Guilherme Veiga

Lá em 2011, um grupo de Ohio passava por uma reformulação e almejava ser, na melhor das hipóteses, regional. O que não se esperava era que, dois anos depois, a banda envelheceria tão bem e se lançaria de forma tão contundente no cenário do mainstream alternativo. Agora um duo, os inseguros Tyler Joseph e Josh Dun assinavam seu primeiro contrato profissional como Twenty One Pilots, com a Fueled By Ramen, que hoje é responsável por nomes como Young The Giant e Paramore.

O fruto foi Vessel, disco que ecoa e ainda ecoará pela eternidade do dueto. Não se pode negar que foi Blurryface fez o barulho necessário para que o Twenty One Pilots alcançasse o tamanho que tem hoje. Mas sem seu antecessor de 2013, ele talvez sequer existisse. Sem esse terceiro registro na discografia com gosto de debut profissional, talvez milhões de clikkies não saberiam da existência de alguém capaz de entender, gritar e externalizar todos seus anseios.

O álbum é um sucessor espiritual de Regional at Best, última produção lançada de forma independente, tanto que, pelo registro antecessor ser descontinuado pela gravadora devido a questões contratuais, este recicla algumas de suas faixas. Se RaB, apesar da excelência lírica, parece ter sido gravado dentro de um micro-ondas, Vessel exalta que a banda tem um primor melódico, além da competência na escrita, que cada vez mais se maturaria ao longo dos anos.

Mas se engana quem pensa que o álbum é o ponto de ruptura entre o velho e o novo testamento do Twenty One Pilots. O registro mergulha ainda mais nas profundezas de Tyler Joseph e suas inquietações abordadas nos discos anteriores, sem deixar de desenvolver uma das assinaturas da banda: tratar de temas tão pesados e íntimos, mascarando-os com uma melodia enérgica e animada. Portanto, Vessel funciona como referência, lembrando tanto a própria banda quanto seus fãs, de onde o Twenty One Pilots veio e para onde ele vai.

O essencial do disco foi definir a banda como indefinível. Nesse aspecto fica difícil encaixar o duo em um gênero específico, e isto de forma alguma é demérito deles. Pelo contrário, Vessel explicita como o Twenty One Pilots passeia por gêneros de forma muito consciente. Sem dúvidas, o maior trunfo é como Joseph incorpora o rap e o hip-hop entre as faixas, sendo totalmente perceptível em Screen, na qual os gêneros dividem perfeitamente espaço com um indie bem convidativo; ou em Fake You Out, em que a parte rimada tem como pano de fundo os sintetizadores típicos do alternativo.

Longe das lores extremamente rebuscadas dos projetos subsequentes, Vessel se passa em apenas uma noite, começando na insônia de Ode To Sleep e terminando no amanhecer contemplativo de Truce. Assim, o álbum conduz uma viagem pelos pensamentos intrusivos que podem transformar as madrugadas em algo interminável e se torna um profundo relato de quando nossos medos tomam forma e nos assombram.

“Vou ficar acordado

Porque a escuridão não está fazendo prisioneiros esta noite”

Essa viagem interna é a total prova do talento da escrita de Tyler Joseph. Dessa forma, Vessel funciona como uma tradução muito sincera de como o próprio vocalista enfrenta seus demônios, ora com raiva e angústia, ora se rendendo à eles, ou simplesmente aceitando a tarefa de sobreviver a si próprio. O ponto onde toda a genialidade lírica é muito forte é em Car Radio, talvez um dos maiores hits da banda e hino dos fãs. Na faixa, a letra usa a dupla interpretação para fazer um paralelo entre um carro com o rádio faltando e os questionamentos provocados pela solidão.

Segundo o próprio vocalista, o nome do álbum, tradução para ‘navio’, simboliza que nosso ser é esse objeto, que apesar de uma enorme e robusta casca externa, esconde muita coisa dentro, só se libertando quando morremos (ou, nesse caso, afundamos). Portanto, Vessel vai muito além da ponta de seu iceberg alegre e cativante. Ele é a corrida desesperada desbravando os corredores da embarcação no momento de choque, sendo também um naufrágio em nossa própria existência.

No dia 8 de Janeiro, quando o álbum completou seus 10 anos, a banda fez uma live comemorativa e, entre as curiosidades, versões acústicas e vinis especiais, pela primeira vez os dois falaram abertamente mais detalhes sobre a produção. Nela, eles contaram que os dois velhinhos que aparecem na capa, seus dois avôs, já faleceram. Podemos ter certeza que tanto aqueles senhorzinhos simpáticos, como a legião de fãs estão orgulhosos do rumo que o duo tomou. Mas o maior orgulho é dos meninos não terem desistido, seja da carreira ou até mesmo da vida. Se hoje muitos de seus fãs permaneceram vivos por vocês, o Twenty One Pilots também continuou vivo por nós.

O post Vessel: 10 anos do crepúsculo violento e alvorecer quieto de Twenty One Pilots apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Felipe Nunes

No auge da juventude, Harry Potter e a Câmara Secreta completa seus 20 anos de idade. Responsável por dar continuidade ao sucesso estrondoso de seu antecessor, Harry Potter e a Pedra Filosofal, que apresentou o mundo mágico de Hogwarts aos telespectadores livres de magia, os apelidados ‘trouxas’, o longa-metragem manteve as características infantis, fantasiosas e misteriosas presentes no primeiro filme. Dessa vez, a obra conta sobre o segundo ano estudantil do famoso bruxo Harry Potter (Daniel Radcliffe) na escola de feitiçaria de Alvo Dumbledore (Richard Harris).

Os primeiros momentos da produção são carregados pela mágica que tanto encanta o público fã do universo desenvolvido pela Warner Bros. Bruxos voando em vassouras, criaturas místicas, monstros assustadores e muitos feitiços acompanham as narrativas impressionantes construídas no segundo longa. No meio de todo esse encantamento, o enredo central é explorado com a abertura da Câmara Secreta, a qual, segundo as lendas contadas nos pátios de Hogwarts, aprisiona um dos seres mais temidos de todo o mundo bruxo: o Basilisco.

Contudo, até que essa história se confirme, as dúvidas atormentam não somente os personagens, mas também os espectadores. O mistério é uma das grandes apostas da obra, que, embora carregue um aspecto infantilizado no roteiro de Steve Kloves, prende a atenção nos desdobramentos amedrontadores aos alunos e professores da escola. Afinal de contas, todos querem saber quem é o autor dos ataques que deixaram Hermione Granger (Emma Watson), o fantasma Nick Quase Sem Cabeça (John Cleese) e até mesmo a gata Madame Nora petrificados.

Lançado em 2002, o filme tem a direção de Chris Columbus – o mesmo diretor de Harry Potter e a Pedra Filosofal – e é marcado pela qualidade dos efeitos especiais, considerados de alto nível levando em conta a tecnologia da época. Por isso, as duas primeiras produções carregam tantas semelhanças que se desfazem em Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban e nas outras sequências cinematográficas da saga, desde a composição das narrativas até outros aspectos, como a trilha sonora, a adaptação do roteiro e a própria atuação do elenco.

Em Harry Potter e a Câmara Secreta, a proximidade dos intérpretes com os personagens é explícita. Emma Watson, Daniel Radcliffe e Rupert Grint nasceram para vivenciarem Hermione, Harry e Rony, respectivamente. A seleção do elenco foi certeira e, neste filme especificamente, a conexão entre os atores é nítida. Como protagonistas, o trio sustenta todos os arcos apresentados. O tempo de tela é bem dividido e, ainda que Harry seja o centro das atenções, Hermione e Rony também ganham destaque e mostram que somente unidos eles conseguem vencer os monstros e vilões que assombram os bruxos e os trouxas.

Além da dinâmica trabalhada com os personagens já conhecidos, novas histórias são apresentadas nas telonas. O segundo filme é a porta de entrada de figuras inesquecíveis. É aqui que somos apresentados ao famoso elfo Dobby, dublado por Toby Jones, uma das personalidades mais queridas entre o público. No longa, ele é o autor de todos os obstáculos que Harry enfrenta ao voltar para Hogwarts – que, para o bruxinho, já não é mais uma escola e sim um lar. Em meio às travessuras de Dobby, Lúcio Malfoy (Jason Isaacs) também é apresentado como o senhor do elfo, não poupando as crueldades para seu servo e fazendo jus à paternidade de Draco Malfoy (Tom Felton). 

Nesse clima de apresentações, também chega a vez da chorona Murta que Geme (Shirley Henderson) ajudar o trio e deixar claro que não está ali apenas para chorar – embora ela faça isso em todas as cenas que aparece. Dessa forma, ainda que seja exageradamente dramática, é através de Murta que Hermione é socorrida depois de um erro na Poção Polissuco e que Harry e Rony encontram a Câmara Secreta. Outra aparição que não poderia deixar de ser comentada é sobre aquele que, naquela época, não deveria ser nomeado. Pela primeira vez, a história do tenebroso Voldemort é contada com mais detalhes. 

Lord Voldemort (Christian Coulson) tem uma de suas primeiras revelações: Tom Riddle é seu verdadeiro nome. Com um diário, que no futuro é mostrado como uma Horcrux, Harry visita o passado de Tom e, sem saber que ele é o temível vilão, descobre sobre a possível primeira abertura da Câmara Secreta, e sobre a punição que deixou Hagrid (Robbie Coltrane) sem sua varinha – o maior medo de qualquer bruxo. Isso porque o guarda-caça foi culpabilizado pelos transtornos no castelo quando, na verdade, todas as artimanhas haviam sido feitas por Riddle.

