, Adiós e Buscando Amor são o top 3 desse trabalho, as músicas reúnem letras desinibidas e independência emocional. O projeto conquistou o recorde de EP solo com maior número de #1s ao redor do mundo e a maior estreia de um EP feminino no Spotify. 

Em meio à polêmica de se aposentar da música, o disco foi um sucesso. Um trabalho confiante, sensual e de extremo amor próprio. Selena deu o que o público sempre esperou dela, e a esperança é que ela continue assim para proporcionar mais trabalhos como esses. O que tinha tudo para ser um apanhado de reggaetons, se tornou uma virada de chave na atualidade musical da texana. Revelación é o primeiro passo para Selena não querer mais desistir da música. – Giovana Guarizo

Drake – Scary Hours 2

Drake passou por maus bocados nos últimos meses. Depois de se hospedar um tempo numa clínica de reabilitação, o canadense cancelou o lançamento de seu futuro disco, enfrentou o período da recuperação da cirurgia no joelho e sumiu desde então. Boatos apontam que o rapper já está com seu próximo sucesso pronto, gravando clipes e tudo mais. Mas, por agora, conhecemos a parte 2 do projeto Scary Hours.

O material da vez, com uma faixa a mais que o EP de 2018, não arremata Drake longe de sua zona de conforto, mas também nem deveria. What’s Next agita o clima, que será suavizado ao lado de Lil Baby com Wants and Needs. Lemon Pepper Freestyle fecha Scary Hours 2 na melhor nota do trabalho, performada junto de Rick Ross por mais de seis minutos. Drake comemorou os recordes quebrados, e bem que poderia usar essa energia para finalmente nos mostrar o que aprontou para o Certified Lover Boy. – Vitor Evangelista

Músicas

Elza Soares – Nós 

Março é um mês marcado pela comemoração do Dia Internacional da Mulher. Data, essa, usada para lembrar a importância dos direitos e igualdade feminina. No dia em que lutamos para nossa voz ecoar mais forte, a mulher do fim do mundo lançou a regravação do single Nós em homenagem a data. Além da canção, Elza Soares também apareceu no especial Falas Femininas da Rede Globo, depondo sobre ser mulher nos tempos de hoje e dando voz à O Que Se Cala, do álbum Deus é Mulher.

Inédita na voz da cantora, a música já mostrou sua potência no fim do segundo milênio com gravação de Cássia Eller mas, dessa vez, tem uma força diferente vindo da intérprete, uma força de 90 anos de luta. A canção ainda conta com um belíssimo videoclipe repleto de fotos da cantora e com a letra nas manchetes do jornal. Elza Soares é resistência e acerta em cheio tudo aquilo que se propõe a fazer. Nós é o primeiro lançamento musical da carioca em 2021 e prepara o campo para brilhantes trabalhos durante o ano. – Ana Júlia Trevisan 

Ashe e FINNEAS – Till Forever Falls Apart

Em março, completamos um ano de quarentena. Um ano trancados em nosso isolamento e tendo nas artes o principal amparo. Em meio a tantas emoções intensas, a música ganhou novos patamares conseguindo imprimir todo esse drama em melodias embaladas solenemente. E é desse caos controlado e dos gritos modulados que Ashe e FINNEAS entregam Till Forever Falls Apart, como uma trilha de sensações exorbitantes que nos submergem na intensidade de sua composição.

A cantora que ganhou destaque depois de sua participação na trilha de Para Todos Os Garotos: P.S. Ainda Amo Você, mostra ser muito mais do que apenas uma one-hit wonder ao se juntar a FINNEAS, que aos poucos vem perdendo o cargo de “irmão da Billie Eilish” para traçar seu próprio legado. E se não bastasse todo o poder emocional que melodia e letra transmitem, o single veio acompanhado de um clipe igualmente melancólico e belo. A fotografia apagada em contraste com os tons amarelados e azulados criam uma atmosfera cinematográfica que nos impede de piscar enquanto o assistimos.

Talvez seja muita pretensão colocar a canção, bem como todos seus elementos visuais e sonoros, no mesmo patamar de grandes obras milenares. Mas de que outra forma teríamos de classificar Till Forever Falls Apart senão como um exemplo cru e óbvio de excelência artística? O single, que merecia um lugar em museus de todo o mundo, é a evocação do poder que a música tem sobre nós. – Ana Laura Ferreira

Foxes – Kathleen

Em abril, a britânica Louisa Rose Allen, conhecida pelo nome artístico Foxes, quebra seu hiato com o lançamento do EP Friends in the Corner, seu primeiro disco desde 2016. Ele reúne todos os singles lançados desde a volta da cantora ao cenário do pop em 2020, incluindo o recém-lançado Kathleen. Inspirado em uma conversa que ela teve com sua avó, Kathleen Allen, a música é uma homenagem simples e melódica à ela.

Apesar de começar com versos simples e diretos, um refrão breve e energético revela as raízes pop da artista, que repete animadamente as palavras de Kathleen sobre amor, término e a não se prender ao passado. Foxes usa as mesmas técnicas dos últimos singles para criar composições que não necessariamente se distanciam de seus trabalhos anteriores, mas que parecem dar outro tom às suas canções.

O videoclipe de Kathleen acompanha bem as palavras da musicista, mostrando uma bela dança de balé que traduz visualmente o diálogo na letra e a admiração da cantora por essa figura que claramente significa tanto para ela. Apesar do ritmo acabar se tornando repetitivo na parte final, há uma bela inserção do áudio original da conversa que consegue terminar belamente essa homenagem. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Urias – Foi Mal

Urias já foi modelo, drag queen, assistente pessoal de Pabllo Vittar e agora é artista musical. No final de 2019, a mineira de 25 anos estreou na cena pop nacional através do EP homônimo, já se consagrando como uma promessa de sucesso pelo seu estilo único e inovador, e assim ela segue em seu novo single. Imersa na sonoridade da música brasileira dos anos 90, Foi Mal é uma nova faceta de Urias, que até então conhecida pela sua atitude e poder, agora faz um desabafo íntimo e vulnerável sobre as dores e delícias do fim de um amor ruim.

Seu glamour característico, no entanto, não é sufocado pelo sofrimento. Foi Mal pode até soar melodramático – e isso não é necessariamente um defeito, vale destacar -, mas Urias vive a fossa como uma exímia diva no videoclipe charmoso da canção. Com produção da Brabo Muisc Team – assinatura comum em grandes sucessos do pop brasileiro que surgem na voz de Anitta, Iza e Luísa Sonza -, o single é poderoso na profundidade do eu-lírico da artista e prepara o terreno para seu novo e primeiro disco, que deve ser lançado ainda no primeiro semestre de 2021. – Raquel Dutra

Bebe Rexha – Sacrifice

Elevando os patamares de femme fatale para sua proposta mais literal possível, Sacrifice entrega as batidas agitadas do fim dos anos 1990 e início dos 2000 com uma roupagem própria que mostra a influência das grandes divas da época, como Christina Aguilera, sem perder personalidade. Bebe Rexha sabe como contrastar sua voz particular com um ritmo agitado próprio para as festas pós-pandemia. Entretanto, toda essa estética baseada no sobrenatural que cerca a canção é apenas uma roupagem que esconde sua mesmice.

Com um clipe empolgante e visualmente bonito, Sacrifice na verdade se mantém na mesma temática, ritmo e sonoridade de tantas outras produções anteriores da cantora. Entrando em um ciclo vicioso, Rexha cria expectativas monumentais que são quebradas com músicas que passam aquela sensação de “já escutei isso antes”. O que torna tudo mais triste é saber do poder e da potência da cantora, que tem qualidades mais do que suficientes para entregar produções monumentais, mas se mantém na segurança de sua estagnação. – Ana Laura Ferreira

ROSÉ – On The Ground  

Atingindo o novo recorde de artista solo de k-pop com mais visualizações no YouTube, em seu primeiro projeto a parte do grupo BLACKPINK, ROSÉ obteve aproximadamente 42 milhões de views no período de 24 horas pós-lançamento de seu single On The Ground. O sucesso de sua composição é mais uma conquista para a carreira da cantora neozelandesa, que agora investiu em um projeto individual, paralelo ao seu trabalho como integrante de uma das girl group de k-pop mais famosas da indústria musical até o momento.

Alcançando tanto sucesso, percebemos que toda a dedicação de ROSÉ em seu primeiro single álbum está sendo compensada tanto a ela, quanto também para nós, admiradores do grupo e suas integrantes. O debut solo R, contém duas faixas, Gone e On The Ground, uma canção sobre amadurecimento, amores e desilusões, que já chegou aclamada com um clipe que intercala entre explosões e campos floridos. Além de uma produção audiovisual impecável, essa música é uma demonstração do potencial da artista, que deixou todos nós ansiosos para saber quais serão os próximos passos de sua carreira. – Gabriel Brito de Souza

Kylie Minogue, Dua Lipa e Initial Talk (Studio 2054) – Real Groove Remix 

A sensação reconfortante da nostalgia pode ser por vezes traiçoeira, pois nos cega de comodidade enquanto aproveita para reproduzir em uma mesmice desnecessária. Entretanto, não é isso que acontece no remix de Real Groove. Kylie Minogue traz toda a sua estética sonora, que se consolida a anos, com uma nova pitada de frescor ao lado da mais recente ganhadora do Grammy de Melhor Álbum Pop Vocal, Dua Lipa, tendo como bônus o nome de Initial Talk no time.

Intensa é a melhor palavra para definir essa música que é empolgante e ao mesmo tempo saudosa. As tradicionais batidas oitentistas de Minogue se misturam com o tecnopop dos anos 90 e com todo o respiro de inspiração que vimos surgir em 2020 com nomes como The Weeknd e a própria Lipa. Tudo se torna ainda mais gratificante de se escutar nessa, que é a segunda versão do remix, por trazer ainda mais inovação e distinção a uma canção que já era, por si só, imponente. – Ana Laura Ferreira

Jão – AMOR PIRATA  

O cantor Jão, que não possuía novas músicas desde 2019, parece que chegou neste ano com sua nova era. Coringa, lançada em fevereiro, foi o pontapé inicial, e em março, AMOR PIRATA vem para acrescentar no repertório do paulista. As composições destes novos trabalhos parecem casar e não fogem de um amor mais desapegado. Jão sofre mais uma vez, mas agora parece estar aproveitando algum lado positivo dessa história. Com uma letra e uma melodia alegre, ele pode alcançar lugares diferentes com essas novas canções. 

