Remixes de músicas consagradas são muito polêmicos. Imagine então uma coletânea de novas versões para as canções imortais de Rita Lee, qual a chance de dar certo? Spoiler: deu e muito. Em Abril, fomos presenteados com o interessante Rita Lee & Roberto – Classix Remix Vol. l, idealizado pelo filho do casal, João Lee. É claro que as novas roupagens nem se comparam com a genialidade original da cantora, mas não é nenhum desastre, e sim um disco muito divertido de se ouvir. 

Falando em clássicos, esse é um instantâneo: DUDA BEAT, tesouro nacional, está de volta com o maravilhoso Te Amo Lá Fora. A pernambucana queridinha do Brasil com certeza estará em muitas listas de melhores do ano. Os donos do sertanejo universitário também trouxeram novidades em Tudo em Paz, mostrando que 15 anos de carreira não foram suficientes para esgotar a arte da dupla Jorge & Mateus, que segue encantando os fãs com sua música. 

Por aqui também tivemos POCAH descobrindo durante uma festa enquanto ainda estava no BBB que sua música com Lia Clark, Eu Viciei, tinha sido lançada. O funk, assinado pelo trio Hitmaker, entra para a lista de músicas que teriam bombado em todas as festas se não fosse a pandemia. Ludmilla e Xamã também colocaram no mundo uma ótima parceria: Gato Siamês deixa claro que Lud também nasceu para cantar R&B. Em Abril, rolou até uma colaboração internacional: Luísa Sonza e Bruno Martini foram convidados para um remix de Cry About It Later, de Katy Perry.

Nos States, assistimos Demi Lovato colocar seu coração nas canções de Dancing With The Devil… The Art of Starting Over, e estabelecer o disco como o melhor trabalho de sua carreira, com viciantes faixas pop e um desabafo sincero de alguém que quase nos deixou mas conseguiu recuperar sua vida. Taylor Swift também fez história em sua carreira ao lançar a primeira das regravações de seus álbuns antigos, que estão encaminhadas para sair nos próximos meses. Depois de ter sido impedida de comprar os masters de suas músicas, a artista decidiu voltar ao estúdio e regravar cada um de seus discos. Fearless (Taylor’s Version) já está entre nós, e que venham os outros!

Doja Cat finalmente foi libertada do cativeiro Say So e já começou a divulgar seu novíssimo álbum, Planet Her. O primeiro single escolhido é a contagiante Kiss Me More, ao lado de SZA. Twenty One Pilots também fez seu comeback cor-de-rosa e azul bebê. Choker e Shy Away são uma indicação que teremos uma era mais pop ainda do duo, e com uma vibe retrô. BROCKHAMPTON retornou iluminando toda sua criatividade em seu novo disco, enquanto Rina Sayama e Elton John se juntaram para uma parceria e regravaram Chosen Family, de Rina. No ano passado, Elton John declarou que SAWAYAMA era seu álbum favorito de 2020.

No Reino Unido, ao lado das drag queens A’Whora, Tayce e Bimini Bon-Boulash, que participaram da segunda temporada de Drag Race UK, as meninas do Little Mix lançaram seu primeiro trabalho em formação de trio. A nova versão de Confetti também contou com a colaboração da rapper Saweetie. Falando em girlbands, as sucessoras naturais do Little Mix nos apresentaram seu primeiro EP. As integrantes da Boys World estão apenas começando a trilhar seu caminho, e aos poucos estão construindo uma discografia promissora e empolgante, como a perfeita Girlfriends. 

Olivia Rodrigo, o rostinho da Geração Z, continua fazendo muito barulho mesmo tendo apenas duas músicas lançadas em sua carreira solo. Dessa vez foi deja vu que explodiu no streaming e viralizou no TikTok. O debut da cantora, SOUR, nem viu a luz do dia ainda, mas já acumula mais de 1 bilhão de streams. Billie Eilish também está se preparando para lançar seu segundo álbum. As faixas que já pudemos ouvir, my future, Therefore I Am e, agora, Your Power, só aumentam as expectativas desse próximo trabalho de Billie. Com uma atmosfera mais adulta sem perder a essência Eilish, a pergunta que já começa a aparecer é: será que vem mais um AOTY aí? 

No assunto bedroom pop, temos Ryan Woods. O jovem cantor alternativo é também produtor de suas canções, e colocou no mundo seu primeiro EP, King of the Basement. Nos distanciando um pouco mais do mainstream, dois trabalhos se destacaram com aclamação da crítica. O primeiro é Vulture Prince, obra-prima de Arooj Aftab que encontra um lugar entre a tradição da música oriental e a contemporaneidade dos sons do ocidente para atingir a universalidade da experiência do luto e processamento da dor. Longe da serenidade da musicista paquistanesa radicada em Nova York, está o barulho do hardcore divertido de The Armed em ULTRAPOP.

Abril também foi o mês de celebrar o maior evento do Cinema que encontra uma graça especial em suas performances musicais. No terraço do Museu da Academia, quatro das músicas indicadas a Melhor Canção Original foram brilhantemente entoadas, mas a honra da dimensão musical do Oscar foi dela, literalmente. Aos 26 anos, H.E.R. já tem estatuetas do Grammy e Oscar na prateleira de casa, e seu novo disco, com lançamento previsto para o segundo semestre de 2021, promete.

Para um mês recheado de novidades, retornos e expectativas, a Editoria e os colaboradores do Persona prepararam o seu guia mensal que abriga tudo o que rolou no mundo da música num só lugar. Conecte seus fones de ouvido para passear conosco pelos sons que nos encontraram através dos CDs, EPs, singles, clipes e performances no Nota Musical de Abril de 2021.

CDs

Demi Lovato – Dancing With The Devil… The Art of Starting Over

Desabafo é a palavra que descreve o novo álbum de Demi Lovato. Em toda a sua carreira, ela nunca se arriscou dessa forma e o resultado não poderia não ser espetacular. Tudo aquilo que estava preso na garganta, ela soltou em Dancing With The Devil… The Art of Starting Over. 

Seu pedido de socorro já começa na primeira faixa, Anyone, a qual ela declama com todas as palavras que ela precisa de alguém. Ela percorre seus sentimentos mais sinceros por todas as faixas, desde o complicado relacionamento com o pai até sobre seus transtornos alimentares. Agora, revigorada e com uma voz de dar inveja, sua sobriedade californiana está “cansada de ser conhecida pela minha doença” e pronta para mostrar seu devido valor. – Júlia Paes de Arruda

Rita Lee é um fenômeno inegável da Música Popular Brasileira. A cantora, dona de pelo menos um hit em cada década desde dos anos 60, é estrondosa desde sua banda Os Mutantes, mas conquistou seu maior reconhecimento e o auge de sua carreira ao lado de seu glorioso marido Roberto de Carvalho. Juntos, eles tiveram três filhos e marcaram toda uma geração com suas polêmicas e dançantes músicas. Idealizado pelo filho do casal, João Lee, o Classix Remix é uma releitura feita por DJs, das maiores canções da dupla.

Mania de Você, a música mais marcante da discografia de Rita, ganhou um delicioso remix de Dubdogz & Watzgood e outro mais noturno de Harry Romero. Lança Perfume foi assinada pelo francês The Reflex, que soube aproveitar a sonoridade original do clássico. Tropkillaz também está presente no projeto, trazendo um som mais contemporâneo pra inigualável Saúde. Trabalhar com remix é sempre um tiro no escuro, mas o tato de João Lee fez com que o alvo fosse acertado em cheio. – Ana Júlia Trevisan

Charlotte Cardin – Phoenix

É hora de conhecer Charlotte Cardin. A cantora e compositora canadense surgiu nos holofotes da música como uma das finalistas do La Voix (versão do programa de calouros The Voice de Québec) em 2013, aos 19 anos. Seu primeiro EP, intitulado Big Boy, foi lançado em 2016, seguido por Main Girl, em 2017. Com esses trabalhos, a artista recebeu duas indicações para o Juno Awards, o ‘Grammy canadense’, em 2018, como Artista Revelação do Ano e Compositora do Ano. Desde então, muitos singles nasciam vez ou outra preparando o terreno para seu primeiro álbum, que depois de dois anos de produção, chega até nós com o nome de Phoenix.

A inauguração da discografia da artista de 26 anos conserva suas raízes e influências culturais e musicais passeando entre o inglês e o francês, o pop, electro e jazz. O resultado impresso em Phoenix é de um electro-jazz e pop-soul que flerta com um R&B carregado de contemporaneidade, já que das canções mais dançantes às baladas, Cardin está à vontade na plenitude da energia da juventude, tanto em seus pontos de celebração, quanto de frustração. Mesmo trabalhando com a obviedade das desilusões amorosas, autoconhecimento e desabafos enraivecidos de quem busca entender a si mesmo e seu lugar no mundo, Phoenix ainda é vertiginoso e enigmático. 

Existe a segurança e o preço de se trabalhar com clichês, mas se Cardin ainda ensaia o acabamento de suas composições, como intérprete não guarda hesitação alguma. O vozeirão da vocalista de Phoenix é plenamente valorizado junto da arquitetura sonora do disco. Ouça os singles Passive Aggressive e Meaningless para se compreender o potencial de seu pop e Sex To Me para se viciar nele, Anyone Who Loves Me para topar com seu controle vocal excepcional, Je quitte para se embalar no jazz francês, e Sad Girl para conhecer a identidade de Charlotte Cardin e não esquecer mais dela. – Raquel Dutra

Taylor Swift – Fearless (Taylor’s Version)

Taylor Swift sempre foi dona de suas próprias narrativas, e nem mesmo a venda de sua discografia a impediu de tentar. Após quase dois anos de espera, ela reconquista seus direitos autorais com seu décimo álbum de estúdio, Fearless (Taylor’s Version). Além das 20 faixas da obra original, ela traz seis novas canções como parte do side de inéditas chamado The Vault. Mr. Perfectly Fine é a cartada clássica de Swift sobre um término abrupto e That’s When (feat. Keith Urban) é a colaboração masculina essencial que seus primeiros álbuns nunca tiveram. 

É quase impossível colocar em palavras o impacto de Fearless (Taylor’s Version). O disco consegue trazer as mesmas emoções que criou no imaginário popular treze anos antes, seja no universo shakespeariano de Love Story ou no romance adolescente de You Belong With Me. Poucos artistas conseguem se conectar com sua audiência de forma tão gloriosa como Taylor Swift – a longevidade de suas composições é imensurável. Escutar Fearless é uma jornada cheia de anacronismos que nos leva aos lugares que, junto com Taylor, já visitamos antes. – Laís David

BROCKHAMPTON – ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE

JOBA, um dos vocalistas da boyband BROCKHAMPTON, ao ser perguntado em vídeo promocional qual seria o lugar ideal para ouvir ROADRUNNER, responde algumas coisas: em um parque, parado no acostamento de uma estrada à noite, olhando para as estrelas, “apenas em algum lugar aí fora”. É curioso como, em um disco como ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE – que tem como principal proposta a fuga de uma existência afligente, ao encontro de uma utopia, ou senão, à procura de uma catarse –, a banda nos convide a também exercer essa fuga, a absorver a obra fora da rotina, em um ambiente que realce nosso aspecto absorto, longe de qualquer coisa que remeta à realidade impiedosa em que vivemos.

O que, é claro, não significa que o grupo de rap não encare essa realidade em momento algum no álbum. Junto a momentos agitados e vívidos, mas que sempre carregam também um ar de confusão, questionamento e incômodo, nos deparamos com verdadeiros manifestos trágicos e indigestos, que escancaram com crueza os tormentos pessoais de cada um dos integrantes como em THE LIGHT e THE LIGHT PT. II, e com statements potentes sobre a violência institucionalizada dos Estados Unidos contra grupos raciais e LGBTQ+ em DON’T SHOOT UP THE PARTY. Sua sonoridade é colorida, diversa e dinâmica, atravessando desde momentos mais poderosos e afrontosos como BUZZCUT, BANKROLL e CHAIN ON, até músicas mais brandas que remetem a aspectos clássicos de boyband como COUNT ON ME, OLD NEWS e I’LL TAKE YOU ON, e experimentações mais ousadas como o coral gospel de DEAR LORD e o indie rock guiado por guitarras inspiradas de WHAT’S THE OCCASION?.

Enquanto a trilogia SATURATION, trabalho que consolidou a banda no mainstream, abraça a contradição ao se apropriar de características e elementos do status quo para assim criticá-lo, ROADRUNNER se afasta ao máximo de qualquer coisa que possa aludir à normalidade ou à ordem vigente e, mesmo que não ofereça a solução para todas essas opressões e violências, ele dá o primeiro passo. Encara a realidade como ela é, com o fim de libertar-se dela. Pode até ser que o novo lançamento da BROCKHAMPTON não lhe entregue todas as respostas que precisa, mas com certeza será um espaço de acolhimento. É a proposta de um exercício de identificação e empatia que, talvez, seja exatamente o que estamos precisando. – Enrico Souto

DUDA BEAT – Te Amo Lá Fora

Se você vive no Brasil, com certeza já ouviu Bixinho em algum momento nos últimos três anos, seja numa festinha, na rádio ou até cantado pelos protagonistas do BBB21. DUDA BEAT é um fenômeno nacional: se lançou independente, entregou conceito, poesia pop e ritmos brasileiros em seu debut e em pouco mais de um ano já estava até abrindo show para a gigante britânica Lily Allen. 

Em Te Amo Lá Fora, DUDA prova mais uma vez ser um tesouro nacional. Se Barões da Pisadinha fosse synthpop, eles com certeza teriam lançado Meu Pisêro. A primeira faixa de trabalho do disco já mostrou qual seria o propósito desse CD, misturar a sonoridade que explodiu no Nordeste com um pop puxado para o alternativo, tudo isso em uma embalagem visualmente impecável. O resultado é surpreendente e absolutamente delicioso, e já torna o segundo álbum de DUDA um dos melhores de 2021. – Jho Brunhara

The Armed – ULTRAPOP

A capa colorida e o título enganam: ULTRAPOP não é um álbum espirituoso e/ou facilmente digesto e The Armed não é próximo grupo a estourar nas rádios e dancinhas do TikTok. Trata-se do quarto disco da misteriosa e mutável banda de hardcore punk, que faz sim uso de efeitos vibrantes e divertidos, mas que não deixa de se jogar no peso das guitarras, sintetizadores, baterias, guturais e críticas políticas agudas.

A quebra de expectativa para quem não conhece o trabalho do grupo já acontece nos primeiros minutos. A abertura com a faixa-título apresenta elementos de pop melódico misturados ao caos arquitetado do post-hardcore que explode no single ALL FUTURES e na seguinte MASUNAGA VAPORS. Nessa mistura, o álbum não se torna em momento algum algo obscuro, vide a jovialidade de WHERE MAN KNOWS I WANT e a loucura de REAL FOLK BLUES. 

ULTRAPOP também guarda algo para os punks mais tranquilos. AN ITERATION e AVERAGE DEATH são rocks mais limpos e BAD SELECTION é a mais básica da tracklist – e aqui isso não é de forma alguma um defeito. Ao final, tudo parece se encontrar em THE MUSIC BECOMES A SKULL, que segue mais leve mas não perde a urgência e ensaia algo mais dark em looping com a primeira faixa, confirmando que ULTRAPOP é coisa de doido e uma experiência e tanto. – Raquel Dutra

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Os instrumentos de apoio levitam Jenn Wasner, a voz por trás do Flock of Dimes, ao longo de quarenta minutos, oscilando o miraculoso eu-lírico da americana pelo segundo disco do projeto. Nada novata no meio, Wasner, que coleciona créditos com a banda Wye Oak, com o grupo Bon Iver e também em registro solo, dessa vez se banha nas dores de um término amoroso, criando melodias angustiantes, mas belamente adornadas pelo processo criativo da pandemia e do isolamento social.

Ouvir Head of Roses é como entrar em um quadro histórico, imagine molhar os pés no lago de Ophelia, de John Everett Millais. A cantora modela o Universo nas próprias cordas vocais. A faixa de abertura, 2 Heads, começa com uma Wasner perdida, sem saber justificar sua reflexiva e difusa voz. O trabalho encerra em Head of Roses, com a artista relegada a nunca encontrar sua bússola moral. “Eu não posso te contar o que não sei”, ela declama, e nós sentimos cada sílaba desse ardor. – Vitor Evangelista

Febem – JOVEM OG

Em seu novo álbum, Felipe Desiderio, o Febem, relata como é ser mais um JOVEM OG na Vila Maria, Zona Norte de São Paulo. O artista paulistano que é ex-integrante do extinto grupo de rap ZRM, é conhecido por ter um estilo diferenciado no meio do rap nacional, trazendo referências do grime,  rap old school, trap e até funk, uma mistura que faz com que Febem seja um dos rappers mais versáteis do cenário. Nesse álbum, o músico expressa seus sentimentos, vivências, reflexões e satisfações da forma mais pura possível. Suas letras destacam-se pelas temáticas e se diferenciam em cada música, com linhas sarcásticas, críticas e combativas. Ao ouvir cada faixa do disco, você percebe as diferentes vertentes do rap presentes, músicas que causam o sentimento de nostalgia, outras com um estilo moderno e outras que você quer até dançar. 