Em meio a descobertas sobre o passado de Hogwarts, a cultura do mundo bruxo é contada aos espectadores. Pó de Flu, mandrágoras, carros voadores, monstros, poções de transformação corpórea e muitos feitiços são responsáveis por aprofundar a magia no segundo filme da saga e enfatizar que os detalhes cinematográficos nunca serão os mesmos dos livros. A adaptação do texto é uma das maiores dificuldades em obras audiovisuais criadas a partir de livros e nas produções de J.K. Rowling isso não é diferente. Condensar todos os acontecimentos do segundo livro em uma única adaptação deixou muitos pontos soltos ao vento, sem desenvolvimento e sem desfecho.

Ação e fantasia quase se equilibram e, por isso, suavizam as lacunas das narrativas. Porém, como temos um ‘quase’ entre esses gêneros, isso significa que os elementos não são o suficiente para impedirem que a sensação de correria se mantenha presente no longa. A relação entre Potter ser ofidioglota – ter a habilidade de se comunicar com cobras –  e sua cicatriz, os presságios que pareciam rotulá-lo como o herdeiro de Salazar Slytherin e os motivos que o fazem não ser da Sonserina pertencem aos segmentos que não foram desenvolvidos e escancaram o descuido com o roteiro. O conforto de já ter apresentado grande parte dos personagens em Harry Potter e a Pedra Filosofal contribuiu com essa despreocupação em não concluir arcos que foram expostos e que mereciam atenção.

Nas polêmicas que cercam a obra, é impossível não associar os posicionamentos transfóbicos da autora que deu vida ao universo mágico, os quais foram responsáveis por afastá-la do elenco principal. Nem mesmo no especial que reuniu a equipe nos 20 anos de Harry Potter, ela compareceu. J.K Rowling age na contramão da saga que ela mesmo criou. Se pelo lado ficcional temos uma história repleta de inclusão que prega a harmonia e a diversidade entre bruxos, monstros e trouxas, pelo lado real que transcende os livros e filmes temos uma autora que difunde preconceitos e suja a própria produção. 

Sob a direção de Columbus e o roteiro assinado por Steve Kloves,  Harry Potter e a Câmara Secreta completa 20 anos de lançamento como uma obra nostálgica, ótima de assistir e ainda mais deliciosa de se rever. É a sensação de tomar o sorvete preferido da infância em um dia feliz e ensolarado. Formado por um elenco magistral, a sequência expande o universo dos bruxos, apresenta novos personagens e reforça o poder que a amizade tem em ultrapassar qualquer feitiço ou maldição.

O post 20 anos de Harry Potter e a Câmara Secreta: em Hogwarts, o Basilisco é a chave de um segredo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ana Júlia Trevisan

Agosto de 2012, Citibank Hall, São Paulo. Luzes apagadas, músicos subindo ao palco, plateia extasiada. Em seguida vem ela, Maria Rita, grávida de 7 meses, usando roupa branca e carregando a missão de eternizar a memória de sua mãe. A caminhada da coxia até o palco é silenciosa. Não há holofotes ou um grande tapete vermelho para a cantora. Peça essencial do espetáculo, a artista interage de maneira íntima com o mecanismo da banda, deixando explícito que a verdadeira estrela da noite é a única e onipotente Elis Regina. A chegada ao microfone é marcada por uma respiração funda, um frio na espinha e os acordes de um potente piano. Nesse momento a sensação é uniforme, podemos sentir um caloroso abraço: mãe e filha se reencontram.

Intitulado de Redescobrir, o projeto, que colocou Maria Rita como intérprete do repertório de Elis Regina, após dez anos de carreira, começou a ser preparado no final de 2011. Inicialmente, a homenagem contaria apenas com cinco shows gratuitos, patrocinados pela Nívea, e receberia o nome de Viva Elis. O intuito era honrar a memória de uma das maiores cantoras do país no começo de 2012, marcado pelos 30 anos de sua morte. Entrega e sucesso imensos, um mar de gente se concentrava nas capitais brasileiras para fazer parte do emocionante reencontro entre mãe e filha, levando ao rebatizamento do projeto e a turnê registrada em CD e DVD, que prosseguiu até meados de 2013.

Piano, baixo, guitarra, bateria e voz se mesclaram em perfeita harmonia para intensificar o espetáculo e exercer a tarefa que sempre foi fácil para Maria Rita: emocionar. “Ai que bom é ver vocês” entoa a cantora nos primeiros segundos de palco. A abertura com Imagem, música que Elis interpretava nos tempos do Fino da Bossa, na Record, aproxima a filha ao público, expressando sua gratidão. Então, em um momento extasiante, a voz da mãe sai do microfone em um breve discurso, enquanto Maria se afasta para trás do pedestal, que permanece iluminado ao passo em que a Pimentinha assume sua presença em Redescobrir. Em sequência, a artista embala Arrastão, o primeiro grande sucesso da mãe.

A intensidade de cada segundo revela que o maior objetivo da cantora é homenagear Elis e seus fãs. Onipresente no palco, Maria não toma o show para si em momento algum. Sua roupa branca feita pelo fiel figurinista Fause Haten, o palco planejado por Helio Eichbauer e a iluminação milimetricamente pensada por Maneco Quinderé ilustram a intenção primária de destacar a progenitora. Filha da primeira pessoa a inscrever sua voz como instrumento na Ordem dos Músicos, a intérprete segue os passos maternos, entrelaçando voz aos demais equipamentos da banda. Integrada à sua orquestra, a potência da filha brilha, mas a estrela maior é a mãe. Maria Rita afirma ser herdeira de um talento inigualável, trazendo Elis no timbre, nos arranjos e nas interpretações. 

É Como Nossos Pais, terceira faixa do álbum e mais importante no repertório de Elis, que causa o maior choque emocional. Solene, tributário e irreverente, a composição de Belchior, pela voz de Maria, desata o nó do estômago, ainda fazendo com que irremediáveis lágrimas surjam se manifestem. Nesse instante, toda a militância de Elis, que a consagra como grande cantora, é posta à mesa e prova que a luta por uma pátria livre de seus carrascos ditadores está em sua genética. A partir daqui, Redescobrir deixa de ser apenas uma filha cantando para sua mãe e se torna algo maior: Maria passa também a cantar sobre seus ídolos e sobre as fibras que ligam a si própria ao cordão umbilical. 

A canção tão importante para a Música Popular Brasileira, representante de um grito de resistência durante o tenebroso período da história nacional, expõe o desafio que vai além de entoar as canções da mãe, o de embarcar em uma das maiores discografias do Brasil. Enfrentar o calibre do repertório já cantado por Elis é um desafio para qualquer pessoa que vive de música. E, ao longo de 28 faixas, Maria Rita prova ser a pessoa mais capacitada para dominá-las.

O fato da cantora estar muito bem acompanhada em cima do palco eleva a potência da produção musical, refrescando a sonoridade matriz ao mesmo tempo que em ousa inovar em percussões. Existe uma vivacidade nas regravações e nos arranjos criados coletivamente durante os ensaios, que não deixam de remeter ao cânone. São interpretações novas, originais e que referenciam as gravações clássicas, deixando a marca de cada músico nesses arranjos e o respeito ao repertório, assim classificando o projeto como uma vigorosa homenagem e não como um musical com as canções de Elis.

Os dez anos que separam o primeiro disco de Maria Rita e o Redescobrir colocou a cantora em um patamar que a consagra como uma das vozes mais prestigiadas de sua geração. Mas, ao mesmo tempo em que a artista conquistava seu espaço, seja na MPB ou no samba, por mérito próprio, os urubus da mídia insistiam em rivalizar mãe e filha por meio de comparações descabidas.

É mantendo a discografia de Elis intocada por uma década que Maria torna todo o projeto mais intenso e sensível. Não era apenas uma homenagem. Não era apenas duas gigantes no palco. Eram todas essas variantes, acarretadas à volta de Elis para a vida de Maria. Não há adjetivo capaz de descrever a grandeza alcançada pela cantora toda noite em que ela entrava em cena, em frente a enorme expectativa de um grande público, e dava a cara ao desafio de cantar sem sucumbir ao peso e emoção que a cercava.

Homenageando a mãe, Maria Rita ainda encontra espaço para honrar outros grandes nomes da MPB lançados por Elis. Dividindo seu primeiro trabalho ao vivo em dois discos com 14 faixas, extremamente preocupado com a qualidade, memória da homenageada e encadeamento de notas, o show passeia por compositores marcantes e cantores que inspiraram a carreira da progenitora. Para unir grandes nomes como Milton Nascimento, Chico Buarque, Gilberto Gil, Rita Lee, Belchior, Adoniran Barbosa, Tom Jobim e Ivan Lins, a saída foi criar blocos temáticos, em que as faixas sentimentalmente se mesclavam a cantar a história daquela mulher.

Após lidar com a tão aguardada Como Nossos Pais, o roteiro do espetáculo é sequenciado por Vida de Bailarina, Bolero de Satã e Águas de Março para falar de ídolos da adolescência da mãe que, depois, tornaram-se parceiros dela. Mas a emoção vem mesmo à tona no bloco político. Nele, o choro regurgita o destemido trabalho que Elis fez em cantar um Brasil que sonhava em se ver livre das boçais garras de seus tiranos. Querelas do Brasil, O Bêbado e a Equilibrista, Menino e Onze fitas são as canções escolhidas para estampar o repertório setentista da maior cantora do país, ainda reverenciando os corajosos compositores que, com suas letras, ajudaram a dinamitar a ditadura.

