Gabriel Oliveira F. Arruda

O anúncio de Robert Pattinson como o novo vigilante noturno da DC Comics provocou intensas reações entre os entusiastas mais fanáticos, desinteressados em separar o currículo extenso e impressionante do ator de seu papel como galã da saga Crepúsculo. No entanto, para aqueles de nós maduros o suficiente para não se importar com tal associação (o que é um morcego para quem já foi vampiro?), a expectativa para o novo longa só aumentou: afinal de contas, o que seria o Batman de Pattinson?

É claro, nem sempre essa versão do Cruzado Encapuzado pertenceu a ele. Dizer que o novo filme solo do protetor de Gotham City teve um desenvolvimento conturbado seria um eufemismo: o que antes seria uma história de ação estrelada e dirigida por Ben Affleck, após sua introdução no sisudo universo compartilhado de Zack Snyder, tornou-se uma nova interpretação de seu protagonista, no embalo de produções como o Coringa de Todd Phillips, completamente avulsa à qualquer ambição de universos expandidos. A difícil tarefa caiu na mão de Matt Reeves, diretor e roteirista responsável por desenvolver e terminar a trilogia de prequels de Planeta dos Macacos, mas que ganhou fama pelos terrores Cloverfield – Monstro e Deixe-me Entrar.

Batman (ou, numa tradução mais precisa de seu título original, O Batman) nos apresenta um vigilante ainda em início de carreira, afundado de cabeça em sua própria definição vingativa de justiça, mas que é assolado pelas dúvidas que sua vocação desperta. Tudo isso é intensificado pela aparição do Charada, um misterioso assassino serial que tem a elite de Gotham em sua mira, revelando segredos sobre a cidade que ameaçam destruir seus alicerces e jogá-la no abismo. Nesse cenário, somos introduzidos a algumas das figuras mais icônicas do cânone do Morcegão, tais como o comissário Gordon (aqui ainda tenente), a ladra Mulher-Gato e o criminoso Pinguim. Mas talvez nenhuma iconografia seja tão importante quanto a própria Gotham City.

Mas, afinal, “quando um homem é uma cidade?” Quando Gotham muda, seu guardião silencioso também deve mudar. Diferente do bilionário carismático que estamos acostumados a ver, Pattinson descreve sua versão de Bruce Wayne como um “esquisitão perdido”, isolado do resto da sociedade em sua caverna de segredos, onde ele planeja maneiras de extravasar sua raiva nos criminosos de Gotham, suas únicas companhias sendo seu leal mordomo, Alfred (Andy Serkis) e o cauteloso tenente Gordon (Jeffrey Wright), seu contato frágil com a polícia de Gotham e parceiro na investigação para achar o Charada. Embora nem tão brutal quanto o Homem-Morcego de Michael Keaton, há uma fúria contida neste que impulsiona sua performance além de qualquer outra interpretação em live-action.

Grande parte da trama lida com o propósito de sua identidade secreta e a razão que o leva a pôr a máscara, apesar de misericordiosamente não conter mais uma cena das pérolas de Martha Wayne se espalhando pelo Beco do Crime. Negando veementemente uma nova história de origem para o personagem, Reeves e seu co-roteirista, Peter Craig, exploram o nascimento do alter ego de Bruce Wayne através das dúvidas internas e de revelações chocantes que as extrapolam, conversando intensamente com o papel do herói como um símbolo de Gotham City, tirando lições do excepcional Batman: A Máscara do Fantasma.

Sem as constrições comuns a filmes de origem, Batman consegue se aprofundar com clareza em seu elenco coadjuvante, não apenas introduzindo rostos que terão mais desenvolvimento em futuros filmes ou séries, mas lhes dando espaço para agir dentro da trama e serem afetados por ela. Dentro de um gênero cada vez mais definido por blockbusters artificialmente longos e inchados, o longa de Matt Reeves é um dos raros casos em que sua duração de quase três horas se justifica na ambição por trás de seu tom intimista e sua visão monumental e detalhada de uma Gotham definida por contrastes.

Há um incrível elemento tátil em Batman. Seja o novo capuz costurado (junto de um uniforme marcadamente mais ágil que anteriores), o Batsinal em que o ícone do morcego parece ter sido martelado à força dentro de um holofote, ou o novo Batmóvel saído diretamente de Mad Max, a produção do longa reforça os elementos mais crus de sua fotografia, criando uma visão suja e incrivelmente fluida do mundo que seus personagens habitam. Indo de contrapartida à muitos dos preceitos visuais do gênero instaurados na última década com a ascensão do Universo Cinematográfico da Marvel, Fraser cria uma identidade única para um filme de super-herói, unindo referências díspares em uma coesão afiada e hipnotizante, catapultando-o diretamente para a vanguarda da próxima temporada de premiações.

Essa identidade também se estende na trilha sonora de Michael Giacchino, outro aspecto celebrado do longa que vem suscitando burburinho de Oscar para 2023. O experiente compositor (que já havia trabalhado com Reeves em Planeta dos Macacos: O Confronto e A Guerra) tece diferentes facetas do Batman, seus aliados e inimigos, bem como a própria cidade que os pariu, em uma procissão rítmica, alucinante e bombástica, refletindo as transformações emocionais de seu bilionário desajustado. O legado de Danny Elfman e Hans Zimmer continua intacto: ainda havemos de ouvir um tema ruim do Batman no Cinema.

No coração de sua história, Batman é um mistério, mas um no qual a identidade do antagonista é claramente menos importante do que a máscara que ele usa. Se afastando da energia maníaca de Jim Carrey na galhofa de Batman Eternamente, o Charada de Paul Dano é modelado com base no Assassino do Zodíaco, o infame serial killer que assolou a Califórnia ao final dos anos 60. Cobrindo seu rosto com uma máscara e óculos por cima, ele deixa códigos elaborados e cifras que apenas o Maior Detetive do Mundo (que finalmente conquista essa alcunha com suas deduções sagazes e um olhar minucioso) pode desvendar.

No entanto, apesar de suas inspirações realistas, a câmera o captura como vários dos assassinos icônicos do Cinema de Terror: na precisão fria de Michael Myers em Halloween, os jogos sádicos de Jigsaw em Jogos Mortais ou até mesmo nas ligações telefônicas e quizzes inesperados de Ghostface em Pânico, o filme utiliza esses arquétipos reconhecíveis em uma de suas combinações mais audazes, reintroduzindo um vilão caricato como um adversário temível e imprevisível. Porém, a violência inerente tanto ao slasher quanto ao noir aqui fica de lado devido aos aspectos comerciais do longa e sua classificação PG-13, impedindo que seu antagonista choque a audiência assim como choca Gotham.

Em uma performance psicopática, Dano faz do Charada um nêmesis à altura de Pattinson, refletindo algumas das piores tendências do herói e servindo como um cúmplice de seus defeitos. À todo momento a direção de Reeves acompanha os movimentos desses personagens com um olhar empático, notando suas semelhanças e criando a dualidade que os une: através de suas máscaras, ambos representam as falhas sociais e morais de Gotham, em níveis distintos, mas complementares, e denunciam suas verdadeiras identidades para o mundo. O conflito interno de Bruce Wayne ao ter de confrontar essa dicotomia deturpada está no cerne desta versão do personagem, que renega inteiramente sua persona pública em favor do Cruzado Encapuzado.

Com uma abordagem muito mais metódica e calculada que um blockbuster normal, o longa constrói maravilhosamente bem a tensão entre as figuras peculiares dessa cidade escorregadia. A introdução do submundo criminoso de Gotham não sai desse tom, com figuras como o Pinguim de Colin Farrell (irreconhecível em sua maquiagem cartunesca) e o Carmine Falcone de John Turturro servindo de ganchos narrativos para macular a visão em preto e branco que Bruce tem do mundo. Aqui, Matt Reeves captura habilmente um humor mórbido que não destoa do resto do longa, mas que reforça seus elementos mais bizarros, ajudando ainda mais em sua caracterização do espaço e das personagens.

É também durante essa introdução que conhecemos a Selina Kyle de Zoë Kravitz, que contracena explosivamente com o detetive taciturno de Pattinson (a química entre os dois não ficou apenas nas muitas capas de revistas). Apesar de ainda não ser exatamente a gatuna descolada que conhecemos dos quadrinhos, Kravitz acha a humanidade em suas motivações e, junto de Reeves, traça o arco narrativo mais forte da personagem no Cinema até então. 

Dona do tema que mais se assemelha ao noir, o relacionamento da personagem com o Morcego é, assim como nos quadrinhos, uma aliança tênue de objetivos, ditada pela necessidade, mas que se desenvolve em uma troca honesta de sentimentos. Seja quando lutam ou quando conversam através de suas máscaras, a atração entre os dois estoura em momentos chaves da trama e impulsiona ambos a serem melhores do que o mundo que os criou. Se o Charada é o espelho sombrio de tudo de pior que há no Batman, a Mulher-Gato é a pessoa que finalmente lhe oferece a chance de fazer a diferença e, talvez, salvar alguém.