As histórias contadas sobre vivências na rua como em Crime e Vai Pensando se completam, a faixa Jovem traz um aprofundamento ainda maior nas questões sobre abuso policial e discriminação, mas também empodera o próprio cantor. O que é de se destacar são as incríveis participações desse álbum. Na faixa Área de Risco as gêmeas Tasha e Tracie foram impecáveis em cada rima, com empoderamento e sarcasmo. Na música Balla, Kyan e Febem deram um show de trocadilhos. Em Sem Tempo, Jean Tassy conseguiu entrar num grande contraste com Febem, mesmo tendo um estilo de canto bem diferente. Na faixa Marcha, Vulgo FK tem muito destaque por conta de sua incrível voz. Na última música do álbum, Me Paga, a participação ficou por conta do mineiro Djonga que casa muito com o estilo do Febem, ao mesmo tempo que a letra traz um sentido de combate e protesto, também engrandece as conquistas deles.

A versatilidade do disco não se dá só sobre as letras e participações, mas também por seu fiel produtor CESRV, que produziu  nove das dez faixas do álbum em que entram em destaque OG e México com temáticas e efeitos totalmente diferentes. O álbum traz diversas reflexões, abordagens e diferentes tipos de entendimento para o ouvinte, que fica com cada vez  mais vontade de escutar. JOVEM OG mostra a nítida evolução de Febem ao decorrer dos anos e comparado à seus antigos álbuns, esse é o mais brilhante. – Matheus Braga 

Vulture Prince é tão lindo quanto sua capa, quanto sua criadora e quanto seu nome. O terceiro disco da musicista paquistanesa radicada em Nova York é uma peça musical delicada e forte sobre luto, dor e superação dedicada ao seu irmão mais novo, falecido recentemente no seu país natal, que passava por “onda crescente de ódio e conflito” e agora, como todo o resto do mundo, luta “para lidar com uma pandemia global” e seus efeitos, como a própria Arooj Aftab diz.

Assim, a partir de suas vivências pessoais, Aftab transcende qualquer barreira para nos convidar a visitar processos que têm sido universalmente experienciados nos últimos meses. Mergulhada nas cordas e sopros da música oriental combinadas a influências contemporâneas do jazz, soul e rock clássico, a artista encontra vazão para seus sentimentos de forma tão sincera e bem organizada que uma única coisa sobre Vulture Prince é certa: a música do álbum é capaz de te atingir. E é bom estar preparado. 

O centro de Vulture Prince é o ghazal, gênero do sul da Ásia que se aproxima do que conhecemos por blues. Na música de Aftab, o som tem pulsões existenciais em composições íntimas e declamações de poesia que formam sete canções, mais que suficientes para a artista fazer sua mágica acontecer. Todas têm mais de cinco minutos e a maioria delas não tem percussão, deixando a condução musical apenas para o sentimento de sua intérprete, que mesmo suave, ainda é carregada de sentimento. Não ouso nomear destaques e fragmentar a beleza da obra completa de Vulture Prince, apenas recomendo que ouça. – Raquel Dutra

Birdy – Young Heart

A passarinha está de volta com Young Heart. Quem conhece Birdy sabe que as melodias calmas e aconchegantes da cantora estão sempre presentes, e nesse novo disco somos relembrados disso. A poesia das canções se funde às cordas e somos embalados em uma viagem por seus sentimentos e confissões. 

Aqui, Young Heart encanta mas infelizmente cansa. As 16 faixas não ajudam na certa monotonia do disco, e parece que não houve um crivo mais assertivo de quais músicas deveriam ou não entrar para a tracklist. Mesmo assim, esse não é, de longe, um trabalho ruim. O que escancara o talento da britânica, que não comete erros, apenas meio-acertos. – Jho Brunhara

Jorge & Mateus – Tudo em Paz

Finalizando abril com chave de ouro, Jorge & Mateus lançaram seu novo álbum, intitulado Tudo em Paz. Depois de 15 anos de carreira, a dupla só comprova que cada vez mais seu talento se aprimora e alcança degraus inestimáveis dentro do sertanejo. Cinco músicas já haviam sido apresentadas em janeiro num EP de mesmo nome, só para dar um gostinho do que estava por vir. De imediato, era perceptível que Lance Individual seria o single desse recente trabalho, o qual detém cerca de 100 milhões de reproduções no Spotify. 

Uma novidade deste projeto é uma parceria com a rainha da sofrência, mas seu poderoso e marcante alcance vocal acaba não sendo destacado. Contudo, a serenidade acústica é o que predomina na grande parte das faixas, tendo as notas do violão como a base segura da emoção. Eu que achava que já tinha visto de tudo, só sei sentir amor por essa nova fase que Jorge & Mateus tem construído. – Júlia Paes de Arruda

girl in red – if i could make it go quiet

3 anos, 2 EPs e muitos singles depois do sucesso de i wanna be your girlfriend, a cantora e multi-instrumentista girl in red coloca as cartas na mesa e reflete sobre as próprias expectativas e inseguranças, relacionamentos e fama em seu álbum de estreia if i could make it go quiet. Na onda das produções caseiras e selos independentes do bedroom pop, a norueguesa continua a compor, produzir e cantar sobre a juventude em seus diferentes perrengues e sentimentos, mas, mais madura e sincera, não cai na repetição de sucessos anteriores.

As letras menos românticas e metafóricas e mais diretas revelam uma evolução na mensagem e até nos sentimentos da artista: já se falou sobre as primeiras paixões e sobre a aceitação da sexualidade, agora é a hora das desilusões, desejos e vacilos no amor, como em Did You Come?, midnight love e .; da solidão e das consequências da fama, como em hornylovesickmess; e dos sentimentos confusos e inseguranças com que estamos familiarizados, como em Serotonin, Body and Mind e Apartment 402. A sonoridade também é uma evolução: as guitarras indie pop das canções já são conhecidas, mas não ficam repetitivas acompanhadas de pianos e batidas eletrônicas. Ao mesmo tempo em que a artista mantém uma identidade, ela explora ritmos e instrumentos.

É complicado ser jovem e lidar com tantos sentimentos e contradições e o primeiro álbum da girl in red, assim como seus trabalhos anteriores, mostra que tem mais alguém lidando com essa imensidão e essa bagunça que existe dentro da gente. if i could make it go quiet funciona como um desabafo tão identificável que é como encontrar as palavras para os nossos próprios desabafos. – Vitória Lopes Gomez

Sharon Van Etten – epic Ten

A cantora Sharon Van Etten é o nome certo para aqueles dias onde a calma e sensibilidade são necessárias. Famosa por sua atuação na série The OA, sua nova produção epic Ten possui a dose certa de ousadia e tranquilidade, características marcantes da artista americana, mesmo que o destaque do trabalho não seja ela própria. O álbum traz releituras corajosas de canções importantes em sua carreira, semelhante à proposta de Adriana Calcanhotto em Nada Ficou no Lugar (2019), Sharon optou por convidar outros artistas a interpretarem suas palavras.

O destaque do trabalho ficou a cargo da última faixa, Love More, cantada por ninguém menos que Fiona Apple, sendo essa uma boa oportunidade para lembrar dela antes de mais um desaparecimento iminente. Mas, outros nomes igualmente entregaram interpretações incríveis das músicas originais de Van Etten, a experiente Lucinda Williams trouxe um belo cover de Save Yourself. Enquanto St. Panther oferece uma versão moderna de One Day, a banda britânica IDLES optou por recriar a poderosa Peace Signs numa versão completamente diferente da original, trazendo um pouco de rock à canção.

Onze anos após o lançamento de Epic, seu segundo álbum de estúdio, a cantora e compositora teve a humildade de nos oferecer novas vozes em letras tão especiais para ela. Mas, apesar dos novos lançamentos serem maravilhosos por si só, é difícil desapegar das músicas na tonalidade agradável e tranquila de Sharon. Para aqueles que não conheciam o trabalho da artista, como eu, vale a recomendação de gastar uma tarde ouvindo a produção original de 2010, e aproveitando a onda de bons pensamentos e emoções evocadas sem nenhuma pretensão pela obra. – Isabella Siqueira

Julia Michaels – Not In Chronological Order

Você com certeza conhece Julia Michaels. Ou pelo menos, uma parte dela. Antes mesmo da artista viver a recepção positiva de Not In Chronological Order, seu primeiro álbum, ela já passou pelos lugares mais badalados do pop através de suas palavras. No passado, a compositora colaborou com Justin Bieber no hit absoluto Sorry, escreveu alguns dos maiores sucessos de Selena Gomez, está na boca de Demi Lovato em seu novo e grandioso disco e já teve suas letras cantadas também por Britney Spears, Dua Lipa, Ed Sheeran, Lady Gaga, dentre muitos outros artistas.

Assim, o primeiro álbum de Michaels (que já produziu dois EPs: Nervous System, de 2017, e Inner Monologue Part 2, de 2019) era um evento muitíssimo aguardado. A expectativa só cresceu com os singles promocionais extremamente bem acertados que já traduziam a identidade da artista em Not In Chronological Order: All Your Exes é um pop rock divertido, chiclete e crescente de um indie folk que encontra a interpretação perfeita na voz rouca de Julia; Love Is Weird, por sua vez, trabalha com a mesma base para explorar um pouco mais seus vocais e a capacidade de identificação de suas letras.

Dedilhados de violão, storytelling e um fundinho bem leve de country que às vezes dá espaço para mais instrumentos acústicos (oi, Taylor Swift) se estendem a History, Little Did I Know e That’s The Kind Of Woman, enquanto o pop melódico atraente de Michaels se mostra num timbre a là Lorde em Wrapped Around e brinca com os sons da música dos anos 90 em Orange Magic. O que significa tudo isso? Que, mesmo com os contratempos narrativos do amor em Not In Chronological Order, tem tudo o que a gente gosta no primeiro álbum de Julia Michaels. – Raquel Dutra

London Grammar – Californian Soil 

O terceiro registro de estúdio do trio de trip hop London Grammar representa uma passagem de bastão. Na verdade, Californian Soil serve para colocar a vocalista Hannah Reid como a representante do grupo. Tomando seu espaço de direito, ela o faz graciosamente. Muito mais maduro que em seus trabalhos anteriores, o som dos músicos alcança a plenitude que a capa do disco reflete.

Sozinha e iluminada, Reid canta sobre a força da feminilidade e sobre vivências próprias enquanto mulher. Baby It’s You brinca com o destino, I Need The Night cresce em cima da figura feminina. Lord It’s A Feeling evoca o lirismo de Florence Welch, ao passo que a arte do London Grammar se eleva, flutua e alcança os Céus. – Vitor Evangelista

Paul McCartney – McCartney III Imagined

Depois de se isolar numa fazenda e dar a luz ao McCartney III no meio da pandemia, há quem pense que Paul McCartney estaria satisfeito. No auge de seus 78 enérgicos anos, o beatle gosta mesmo é de se atualizar nas tendências e reinventar seu próprio som, e foi daí que Macca resolveu convidar artistas da nova geração para criarem releituras das músicas que ele mesmo compôs e produziu em 2020. McCartney III Imagined reúne covers e remixes de Dominic Fike, EOB, Phoebe Bridgers, Anderson .Paak e outros nomes na indústria musical – o terror dos fãs da velha guarda que insistem que Paul deve manter a essência, mesmo que esta esteja parada no tempo.

O disco ganha traços alternativos e contemporâneos, provando que, enquanto o roqueiro respirar, ainda estará vivo como músico. Paul cede os vocais para Fike na romântica The Kiss of Venus e ganha um rearranjo por Beck em Find My Way. Se Bridgers assume Seize The Day, Women And Wives se torna uma experiência psicodélica nas mãos de St. Vincent. Brincando com riffs e explorando as próprias letras, as onze faixas de McCartney III Imagined assumem a identidade de seus convidados e a mesclam com a unicidade que só a carreira de meio século de Paul possui. – Caroline Campos

DJ Khaled – KHALED KHALED

Another one! de DJ Khaled. O 12º álbum de estúdio do rapper, produtor, hitmaker e orquestrador de encontros dos sonhos conhecidíssimo na música mainstream é a essência mais pura de seu trabalho: vibrante, maximalista e repleto de colaborações grandiosas. Nas 14 faixas de KHALED KHALED, pode-se ouvir, prenunciadas pela sua assinatura, as vozes de Drake, JAY-Z, Cardi B, Post Malone, Lil Wayne, H.E.R., Justin Bieber, Roddy Richh, Lil Baby, Megan Thee Stallion, Justin Timberlake, dentre muitas outras das mais conhecidas da música norte-americana.

O que eleva KHALED KHALED é também o que o derruba e a farra sonora do artista impressiona pelo que oferece e decepciona pelo que entrega. A dificuldade em amarrar tantas participações diferentes era esperada, mas parecia o trabalho perfeito para um dos nomes mais versáteis da indústria da música, que não deu conta de combinar toda a sua agenda de contatos no disco. Com tanto potencial impossível de ser explorado, o resultado é uma coletânea de canções rápidas e pouco memoráveis assinadas por artistas de peso que são capazes de entregar muito mais. 

Assim, as faixas menores acabam por salvar a tracklist de KHALED KHALED. O rap solo de Drake é bem-sucedido em POPSTAR e GREECE, Cardi B voa em BIG PAPER e Justin Bieber trabalha bem com 21 Savage em LET IT GO. A aglomeração só funciona com a experiência de JAY-Z que traz uma pontinha de Beyoncé em SORRY NOT SORRY, cantada junto de Nas e James Fauntleroy. De resto, Khaled não deu conta de organizar a galera. – Raquel Dutra

EPs

Ryan Woods – King of the Basement

Existe uma mística inebriante nos lançamentos do bedroom pop, um subgênero que imprime a característica mais caseira à produções essencialmente simples e que discutem dramas adolescentes. A bola da vez é o jovem Ryan Woods, que debutou com o EP King of the Basement, um ode ao cômodo em que se descobriu e conseguiu transformar as dúvidas e os medos do Ensino Médio em quase vinte e seis minutos, distribuídos entre as 7 tocantes faixas do trabalho.

Ele revela que as canções não são todas sobre uma única pessoa, mas essa definitivamente é uma narrativa contínua. Não existe seguro para um coração quebrado, é claro, mas as emboscadas em que Woods se mete fazem valer seu tato artístico e o cuidado familiar que ele teve com cada arranjo, cada rima e cada música. O destaque repousa em Bad Texter, hino dos desengonçados com mensagens de texto.

Mas a originalidade do EP não morre por suas claras inspirações em Tame Impala, Billie Eilish e Harry Styles. King of the Basement mergulha no mundinho adolescente do pop do quarto (nesse caso, do porão) para demarcar Woods como um bom escritor e um ávido contador de histórias. Antes da friendzone, o cantor nos mostra o THE FRIEND SPACE. E, em abril de 2021, lugar mais interessante não há. – Vitor Evangelista

Teto – previas.zip

O menino das prévias finalmente lançou seu primeiro projeto. No dia 1 de abril, o trapper Teto liberou os sons que os fãs tanto pediram para ouvir oficialmente. O nordestino, que já acumula milhões de seguidores e milhões de visualizações em músicas vazadas no YouTube, marcou seu início com o EP previas.zip.

O trabalho tem 4 músicas, dentre elas o hit Paypal, que já era bastante conhecido, principalmente por se tornar viral no cobiçado TikTok. O fenômeno é realmente impressionante, a música Manha, por exemplo, já tinha 13 milhões de visualizações no YouTube, um feito que nenhum trapper da cena nacional conseguiu atingir com uma prévia. Dia Azul e Fashion também cumprem com o que ele prometeu e são extremamente viciantes, assim como as outras duas que estão no compilado.

Além do tremendo sucesso nas plataformas e redes sociais, o cantor ainda é disputado por duas das maiores produtoras do trap nacional: 30PRAUM e Hash Produções. As duas já trocaram farpas entre si por conta de Teto, mas o menino permanece na 30, ao que tudo indica, sendo guiado por Matuê. É fato de que nunca se sabe o que esperar do nordestino, mas o sucesso está sempre garantido. – Giovana Guarizo

dodie – I Kissed Someone (It Wasn’t You)

Se você passeou pelo YouTube em 2013, já deve ter esbarrado com milhares de cantores que começaram sua carreira lançando vídeos de covers e canções originais. No meio dessa multidão estava a tímida Dodie Clark, que aos poucos se soltava e compartilhava os detalhes mais sinceros da sua vida por meio das músicas, das redes sociais e até de um livro. Anos depois, pode-se perceber a evolução daquela garota para uma mulher que constantemente supera suas inseguranças e que se sente livre para soltar suas emoções ao mundo em forma de música, conquistando cada vez mais espaço na indústria cultural e criando sua própria marca como dodie, cantora e compositora.

Todos que a conheceram na época do seu primeiro single, Sick of Losing Soulmates, esperam pelo grande momento em que dodie lançará seu primeiro álbum. E finalmente, em 2021, isso acontecerá: Build a Problem estará disponível a partir de 7 de maio, e para promover algumas canções do debut, a cantora lançou o EP I Kissed Someone (It Wasn’t You), com quatro músicas que ganharam o privilégio de serem lançadas antes da obra completa. Através delas, já é possível notar que a poesia continua introspectiva e espontânea, sem medo de falar diretamente sobre sentimentos ruins – como o arrependimento e a insuficiência – , enquanto a produção musical evolui na composição instrumental.