A ode a Milton Nascimento vem através de Menino, Morro Velho e se encerra na dobradinha O Que Foi Feito Devera (De Vera) e Maria Maria. São nesses momentos que, além de falar sobre a cantora e a mãe, Maria Rita se emociona ao apresentar a amiga, se enchendo de orgulho em contar sobre o recíproco amor entre Elis e Milton. O intimismo quase místico pelo qual a interpretação de Morro Velho é carregada, mais uma vez comprova o absurdo talento daquela cantora em cima do palco, lutando com as emoções e homenageando sua inspiração maior. Tudo se complementa perfeitamente quando o caloroso público explode na última canção, reiterando que “é preciso ter força, é preciso ter raça, é preciso ter gana, sempre”. 

Para além da emoção que essa viagem proporciona, o que não falta em Redescobrir é uma técnica muito precisa para traduzir cada canção. Em Ladeira da Preguiça, Agora Tá e Aprendendo a Jogar, Maria Rita se mostra solta, interagindo com a banda enquanto brinca com a própria voz. Na sedutora Tatuagem, a artista se imerge na interpretação esbanjando sensualidade, transparecendo seus desejos femininos e, principalmente, provando que se identifica com o repertório que está sendo apresentado, fazendo com que a paixão do público pela mãe encontre a magistralidade da filha.

O clímax de Redescobrir é atingido pela sequência Essa Mulher e Se Eu Quiser Falar com Deus. É aqui que os mundos de mãe-mulher-cantora se colidem a ponto da voz embargar e vermos as lágrimas rolarem pelo rosto da artista num choro de ‘prazer e de agonia de algum dia qualquer dia entender de ser feliz’, se entregando a própria biografia “tenho que dizer adeus/dar as costas, caminhar/decidido, pela estrada/que, ao findar, vai dar em nada/do que eu pensava encontrar”.

Delicadeza, sensibilidade e amor se unem à destreza, precisão e emoção. A interpretação definitiva de Me Deixas Louca é o maior deleite. Ali, Maria Rita se desnuda de qualquer inibição, entregando sensualidade e voz em uma intensidade louvável. Após atingir o nível máximo do prazer, a cantora fica mais leve em suas performances, se divertindo em cima do palco nas faixas seguintes.

Impossível de ser deixada de lado, a amizade entre Elis Regina e Rita Lee – inspiração do nome Maria Rita – aparece em Alô Alô Marciano e Doce de Pimenta, sendo a última nunca gravada oficialmente por Elis. A intenção de Maria de também se reconhecer nas músicas cantadas pela mãe é costurada na composição de Rita, feita especialmente – e sobre – Elis. Doce de Pimenta é uma alusão ao apelido Pimentinha e também uma referência à visita que a artista fez à Padroeira da Liberdade, quando estava presa na época da ditadura. O momento rock´n´roll do espetáculo exala toda a admiração envolvida no projeto, revivendo a generosidade da mãe e deixando transparecer as qualidades herdadas por Maria.

Sua volta para o bis é marcada pela versão acapella de Fascinação. Um arrepio percorre a alma do espectador que viveu a época de Elis ao mesmo tempo em que encanta a nova geração que está sendo apresentada ao espetáculo. O encontro é duplo entre a autoafirmação vocal de Maria Rita e a memória da maior cantora do país. Estamos entrando no fim do show e não é possível conter a forte emoção em Romaria ou na brincadeira de roda feita na faixa-título. Aquela cantora iluminada em cima do tablado não falava ao público que poderia cantar o mesmo que sua mãe, ela a trouxe de volta ao seu cotidiano, às novas gerações e a levou ao Grammy Latino.

Redescobrir é verbo, é canção, é homenagem. Redescobrir é a prova que Elis se mantém viva graças ao carinho do público. Apreciar a experiência de ouvir Maria Rita cantando Elis Regina é a confirmação de que a artista sabe reinventar uma obra amplamente conhecida sem perder sua originalidade. O que fica claro é que não existe imitação, apenas o resgate da memória de outra cantora por alguém que tem o mesmo sangue. Um dos shows mais bonitos do Brasil é uma homenagem à maior intérprete do país, feita pela grande voz da atualidade.

Falar sobre esse álbum é um grande desafio. Desafio não somente por escrever sobre Elis retornando à rotina da Maria Rita, mas pela paixão que sinto por aquela artista vestida de branco e por esse disco ser intrínseco na minha vida. É impossível não me deixar invadir pelo mar de sentimentos que tomam meu corpo e unem a ‘eu’ que escutou esse álbum pela primeira vez e a ‘eu’ de agora. Me sinto arrebatada desde a primeira vez que me deparei com o vídeo da cantora interpretando Como Nossos Pais. 

Foi no ineditismo de escutar esse trabalho que finalmente aprendi a chorar. Chorar aquele pranto que lava a alma e estanca as feridas. Sendo o disco mais reproduzido da minha vida, pude sentir a artista que eu estava acabando de conhecer me abraçando, e o sentimento vem sendo presente desde então. Minha admiração pela força que Maria tem ao subir ao palco, o tempo ao tempo até encarar essas canções me ensinou que “somos a semente, ato, mente e voz”. Gratidão. Sempre.

O post Há uma década, Maria Rita pisava no palco para Redescobrir Elis e se encontrar como filha apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ana Laura Ferreira

“O mundo gira, outro dia, outro drama” é apenas uma das frases do single de abertura da era reputation que, há 5 anos, revolucionou tudo que sabíamos – ou pensamos saber – sobre Taylor Swift. E ela não poderia ser mais franca. Drama é uma palavra recorrente na vida da cantora, mas que ganhou novos fins ao ser transformado em um dos maiores álbuns pop de todos os tempos. A fama de reputation foi um tanto tardia, com a crítica especializada da época defendendo que ela poderia ter feito mais. Mas como qualquer grande obra de arte, foi apenas depois de anos que nos encontramos maduros o suficiente para apreciar sua grandeza.

O álbum surgiu em um contexto um tanto conturbado na vida de Swift. Depois de anos sendo obrigada a reviver sua história com Kanye West nos palcos do VMA de 2009, Taylor viu sua carreira ser chafurdada por críticas e especulações com o lançamento do single Famous, de Ye. Na canção, West ofende a cantora deliberadamente, atribuindo a ele a fama de Taylor. Reviravoltas a parte, o episódio foi responsável por afastar a artista dos holofotes por quase um ano após o fim da The 1989 World Tour. Sem saber quais seriam seus próximos passos, os fãs foram surpreendidos quando, em meados de 2017, Look What You Made Me Do deu as caras com todo o shade que o momento merecia.

Trazendo suas antigas versões, a loirinha aproveitou o clipe para passar um recado alto e claro: a partir daquele momento, ela estaria tomando de volta o controle de sua própria história. E é sobre isso que reputation se trata. Indo narrativamente além do que a cantora já havia mostrado em outros pontos de seus, até então, onze anos de carreira, o disco envolve muito mais do que apenas um acerto de contas. Ele se dedica a explorar uma nova versão, sem impedimentos, dos gostos e experimentações de Taylor, com a liberdade de não se importar mais em como anda sua reputação.

Definir o disco em palavras é um tanto difícil. Isso porque o sexto álbum em estúdio da cantora se constrói em torno de metáforas e simbologias, muito mais complexas e significativas do que poderíamos dizer. Seu teor sonora e narrativamente carregado, explícito em músicas como I Did Something Bad, fazem deste um álbum noturno, assim como Lover – seu disco seguinte – poderia ser definido como matutino. Ele traz uma atmosfera underground mesmo em meio ao mais puro conceito de pop, sendo uma ambiguidade por si só. Todas as camadas de construção que ajudam a criar essa estética para reputation não poderiam ser entendidas como menos que catárticas.

Iniciando suas 15 faixas com …Ready For It?, logo de cara temos um aperitivo de todos os contextos que serão trabalhados na coletânea. Basta uma leitura rápida nas músicas que compõem o álbum para descobrirmos duas coisas: 1) o disco não se trata apenas de uma parte específica da vida de Taylor, mas de como, após seu ano sabático, ela analisa toda sua carreira; e 2) experimentação é a palavra que comanda o trabalho. Faixas como Don’t Blame Me trazem uma sonoridade quase profética e fantasiosa, enquanto Delicate resgata o vocoder, o “pai” do atual auto-tune, para que mesmo em meio a sintetizadores possamos ter acesso a uma experiência incomum para a música da época.

Assim como qualquer outra era de Taylor, reputation não ficaria de fora de uma carregada estética própria. Jogando com as inúmeras metáforas que sua reputação permitia, foi estampando capas de jornais que Swift decidiu erguer a nova fase. Além de representativa, a “brincadeira” feita com as diversas manchetes as quais era citada, em combinação com tons mais sóbrios como cinza e preto, contrastam com a leveza de músicas como Gorgeous. O que temos é mais um simbolismo de como a cantora não se limita pelas histórias a qual foi – sem permissão – inserida, mas constrói a sua própria, com altos e baixos, tristezas e alegrias, términos e recomeços, fúrias mas também calmaria.

Apesar de hoje isso não ser mais realidade, quando lançado, reputation foi taxado como o álbum menos comercial de Swift. E por mais que em um primeiro momento isso até tenha sido verdade, com LWYMMD e Delicate sendo os únicos carros-chefe do disco nas rádios, em retrospectiva podemos ver que era apenas uma questão de tempo. Afinal, não seria por nada que com apenas dois meses de lançamento o disco tenha se tornado o 2º álbum mais vendido nos Estados Unidos em 2017.