O Batman de Matt Reeves é uma colcha de retalhos, uma tapeçaria de diferentes referências, que conversam umas com as outras em virtude da paixão que seus realizadores injetam em cada decisão criativa tomada na construção desta homenagem a uma das figuras mais duradouras da ficção. O orçamento de 200 milhões de dólares não se faz valer em sequências grandiosas de ação, mas no extremo cuidado e deliberação dado à caracterização de seus espaços e as pessoas que o habitam. Foi a primeira vez em muito tempo que, assistindo a um filme de super-heróis fantasiados, me senti conectado não apenas a eles, mas ao mundo que desejam tanto salvar.

É estranho, numa cultura tão obcecada com histórias de salvadores, o quão pouco nós os vemos efetivamente salvando pessoas que não sejam figurantes anônimos esquecidos na cena seguinte. Seria Batman uma resposta, uma vingança até, a essa apatia pelos mundos que abrigam essas figuras heroicas, mas que tão raramentGe praticam heroísmo, examinada por meio de seu protagonista tão fundamentalmente falho quanto a cidade que ele jura tentar proteger? Mas não, há amor demais, paixão demais, para que essa raiva o defina: quase que impossivelmente, ao final de seu mistério tenebroso, somos deixados com esperança.

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Ana Júlia Trevisan

Uma história de glamour, cobiça, loucura e morte. Esse foi o subtítulo dado ao livro que inspirou Ridley Scott a dirigir uma das adaptações mais aguardadas do ano: Casa Gucci. A grife italiana, fundada em 1921, é um majestoso império da Moda e uma das marcas mais valiosas do mundo, cujo nome carrega um grande escândalo. Em 27 de março de 1995, Maurizio Gucci, herdeiro da empresa, foi assassinado a mando de sua ex-esposa Patrizia Reggiani. 

Legado e família são os fragmentos mais necessários para entender a estrutura maquiavélica do império Gucci, mas o que chegou aos cinemas em 25 de novembro não se ajusta aos dois poderes. Os direitos para a produção do filme foram comprados em 2006, e de lá pra cá, nomes como Angelina Jolie e Leo DiCaprio foram cotados para os papéis principais. O ano de 2021 finalmente trouxe o filme para as telonas, protagonizado por Lady Gaga e Adam Driver. Mas, para lidar com o longa, é necessário fazer o mesmo processo de periciamento de um delito.

No início da perícia, uma equipe de profissionais entra em cena para desvendar o crime enquanto a polícia assiste do lado de fora. Falar de House of Gucci exige o desmembramento cômodo por cômodo da planta prestes a ser periciada. Para iniciar o trabalho neste ambiente interno, o bom senso é que primeiro seja examinado o local que outros integrantes da equipe precisam usar para atividades pessoais, ou seja, o banheiro.

Banheiro, local em que jogamos o que não presta ralo a baixo. Aqui, infelizmente, se encontra a direção e montagem de Casa Gucci, apenas esperando a descarga ser puxada. O filme apresenta um apelo cômico que não se encaixa com a premissa de glamour, cobiça, loucura e morte. O humor impresso na adaptação do roteiro, escrito por Becky Johnston e Roberto Bentivegna, tira toda carga dramática que Casa Gucci demandava por se tratar de um crime real envolvendo um império multimilionário e que até hoje gera controvérsias. Essa atitude da direção prejudica pelo inesperado e quase desrespeitoso com a temática. As cenas em família italiana são como dar play em Succession e assistir a um stand up dos Roy.

A montagem, responsabilidade de Claire Simpson, é declarada culpada pela perda de ritmo da produção. Desde os primeiros minutos de Casa Gucci é notável a falta de um continuísta que auxilie nos processos de filmagem e edição. Por se tratar de um escândalo não ficcional, os espectadores que fizeram uma pesquisa prévia do caso estão cientes que o longa cobre duas décadas de história. Aos que foram ao cinema às cegas, o filme não deixa pistas da passagem temporal dos anos 70 aos anos 90, muito menos pela armação de óculos de Adam Driver, que se mantém intacta durante toda ascensão e queda da marca.

O texto base para Casa Gucci, que parte do livro de Sara Gay Forden publicado em 2001, é um trabalho jornalístico bem elaborado que introduz todos os pontos da marca. Isso corrobora para o entendimento de ascensão do império Gucci e sua queda ou a tentativa de transformação no Vaticano da Moda. O longa não dispensa essa contextualização, e nem poderia, mas seu desassossego em roteirizar o crime faz com que o legado e família que são essenciais à história não tenham equilíbrio.

Indo para a cozinha da casa, ambiente convidativo e familiar, é possível encontrar duas figuras chaves para o filme: Paolo Gucci e seu pai, Aldo. O primeiro, interpretado por Jared Leto, é o cúmulo do absurdo, e o personagem está em uma órbita que não pertence a House of Gucci. Sua atuação é uma tentativa caricata de extravasar uma energia que não existe no filme. O ator se mostra preso a seu papel de Coringa, ao mesmo tempo que, se Leto tivesse interpretado o excêntrico italiano antes de Esquadrão Suicida, talvez o desastre não tivesse sido tão tenebroso.

Já Al Pacino na pele de Aldo Gucci consegue ser uma das poucas coisas que fazem o ingresso valer a pena. Apesar de suas roupas serem totalmente fora do alto padrão italiano, o personagem cumpre sua sina gananciosa. É em sua figura que o legado e a família, questões primordiais ao roteiro do filme, tomam forma. Do mercenarismo de Patrizia Reggiani à sonegação de impostos da Casa Gucci, tudo que vai além do romântico reflete na atuação natural do eterno Michael Corleone.

O próximo membro da família e chave mestra para o roteiro está em outro cômodo da casa. Ao abrirmos a porta do quarto, encontramos o pacato Maurizio Gucci, filho único de Rodolfo Gucci (esse muito bem dominado por Jeremy Irons) e herdeiro direto do império. Para encontrar Adam Driver nessa narrativa é necessário fazer o uso de luminol no ambiente. Um dos maiores atores de sua geração, Driver parece não caber dentro de Casa Gucci. Seu personagem simpático e bonzinho não tem uma trajetória evolutiva convincente para seus atos dramáticos mais ao fim da produção. A narrativa da vítima tem espaço, pois Driver tem uma atenção magnética oriunda, do contrário, o protagonista se transformaria em coadjuvante.

No segundo quarto é o momento de fazer uma vistoria no assassinato de Maurizio Gucci. Segunda-feira, 27 de março de 1995. É com duas horas e meia de filme que o espaço temporal é delimitado. A partir daqui tudo é tosco, principalmente a câmera lenta de Dariusz Wolski usada no ápice da cena, tirando qualquer adrenalina que o momento poderia causar. A análise nesse cômodo nos leva a fazer mais alguns reparos no laudo de outro crime: de produção. O horário desse delito acontece na passagem do segundo para o terceiro ato, que ao entrar em sua progressão final, decai sem sua peça principal e mais chamativa. O filme não tem a menor salvação depois de uma hora e meia, tendo direito até a sequência de fuga com trilha sonora imitando os Trapalhões.

E, finalmente, chegamos no momento de periciar a sala da casa, lugar social de recepção. É aqui que se encontra a figura central do filme e que dá a ele todos os holofotes. A Patrizia Reggiani de Lady Gaga começa como uma jovem encantada e vai se revelando uma verdadeira manipuladora explosiva. Em 2019, quando Gaga foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz por Nasce Uma Estrela, ela estava interpretando um arquétipo conveniente perante sua carreira consolidada como um dos maiores ícones pop. Agora, ela enfrenta um papel fora de sua zona de conforto e faz isso com muita propriedade. Mesmo gastando todo o fôlego para tentar fingir o choro, Patrizia é o pilar que sustenta as quase três horas de Casa Gucci.

A duração do filme não o torna cansativo, entretanto também não faz de House of Gucci uma produção memorável por sua qualidade. A pressa da direção de Ridley Scott em aproveitar o máximo de elementos da obra-mãe deixou pontas soltas por todos os atos e o apego criado na figura de Lady Gaga prejudica o momento em que a escolha é focar em Adam Driver. O ritmo cai sem Patrizia e seu autocentrismo. Sua participação ativa em todos os negócios da Gucci, e seu pensamento à frente para dominar a marca, tiram o forçado protagonismo nos outros membros da família. A partir disso, cada atitude tomada por eles se torna incompleta sem sua figura.

O laudo da perícia aponta os seguintes resultados. Primeiro: a Casa Gucci é mal-assombrada. Segundo: o filme sofreu uma overdose de elementos. O diretor tinha em suas mãos uma história gigante e um elenco maior ainda. Na ânsia de conciliar as duas grandezas, Ridley Scott tira mal proveito de ambos. Os fantasmas da Casa Gucci que vão desde a primeira geração do império, sejam eles pelo sobrenome amaldiçoado que a família carrega ou os mortos que o nome deixou, assombram a produção que soa como uma grande história inacabada.

O plano malévolo de Patrizia, que foi premeditado por anos ao lado de Pina (Salma Hayek), se faz do dia pra noite, e o círculo de legado e família mais uma vez não se fecha. Pouco, ou praticamente nada, é explorado da protagonista depois do crime, mesmo ela sendo conhecida pela alcunha de viúva negra por conta do episódio. Antes mesmo disso, o filme não mostra a ruptura do casal, e segue por difíceis minutos apenas com indícios do divórcio.