O cantor lançou também um clipe que possui uma vibe que se conecta muito bem com a melodia. O vídeo apresenta o Jão como um marinheiro que é encantado por uma sereia e levado ao fundo do mar. Com isso, o nome da música revela um duplo sentido. Um que se conecta com a letra e o outro com a história retratada no clipe. Com esses novos trabalhos, a gente não se apaixona por Jão só na sexta-feira. – Ana Beatriz Rodrigues

Silk Sonic, Bruno Mars e Anderson .Paak – Leave the Door Open

Quando se trata da indústria da música muito se fala sobre renovação, criação de eras e reinvenções constantes. Artistas como Taylor Swift, Lady Gaga e Beyoncé ilustram magnificamente cada uma de suas fases criando estéticas próprias e singulares, sempre trazendo novidades por vezes inimagináveis, afinal, quem se quer sonhou que Swift passaria de Lover para folklore em tão pouco tempo? Contudo, essa pressão da indústria que pede por recriações se restringe apenas às musicistas, que são taxadas de “folgadas” ou “sem graça” quando ousam reutilizar um estilo, enquanto músicos, como Bruno Mars, são aclamados como inovadores ao entregarem mais do mesmo.

Leave the Door Open é suave, gostosa de se escutar e um tanto cativante, isso não podemos negar. Mas onde está a inovação? Não seria essa apenas uma réplica barata de canções já entregues pelo cantor? Isso definitivamente não precisaria ser um problema caso sua aprovação pela crítica não fosse embasada em uma suposta revolução no som de Mars.

Empregando uma estética visual e sonora que data do fim da década de 70 e início da de 80, o músico decepciona em seu tão aguardado comeback, ao lado de .Paak e Silk Sonic. O que nos resta agora é aguardar pelo mais novo álbum do cantor, prometido para os próximos meses, e torcer para que o primeiro single seja apenas um desvio de sua criatividade. Sabemos do potencial de Bruno e por isso rezamos para que ele seja usado. – Ana Laura Ferreira

Aly & AJ – Pretty Places

Com o lançamento do novo álbum a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun se aproximando, o duo pop Aly & AJ revelou seu terceiro single no início de março. Pretty Places, que chega após as batidas românticas de Slow Dancing e do pop rock 2000 de Listen!!!, complementa os ritmos ecléticos do novo disco das irmãs Michalka. Inspirado pelo rock dos anos 60 e 70, Pretty Places captura a sensação de uma road trip através das planícies californianas que as irmãs chamam de lar.

O violão é o instrumento mais marcante da nova faixa, ecoando o ritmo e o compasso do country rock americano, deixando claro que o novo ciclo delas é pautado na diversidade de estilos musicais. Apesar do recente sucesso da regravação explícita de Potential Breakup Song, as duas já confirmaram não querer repetir seus sucessos, optando por aumentar cada vez mais seu repertório instrumental e se manterem fiéis às suas letras.

O sentimento é de sair em busca de novos começos e deixar o passado para trás: “Todos os lugares lindos/Nos tiram de onde a dor está/Esse céu aberto/Deixando o passado para trás/Eu iria, por todos os lugares lindos”. O videoclipe que acompanha a música reflete esses temas em sua estética, mostrando elas viajando num conversível enquanto a melodia country dá ritmo às suas experiências. Descrita pelo próprio duo como “a música que elas mais gostaram de ter escrito”, Pretty Places é um ode às grandes e simples jornadas que fazemos em busca da felicidade. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Convidada mais que especial, Maria Rita fez a festa no Quintal dos Prettos (Foto: Reprodução)

Quintal dos Prettos e Maria Rita – Num Corpo Só / Coração em Desalinho (Ao Vivo)

O Quintal dos Prettos é um roda de samba na qual, diga-se de passagem, é um dos primeiros lugares que pretendo ir pós-vacina. Um dos melhores pagodes de São Paulo, o quintal mantém o formato clássico das rodas acústicas, referenciando grandes nomes da música brasileira. Em 2019, os irmãos Magnu Sousá e Maurílio de Oliveira convidaram Maria Rita, Emicida, Arlindinho e Salgadinho para esquentar a tarde fria de São Paulo com a gravação de um DVD no Maria Zélia.

Esse mês foi disponibilizado nas plataformas digitais a gravação feita em participação da grandiosa Maria Rita. O single é a junção de dois grandes clássicos na voz da cantora: Num Corpo Só / Coração em Desalinho. A primeira é composição de um dos maiores mestres do samba, Arlindo Cruz, e acompanha Maria desde seu primeiro disco de samba, o Samba Meu. A segunda já foi trilha de novela e é composta por Monarco, baluarte da Portela que é a escola de coração da cantora. 

A emoção da gravação está na voz do povo. Maria Rita puxa Num Corpo Só / Coração em Desalinho sem fazer o uso de microfone, tendo seu vocal abafado pelo calor do público. A  cantora, que é dona da voz mais potente do Brasil, mostra sua forte presença de palco enquanto se diverte com a cantoria da roda. O single é produzido levando a ferro e fogo o ditado repetido por Maria em todo show: “A voz do povo é a voz de Deus”. – Ana Júlia Trevisan

Maroon 5 e Megan Thee Stallion – Beautiful Mistakes

Não é sempre que bons artistas entregam boas músicas, e esse é o caso do mais novo single do Maroon 5, Beautiful Mistakes, em parceria com Megan Thee Stallion. A canção chiclete, que parece mais o resgate de um pop dos anos 2000 negado pela banda em oportunidades anteriores, irrita com suas batidas genéricas e enjoativas. Talvez a melhor forma de nos referirmos a essa música é como preguiçosa, afinal, repetir incansavelmente os mesmos três beats não é sinônimo de grandes produções.

E se já não bastasse a escolha duvidosa, o clipe que acompanha o single é a cereja desse bolo que nos dá náuseas. No mínimo estranha, a escolha por uma estética psicodélica acabou por cair na breguice. Nem mesmo a voz aveludada de Adam Levine, que parece melhorar com o tempo, ou o rap recitado pela maravilhosa Stallion conseguem salvar a produção. A combinação dos timbres é interessante, se encaixa como luva e, definitivamente, merecia mais do que a bizarrice de Beautiful Mistakes. – Ana Laura Ferreira

No Rome, Charli XCX e The 1975 – Spinning

Não tem ninguém que goste tanto de trabalhar na pandemia quanto Charli XCX (ok, talvez apenas Taylor Swift). A bola da vez é a formação de um supergrupo, ao lado de seus amigos do The 1975 e de No Rome. Ao que parece, o projeto gerará um álbum de estúdio completo e cheio das milhões de influências e peculiaridades de cada um dos artistas. O tira-gosto é Spinning, onde Matty Healy e Charli dividem os vocais, deixando No Rome no comando da mesa de som, e os meninos da banda ao fundo. 

A faixa não é inspiradora, irreverente ou propriamente refrescante. A união destes 3 talentos pode ensurdecer pelo barulho excessivo e a criatividade aflorada, e o material disponível é aquém das expectativas. Healy e Charli parecem distantes demais do microfone, e os instrumentos engolem suas belas vozes britânicas. Em formato animado pelo isolamento social, o clipe não empolga. O supergrupo, ainda sem nome (mas será que vai ter nome?), tem mais coisas no forno. Dedos cruzados para ser melhor que Spinning. – Vitor Evangelista

Demi Lovato – Dancing With The Devil

Demi Lovato teve seu comeback. Dancing With The Devil, homônimo do documentário da cantora, é uma canção que reflete a dor que ela sentiu no momento em que passou por uma overdose em 2018. A situação que quase levou a morte aconteceu 3 dias após a cantora escrever Anyone, a composição que marcou o retorno de Demi ao mundo da música no Grammy 2020.

A canção é uma carta aberta de dor da cantora e um relato reflexivo sobre como o mundo da música pode ser horrível. Nos seus 4 minutos de duração, a composição é chocante e extremamente comovente. Sem dúvidas do seu talento, Demi passa as suas emoções para essa produção com a sua voz que atravessa as barreiras de sentimentos. A realidade distorcida, citada na música, é, infelizmente a triste vivência de Lovato que não tínhamos ideia da dimensão. – Ana Beatriz Rodrigues

Taylor Swift e Maren Morris – You All Over Me (From The Vault) (Taylor’s Version)

Vem sendo meses realmente bons para os fãs de Taylor Swift, em especial para aqueles que se apaixonaram pela cantora ainda em seu começo de carreira. Retornando ao seu lado mais country, a musicista lançou a inédita You All Over Me, ao lado de Maren Morris. Essa, que é a primeira faixa inédita das 6 que irão compor a regravação do disco Fearless, resgata a sonoridade mais tradicional de Swift em moldes vocais atuais e bem mais maduros.

Seria fácil escutar essa canção ao lado de willow ou cardigan. Por mais que não tragam a mesma sonoridade, uma vez que as músicas dos últimos álbuns de Taylor puxem para uma pegada pop e folk, a mais recente canção consegue imprimir uma estética que dá continuidade a sua discografia, mudando mas nunca destoando de sua proposta. Assim como migrou aos poucos do country para a sonoridade que escutamos em Lover, agora vemos a mais recente vencedora do Álbum do Ano no Grammy retornando a suas origens também de forma gradual, nos encantando ainda mais, se é que isso é possível. – Ana Laura Ferreira

Lil Nas X – MONTERO (Call Me By Your Name)

Blasfêmia vende, e todo mundo sabe disso. Madonna já usou, Lady Gaga também, assim como muitos outros artistas. Mas desde o início dos anos 2010, fazia tempo que alguém não utilizava do artifício com tanto primor, e gerava tamanho estardalhaço. Talvez Gaga saturou a heresia e demorou uns 10 anos para as pessoas se chocarem novamente? Ou a geração TikToker nem lembra de Alejandro e Judas, e quem dirá Like a Prayer? Não dá para saber. A verdade é que Lil Nas X além de saber escrever boas canções, é um gênio do marketing. Sua própria carreira surgiu dos memes: ele colocava Old Town Road em vídeos engraçados e espalhava nas redes sociais, e a música estourou após o ‘yeehaw challenge’ no Tico e Teco.

A antecipadíssima MONTERO (Call Me By Your Name) cumpriu totalmente sua promessa. Anunciada meses atrás por Nas e tendo seu lançamento enrolado ao máximo para gerar hype, fez valer a espera. Deixando o clipe de lado, vemos aqui mais uma vez o talento do artista com palavras e melodias, e sua força como cantor negro e gay, uma raridade no pop e mais ainda no rap. Para os que achavam que Old Town Road seria sua coroação como one-hit wonder, MONTERO prova exatamente o contrário. – Jho Brunhara

Clipes

Doja Cat – Streets  

Além da sua recente performance como uma das atrações do Grammy Awards 2021, a rapper norte-americana Doja Cat tem alavancado sua carreira cada vez mais com seus hits de sucesso no TikTok, como é o caso da música Streets, de seu último álbum, Hot Pink. Próximo de sua apresentação em uma das maiores premiações musicais do mundo, a cantora lançou o tão esperado clipe da faixa, depois do hype que a composição recebeu através do ‘silhouette challenge’, que invadiu as redes sociais nos últimos meses, além dos muitos pedidos de seus seguidores.