Muito dessa resistência, e até mesmo recusa, que o CD enfrentou da crítica e da indústria como um todo, pode ser explicada por dois fatores. O primeiro deles é a falta de previsibilidade, fato recorrente na discografia de Taylor, mas que agora chegava a níveis nunca antes vistos. Saindo de uma carreira consolidada no country, passando por uma transição necessária com Red (2012) e entregando o suprassumo do pop mainstream com 1989 (2014), a mudança para uma versão mais profunda e até mesmo lúdica de sonoridades não era o caminho com maiores apostas. Misturando muitas influências de rock – para o deleite dos fãs da versão ao vivo de We Are Never Ever Getting Back Together -, mas também da música eletrônica e até mesmo uma pitada da sonoridade gospel, o álbum se construiu sem precedentes.

O segundo ponto que levou o disco a ter um apagamento nas grandes premiações, com ressalvas, foi a própria pressão que a mídia especializada sofreu para continuar avaliando Taylor como inferior a sua real genialidade. Em exemplo prático, Geoff Nelson, crítico responsável pela nota D+ do pelo site Consequence Of Sound, veio a público em setembro de 2022 dizer que foi encorajado pela revista a falar mal do álbum e dar a ele uma nota vermelha. “Consequence adorou o engajamento [da resenha] para ter um momento de sucesso”, afirmou Nelson. Poucos dias antes do depoimento, o veículo havia descrito reputation como um dos melhores álbuns dos últimos 15 anos e considerava sua própria nota como um de “seus piores erros”.

Entretanto, não poderíamos falar em reputation sem mencionar Karma, o suposto álbum descartado que deveria ter sido o TS6. Com uma carreira mais do que bem consolidada e periódica, desde seu debut com o disco Taylor Swift (2006), a cantora mantinha um padrão de lançamento a cada dois anos, contabilizando uma década nesse ritmo. A progressão entre uma era e outra também sempre foi natural, com Taylor aparecendo com cores específicas ao fim de uma fase, já prevendo a próxima. Foi em cima de tal recorrência que os fãs da cantora criaram o que é, até hoje, uma das maiores teorizações de seu fandom.

Em meados de maio de 2016 os primeiros boatos começaram. Ao aparecer no MET Gala da Vogue daquele ano com um visual completamente diferente, com ênfase para o cabelo curto e platinado, os ‘swifties’ começaram a imaginar o começo da era que precederia 1989. Depois de muitas especulações, teorias e interpretações, sua fanbase chegou a um certo consenso de que aqueles seriam os primeiros indícios do álbum Karma. Porém, com todos os acontecimentos desde então, reputation ganhou o título de sexto disco da cantora.

Os boatos, contudo, não diminuíram, em especial depois do lançamento do clipe de The Man, do disco Lover, no qual Taylor posa em frente a um grafite com os títulos de todos os seus trabalhos. Entre eles, Karma aparece bem ao centro. Teorias à parte, e sendo verdade ou não, o mais próximo que temos do suposto álbum descartado até o momento é a faixa de mesmo nome, presente em Midnights (2022).

O peso que reputation teve na carreira de Taylor é incalculável, mas podemos ter ao menos uma amostra de seu impacto no documentário Miss Americana, lançado em 2020 pela Netflix. Para além de seu desenvolvimento, como a cômica criação de Getaway Car, o filme nos deu uma visão realista sobre como a cantora lidou com as diversas manchetes e fofocas que resultaram em seu ano sabático. Humanizando a figura de uma diva, o documentário foi capaz de nos aproximar da pessoa além da fama e mostrar a evolução de Swift em superar e ressignificar suas próprias vivências. Foi também na obra que tivemos um gostinho dos bastidores da reputation Stadium Tour, a turnê feminina mais rentável de 2018.

Outro marco que reputation carrega é ser o último lançamento a vincular Swift a sua antiga gravadora, a Big Machine Records. Sem ter direito a suas próprias canções, vendidas sem o seu consentimento, Taylor se retirou do selo a fim de retomar suas músicas lançadas até então. Depois de processos judiciais conturbados, a saída foi a regravação de seus seis primeiros discos. Com Fearless (Taylor’s Version) e Red (Taylor’s Version), que além de contarem com todas as canções originais ainda trazem inúmeras inéditas, Taylor não apenas teve de volta o controle de sua carreira, como mostrou a todos o porquê de ser nomeada como a “própria indústria da música“.

O sexto CD de Swift é muito mais que apenas um álbum: é um marco, se não um divisor de águas no pop. Já sendo reverenciado em toda sua genialidade, é fácil mencionar o disco como uma das maiores produções de Taylor. Eclético, coeso e muito mais complexo do que podemos imaginar, a coletânea é uma narrativa sonora com todos os elementos necessários para se tornar atemporal. Assim como A Night At The Opera um dia foi renegado pela crítica, mas construiu sua própria grandeza, o que impede reputation de fazer o mesmo?

O post reputation: 5 anos da inquisição de Taylor Swift apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Veiga

Solidão. Substantivo feminino. Estado de quem está só, retirado do mundo ou de quem se sente desta forma mesmo estando rodeado por outras pessoas; isolamento. Solitude. Substantivo feminino. Condição de quem se isola propositalmente ou está em um momento de reflexão e de interiorização. Popularmente usada em oposição à solidão para indicar que estar sozinho não implica obrigatoriamente estar em sofrimento. Associada à alegria de estar sozinho.

Se tudo é algo, então nada é algo. A relação entre preenchimento e vazio sempre bailou mais junta do que se imagina. Por mais que esses dois extremos estejam bastante próximos, a jornada para percepção dessa curta distância é bem trabalhosa. É essa via-crúcis que Na Natureza Selvagem (2007), filme que completa quinze anos em 19 de Outubro de 2022, busca percorrer.

Baseado na obra homônima de Jon Krakauer, que vem virando um queridinho dos roteiristas de Hollywood, o longa acompanha a verdadeira história da “morte” – social, por assim dizer – de Christopher McCandless, e o “nascimento e vida” de Alexander Supertramp. Na trama e na vida real, Chris largou sua vida promissora de jovem prodígio para buscar a completude no meio do nada. Aqui, Sean Penn, em sua espaçada carreira de diretor, dirige uma de suas melhores obras cinematográficas, garantindo duas indicações no Oscar de 2008, além do Prêmio do Público de Melhor Longa Estrangeiro de Ficção na 31ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, em 2007.

Henry Thoreau, um dos intelectuais que serve de estopim para o roteiro e referenciado diretamente ao longo da obra, defende o abandono das ilusões de uma vida repleta de coisas supérfluas para, daí sim, sabermos o que realmente é essencial. Seguindo radicalmente esse conceito, Supertramp enxerga a própria existência em sociedade como banal, e, assim como em Walden (1854), um dos livros mais célebres de Thoreau, busca a contemplação de sua vida rasgando o contrato social de John Locke, a fim de viver livremente sua própria natureza.

Mas seria muito simplista dizer que Into the Wild é apenas uma nova roupagem desse conceito. Abraçando o gênero de road movie, a obra, além da trajetória “do ponto a ao ponto b”, convida o espectador a embarcar em uma viagem reflexiva sobre o quanto estamos enraizados em nossas próprias ideias de sociedade. Isso começa com a percepção que temos de Supertramp no início, sendo muito fácil identificá-lo como um egoísta dissimulado – mesmo que, em partes, ele seja. Porém, nós e o próprio Supertramp estamos tão imersos nos ritos sociais que não é possível enxergá-lo como um desprezível desvio dessa constante, mas sim como um erro grotesco, que não se encaixa no padrão.

Isso é muito bem colocado pelo roteiro no momento da construção do personagem de McCandless. Por ser adaptado de um livro que narra fatos, é esperado que a escrita tenha maior liberdade poética, tornando-se algo perceptível a partir do “nascimento” de Supertramp. Claro que a jornada até o Alasca é o pano de fundo, mas a história – que além da direção, tem o roteiro assinado por Sean Penn – usa da jornada do andarilho para traçar um estudo sobre a inserção (ou não) do indivíduo no mundo contemporâneo, e faz isso de forma muito tocante.

O Cinema, historicamente, aborda a solidão e a solitude. Claro que a solidão é muito mais prática de ser transmitida, devido a sua familiaridade e violência de impacto. Podemos tirar ótimos exemplos das telas, como Taxi Driver (1976), Amores Expressos (1994) e Her (2013). Já com a solitude, o trabalho é mais minucioso, pois é um conceito embaralhado dentro de nós mesmos. Ainda assim, é possível traçar paralelos, como a simples ida ao cinema em Cinema Paradiso (1988) ou o azar de ser esquecido em outro planeta em Perdido em Marte (2015).

“Para chamar cada coisa pelo seu devido nome

 pelo seu devido nome”

E é aí que está o valor de Na Natureza Selvagem: ele não é um ótimo expoente de uma dessas vertentes, mas sim das duas ao mesmo tempo, e consegue destrinchar os meandros desse nebuloso meio termo. McCandless pensa que é descolado da sociedade que o cerca, mas não. Desde a burocracia para ser reconhecido como pessoa até os momentos que ele exala euforia ao estar completamente isolado e, por conta do seu inconsciente, grita para ser ouvido por ninguém; é nesse lugar que mora a linha tênue entre solidão e solitude.

Porém, é inegável que a solitude de Supertramp preenche toda a obra de cabo a rabo, graças à primorosa atuação de Emile Hirsch (Speed Racer, Os Reis de Dogtown). Por isso, a escrita é muito inteligente ao explorar a solidão e suas infinitas formas de dor através dos personagens secundários, com as também brilhantes atuações de, entre outros, Vince Vaughn (Os Estagiários), Kristen Stewart pré-Crepúsculo, William Hurt (O Beijo da Mulher Aranha) e a tocante relação com Hal Holbrook (Todos os Homens do Presidente) no papel de Ron Franz.