A primeira canção, homônima ao EP, traz à superfície aquela sensação de tentar esquecer alguém em outros beijos, mas acabar sentindo ainda mais falta e lamentando o quão inútil foi a promiscuidade. Como de costume, dodie compôs as músicas pensando no cenário onde esses pensamentos acontecem; no caso de I Kissed Someone (It Wasn’t You), a cantora afirmou em entrevista que os versos estão em uma mentalidade bêbada, sombria e triste. Seguida por Hate Myself, ela constrói uma paisagem comum dentro de suas estrofes: a dificuldade de se relacionar em sociedade e de se conectar com outras pessoas que são tão complexas quanto nós mesmos. A terceira canção, Rainbow, volta para as raízes da compositora que escreveu 6/10 e que se sente ordinária e que deseja a aprovação das pessoas ao redor. Por fim, Cool Girl conversa diretamente com o monólogo de Garota Exemplar e finaliza o EP confirmando a mensagem de que dodie não é como as outras garotas. – Carol Dalla Vecchia

Boys World – While You Were Out

O EP de estreia do grupo Boys World (sendo o “Boys” um acrônimo para Best Of Your Self), While You Were Out, chegou para fazer vontade em todos: a partir do momento em que você escuta, quer rapidamente reunir amigos para cantar músicas pop enquanto se diverte, como um grande karaokê ou um show que você faz para si mesmo. Elana, Lilian, Makhyli, Olivia e Queenie são as amigas que sempre quisemos ter. 

Girlfriends, o primeiro single do grupo, funciona como um tributo direto a Wannabe das Spice Girls. O pop orgulhosamente chiclete faz você dançar e gritar aos quatro ventos que se por algum acaso uma das minhas amigas não gostar de você, claramente não vai dar certo, desculpe. Já Wingman, o segundo single, possui um baixo viciante, e tem o poder de fazer com que qualquer um que ouça se sinta no mínimo em uma passarela de um grande desfile, sendo o mais confiante possível. 

A mais sóbria Tiptoe foi um single promocional para gerar expectativas sobre o Extended Play; e foge um pouco do som mais anos 90/2000 das músicas anteriores, apresentando o primeiro rap dentro das músicas do grupo. Relapse é uma balada que mostra o quão diversos e poderosos são os vocais das cinco garotas, enquanto Touched by an Angel é um grande “olha só o que você perdeu”, mas em um ritmo divertido de acompanhar. É difícil dizer se elas serão a nova grande girlband dos EUA (já que ninguém tem forças o suficiente para lutar por este título desde o anúncio da pausa do Fifth Harmony em 2018), mas elas com certeza merecem. As redes sociais com certeza estão do lado delas, então por favor, TikTok, faça alguma coisa! – Layla de Oliveira

A cantora britânica Foxes (Louisa Rose Allen) lançou no início do mês o EP Friends In The Corner, que compila todos os seus singles lançados desde o ano passado e inclui duas faixas inéditas, Dance e Courage, assim como a versão acústica de Kathleen. A falta de novas músicas é decepcionante, mas a decisão de lançar essas músicas como um EP só reforça a integridade do novo pop da artista e a promessa de seu novo álbum de estúdio.

Das músicas já lançadas, o destaque fica para Love Not Loving You e Hollywood, dois singles que revelam lados completamente diferentes de Foxes. Se por um lado o som de Love Not Loving You (sua primeira adição musical em quase quatro anos) remete ao seu antigo pop elétrico e doce, em Hollywood vemos uma artista mais amadurecida, cantando sobre desilusão e fragilidade com confiança, com uma melodia que fica progressivamente mais intensa.: “Bem vindo à parte em que eu tenho um colapso/Sentado no escuro, lá está você/E talvez você estivesse certo”.

Das novas adições, Courage é a que mais marca presença, casando ambos os lados com uma letra assertiva e reveladora. No entanto, a falta de conteúdo novo continua como um grande ponto negativo, por mais promissora que suas novas notas sejam. Com um novo projeto anunciado ainda para este ano, vai ser interessante ver que cartas a britânica ainda guarda na manga. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Trixie Mattel – Full Coverage Vol. 1 

De surpresa, Trixie Mattel, uma drag queen mundialmente famosa e com paixão pela arte de maquiagem, lançou o EP Full Coverage Vol. 1. O trabalho consiste em 4 covers da Super Estrela Drag: ela começa cantando Video Games, de Lana Del Rey, dando o toque country que é sua marca registrada. Além do sucesso da cantora indie, Mattel grava uma nova versão da clássica Believe, de Cher, unindo ícones gays ‘antigos’ com os mais recentes.

Também acabou no EP sua brilhante interpretação de Blister In The Sun, originalmente da banda Violent Femmes, e que ela já havia liberado com um clipe cheio de identidade e humor. O Vol. 1 de Full Coverage fecha com a parceria ao lado de Orville Peck, Jackson, dueto original de Johnny Cash e June Carter Cash. Mattel vem conquistando louros em todas as áreas em que se arrisca. A vencedora do All Stars 3 e coproprietária do UNHhhh é a maior Ru-Girl mesmo, e não tem discussão. – Vitor Evangelista

Justin Bieber – Freedom. 

Após um retorno nada grandioso em 2020, Justin Bieber tirou o ano de 2021 para desenvolver diferentes aspectos de sua carreira. Pouco depois de ter lançado seu álbum Justice e a versão Deluxe do mesmo, e ainda em meio a uma sequência de performances de seus últimos singles – incluindo até uma pontinha na última festa do BBB 21 -, o cantor surpreendeu com o anúncio de mais uma produção musical. No domingo de Páscoa, Bieber liberou o EP Freedom., sem divulgações prévias, apenas com publicações nas redes sociais. 

Revelando uma das capas mais preguiçosas dos últimos tempos, a produção conta com seis faixas, em que cinco delas são parcerias, com nomes como Tori Kelly, Chandler Moore e Pink Sweat$. Entre os convidados também está o pastor Judah Smith, que colaborou com citações de versículos bíblicos em meio às canções; ele comanda a igreja Churchome, da qual Bieber faz parte, e vem acompanhando a trajetória do cantor nos últimos anos.

Nessa nova produção, o canadense se abre por completo em relação a sua fé e espiritualidade, da qual já tivemos uma pequena prévia com o single Holy. Se arriscando em um estilo gospel mais voltado para o rap, Justin cria monólogos tratando sobre suas crenças religiosas e as mudanças que a religião teve em sua vida, relembrando até o seu passado rebelde repleto de polêmicas. E, assim, segue criando a sua narrativa de redenção e mudança de sua imagem, que vem sendo elaborada desde o lançamento da sua série documental Seasons. – Vitória Silva

Músicas

Olivia Rodrigo – deja vu

Viagens à Malibu, sorvete de morango, dividir jaquetas, assistir reprises de Glee: são experiências comuns como essas que envolvem o ouvinte no novo single de Olivia Rodrigo, deja vu. Se afastando da melancolia de seu sucesso massivo drivers license, aqui ela se aventura em melodias mais vibrantes e composições mais coloridas. Misturando diversas sonoridades, a produção de Dan Nigro traz a freneticidade esperada de uma adolescente como Rodrigo sem deixar sua marcante identidade de lado. Extasiada, ela grita: “Tudo é reutilizado/eu sei que você sente deja vu’’.

Seguindo os passos de sua veterana Taylor Swift, Rodrigo utiliza da ponte de suas faixas como o clímax de sua composição, e deja vu não fica de fora. Por mais que sua experiência amorosa na faixa seja bem específica, é impossível não se envolver com a indignação delirante da artista ao se queixar com seu ex-namorado: “Quando você vai contar para ela/Que nós fazíamos isso também?/Ela acha que é especial’’. Não há dúvidas que seu álbum de estreia vai consolidar seu nome na indústria musical e revolucionar o caminho para um teen pop menos superficial. – Laís David

Regard, Troye Sivan e Tate McRae – You 

Letras chorosas acompanhadas por batidas dançantes já são marca registrada de Troye Sivan. E foi apenas isso, um pouco mais do mesmo, que o cantor entregou em seu último lançamento, You. Troye, que tinha o plano de produzir um álbum ano passado mas por conta da pandemia acabou por fazer apenas um EP, estreia seu 2021 com uma parceria: o DJ e produtor Regard e a cantora Tate McRae se juntam ao garoto para a construção da faixa que entrou nas plataformas na madrugada de 16 de abril. 

Apesar da letra clichê e da produção similar com algumas músicas de In A Dream, You traz a combinação de duas vozes que casam perfeitamente. O queridinho do indie pop e a artista revelação que vem crescendo na indústria tem estilos musicais parecidos e acabaram por se mostrar uma dupla promissora. Se forem trabalhar juntos novamente no futuro, é bom torcer para que ousem um pouco mais. Ambos possuem talento para se arriscar e presentear seus fãs com algo ainda melhor que You. – Mariana Chagas

Ludmilla e Xamã – Gato Siamês

Em 21 de janeiro, Ludmilla e Xamã lançaram uma parceria junto do DJ Dennis canetada pelos compositores Gabriel Cantini, Gabriel de Ângelo, Xamã e o próprio Dennis. A canção Deixa de Onda foi um enorme sucesso, protagonizando grandes momentos nas festas do Big Brother Brasil e morando no top 20 das 50 mais tocadas no Brasil pelo Spotify. Embarcando no sucesso, Lud e Xamã apostaram numa nova colaboração, desta vez numa música com um ritmo mais lento e apostando no sex appeal dos dois artistas, o resultado? Gato Siamês.

Numa pegada meio R&B – ritmo não tão estourado no Brasil – e mais romântica do que o hit anterior, Gato Siamês é composta pela dupla e produzida pelo multi-instrumentista Malak. Lançada em 16 de abril, a música é cativante. Talvez não seja o melhor trabalho lírico da funkeira e nem do rapper, mas em conjunto com a melodia e o clipe, conseguem vender a ideia de sensualidade que ambos exalam. Logo de cara algumas inspirações ficam explícitas, na letra por exemplo, o trecho “sexo comigo é incrível” nos faz lembrar imediatamente de Sex With Me da cantora Rihanna.

O videoclipe monocromático é protagonizado por cenas quentes entre os dois artistas e também possui referências óbvias. É como se Rihanna viesse para o Brasil e relançasse uma nova versão audiovisual de Kiss It Better mesclando elementos do clipe de Rocket da estrela Beyoncé. Mas dando louros para a cena brasileira, a obra dirigida por João Monteira – que já trabalhou antes com Lud em Verdinha – fez juz aos modelos citados. Não cabe comparar Gato Siamês com Deixa de Onda, são propostas e sonoridades diferentes, provando que a dupla consegue transitar com sucesso em sonoridades diversas. – Giovanne Ramos

MARINA – Purge The Poison

O pop rock não morreu depois que Demi Lovato lançou La La Land, e MARINA está aqui para provar isso. Brincadeiras à parte, Purge The Poison é uma surpresa abençoada. Depois do terrível LOVE + FEAR e da promissora Man’s World, a britânica parece estar retornando às suas raízes no melhor tom possível. Purge é como se a acidez e as críticas sociais de The Family Jewels se juntassem com o rock de garagem de FROOT, nos dando uma deliciosa e assertiva canção. 

Se tem algo que a música não é, é sutil. Porém, estamos em tempos que não pedem sutileza: é preciso gritar, em letras garrafais, a verdade. E mesmo assim alguns não vão ouvir. É nessa filosofia que MARINA entrega Purge The Poison, passeando por questões polêmicas e projetando um futuro que muito possivelmente não terá futuro. Estamos na era do ‘pop apocalíptico’, e se o fim dos tempos eventualmente chegar, MARINA com certeza estará nas playlists do fim do mundo. – Jho Brunhara

CHVRCHES – He Said She Said

O dia finalmente chegou! Após três anos salpicados por um feat. com o DJ Marshmello e uma curiosa adição à trilha sonora do jogo Death Stranding, voltamos à igreja do synthpop de Lauren Mayberry e o resto da banda escocesa CHVRCHES. He Said She Said é o primeiro single do novo álbum, e chega após uma repaginada no visual do trio que remete à estética de filmes de terror dos anos 80 e uma nova e misteriosa conta no Letterboxd dedicada quase exclusivamente a tal gênero.

A nova música não rompe com os padrões estabelecidos em Love Is Dead (2018), mas reforça suas melhores qualidades, particularmente o talento do grupo para criar batidas intensas refletidas nas letras. “Eu sinto como se estivesse ficando louca”, Lauren repete ao longo da faixa, acompanhada pelos sintetizadores de Iain Cook e Martin Doherty, reforçando os temas de um relacionamento abusivo se repetindo e fazendo com que ela duvide de si mesma e vá aos poucos se apagando.

O videoclipe da nova música foi dirigido pelo artista multidisciplinar Scott Kiernan, que tem trabalhado bastante com a banda para a reformulação dos visuais da nova “era”. O clipe captura belamente a letra e as batidas da canção e até mesmo as eleva, com visuais metafóricos e provocantes que imploram uma interpretação aprofundada, mas que entregam claramente a mensagem de dor e manipulação que o trio quis passar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Rina Sawayama e Elton John – Chosen Family

Que coisa linda é a harmonia que pode surgir de um encontro de gerações completamente diferentes através da música, e que preciosidade é a nova versão de Chosen Family. Ao lado de Elton John, Rina Sawayama transforma seus versos sensíveis sobre laços de amizade e reconhecimento, originalmente alocados numa identidade mais futurista, num som suave e glorioso que flui das mãos mais famosas do pop.  

A música é um dos destaques de seu primeiro álbum, SAWAYAMA, que foi lançado com avaliações positivas da crítica em abril de 2020, transformando Rina em uma estrela em ascensão. Elton, por sua vez, nunca deixou de apoiar as novas gerações, e Chosen Family é o lugar perfeito para a lenda da música apreciar o trabalho da jovem artista. Com sensibilidade, uma mensagem tocante e marcando um encontro icônico, a canção é um deleite especial oferecido por dois artistas brilhantes que certamente são parte da nossa família escolhida. – Raquel Dutra

The Cast of RuPaul’s Drag Race Season 13 – Lucky

Número de encerramento dos episódios competitivos da 13ª temporada de Drag Race, Lucky é a melhor música de RuPaul em anos. As quatro finalistas se dividiram em cômodos monocromáticos, entregando versos individuais acompanhadas de dançarinos socialmente distanciados. Gottmik, de azul, abriu o número: “garotos, garotas, e aqueles no meio, é hora de coroar sua Rainha”. Kandy Muse, vestida de amarelo, cantou sem inspiração rimando palavras repetidas, mas deu o nome no episódio.

Obviamente com lingerie cor-de-rosa, Rosé cantou até rap em sua composição, citando o sonho americano e o grande amor da família escocesa. Symone finalizou Lucky, sua cor era laranja e cactos (err) enfeitavam o cenário. A Encantadora do Ébano acabou vencendo a temporada, alguns episódios depois, provando que sorte dada a ela por Lucky não era passageira. – Vitor Evangelista

Grace VanderWaal – Repeat 

O raio mileycyruszador fez mais uma ‘vítima’: Grace VanderWaal. Com uma sonoridade e um visual totalmente distante de qualquer outro momento de sua carreira, como Ur So Beautiful, a estadunidense de apenas 17 anos passou por um makeover total. Cabelo curtinho, som puxado pro rock, e um clipe repleto de micro-rebeldias, isso é mais que o suficiente para escancarar a vontade de mudança. 

Repeat, como o próprio nome já sugere, facilmente mora na função repetição dos players de música. VanderWaal canta: “eu não preciso de mais uma lição”. Aqui, é prazeroso assistir e ouvir sua liberdade de se expressar transbordando durante a juventude, ainda mais através de uma música viciante. A garotinha de America’s Got Talent não está mais entre nós, e como já vimos antes, se permitir ser livre só traz benefícios a longo prazo. – Jho Brunhara

Doja Cat e SZA – Kiss Me More

Que a última era de Doja Cat foi um sucesso, todo mundo sabe. Say So, Streets e outros hits foram um marco na carreira da cantora, que explodiu graças a viralização de suas músicas no TikTok. Depois de uma temporada bem sucedida, Doja começa a trabalhar no seu terceiro álbum de estúdio. E a primeira parceira na sua nova viagem é SZA.

A escolha da colaboração não poderia ter sido outra. Em entrevista para a Apple Music, Doja Cat conta que escreveu a faixa pensando na cantora, e que se o objetivo inicial era apenas ser uma música sobre beijo, SZA levou para um nível mais profundo. A sintonia das duas no clipe é de se perguntar como não haviam trabalhado juntas antes, e de ficar na torcida para que esse não seja seu único feat. 