A nova produção audiovisual da artista inicia com a mesma, como um manequim na vitrine de uma loja em frente a uma rua congestionada, mas que ao decorrer da cena e a forma como o outro personagem a observa muda totalmente o clima da história. A transição de um ritmo instrumental para uma mistura de pop eletrônico e R&B, torna a música, junto a cena, em um ritmo mais sensual e atraente que nos cativa a continuarmos envolvidos pelo encanto de Doja Cat. Esse mais atual lançamento é um presente ao olhos e ouvidos dos amantes de seus trabalhos, além de um mimo para seu aclamado álbum, Hot Pink. – Gabriel Brito de Souza

SZA – Good Days

Lançada no dia de Natal de 2020, aniversário da falecida avó da cantora, Good Days fez muito mais sucesso do que SZA ou sua gravadora inicialmente projetaram. Tanto que o clipe só veio agora, meses depois da chegada da faixa. Cantando sobre as expectativas colocadas em si mesma, a artista é menos pontiaguda do que vimo-nas ser no debut, mas as composições elevam o grau de qualquer inspiração mundana ou simplória.

O clipe, dirigido pela própria, assinando como Solana, mistura o lúdico com a dança. Deslumbrada pelo mundo dos sonhos, SZA se move ao som de seus pensamentos e motivações, ela desliza num pole dance na biblioteca. Explorando cada vez mais sua gama de talentos, a artista finaliza Good Days com um trecho de Shirt, próximo single da era. Anuncia o CD logo, SZA, tem criança doente esperando aqui! – Vitor Evangelista

Miley Cyrus – Angels Like You

Miley Cyrus fez de seu novo clipe um meio para reforçar a mensagem mais importante do momento. O lançamento do mês da artista é o vídeo da graciosa Angels Like You, novo single de seu álbum mais recente, Plastic Hearts. Entre o rock e o country, a música é sua casa perfeita, e Cyrus usa seu espaço para rolar no gramado, expressar a saudade que sente de viver a música ao vivo, enaltecer o trabalho de quem enfrentou a pandemia na linha de frente e reforçar a importância da prevenção à doença e da vacinação.

Co-dirigido pela própria, o vídeo não abusa da sorte em tempos pandêmicos e aproveita as gravações da apresentação que Miley fez no pré-show do SuperBowl 2021 para uma plateia de profissionais da saúde já vacinados contra a covid-19. É claro que o vídeo é pouco para quem já nos entregou obras icônicas como Wrecking Ball, mas, contextualizando a situação atual que é muito mais importante que qualquer capricho, Cyrus acerta em cheio mais uma vez ao honrar os verdadeiros anjos dos últimos doze meses. – Raquel Dutra

Kali Uchis – telepatía

A pandemia limitou os recursos, mas despertou o senso de exploração de novos talentos, e colocou Kali Uchis para dirigir o clipe de telepatía, destaque máximo de Sin Miedo, o álbum em espanhol que saiu meses atrás mas continua fresco e cheio de sensualidade. Com o sucesso da faixa no TikTok, Kali resolveu capitalizar ainda mais em cima da canção, e o resultado final é digno de seus trabalhos anteriores.

Respeitando o núcleo da música (a falta de contato humano) e o isolamento social, a colombiana espreme o suco do desejo sexy, nunca tocando seu objeto de afeto e fantasia. O sentimento é transmitido pelo filtro açucarado do vídeo, pelos takes de Uchis honrando um cabaré latino e pelos próprios figurinos provocantes da cantora. – Vitor Evangelista

Performances

Justin Bieber no Tiny Desk

O que Justin Bieber faz deveria ser crime. É tortura o que se sente ao ouvir os últimos registros sonoros do artista conhecendo seu potencial enquanto musicista. No ao vivo, Justin voa. Interpretação, arranjo, repertório… Tudo se transforma em ouro quando ele se entrega e sente prazer no que está fazendo. Um pouco disso é recuperado em seu álbum recém-lançado, Justice, e tudo é provado em sua apresentação no Tiny Desk, que traz versões ao vivo das principais canções do disco. 

Ele começa brando, com a bateria – sempre um de seus instrumentos favoritos – flutuando no hino de Holy e acompanhando as melodias de sua voz, limpa e equilibrada. Em seguida, somos presenteados com uma versão maravilhosa de Peaches, seu novo single que já se destaca dentre a tracklist do álbum. Na performance, o hit se transforma num R&B delicioso – muito longe do que ele fez em Changes – liderado pelos teclados de Bieber, que ainda protagonizam um jamming com um toque de jazz junto dos outros instrumentos de sua ‘banda incrível’, como ele mesmo elogia.

Uma das melhores faixas de Justice se transforma em algo ainda melhor na versão que ele apresenta no Tiny Desk. Iniciada como um pop acústico, Hold On cresce em direção a um rock perfeito para cantar bem alto num festival de música. O mesmo é com Anyone, que encerra com louvor os melhores 15 minutos de Justin Bieber em anos. Ficamos aqui, esperando que ele encontre o caminho maravilhoso que está bem debaixo de seu nariz e entenda que nasceu para fazer aquilo, exatamente daquele jeito. E boa parte dos mais de 11 mil comentário do vídeo concordam comigo. – Raquel Dutra

Harry Styles no Grammy 2021

Responsável por abrir o Grammy de 2021 com sua voz, Harry Styles performou, novamente, a canção Watermelon Sugar, que mais tarde venceu a categoria de Melhor Performance Solo de Pop na noite. No mínimo peculiar, a apresentação chamou a atenção por ir contra as últimas aparições do cantor. Apresentando uma versão muito mais sensual do single, com pitadas bem dosadas de jazz, Styles conseguiu dar uma cara nova ao hit chiclete.

Se apoiando em uma estética glam rock à la Freddie Mercury, sua roupa de couro e o boá de plumas verdes foram o real destaque. Mesmo com o desgaste que a música de seu mais recente álbum, Fine Line, sofre, é inegável que algo diferente surgiu no palco da premiação. Claro que preferíamos ter escutado outra das inúmeras canções de Styles, mas para não chorar pelo que nunca teremos, é mais vantajoso aproveitar o frescor dessa performance que foi no mínimo icônica.  – Ana Laura Ferreira

DaBaby no Grammy 2021

O rapper que iniciou sua carreira sob o nome de Baby Jesus transformou sua apresentação no Grammy 2021 numa celebração espirituosa. Com direito a coral gospel, instrumentos clássicos e uma cenografia celestial, DaBaby performou ROCKSTAR ao lado de seu colaborador, Roddy Ricch, e com participação especial do veterano do soul Anthony Hamilton, que conduziram a performance quando o artista deixou o microfone no centro do palco para reger seu coro.

A música foi indicada a Melhor Canção de Rap, Gravação do Ano e Melhor Colaboração de Rap, é um dos singles do álbum mais recente do artista, BLAME IT ON BABY, que dentre muitas colaborações com nomes de peso, como Quavo, Future e Ashanti, traz também uma canção em parceria com Artista Revelação do ano, Megan Thee Stallion. Na noite do dia 15 de março, DaBaby não levou nenhum gramofone pra casa, mas deixou sua marca gloriosa no palco mais importante da indústria da música. – Raquel Dutra 

Post Malone no Grammy 2021

Apesar de sair de mais um Grammy Awards com as mãos vazias, Post Malone não deixou de registrar sua evolução musical na premiação. Trazendo uma atmosfera gótica e medieval, que também compõe a estética de seu último álbum, o rapper optou por performar a faixa que também dá nome a ele, Hollywood’s Bleeding. E, que, ironicamente, contém uma letra que denuncia as mazelas do meio artístico, e foi cantada em um dos eventos mais problemáticos da indústria da música. 

Quase isolado no palco, Malone apostou por completo nos seus próprios vocais, beirando à rouquidão. Como apoio, ele contou com um coral ao seu redor, que sustentaram ainda mais o conceito da performance. Ficou faltando apenas emendar com uma entrada de Ozzy Osbourne cantando Take What You Want, para entregar uma apresentação tão memorável quanto sua parceria com o Red Hot Chilli Peppers no Grammy 2019. – Vitória Silva

BTS no Grammy 2021

O sucesso do k-pop chegou até os palcos da mais importante premiação da música. Concorrendo por Melhor Performance de Pop Duo/Grupo, os astros sul-coreanos, BTS, não levaram nenhum gramofone para casa, mas marcaram a noite com uma apresentação dinâmica e eletrizante, digna de quero mais. Trazendo toda a estética de seu estilo musical, o grupo dançou, cantou e brincou com todo o espaço do evento com o single Dynamite.

A apresentação que começou um tanto simples se tornava, passo a passo, mais complexa e empolgante conforme seus sete membros deslizavam, com toda a propriedade do mundo, pelos quatro cantos da cerimônia. Até mesmo quem não gosta de k-pop tem que admitir estar no mínimo cativado pela performance que uniu o som aveludado da banda à agitação e dinamismo que o Grammy pedia. Encerrando no topo do prédio, com a vista panorâmica de L.A., o BTS provou que mesmo sem seu gramofone eles não estão para brincadeiras e que, em 2022, é bem capaz de os vermos ainda mais na premiação. – Ana Laura Ferreira

Megan Thee Stallion e Cardi B no Grammy 2021

A primeira vez de Megan Thee Stallion no Grammy foi memorável. Transbordando confiança, a artista brilhou em sua performance de Body e do hit premiado como Melhor Canção e Performance de Rap e indicado a Gravação do Ano, Savage Remix. Infelizmente, Beyoncé não nos agraciou com sua participação na apresentação enquanto parceira na canção de Megan, mas o espaço da insubstituível Queen B não ficou no negativo.

A Artista Revelação de 2021 foi acompanhada pela icônica e querida Cardi B, que intervalou a performance da novata com seu single mais recente, Up. Então, as duas se encontraram numa apresentação enérgica e grandiosa de outro sucesso que provocaram juntas nos últimos meses, WAP. O melhor, no entanto, ficou para o final. Cardi e Megan incluíram na canção um sample de funk de Pedro Sampaio e colocaram a cultura popular brasileira para todo o mundo ouvir na premiação mais importante da música. O que dizer sobre isso? Apenas lendárias. – Raquel Dutra

HAIM no Grammy 2021

Os amantes de rock sentiam falta de um poder feminino aos moldes de Stevie Nicks, entregando segurança vocal com ritmo e melodias sonoras mais do que bem construídas, sem precisar apelar para falsetes exagerados. E foi exatamente com isso que HAIM nos presenteou em sua performance no palco do Grammy de 2021. As irmãs se preocuparam mais em entregar um espetáculo sonoro do que um visual, e acertaram em cheio na sua aposta ao cantarem The Steps.