Mais do que um filme sobre a auto-descoberta, Na Natureza Selvagem esconde a discussão sobre o auto-perdão e como este é importante para tal descoberta. Cada pessoa com quem Supertramp cruza, até o memorável ônibus 142, desperta esse sentimento no protagonista, em diferentes aspectos, como relacionamento, trabalho, traumas e amor familiar. A produção peca um pouco ao escancarar tanto essa virada de chave que McCandless dá nos outros personagens – salvo alguns momentos que isso é benéfico, como no diálogo com Ron -, deixando a mudança de percepção de Supertramp cozinhando na subjetividade para conseguir encaixá-la no excelente final da obra.

Direção e roteiros afiados, ou um elenco impecável, não são capazes de garantir a sustentação de uma boa obra. É nessa hora que brilham alguns aspectos técnicos do longa, a começar pela sua fotografia. Embora Sean Penn tenha trazido um caráter contemplativo e carregado de filosofia para o texto, foi com Eric Gautier, experiente com road movies pela jornada de Che Guevara em Diários de Motocicleta (2004), que a escrita conseguiu ser traduzida para o gênero. A mudança entre os planos abertos nas locações, que transmitem um Estados Unidos diferente do habitual, e os planos extremamente fechados nas personas, quase que uma quebra da quarta parede simulada, mostram a ambiguidade que a história carrega.

Outro aspecto é a brilhante contribuição de Eddie Vedder para a trilha sonora do longa, que por si só merecia um texto à parte. Mesmo indo totalmente ao oposto do que apresenta no Pearl Jam, com o icônico dedilhado do violão, que mesmo sem assistir a obra é provável que você conheça, Vedder entrega uma das obras mais singelas e concisas de toda sua discografia. As músicas conversam totalmente com a ideia do filme e amplificam a mensagem da produção. A trilha, digna de Oscar, não garfou o careca dourado e levou somente o Globo de Ouro de Melhor Canção Original daquele ano para as mãos de Vedder.

O longa é muito consciente ao enriquecer filosoficamente a história de Supertramp, sem correr o perigo de ser o principal difusor da imprudente decisão do andarilho. Claro que ele, de certa forma, espalha essa ideia; é inevitável, e com a obra tornando o ato algo mais mainstream, pessoas se inspiraram a partir dele. A questão é que o filme tem muito mais material além disso, e o problema está longe de residir no conteúdo da mensagem, mas sim em como ele é recepcionado pelos diferentes tipos de público.

Aos 15 anos, ao assistir pela primeira vez, Na Natureza Selvagem se tornou um dos meus favoritos, pois as concepções sobre a mensagem chegavam em alguém tão idealista e dissimulado quanto Supertramp. Revendo a obra, 15 anos depois de seu lançamento, tal visão mudou, pela única razão de que a ótica da vida também mudou. Nietzsche, outro autor que o longa chega a citar, tinha o conceito de amor fati, amor ao fado (destino), ao pé da letra, cujo significado é aceitar as coisas que chegam até sua efêmera vida – o final já está decretado. E se parte da jornada é o fim, apenas aproveitar a vista seria muito clichê, então, por que não adaptar o olhar para saber quando contemplá-la, nos mais diferentes sentidos da palavra contemplar? Por que não identificar e chamar cada coisa pelo seu devido nome?

O post 15 anos de Na Natureza Selvagem: a felicidade compartilhada com a totalidade do nada apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriel Gatti

Por muitos anos, homens, crianças e principalmente mulheres foram perseguidos acusados de bruxaria. A criação do livro Malleus Maleficarum, em 1484, serviu como um manual educativo para perseguir e eliminar indivíduos suspeitos de realizar ações paranormais. O guia é de autoria de Heinrich Kraemer, inquisidor famoso durante a Idade Média, e algumas versões da obra chegam a contemplar a bula papal de Inocêncio VIII, chamada Summis Desiderantis Affectibus, que demonstra apoio à caça às bruxas. Ao estudar profundamente o livro, o diretor e roteirista dinamarquês Benjamin Christensen se inspirou para criar sua obra-prima, Häxan – A Feitiçaria Através dos Tempos.

Muito antes de séries como Harry Potter, Castelo Rá Tim Bum e Os Feiticeiros de Waverly Place, Häxan já trazia a temática da bruxaria para as telonas do Cinema. Lançado em 1922 na Suécia, o filme apresenta a jornada da feitiçaria ao longo dos séculos através de uma narrativa semidocumental, isto é, encenações do cotidiano das bruxas desde a Pérsia antiga, enfatizando o período medieval, até  1920, ano em que a película foi lançada. Desse modo, a obra funciona como uma simulação, elucidando ao telespectador qual o perfil social perseguido ao longo dos séculos, contrapondo com a brutalidade do Malleus Maleficarum ao apresentar imagens de livros e instrumentos de tortura utilizados contra os feiticeiros.

Para tornar mais fluido um conteúdo tão denso e pesado como a caça às bruxas, o diretor Christensen fragmentou a obra em sete capítulos, cada um centrado em um determinado costume histórico e conhecimento popular do período. Logo de início, o filme se debruça em uma aula sobre bruxaria ao longo dos séculos, assim, consegue esmiuçar peculiaridades do misticismo da Idade Média na sequência. Em particular, a película traz grande destaque ao Sabbath das Bruxas, recriando o encontro noturno de mulheres com demônios para beber, dançar e realizar práticas sexuais. Apesar da veracidade do ritual nunca ter sido comprovada, algumas pessoas o relataram ao passarem pela Santa Inquisição. 

É importante ressaltar que a obra não aceita passivamente os relatos de bruxaria narrados no Malleus Maleficarum, levando inclusive o espectador a refletir sobre a situação. O filme é balanceado entre momentos informativos e questionadores, e outros mais narrativos e fantasiosos. Sendo assim, os capítulos são guiados pela  interação social com as bruxas durante o medievo, em contraste com a apresentação de documentos que reforçam os argumentos do diretor de Häxan a respeito da perseguição.

Quando se fala sobre a caça às bruxas durante a Idade Média, há um grande protagonismo da Igreja Católica. A instituição controlou os costumes em algumas regiões no período e essa dominação não fica de fora dos relatos de Häxan. O longa mostra que grande parte dos fatores que levavam uma mulher a ser considerada feiticeira estavam relacionados às práticas rotuladas como impróprias para o catolicismo. Para ir à Inquisição, não era preciso necessariamente a prática de ações místicas, e sim a heresia. Por isso, segundo o filme, em um curto período de tempo, cerca de oito milhões de mulheres, homens e crianças foram mortos.

Vale ressaltar que, apesar dos relatos brutais que ocorreram na História, o período medieval não foi marcado unicamente por feitos sórdidos. O rótulo comumente apresentado ao século XV de Idade das Trevas foi atribuído pelos ideais renascentistas que previam um descolamento das práticas medievais. Durante o período do medievo surgiram grandes invenções, como os moinhos de vento, as chaminés e os óculos, além da coexistência de outras religiões com o cristianismo. No entanto, os recortes que se popularizaram foram as lutas de cavaleiros, os castelos cercados por muralhas e as bruxas queimadas em fogueiras retratadas por Häxan.

Além de todo o embasamento histórico usado na construção da narrativa de Häxan – A Feitiçaria Através dos Tempos, o filme teve grande investimento financeiro para recriar cenários e compor figurinos. Para a dramatização, o longa conta com trilha sonora clássica que inclui obras de Schubert, Gluck e Beethoven, e inovou com a Fotografia de Johan Ankerstjerne e direção de arte de Richard Louw, que utilizaram técnicas de stop motion, replay e sobreposição de imagens. Alguns desses efeitos já compunham A Carruagem Fantasma, porém Häxan os emprega de forma original em uma narrativa totalmente diferente do padrão produzido durante a década de 1920.

Justamente pela inovação, Häxan serviu de inspiração para obras cinematográficas recentes. Basicamente todos os filmes que envolvem bruxas e demônios beberam da fonte do clássico de Christensen, como O Exorcista e suas famosas cenas de possessão, O Bebê de Rosemary, em que a protagonista dá a luz ao filho do diabo, e A Bruxa de Blair com seus rituais bizarros para aprisionar os jovens perdidos na floresta. Além desses, é possível observar influências do semidocumentário norueguês em O Massacre da Serra Elétrica, em que o objeto cênico serve para criar a atmosfera aterrorizante, exatamente como Häxan fez ao apresentar os utensílios de tortura utilizados pela Santa Inquisição.

Toda a contextualização sobre bruxaria que percorre o filme serve para guiar o espectador para a crítica social que Benjamin Christensen realiza no sétimo capítulo. Esse momento da narrativa mostra o período contemporâneo de perseguição às mulheres, aos pobres e às pessoas com deficiência, similar à que ocorria com as bruxas durante a Idade Média. No medievo, o manual Malleus Maleficarum acusava a figura feminina ao dizer que “O pecado de Eva não teria trazido morte para nosso corpo e alma se o pecado não tivesse sido transmitido depois a Adão, sendo tentado por Eva, não o Diabo; portanto ela é mais amarga que a morte”, porém, sob o olhar do diretor, esse cenário não se mostra muito diferente nos anos 1920.

A crítica a respeito das práticas da Santa Inquisição e a forma com que as mulheres eram tratadas no início do século XX é o que torna Häxan – A Feitiçaria Através dos Tempos tão enriquecedor, único e atual mesmo cem anos após seu lançamento. E assim, juntando em um caldeirão o manual Malleus Maleficarum, um investimento financeiro pesado na caracterização dos personagens e cenários e uma crítica social severa a respeito da vida contemporânea, Benjamin Christensen conseguiu criar uma obra inovadora, singular e mágica.