Por fim, o maior inimigo de Casa Gucci é seu próprio ego. O filme sofre de uma produção que tem muito a oferecer e acaba se perdendo. Potencial, elenco e direção não são problemas à primeira vista. Mas todos saem culpados desse crime. Não é à toa que até o encosto de Patrizia Reggiani – que está viva, por sinal – decidiu aparecer no set para assombrar Lady Gaga.

Ridley Scott, que também lançou O Último Duelo este ano, faz de Casa Gucci seu cavalo branco para a temporada de premiações. Se o legado de Gucci chegará ao tapete vermelho, apenas os indicados aos prêmios que antecedem o Oscar poderão trazer uma noção. Por livre especulação, acredita-se que Lady Gaga e suas oitenta páginas biográficas levam ao menos a nomeação. A extrapolação do queridinho Jared Leto também deve encontrar espaço nas listas. O maior mérito fica nas categorias técnicas. Já Adam Driver tem sérios riscos de morrer na escadaria tal qual Maurizio Gucci. Será que é isso que a artista chama de empoderamento feminino? Penso que seja apenas a reação ao criminoso Casa Gucci.

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Vitória Lopes Gomez

Opte por separar o artista da Arte ou não, Julia Ducournau já cravou seu nome em suas produções. Titane, a mais nova empreitada da cineasta francesa, estreou no Festival de Cannes, onde fez história ao levar a honraria máxima da premiação, a Palma de Ouro, e chegou ao Brasil na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. O segundo projeto veio antecipado depois do sucesso do polêmico Grave, mas a sangrenta e canibalesca estreia da diretora vira só a porta de entrada para os horrores que vem depois. E não adianta, nem Cannes conseguiu: não tem como se blindar de Titane.

Também não vale a pena destrinchar a trama do longa, a experiência completa requer o inesperado. Basicamente: Alexia (aqui, Adèle Guigue) sofreu um acidente de carro na infância e teve uma placa de titânio implantada na cabeça. Anos depois, já adulta (agora, Agathe Rousselle), ela dança em cima de carros, transa com eles e mata pessoas. Quando precisa desaparecer depois de uma série de assassinatos, ela assume a identidade de Adrien Legrand, um menino há muito tido como desaparecido.

Titane é uma montanha-russa. Os caminhos imprevisíveis que o roteiro toma, também cortesia de Ducournau, vem acompanhados dos cruzamentos entre gêneros cinematográficos. O filme constantemente troca as marchas entre o terror, o suspense e o drama, em uma mistura que une e existe nos três, ao mesmo tempo que se empenha em quebrar as convenções de todos. Se o longa oferece sequências brutais e sanguinolentas, outras provocativas e traumatizantes, a violência vem acompanhada de uma surpreendente ternura, profundidade emocional e, por vezes, até humor.

A diretora não se atém a um rótulo cinematográfico, nem a um limite, mas se encoraja a ir além em sua obsessão pelo corpo humano e pelos extremos que este pode atingir. Ou não pode, mas ela os empurra até o máximo mesmo assim. Se uma Alexia transando com o carro não fosse bizarro e abstrato o suficiente, uma Alexia grávida dele (sim, do veículo) contra sua vontade e lactando graxa leva a predileção da cineasta pelos absurdos corporais a outro nível, ao mesmo tempo que a barbaridade se torna cômica pelo seu fator inacreditável. Na visão alucinante da francesa, Titane pode se enquadrar como uma comédia dark surrealista ou um horror chocante em sua forma mais pura. Provavelmente, ele se encaixa nos dois ao mesmo tempo.

Mas seria reducionista limitar Titane ao seu horror corporal. Enquanto filma as gráficas punições e abusos à carne humana, Julia Ducournau parece se divertir em apenas dar dicas dos temas e metáforas que almeja abordar, só para deixá-las por conta da interpretação do próprio espectador. Em oposição ao explícito de algumas cenas, se Alexia transa com um carro porque a criadora pretendia discutir a sexualidade ou a libertação sexual ou se o faz porque ‘por que não?’, a subjetividade que acompanha o nítido é impressionante, intrigante e também perturbadora. Afinal, Titane é um estudo sobre a maleabilidade humana ou uma reflexão profunda camuflada sob tormentos?

Ao longo das quase duas horas de duração, a idealizadora de toda essa loucura não tem vontade nenhuma de responder a questão. Ao contrário, ao invés de explicitar suas intenções, ela deixa à mostra apenas o exterior, a forma carnal que recebe todos os desconfortos, enquanto o interior vira o mistério a ser – ou justamente não ser – desvendado. Mistério e questionamentos esses que ela levanta para, também, levá-los ao seu máximo. Por exemplo, por que Vincent Legrand (Vincent Lindon), o pai do menino desaparecido incorporado por Alexia, simplesmente aceita que ela é seu filho, sem nem mesmo questionar ou duvidar? 

Nas mãos de Ducournau, o que poderia ser uma falha, uma conveniência relevada somente para mover o restante da narrativa, se reinventa para revelar o luto, a dependência emocional, a necessidade de afeto e até o amor incondicional. Ao passo que avança, Titane adentra camadas da própria existência, forma e identidade humana e se desdobra sempre além do que já era. As transformações do corpo de Alexia, constantemente se escondendo sob o disfarce de Adrien enquanto carrega a prole de um carro, e também de Vincent, que injeta anabolizantes para manter o corpo envelhecendo em forma, são o que sustentam as mudanças das personagens, principalmente em seu emocional, e abrem caminhos para outras interpretações.

Já que Titane se vale do exterior carnal e da exploração de suas excruciantes fronteiras para refletir sobre gênero, seus estereótipos e performances, fluidez, sexualidade e laços familiares, o recipiente para a insanidade do filme tem de fazer jus a sua proposta. Para apresentar a assassina fugitiva grávida de um carro, Alexia, e todas as suas metamorfoses, a mente genial e insana por trás da produção fez questão de preservar a falta de precedentes e a singularidade de sua protagonista. Julia Ducournau optou por uma atriz estreante e Agathe Rousselle ascendeu à tarefa.

Sem apego a sua casca humana, assim como sua personagem, Rousselle se entrega de corpo e alma às transformações de Alexia. A ausência de projeções prévias em cima da intérprete concedeu à diretora o passe livre para explorar as mudanças da personagem e as suas ações pelo que elas são, sem comparações ou interpretações extralinguísticas. A aparência andrógina de Agathe também acrescentou à escolha, que sustenta a base de Titane: conduzindo Alexia de um mundo estereotipadamente feminino, em que ela dança no topo de carros para o deleite de homens que a sexualizam, para outro masculino, a diretora vai além das tradicionais performances e expectativas de gênero.

É sob sua identidade masculina, por exemplo, que Alexia é acolhida por Vincent e forma uma relação com ele, justamente por ser tida como seu protegido. Mesmo quando a personagem desliza e aparece grávida na frente do pai, ele continua a considerá-la como filho, com quem pode se identificar e compartilhar do companheirismo para com outro homem – e não com uma mulher. As árduas e cruéis violências carnais, que englobam, mas também ultrapassam gênero, funcionam para além da pornografia do horror corporal e externalizam os conflitos interiores, esses que as performances excruciantes de Rousselle e Lindon também encarnam. Por mais duvidoso que sejam, os dois geram até empatia.

No volante da alucinante e delirante viagem de Titane, a diretora francesa sabia que não seria tão simples fazer se relacionar com os personagens. Pelo menos (e espera-se), não por suas ações. Atingindo suas intenções de que, se a audiência não pudesse simpatizar com Alexia por suas morais, que seja pelo seu corpo, este funciona como um “cordão umbilical entre a audiência e ela”. Mais uma vez e a cada minuto ao longo dos seus cento e seis, Titane, assim como Grave, abre a porta da carne para adentrar as manifestações do psicológico humano: se os atos da protagonista não são universais, a sua dor é.

Ao final, mais do que um thriller extravagante, do que uma comédia insana, terror corporal primitivo ou de um drama complexo, Titane é essencialmente a mistura de todos, e também a união de todas as metáforas e simbologias que se pode tirar dele. Acima de tudo, o filme soa como um exercício de humanidade e vulnerabilidade, nem que seja a nossa: Julia Ducournau constantemente desafia o público a encontrar o humano no animalesco, mesmo que seus próprios personagens o rejeitem. 

É com sua visão oblíqua, fantástica, surreal e sedutora que a diretora leva sua obsessão e celebração do corpo ao Oscar 2022: ainda é cedo para cantar vitória, então, por enquanto, a ousada produção é somente a submissão oficial da França na categoria Melhor Filme Internacional. Dados os devidos créditos, Titane é realmente uma corrida, em que a única certeza é de que o carro que leva a agitada criança Alexia no banco de trás vai bater. E nem nós, nem ela, estamos usando cintos de segurança.