Produzida por Yeti Beats, Kiss Me More é o collab que não só estreia o Planet Her, mas mostra um pouco da estética que Doja escolheu seguir no álbum: a construção de um planeta próprio. O clipe dirigido por Warren Fu mostra um mundo em tons rosas, sedutor e traiçoeiro, onde a dupla parece comandar. E se a cantora seguir dominando as paradas como vem fazendo, sua dominação promete não ficar apenas em um universo fictício. –  Mariana Chagas

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Katy Perry, Luísa Sonza e Bruno Martini – Cry About It Later 

Não é segredo para ninguém que Luísa Sonza está cada vez mais dominando o mundo, mas agora a gaúcha foi ainda mais além e conseguiu um remix com Katy Perry, artista a qual Luísa é fã desde pequena. Porém, o feat da faixa Cry About It Later, presente no álbum Smile de Katy, não foi o que se esperava.

Apesar de Luísa servir com vocais e um inglês impecável, a música se torna uma mera eletrônica. O remix fica a cargo do DJ Bruno Martini, que usa uma batida nada inovadora e um formato um tanto quanto comum. O que se esperava era um pouco mais de brasilidade, talvez versos em português ou uma batida mais típica do país. Bruno já tem um remix da música 911 de Lady Gaga, um orgulho, mas que também esbarra nos mesmos problemas de Cry About It Later.

Ter um feat com divas internacionais é sim uma tremenda responsabilidade e motivo de comemoração, porém, a pretensão deve ser a mais autêntica possível. Não foi dessa vez que Luísa e Bruno agradaram ao público nacional e internacional, porém, nada muda o fato dos dois merecerem esse tremendo feito. Contudo, não é uma experiência agradável. – Giovana Guarizo

Lia Clark & POCAH – Eu Viciei

A participação de POCAH no BBB21 rendeu um veredito: o Brasil gosta é da POCAH cantora. A participante do reality show, a gente prefere fingir que nem existiu. Já Lia Clark é uma drag queen até que bem conhecida no meio LGBTQ+, mas teve aqui uma nova chance de destaque entre o público mais geral e mainstream. A participação, lançada durante o Big Brother para aproveitar o buzz, valeu a pena. 

Eu Viciei é um daqueles funks lançados durante a pandemia que dói no coração da gente não poder ouvir em uma festinha legalizada e sem vírus. Com produção assinada pelo trio de peso Hitmaker, a qualidade já estava praticamente garantida. O jeito é rebolar de casa mesmo, e ficar sonhando com o dia que vamos poder olhar e sentar num rolêzinho. – Jho Brunhara

Aly & AJ – Symptom of Your Touch e Don’t Need Nothing

Na reta final do lançamento do seu novo álbum, as irmãs Aly e AJ Michalka estão trabalhando à todo vapor na divulgação de seus novos sons, nos presenteando com dois singles no mês de abril: a balada de ânsia amorosa Symptom of Your Touch e a contagiante Don’t Need Nothing, que carrega o coro que dá nome ao disco, “A touch of the beat/Gets you up on your feet/Gets you out and then into the sun.”

Lançada no começo do mês, Symptom of Your Touch é talvez a que mais remete aos EPs anteriores da dupla, Ten Years e Sanctuary, carregando um forte som eletrônico envolvendo os versos de Aly e enaltecendo a voz de AJ no coro. Tematicamente, a letra é similar a Slow Dancing, o primeiro single do álbum, só que com batidas mais entusiasmadas, mas não menos dramáticas: “É um sintoma do seu toque/Sintoma do seu toque/Se é tão bom/Por que dói tanto?”

Já a animada Don’t Need Nothing chega como uma última espiada dentro do novo álbum antes do dia 7 de maio. Finalmente fazendo jus à promessa de seu gigantesco título, Aly & AJ provam que sim, um toque da batida te deixa de pé, te faz sair em direção ao Sol. Se Don’t Need Nothing é a música que sintetiza todos os sons do novo trabalho delas, podemos esperar um disco revigorante e eletrizante que sabe exatamente quando letras são ou não necessárias para que uma música te toque. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Twenty One Pilots – Shy Away e Choker 

Quase 3 anos após o lançamento do seu álbum de estúdio Trench, o Twenty One Pilots está de volta. Com um retorno anunciado apenas por mensagens subliminares em suas redes sociais e cartazes de divulgação espalhados pelo mundo, algo que já se tornou característico da banda, eles revelaram o single Shy Away na primeira semana do mês. A estética de tons escuros de suas últimas produções deu lugar a um azul e rosa vibrantes, que se refletem na sua nova sonoridade, com batidas oitentistas e mais agitadas. O videoclipe também aposta nessa mesma estética, ainda tendo a apresentação de elementos fantásticos, como o dragão azul, que é uma marca registrada dessa nova era.

A dupla já aproveitou para engatar em um segundo lançamento, a faixa Choker, que encerrou o mês de abril. Essa última ainda retoma um pouco da musicalidade que deu início a banda, com versos de Tyler Joseph concluindo a música e que rememoram o final de Taxi Cab, presente no primeiro disco do grupo, ainda em sua formação antiga. Isso tudo sem perder o teor subjetivo de suas letras, que continuam soando como um desabafo do vocalista sobre questões pessoais e psicológicas, ao mesmo tempo que podem ser interpretadas como críticas à indústria como um todo. 

Como tudo que envolve Twenty One Pilots não costuma se resumir apenas a música, diversas teorias já são especuladas sobre as formas que esse novo lançamento pode se conectar com o universo que vem sendo criado desde o Blurryface, após notarem várias referências à fictícia cidade de Dema. Em tempos de isolamento social, a dupla resolveu aproveitar para expandir a experiência dos fãs, oferecendo uma plataforma interativa com oportunidades exclusivas para quem comprar os ingressos para a live de lançamento do disco, intitulado Scaled and Icy, no dia 21 de maio. – Vitória Silva

Billie Eilish – Your Power

Recente vencedora de mais dois Grammys, Billie Eilish anunciou seu próximo álbum, Happier Than Ever, para ser lançado no dia 30 de julho. Deixando o cabelo verde neon de lado, a cantora assumiu um visual diferente como entrada para essa nova era, que parece revelar um lado cada vez mais maduro. A produção incluirá as faixas Therefore I Am e my future, lançadas no ano passado, além de Your Power, seu single mais recente. 

Com uma sonoridade acústica e que abandona os sintetizadores característicos de suas músicas, a jovem cantora em ascensão entrega uma de suas letras mais fortes até então. Ao clamar para que alguém não abuse do seu próprio poder, Billie remete a um episódio de abuso sexual, situação mais do que presente no cotidiano e indústria em que ela está inserida: “Ela disse que você era um herói, e você fez esse papel. Mas você a arruinou em um ano. Não aja como se fosse difícil”. 

O videoclipe que acompanha a faixa faz alusão ao mesmo caso, em que a cantora é enforcada por uma cobra ao longo da música. Após se abrir por completo, tanto no aspecto pessoal quanto profissional, em seu documentário The World’s A Little Blurry, a artista sai de canções que se relacionam apenas com as vivências de sua adolescência para apostar em temas mais sérios, com a profundidade e tratamento que apenas Billie Eilish sabe entregar. – Vitória Silva

Anitta – Girl From Rio

E lá vamos nós… Falar sobre Anitta é sempre complicado. É claro que eu torço por ela, por seu sucesso, e para que represente o Brasil lá fora. Mas não acho que sua estratégia seja das melhores. Depois de dezenas de singles avulsos, feats de justificativa duvidosa e uma imagem desconfiada por parte do público brasileiro, Anitta quer cantar sobre sua origem, o Rio. Em cima da melodia de Garota de Ipanema. Ótimo! Em inglês. Com a produção sendo um trapzinho saturado. Opa…

A estratégia de Girl From Rio é conquistar o mercado estadunidense. Porém, Anitta precisa reconquistar o mercado brasileiro antes. Quando Shakira estourou no exterior cantando em inglês, ela era amada incondicionalmente pelos colombianos e tinha emplacado diversos sucessos recentes cantando na sonoridade que seus fãs a conheciam. Depois do terrível Kisses e as polêmicas de 2018, Anitta deu hasta la vista para o Brasil e foi explorar o espanhol na América Latina. Por aqui, lançou uma ou outra em português, quase sempre como convidada, ou através de feats. Não tem imagem que se sustente dessa forma.

A cantante do Rio tem a qualidade de estrela necessária para tudo que ela almeja, mas precisa trazer os pés de volta ao chão. O Brasil não reconhece mais a Anitta que amou um dia. E o mundo é impiedoso com artistas internacionais, ainda mais sem apoio: se nem a América Latina aceita nossos sucessos direito, quem dirá um país como Estados Unidos, fechado em seu próprio umbigo. Girl From Rio é apenas a primeira música de trabalho de seu novo disco, inteirinho em inglês e espanhol. Espero estar muito errado em tudo que falei aqui, e que essa ou alguma outra canção vingue. Porém, se não acontecer – o que é, infelizmente, provável -, que Larissa saiba que o Brasil estará sempre esperando por ela. – Jho Brunhara

The Weeknd e Ariana Grande – Save Your Tears (Remix) 

Mais de 1 ano após o lançamento do grandioso álbum After Hours, essa nova era de The Weeknd não parece estar tão perto de acabar. E, como forma de dar continuidade a ela, o cantor anunciou, na última semana do mês, um remix de seu single Save Your Tears, com a cantora Ariana Grande. A coletânea já conta com outras parcerias remixadas, como Blinding Lights, com a cantora ROSALÍA, e In Your Eyes, com Doja Cat.

Em conjunto, foi liberado um videoclipe animado para a faixa, que retrata o personagem criado por The Weeknd criando uma boneca semelhante à cantora. Não é a primeira colaboração da dupla, visto que já fizeram a viciante Love Me Harder e, mais recentemente, repetiram a parceria na faixa off the table, que integra o álbum Positions, de Ariana. A combinação das duas vozes do pop não poderia ter uma sintonia mais ideal, o que já reflete em seus resultados, em que alcançou o topo das paradas da Billboard. – Vitória Silva

WILLOW e Travis Barker – t r a n s p a r e n t s o u l

Enquanto seu irmão caminha cada vez mais em direção ao pop e ao rap, a jovem WILLOW vai em um sentido totalmente oposto. Dois anos após o lançamento de seu último álbum, a cantora decidiu lançar o single t r a n s p a r e n t s o u l, com toques totalmente irreconhecíveis para a mesma voz que deu origem ao hit Whip My Hair anos atrás. 

Em parceria com o baterista Travis Barker, WILLOW aposta em uma sonoridade pop-punk para sua nova faixa, que se assemelha muito ao estilo da banda Paramore. O videoclipe ainda relembra a estética emo dos anos 2000, tanto pelo visual da cantora quanto pela filmagem. Resgatar essa musicalidade é um grande ato para alguém, até então, adaptada a um estilo mais alternativo, e parece que irá render apenas bons frutos para a caçula da família Smith. – Vitória Silva

Clipes

Little Mix e Saweetie – Confetti

Para quem pensou que a saída de Jesy Nelson, em dezembro de 2020, desestabilizaria o Little Mix se enganou. No ano das comemorações de 10 anos de formação, a girlband foi consolidada com o single #1 Sweet Melody na primeira semana do ano e surpreendeu ao público, e a crítica, com o lançamento do remix da faixa-título do álbum lançado no último novembro. 

Confetti sempre foi uma das faixas preferidas de Jade Thirlwall, Leigh-Anne e Perrie Edwards, principalmente, já que ela sugeriu o título para o nome do álbum. Mas, a música ainda era mal compreendida por parte de alguns fãs. Com a vontade de iniciar uma nova era, como um trio, mas sem querer dizer adeus a mal explorada, por conta da pandemia, era Confetti, o Little Mix adicionou um rap a faixa-título e entregou um clipe impactante para o single, marcando-o entre os fãs. 

As meninas surpreenderam não só ao remanejarem todas as lines de Jesy e trazerem uma nova produção sonora de MNEK, mas também entregaram um clipe de respeito ao se transformarem numa boyband no clipe, criando um filme, divertido e bem feito, para Confetti. Mandando aquele “shade” aos britânicos machistas que ainda duvidam de seu sucesso, elas vestiram barbas e looks masculinos e provaram que são dignas do queridinho BRITs Awards e ainda trouxeram as estrelas do RuPaul’s Drag Race UK, A’Whora, Tayce e Bimini Bon-Boulash, que adicionaram mais ainda o tom do deboche ao clipe. Não só isso, Saweetie adicionou o tom comercial que faltava na música e, assim, o hit estava pronto para ser consolidado. – Larissa Vieira

Tessa Violet & lovelytheband – Games

Se você, assim como eu, é crepusculete de carteirinha, mal pode esperar para essa música de Tessa Violet e lovelytheband. Depois do lançamento tão aguardado de Sol da Meia-Noite, os ávidos fãs da saga Crepúsculo saíram enfervescidos dos seus esconderijos para demonstrar seu amor pelos vampiros da família Cullen. Tessa foi um deles. 

Filmado de forma panorâmica, o clipe Games recria a icônica cena de baseball no primeiro filme, a qual se deparam com os “The Black Eyed Peas” James, Victoria e Laurent. Assim como no original, filtros azuis nas filmagens contribuem para o olhar de frieza e preocupação ficar em evidência. Do mesmo jeito que os Cullen se sentem incomodados e receosos com a nova adesão no clã, Tessa canta uma desconfiança num relacionamento conturbado. Apesar dos jogos que o “companheiro” faz, o eu-lírico reconhece que algo não está certo. Num ritmo mais agitado, mas ainda na pegada indie, a música garante aquela sensação nostálgica e uma surpresa emocionante (com direito a altos surtos!). – Júlia Paes de Arruda 

Performances

O límpido céu azul que se ergue atrás de uma Rina Sawayama é majestoso e convidativo para o espetáculo de 15 minutos que acontecerá dentro de instantes. A popstar nipo-britânica se veste com o terno estiloso de uma dona de império, ou melhor, de uma Dinastia. Ela solta a voz, primeiro modesta, rodeada por sua banda e um quarteto de cordas nesse cenário corporativo, cantando 3 sucessos de seu potente álbum, SAWAYAMA, marcado a primeira vez que eles performam ao vivo canções do trabalho.

Dynasty é sucedida por XS, marcando o momento em que Rina nos agarra com a garganta, implorando para cantar essa seleção no concerto mais lotado do mundo, por favor. A cantora finaliza a curta participação no Tiny Desk com o belíssimo novo arranjo de Chosen Family, lançado ao lado de Elton John. Você também faz parte de nossa família escolhida, Rina. – Vitor Evangelista

Leslie Odom, Jr. no Oscar

Speak Now pode não ter ganhado o Oscar 2021, mas recebeu uma performance divina de Leslie Odom, Jr. um pouco antes da cerimônia começar. A música escrita por Leslie a pedido de Regina King e seu Uma Noite em Miami… já é poderosa por si só, mesmo entoada de dentro de um estúdio. Agora, prestigiar o ator em um palco multicolorido no Museu da Academia é o equivalente a flutuar pelas nuvens de gelo seco que montaram ao seu redor. A sutileza vocal do intérprete de Sam Cooke ao vivo não é surpresa, visto que Leslie é dono de algumas das melhores performances de Hamilton com seu Aaron Burr, mas o artista parece ter ciência do equilíbrio perfeito que é necessário para declamar Speak Now – infelizmente, esse ano as performances não acontecerem ao vivo no palco da premiação.

Mesmo sem dançarinos ou outros músicos no palco, Leslie Odom, Jr. conseguiu realizar uma apresentação tocante no meio do suave jogo de luzes que refletia em seu terno branco e o transformava na fonte principal de seu show. “Onde Leslie Odom, Jr. acaba e Sam Cooke começa?”, há quem pergunte. Depois da versão de A Change Is Gonna Come para o longa de King, Speak Now foi o que deu o tom que guiou a espetacular trilha sonora de Uma Noite em Miami…, e Leslie Odom, Jr. soube carregar sua importância naquele palco circular na noite do dia 25 de abril. Impossível não ficar impressionado com o talento do ator, cantor e compositor. – Caroline Campos

Celeste e Daniel Pemberton no Oscar

As apresentações musicais que geralmente ocorriam durante a noite do Oscar, na premiação de 2021 foram diferentes. Previamente gravados, os shows foram transmitidos antes da cerimônia e a entrega de estatuetas começar. E dentre os convidados a participar, Celeste se juntou a Daniel Pemberton para performar Hear My Voice, canção da dupla escrita para o filme Os 7 de Chicago.

Vestindo Gucci, a cantora iniciou o espetáculo com nada além de sua voz tão bela e potente. Em cima do terraço do Museu do Oscar, a compositora britânica, com apenas uma luz a destacando na escuridão, foi fascinante. Passou então a ser acompanhada pelo piano nas mãos de Daniel Pemberton, co-escritor da música indicada a Melhor Canção Original. Os artistas, junto à sua equipe de músicos, provaram o mérito da obra de ser indicada à premiação. Nós ouvimos a sua voz, Celeste. E ainda bem que ouvimos. – Mariana Chagas 

Molly Sandén no Oscar

“A música perfeita não é aquela que vence, mas a que vem do coração”. Isso quem diz é o protagonista de Festival Eurovision da Canção, filme que já nasceu clássico e indicou  Savan Kotecha, Fat Max Gsus e Rickard Göransson ao Oscar 2021 na categoria de Melhor Canção Original. Husavik não ganhou, mas brilhou no Into the Spotlight, o pré-show da Academia. 