Sem grandes elementos, mudanças de roupas ou cenários monumentais, a banda se destaca por tocar, e trocar, seus instrumentos ao vivo. Mostrando que são mais do que capazes de deixarem sua marca na música, HAIM abriu caminho para novas indicações e apresentações na premiação, exibindo todo o seu talento que merece ser exaltado. Para quem não as conhecia, essa foi a oportunidade perfeita de entrar em contato com seu nível de qualidade extraordinário, e para os fãs devotos, a apresentação mais aqueceu os corações. – Ana Laura Ferreira

Black Pumas no Grammy 2021

Black Pumas explodiu suas cores na noite do Grammy 2021. O duo apresentou seu o soul psicodélico através de Colors, single principal de seu disco homônimo de estreia, junto de uma banda apaixonada e de um backing vocal divino. O centro das atenções, no entanto, não teve como fugir do casamento dos agudos perfeitos do vocalista Eric Burton, com os solos de guitarra de Adrian Quesada. 

Os dois nomes passaram de indicados a Artista Revelação de 2020 para concorrentes a Álbum e Gravação do Ano em 2021 com a versão Deluxe do disco que os revelou no ano passado. Mesmo que este não seja mais uma vez o ano de Black Pumas, a riqueza do som da dupla é um fato, que não deixou nada a desejar em sua performance. – Raquel Dutra

Taylor Swift no Grammy 2021

Trazendo uma floresta mágica para os palcos do Grammy, Taylor Swift nos entregou um compilado de algumas das principais músicas de seus dois últimos álbuns. Sedentos por uma apresentação ao vivo da cantora, fomos agraciados com todo o encanto e beleza do folclore criado por ela. Ao unir o fantasioso à mistura do pop, country e folk, Swift ofereceu um prato cheio de emoções para aqueles que a acompanham há uma década e meia e um convite para quem se aventura agora por sua sonoridade.

O nome da musicista foi marcante em 2020 ao lançar dois álbuns surpresas – folklore e evermore – um documentário pela Netflix e uma apresentação comentada, a the long pond studio sessions, pelo Disney+. Apesar do distanciamento e do recente cancelamento de sua turnê, que seria a primeira a passar pelo Brasil, Swift fez seu ano cheio de altos e trouxe tudo isso para o palco da premiação. Ao lado dos músicos Jack Antonoff e Aaron Dessner, Taylor embalou a noite ao trazer as canções cardigan, august e willow.

Vencendo a categoria de Álbum do Ano por folklore no fim da noite, a cantora mostrou para quem quisesse ver que ela merece o título. Muito mais do que apenas um compilado de músicas bem interpretadas ao vivo, o que Swift fez foi nos imergir em seu mundo fantasioso ao ponto de nos esquecermos de que ela não era a única a performar na noite. Chamativa por sua delicadeza e marcante por sua comoção, Taylor pôde provar, mais uma vez, que ela é a própria indústria da música. – Ana Laura Ferreira

Bruno Mars e Anderson .Paak no Grammy 2021

É difícil resistir aos encantos do som 80s de Bruno Mars e ao charme que essa característica ganhou junto de Anderson .Paak. Sob um fundo estrelado e docemente vestidos em tons caramelo, os artistas flutuaram nas melodias e harmonias de Leave the Door Open, novo single que promoveu o projeto da dupla junto da banda Silk Sonic no Grammy 2021.

Há quem diga que Bruno nasceu para fazer aquilo e que a mudança no estilo de .Paak é um acerto, há também os que se incomodam com a brincadeira de Michael Jackson, e ainda há quem use o exemplo dos músicos para nos relembrar do privilégio dos artistas masculinos. Entre as opiniões divididas, Bruno se sente em casa no passado e Anderson .Paak pareceu amar viajar no tempo junto de Mars no palco da premiação. – Raquel Dutra

Dua Lipa no Grammy 2021

Podemos dizer que estamos acostumados a esperar por performances no mínimo extravagantes quando se trata de Dua Lipa, e no Grammy não seria diferente. Iniciando o espetáculo, que teve a participação de DaBaby com uma versão imponente do single Levitating, a cantora conseguiu nos prender e manteve todos os holofotes sobre si, migrando entre diferentes roupas, cenários e danças. Sempre cheia de brilho, é unânime dizer que essa foi uma das apresentações mais marcantes da noite.

Seguindo para a música que fez dela a estrela de 2020, Don’t Start Now ganhou um suspiro de inovação ao ser mixado em uma nova linha sonora. Puxando influências claras do pop disco da década de 1990, Dua Lipa conseguiu trazer inovação, fanservice e diversão para a noite. Talvez seja sua excentricidade, no melhor sentido da palavra, ou talvez sua dualidade, que migra da delicadeza para a femme fatale, mas seja o que for, é certo que a cantora sabe como elevar os patamares de nossas expectativas e ainda ultrapassá-los. – Ana Laura Ferreira

Bad Bunny e Jhay Cortez no Grammy 2021

¡El mundo es latino! O grandioso Bad Bunny quer passar. Antes de vencer na categoria Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop com YHLQMDLG, Benito nos apresentou a deliciosa DÁKITI, ao lado de Jhay Cortez.

A enérgica performance brilhou a essência da música e o talento da dupla. No final, teve direito até mesmo a uma revelação: o elemento do palco que eles estavam caminhando era um grande olho. Mensagem secreta para o Persona? A gente finge que sim. – Jho Brunhara

Billie Eilish no Grammy 2021

Uma das primeiras performances da premiação foi de everything i wanted, de Billie Eilish, que mais tarde seria coroada com o Grammy de Gravação do Ano. Em um cenário que remete ao videoclipe da faixa, Eilish cantou em cima de um carro que parece estar afundando, tendo como companhia os vocais do seu irmão e fiel escudeiro FINNEAS, que também estava ao teclado. 

Com uma presença de palco diferente do comum, acostumada com performances movimentadas, a cantora não deixou de entregar o ideal para essa que é uma de suas músicas mais profundas. E ainda favoreceu a demonstração do seu controle e potência vocal invejáveis, que vão muito além dos sussurros que muitos costumam debochar. Mais uma prova de que nunca será demais premiar a grandiosidade de Billie Eilish. – Vitória Silva

Doja Cat no Grammy 2021

Doja Cat não aguenta mais cantar Say So, e isso é fato. Mas isso não desanima as performances, não: no Grammy, Doja mostrou mais uma vez sua capacidade de entregar números de encher os olhos.

Se preparando para começar a nova era do álbum Planet Her, ela já nos deixa ansioso pelos próximos hits que vão suceder Streets. Já Say So, podemos combinar que deu o que tinha que dar. – Jho Brunhara

O post Nota Musical – Março de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

2020 começou chutando as portas dos eventos inéditos. No Oscar, Parasita abocanhou a estatueta mais importante da noite; no Grammy, Billie Eilish quebrou um recorde de 39 anos e se tornou a primeira mulher a ganhar o Big Four, os quatro prêmios principais, em uma mesma noite (Álbum do Ano, Gravação do Ano, Música do Ano e Artista do Ano).

E um pouco depois disso o mundo acabou.

A partir de março nos vimos num limbo temporal e espacial, onde a arte era a nossa melhor amiga, nossa única distração, nossa única oportunidade de viajar, e tudo mais que você já deve ter cansado de ler nesse ano. Sem a possibilidade de fazer shows, assistimos pequenos e grandes artistas se virarem nos 30 com lives diversas. Os nomes gigantes do mainstream perderam uma receita ou outra nesse tempo, mas é com os independentes que devemos nos preocupar. Sem dinheiro não há música, e é agora que saberemos as consequências reais disso tudo. Por enquanto, só podemos esperar que as promissoras vacinas façam o segundo semestre de 2021 seguro o suficiente para retornarmos com os shows.

Para os que tinham estrutura e condições de produzir em casa, 2020 foi mais interessante. Charli nos deu o colaborativo how i’m feeling now e Taylor surpreendeu o mundo com seu folklore e o novíssimo evermore (e dizem as línguas que a terceira irmã está vindo). No Brasil, vimos artistas como Silva, Sandy e Adriana Calcanhotto também lançarem seus projetos frutos do isolamento social.

O dia infinito que foi 2020 ainda trouxe mais uma porrada de coisas: a volta bíblica de Fiona Apple e a primeira nota 10 em uma década, da impiedosa Pitchfork; a xenofobia sofrida por Rina Sawayama ao ser considerada ‘não elegível‘ para o British Music Awards mesmo sendo britânica; o racismo sofrido por The Weeknd ao não ser indicado ao Grammy 2021 nas categorias principais; a febre de documentários de artistas (Ariana Grande, Shawn Mendes, BLACKPINK, Taylor Swift…); e tantos outros acontecimentos.

Justin Timberlake já dizia em seu The 20/20 Experience: o ontem é história e o amanhã é um mistério. Se 2021 vai ser melhor? Torcemos que sim. Por agora, você pode conferir Os Melhores Discos e EPs que salvaram o apocalíptico ano de 2020, elencados pela Editoria do Persona e por nossos colaboradores.

Raquel Dutra

Nenhum lugar foi capaz de proporcionar maior consolo e conexão em 2020 como a música. Taylor Swift talvez tenha sido a artista que mais compreendeu isso e as necessidades atípicas do ano. Mudando totalmente sua estética e sonoridade, mas nunca a sua essência, em agosto, de surpresa, ela nos presenteou com as histórias íntimas e aconchegantes de folklore, e ganhou o mundo inteiro com ele. Já rasguei elogios para o álbum aqui, então, agora, vou me contentar em coroá-lo com meu primeiro lugar. Só que, não satisfeita, a fome criativa de Swift ainda dividiu conosco a irmã mais nova, mais solta e animada do primeiro álbum, evermore, como uma forma de celebrar seu aniversário de 31 anos (que não vai repetir o nome de Taylor no meu top 5, mas vale a lembrança). Outra menção honrosa é CTV3: Cool Tape Vol.3, disco lindo do Jaden, que consegue colocar em canções a doçura do amor, as delícias de viver, a liberdade da vida e a paz de assistir um pôr-do-sol. 

Chegando nas mais alegrinhas, YHLQMDLG do Bad Bunny quase começava a tocar sozinho quando era hora da faxina ou de lembrar para o meu corpo o que era a vitamina D e a endorfina com uma caminhada pelo quarteirão.  No maior país da América Latina, o ano foi de Marcelo D2 e Assim Tocam os MEUS TAMBORES. A obra-prima do artista transcende a ideia de um registro fonográfico tradicional, concretizando um trabalho transmídia grandioso em significado, identidade e importância para a produção cultural brasileira.

De volta ao top 3, dominado pela calmaria necessária para domar a ansiedade de 2020, a serenidade, constância e charme de Lianne La Havas também me capturaram, especialmente com Green Papaya, Please Don’t Make Me Cry, Sour Flower e, claro, a majestosa Bittersweet. O esperado ALICIA também merecia um lugar nesta lista só pela sua carro-chefe, Underdog. Ela vem ao lado de delícias como So Done, Gramecery Park e A Beautiful Noise, e também das batidas mais sexys de 3 Hour Drive e Show Me Love. O hino aos ‘oprimidos’ ainda se junta à injeção de ânimo que Keys direciona aos corações, corpos e mentes cansados em Good Job; e, assim, a artista transfere todo seu calor e esperanças divinos para quem teve um ano especialmente difícil. “Você está fazendo um bom trabalho” e “Continue se prendendo ao que você ama”, ela canta em apoio aos sobreviventes do ano da pandemia, e ainda deixa um verso que é quase uma promessa para 2021: “Muito em breve você irá se erguer.” Amém, Alicia.