O post Häxan – A Feitiçaria Através dos Tempos celebra seu centenário com uma poção da atemporalidade apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathan Nunes

Vinte anos distanciam o atual estado da sociedade do lançamento de Minority Report: A Nova Lei no longínquo ano de 2002. Já em comparação com o futuro retratado no filme de Steven Spielberg, são trinta e dois anos de separação. Seja olhando para frente ou para trás na linha do tempo, é interessante notar que essa obra, como toda boa ficção científica, é cada vez mais parecida com a realidade, em níveis bastante alarmantes e assustadores. 

Baseado no conto de mesmo nome escrito pelo renomado autor Philip K. Dick, o longa se passa em 2054, em que um protótipo de polícia chamado Pré-Crime está em vigor. Esse programa se sustenta com base nos Pré-Cogs, três irmãos capazes de visualizar previamente os crimes, o que permite que os policiais prendam os supostos criminosos antes que eles cheguem a cometê-los. Nesse contexto, acompanhamos o oficial de comando John Anderton (Tom Cruise), um homem amargurado pelo desaparecimento de seu filho anos antes. Quando um assassinato é visualizado envolvendo Anderton como o responsável, ele se torna um alvo e parte para fuga na intenção de sobreviver e desvendar o mistério que cerca seu destino. 

Há diversos paralelos a serem feitos entre Minority Report e a sociedade atual, mas os principais seguem uma mesma linha: a crítica às instituições. De início, temos evidentemente o retrato crítico da polícia enquanto uma instituição que atua como juiz, júri e executor, como comprovam os constantes casos de violência policial no Brasil e no mundo. Além disso, existe também a noção da tecnologia aliada ao serviço policial em si, como podemos ver no recente exemplo do uso de câmeras nos uniformes policiais adotado no estado de São Paulo. 

Outra instituição que não sai passível de críticas no filme, mesmo que de forma mais metafórica, é a religião. Na realidade mostrada aqui, os Pré-Cogs são endeusados como seres divinos que vieram ao mundo para nos libertar da violência, algo que é realçado na maneira como as pessoas se ajoelham e fazem sinal de cruz diante de uma deles em determinado momento da trama.

Porém, no seguimento do filme, como apontado pelo personagem Danny Witwer (Colin Farrell), quem realmente detém e controla o poder de figuras endeusadas são os sacerdotes. Nesse sentido, os policiais do Pré-Crime operam quase como os padres de uma igreja, mantendo as engrenagens da instituição em movimento, independente dos valores éticos e morais.

Contudo, pensando de um ponto de vista mais material, Minority Report também se assemelha ao presente no seu retrato da tecnologia customizada. Vemos isso nos anúncios de roupas, serviços, produtos personalizados e na necessidade que os personagens têm de se identificarem virtualmente através do escaneamento das íris de seus olhos.

Esse retrato é complementado pelo design de produção de Alex McDowell (O Homem de Aço, A Fantástica Fábrica de Chocolate) e os figurinos de Deborah L. Scott (Avatar, Titanic), que não se distanciam tanto da realidade: a Washington de 2054 parece realmente a cidade de Washington daqui 30 anos. Seguindo a proposta do filme, o trabalho de ambos não se esquece da inventividade característica da ficção científica, como máquinas de extração ocular, robôs que parecem baratas, cassetetes que estimulam o vômito e por aí vai. 

Enquanto Cinema, Minority Report nos mostra um Spielberg soberbo e excepcional em sua mise-en-scene, como de costume. Trabalhando pela primeira – e por enquanto única – vez com o gênero noir, o diretor consegue transmitir toda a angústia e mistério da narrativa em sua câmera tradicionalmente dinâmica e inquieta. Esse efeito é potencializado pela espetacular direção de fotografia de Janusz Kaminski, que retrata esse mundo misturando tons azulados e esbranquiçados, etéreos com as sombras mais fortes e granuladas da película, num sentimento de pessimismo e anestesia muito condizente com os dos personagens aqui. 

No que tange à ação, o filme nos brinda com sequências espetaculares que se utilizam dos aspectos técnicos em seu nível máximo de qualidade. São momentos como os da fuga de Anderton em meio ao trânsito magnetizado de Washington ou o da perseguição ao protagonista que começa em um beco e termina em uma fábrica de carros (com direito a uma pistola de pulsos magnéticos no meio). Ou até mesmo o da excepcional primeira operação dos policiais, em que percebemos o empenho dos dublês, a pegada pulsante da trilha de John Williams, a intensidade da montagem de Michael Kahn, a inventividade do design de som indicado ao Oscar de Gary Rydstrom e Richard Hymns e, claro, a excelência dos efeitos visuais da empresa ILM. 

Já no elenco, temos um dos melhores e mais subestimados papéis da carreira de Tom Cruise – que poderia cair facilmente na mesma pegada de todos os seus outros protagonistas de ação, se não fosse a sua profundidade. Aqui, Cruise trabalha balanceando brutalidade, desorientação, descontrole e, acima de tudo, melancolia, de forma brilhante, chegando ao clímax emocionalmente chocante e catártico para Anderton, em que o herói se depara com o suposto assassino de seu filho e é forçado a escolher entre cumprir a premonição dos Pré-Cogs ou tomar um rumo diferente por vontade própria. 

O nêmesis de Anderton, Witwer, é interpretado com uma ambiguidade moral muito interessante por parte de Colin Farrell, enquanto seu mentor Lamar Burgess é agraciado com um ótimo desempenho do saudoso Max Von Sydow, envolto em uma rigidez e uma fala passivo-agressiva muito condizentes com a sua natureza surpreendente. Já Samantha Morton, mesmo com pouco tempo de tela comparada aos outros coadjuvantes, chama atenção na composição frágil e enigmática de Agatha, uma das três Pré-Cogs responsável pela premonição que incrimina John. 

No final das contas, Minority Report representa o melhor que a ficção científica tem a oferecer: reflexões sobre a nossa condição contemporânea enquanto sociedade a partir da especulação do futuro. K. Dick, o homem que ousou sonhar com ovelhas elétricas, deu origem a base de discussões éticas que os roteiristas Scott Frank e Jon Cohen aprofundaram na adaptação do texto para o cinema. O trabalho no qual Spielberg, Cruise e todos os outros profissionais envolvidos maximizaram através de seus níveis ímpares de competência. O resultado final foi um filme que, vinte anos depois de seu lançamento original, continua muito relevante, além de uma grande, pura e simples experiência cinematográfica. 

O post 20 anos depois, Minority Report continua assustadoramente parecido com a realidade apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Leticia Stradiotto

Com o pé afundado no acelerador, o criativo Edgar Wright apresenta um passeio de motor que destaca-se entre as obras do gênero. Em Ritmo de Fuga, em inglês Baby Driver, realmente foge do estereótipo de outros feitos cinematográficos que envolvem crimes e carros em alta velocidade. Lançado em 2017, o primeiro filme realizado nos EUA pelo diretor tem a ambientação dos assaltos em Atlanta e resulta na combinação do romance com perseguições de carro, além de nos presentear com uma caracterização visual de tirar o fôlego.

Antes da estreia de Baby Driver, o diretor Edgar Wright ainda não estava no ápice da admiração em sua carreira, apesar de ter lançado os aclamados, e também criticados, Chumbo Grosso (2004) e Scott Pilgrim Contra o Mundo (2010), ele ainda não tinha dado seu grande “boom” entre os queridinhos de Hollywood. Entretanto, a chegada de Baby Driver nas telonas garantiu o lugar de Wright dentro do Cinema pop. Com referências da trilogia de De Volta para o Futuro, em conjunto com a espetacular trilha sonora calculada nos mínimos detalhes, a produção vibra e caminha Em Ritmo de Fuga até as atuais essências do audiovisual.

Entre fantasias e sensibilidades, a rota do filme está direcionada ao motorista de fuga, Baby, interpretado por Ansel Elgort – ator que foi acusado de abuso e agressão sexual em 2020. O personagem utiliza fones de ouvidos para abafar o zumbido que adquiriu durante um acidente de carro, responsável por sacrificar a vida de sua mãe. A partir disso, Baby orquestra a vida em inúmeras playlists cuidadosamente selecionadas em seu iPod.

Porém, a vida de Baby não tem muita melancolia, o rapaz está sempre se estreitando entre o amor e o dinheiro. Em dívida com Doc (Kevin Spacey, que, assim como Elgort, foi acusado de abuso sexual pouco depois da estreia do filme), o chefão do crime, o jovem se encontra sempre a um passo mais perto da liberdade de seu trabalho arriscado como piloto de fuga. Baby é um moço singelo e extremamente comum. Após a triste perda de sua mãe, ele encontra abrigo apenas em seu pai adotivo, Joe (CJ Jones), um gentil senhor surdo – isso, até o jovem piloto conhecer seu grande amor, Debora (Lily James).

Debora, a garçonete simpática e apreciadora de música, desperta um novo motivo para Baby continuar com as perseguições e assaltos: conseguir dinheiro para sair da vida do crime e assim construir um digno final feliz com ela. Apesar de seu amor crescente pela moça, Baby ainda tem débitos com a bandidagem, e a única forma de resolver isso é acionar o volume no máximo em alta velocidade.

No trabalho, o jovem está cercado de capangas com passados duvidosos e problemas em potencial. Combinando ação e thriller, a gangue de criminosos é composta por um elenco de grandes nomes, possuindo atores como Jamie Foxx, representando Bats, um homem imprevisível e agressivo; Jon Hamm e Eiza González, uma dupla do tipo Bonnie e Clyde; e até mesmo Flea, o baixista do Red Hot Chili Peppers atua no filme.