Diretamente da Islândia, mais precisamente da cidade de Husavik, um coral de crianças abriu a apresentação, cantando o refrão no idioma nativo europeu. Molly Sandén, embrulhada num confortável vestido azul, explorou todo seu gogó, finalmente aparecendo nos holofotes, visto que no longa, ela dubla as notas que saem dos belos lábios de Rachel McAdams. Depois do estonteante número, tenho certeza que Husavik tem lugar guardado no coração de cada amante de Cinema. – Vitor Evangelista 

H.E.R. no Oscar

Vencedora da Canção do Ano do Grammy 2021 com I Can’t Breathe, a cantora H.E.R. é a voz mais potente na luta social, e principalmente racial, nesse ano. Com apenas 23 aninhos, H.E.R. conquistou – além do gramofone – a Academia, com Fight For You, canção composta originalmente para o necessario longa Judas e o Messias Negro.

Na performance que antecedeu o tapete vermelho, a cantora se mostrou uma artista completa. Iniciando com ela na bateria, H.E.R. logo apresenta seu magnífico vocal que traz uma força ancestral à canção. Com intensa presença de palco, ela se destaca toda de dourado ao lado de seus bailarinos que vestiam preto. No show temos também o vídeo do discurso de Fred Hampton, ativista e líder dos Panteras Negras, representado em Judas. Todos os componentes da apresentação se entrelaçam causando impacto e emoção. – Ana Júlia Trevisan

Laura Pausini e Diane Warren no Oscar

A primeira indicação ao Oscar de uma das mais tradicionais estrelas do pop internacional teve a glória que o evento merecia. Laura Pausini encantou em sua apresentação de (Seen) Io Sí, canção composta junto de Diane Warren (essa conhecidíssima da Academia, acumulando 11 indicações) que foi uma das indicadas a Melhor Canção Original de 2021.

A dupla não levou a estatueta mas preencheu o anoitecer do terraço do Museu da Academia com a maravilha da canção. Lá, Laura Pausini reluziu como o objeto mais brilhante do céu de verão ao lado do piano vermelho de Warren combinando com os demais instrumentistas que pareciam corações espalhados pelo palco. Harpas e violinos completaram a emoção da música que traduz a sensibilidade de Rosa e Momo para os nossos ouvidos. – Raquel Dutra

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No mês que antecede o evento mais importante da música ocidental, alguns dos grandes nomes do Grammy 2021 aproveitaram para agitar a campanha para a premiação, que acontece no dia 14 de março. A dupla Chloe x Halle vestiu tons frios para Ungodly Hour (Chrome Edition) e para o clipe futurista da canção-título. Dua Lipa juntou novos singles com a tracklist mais famosa de 2020 em Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Doja Cat e Megan Thee Stallion comandaram um remix de Ariana Grande, e a banda HAIM cantou mais uma vez – e agora pra valer – com Taylor Swift.

Falando nela, a artista que protagonizou a maior polêmica do mundo pop dos últimos anos iniciou sua volta por cima. Depois de jogar a ***** no ventilador e suscitar uma discussão importante sobre a relação complicada que existe entre direitos autorais, artistas jovens e a indústria musical, Swift alertou que não deixaria barato e que faria o possível para tornar seus trabalhos, que foram vendidos sem a sua permissão, obsoletos, regravando-os. É fato que a cantora de reputation é firme com sua palavra, e assim ela apresentou ao mundo Love Story (Taylor’s Version), anunciando que a nova versão de Fearless, seu segundo álbum, também chegará aos nossos ouvidos em breve.

O maior injustiçado da temporada, por sua vez, brilhou forte em sua performance no intervalo do Super Bowl promovendo The Highlights. A coletânea reforça a relevância e impacto do trabalho de The Weeknd, que não engoliu a desonestidade da Recording Academy. Quem também superou cenários hostis foi Rebecca Black, o assunto da internet e alvo de um episódio de cyberbullying massivo em 2011, que dez anos depois do fatídico clipe de Friday, retorna àquele lugar para um remix da música original.

Ascensão também é uma palavra que se aplica aos artistas brasileiros, que mantiveram a atividade em um fevereiro sem carnaval. Pabllo Vittar voou alto ao interpretar o remix de Man’s World com MARINA e Empress Of. Ludmilla, que sabe pregar o funk como ninguém, colaborou com o trio Major Lazer e ainda encontrou espaço para trazer visibilidade ao grupo baiano ÀTTOOXXÁ e ao artista jamaicano Suku Ward. Luísa Sonza mostrou mais uma vez sua versatilidade num pagode ao lado de Thiaguinho, e Papatinho fez o mesmo ao misturar samba, funk e rap com Seu Jorge e Black Alien.

Já na MPB, celebramos a vida e a carreira de Gal Gosta. Não exatamente como gostaríamos, num show ao vivo lotado de apaixonados por uma das maiores vozes do Brasil, mas da melhor maneira que os moldes pandêmicos podem nos proporcionar, com o disco Nenhuma Dor. Assim como nossa musa, sempre atento e forte, Gilberto Gil se uniu aos seus filhos e netos em Refloresta para fortalecer uma campanha a favor da conservação de nosso bem mais precioso.  

A notícia triste foi o fim de Daft Punk. Depois de 28 anos de carreira, o duo composto por Guy-Manuel de Homem Cristo e Thomas Bangalter deixa um legado incalculável e uma influência que vai muito além da música eletrônica, lar da dupla. Tudo isso e muito mais sobre as movimentações do mundo da música foi registrado no Nota Musical de Fevereiro pela Editoria e colaboradores do Persona, que dessa vez, além de CDs, EPs, singles, clipes e performances, inventaram de falar também sobre as trilhas sonoras de alguns dos filmes mais importantes do mês.

CDs

The Staves – Good Woman 

Falar sobre Good Woman é um desafio e tanto. De cara, é um álbum sobre o luto compartilhado das 3 irmãs pela morte súbita da mãe. Além disso, esse é o terceiro registro da banda The Staves, que não lançava nada em seis anos. Good Woman veio em ebulição por vários fatores: ele documentou um período de distância entre Emily, Camilla e Jessica. O trio de britânicas tirou tempo para focar na vida pessoal, longe do eixo de Watford, onde nasceram. Quando a mãe faleceu, elas se recolheram em proteção. 

Mais que uma banda, elas eram uma família naquele momento de dor extrema. Elas se tornaram as ‘boas mulheres’ que Good Woman alude no título. Suas vozes harmonizam sentimentos de dor, perda, clausura e reconstrução. As letras, compostas em sua maioria antes da tragédia de 2018, se ressignificam após os temores e a superação, uma porção de cenários são construídos ao longo das 12 faixas.

Paralysed, o melhor que 2021 ofereceu no campo musical, destroça pelas nuances de silêncio e protesto. É uma canção ciente de onde quer chegar, emocionando pela honestidade bruta. Good Woman é o amadurecimento das irmãs Staves na vida, na carreira e no modo de lidar com o mundo. Emily, que teve uma filha, agora entende o papel da mãe do outro lado da equação. Elas continuarão cantando harmonias familiares. O que é o luto, se não o amor que persevera? – Vitor Evangelista

Madison Beer – Life Support

Mostrando mais uma vez que não está na indústria apenas para produzir músicas superficiais e de qualidade questionável, Madison Beer lança seu debut album. Com 17 faixas que prometem te fazer dançar, chorar e refletir sobre a vida, Life Support atinge o ouvinte de uma forma que apenas os vocais impecáveis da cantora junto com a produção maravilhosa da sua equipe conseguem fazer.

Navegando entre os diversos aspectos de viver um relacionamento tóxico e lidar com transtornos mentais, Madison compõe letras tão nuas que possilitam-nos sentir cada um de seus traumas enquanto escutamos a obra. Não tem como não se emocionar com Effortlessly, onde a cantora se abre sobre a dificuldade de fazer coisas do cotidiano que antes conseguia sem nenhum esforço.

E entre as composições melancólicas, há também as felizes e agitadas. Os singles Baby e Boyshit contam com uma batida altamente contagiante e versos sobre autoestima. E em ambas as partes mais alegres ou tristes do álbum, Madison Beer entregou um trabalho que valeu a pena a longa espera. – Mariana Chagas

Dua Lipa – Future Nostalgia (The Moonlight Edition)

Dua Lipa ainda tem o que dizer sobre a viagem no tempo que fez em Future Nostalgia. Mesmo que o hit Don’t Start Now já tenha passado da data de validade e que as demais canções do disco tenham sido alvo de remixes não tão bem-sucedidos em Club Future Nostalgia, algumas delas conseguiram resistir, como Pretty Please, Break My Heart, Hallucinate e Cool. Assim, Dua juntou a tracklist do disco original – que também concorre às principais categorias do Grammy 2021 – com novos singles e três faixas inéditas para compor a segunda edição do álbum, o Future Nostalgia (The Moonlight Edition).

Diluindo a personalidade marcada de Future Nostalgia com a identidade de Dua em seu primeiro disco, o álbum não é um experiência musical como foi com o lançamento do ano passado, até mesmo por ter pouca novidade. O que vemos é a exploração de algumas nuances, como algo mais dark que vem de Love Again em That Kind Of Woman, que destaca as influências de Madonna na música de Dua, e Prisioner, a colaboração de Dua Lipa com Miley Cyrus que também compõe Plastic Hearts, o último álbum da artista. Ela também aproveita as brincadeiras no tempo para retroceder um pouco mais até chegar nos 60’s com We’re Good e Not My Problem.

Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais a identidade disco de Dua Lipa, The Moonlight Edition inicia um avanço para trabalhos futuros mais contemporâneos com um o reggaeton Un Día (One Day) e o dance de If It Ain’t Me, que podem brigar um pouco com o resto do disco. Refrescando a música de Dua ao lado da estrela pop belga Angèle, Fever é uma faixa que já poderia servir como single para uma próxima era, mas ao inseri-la junto desse material, a nossa viajante do tempo parece guardar outras coisas para o futuro. Já tendo explorado tudo o que pôde da safra de Future Nostalgia, esperamos que ele não seja mais tão nostálgico assim. – Raquel Dutra

Sia – Music (Songs From and Inspired By The Motion Picture) 

Em casos comuns, mesmo filmes ruins podem ter partes boas. Mas Music não é um filme ruim, ele extrapola qualquer limite de gosto pessoal, boa vontade ou produto artístico. É uma atrocidade filmada, um assassinato de direitos, é um crime por existir e não ter havido qualquer tipo de impedimento na concepção e lançamento. Todo o potencial destrutivo e porco do filme de Sia é transferido para a Trilha Sonora.

A australiana canta feliz, como se estivesse fazendo algo bom liberado ao mundo esse arroto atroz que dá vida ao pior filme de 2021. É ridículo, é asqueroso e combina com primazia com a imagem que Sia ajudou a criar nos últimos anos. Irresponsável, uma imundice sem tamanhos. Nada se salva e, por conta disso, não haverá clipe anexado ao texto. Music é desumano e deve ser tratado como tal.  – Vitor Evangelista

The Pretty Reckless – Death By Rock And Roll

Quase cinco anos após o blues de Who You Selling For (2016), Taylor Momsen e os outros membros do The Pretty Reckless voltam às raízes com Death By Rock And Roll, seu quarto álbum de estúdio. Inspirado por um período de auto reflexão após tragédias como o suicídio do vocalista Chris Cornell, da banda Soundgarden, depois de um show que eles abriam em Detroit e a morte inesperada do produtor da banda, Kato Khandwala, o disco vem carregado de alegorias nada sutis sobre a efemeridade da fama e da morte dos ícones do rock.

Musicalmente, ele não agrega muito à discografia da banda, oferecendo poucas notas originais ou surpreendentes, mas mesmo assim entrega o que os fãs de longa data já esperam: vocais e melodias épicas feitos para serem sentidos ao vivo. A energia que Momsen e o resto dos músicos carregam continua excelente, mas parece faltar algo que separe o novo disco de seus trabalhos anteriores, por mais energizantes que as músicas sejam.

O destaque vai para faixas como 25, em que Momsen canta sobre sua trajetória na música e na vida, e And So It Went, colaboração com o lendário Tom Morello, do Rage Against the Machine, e que parece visada em confrontar a autoridade e o status quo. É um disco recheado de letras simples e honestas, mas que não parecem realmente revelar algo de novo sobre a banda. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Gal Costa – Nenhuma Dor 

Uma das vozes mais potentes do Brasil comemorou seu aniversário de 75 anos de idade e 55 de carreira. Referência nacional e internacional, Gal influenciou músicos de sua época e continua inspirando a nova geração. O reluzente brilhantismo da cantora faz com que nomes como Rodrigo Amarante, Criolo, Rubel, Tim Bernardes, o uruguaio Jorge Drexler e o português António Zambujo se espelhem nela para cantar e compor. Em uma homenagem mútua, Gal convidou vozes masculinas para gravarem ao seu lado grandes clássicos de sua discografia. 

O projeto, que recebeu o nome de Nenhuma Dor, vem para curar o mal estar que perpetua em tempos de isolamento. Recheado de músicas de Caetano Veloso, compositor mais interpretado pela mãe de todas as vozes, o álbum contou com a presença de Zeca Veloso, filho do cantor. Foi ele que de maneira intimista, deu vida a canção que batiza o disco. Em cada faixa, Gal reafirma sua grandiosidade, dando a liberdade de cada qual criar seu próprio arranjo, transformou canções imortais, como Baby e Juventude Transviada, em regravações inesquecíveis. – Ana Júlia Trevisan

Black Country, New Road – For the first time

O grupo Black Country, New Road vive abraçado num invólucro de mistério. Dessa vez, eles lançaram seu primeiro registro de estúdio, intitulado For the first time. São mais de 40 minutos divididos sabiamente em seis longas canções espetaculares. Os instrumentos dominam a essência de rock e punk que a banda imprime nas extensas composições dos 7 jovens que formam o BC,NR, todos com menos de vinte e dois anos.

De fato, o vocalista Isaac Wood passa um bom tempo em silêncio, absorvido pela atmosfera de saxofones e violinos. A abertura com Instrumental aclima quem ouve, e os quase dez minutos de Sunglasses (agora com pinceladas da voz rouca de Wood) oscilam no medo, na angústia e na súplica dos londrinos.

O trabalho se inspira em tudo um pouco: desde ritmos judaicos até Arlindo Cruz. É como ouvir uma interpretação punk da Biblía Sagrada, com pitadas de pop americano e muitas referências da Geração Z. Para o futuro, aguardemos mais do material precioso que sai da mente do Black Country, para agora, For the first time ainda tem muito a dizer. – Vitor Evangelista

Ariana Grande – positions (deluxe)

As plataformas de streaming transformaram o jeito que se lança música – a rapidez de se consumir conteúdo abrevia grandes eras, e também faz com que as gravadoras tenham que se desdobrar para estender campanhas promocionais de um álbum. Um dos jeitos de contornar esse problema e tornar uma era mais memorável é se render a relançamentos, o que foi o caso de Ariana Grande com o positions (deluxe).  Com cinco novas canções, o relançamento não surpreende, mas é uma ótima manobra publicitária.

Escutar a versão deluxe é uma experiência frustrante. Claro que a produção musical deve se adaptar a novas formas de consumo, mas lançar músicas tão curtas parece mais uma tentativa de lucrar com uma junção duvidosa de descartes. test drive mal engata e já vai embora com seus humildes dois minutos de duração; main thing parece uma versão menos interessante de pov e someone like u (interlude) tenta ser tudo que Pete Davidson foi no passado. O destaque do álbum é de worst behaviour, que traz o sensual R&B dos anos 90 à tona e é uma suave amostra do que Ariana pode atingir como artista. A artista que, nos últimos tempos, ela parece não tentar ser. – Laís David

Ex:Re – Ex:Re with 12 Ensemble

Ex:Re, o projeto solo de Elena Tonra, vocalista da banda britânica Daughter, ganhou uma regravação com novos arranjos da compositora Josephine Stephenson tocados pela orquestra de cordas 12 Ensemble. O álbum captura a colaboração dos artistas gravada em 2019 no espaço musical Kings Place.

Os novos arranjos ajudam a alterar quase completamente a composição musical de Ex:Re, transformando um som que já era sofisticado em algo mais próximo do etéreo. Canções como Crushing e The Dazzler se beneficiam bastante da nova abordagem, elevando o ritmo e criando um senso de urgência que não existia no original. No entanto, Elena e o resto dos músicos sabem exatamente quando desacelerar para que o impacto das músicas caia no ouvinte, como na excepcional e devastadora Romance, que permanece uma das melhores do disco.