Discos Favoritos: 1. Taylor Swift – folklore / 2. Alicia Keys – ALICIA / 3. Lianne La Havas – Lianne La Havas / 4. Marcelo D2 – Assim Tocam MEUS TAMBORES / 5. Bad Bunny – YHLQMDLG

Elder John

Apesar das dificuldades de 2020, o rap nacional se mostrou muito presente no quesito de lançamentos, com grandes nomes da cena se destacando. Falar sobre o BK’, Djonga e Rashid é redundante, cada um no seu estilo, com assuntos importantes e a qualidade que já conhecemos.

Ainda devo ressaltar Diomedes Chinaski se colocando no mesmo patamar. Prometeu o disco do ano e trouxe um produto completo: conceito, musicalidade e relevância.

Por outro lado, no funk tivemos muitos lançamentos importantes, com o Hariel sendo um dos poucos que incorporaram a cultura dos discos. Normalmente, os artistas só lançam singles, como foi o caso do MC Paulin da Capital, um dos principais nomes do gênero que não pôde aparecer na lista.

Discos favoritos: 1. BK’ – O líder em movimento / 2. Diomedes Chinaski  – Crocodiloboy / 3. Djonga  – Histórias da Minha Área / 4. MC Hariel – Avisa que é o Funk / 5. Rashid – Tão Real

Ana Laura Ferreira

Mais do que nunca, a música embalou nossas vidas em 2020, ressignificando ou até mesmo dando significado aos difíceis momentos que enfrentamos. E, apesar da divulgação interrompida, adiamento de shows e uma grande incógnita que ainda permanece, é reconfortante saber que, mesmo assim, as trilhas sonoras não pararam. Em meio a diversos álbuns, os que, para mim, se destacam foram aqueles que trouxeram intimismo, profundidade e também alegria para a quarentena.

Queria poder citar dezenas de discos que escutei repetidamente, contudo, confesso que foi fácil decidir o top 3. No topo está o álbum surpresa mais falado dos últimos meses: folklore trouxe uma Taylor Swift mais aberta, crua e livre como nunca visto antes. Seu irmão gêmeo, evermore, ficou com o terceiro lugar por atingir o mesmo nível de perfeição que o primeiro, mas ainda não ter conquistado um espaço tão grande em meu coração quanto a sinfonia em branco e preto.

Entre os dois está After Hours, que, mesmo não sendo o número um por conta do meu gosto pessoal, é, sem dúvida alguma, o melhor álbum de 2020. Dançante, incisivo e atemporal, essa é a obra que nos lembraremos quando perguntarem sobre o ano da quarentena. E, junto ao The Weeknd, Dua Lipa e Don’t Start Now marcaram as rádios mundo afora. Entretanto, não poderia, de forma alguma, deixar passar o renascimento de Selena Gomez em Rare, mais linda e empoderada do que nunca. 

Discos favoritos: 1. Taylor Swift – folklore / 2. The Weeknd – After Hours / 3. Taylor Swift – evermore / 4. Dua Lipa – Future Nostalgia / 5. Selena Gomez – Rare

Jho Brunhara

Até então, Ellie Goulding se encontrava em uma posição desconfortável: depois do insosso Delirium (2015), a cantora perdeu o interesse dos amantes do pop, ao mesmo tempo que passou a soar genérica demais para manter o interesse do mundinho alternativo. Esse talvez seja um dos motivos que justificam Brightest Blue ter passado tão despercebido em 2020, mesmo sendo o trabalho mais coeso, íntimo e sincero da artista. A outra razão pode ser a terrível exigência da Polydor Records em favorecer os featurings ultrarradiofônicos da segunda parte do CD, em vez de divulgar o projeto em si. Agora é tarde, e de gravadoras incompetentes o mundo está cheio, Ellie infelizmente não será a primeira nem a última a passar por isso. Mesmo com essa pista de obstáculos, Goulding entregou o melhor projeto da sua carreira e se coloca de volta ao mapa: Brightest Blue transborda honestidade, melodias de encher a sala e um sinal claro de que a mente por trás do Halcyon (2012) não perdeu uma gota sequer de sua visão e talento.

O ano também foi delas: Chloe x Halle provam que o R&B e o pop podem andar lado a lado sem depender dos mesmos recursos de sempre. As irmãs apadrinhadas por Beyoncé deixaram a inocência de lado para o maravilhoso Ungodly Hour. Já Troye Sivan e Christine and the Queens brilharam com seus respectivos EPs. In A Dream é uma viagem pela mente de um Troye despido de toda a parafernália superproduzida de seus projetos anteriores, e mostra sua força como compositor. La vita nuova consolidou mais uma vez Christine como uma das vozes para se ficar atentíssimo, e a faixa-título com Caroline Polachek é uma das melhores coisas proporcionadas por 2020.

Por fim, chegamos em Georgia. A talentosíssima compositora e produtora britânica abriu o ano passado, em janeiro, com Seeking Thrills. A artista é claramente influenciada por Robyn, e talvez, nas devidas proporções, About Work The Dancefloor é uma prima muito próxima (e mais feliz) de Dancing On My Own. Regado a paixão e sintetizadores, o disco é um dos imperdíveis de 2020. Menções honrosas: o cheio de juventude Kid Krow, de Conan Gray; o genuíno SAWAYAMA, de Rina Sawayama; o flashback futurista Future Nostalgia, de Dua Lipa; e o avassalador Punisher, de Phoebe Bridgers.

Discos favoritos: 1. Ellie Goulding – Brightest Blue / 2. Troye Sivan – In A Dream (EP) / 3. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 4. Christine and the Queens – La vita nuova (EP) / 5. Georgia – Seeking Thrills

Henrique Gomes

O ano de 2020 na música e a música no ano de 2020, uma dicotomia confusa, porém gritante quando se olha em retrospecto. Se trata da divisão entre sons que te levam para um campo de paz e conforto em tempos difíceis, e sons que te mostram o caos mundial impresso em cada detalhe. Na linha dos acalantos, o disco Philadelphia, de Shabason, Krgovich & Harris, caiu como uma luva ao manusear o ambient, o new age, o R&B e o jazz para moldar um retrato minimalista e sutil do cotidiano.

Outro álbum foi o Decision Time, de Charles Webster, em que o deep house é dilacerado entre sons de trip-hop e ambient, com as mais variadas influências, seja na bossa-nova ou no blues, cada detalhe do som gera uma meditação sombria e necessária. Um disco como Alfredo, de Freddie Gibbs & The Alchemist, serviu como um devaneio ao ouvinte, em que o produtor e o rapper dialogam e executam o conceito nu e cru do hip-hop entre beats, flows e participações variadas, levando o espectador para longe dentro de suas ambiências e texturas cinemáticas, narradas sob a voz tão raivosa quanto serena do rapper de Indiana.

O outro lado da moeda são os sons experimentais, barulhentos, porém belos. Como, por exemplo, o SAWAYAMA, de Rina Sawayama, em que a cantora/produtora faz um casamento entre o nu-metal, hyperpop, dance, entre várias outras influências, enquanto discorre sobre sua identidade, soando como algo extremamente caótico e criativo dentro do pop. Para finalizar, o que há de mais fiel ao que passa pela cabeça de qualquer um durante uma desordem mundial é o disco Piorou, de Tantão e os Fita. O trio rasga todas as possibilidades de adequação à lógica ao fazer músicas completamente desordenadas e barulhentas dentro da instrumentação eletrônica e industrial. A fragmentação de frases e repetição de termos são extremamente profundas quando colocadas nesse contexto sonoro e social. Eis o som de um trauma. Deixo também minhas menções honrosas: Fontaines D.C – A Hero’s Death; The Koreatown Oddity – Little Dominiques Nosebleed; Lianne La Havas – S/T; Destroyer – Have We Met; 100 gecs – 1000 gecs and The Tree of Clues; Cícero – Cosmos; e Dehd – Flower of Devotion.

Discos Favoritos: 1. Tantão e os Fita – Piorou / 2. Freddie Gibbs & The Alchemist – Alfredo / 3.  Rina Sawayama – SAWAYAMA / 4. Charles Webster – Decision Time /  5. Shabason, Krgovich & Harris – Philadelphia

Vitor Evangelista

Já virou costume meu abrir as listas de fim de ano condecorando os trabalhos que não passaram do corte, então vamos lá. Depois de florescer, Troye Sivan se aventurou pelos sonhos. Lauv usou dos clichês para expressar com alívio sentimentos da solidão. Conan Gray saiu do ninho. E, do tédio do isolamento social, Charli XCX dedilhou inspirações fenomenais. Vocês se lembram do álbum sensual que Ariana Grande prometeu com seu lançamento de 2020? Pois bem, foi Kali Uchis quem o entregou. Sin Miedo liquidifica o lado sexy da cantora, brindando nossos ouvidos com uma parafernália de influências latinas, sem nunca deixar de lado sua assinatura classuda. la luz(Fín) já nasceu clássico.

Antes de pintar os cabelos de vermelho e se aventurar pelos sete mares, Halle teve tempo de nos hipnotizar ao lado da irmã Chloe no R&B mais possante do ano. A hora ímpia a que a dupla tanto se refere em Ungodly Hour é o melhor momento do dia. Elas são tão charmosas e inebriantes confessando um assassinato em Tipsy quanto implorando pela saída fácil de uma relação dolorosa em Don’t Make It Harder On Me. O quarteto britânico The 1975 deu adeus às estribeiras e, ao invés de lançarem um disco, o resultado final de Notes on a Conditional Form soa como uma playlist (mas sempre de muito bom gosto). Jesus Christ 2005 God Bless America e If You’re Too Shy (Let Me Know) concentram o suco do talento dos músicos. 

E não foram apenas as irmãs Bailey que merecem o Tocantins inteiro em 2020. As HAIM, instrumentalistas estudadas e artistas louváveis, liberaram Women in Music Pt. III cantando sobre namoros ruins, jornalistas mal intencionados e, o mais importante, sobre elas mesmas. O ano não nos entregou nada melhor que The Steps, música para ouvir com o fone no volume máximo e tocando bateria no ar. O pódio é reservado para a cantora com o melhor desempenho na hora de criar músicas-reflexo de sua própria alma. Phoebe Bridgers é mestre em transformar os anseios da depressão e do desconforto em canções espirituais, suas letras específicas crescem pela honestidade. Seu Punisher exorciza 2020. No fecho de I Know The End, Phoebe grita até os pulmões sangrarem, e, ao som de seu lamurio libertador, damos adeus junto dela.   