Durante a trama fica evidente que o trabalho de Edgar Wright foi nutrido há anos para obter um resultado tão gigantesco. Tal fato é justificado pelo script iniciado em 1995, e somente finalizado 16 anos depois. Além disso, a introdução de Baby Driver torna-se fabulosa em apenas 6 minutos de cena ao som de Bellbottoms (“o fabuloso, mais excitante”) de Jon Spencer Blues. O momento lendário é a principal base em que o filme é construído: com muita ação, som e adrenalina os companheiros  de crime do protagonista estão assaltando um banco, ao mesmo tempo em que Edgar Wright está nos oferecendo uma experiência contagiante, dirigindo um grande mix entre carros e músicas, assim, criando uma conexão especial entre espectador e cenário.

Por si só, a abertura do filme demonstra toda a sua originalidade que é encontrada por quase duas horas. A corrida de Baby ao café é segmentada ao ritmo de Harlem Shuffle de Bob & Earl, com letras aparecendo magicamente nas paredes e placas. A Música é o principal elemento da produção, responsável por trazer os mais diversos sentimentos nas mais variadas cenas. É fácil dizer que o filme não é dirigido, mas sim, orquestrado por Wright. O resultado é um trabalho espetacular que mantém a adrenalina encontrada nos primeiros minutos pelas demais horas seguintes, alternando entre sequências de ações desenfreadas e cenas mais leves e, por fim, consequenciando um plano musical extremamente bem instrumentado.

Interligando música e carros velozes, o jovem Baby cria canções a partir de conversas gravadas, trabalhando como uma espécie de diretor e construindo a trilha sonora de sua vida. Porém, Em Ritmo de Fuga possui uma finalização controversa, a partir do momento em que a história perde a linha de ação é comum questionar sobre o extravio da obra e o porquê dessa ausência de linearidade. Mas, de qualquer forma, é um alívio concluir que o principal manejo foi unir o útil ao agradável: o recheio do filme é sua intensidade enquanto o soundtrack torna-se a cereja do bolo.

O desenrolar do enredo e a incessante busca pelo final feliz instigam o telespectador a seguir o filme até o fim. Por mais que o roteiro não tenha muitas inovações no gênero – com fugas e roubos ao banco – a execução é tão bem colocada que faz com que tudo pareça novidade dentro do Cinema, seja no romance musical ou nas próprias sequências de adrenalina. Os diálogos ácidos e as piadas contextualizadas na direção de Edgar Wright dão uma apimentada com um toque perfeito para a composição e identidade visual de Baby Driver.

Em Ritmo de Fuga faz aniversário com atemporalidade e ainda garante seu destaque nos principais filmes de ação. O seu significado dentro do audiovisual é a capacidade de manejar o talento para que a obra seja realmente orquestrada, unindo aquilo que nós mais gostamos: ação e Música. O esforço e trabalho de anos da direção dão origem a um filme extremamente original e com características que apenas Edgar Wright é capaz de transmitir pela Sétima Arte. Baby Driver é uma experiência sobre a eterna viagem: somente eu, minha música e a estrada.

O post 5 anos de Baby Driver: a essência do audiovisual ainda corre Em Ritmo de Fuga apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Veiga

Quando o mais novo álbum do alt-J, The Dream, estava prestes a ser lançado, muito se esperava que a banda britânica voltasse às suas raízes, mais especificamente as de uma década atrás. A razão disso é que seu registro de 2012, An Awesome Wave, vencedor do Mercury Prize, prêmio de Melhor Álbum Britânico daquele ano, é irretocável e até hoje é o cartão de visitas do grupo, que naquela época se tornou um expoente do indie britânico.

Sendo intitulada como o “novo Radiohead” no início, a banda, desde sua formação em 2008, pouco ligava para tais rótulos da indústria. O resultado foi um álbum de estreia que a princípio é dissonante entre si, mas que conversa de forma uníssona com a proposta de alt-J: fazer Música. Essa falta de uniformidade fez com que o disco levasse o ouvinte para navegar pelos diferentes tipos de mar e pela profundidade de seus intérpretes, que ora é mais calma, ora mais revolta.

E por mais simples que pareça, é a partir disso que o grupo mostra sua versatilidade ao passear por vertentes do indie como o electro indie, o pop folk e a psicodelia baseados nessa configuração nada ortodoxa, e ainda sim, imprimir seu DNA na obra. Momentos mais carregados e enérgicos, como Fitzpleasure e sua linha de baixo estridente de Gwil Sainsbury — que deixou a banda dois anos depois —, conseguem viver em consonância com passagens mais doces, como em Ms, ou melodias mais alegres, caso de Dissolve Me. E todas elas cabem muito bem no conjunto da obra, podendo até mesclar suas características vez ou outra.

As letras também são outro ponto alto do disco. Por mais que as composições  superficialmente apresentem temáticas até simples, que não fogem muitos dos términos de relacionamentos e que vez ou outra abrem brechas para assuntos mais sérios, como suicídio, a escrita desenvolve camadas. E a forma como essas esferas são tratadas demonstram um certo surrealismo, que fonética e melodicamente funciona muito bem. Outro ponto das letras desembocam para o lado mais nerd da banda. Além de todo o simbolismo, o álbum é recheado de referências, começando com próprio nome do disco, que remete a uma passagem de Psicopata Americano. Já Breezeblocks faz homenagem a literatura de Onde Vivem os Monstros, enquanto Matilda é baseada na personagem do filme de Luc Besson, O Profissional (1994).

Aliás, essas duas músicas são a prova de como o som do grupo em seu debut envelheceu como vinho. A súplica enérgica de Breezeblocks faz dobradinha com Fitzpleasure e as duas volta e meia retornam como trilha sonora de alguma trend no TikTok. Já a poesia travestida de referência de uma obra noventista deu o ar da graça recentemente — também fazendo dobradinha com a envolvente e um pouco menos conhecida Bloodflood — na trilha internacional de Amor de Mãe. Mas até as que não figuraram no radar do mainstream, caso da triangular Tessellate e da singela e tocante faixa sobre a fotógrafa de guerra Gerda Taro, obtiveram sucesso no cruel teste do tempo e não se dataram.

Isso se dá por já naquela época a banda ser desprendida de qualquer tipo de rótulo imposto, o que fez o álbum se destacar na imensidão quase que homogênea do indie britânico dos anos 2010. Som mais limpo, sonoridade mais intimista, uma identidade que mora em um limbo entre o rock de garagem e o indie pop, músicas carregadas de significado. Tudo isso está presente no alt-J e ditou certo movimento nessa vertente, que foi seguido por nomes que vão de Bombay Bicycle Club à The xx, por exemplo.

Sendo o ponto alto de suas carreiras, é lógico e natural definir os trabalhos posteriores como o começo de uma queda, e isso é real. A forte pressão da indústria e o sucesso de An Awesome Wave trouxe para o grupo fez com que as obras seguintes fossem reféns da expectativa alcançada, e consequentemente não desempenhassem tão bem em público e crítica. Por isso, o aguardo para o último álbum voltar às origens, na esperança de um alt-J que não ficasse mais preso dentro de suas próprias formas geométricas; cujo seu único objetivo, assim como no primeiro registro, seja apenas fazer Música e não ser parte dela.

O post Uma década depois, ainda é uma delícia se afogar em An Awesome Wave apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Mariana Nicastro

A juventude é a fase da intensidade. De dramas, sensações, desejos e sonhos. Nela, as amizades são eternas, os amores são infinitos num dia, efêmeros no outro, e os problemas são o fim do mundo. É a fase da rebeldia e das descobertas. Há 15 anos, Skins (UK), ou Juventude à Flor da Pele, explorou tudo isso de forma intimista, sob perspectivas de distintos jovens ingleses que tinham uma coisa em comum: a consciência de que crescer não é fácil, mas que amizades, família e empatia tornam o processo menos cruel.

Skins (UK) é uma série britânica de drama adolescente lançada em 2007 no canal inglês E4. No Brasil, ela foi transmitida pela HBO, VH1, MTV e Multishow e, atualmente, se encontra disponível na Netflix. Criada por Bryan Elsley e seu filho Jamie Brittain, suas 7 temporadas apresentam três gerações de grupos de amigos. Cada um deles com características únicas, personalidades, desafios e problemas diários para lidar. O grupo de roteiristas para os episódios também era de jovens, e Elsey dizia que “é tudo sobre a escrita. […] Nosso objetivo é deixar nossa audiência saber que eles não estão sozinhos”.

Meu filho havia acabado de largar a faculdade, então ele se uniu ao time de roteiristas, junto de todos os membros do seu flat estudantil”, diz Elsey sobre o surgimento de Skins. Brittain sugeriu que o pai criasse uma série sobre adolescentes, mas uma que realmente significasse algo. Escrita e atuada, de fato, por jovens, diferentemente de outras produções do gênero. Assim, atendendo a seu pedido, o diretor encaminhou a ideia ao canal E4, que a abraçou e deu andamento ao projeto. 

Por se tratar de uma obra escrita por e para jovens, lançada nos anos 2000, Skins rompia com qualquer conservadorismo ao tratar dos mais diversos assuntos sem pudor ou moderação. Problemas familiares, doenças mentais, sexualidade, questões de gênero, abusos de substâncias, bullying e até mesmo a morte e o luto eram evidenciados pelos personagens em tela, revelando atitudes destrutivas e situações delicadas – muito antes de Elite (2018) ou Euphoria (2019) surgirem. 

Os temas da série nunca foram leves, mas contrastavam com seus personagens verdadeiros, cômicos, divertidos, imaturos e ingênuos. “Não me ocorreu que Skins era sombria, mas é claro que era. Eu assumi que se você está fazendo um drama, tem que incluir coisas obscuras, ainda que também tenha muita luz em Skins”, disse Jamie Brittain para o The Guardian. 