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Enrico Souto

Para meros mortais como nós, líderes de companhias bilionárias, detentores de grandes fortunas e outras figuras de poder, podem parecer soberanas e prodigiosas. Porém, o que ocorre quando observamos suas movimentações mais atentamente? É o que O Atlas dos Pássaros, comédia dramática da República Tcheca apresentada na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, propõe: investigar a intocada moralidade dos poderosos. E, quando descobre-se ali a raiz desse poderio, deparamo-nos com uma das faces mais abjetas da sociedade. 

Ivo Rona é um velho CEO de uma empresa multimilionária. Pouco importa a função da empresa, o que importa é que, após uma internação hospitalar, ele sofre um golpe que faz com que perca uma quantidade exorbitante de dinheiro. Na busca de culpados, a principal suspeita calha de ser Marie, sua secretária, que subitamente desaparece sem dar notícias. E, em meio a essa situação caótica, seus dois filhos ainda tentam, com unhas e dentes, tomar a frente da companhia do pai, que irá exprimir grande resistência. É nessa micro-guerra fria que a narrativa do longa se coloca.

O nome que Olmo Omerzu, vencedor do prêmio Karlovy Vary de Melhor Direção, dá ao longa, originalmente chamado de Atlas Ptáků, pode soar misterioso, mas rapidamente se justifica pela presença marcante desses coadjuvantes alados e, posteriormente, por um elemento importantíssimo da trama. Espécies diversas de aves criam intermissões na narrativa, ou comentando os eventos, ou comunicando-se diretamente com o espectador, seja através de frases enigmáticas, seja por explicações expositivas que contextualizam os acontecimentos. Apesar de ser uma ferramenta instigante no papel, o seu uso em cena gera pouco interesse.

Ao longo da narrativa, acompanhamos a gradativa decadência de Ivan e seu legado. Algo necessário para ser pontuado, é que Bird Atlas despreza totalmente seu protagonista. Ivan Rona é o habitual homem branco de idade avançada, defensor da família, dos bons costumes, que acredita que o mundo orbita em volta de seu umbigo, mas que tem sua hipocrisia escancarada quando visto mais de perto. Seu dinheiro foi conquistado de maneiras extremamente antiéticas, ele coloca sua empresa à frente de toda e qualquer coisa, é ausente com seus filhos e os trata como objetos que estão ao seu serviço, e traía a esposa extensivamente. E no fim, o personagem, que se recusa a largar o osso, demonstrará amargura e hostilidade com tudo e todos, até que, finalmente, se veja completamente sozinho.

No entanto, este está longe de ser o melhor trabalho do diretor, responsável pelo renomado Winter Flies. A maior força do filme está no grande mistério a respeito do responsável pelo roubo do dinheiro. É o que cria a tensão entre os personagens e rege os conflitos da trama. Contudo, esse arco é rapidamente resolvido no início da sua segunda metade, o que torna a conclusão arrastada e monótona. Além disso, a fotografia de Lukáš Milota é pouco inspirada, sempre optando por planos básicos e enquadramentos nada criativos. De todo modo, ao olhar para dentro das camadas mais prestigiadas da sociedade, O Atlas dos Pássaros tece uma crítica contundente e tragicômica sobre quem ocupa essas posições de poder. E, se há algo para aprender disso, é que, no fim das contas, pessoas ricas geralmente são patéticas mesmo. 

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Vitor Evangelista

A destemida ideia de transformar em ficção o crime envolvendo a família Von Richthofen não poderia ser mais ousada. O conturbado cenário do Cinema nacional, que encontra no público do país um asco à qualquer obra que fuja dos “bons costumes” ou da comédia irreverente que a Globo germinou na última década, é carente de filmes corajosos o bastante para, na mesma moeda, adereçar temas sensíveis e fazê-lo ao alcance do grande público. Com isso, A Menina que Matou os Pais já nasceu com promessa de grandeza. 

O argumento de Raphael Montes e Ilana Casoy veio a partir dos autos do julgamento de Suzane von Richthofen, Daniel e Cristian Cravinhos, condenados pelo bárbaro crime que tomou parte quatro anos antes da sentença, na noite do Halloween de 2002. Se tratando de dois importantes e contraditórios discursos, a equipe por trás da obra decidiu por quebrá-la ao meio, sem ordem de exibição ou cronologia, fazendo essa divisão com base na visão de cada um dos réus. 

Manobra inédita no Cinema brasileiro, a fagulha de criatividade já foi posta à prova em Dois Lados do Amor (The Disappearance of Eleanor Rigby, de 2014), que faz uso da difusão narrativa em prol de um casal em processo de se apaixonar. Diferente da ideia original, A Menina que Matou os Pais e O Menino que Matou Meus Pais são filmes irmãos, um tanto parecidos demais, mas inevitavelmente complementares e repetitivos. Tanto é que a estratégia de lançamentos nas salas de cinema buscava a ideia da compra de apenas um ingresso, mas que valeria para a “sessão completa” do drama.

O que ninguém previu foi a pandemia, que lacrou as salas e atrasou o lançamento das obras por mais de um ano. Deu tempo da estrela Carla Diaz entrar no elenco do Big Brother Brasil 21, engatar um romance, ser eliminada por conta desse rolo e sair antes da metade do programa. Deu tempo do burburinho dos filmes chegar à Netflix aumentar e diminuir, deu tempo da antecipação bater no teto e despencar até o chão. Até que, de surpresa, o Amazon Prime Video anunciou que daria um lar aos macabros contos do crime que chocou o Brasil no começo do milênio.

Em A Menina que Matou os Pais, somos guiados pelo depoimento de Daniel (Leonardo Bittencourt), no dia do julgamento, em meados de 2006. Dessa forma, os dois filmes começam no tribunal, com o mar de gente gritando profanidades e pedindo a cabeça do trio acusado. O roteirista Raphael Montes, que fez seu nome escrevendo romances policiais, recomendou que O Menino fosse assistido antes, para que o público primeiro se habituasse com uma Suzane anestesiada e perdida, para então dar play em A Menina e se deparar com sua versão ardilosa e cabeça-quente.

Por mais que de fato não exista um manual de como mergulhar nessa história, por experiência própria, é possível afirmar que começar por O Menino oferece mais nuances às interpretações do casal principal. A dupla modula muito bem as emoções nesses oitenta minutos iniciais, mas as extrapola verdadeiramente na uma hora e vinte seguinte, que se centra em uma Suzane venenosa e cheia de picos de raiva, tensão e êxtase. Bittencourt se beneficia dessa maratona, pelo fato de começar a história como um manipulador e terminá-la com a mesa invertida, quase arrependido de ter deixado se levar pela namorada.

Enquanto obra de ficção, os filmes não esbaldam tamanha liberdade artística que obras estrangeiras sobre assassinos capitalizam em cima por décadas a rodo, mas a história se adequa razoavelmente bem aos moldes do tribunal. Se Charlize Theron pode vencer um Oscar ao dar vida à Aileen Wuornos, por que então fazer Cinema em cima da história de Suzane von Richthofen é visto como um passo para além do limite do bom senso? Carla Diaz, em um show à parte e completamente imersa na psique fragilizada de sua protagonista, surpreende positivamente, e dá o nome, carregando com vigor as quase três horas de duração das obras somadas.

Longe das interpretações, o problema dos filmes reside em sua concepção de nascença. É preciso um jogo de cintura e tanto para contar uma história cujo desfecho é de conhecimento de um país inteiro. Imagine, então, contar essa história duas vezes, espelhando-a da maneira mais simplória e clichê possível. Carla Diaz vira a chave entre triste, louca ou má, operando ao que lhe é comandado. Em O Menino, ela é meiga e aérea, mas a peruca desidratada da Anna Wintour que colocaram na atriz na cena do tribunal tira qualquer credibilidade visual da direção.

Direção essa a cargo de Mauricio Eça, que insiste em um chove, não molha desconcertante, dando alicerce aos filmes seguindo as mesmas batidas narrativas, e filmando as cenas sob duas perspectivas, ou 8, ou 80. Por isso, quando o público capta a essência do filme 2 (seja lá qual for a sua ordem de exibição), a experiência de acompanhar o mesmo enredo duplicado diminui o impacto. O aspecto exaurido nas produções é o enlace romântico de Suzane e Daniel, explorado de maneira simples, maniqueísta e sem uma pitada de originalidade ou relevância.

Carla Diaz faz cosplay de Chiquititas quando interpreta uma Suzane na faixa dos 15 anos, e a progressão temporal anula qualquer desenvolvimento de personagem que o público deseja. No filme de Daniel, Suzane é a vilã, a bruxa Keka e a mandante do crime. No filme de Suzane, ela apenas é a mocinha levada ao mau caminho pelo namorado delinquente. Não há profundidade no namoro, que se estende por anos, ou na personalidade dos retratados em tela.

Astrogildo (Augusto Madeira) e Nadja (Debora Duboc) aliviam o clima dos filmes, injetando vitalidade aos pais de Daniel, que recebem Suzane de braços abertos e nutrem um carinho familiar por ela. No lado oposto, as vítimas do crime são interpretadas sem qualquer respaldo ou cuidado, deixando as cenas com Manfred (Leonardo Medeiros) e Marísia (Vera Zimmermann) repetidamente derivadas. O jovem Andreas, irmão caçula de Suzane e interpretado por Kauan Ceglio, não recebe uma migalha de história, e a característica mais marcante de sua passagem pelos filmes é o cabelo ruivo tingido com papel crepom. 