É uma regravação notavelmente bem feita, mantendo todo o espírito do original e ao mesmo tempo fornecendo uma nova perspectiva sobre cada faixa. Essa não é a versão definitiva de Ex:Re, porque nunca vai existir algo assim. Essa versão existe apenas no momento em que cada música é tocada e ouvida, seja no álbum original, no novo ou numa apresentação ao vivo. Se tem uma coisa que Ex:Re with 12 Ensemble deixa abundantemente claro, é a capacidade que cada faixa tem de se conectar com quem a ouve. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Weather Station – Ignorance 

Um minuto se passa antes da voz de Tamara Lindeman rasgar a atmosfera vibrante e arisca de Robber, a faixa que abre o mais recente registro de estúdio da canadense. O que sucede Ignorance é um conjunto de batidas hipnóticas que permeiam a vibe folk do The Weather Station, projeto que surgiu anos atrás experimentando o alternativo em tons terrorosos. 

Agora, quase 10 anos depois do lançamento do debut All of It Was Mine, a atriz e cantora de Toronto brinca com sua composição literal e profundamente ligada ao interior da tristeza, dessa vez batendo na tecla das mudanças climáticas. É o encontro do folk com o rock, com singelos respiros pops (Separated cria essa ponte com facilidade). 

A capa do disco fotografa uma Lindeman acuada no matagal, iluminada apenas por um único foco de luz. Essa luz, ela prova nos quarenta minutos do CD, é sua fonte de desejos para criar algo único e sincero como Ignorance. – Vitor Evangelista

Pale Waves – Who Am I?

O segundo álbum de estúdio da banda inglesa Pale Waves, intitulado Who Am I?, chega no embalo de seu antecessor, My Mind Makes Noises (2018), com a vocalista Heather Baron-Gracie cantando sobre relacionamentos fadados ao fracasso e sentimentos não correspondidos. Mas, contrariando as expectativas, não demora muito para que a banda se liberte do passado e passe a cantar sobre um tipo de amor mais corajoso, arriscado e, apesar de tudo, acolhedor.

É um álbum sobre excluídos feito por excluídos, o que fica evidente em faixas como Tomorrow e You Don’t Owe Me: “Porque eu vou ser o que eu escolher/E o que te faz pensar/Que você tem o direito de dizer?/Então é melhor sair do meu caminho”. Mas também é sobre paixão e comunidade, como na maravilhosa She’s My Religion, onde Heather explora seu próprio relacionamento como se fosse uma atriz coadjuvante, fornecendo suporte e carinho em face aos demônios alheios. É um disco de letras honestas e vulneráveis sobre sentimentos universais.

O som da banda também se expande, ampliando seu indie pop com algumas canções acústicas e homenagens bem colocadas ao pop dos anos 2000, acompanhando bem o ritmo das narrativas, mas que ainda retém a identidade musical desenvolvida nos álbuns e EPs anteriores. Enquanto em seu primeiro trabalho Pale Waves ansiava por aceitação, em Who Am I? eles parecem ter entendido que se o amor é capaz de nos salvar, nós primeiro temos de entender que merecemos ser salvos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Chloe x Halle – Ungodly Hour (Chrome Edition)

Estamos vivendo a era dos relançamentos, e chegou a hora do maior trabalho em pop/R&B de 2020 ganhar a Chrome Edition. A hora ímpia, claramente longe de acabar, foi turbinada com duas novas canções e um clipe estiloso de Ungodly Hour que, depois de render apresentações estupendas, demorou a ganhar um vídeo próprio.

As princesas Chloe e Halle Bailey ainda derramaram o conceito cromado na capa de Ungodly Hour (Chrome Edition), revitalizando o propósito original de anjos e já entregando a visão madura das irmãs. Hazy, a primeira adição do Deluxe, fez valer seu papel de descarte na versão Standard, mas não diminui o impacto artístico das cantoras, enquanto 80/20 cai na armadilha da curtíssima duração. Não há muito a ser dito de inédito sobre o material, fora a parte visual que (como virou costume do duo) é impecável. – Vitor Evangelista

C. Tangana – El Madrileño

O terceiro disco de C. Tangana, artista espanhol que nasceu no rap em 2006, é tudo. Experimental, pop, plural, livre, transgressivo e divertido, El Madrileño é um exagero de elementos e um exagero de bom. Entre gêneros regionais, misturas do épico com o eletrônico, muita referência da música brasileira e uma videografia grandiosa, o álbum fascina pela habilidade que seu criador tem para traçar qualquer caminho que desejar com a sua música. Para isso, ele conta com a ajuda de muita gente, e o ouvinte pode até se assustar com o tanto de nome que tem na tracklist composta por 14 faixas, das quais apenas duas são solo.

Quando sozinho, C. Tangana interpreta canções mais urbanas que revelam sua raiz do rap e influências do funk brasileiro como em Nunca Estoy, balada romântica que ainda surpreende e experimenta. Quando acompanhado, ele chega ao ápice com as pitadas de flamenco de Tu Me Dejaste De Querer, o evento teatral Un Veneno e com o violão de Toquinho – cantando obscenidades em espanhol –  amarrado às modulações de voz, beats e samples de funk em Comerte Entera. Não satisfeito, C. Tangana traz o maestro Jorge Drexler para a enérgica Nominao e brinca até com o tempo na moderna e sentimental Cuando Olvidaré junto do falecido cantor espanhol Pepe Blanco que, imerso na aura épica e de suspense da canção, declara a paixão que sente pela sua cultura e pela música de seu povo.

Um álbum demais tem destaques demais, brilha demais e impressiona demais. A abertura Demasiadas Mujeres é um encontro de gêneros, Muriendo de Envidia explode regionalidade, Ingovernable é o new flamenco perfeito e CAMBIA! dá vontade de viver. Ao finalizar o trabalho com Hong Kong, C. Tangana desvia para o rock e confirma pra quem, depois das 15 faixas, ainda tinha dúvidas quanto às suas ambições, deixando bem claro que não vive para respeitar nenhum limite, mas sim quebrá-los. Tudo é harmônico, coeso e surpreendente e a mistura doida do álbum – que já é um dos destaques do ano – não tem nada de improvisação. A música de El Madrileño é gloriosa e só ouvindo pra entender o motivo da aclamação. – Raquel Dutra

Vários Artistas – Nomadland (Original Motion Picture Soundtrack)

Marcando presença na temporada de premiações, Nomadland já pode ser considerado um dos melhores filmes do ano. Sua trilha sonora calma complementa perfeitamente o que vemos na tela, as angústias da solidão e da liberdade envoltas pela natureza. O longa permite uma imersão total não apenas nos sentimentos de Fern, vivida pela brilhante Frances McDormand, mas também nos instrumentais que enriquecem as cenas sensíveis propostas pela diretora Chloé Zhao.

Ólafur Arnalds, Federico Mecozzi e, principalmente, Ludovico Einaudi são alguns dos nomes que compõem melodias suaves que dão o ritmo melancólico que percorre a trama. E, apesar de não ser elegível para um Oscar de Melhor Trilha Sonora Original, a história por trás da escolha das músicas de Einaudi para Nomadland impressionam pela semelhança com a narrativa da protagonista. Sendo retiradas de trabalhos anteriores do artista, com foco para o álbum Seven Days Walking (2019), onde o cantor obteve inspiração a partir das emoções oriundas de uma caminhada pelos Alpes Italianos.

Percorrendo o país com uma van, a personagem encontra cenários impressionantes, com algumas paisagens únicas e até um nascer/pôr-do-sol aqui e ali. Ambas as primeiras faixas da trilha, Oltremare e Day One: Golden Butterflies, além de mais longas se destacam pela serenidade que acompanha toda a produção. Assim, fica claro como a beleza do aspecto visual encaixa com a trilha sonora de Nomadland, pois como dito pela diretora, ela foi formada justamente por músicas inspiradas pela natureza. – Isabella Siqueira

Claud – Super Monster

No susto, Claud ganha nossa atenção por conta de seu álbum de estreia, Super Monster, ser o primeiro lançamento da Saddest Factory, recém-nascida gravadora de Phoebe Bridgers. A música de Claud cai, como a maioria das jovens estrelas em ascensão, no campo do bedroom pop. O que no passado era sinônimo de simplicidade, agora cresce em gênero e grau. O dedo de Bridgers no trabalho de Claud é o toque de Midas que a alma de 21 anos, cheia de frustração acumulada, precisava para libertar seu eu lírico tão cheio de confiança. 

Gold é o carro-chefe do registro. A faixa rebola em um arranjo eficaz, e a letra é repleta de rimas deliciosas de cantarolar. Soft Spot suaviza o impacto do amor adolescente e Jordan ecoa além dos três minutos e quarenta de duração. Mais do que uma promessa, a geração de Claud, Isaac Dunbar e tantos outros artistas queer agora passou a ser sinônimo do presente da música. Amplificada, multifacetada e com espaço para todas as minorias antes silenciadas. – Vitor Evangelista 

The Weeknd – The Highlights

Como se a peça final de um grande quebra-cabeça universal fosse enfim colocada, The Weeknd, uma das maiores vozes da indústria da música atual, lançou um compilado dos grandes sucessos da sua carreira. O disco foi disponibilizado em 5 de fevereiro, dois dias antes da performance de tirar o chapéu do cantor no intervalo do Super Bowl. A coletânea conta com 18 hits que flutuam entre suas músicas mais icônicas, tocadas sagradamente nas rádios de todo o mundo, e seus feats mais famosos – o canadense escolheu incluir Ariana Grande, Kendrick Lamar e o recém-separado Daft Punk na sua lista.

Escutar The Highlights é fazer uma viagem pela mente genial do cantor, que possui mais de 67 milhões de streams mensais no Spotify, e dar de cara com todos os ritmos e sutilezas que Abel nos entregou em seus 10 anos de história. Enquanto não conseguimos nos cansar de Blinding Lights, ele nos relembra de Can’t Feel My Face para provar o poder irresistível que é capaz de criar. Quando achamos que já superamos The Hills, ela vem acompanhada de Pray For Me e joga a última pá de terra na cova do nosso coraçãozinho que não aguentou tamanho baque.

E é claro que o globo responderia ao presente: The Highlights foi o disco mais reproduzido na história do Spotify em seu dia de estreia. The Weeknd prova, dia após dia, que merece sua popularidade arrebatadora – que venham mais álbuns! – Caroline Campos

Andra Day – The United States vs. Billie Holiday (Music From The Motion Picture)

Lançado em 26 de fevereiro pela Hulu, o filme Estados Unidos Vs Billie Holiday conta com uma trilha sonora impecável para o conjunto da obra. A protagonista é interpretada pela vencedora do Globo de Ouro, Andra Day, que, brilhantemente, encaixa sua voz aos arranjos feitos para homenagear Billie Holiday, uma das maiores ícones do jazz.

Andra realiza um profundo mergulho nos versos cantados. Strange Fruit, uma das músicas mais fortes do filme e da carreira de Billie, é interpretada de forma impactante, transpassando todo contexto de medo, agonia e revolta presentes na cena. All of Me também tem seu destaque a capella, mostrando que o vocal da cantora independe dos instrumentos mas que, em cima do palco, o universo se transforma em pura canção. Solitude traz uma performance com tamanha destreza que a escolha de Andra Day para o papel se prova formidável.

Day ainda prova que não usou apenas técnica para ser intérprete, seu talento ímpar guia o tom da apresentação de maneira impecável, seguindo as emoções da personagem. Prova disso é a marcante Tigress & Tweed que foi composta especialmente para o filme. Inspirada em Strange Fruit, a música que concorreu ao Globo de Ouro de Melhor Canção Original, mas injustamente está fora da categoria do Oscar, deixa a mensagem de que temos poder para fazer as coisas seguirem em frente.  – Ana Júlia Trevisan

Cassandra Jenkins – An Overview on Phenomenal Nature

Um mergulho no mar de manhã. Ou molhar os pés num rio gelado. Na verdade, qualquer sensação ligada à pureza da água serve de comparativo à An Overview on Phenomenal Nature. O segundo CD de Cassandra Jenkins toca notas semelhantes ao trabalho do The Weather Station em Ignorance (também presente nesta lista). O que se torna fator comum é a permanência do estado de tristeza e seu caráter metamórfico. Não estamos mais tristes: a partir de agora, nós somos tristes. 

A atmosfera do disco cura pelo cintilar, mas agride pela dor de Jenkins cantando letras cruas e sem filtros. New Bikini veste o oceano como remédio, Hard Drive martela constatações futuras (e lembra o terceiro disco do The 1975) e Michelangelo desenrola o limbo que a nova-iorquina escolhe como farol. A etérea capa de An Overview on Phenomenal Nature nos dá o spoiler do conteúdo aniquilador que se prosseguirá por 7 faixas em trinta e um minutos. – Vitor Evangelista

EPs

Taylor Swift – the “ladies lunching” chapter

Nada que Taylor Swift lance jamais poderá ser chamado de desperdício, porque ela faz com que estejamos sempre buscando por mais. Do compilado de músicas de folklore e evermore nasce o mais novo EP da cantora intitulado the “ladies lunching” chapter. E sim, ele não traz absolutamente nada novo, mas do mesmo jeito permite que nos deleitemos com sua perfeição ao reunir todas as mulheres que protagonizaram as histórias de Swift no decorrer de 2020.

Na coletânea acompanhamos cada uma das narrativas e perspectivas femininas, trazidas em seus dois últimos lançamentos, sem pretensão alguma de inovar. Como um chá da tarde inglês, é fácil imaginar Dorothea, Betty, Augustine, Marjorie, Este e Taylor sentadas em volta de uma mesa debatendo sobre amigos que se separaram e amigos que se casaram. Imersivo e aconchegante, o protagonismo feminino se torna implacavelmente significativo ao que a cantora traz ainda mais luz para as essas tramas entrelaçadas e tecidas por ela. – Ana Laura Ferreira

Wallows – Remote (Deluxe)

Depois do coming of age musical Nothing Happens, o primeiro álbum do Wallows, a banda norte-americana retorna com o EP Remote, que recentemente ganhou uma versão Deluxe com cinco faixas, sendo três inéditas. No novo trabalho, que foi concebido e lançado na pandemia, Cole Preston, Braeden Lemasters e Dylan Minnette se recusam a deixar o isolamento impedi-los e continuam cantando suas composições identificáveis à juventude, que escuta sobre seus desafios românticos, anseios e inseguranças nas vozes moduladas do trio.

Resilientes aos desafios do distanciamento, membros discutiram a criação do EP via Zoom e testaram possibilidades ao gravarem remotamente, separadamente e em aplicativos de celular. Com os efeitos eletrônicos divertidos, como no primeiro single Virtual Aerobics e na inserção ao final de Talk Like That; as guitarras grunge distorcidas, como nas animadas Nobody Gets Me (Like You) e Dig What You Dug; e as batidas sintéticas, como nas reflexivas Wish Me Luck e Quarterback, o trio experimenta sonoridades. 

Mesmo sem se consagrar como o melhor trabalho da banda, o EP Remote (Deluxe) mostra que a Wallows não tem medo de explorar e sair da ‘caixinha’ de um só gênero. Combinando letras sobre temas comuns, mas que não soam repetitivas, a melodias indie pop, a banda cria uma identidade, tanto sonora quanto visual, que torna qualquer trabalho divertido de se escutar – ou assistir. A expectativa para o que virá no segundo álbum só aumenta. –  Vitória Lopes Gomez

Diomedes Chinaski – A Vida Ainda Pode Ser Bela

O aprendiz trouxe seu novo trabalho como um reflexo de sua nova fase. “A vida ainda pode ser bela se eu fizer dinheiro” é o verso que sustenta o EP, com um misto de pedido de socorro, frustração e desabafo. Após um período conturbado, Diomedes afirma que está mais próximo de sua família, com a vida mais tranquila e conseguiu entender que A Vida Ainda Pode Ser Bela.

Apesar de ser uma produção de 20 minutos, temos uma grande variedade de assuntos e mudança de ritmo nas faixas. Poucas participações, mantendo o protagonismo em Chinaski e nos permitindo apreciar cada letra. Uma mixtape cirúrgica e que cria uma expectativa muito boa para os próximos lançamentos do artista. O processo de amadurecimento de Diomedes é nítido e promissor, essa facilidade em ser versátil é o que o torna um bruxo lendário. – Elder John

Callista Clark – Real To Me

Com apenas 17 anos, Callista Clark lança seu primeiro EP, Real To Me. Trabalhando com Scooter Braun, a cantora segue um estilo parecido com início da carreira de Taylor Swift, composto por músicas country com letras verdadeiras e emotivas, mas também divertidas. Sua voz forte e vocais potentes também lembram os primeiros anos da loirinha.

O primeiro track do EP, It ‘s Cause I Am, é o que carrega a energia mais animada. Com uma letra sobre confiança e singularidade, Callista diz que não é e nunca será uma garota simples. A batida acompanha o tom da composição ao contar com uma produção agitada e vibrante.  A música é um contraste com a melancolia presente em Heartbreak Song, Don’t Need it Anymore e Real To Me.