Discos favoritos: 1. Phoebe Bridgers – Punisher / 2. HAIM – Women in Music Pt. III / 3. The 1975 – Notes on a Conditional Form / 4. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 5. Kali Uchis – Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ 

Leonardo Teixeira

A música salva – em 2020, mais do que nunca. Um dos grandes assuntos musicais do ano passado foi o revival da disco music (como se a dita cuja tivesse morrido algum dia). Dentre várias versões manjadas do som imortalizado por Donna Summer, Giorgio Moroder e Nile Rodgers, dois lançamentos se destacaram. O groove sensual da britânica Jessie Ware em What’s Your Pleasure?, e a veterana Róisín Murphy, com o desafiador e aventureiro Róisín Machine. Só por essas duas, o ano já estava ganho.

Mas teve muito mais coisa boa. Dar play em Set My Heart on Fire Immediately é ouvir o som do peito atordoado de Perfume Genius se rasgar todinho, uma das experiências imperdíveis do ano. Enquanto isso, Chloe x Halle mostraram que sabem a que vieram com o seu Ungodly Hour; o homônimo de Lianne La Havas foi pura perfeição acústica; me apaixonei por Bad Bunny, o maior, mais estiloso e prolífico nome da música latina atual; e Thundercat deu o nome com o soul/funk bem-humorado e cheio de experimentações de It Is What It Is.

Experiências mais curtas também ganharam meu coração em 2020. Os EPs de Christine and the Queens, Shygirl, Tkay Maidza e Troye Sivan foram grandes vitoriosos, enquanto CORPO SEM JUÍZO, a estreia da Jup do Bairro, injetou as doses cavalares de força que tanto precisei. O mantra “All you need is love/Tenho tanto pra te dar” deu o tom de um ano que começou esperançoso, desmoronou lá pelo terceiro mês, mas fechou bem, cheio de amor por aqui.

Discos favoritos: 1. Jessie Ware – What’s Your Pleasure? / 2. Perfume Genius – Set My Heart on Fire Immediately / 3. Róisín Murphy – Róisín Machine / 4. Bad Bunny – YHLQMDLG / 5. Lianne La Havas – Lianne La Havas

Giovana Guarizo

Como uma boa selenator, eu não poderia deixar de exaltar o álbum da minha artista favorita. Depois de quatro anos, Selena Gomez finalmente lançou Rare, o qual eu não parei de ouvir o ano todo (é sério, todas as músicas do disco estão na minha retrospectiva do Spotify). Repleto de mensagens sobre autoconfiança, amor próprio e superação, foi um dos álbuns pop mais aclamados neste ano caótico. Apesar dela seguir o conceito de “raro” e ser a única a não divulgar um novo trabalho, no meu ano, ele fez sentido em momentos psicologicamente necessários. Mas, por incrível que pareça, Rare, na verdade, é o meu top 2. O top 1 só poderia ser de The Weeknd. Tudo vindo dele brilha, mas After Hours é, de longe, o melhor que ele já nos concedeu. Um CD que se difere por se inspirar nos anos 80, mas que não consegue largar o R&B atual. Sem contar que o cantor manteve um fantástico personagem desde o final de 2019, o qual perdura até agora. Uma era longa, mas que, com certeza, valeu a pena ser vivida. Abel Tesfaye trouxe o que eu precisava na sua penumbra musical. Na calada da noite, eu ouço Too Late sem parar.

Um artista que entregou tudo e se revelou ainda mais esse ano foi Joji. O eterno pink guy transferiu a autenticidade dos seus vídeos do Youtube para a música, e eu amei. O álbum Nectar reuniu 18 músicas impecáveis e que me viciaram logo de cara. Eu já não parava de ouvir o BALLADS 1, de 2018, e com o disco de 2020 tive a mesma reação. A loucura de Joji me anima e o novo CD é, sem dúvidas, uma experiência valiosa. O cantor japonês me dá altas expectativas e me deixa ansiosa para futuros projetos.

No cenário nacional, não teve como não me impactar com O líder em Movimento, do rapper BK’. A faixa Pessoas é a minha favorita, ouso dizer que a melhor do CD, e com o sample de Minha Gente de Erasmo Carlos ficou realmente difícil errar. O disco é um grito antirracista, necessário e que, definitivamente, me fez passar horas ouvindo essa aula. E, como de costume, não consegui passar o ano sem as sofrências. Dessa vez, de um jeito mais animado, com Barões da Pisadinha. Os baianos encantaram o Brasil e lançaram o DVD Novo dos Barões da Pisadinha Ao Vivo, o qual é cheio de sucessos. Foi praticamente impossível não dar ouvidos ao trabalho deles nas rádios ou no topo de qualquer plataforma de streaming. Uma dupla que tem muito pela frente e que, se depender de mim, o stream continua em 2021.

Discos favoritos: 1. The Weeknd – After Hours / 2. Selena Gomez – Rare / 3. Joji – Nectar / 4. BK’ – O líder em Movimento / 5. Barões da Pisadinha – DVD Novo dos Barões da Pisadinha Ao Vivo

Vitória Lopes Gomez

Pra sobreviver o filme de terror que foi o ano passado, só com uma boa trilha sonora, o que não faltou em 2020. Tentando organizar um pódio de álbuns, sofri por ter de deixar muitos de fora. Para começar, não consegui não coroar The 1975 em primeiro lugar, talvez por ser fã de longa data, talvez porque Notes on a Conditional Form é o álbum mais desafiador que tive o prazer de tentar entender. Passeando por gêneros e sonoridades, sem se preocupar com a coesão, a banda entrega uma bagunça, no melhor sentido: ao mostrar sua versatilidade, a cada faixa, The 1975 evoca e inspira uma emoção diferente, e torna cada play em Notes uma experiência única. O grupo inglês, ainda, foi a inspiração para o The Aces conceberem o meu segundo lugar, o Under My Influence. Misturando solos de guitarra e melodias pop dançantes como acompanhamento para retratar os problemas, as inseguranças e as belezas da juventude moderna, o álbum torna-se ainda mais pessoal ao ser cantado pela banda de mulheres LGBTQ+.

E no ano atípico (que provavelmente é a palavra mais falada em 2020), aproveitei para explorar novos gêneros, e me rendi ao folklore. Que Taylor Swift é uma força eu já sabia, mas mergulhar nas letras honestas e intensas escritas por ela me fez sentir de tudo um pouco e a ficha caiu. Quem explorou outros estilos também foi Machine Gun Kelly, de quem eu não era grande fã até ouvir seu novo trabalho, Tickets to My Downfall, que difere das produções antigas do rapper e ganha meu quarto lugar. O álbum traz letras descontraídas e outras brutalmente honestas, sempre embaladas por um divertido e estimulante pop punk, à la blink-182.

O meu quinto lugar (que só ficou nessa posição porque fiz um uni-duni-tê para elencar) vai para Cool Tape Vol. 3 do Jaden, que me fez querer dançar pela rua, me apaixonar e mudar o mundo, tudo ao mesmo tempo. Infelizmente, quarentenada em casa, tudo o que eu pude fazer foi balançar na sala ao som das batidas animadas e encarar o teto pensativa enquanto escutava o artista cantar sobre o amor. Ainda, em uma menção honrosa, lembro do EP In a Dream do Troye Sivan, que surtiu o mesmo efeito em mim. A torcida é para que, em 2021, as danças não fiquem restritas às nossas salas de estar.

Discos favoritos: 1. The 1975 – Notes on a Conditional Form  / 2. The Aces – Under My Influence / 3. Taylor Swift – folklore / 4. Machine Gun Kelly – Tickets to My Downfall / 5. Jaden – Cool Tape Vol. 3

Gabriel Gomes Santana

Há quem diga que 2020 foi o ano das trevas, mas o capeta também trouxe coisas boas. Os ‘cidadãos de bem’ que me desculpem, Power Up veio com tudo na primeira posição por ser um clássico! Sim, estou falando do disco de retorno de uma das maiores bandas de rock já existentes: AC/DC. Com treze faixas que farão você querer entrar em êxtase, os velhinhos Brian Johnson, Phil Rudd, Clif Williams, Angus e Steve Young ainda sabem como fazer uma “sonzera” como poucos! 

Na mesma pegada, James Hetfield nos relembrou o porquê de sua originalidade. O mais novo álbum, S&M2, reúne o que há de melhor entre harmonias completamente opostas: metal e música clássica. Em terceiro lugar neste ranking, Jorge e Mateus invadiram meu coração através do mais recente EP: T.E.P, mostrando que se o nosso coração estiver em paz,  não há o que se preocupar.

evermore de Taylor Swift foi essencial em 2020. Além de trazer um novo conceito artístico com o clipe willow, o álbum trouxe a confirmação que todos suspeitavam: Taylor é corinthiana. Só por isso, a artista já ganhou meu coração. Para fechar com a sensação de ser mais poderoso, esse top 5, com certeza, merece a participação de Avisa que é o Funk e do single Ilusão (Cracolândia). O MC Hariel fez um funk consciente sensacional e, por isso, encontrou espaço dentro da minha playlist de 2020. 

Discos favoritos: 1. AC/DC – Power Up / 2. Metallica – S&M2 / 3. Jorge e Mateus – T.E.P / 4. Taylor Swift – evermore / 5. MC Hariel – Avisa que é o Funk

Gabriel Leite Ferreira

Em 2020, o tempo para se dedicar a ouvir álbuns inteiros foi abundante. Afinal, passei a maior parte do ano em casa, no meu quarto. Logo no começo do ano, fui arrebatado por Fetch the Bolt Cutters, o 5º e mais aguardado disco de Fiona Apple. E ela segue ditando suas próprias regras: criou um álbum inegavelmente pop, mas com organicidade. Fetch é um organismo vivo, onde Fiona nos convida a adentrar como nunca fez antes.

Outra popstar que privilegiou o intimismo foi Charli XCX. Em um dos primeiros discos lançados durante a pandemia, ela contou com a ajuda de fãs através de chamadas pelo Zoom e construiu seu álbum mais vulnerável e mais barulhento. how i’m feeling now desvela outras camadas do som da britânica, adicionando ainda mais ruído ao pop hiperaçucarado. Piorou, novo disco do trio industrial/eletrônico Tantão e os Fita, também maximizou tendências extremas. O resultado? Um caldeirão de sons rascantes que evocam a velocidade brutal da vida mediada pelas redes sociais em meio ao caos do governo Bolsonaro. Tudo isso sem perder o groove e a irreverência. Um feito para poucos.

40º.40, estreia do rapper carioca SD9, evidencia os contrastes por vezes mortais da vida à margem da sociedade: crime e sexo, bailes funk e operações policiais, sol quente e sangue frio. Além da destreza lírica, impressiona a versatilidade do MC, que se sai muito bem tanto em canções de temática mais tradicional ao rap, como a faixa-título e Números, quanto em faixas que se aproximam do funk proibidão. Por último, uma surpresa: Guerrilla, do produtor angolano Nazar, é uma simulação da atmosfera da guerra pela independência da Angola, atravessada pela esperança de um futuro melhor. Indicado especialmente para fãs de Burial.