Cristian (Allan Souza Lima) se enquadra no clichê esperado do hétero dos anos 2000, que trabalha em um bico aqui e acolá, e insiste em fazer pegadinha com o irmão mais novo, ocasionalmente envolvendo ovos. A partir do momento que ele é inserido no plano do assassinato, o texto não se preocupa em satisfazer o público e mostrar o elo de irmandade entre os Cravinhos. A passagem de irmãos delinquentes para irmãos criminosos não surte efeito nenhum em A Menina que Matou os Pais. Suzane, visivelmente afetada pelo que diz respeito às caras e bocas de Diaz, manda, e os homens obedecem.

Quando, enfim, os filmes chegam ao “O Dia”, a descarga é apertada, relegando o crime a menos de vinte minutos de tela, combinadas as duas rodagens. É claro que, para uma obra “true crime” ser boa, sangue nenhum precisa ser espirrado na câmera (Mindhunter provou isso à exaustão), mas a saída não é segurar a expectativa por quase noventa minutos, para depois dar para trás e preferir o lúdico ao real. Ao passo que a iluminação brinca com tons saturados a fim de expressar o medo, a raiva e a conclusão, os filmes de Mauricio Eça pecam pela falta de pulso firme.

Se a arrojada abordagem de dividir o crime ao meio e narrá-lo sob mundos diferentes fosse espelhada para as demais pontas da produção, estaríamos frente a uma obra rica e multifacetada. Mas a criatividade morre no berço, tornando a maratona de quase três horas em uma vitrola arranhada, nada viril e com pouco a dizer. A Menina que Matou os Pais evoca tropos que já deveriam estar enterrados no audiovisual. Ninguém precisa assistir a ruína de uma mulher “louca”, vingativa ou assassina, motivada por um passado difícil e um presente mais complicado ainda.

Ou melhor, ninguém precisa assistir a mais uma versão clichê e batida dessa mesma narrativa. Todos os anos, cineastas e roteiristas proeminentes fazem uso do comum para revitalizar uma fórmula, injetando vida a essas histórias. Se depender do tato artístico e da pegada autoral da dupla de filmes, não importa se foi A Menina ou O Menino quem matou, o gênero do true crime pode ser enterrado no mesmo túmulo. 

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Vitória Silva

Não há isca melhor para prender o telespectador do que uma boa história de suspense. Crie uma morte inesperada e um núcleo de possíveis suspeitos, ainda por cima, ambiente-a em uma cidade interiorana pequena. Pronto, tem aí a fórmula perfeita para causar um burburinho necessário. Mas não o suficiente para, de fato, ter uma narrativa interessante, em meio a tantas outras que utilizam os mesmos ingredientes, e muitas que acabam se perdendo. 

Mare of Easttown se apoia no gênero para criar sua trama. Ambientada na pequena cidade da Pensilvânia presente no título da série, a obra acompanha Mare Sheehan (Kate Winslet), uma policial durona de meia-idade, que se ocupa diariamente com a solução de diversos crimes que atingem a população local. Entre ter que resolver pequenos problemas de demais habitantes, como a implicância da senhora Carroll (Phyllis Somerville) com seu vizinho delinquente, a detetive também lida com a investigação do desaparecimento da jovem Katie Bailey (Caitlin Houlahan), caso até então não solucionado.

Mas o roteiro da produção não se limita apenas à realidade difícil na delegacia, e somos levados para dentro da casa da protagonista. Descobrimos que, além de policial, ela também é filha, mãe, divorciada e avó. Em um retrato claro de que, quando se é mulher, se carrega muito mais do que o peso de um distintivo. Além de conviver com uma mãe de forte personalidade, Helen, interpretada pela genial Jean Smart; compartilhar a vizinhança com seu ex-marido Frank (David Denman) – bem menos babaca que o Roy de The Office -, suportar a adolescência da filha Siobhan (Angourie Rice), Mare também enfrenta nas entrelinhas o luto pela morte de seu filho Kevin (Cody Kostro).

A protagonista de Kate Winslet não é fácil de se gostar. Sheehan é durona, egoísta, carrancuda e pouquíssimo afetuosa. Ainda sim, vamos nos aproximando cada vez mais da realidade da personagem e de sua jornada. Mare se posiciona como uma salvadora da cidade de Easttown, capaz de mover montanhas para resolver desde questões mínimas dos habitantes até outras maiores e mais complexas, com o único objetivo de trazer para a comunidade a estabilidade que falta em sua vida. Afinal, ela é a Miss Lady Hawk. 

Mas isso não a torna nenhuma espécie de Mulher Maravilha, e nem é isso que ela procura. Nem mesmo a adoração popular ou os calorosos braços de Richard – representados com todo o charme de Guy Pearce – seriam capazes de acalentar a maré de turbulências presente no cotidiano da detetive. Nada melhor para suportar a luta pela guarda do neto, questões mal resolvidas com a morte do pai e um vazio irreparável no coração de uma mãe do que tentar solucionar o que parece insolucionável, nem que para isso seja necessário quebrar todas as partes do corpo ou colocar sua credibilidade profissional em jogo, dando um espetáculo de anti-heroísmo. 

Por mais empoderador que possa ser ver uma mulher incorporar uma figura historicamente associada a personagens masculinos, não há nenhuma forçação de barra nesse sentido, Mare é fodona sem precisar se empenhar muito para isso. Devido a essas e outras, Winslet conseguiu uma indicação ao Emmy 2021 como Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. 

Enquanto somos ambientados no ar da cidade e na rotina dos habitantes, também acompanhamos a vida de Erin McMenamin (Cailee Spaeny), uma jovem mãe solo, que tem uma rotina solitária e uma relação complicada com o pai alcoólatra e o ex-namorado abusivo. O pontapé inicial da trama, de fato, é o seu assassinato, nos minutos finais do primeiro episódio, que rende uma cena quase teatral. 

Assim surge mais um crime para ser resolvido na conta de Sheehan. Em uma cidade pequena onde as vidas de todos os habitantes se cruzam, ninguém ali deixa de ser um suspeito. E ela sabe bem disso, e embarca nessa empreitada ao lado de Colin Zabel, interpretado por Evan Peters, que finalmente saiu do cativeiro do Ryan Murphy para dar vida a um detetive extremamente bobão e carismático – e que também apresenta uma idade relacionável a do ator -, tendo como resultado nada mais nada menos do que sua primeira indicação ao Oscar da Televisão, como Melhor Ator Coadjuvante. 

Mesmo com um roteiro para lá de instigante – e que devidamente recebeu sua nomeação ao Emmy para o criador Brad Ingelsby – o arco da investigação do assassinato e da onda de sumiços de jovens garotas em Easttown fica facilmente em segundo plano. Por mais que o interesse pelo desfecho da trama seja grande, nos tornamos ainda mais obcecados e apegados à história de Mare, a forma que ela se agarra ao trabalho para não ter que enfrentar as batalhas da sua vida pessoal, sem perceber que se encontra numa situação que é uma via de mão dupla. 

De maneira alguma isso aumenta a densidade da narrativa ou a dosagem dramática, que é perfeitamente balanceada com a relação bem-humorada com sua mãe, que ainda rendeu uma indicação para Jean Smart como Melhor Atriz Coadjuvante, concorrendo na premiação também por Hacks. Não só no âmbito familiar, mas também na amizade, Mare forma um laço perfeito com sua colega de longa data Lori, em uma performance estonteante de Julianne Nicholson, que se garantiu ao lado de Smart na disputa pela estatueta de ouro. O balanço entre a sensatez e a inconsequência da dupla é o guia perfeito para nortear a descabida Mare of Easttown. 

E se tem uma coisa que a produção da HBO sabe fazer é criar laços. Os diversos rostos que aparecem de forma despretensiosa na trama podem parecer apenas uma distração ou mais um na extensa lista de possíveis criminosos, mas todos se posicionam perfeitamente na rede completa que constrói o arco final da série, com camadas e camadas de desenvolvimento. Nada é por acaso, nem mesmo os cortes aparentemente grosseiros, ou os enquadramentos peculiares da direção, que nos enganam de forma minuciosa e nada exagerada, devidamente executada por Craig Zobel, que, adivinha, disputa o Emmy por Melhor Direção.

Em meio a uma jornada tão profunda da nossa anti-heroína, a última coisa que Mare of Easttown precisava era nos dar uma reviravolta surpreendente, e ainda sim o faz de forma magistral. O desfecho da investigação – arriscado, quase absurdo e todos os outros adjetivos que você possa imaginar – é a peça final do quebra-cabeça que vem sendo construído desde o primeiro episódio, e sobre o que a série de Ingelsby realmente se trata: um encontro perfeito entre a maternidade e o luto. Ao final, a perda de Mare conecta-se com a de Lori, de Judy, de Dawn e de Erin. A conclusão é apenas uma, e é a mais bela que poderíamos ter. 