E dentre as 5 faixas, a terceira, que foi a escolhida para nomear o EP, é um resumo de tudo que a obra retrata. A letra é um desabafo da cantora que diz que apesar de ser nova e saber que muito ainda há por vir, tudo que ela sente é real para ela. O lyric video retrata perfeitamente esse conceito ao parecer que ela está escrevendo em um diário, que resolveu ler em voz alta para o mundo. – Mariana Chagas

AURORA – MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE

Após o sucesso do seu último single, Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção, a cantora norueguesa AURORA embarca agora em um novo projeto que traz ao seu público compilados de suas músicas em EPs temáticos organizados pela compositora. Segundo o que a cantora declarou em live, essas coleções representam o vínculo que há entre suas faixas, são como músicas irmãs de álbuns distintos, mas que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O primeiro EP lançada foi MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE, que AURORA descreve como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. Reunindo seis músicas dos seus três álbuns já emplacados, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), a artista mostra a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando do significado que cada música tem para si e despertando a nossa conexão com suas obras. – Gabriel Brito de Souza

Isaac Dunbar – evil twin 

Isaac Dunbar é um artista muito singular. Suas letras recorrem aos clichês, mas todo o tratamento além das composições colocam o jovem de 18 anos num patamar específico. O bedroom pop do cantor do Massachussets só cresce desde que surgiu, em 2018. Dunbar integrou a trilha sonora de Love, Victor, lançou alguns EPs e chegou em 2021 gritando evil twin para todos os interessados em ouvir música boa.

pink party surpreende pelos vocais distorcidos e pela sensação de escutar a sonoplastia de um filme de terror envelopado na aura adolescente queer característica do artista. O material é curtíssimo, mas as 7 canções pedem morada no Repeat. Isaac não tem dificuldade de imprimir detalhes nas batidas chicletes: rendezvous é uma delícia por não saciar de cara a sede de quem ouve, e kissy kissy faz o rolê do primeiro crush ainda soar interessante. Ele cria instigantes ganchos sonoros e suas rimas se seguram pela familiaridade dos sentimentos.

intimate moments é o destaque de evil twin. “Eu tenho medo de momentos íntimos, se você está por perto, por que estou triste?”, ele lamenta. Sua música é o cume de emoções brutas cantadas por um jovem queer que se sente confiante o suficiente para fazer isso. Não há espaço para medo de experimentar e ousar, quando o assunto é Isaac Dunbar, a barra de expectativas e nível de entrega não param de subir. – Vitor Evangelista

Amy Winehouse – I Told You I Was Trouble: Live In London

No doloroso ano que completa uma década da partida de uma das maiores e mais inconfundíveis vozes do planeta, chega ao Spotify o áudio da gravação de I Told You I Was Trouble: Live in London. Lançado em 2007, após Amy Winehouse verdadeiramente brilhar no Grammy de 2006, o show é um dos mais vivos no consciente coletivo daqueles que conhecem o trabalho da cantora. A versão em DVD ainda traz um documentário sobre a vida, a carreira e turnê na Europa e Estados Unidos.

O setlist reúne os grandes clássicos do irretocável repertório de Amy Winehouse. Produzido ao vivo, é um selo de qualidade na potência vocal da sublime cantora que é ovacionada durante o espetáculo. As músicas de seu maior álbum – Back to Black – se fundem aos hits de Frank, seu disco de estreia. A canção homônima ao CD de 2006 é um dos pontos mais fantásticos da gravação, Amy canta Back to Black com tamanha facilidade que parece apenas estar brincando com a composição. Não é atoa que sua interpretação é imortal. – Ana Júlia Trevisan

Músicas

Jessie Ware – Remember Where You Are – Single Edit 

A lista de coisas boas de 2020 é quase ínfima, mas no topo está o precioso What’s Your Pleasure?, quarto álbum de estúdio de Jessie Ware. O sucesso de seu disco e a grandiosa coerência do repertório nos deixa ansiosos pela versão Deluxe que está por vir. Para retornar o disco às paradas de sucesso, a cantora lançou o single, após o alvará de Barack Obama, de um dos maiores hinos, Remember Where You Are, que encerrou o trabalho com chave de ouro.

Com a encantadora apresentação no The Graham North Show, Jessie Ware serviu arranjos vocais luxuosos, com backing vocals envolvidos a fundo à performance e sentimentos da cantora. Sentimentos esses de esperança que sempre ressoam ao ouvir a familiar Remember Where You Are. Jessie também revelou sua terceira gravidez, exibindo a gestação durante o show, dando um visual ainda mais belo e intimista para o lançamento do single, que também ganhou um short film onde a atriz caminha, visivelmente emocionada, pelas iluminadas ruas da cidade. Além de esperança, o clipe também tem gosto de recomeço. – Ana Júlia Trevisan

Jão – Coringa

Se no clipe de Vou morrer sozinho um Jão-zumbi invade um casamento para tacar o terror, em Coringa seu alvo é uma festa de pessoas ricas. Com uma dupla de cúmplices, Jão vive uma aventura tão perigosa quanto se apaixonar. A música é uma mensagem para o seu amor coringa, confessando que o crime só compensa se tiver a companhia daquela pessoa.

A letra viciante sobre relacionamentos é marca registrada do cantor, e ele parece ter decidido seguir esse mesmo estilo em sua nova era. Assim como várias outras músicas de Lobos e Anti-herói, Coringa é uma faixa contente sobre uma situação nem tão contente assim. No final do clipe, Jão é traído por um de seus parceiros e acaba machucado. A visão dele jogado no chão, sangrando, é uma ótima alusão a como ele pode ficar quando perder essa paixão. Seja como for, o cantor parece estar sempre disposto a correr os riscos de se relacionar, se pelo menos no final isso render conteúdo para suas ótimas músicas. – Mariana Chagas

Sam Fisher e Demi Lovato – What Other People Say

Entregar-se de corpo e alma é algo que Demi Lovato sempre alimentou em suas performances. É inegável notar que seu poderoso alcance vocal combinado com notas ritmadas geram uma melodia marcante. Depois de muitos anos conturbados, a cantora renasce como uma fênix e mostra seu maravilhoso potencial em uma nova era. 

Cada vez mais, ela aposta suas fichas em oferecer canções que transmitem seus próprios sentimentos e experiências. Foi o caso de I Love Me e Ok Not To Be Ok, sendo essa última lançada no Dia de Prevenção ao Suicídio. What Other People Say segue a mesma linha, porém une piano, violão e a percussão de uma maneira totalmente diferente. Uma batida enérgica e amarga aperta o coração quando se apoia nos versos, especialmente os mais íntimos de Demi (creditada na composição), como “Eu não iria desistir, não iria fazer parte/Das mesmas velhas drogas que todo mundo usa”. 

O lyric video é a forma mais bonita de traduzir o duo com Sam Fisher. Baseando-se num jogo de cara-a-cara, várias personalidades dos dois compõem os tabuleiros. Com o passar dos minutos, as teclas se abaixam e evidenciam a única que realmente importa. Ambos não querem ser reduzidos a um conceito (“mandão”, sozinho, encantador, confiante), mas sim ser o compilado de particularidades que os tornam únicos. Pode até ser clichê, mas se Demi caminhar com esse pensamento, é fato que ela encontre seu verdadeiro ‘this is me’. – Júlia Paes de Arruda

Surf Mesa e Madison Beer – Carried Away

Dentre as tantas músicas de amor escritas, Carried Away consegue, de forma magnífica, nos passar o sentimento de estar apaixonado, mostrando o lado positivo e a leveza do sentimento. Escrita por DJ Surf Mesa, conhecido por sua música ILY (cover e remix de Can’t Take My Eyes Of You) a canção é cantada por Madison Beer, dona do hit Selfish, que foi viral no TikTok no ano de 2020.

Começando com uma batida suave, a voz de Madison é o que prende o ouvinte nos primeiros segundos da faixa. É no refrão que o ritmo se intensifica e a música se torna mais animada, tornando difícil ficar parado. Já a letra descreve lindamente o sentimento de amar alguém, e ser carregado por essa paixão. Na canção, Madison conta que vê o amor como um fogo, uma cura e uma luz. Apaixonado ou não, o ouvinte se encontra amando também.

No meio de todos os fatores que fazem um feat funcionar, a harmonia entre os participantes é um dos pontos mais importantes, se não o principal. E é com a combinação perfeita da voz de Madison Beer com o trabalho do DJ Surf Mesa que Carried Away virou uma canção tão mágica, que faz o ouvinte se sentir carregado pela música.  -Mariana Chagas

Trixie Mattel – Blister in the Sun 

Na mesma semana em que se tornou uma das donas do This Is It!, o bar gay mais velho de Wisconsin, a super estrela Trixie Mattel lançou o cover de Blister in the Sun. A canção é original da banda Violent Femmes, cria de Milwaukee, terra natal da drag queen. A faixa cai como uma luva na vibe country despojada de Mattel, e funciona tanto como renovação quanto homenagem.

Em tempos de pandemia e estabelecimentos fechados, a vencedora por direito do All Stars 3 salvou o This Is It! de sua iminente ruína e decidiu comemorar usando vestido branco com quadrados pretos no vídeo de Blister in the Sun. É cool, é camp e é a cara do legado de Trixie, uma artista interessada nas causas em que lucra e consciente de seu papel como alguém com privilégios. Quer heroína melhor que essa? – Vitor Evangelista

Taylor Swift – Love Story (Taylor’s Version)

A maior treta do mundo pop nos últimos anos parece estar chegando ao fim. Conforme informou Taylor Swift em julho de 2020, depois da implosão de toda confusão envolvendo seu catálogo musical em novembro de 2019, ela, junto à sua nova gravadora, decidiram por regravar seus antigos trabalhos, de forma que as gravações antigas, cujos direitos não pertecem à ela, se tornassem obsoletas. No dia 12 de janeiro, conhecemos o primeiro material regravado, o lead single de Fearless, seu segundo álbum originalmente lançado em novembro de 2008, Love Story (Taylor’s Version). 

Com o terreno muito bem preparado pela estética de seus últimos álbuns, folklore e evermore – e o primeiro na corrida das principais categorias do Grammy 2021 -, a veterana da indústria musical sabia que não tinha momento melhor para iniciar seu projeto de regravações. O contexto atual, inclusive, parece ter sido muito bem utilizado por Swift na concepção da nova versão da canção. Cercada pela energia pesada da confusão que a envolveu nos últimos anos, a aura juvenil do amor inocente e shakespeariana agora se revela nostálgica e folclórica – risos -, que tem seu caráter de história ainda mais demarcado, especialmente pelo lyric video que retoma algumas memórias do início da carreira de Taylor e pelo estilo narrativo que a artista empregou nas composições dos últimos discos. 

Sonoramente, quase nada mudou. A voz de Taylor soa, obviamente, mais madura, mas é tão suave ao ponto de sequer alterar o tom da música. Os arranjos suaves do country também permanecem presentes, fiéis à proposta de Taylor com as regravações: fazer com que ela e os fãs pudessem ouvir as músicas sem que os lucros por isso fossem destinados à quem ela denominou como seu “maior inimigo dentro da indústria”. Entretanto, a atitude determinada de Swift em se recusar a entregar de vez seu legado musical torna a experiência da nova canção completamente diferente – e jamais negativa -, já que é interpretada por uma artista que tem a completa certeza de que as coisas não são da forma como ela imaginou que seriam 13 anos atrás. – Raquel Dutra

Luna França e Tiê – Terapia

Desde que lançou o single Minha Cabeça em novembro de 2020, a tecladista, compositora e produtora Luna França está abrindo seu caminho à frente das canções – sem deixar de lado os bastidores, claro. Enquanto termina a produção de seu álbum de estreia, com a parceria de André Whoong do Estúdio Rosa Flamingo,  ela leva ao público essas músicas como chamariz para sua carreira de cantora. Em fevereiro de 2021, o single Terapia, com a participação da já conhecida Tiê, integra a coleção de grandes apostas da Nova MPB.

A poesia da canção é mais um seguidor do movimento musical indie-mental health, que explora a saúde mental dentro de versos que segundo a própria cantora, foram escritos como num diário: “Só de escrever esta música, já me sinto bem melhor. Como é bom fazer canção e ao mesmo tempo… terapia”. De fato, as confissões escolhidas por Luna França são aqueles segredos que morrem no divã, que ela mesma diz ter vergonha de falar. Não é fácil admitir que não queremos ver um ex-amor mais feliz que nós, mas a compositora expõe essa sensação contraditória. 

A tal melancolia que faz parte da letra e do ritmo, torna a música favorável para ser ouvida repetidamente. No entanto, as palavras não são impactantes ao ponto de a canção ficar gravada em sua mente, mesmo após ouvir em looping. De qualquer forma, a experiência como produtora fica evidente: o arranjo instrumental e a harmonização de Terapia são impecáveis, assim como a participação vocal de Tiê, que contrasta muito bem com o timbre de Luna França. Devemos manter os olhos bem abertos, porque uma possível voz marcante está chegando na música brasileira. – Carol Dalla Vecchia

Conan Gray – Overdrive

Quase um ano após o lançamento do seu debut, Kid Krow, Conan Gray surpreende seus fãs com seu novo single, Overdrive. Completamente diferente do seu último hit, Heather, a faixa conta com uma letra contagiante e viciante sobre aproveitar a noite. Enquanto em sua era anterior Conan parecia estar constantemente lutando contra problemas e amores do passado, em Overdrive o cantor pareceu deixar de lado todas as suas preocupações. 

O ritmo da música segue o mesmo estilo animado de Maniac e Wish You Were Sober, com uma produção que, como as outras faixas, vai agitar quem estiver ouvindo. É aquele pop perfeito para quem gosta de cantar no carro, no volume máximo. O artista ainda não deu nenhum indício de que Overdrive seja o single de algum álbum ou projeto futuro, mas, se for, o fandom já aguarda ansiosamente. 

Em live, Conan comentou que a inspiração na hora de escrever foi apenas tentar criar uma forma de escapismo para o momento complicado que o mundo se encontra, dessa forma tentando levar felicidade para seus fãs. Com um clipe colorido e divertido assim como a música, o cantor conseguiu alcançar seu objetivo. – Mariana Chagas

Shura – obsession

A britânica Shura lançou seu novo single, obsession, no dia 17 e aproveitou para anunciar uma versão deluxe de seu segundo álbum de estúdio, forevher (2019), prevista para ser lançada em 19 de março. A música, que é um dueto entre Shura e a cantora Rosie Lowe, fará parte da nova versão do disco, que contará ainda com novas demos e versões acústicas.

obsession se encaixa muito bem com o clima e a ambientação de forevher, com versos melódicos sobre devoção e comprometimento que ecoam os sentimentos de outras faixas do álbum: “Você não é legal só por ser legal/E eu gosto disso em você/Eu me sinto sagrada nos seus braços”. A voz de Rosie Lowe também se encaixa muito bem com a de Shura, acompanhada pela guitarrista Anna Calvi, que invoca na faixa o pop jazz característico da cantora. Junte a isso os sintetizadores e um baixo muito bem colocado, e Shura já nos dá motivos para ficarmos (novamente) obcecados. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Papatinho, Seu Jorge e Black Alien – Final de Semana

Sim, Papatinho conseguiu juntar Seu Jorge e Black Alien em mais um feat. Os dois já haviam trabalhado juntos em Meu Bem Querer, de 2018, mas nada que tivesse o encanto de Final de Semana. A música é uma mistura de rap, funk e samba. No dia de seu lançamento, o single ganhou um clipe autêntico e brasileiro.

A voz grave de Seu Jorge é misturada com a rima fluida de Black Alien, e é aí que está o poder. A canção é relaxante, mas também tem um toque de animação, o que a torna tão diferente. “Estou muito feliz de conseguir reunir dois monstros sagrados da música brasileira. O Seu Jorge tem uma das melhores vozes que conheço e o Black Alien é um letrista de primeira. ‘Final de Semana’ tem uma pegada diferente, uma vibe calma, mas também dançante, sabe?”, disse o beatmaker carioca.

Além da mistura dos ritmos, o produtor adicionou instrumentos clássicos nesse trabalho, o que deu ainda mais genuidade ao som. No final do clipe, é possível ver alguns violinistas, um baixista, pianista e violoncelista finalizando a canção. Papatinho garantiu que o single estará presente em seu primeiro álbum, intitulado Workaholic. Quando Seu Jorge canta “liguei pro Papatinho perguntando se ele tinha uma batida pra mim”, era praticamente impossível que a resposta fosse “não”. – Giovana Guarizo

Cardi B – Up

Coroada como Mulher do Ano pela Billboard, ficou claro que Cardi B dominou 2020. Depois de um ano liderando as paradas, dominando as plataformas de streaming e consolidando sua carreira como rapper, parecia difícil Cardi B conseguir replicar a sagacidade que tornou WAP um dos maiores sucessos de sua carreira. No entanto, ela consegue surpreender novamente com Up, segundo single de seu novo projeto.

Aqui, ela se distancia de uma melodia mais elaborada em busca um beat mais tradicional, e também se afasta da temática sexual de seus últimos singles para colocar seu poder, beleza e rivalidades como tema principal. A música é carregada pelo flow energizante de Cardi, que retrata acontecimentos de forma cômica e com sua presença inigualável (“Era uma vez, cara, eu escutei que eu era feia/Veio de uma vadia que o cara queria transar comigo”). Se o álbum da rapper for meramente parecido com os seus últimos singles, não há dúvida que será um dos maiores sucessos do ano. – Laís David

Noname – Rainforest

Três anos após a estreia badalada de Room 25, a rapper e ativista Noname está preparada para embarcar em um novo ciclo musical com o lançamento do música Rainforest. Ela também confirmou que seu segundo álbum, intitulado Factory Baby, será disponibilizado mais tarde esse ano, ainda sem uma data específica.