Discos favoritos: 1. Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters / 2. SD9 – 40º.40 / 3. Tantão e os Fita – Piorou / 4. Charli XCX – how i’m feeling now / 5. Nazar – Guerilla

Giovanne Ramos

A seleção de um top 5 de melhores discos de 2020 não foi uma tarefa fácil. Foi um ano de muitas descobertas musicais, a quarentena proporcionou isso, a música foi uma terapia e uma grande aliada para enfrentar esse ano controverso. Entre as pérolas que conheci nesse período, quero dar um destaque para Moses Sumney. Sucessor de Aromanticism de 2017, encontrei em Græ conforto e uma certa identificação entre as 20 faixas divididas em álbum duplo. Num tom existencialista, Moses dá voz – e que voz! –  às suas poesias líricas, que envolvem temas como isolamento, incertezas e angústias, embaladas numa harmonia vocal dos deuses.

Falando em harmonia dos deuses, outro destaque bastante positivo esse ano foi da dupla Chloe x Halle. Já as conhecia da série Grown-ish, mas vê-las brilhar em 2020 com um dos álbuns mais aclamados do ano foi uma surpresa incrível. Seguindo o caminho sonoro da madrinha Beyoncé, a dupla entregou em Ungodly Hour um trabalho maduro, sensual, romântico e empoderador – sem falar da estética encantadora das performances. O ano também foi espetacular para Rina Sawayama e seu álbum de estreia, SAWAYAMA. A nipo-britânica criou uma atmosfera alucinógena em 13 faixas regadas a um metal–pop, perfeito para momentos de descontração e para esquecer, por instantes, a trágica pandemia.

Fora da língua inglesa, deixei um espacinho para bajular duas das minhas artistas preferidas: LOONA e Ludmilla. Em 2018, o álbum de estreia do grupo sul-coreano figurou na minha lista de melhores discos do ano, e aqui estão de volta com o 12:00. Dois anos se passaram, mas a qualidade lírica e experimental do grupo continua. Ludmilla, conhecida pelos seus trabalhos no funk e no pop-melody, entregou o prometido e tão aguardado Numanice. O álbum de pagode, além de explorar a versatilidade da Lud como artista, ressaltou também o seu vocal em ritmos contagiosos à moda brasileira.

Discos Favoritos: 1. Moses Sumney – græ / 2. Ludmilla – Numanice / 3. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 4. Rina Sawayama – SAWAYAMA / 5. LOONA – [12:00]

Carlos Botelho

2020 ficará marcado em nossas memórias como um dos anos mais conturbados da história recente. Porém, deixando a pandemia e seus desdobramentos caóticos a parte, foi um dos anos mais frutíferos para o cenário musical. Um dos grandes assuntos pertinentes ao tema foi, sem dúvidas, a influência da disco music nos lançamentos pop. Desta onda, destaco o excelente What’s Your Pleasure? de Jessie Ware. A cantora britânica deu uma verdadeira aula de como trabalhar referências de décadas passadas para criar o próprio universo sonoro.

Todavia, o ano não se resumiu a globos espelhados e pistas de dança. As mulheres empunhando guitarras, contrabaixos, e incorporando até latidos fizeram do rock sua plataforma criativa e reinventaram o mais transgressor dos ritmos. Fiona Apple nos presenteou com seu Fetch The Bolt Cutters, trabalho singular no qual a artista trata com crueza e verdade temas como traumas do passado, relacionamentos desastrosos e feminismo. O álbum, gravado inteiramente em sua casa, se destaca pela riqueza instrumental e pela adição de ruídos cotidianos. Não é à toa que a sinfonia doméstica de Fiona encabeçou grande parte das listas de fim de ano, um disco que já nasceu clássico.

Outro grande destaque foi o segundo álbum de estúdio da roqueira Phoebe Bridgers. Em Punisher, a artista elevou ainda mais o domínio de suas baladas apocalípticas, com letras e arranjos de complexidade milimetricamente calculados. Adrienne Lenker, do Big Thief, capturou na dobradinha songs / instrumentals o inverno da alma, em um registro marcado pela atmosfera acústica que nos transporta diretamente para uma cabana gelada de um bosque inóspito. E, por fim, as irmãs do HAIM lançaram seu terceiro e mais afiado disco até o momento, Women In Music Pt. III. Reunindo referências que transcendem ritmos e décadas, as meninas usaram toda sua bagagem musical para falar de experiências traumáticas, depressão e misoginia na indústria musical. O disco, que se tornou meu companheiro no último mês do ano, se encerra leve com Summer Girl, provando que sempre teremos um verão de amores ensolarados por vir.

Discos favoritos: 1. Fiona Apple – Fetch The Bolt Cutters / 2. Phoebe Bridgers – Punisher / 3. HAIM – Women In Music Pt. III / 4. Jessie Ware – What’s Your Pleasure? / 5. Adrienne Lenker – songs e instrumentals

João Batista Signorelli

Olhar para dentro de si e buscar alguma alegria em meio ao caos foram desafios do ano de 2020, e a música, de alguma maneira, foi um reflexo para essas e outras questões. Muitos lançamentos do último ano combinaram com a solidão de estar em casa sozinho consigo mesmo: às vezes sendo só uma voz chorosa com um violão, outras com sons improvisados de panelas e latidos de cachorros no quintal. 

Fiona Apple nos presenteou com o estrondoso Fetch the Bolt Cutters, que, apesar de não ter sido gravado durante a pandemia, é uma apogeu da música “feita em casa”. Seguindo um caminho mais introspectivo, Adrianne Lenker se destaca com uma delicadíssima coleção de canções em songs. Mas o provável título de álbum do ano vai para Laura Marling com o arrebatador Song for Our Daughter, que explora questões difíceis da maternidade, e que rouba alguma lágrimas nesse caminho. 

Mas seria fácil querer resumir o ano a uma playlist de música deprê e ignorar que alguns discos nos salvaram do buraco trazendo um pouco de alegria à vida. Depois de alguns lançamentos mornos, a banda virtual mais amada da música voltou com uma inesgotável fonte de energia que é Song Machine, Season One: Strange Timez. E Jacob Collier retorna a sua megalomania pop de harmonias complexas e pirações musicais em Djesse Vol. 3. Sem esquecer de Shore, de Fleet Foxes, que fica por aqui como menção honrosa, e que é otimista da maneira mais terapêutica possível para quem sobreviveu a um ano tão turbulento. 

Discos favoritos: 1. Laura Marling – Song for Our Daughter / 2. Adrianne Lenker – songs / 3. Gorillaz – Song Machine, Season One: Strange Timez / 4. Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters / 5. Jacob Collier – Djesse Vol. 3

Marina Ferreira

2020, com todos os seus períodos de tensão e silêncio, me fez olhar com ainda mais carinho para o valor da  música brasileira. Por isso, foi fácil até demais escolher o meu top 5 de melhores do ano, misturando obras do tão distante período pré-quarentena e as produções do surto de criatividade pandêmico. Em quinto lugar, lançado em janeiro de 2020, o álbum coletivo Acorda Amor, que regravou clássicos da música nacional de forma afetiva e nas maiores vozes da nova geração, como Liniker, Xênia França, Letrux, Maria Gadú e Luedji Luna. O quarto lugar fica com o EP Baile de Máscara, de Luana Carvalho. Visitando a temática carnavalesca e prestando uma linda homenagem à sua mãe – a lendária Beth Carvalho – Luana reinventa o samba e traz versões modernas de canções atemporais. 

O terceiro lugar da lista vai para o pré-pandêmico Letrux Aos Prantos, que, na época, não sabia, mas se transformaria na perfeita trilha sonora da quarentena e do Brasil quase distópico de 2020, como nas canções Eu Estou aos Prantos e Dorme com Essa. No ano marcado pela feiura, na arte, prevaleceu a beleza, e o disco de estreia de Francisco Gil, ou somente Fran, é o perfeito exemplo de como as coisas ainda podem ser bonitas. Trazendo a Bahia, os orixás e a mistura deliciosa de seu axé acústico, raiz se firma como um dos melhores do ano, e mostra que o talento corre solto pela família Gil, levando o segundo lugar do top 5. 

Para o primeiro lugar da lista, não poderia haver outro que não Assim Tocam os MEUS TAMBORES, de Marcelo D2. Produzido inteiramente em lives da Twitch, com parcerias de outros rappers e cantores, ATOMT é o disco que melhor traduz a situação política e social do Brasil. As músicas dão voz à insegurança da pandemia, aos absurdos raciais, à revolta e à insatisfação do povo para com o governo, e à fagulha de esperança para um amanhã melhor. É um álbum político, mas também uma declaração de amor e fé. Além dos citados, deixo menções honrosas ao coletivo Replay – Acabou Chorare e Bom Mesmo é Estar Debaixo D’Água, de Luedji Luna. 

Discos Favoritos: 1. Marcelo D2 – Assim Tocam os MEUS TAMBORES / 2. Fran – raiz / 3. Letrux – Letrux Aos Prantos / 4. Luana Carvalho – Baile de Máscara / 5. Vários Intérpretes – Acorda Amor

Ana Júlia Trevisan

Cresci ouvindo grandes nomes da música nacional, e me sinto privilegiada quando um lançamento desses ícones, que me acompanham a tanto tempo, consegue me arrebatar. Por isso, não tinha como não dar o primeiríssimo lugar à Adriana Calcanhotto. Margem, Finda a Viagem chegou às plataformas digitais em novembro, já nos fazendo embarcar junto a ela. A forma como Calcanhotto guia a viagem marítima através das canções deixou o gosto de, talvez, essa ter sido a minha única grande viagem de 2020. E, se Adriana Calcanhotto nos colocou no mar, Luedji Luna mostrou que Bom Mesmo É Estar Debaixo D’Água. O novo álbum da cantora é emoção e sentimento à flor da pele do começo ao fim, tornando-se ainda mais forte com a participação da escritora Conceição Evaristo recitando um poema na faixa Ain’t Got No.

Hoje, muitos bebem da fonte daqueles que construíram a nossa MPB há 60 anos. Referenciar as maiores obras da nossa música é, quase sempre, um tiro no escuro por tamanha importância delas. Talento e respeito são as chaves principais para uma grande homenagem, e isso não faltou no Replay – Acabou Chorare. Contando com variados nomes da nova MPB, a regravação abrilhantou ainda mais músicas que tem um gosto tão atual, e, acima disso, manteve total respeito aos grandiosos Novos Baianos. Essa importância do legado é algo cotidiano na família Gil, que está aí para mostrar que “quem sai aos seus não degenera”. Além de termos os Gilsons presente no Replay e o Bem Gil no instrumental de Margem, 2020 foi o ano de Francisco Gil, neto de Gilberto, deixar sua marca na música com o álbum raiz. O disco, com a temática ancestralidade, tem canções reflexivas trazendo muito axé.