Mare of Easttown é a série do ano, da década, ou de qualquer outro recorte  temporal possível, e sua forte aposta no Emmy 2021 como Melhor Série Limitada ou Antologia é apenas um dos indícios disso. Não é todo dia que se reinventa um gênero que atravessa gerações, e ainda dá aula sobre como trabalhar uma narrativa com a profundidade e o significado que merece. Isso tudo em apenas sete episódios, que são muito mais que suficientes.

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Nicole Saraiva

“Loirinho não p****, meu nome é Pedro Dom”

A história do bandido gato inimigo número um do Rio de Janeiro foi curta, mas fez muito sucesso nas manchetes brasileiras no começo dos anos 2000. Pedro Machado Lomba Neto e sua gangue foram conhecidos e temidos por conta de assaltos realizados em edifícios de luxo e esquemas de corrupção policial na zona nobre fluminense. O conhecido como Pedro Dom também sofria com o vício em drogas desde muito novo, tendo passado por diversas internações ao longo de seus 23 anos de vida, fato que é abordado durante o desenvolvimento do personagem na nova produção nacional do Amazon Prime Video, DOM.

Cheia de nuances e detalhes, essa história chegou nas mãos talentosas do cineasta Breno Silveira, muito conhecido pelo sucesso 2 Filhos de Francisco, ao ser procurado por Luiz Victor Lomba, um policial da reserva que, nos anos 70, se aliou ao exército no combate da chegada de cocaína no Brasil. O pai de Pedro Dom gostaria de contar a vida do filho em uma tentativa de retratar um outro lado dessa figura tão emblemática na história do crime organizado do Rio de Janeiro. Os próximos passos você já sabe: a série DOM foi lançada no dia 4 de julho, bateu recordes de audiência e, hoje, carrega o título de produção internacional original mais assistida da plataforma. Inclusive, já foi renovada para uma segunda temporada.

A série baseada em fatos reais surpreende e emociona, humanizando o caso famoso dos anos 2000. Mas, o que torna DOM esse sucesso nacional? O conjunto da obra. A bela fotografia retrata muito bem a cidade do Rio, e pode lembrar produções como Cidade de Deus, principalmente quando o cenário é o morro, o detalhe da câmera na mão deixa a narrativa bem mais realista. A equipe fez um ótimo trabalho com a ambientação e é perceptível as diferenças conforme as mudanças de época, mas não poderíamos esperar menos da Conspiração, produtora independente latinoamericana muito popular no Emmy Internacional. 

O enredo, que vai além da biografia e da vida do crime, mostra intimamente a relação entre pai e filho, e como a trajetória de Victor e Pedro afetou e desgastou sua família. A trama em si retrata um problema social, o tráfico de drogas, contando isso de uma forma não linear, viajando entre os anos 1970 e 2000, e criando um paralelo de causa e consequência. Sua premissa busca entender porque Victor (Flávio Tolezani), um policial de elite que combatia o crime desde a adolescência, não foi capaz de impedir a cocaína de entrar em sua casa, e o que fez Pedro (Gabriel Leone), seu filho, chegar aonde chegou. 

A série criada por Breno Silveira e dirigida também por Vicente Kubrusly tem uma pegada mais intensa e pode ser muito pesada em alguns momentos, o que torna difícil assistir e digerir tudo de uma única vez, sendo necessário algumas pausas para respirar e refletir o que acabou de ser visto. O debate retratado na tela te faz pensar sobre qual a real extensão do vício, e até que ponto o usuário é capaz de ir para sustentá-lo. Pedro tenta, em diversos momentos, sair da vida do crime e das drogas, mas, como um ímã, ele é atraído de volta para esse universo. A vulnerabilidade que o personagem apresenta não o torna menos violento, e portanto não justifica suas ações agressivas, tornando Dom uma figura imprevisível e instável, que fisga a atenção do telespectador durante as cenas. Essa dualidade do protagonista o torna humano e deixa o público em uma sinuca de bico, pois é possível simpatizar e querer torcer por sua  melhora, mesmo sabendo que ela não virá. A grande sacada de Breno Silveira é não nos deixar esquecer que essa é uma história real com começo, meio e um triste fim que se aproxima. 

Um ponto positivo da produção é a maneira com a qual eles lidam e trazem o racismo incorporado na história, seja nos personagens que veem Lico (Ramon Francisco) como a verdadeira má influência do melhor amigo Pedro, apenas pelo fato de ser um jovem negro, filho da empregada e morador do morro, ou no processo da formação da quadrilha. Pedro Dom e Viviane (Isabella Santoni) eram os responsáveis pela invasão dos condomínios, já que, por serem jovens brancos, loiros e de olhos claros, eles não geravam desconfiança dos seguranças dos locais. Esses elementos mostram como o racismo estrutural está intrinsecamente enraizado na nossa sociedade, por mais que essa palavra não seja mencionada ao longo da história.

DOM tem suas falhas, e o departamento de som é uma delas, já que ele empobrece alguns diálogos, acaba ficando claro em algumas cenas que ele foi inserido depois e o tom já não é mais o mesmo, mas nada que prejudique a experiência do público. A produção também peca em alguns detalhes de caracterização, as lentes de contato azuis usadas por Gabriel Leone são difíceis de engolir, mas você acaba se acostumando ao longo dos episódios devido às ótimas atuações do elenco. 

O que, inclusive, vale uma menção honrosa para a Rede Globo e a Malhação, sua academia de jovens atores, já que boa parte do elenco começou a sua carreira na novelinha. Mas o grande trunfo da produção é o trabalho conjunto de Gabriel Leone e Flávio Tolezani, que brilham em tela como pai e filho, Os dois atores carregam muita química e dinamismo, principalmente nas nuances da diferença entre a adolescência e a vida adulta de Pedro, visto que Leone interpreta o personagem em ambas as fases.

O complexo herói que vemos em Victor origina algumas cenas pouco críveis, o que por vezes incomoda, desafiando a nossa inteligência e nos fazendo pensar “como será que ele saiu vivo dessa?”. No entanto, isso não é culpa do trabalho de Tolezani e sim do roteiro de Breno Silveira, Fábio Mendes, Higia Ikeda, Carolina Neves e Marcelo Vindicatto. Recentemente, chegou ao público uma carta aberta escrita por Érika, irmã mais velha de Pedro Dom, expondo situações que vão além do questionamento de se a produção DOM é boa ou não. 

O fato é que, se tratando de uma história real e, principalmente, de uma história recente, a produção revive anos de traumas e momentos difíceis da vida de uma família. Pedro tem uma irmã, um filho e uma mãe, que não autorizou e nem consentiu com a produção dessa série, e hoje sofre muito com a forma que a trajetória do seu filho foi retratada nas telas. Inclusive, segue lutando na justiça para entender, nas palavras de Érika, como a sua história de vida com seu filho e a morte  do mesmo se tornaram um produto pronto para consumo. Realmente tudo é válido em nome do entretenimento?

A representação amorosa, turbulenta, porém muito devotada ao bem-estar de sua família, retratada através de Victor, seu ex-marido, não condiz com a realidade. Tanto que, de acordo com a família, muito da intimidação e violência que Pedro praticou foram aprendidas com ele. Hoje, Victor Lomba não está mais entre nós, foi vítima de um câncer de pulmão no final de 2018 e acabou não vivendo para ver a produção sendo lançada. Morreram junto com ele os acordos financeiros fechados naquele mesmo ano para DOM, cujo dinheiro dos lucros nunca foi entregue à família. Um dinheiro que deveria estar sendo investido na criação de seu filho Pedrinho, de 16 anos, que está em tratamento psiquiátrico para ansiedade e depressão, e ainda tem que lidar com a procura da imprensa por uma declaração. 

A obra então apresenta uma série de inconsistências com a realidade, o que não seria um problema caso ela fosse apenas baseada em fatos reais, mas ela se vende de maneira quase bibliográfica e se sustenta em apenas um lado da história. Como um entretenimento, isso não prejudica DOM em nada, porém, do ponto de vista humano e empático, ela não deveria sequer existir, quem dera ser a produção internacional mais vista da plataforma. A narrativa não é fiel, ela engana e abre dores muito profundas.

De fato, a vontade da família não foi respeitada, a mãe Nídia Sarmento e a irmã Erika Grandinetti buscaram a justiça em 2019 para impedir a exibição da série, agora lutam para embargar o lançamento de uma segunda temporada. Concluindo, existem muitas problemáticas na produção, mas essas são discussões extensas e profundas sobre um sistema, a indústria cinematográfica em si e a reprodução de narrativas errôneas, o que levaria muito mais do que um texto inteiro. 

O elenco também conta com Laila Garin e Mariana Cerrone, como mãe e irmã de Pedro, respectivamente, que trazem muita emoção para a dinâmica familiar do protagonista, mostrando esse lado humano de que, apesar de um criminoso, o jovem, de fato, tinha uma família que o amava e queria vê-lo em uma melhor fase. Jasmin (Raquel Villar), Viviane (Isabella Santoni), Lico (Ramon Francisco) e Armário (Digão Ribeiro) são os integrantes do Bonde, a quadrilha de assaltantes que aterrorizou o Rio. Eles trazem a ação para a trama, protagonizam algumas das cenas mais intensas e é possível perceber muita entrega dos atores para os personagens. 