Cada episódio é focado em um indivíduo do grupo principal de amigos, evidenciando seus problemas pessoais, desafios e paixões. Eles podiam ser desajustados, populares, novatos ou veteranos, mas todos tinham demônios próprios e histórias para contar. Essas narrativas e personalidades tão variadas muitas vezes rompiam com estereótipos da adolescência na TV, tornando inevitável a identificação com um ou mais deles, além da sensação de representação na trama.

Tudo começou com Tony (Nicholas Hoult), um garoto manipulador e popular que tenta ajudar seu melhor amigo Sid (Mike Bailey), cujos problemas de autoestima não permitem que ele perca a virgindade. Sid secretamente tem uma queda por Michelle (April Pearson), namorada de Tony, enquanto é o crush de Cassie (Hannah Murray), uma garota excêntrica que enfrenta distúrbios alimentares. 

Completam o grupo: o carismático – e viciado nas mais diversas substâncias – Chris, a musicista Jal (Larissa Wilson), os melhores amigos Maxxie (Mitch Hewer) e Anwar (Dev Patel), e a irmã mais nova de Tony, Effy (Kaya Scodelario). Suas tramas funcionam isoladamente, mas também se entrelaçam e permitem interações agradáveis de acompanhar ao longo das duas primeiras temporadas, as quais são ocupadas pela primeira geração de personagens. 

O grupo introduziu o formato e a essência da série, e seu elenco se tornou icônico e marcante, sendo por vezes lembrado como favorito pelos fãs. Mesmo assim, a série retornou em uma terceira e quarta temporadas, com novos enredos e personagens tão interessantes e envolventes quanto seus antecessores.

Do elenco original, apenas Effy continua presente no segundo grupo. Não mais como a retraída garota da primeira temporada, agora ela é a líder rebelde no meio de um triângulo amoroso – afinal, séries teen adoram um triângulo amoroso. Nas outras pontas estão o desajustado Cook (Jack O’Connell) e Freddie (Luke Pasqualino, muito antes da sua participação em Sombra e Ossos), atormentado por transtornos familiares. Naomi (Lily Loveless) ganha destaque com sua busca por autoconhecimento, personalidade forte, e seu romance com Emily (Kathryn Prescott), que é um dos pontos principais da temporada. 

Além delas, Thomas (Merveille Lukeba), Pandora (Lisa Backwell), Katie (Megan Prescott) e JJ (Ollie Barbieri) fazem parte da nova fase, com temáticas que alternam entre o trágico e o cômico. A instabilidade é uma constante. Todos estão sujeitos a falhas e acertos, e os jovens permeiam entre a busca por diversão e amor, e as infelicidades no meio familiar, escolar ou emocional.

Skins aborda muitos distúrbios psicológicos e revela seus densos efeitos, assim como a recorrência às drogas e demais atitudes danosas à saúde. Muitos personagens enfrentam uma jornada semelhante a de Rue Bennet (Zendaya) em Euphoria, pois alguns chegam ao fundo do poço, ascendem, com a ajuda certa, e se encontram novamente. Outros têm destinos caóticos e funestos, partindo o coração do espectador com seus declínios desastrosos ou encontros com um acaso letal.

Definitivamente, seus temas podem ser pesados e desencadear gatilhos, por isso a série não é indicada para pessoas que se encontram vulneráveis. Ainda assim, ela consegue sempre contextualizar essas abordagens. Mesmo os momentos mais obscuros não existem sem motivo ou sem propósito, mantendo Skins firme à mensagem que deseja passar. Ainda que a faça de maneira fúnebre e exorbitante, seus personagens são humanos, lidam com altos e baixos, e buscam desenvolvimento, redenção e crescimento.

Prudente, Skins sabia misturar e equilibrar os arcos dramáticos de cada um dos jovens com suas boas doses de humor ácido e sarcástico. Essa característica também pode ser evidenciada na recente –  e também inglesa – Sex Education, ainda que a produção original da Netflix aborde seus temas sensíveis com maior cautela e leveza, pendendo mais para o humor do que para o drama.

Essa diferença, contudo, não torna a criação de Elsley e Brittain inferior, e sequer diminui a importância de sua abordagem. Muito pelo contrário, Skins é extremamente intensa e reproduz toda a fragilidade, urgência e complexidade dessa fase da vida que é a adolescência. Ela explora as camadas de cada indivíduo, suas qualidades, defeitos, fraquezas e virtudes, permitindo que o telespectador adentre pensamentos e perspectivas de forma sensível. Sua representação é instável, oscilante e profunda, assim como a vivência da juventude, reforçando, assim, a identidade e o espírito da série.

A produção ainda conduz uma imersão em uma Inglaterra dos anos 2000 e, mesmo para quem não era adolescente, de fato, em 2007, a série transmite a sensação de nostalgia. Seja nas relações entre os amigos e suas rotinas – em um período menos dominado pela tecnologia -, nos figurinos, músicas, ou nas enérgicas cenas de festas. Até as naturais e espontâneas interações banais entre os personagens transbordam as telas e permitem identificação e afinidade do público.

Trabalhar com jovens têm seus desafios e exige normas específicas. Uma grande crítica feita, não apenas a esta série, como a outras criações da época, é a falta de cuidado e proteção a adolescentes, assim como ao uso de suas imagens. Afinal, a identificação dos telespectadores também se dá pela representatividade, aceitação, e pelo rompimento de padrões estéticos, tão presentes nas ficções. April Pearson, que interpretou Michelle nas primeiras temporadas, e Laya Lewis, que deu vida a Liv nas últimas, declararam recentemente a pressão para que o elenco feminino se encaixasse em um padrão de beleza – essa que envolvia dietas restritivas e coerção psicológica.

Pearson e Lewis também criticaram a ausência de instruções e acompanhamentos durante cenas de sexo com coreógrafos de intimidade, função essencial para que atores sintam-se seguros e confortáveis nas cenas gravadas. As declarações foram dadas durante o podcast de Pearson (Are you Michelle, from Skins?), em que ela diz que se sentia muito jovem e desprotegida. “O fato de que hoje em dia você tem um coordenador de intimidade, que é uma norma como parte de gravar cenas de nudez e cenas íntimas… Isso simplesmente não existia”, completa a atriz.

Desde 2018 essa profissão se tornou fundamental em cena. É um cargo essencialmente feminino e ganhou força após o movimento #MeToo, em que diversas mulheres do meio artístico relataram casos de abusos, assédios e desconfortos enquanto trabalhavam. Algumas ações tomadas por essas coordenadoras incluem esvaziar o set em cenas íntimas, garantir que atores e atrizes possam se despir com privacidade e receber orientações técnicas.

A terceira e última geração – que domina a quinta e sexta temporadas – é a menos querida pela maioria dos fãs. Ela apresenta forte subjetivismo, angústia e drama amoroso, sem trazer de volta nenhum personagem já existente no universo de Skins, tendo atores completamente novos. Aqui, destacam-se Mini (Freya Mavor), que rompe com o estereótipo da garota popular e mimada, e Alo (Will Merrick) e seu melhor amigo Rich, cujo visual punk contrasta com a doce e graciosa Grace (Jessica Sula), por quem ele se apaixona. 

Há também a novata e controversa Franky (Dakota Blue Richards), o caótico Matty (Sebastian de Souza), Nick (Sean Teale) e a já citada Liv, interpretada por Lewis. A geração ainda apresentou o antagonista Luke, vivido por Joe Cole (Peaky Blinders). Por mais que a quinta temporada tenha um foco maior em discussões sobre sexualidade, conflitos entre amigos e família, e seja conhecida por ser mais tranquila e branda, sua sucessora conseguiu finalizar o legado de Skins com drama intenso. O casal Rich e Grace se consagrou como um dos mais sinceros e queridos da série, e o gosto amargo no fim se dá pelo desejo de um final feliz que não se estendeu a todos os amigos do grupo.

Os episódios especiais que marcam a sétima temporada da série, denominada Skins Redux, mostram o futuro de Effy, Cassie e Cook, e são intitulados “Fire”, “Pure” e “Rise”, respectivamente. De início, eles tiveram aproximadamente duas horas de duração cada um. Agora, adaptados ao formato da série, todos se encontram no catálogo da Netflix, divididos entre parte 1 e 2. Skins ganhou o público e também as críticas, estando entre as favoritas de muitos, até os dias atuais. Contudo, foi durante as primeiras temporadas que ela venceu o BAFTA de Melhor Série Dramática em 2008 e de Audiência, em 2009.

Diversas outras produções com foco no coming-of-age, assim como Skins, desabrocharam a fim de continuar gerando representatividade para jovens no meio audiovisual. São esses, filmes e séries que abordam desafios e vivências de jovens prestes a encararem a vida adulta, como Lady Bird (2017) e As Vantagens de Ser Invisível (2012) nos cinemas e, Atypical (2017), Young Royals (2021), Eu Nunca… (2020), Anne With an E (2017) e as já citadas Euphoria e Sex Education, além de muitas outras, que estão dominando os streamings.

Obras como essas ajudam jovens a crescerem conscientes de que não estão sozinhos e de que mais adolescentes enfrentam problemas similares aos seus. Skins também demonstra como as trajetórias humanas são marcadas por fases passageiras e que, por mais assustador que alguns momentos possam parecer, eles não duram para sempre. No final das contas, a mensagem da série inglesa, após seus 15 anos, mantém-se a mesma: a vida é feita de inconstâncias e montanhas-russas, não só de momentos alegres ou tristes, e sim da mistura entre ambos. É isso que permite as memórias inesquecíveis, mas também o amadurecimento.

O post Um brinde às batalhas internas e memórias da juventude em 15 anos de Skins UK apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.