Preciso ser justa nesta lista e também citar o pop internacional. Poderia fazer um  ranking apenas com grandes lançamentos que passei horas ouvindo esse ano, como o de Lady Gaga, Jessie Ware e Miley Cyrus. Mas, merecidamente, reservei o último lugar do meu top 5 para a loirinha. 2020 foi o ano de Taylor Swift servir ao mundo do pop com dois lançamentos em apenas 5 meses. Minha menção honrosa vai para folklore, ele é, sem dúvidas, o álbum que eu esperava após o Reputation. Não que o Lover seja ruim, pelo contrário, mas o salto de eras feito por Taylor não foi nada parecido com o que eu imaginava para o futuro, me deixando à espera de algo mais monocromático como vemos  nas composições e produção de folklore.

Discos favoritos: 1. Adriana Calcanhotto – Margem, Finda a Viagem / 2. Luedji Luna – Bom Mesmo É Estar Debaixo D’Água / 3. Vários intérpretes – Replay – Acabou Chorare  / 4. Fran – raiz / 5. Taylor Swift – folklore

Egberto Santana Nunes

Perdoem o clichê, vocês já sabem. Ano pandêmico. Foi complicado, foi difícil. O que abraçar artisticamente quando o real já não está em paz com a gente? Os toques são proibidos e o mundo nos ataca. Como a música, aquilo que apenas escutamos (de certo modo o único sentido longe dos protocolos), vai nos confortar nesse apocalipse? A resposta encontrada aqui foi na criação ou afirmação de mundos, um elemento de destaque nos selecionados do meu ano musical.

BRIME!, 40º.40 e Fundamento ressignificaram, criaram e posicionaram universos através do contato com o local ou com o estrangeiro. A influência londrina acelerada do grime encontra a correria perseverante das quebradas paulistas e cariocas. Fundamento cria um universo mais localizado. Se o caldo de Febem, Fleezus, CESRV e SD9 atravessam pontes, Marabu faz uma viagem pelo baile de funk, pelas vias estreitas da periferia, onde as vozes se misturam com o grave, com o batuque do tambor de funk e o esquenta da moto. 

Depois da correria e da canseira do embalo do baile, há o respiro, a volta para casa. Vem a ligação ancestral, espiritual, leve e calma do violão de Olorum, do baiano Mateus Aleluia, ex-membro do finado grupo de afroxé Os Tincõas. E, na saída do respiro, neste mundo que aprisiona, atira e machuca, que venha o gutural e experimental eletrônico de Tantão e os Fita, em Piorou. Talvez a liberdade do grito radical atravessado pelos distorcidos eletrônicos riscados desse disco seja a sensação que mais representou o ano de todos nós. E, agora, em 2021, “vai piorar a qualquer hora”.

Discos favoritos: 1. Febem, Fleezus e CESRV – BRIME! / 2. SD9 –  40º.40 / 3. Marabu – FUNDAMENTO / 4. Mateus Aleluia – Olorum / 5. Tantão e os Fita – Piorou

Fellipe Gualberto

Nenhum álbum é melhor para iniciar a lista de obras que se destacaram em 2020 do que how I’m feeling now, que foi uma genuína experiência da quarentena e a expressão sonora do que se passou ao longo desse ano. O álbum de Charli XCX foi feito de maneira colaborativa em lives e chamadas de vídeos com os fãs, a temática é o isolamento causado pela pandemia. 

Longe dos Estados Unidos, Pabllo Vittar entregou o melhor de brasilidade do começo ao fim em 111 Deluxe. Seja abrindo espaço para artistas ainda não tão conhecidos, como em Tímida com A Travestis, ou em músicas novas, como o forró-pop de Eu Vou, Pabllo não erra em nada e consegue elevar ritmos nacionais a nível mundial. Já na Coreia do Sul, BLACKPINK lançou The Album, que passeia por diversos ritmos entregando um pop de qualidade para derrubar qualquer preconceito que alguém pode ter com produções musicais sul-coreanas.

Ainda no pop, um dos destaques do ano sem dúvida foi Future Nostalgia, Dua Lipa inicia seu álbum com uma faixa homônima que funciona como um manifesto de toda sua arte. Usando de referências aos anos 90 (que pasmem, já se foram a 3 décadas), a cantora traz de volta o que nem sabíamos que tínhamos saudade de forma sincera. Por último, o retorno de Lady Gaga com Chromatica chamou a atenção, com participações de Ariana Grande e BLACKPINK, a cantora fala sobre transtornos psicológicos, cria um universo ficcional e entrega interlúdios que te envolvem ainda mais no álbum.

Discos favoritos: 1. Dua Lipa – Future Nostalgia / 2. Pabllo Vittar – 111 DELUXE / 3. Lady Gaga – Chromatica / 4. BLACKPINK – The Album / 5. Charli XCX – how i’m feeling now

Caio Savedra

Para lançamentos musicais, sem dúvidas, 2020 foi um ano bom (e talvez apenas nesse quesito). Com a quarentena, diversos artistas tiveram seus trabalhos reduzidos a fim de evitar aglomerações como em turnês e, assim, puderam focar em lançar músicas. Um exemplo disso é Pabllo Vittar, que apenas nesse ano lançou dois álbuns (um com metade de inéditas e outro com remixes que abrasileiraram ainda mais as faixas); ou então Charli XCX, que criou e lançou um disco inteiro no que chamamos primeira temporada da quarentena. Não faltam exemplos de artistas que aproveitaram o tempo em casa para nos entregarem excelentes materiais.

Trabalhos grandiosos foram lançados, Dua Lipa, que teve sua divulgação interrompida pela pandemia, entregou um trabalho muito mais coeso que seu álbum de estreia e, sem precisar encher de fillers e músicas externas em versões exclusivas do CD (pelo menos até agora), conseguiu se estabelecer como um dos grandes nomes do ano. Kali Uchis marcou sua carreira com um manifesto em forma de álbum em espanhol através do Sin Medo, deixando seu público estadunidense se mordendo de raiva e abraçando suas origens latinas. Little Mix entregou o que viria a ser o seu último álbum com sua formação original, e que também se consolidou como um marco em sua carreira após se livrarem de Simon Cowell, que as acompanhava desde o The X Factor, em 2011.

A música, sem dúvidas, ganhou mais importância na vida de inúmeras pessoas, assim como na minha, e as principais obras que me acompanharam durante esse nada fácil ano se tornaram mais do que apenas meus álbuns preferidos lançados em 2020. Cultivo um carinho muito grande por todos os citados e pelas experiências que me proporcionaram. Menções honrosas: Lady Gaga – Chromatica, Troye Sivan – In a Dream, Ebony – Condessa e Jessie Ware –  What’s Your Pleasure?.

Discos favoritos: 1. Chloe x Halle – Ungodly Hour/ 2.  Dua Lipa – Future Nostalgia / 3. Pabllo Vittar – 111 / 4. Little Mix – Confetti / 5. Kali Uchis – Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞

O post Os Melhores Discos de 2020 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Elder John

“Irmão, quem te roubou te chama de ladrão desde cedo. Ladrão. Então, peguemos de volta o que nos foi tirado. Mano, ou você faz isso ou seria em vão o que os nossos ancestrais teriam sangrado. De onde eu vim quase todos depende de mim. Todos temeram meu não, todos esperam meu sim. Do alto do morro, rezam pela minha vida. Do alto do prédio, pelo meu fim. Ladrão”

Pelo terceiro ano consecutivo, no dia 13 de março, Djonga lança mais um álbum. Heresia (2017), O menino que queria ser Deus (2018) e agora Ladrão (2019). Um processo muito rápido de aparição, amadurecimento e afirmação do artista. Hat-Trick perfeito.

A principal temática do disco é resgatar as origens. Não só saber onde quer chegar, mas principalmente, não esquecer de onde veio. Na letra de Bença, Djonga traz essa reflexão: “Então volte pras origem, é o colo de quem cê ama / Será que entende do que eu tô falando? Dessas coisa que deixa acesa a chama”.

Valorizar quem tem que ser valorizado: família, amigos, moradores do seu bairro. E o diferencial disso tudo é a forma em que isso é retratado nas letras. Muito original, objetivo e contundente. Ainda em Bença, outra passagem ganha notoriedade: “Olha pras sua nega veia e entenda / Que num é em blog de hippie boy que se aprende sobre ancestralidade”.

A estudante de Ciências Sociais, Raphaela Correa, nos conta sobre o que sentiu ao ouvir o disco: “Tudo o que tem pra falar do Djonga, o Djonga mesmo já falou. Quando você vai comentar sobre o trabalho dele, é impossível não ser redundante porque tudo já está ali. Ele não dá espaço para interpretação, ele fala o que tem que ser dito e o que ele quer dizer. Não tem como esvaziar isso.”

Tentar explicar a capa e a contra capa é exatamente isso: redundante. A mensagem que deve ser passada está ali. Ao mesmo tempo que traz diversas críticas e uma certa complexidade de abordagens, consegue ser totalmente direto e explícito. Djonga não se explica, se sente.

Gustavo Pereira manteve o padrão de 10 faixas. Duas love songs, cada uma com a própria característica, sem ficar repetitivo. Além da faixa 9 como interlúdio. Em Ladrão, Mlk 4tr3v1d0 é uma interpretação da música Moleque Atrevido de Jorge Aragão.

O que ficou evidente é a evolução do Djonga como artista. Apostou principalmente na questão da produção, valorizou a própria voz. Coyote Beatz está por trás de todas as faixas, dando o suporte necessário. Em Heresia, era o beat e a letra, pouca variação. E o que não faltou agora foi variação. Refrão. Voz. Participações. Tudo calculado.

E falando das participações, o disco traz nomes pontuais, artistas já conhecido pela cena como Filipe Ret e Chris Mc, até Mc Kaio e Doug Now, mc’s de Belo Horizonte que ganham a oportunidade de expor o trabalho a nível nacional. Isso é valorizar sua cidade. Djonga já havia feito isso com Sidoka no último álbum. Well e Zulu também fizeram feats em singles.

Essa realidade é mostrada na letra de Hat-Trick: “Sou um muleke igual esses outros muleke / que a única diferença que não esquece de onde vem”. Ele não esquece e não deixa seu povo ser esquecido, essa é a principal distinção. Minas Gerais literalmente se tornou a terra do Djonga e não mais só do pão de queijo. De tanto usar referências, se tornou referência.

E pra quem duvidava da versatilidade do Djonga quando o assunto é valorizar o próprio povo, ele soltou mais essa. Show do lançamento do disco com ingressos a R$10,00 reais. Acessibilidade para o público.

Para quem o acompanha desde o DV Tribo, sabe que ele é e se manterá fiel para os seus. DK, do grupo ADL, afirmou que Djonga é o maior MC dessa geração. Ele mistura força e representatividade. Excêntrico. Original. Simplesmente Gustavo Pereira, o Djonga.

O post Ladrão: o resgate das origens apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.