Durante o núcleo dos anos 70, temos o incrível Fábio Lago, presente em diversas produções brasileiras de sucesso, – incluindo a recém-lançada Cidade Invisível, da Netflix – interpretando o dono do morro Ribeiro, e Filipe Bragança como o jovem Victor Dantas. Eles fazem uma boa dupla, contracenam bem juntos e funcionam como um spin-off dentro da própria narrativa, lá é possível ver momentos de humor e tensão, e serve para justificar quem o pai se torna no futuro, um homem carregado de traumas adquiridos em seu tempo como policial infiltrado. Os dois intérpretes do Victor em diferentes fases da vida têm um trabalho de construção do personagem muito consistente, visto que Filipe tem um desenvolvimento bem construído em frente às telas e se destaca dentre os jovens atores. 

A série, no geral, é um bom drama policial, cativa, emociona e mantém o ritmo e o interesse do espectador até o último segundo. Quem busca uma boa produção com ação e drama dificilmente não gostará de DOM, e quem vive no Brasil entenderá as diversas problemáticas raciais e sociais que ela aborda. E trabalha muito bem em cena a maneira com a qual a milícia opera no Rio de Janeiro, colaborando para a continuidade do crime organizado. No fim, quem deveria proteger a população coloca seus interesses pessoais à frente e incentiva esse ciclo de violência a continuar. De fato, a história de Pedro Dom é regada de racismo institucional, desigualdade social, corrupção e violência. Uma parte do nosso país que adoramos ignorar. 

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Ma Ferreira

Em 2012, o empresário Marcos Matsunaga foi morto e esquartejado por sua esposa, Elize Matsunaga. O crime recebeu muito apelo midiático na época e ficou conhecido como Caso Yoki, por conta da empresa alimentícia coordenada por Marcos, que também era herdeiro. Na série investigativa Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime, da Netflix, Elize fala pela primeira vez à uma reportagem a sua versão dos fatos. A produção entrevista amigos do casal, jornalistas que acompanharam o desenrolar das investigações e do julgamento, os advogados, o promotor e o delegado do caso. 

A série documental narra, ao longo de quatro capítulos, todas as nuances que envolvem o crime, deixando alguns questionamentos ao telespectador. Não há na série a pretensão de refazer o julgamento de Elize, mas sim revisitar os acontecimentos, mostrando como era o relacionamento do casal, quais as hipóteses relacionadas ao assassinato, as contradições apresentadas à época do julgamento e como a narrativa foi abordada pela mídia. A família de Marcos aparece por meio de gravações dos relatos feitos no julgamento, não contribuindo com a produção de Gustavo Mello.

“Ela vivia uma vida de princesa” 

A Promotoria, advogados de acusação e amigos contaram a narrativa da Cinderela. Elize teria uma vida maravilhosa após o casamento, sendo muito amada e tendo tudo o que queria. O casal compartilhava de viagens, caças de animais como cervídeos, porte de diversos tipos de armas, uma coleção luxuosa de vinhos e por aí caminhavam seus gostos excêntricos. Nesta visão dos fatos, ela teria agido por ganância e medo de perder uma vida de “princesa”, e por isso teria cometido tal absurdo.

“Eu tirei você do lixo”

Na versão apresentada por Elize, o marido era controlador e agressivo, fazendo com que vivesse sob constantes ameaças à sua integridade física. Ela havia descoberto uma traição por meio de um detetive contratado, estava magoada e temia pelo futuro de sua filha. Em uma discussão acalorada, ela haveria efetuado o disparo com um dos revólveres que tinham em casa. Depois, como um meio de se livrar do corpo, esquartejou-o e separou o mesmo em sacos que posteriormente distribuiu em uma estrada que levava a cidade de Cotia, São Paulo.

Por meio dessas narrativas principais, se desenvolvem relatos e falas dos entrevistados que alimentam alguns preconceitos, visões extremamente machistas e grandes julgamentos morais. Salienta-se que as interpretações dos entrevistados buscam fazer com que quem assiste procure fazer a sua reflexão sobre o que é narrado e principalmente repensar o caso com sua própria perspectiva. Apesar da narrativa aqui realizar entrevistas com os relacionados ao evento, como faz O Caso Evandro, não espere dessa produção a mesma responsabilidade ao contar esse enredo.

Alguns temas importantes são levantados aqui, como os ataques machistas que Elize sofre da imprensa, da família Matsunaga e mesmo da Promotoria por ser uma ex-garota de programa. Dentro dessa visão, seu caráter é julgado e ela é primeiramente condenada pela mídia. O caso envolve um grande empresário, e nesse sentido, julgava-se que Marcos fosse muito melhor como pessoa do que a esposa, devido a toda a educação e criação familiar que recebeu durante sua vida.

A série, com direção de Eliza Capai, acerta em mostrar algumas questões como a misoginia judicial e o tratamento diferenciado que a investigação têm por se tratar de um assassinato de uma pessoa de grandes posses. Entretanto, talvez para a infelicidade desta produção, recentemente tivemos o lançamento de O Caso Evandro, que aborda de maneira mais aprofundada e respeitosa um caso criminal brasileiro famoso. Os graves erros de Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime são as escolhas de falas, o que faz com que alguns dos envolvidos fiquem com ar de personagens caricatos e até mesmo com um tom cômico, o que não deveria ocorrer neste tipo de narrativa. 

Algumas perguntas, respondidas tanto por Elize como pelos amigos de Marcos, com meias respostas, demonstraram a compulsão do empresário por pornografia, podendo até levar o espectador a pensar que ele teria se envolvido com crimes sexuais, o que não foi investigado e julgado neste caso, não sendo uma pauta necessária à série. O tom de mistério a alguns discursos poderia ter sido apenas retirado na edição final, focando em aspectos de discussão relevantes, como os preconceitos e a violência contra a mulher.

Inicialmente, a abordagem da narrativa tenta justificar o ato cometido por Elize, como sendo ou matar ou esperar ser morta, quando alguns outros relatos da narrativa levam a outros caminhos. É certo que a produção tem a intenção de fazer quem assiste repensar sobre todos os eventos, mas tentar explicar as motivações que levam uma pessoa ao assassinato não deveria ser um dos caminhos, afinal, elas não diminuem a gravidado do ato. A série é interessante para os que gostam do gênero, mas deve-se ir com poucas expectativas e ter um olhar crítico acerca das escolhas narrativas e de debate aqui apresentadas.

Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime narra a história da Cinderela que teve seu castelo incendiado pela violência psicológica e física de seu casamento. A todo momento a série brinca com essa perspectiva, apresentando elementos dos contos de fadas, como por exemplo, cenas com Elize em uma floresta, trilha sonora como se fosse de uma caixinha de música antiga. É irresponsável na forma como traz as pautas feministas na problematização e na justificativa de algumas ações. E ao se focar nisso, esquece de trazer a problemática principal, a ocorrência de um homicídio de forma responsável, tentando assim justificar o injustificável.

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Ma Ferreira

Em abril de 1992, na cidade de Guaratuba, no Paraná, desapareceu o menino Evandro Ramos Caetano de apenas 6 anos. Na última vez que ele foi visto, disse que buscaria seu mini game em casa e voltaria para a escola onde a mãe trabalhava, mas nunca mais voltou. Dias depois, alguns lenhadores encontram seu corpo em um matagal. O cadáver estava sem o couro cabeludo, sem as mãos e os dedos dos pés, com o ventre aberto, sem as vísceras e em avançado processo de decomposição.

Após esse bárbaro crime é que se desenvolve a trama apresentada na nova série original do Globoplay, O Caso Evandro. A narrativa é cheia de reviravoltas, infortúnios e grandes erros que foram cometidos na investigação do que foi o mais longo julgamento nacional. Com um clima de conspiração e mistério, somos convidados a participar de uma viagem no tempo para entender o pensamento da época de ocorrência do assassinato e como as informações eram apresentadas na investigação e na mídia.

Na década de 1990, houve um grande desaparecimento de crianças no Paraná. Meses antes do desaparecimento de Evandro, outra criança de semelhantes características físicas, cabelo loiro e olhos claros, Leandro Bossi, de 8 anos, também havia sido raptado. Até hoje não se sabe o paradeiro do garoto e muito se especula sobre as reais ligações entre esse incidente com o que houve com Evandro. As famílias tinham condições sociais diferentes e isso influenciou nas buscas e investigações de ambas as crianças.

Meses após, sete pessoas confessaram o crime dizendo que o menino Evandro havia sido morto para ser usado como oferenda em um ritual satânico. Entre os acusados estavam a esposa e a filha do prefeito da cidade, Celina e Beatriz Abagge, que foram apontadas como as principais mandantes do trabalho. O pai de santo Osvaldo Marcineiro teria realizado a morte da criança para trazer prosperidade aos negócios da família Abagge.

A narrativa da acusação era a de um ritual de magia negra. A alegação era de que crianças estavam sendo raptadas para serem sacrificadas em prol de riqueza e poder a políticos da época. A maneira como eram citadas e apresentadas as questões ligadas às religiões de matriz africana só causou maiores ações violentas da população da região. Até hoje, existem muitos ataques a terreiros com esta mesma visão deturpada de ser algo ligado ao satânico, ponto que a série discute exemplarmente.