Em Rainforest, Noname continua exibindo seu talento para letras íntimas e radicais e batidas precisas e pesadas. Cada verso do single é lido com uma intensidade e uma vazão de significado que ajudam a estabelece-la como uma das melhores liricistas da atualidade, como se o seu trabalho em Room 25 não fosse prova suficiente dessas habilidades.

É um rap triste, sobre o sofrimento das comunidades periféricas, racismo e capitalismo. Ela invoca revolução com um cansaço característico daqueles que passaram a vida lutando, mas com a certeza dos que deram a vida pela causa, e é isso que torna sua música tão memorável. Rainforest se encaixa como uma luva na discografia de Noname, ecoando o seu ativismo e sua visão anticapitalista em versos sagazes e muito bem produzidos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Allie X – GLAM!

GLAM! foi um presente para os fãs. A faixa, gravada em 2013 e vazada na internet em 2015, finalmente foi lançada oficialmente em 4 de fevereiro de 2021 para comemorar o relançamento do vinil do CollXtion I, o EP debut da canadense. Assim como muitas outras unreleaseds de Allie que nunca viram a luz do dia (oficialmente), GLAM! é sinônimo da excelência da cantora como compositora e produtora.

A faixa é do jeitinho X de ser: synthpop, chiclete e extremamente contagiante. O que mais será que Allie tem escondido no seu HD que ainda não ouvimos? Fica o mistério… Mas das que já conhecemos, vamos orar para que Alexandra disponibilize Oh Chad e Tongue Tied também de forma oficial nas lojas virtuais e streamings. – Jho Brunhara

Thiaguinho e Luísa Sonza – Cansar Você

Que o Thiaguinho é do pagode o Brasil já sabe, mas e a Luisa Sonza? A cantora surpreendeu com o novo single Cansar Você, em parceria com o pagodeiro. E deu mais do que certo. A voz de ambos se conectam e trazem uma sensação gostosa ao ouvir. A primeira vez que a artista pop cantou esse gênero foi com Dilsinho em Não Vai Embora, mas dá para sentir que só dessa vez ela mergulhou de verdade no ritmo brasileiro.

O furacão Luísa Sonza já deixou claro que veio pra ficar e que gosta de desafios. Ela caiu em um ritmo completamente diferente em sua carreira e os resultados foram bons. O excepcional veterano Thiaguinho soube conduzir a cantora ao ritmo, o que resultou em uma junção musical um tanto quanto adorável. Para fazer jus à música, o clipe foi gravado com cenas da paisagem da Barra de Guaratiba, no Rio de Janeiro. Um audiovisual solar e simples, mas que dá todo o toque que a faixa precisa. 

É uma honra para qualquer artista poder cantar pagode ao lado de Thiaguinho e a dona do hit Braba soube aproveitar essa oportunidade. A voz dos dois cumpre o que promete e a música não cansa você, muito pelo contrário, foi feita para dar replay várias vezes. – Giovana Guarizo

MARINA, Pabllo Vittar e Empress Of – Man’s World (Remix)

Os últimos anos da carreira de MARINA foram questionáveis. De um suprassumo pop como o Froot até o decepcionante Love + Fear, as expectativas do público com o quinto disco da galesa não eram tão altas. Quando MARINA lançou a primeira versão de Man’s World, a sonoridade não era nada além do que esperado de seus trabalhos anteriores. Uma letra reflexiva, feminista e uma produção comum não impressionam um ouvinte fora do nicho musical de MARINA, já que é tudo que ela entrega desde o início de sua carreira.

No entanto, o remix da estadunidense Empress Of deixou Man’s World mais interessante. A música também prova o grande alcance de Pabllo como artista. Sua adição é muito bem vinda na canção e prova que a brasileira tem muito a oferecer em sua carreira internacional – sua naturalidade ao cantar em inglês e os vocais excepcionais a tornam destaque na canção. Longe de tentar demais, a música se transforma em um ótimo eletropop e eleva as expectativas do novo projeto de MARINA. – Laís David 

Rebecca Black, Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3 – Friday (Remix)

O ano é 2011, e um novo meme domina a internet: o videoclipe para a música Friday de Rebecca Black. No Tumblr, só se flodam gifs do vídeo; no Twitter só se fala como a música e o clipe são terríveis; no YouTube rapidamente pipocam paródias e o upload original se torna o recordista em dislikes. Black é, sem dúvidas, uma das maiores lendas da internet e dona de um dos mais gigantescos virais que já vimos. Mas é também vítima de uma onda avassaladora de cyberbullying e também assédios na vida real.

Hoje, a recepção negativa de Friday é uma memória distante do que a carreira artística da cantora significa. Desde então, a viciante Foolish nos fez agradecer que Black não abandonou seus sonhos de cantar, e a honesta Self Sabotage mostra que por trás daquela garota de 2011 que só queria lançar uma canção e se divertir com seus amigos sempre existiu uma grande artista.

Finalmente, no aniversário de 10 anos da música original, Friday (Remix) conclui um arco da vida de Rebecca. Produzida por Dylan Brady do duo 100 gecs e com participação de Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3, o remix hyperpop se inspira na intensidade eletrônica do selo e conta com vocais distorcidos, sintetizadores estridentes e novos versos. Com projetos do gênero propositalmente criados para soarem como um exagero da fórmula pop, hoje podemos dizer que Friday apenas estava muito a frente de seu tempo. Quem diria que Rebecca Black inventou a PC Music? – Jho Brunhara

HAIM e Taylor Swift – Gasoline 

O Women In Music Pt. III não precisava de remix nenhum. Mas, já que as HAIM tomaram a decisão de expandir o conceito do disco, que bom que o trio soube muito bem quem chamar para as colaborações e como as novas versões funcionariam. Depois de sussurrarem ao fundo de no body, no crime em dezembro, Este, Alana e Danielle convocaram Taylor Swift para cantar Gasoline. Sem a adição de novos versos ou batidas, a canção ganhou a vivacidade e o espírito resiliente da loirinha. 

Swift, intitulada a quarta irmã HAIM, entra na faixa com o timbre diferente do comum e surpreende pela versatilidade de se adaptar tão facilmente no ambiente de rock melódico da banda. Fora a parceria com Taylor, o grupo ainda regravou 3am ao lado de Thundercat. A repaginação da booty call é singela, mas a original ainda grita mais alto. O Women In Music Pt. III ganhou uma Expanded Edition com os dois novos registros, o que só serve para bagunçar as bibliotecas do Last.fm mas, quando o debate é sobre material novo das HAIM, a resposta sempre será positiva. – Vitor Evangelista

FINNEAS – American Cliché

Os irmãos O’Connell não têm tempo para descanso. Enquanto Billie Eilish lança seu primeiro documentário e trabalha no segundo álbum de estúdio, seu irmão FINNEAS também prepara o terreno para o seu próximo disco. Com o seu EP Blood Harmony lançado em 2019, e a versão Deluxe em 2020, o cantor já vem revelando novas faixas há alguns meses, como Can’t Wait To Be Dead e Where The Poison Is. 

A bola da vez é intitulada American Cliché, que teve o lançamento acompanhado por um lyric video. Com toques de jazz vibrantes, FINNEAS parece estar apostando em novos estilos, e que destoam cada vez mais do trabalho com sua irmã caçula (e que bom!). A própria capa do single remete à estética de cassinos e clubes noturnos, mas sem perder a vibe romântica e cada vez mais galanteadora do cantor. Enquanto o novo disco não chega, resta aguardar pelo videoclipe conceitual que pode resultar dessa grande fusão de elementos. – Vitória Silva

Ludmilla, Major Lazer, ÀTTØØXXÁ e Suku Ward – Pra Te Machucar

Ela não para! 2021 tem apenas três meses e nesse curto tempo Ludmilla deixou a sua marca com o álbum Numanice (Ao Vivo), que já é um clássico do pagode e uma grande conquista para sua carreira, e o hit Deixa de Onda, parceria com o DJ Dennis e o rapper Xamã. Mas a estrela do funk mostrou que vai trabalhar duro e nos presentear com ótimos lançamentos durante todo o ano. A canetada desta vez é Pra Te Machucar, produzida pelo trio Major Lazer e com a participação do grupo baiano ÀTTOOXXÁ e do artista jamaicano Suku Ward.

Lançado em 19 de fevereiro, o clipe super produzido e gravado em Itu – interior de São Paulo – traz a história de uma cantora negra sequestrada por empresários e substituída por uma artista branca em uma apresentação. Nossa heroína e xerife Ludmilla vai atrás dos vilões e liberta a mocinha que chega a tempo no show desmascarando a impostora e nocauteando os aproveitadores. Tudo isso numa estética faroeste com direito a muitos tiros e é claro, a coreografia da Lud esbanjando seu ponto forte que é a sensualidade.

A obra foi dirigida por Felipe Sassi, que já trabalhou anteriormente com Ludmilla no clipe Rainha da Favela que fez bastante sucesso no ano passado. Não contente em colecionar músicas na boca do povo, a funkeira agora quer construir uma videografia caprichosa, e está conseguindo. Pra Te Machucar acaba de se juntar no altar dos clipes viciantes ao lado de Verdinha, Rainha da Favela e Cobra Venenosa – que, apesar da qualidade questionável da música, no mudo o vídeo é bem feita, vai. – Giovanne Ramos

Nick Jonas – Spaceman

O irmão Jonas de carinha angelical e dono do coração de muitos adolescentes da época boa da Disney não existe mais. Ele foi substituído por um galã charmoso, digno de interpretar Alex em Jumanji: Bem-Vindo à Selva. Nick Jonas ainda mantém o talento inestimável que os fãs encontraram em A Little Bit Longer, umas das suas primeiras composições. Porém, o amadurecimento musical é nítido quando comparamos a carreira atual com os primórdios solo. 

Seu mais recente projeto, Spaceman, é um single futurista com uma letra cheia de referências para o período atual. O cantor define seu sentimento em relação à pandemia do coronavírus como se estivesse no espaço, vivendo conforme um astronauta. A angústia e a insegurança de estarmos confinados em casa é muito clara. Talvez, a  irresponsabilidade do ex-presidente dos Estados Unidos foi a cartada final para que o cantor desse uma pequena indireta e extravasasse toda sua emoção em música, especialmente nos versos “E eu estou falando com você/Mas nunca parece que chega até aí” e “Dizem que é só uma fase, que vai mudar se nós votarmos”.

A batida estilo ficção científica, que é até mesmo robótica, acompanha um ritmo mais rápido da voz de Nick, o qual se opõe totalmente a Jealous, seu primeiro grande sucesso na carreira solo. Sua genialidade e destreza em se multifacetar em harmonias diferentes é um grande sinal de que uma nova era está a todo vapor para nos apresentar o que seu personagem Nate cantou uma vez: “Vou tentar fazer o meu melhor para impressionar/Mas é mais fácil deixar você dar um palpite para o resto”. – Júlia Paes de Arruda

Gilberto Gil, Bem Gil e Gilsons –  Refloresta

Durante a carreira, Gilberto Gil fez uma harmoniosa trilogia de álbuns que receberam o nome iniciado em “R”, são eles: Refazenda, Refavela e Realce. A família Gil é clara evidência de que o fruto não cai longe do pé. Iniciados na música com o tropicalista, os filhos e netos esbanjam talento por onde passam. E agora, o filho Bem Gil e o trio Gilsons (composto por dois netos e um filho) se juntam ao patriarca para gravar Refloresta. A belíssima canção foi produzida para uma campanha do Instituto Terra.

A música, que tem por intenção incentivar o reflorestamento, não poderia ter sido cantada por uma voz mais acalentadora do que a de Gilberto Gil. A guitarra do produtor Bem se mistura a guitarra Francisco Gil, ao baixo e cavaquinho de João Gil e à bateria e percussão de José Gil, compondo assim um verdadeiro hino conscientizador. O trabalho conta também com um sagaz clipe, onde florestas nascem na cabeça dos músicos. Ainda houve uma campanha no TikTok (entre os dias 22 e 28 de fevereiro) nomeada: #ReflorestaComGil. A cada vídeo criado com a música no aplicativo, a plataforma vai plantar uma árvore no Instituto Terra. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Bad Bunny e ROSALÍA – LA NOCHE DE ANOCHE

O encontro do reizinho do reggaeton com a princesa do pop espanhol e do new flamenco é algo a ser admirado, e se LA NOCHE DE ANOCHE já foi algo que agradou os nossos ouvidos ao ser lançada em novembro de 2020, seu vídeo clipe materializa no visual a química entre ROSALÍA e Bad Bunny. Nomes em vertiginosa ascensão nos últimos anos, a dupla colaborou numa canção apaixonada que abaixa a guarda das personalidade marcadas que ambos os artistas carregam em seus trabalhos, sendo uma das faixas mais suaves do repertório de EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO, álbum mais recente de Bad Bunny que abriga a canção. 

No vídeo, a direção de arte de Liam Moore se esbalda de referências surrealistas e paisagens oníricas, criando ambiente perfeito para o romantismo de ROSALÍA e o timbre açucarado de Bad Bunny ecoarem. E assim como a sensualidade da letra surge sem rodeios, a predominância dos tons pastéis vez ou outra são atravessados por texturas aveludadas e um vermelho flamejante. O conjunto da obra é uma melação com toda a licença poética e a dupla – literalmente – pega fogo num romance dos bons. – Raquel Dutra

Daft Punk – Epilogue

Tão silencioso quanto tudo o que permeou sua existência virtual – com exceção ‘apenas’ de sua música -, Daft Punk chegou ao fim. Sem grandes despedidas e com poucas informações, o duo composto por Guy-Manuel de Homem-Cristo e Thomas Bangalter anunciou o encerramento de suas atividades em conjunto através de um vídeo disponibilizado no YouTube no dia 22 de fevereiro. Em cenas recortadas de um outro filme que a dupla fez em 2006, Epilogue coloca os fãs do duo para assistir novamente um dos membros implodindo em mil pedacinhos e se desfazendo em poeira depois de seguir um caminho diferente do de seu parceiro, transmitindo um recado que não poderia ser mais claro ao sinalizar os caminhos diferentes que a vida e a arte tomam num intervalo de quase 30 anos.

Profetas de um futuro virtual, os donos do hit Harder Better Faster fundamentaram sua música em pontuações irônicas sobre a decadência de uma sociedade cujas relações são cada vez mais superficiais. Depois de deixar a banda Darlin’, desistindo do indie rock em 1993 para cair nos braços da música eletrônica, Daft Punk construiu um lar na house music e no techno, sem nunca deixar de reverenciar clássicos do pop e do rock. Quando o mundo inteiro caiu na sua influência, o duo surpreendeu ao assinar uma música mais ‘natural’ em seu último disco, Random Access Memories.

Em hiato há oito anos, a expectativa que pairava sobre o nome Daft Punk era o nascimento de uma nova era, novos trabalhos e perspectivas para o duo, mas tudo isso se transformou na confirmação do fim. Influenciando as tendências da música massivamente em gêneros muito além do nicho eletrônico, o legado que a dupla deixa depois de 28 anos de atividade é presente, concreto e quase-humano, já que a música é um dos elementos mais vivos que existe, especialmente a que um dia surgiu de artistas que construíram uma carreira tão dinâmica quanto Daft Punk. – Raquel Dutra

Performances

The Weeknd no Super Bowl LV Halftime Show

Realizar o show do intervalo de um dos momentos mais importantes dos EUA representa uma enorme consolidação na carreira de um artista. O gramado já recebeu nomes como Michael Jackson, Rolling Stones, Beyoncé e, ano passado, Shakira e Jennifer Lopez se apresentaram para o público mundial na final do maior evento esportivo televisionado. Em 2021, foi a vez do nome do momento ganhar os holofotes em um espetáculo de arrepiar – The Weeknd, em um terno vermelho brilhante, cantou seus sucessos marcantes em uma megaperformance repleta de fogos de artifício e dançarinos sincronizados, e que custou 7 milhões de dólares ao canadense.

O Raymond James Stadium estremeceu com o cenário de espelhos e letreiros neon que abrigavam um batalhão de talentosos músicos no coral da abertura. Starboy iniciou o espetáculo, seguido intimamente de The Hills. A apresentação não demorou para incluir réplicas enfaixadas com terninhos vermelhos (mas não brilhantes) ao som de Can’t Feel My Face para transitar em direção a I Feel It Coming. À essa altura, não havia mais uma garganta em plena funcionalidade no estádio da final entre Kansas City Chiefs e o Tampa Bay Buccaneers, principalmente quando Abel entoou Save Your Tears, uma das estrelas da era After Hours. 

Foi Earned It que preparou o terreno para o maior hit de 2020: Blinding Lights finalizou o evento de forma magnífica, com The Weeknd no centro do gramado dançando, correndo e desfilando. Foi épico, espetacular. Com muito charme, carisma, e, acima de tudo, talento, Abel Tesfaye e sua voz magnífica protagonizaram um intervalo com mais cara de atração principal do que secundária. Não há ninguém maior que The Weeknd, e isso foi deixado bem claro na noite do último dia 7 de fevereiro. – Caroline Campos

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