A mídia viu a possibilidade de explorar o caso, auxiliando na acusação dos sete, apresentando grande desconhecimento e mesmo preconceitos para com as religiões de matriz africana, julgando as principais suspeitas de envolvimento como bruxas. Por outro lado, havia uma grande pressão em relação ao trabalho da polícia e a uma resposta breve sobre o que havia ocorrido com as crianças. Neste processo de busca de respostas imediatas, muito se errou e muito se inventou.

Durante o processo, várias falhas foram levantadas e reviravoltas no processo ocorrem. Foram vários julgamentos, páginas e páginas dos autos dos processos, provas perdidas e novos exames solicitados. Essa trama diabólica envolve uma investigação particular do tio de Evandro, Diógenes Caetano. Ele se tornou a principal referência para as equipes que investigaram o caso (Polícia Civil, Grupo Tigre, Polícia Militar, Grupo Águia) e fomentou várias conspirações com relação a família Abagge, que era sua rival política e pessoal.

Ao final da série, um novo material é apresentado: as fitas. Convidados a ouvir as gravações, os acusados, a Promotoria e a Defensoria, reagiram ao conteúdo dos áudios. Neste momento de O Caso Evandro, têm-se a problemática clara da tortura sob a qual passaram os suspeitos para confessarem o crime e a história absurda. O que fica nítido é que o caso ainda pode ter mais novidades e que nada do que se sabe sobre ele realmente auxiliou a solucioná-lo.

A produção é muito bem dirigida por Michelle Chevrand e Aly Muritiba. O trabalho com a temática é cuidadoso, com a pesquisa base que veio do Podcast Projeto Humanos, sob a coordenação de Ivan Mizanzuk. O cuidado narrativo aos detalhes, a cronologia de informações que eram divulgadas à época, bem como a maneira que eram exploradas na mídia foram problematizadas. Outras questões que atravessavam a narrativa principal, como a tortura e a intolerância religiosa com relação à Umbanda, foram analisadas e debatidas com especialistas para um melhor entendimento do público sobre a questão.

A problemática das investigações brasileiras no sentido de recursos e falta de alguns conhecimentos à época também é discutida, bem como a punição e a definição de culpados que é dada pela mídia antes mesmo de um julgamento judicial. Há um cuidado especial em dialogar com os envolvidos, que aparecem e contam a sua maneira as informações que não constam dos autos dos processos, por serem seus relatos de vida. A série documental O Caso Evandro é um marco no fazer narrativo policial de produções nacionais.

Ao final da série, tem-se a promessa de uma próxima série documental focada no Caso dos Emasculados de Altamira, que ainda se encontra em pesquisa por Ivan Mizanzuk. Caso semelhante ao de Evandro quanto a maneira com que a polícia e a mídia o abordaram, bem como na ideia de uma seita satânica que usava crianças. 

O Caso Evandro é uma importante reflexão para pensarmos em como atualmente o sistema judicial tem sido falho e a mídia muitas vezes faz o papel de juiz. Um exemplo recente é o Caso Lázaro, que teve um final execrável, não dando ao acusado sua chance de ser julgado e condenado. O erro é grave por privar as famílias das vítimas da verdade. Evandro e outras pessoas ainda esperam por justiça.

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Vitor Evangelista

Em 30 de outubro de 2015, a boate Colectiv, situada em Bucareste, capital da Romênia, pegou fogo. 27 pessoas perderam a vida durante o concerto da banda Goodbye to Gravity, e mais 180 saíram feridas, queimadas e em situação crítica. O documentário de Alexander Nanau leva o nome da casa de shows, mas vai além do traumático evento, investigando uma crise política de corrupção na rede de saúde do país europeu.

A abertura é deprimente. Familiares das vítimas fatais de Colectiv se reúnem numa reunião enlutada. Fora eles, uma porção de pessoas denuncia que seus entes queridos morreram no hospital, dias depois daquele catastrófico trinta de outubro. A conta não fecha: como é possível que toda essa gente tenha perecido mesmo com os cuidados médicos adequados? Uma ou outra casualidade faria sentido, dada a calamidade do incêndio, mas mais de trinta óbitos?

Cabe, então, ao Gazeta Sporturilor (Sports Gazette), um jornal esportivo, encontrar o furo da reportagem. Eles descobriram que os produtos sanitários de uma rede de hospitais eram diluídos, diminuindo sua eficácia e permitindo que bactérias nocivas entrassem em contato com os pacientes queimados, assim matando-os. Essa máfia tinha tudo planejado: desde contas estrangeiras para a lavagem de dinheiro, até documentos falsificados e uma porção de funcionários do alto escalão na folha de pagamento. 

O documentário acompanha todo o processo da matéria, desde uma câmera sorrateira que filma os repórteres fotografando os frascos de desinfetantes do hospital, até as inflamadas reuniões de pauta, onde o editor-chefe, um impaciente Catalin Tolontan, busca respostas e justiça. Mas Colectiv não se resume a filmar aquela única redação. O filme de Alexander Nanau, experiente documentarista romeno, é sadio ao indagar suas principais questões. Ele se intromete em coletivas de imprensa, tem acesso ao lado de lá e ao lado de cá, sempre paciente, mas nunca desatento. O diretor, que também escreve ao lado de Antoaneta Opris, tem total ciência de onde quer chegar e como deve fazê-lo.

Ao passo que as informações no escritório da Sports Gazette ficam em segundo plano, o documentário pula para a ótica do recém-eleito Ministro da Saúde, Vlad Voiculescu. Um dos muitos ‘peões’ governamentais a dar as caras em Colectiv, Vlad é o primeiro que percebe o tamanho do bagaço que é a situação política local. Sem nos fazer simpatizar com o colarinho branco, a produção nos coloca ao lado dele, nas ferrenhas tentativas de guinar a locomotiva desordenada para um fim não tão próximo.

E, concomitante à equipe jornalística e aos políticos corruptos, Colectiv nos dá uma terceira visão: a dos sobreviventes da tragédia. São as cenas recortadas da jovem Tedy Ursuleanu que imprimem no documentário romeno a dose de humanidade que melhor lhe nutre. Resiliente, frágil, decidida, machucada, viva. Teddy diz pouco, normalmente se comunicando com seu terno olhar e seu corpo. O ensaio fotográfico com o pó amarelo é muito mais que o renascimento da jovem punk, mas tampouco é apenas uma poesia escrita às margens da tragédia.

A participação de Tedy, mais uma alegoria latente, estampando quadros em gabinetes governamentais e desfilando por museus, é o que lufa vida à obra de Alexander Nanau. De fato, sua decisão de intercalar o jornalismo, a politicagem e a arte, todos condensados na tragédia e pela tragédia, transformam Colectiv no trabalho documental mais potente da temporada. 

A progressão narrativa se transforma consideravelmente rápido ao longo dos cento e nove minutos. Colectiv lida com tudo: a investigação do jornal, a crise midiática, a dança das cadeiras dos Ministros, mortes suspeitas, vídeos e cenas de crueldade e corrupção hospitalar. O incêndio é gravado e colado no filme, surpreendendo pela gravidade do caso, e nos fazendo lembrar na hora da tragédia da Boate Kiss, que ocorreu dois anos antes da de Colectiv.

Existe suficiente olhar humano na obra para que ele não se torne o retrato frio e distante de um crime humano. Esse tato afetivo pela população (que, na época, protestou por mudanças) rendeu um lugar de prestígio ao longa, conseguindo uma dobradinha difícil na seleção do Oscar 2021. Além de figurar em Melhor Documentário, Collective (o título americano) concorre em Melhor Filme Internacional, representando a Romênia.

Ano passado, o agraciado com essa dupla nomeação foi Honeyland, documentário da Macedônia do Norte, que acabou saindo vazado da cerimônia. Colectiv também não anda com a bola toda, sendo a zebra das duas categorias em que concorre. Ele está em boa companhia, pelo menos. Internacional tem na disputa o favorito dinamarquês Druk e o melhor dos 5 indicados, Quo Vadis, Aida?. Em Documentário, Time, Crip Camp e Agente Duplo engrossam a qualidade da seleção, ao lado do próprio romeno.

Em meio a uma porção de ficções mornas que abusam de investigações jornalísticas para causar a comoção, o documentário Colectiv se prostra superior. Calculadamente ácido, veementemente maduro e um bocado assertivo, o filme de Alexander Nanau levanta sobrancelhas assim que os créditos sobem. Quais tramoias políticas estão sendo encobertas atualmente? 

No meio da pandemia, o Brasil não realizará o Censo Demográfico, relegando toda sua população a um projeto de mortes e descaso. Perguntas devem ser feitas, medidas devem ser tomadas. O primeiro-ministro romeno renunciou frente à crise hospitalar dos desinfetantes diluídos. O governo romeno colocou ordem na casa, e tomou as providências necessárias. Quantas Colectivs precisam queimar no Brasil para que algo seja feito? Quantas milhares de pessoas devem morrer por conta do coronavírus para que algo mude? Por enquanto, as perguntas, assim como os corpos, não param de acumular. 

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