Rafael Gomes

Ao estrear em 23 de Junho de 1989, Batman surpreendeu ao apresentar uma história de super-herói sombria, diferente do que estava na mente do grande público após o filme Superman (1978) se tornar um marco cultural na época, com um marketing que se tornou modelo para a indústria cinematográfica. Por meio de estratégias como parcerias de merchandising, produtos licenciados e eventos especiais, o filme garantiu que ele estivesse em todos os aspectos da cultura pop – tornando a ‘batmania’ real. Dessa forma, o longa  foi um sucesso e, posteriormente, sendo vendido pelo estúdio como o filme da década para o home video.   

Após seu sucesso comercial, a franquia teve sua continuação em Batman: O Retorno (1992). Tim Burton teve carta branca do estúdio e pode fazer um Batman mais sombrio e torturado, tornando a sequência um filme mais coeso e impactante. A produção não foi tão rentável, fazendo com que Burton fosse substituído por Joel Schumacher nas duas próximas continuações, Batman Eternamente (1995) e Batman e Robin (1997). O novo diretor fez a franquia obter uma visão mais lucrativa com foco infantil, destruindo a essência do personagem, além da estratégia não ter sido bem sucedida. O herói só foi se recuperar da imagem negativa deixada pelos dois últimos filmes com a franquia Cavaleiro das Trevas (2005-2012), dirigida por Christopher Nolan.

Ao assistirmos Batman (1989), 35 anos depois de seu lançamento, após diversos diretores e estúdios conseguirem sucesso no gênero de heróis, encontramos um protótipo que acerta e erra na mesma proporção. O longa funciona como uma forma de introdução ao mundo realista do Batman, porém, peca com o personagem principal (Michael Keaton) e com seu arqui-inimigo Coringa (Jack Nicholson), para se ajustar aos clichês da época. Há uma desconexão entre a essência solitária do herói e a necessidade que o filme apresenta em envolvê-lo em um romance. Outra incongruência é em relação à natureza caótica e misteriosa do Palhaço do Crime, com a necessidade de alterar sua história para obter uma identidade e uma origem definida.

Ao invés da narrativa ser guiada pelo ponto de vista de Bruce Wayne, o filme utiliza os repórteres Vicky Vale (Kim Basinger) e Alexander Knox (Robert Wuhl) como fios condutores, levando, aos poucos, o espectador ao encontro do Homem-Morcego e a sua origem. Em paralelo, temos a introdução de Jack Napier, um gângster que se torna o Coringa ao se deparar com o Batman, sendo movido pela necessidade de se vingar. 

Alguns dos pontos fracos do filme estão em um Bruce Wayne silencioso e torturado se apaixonar por Vicky logo no primeiro ato, e começar a atuar mais como um segurança dela do que como um protetor de Gotham – foi um caminho que o roteiro deu para justificar a atenção dada para ela desde o início da produção. Já o Palhaço do Crime, que deveria ser o agente do caos, acaba sendo um mafioso espalhafatoso, fazendo uma mescla entre o Coringa dos quadrinhos, com pitadas de humor remetentes à série de 1966.

A decisão mais polêmica do filme é revelar que o autor da morte dos pais de Bruce Wayne foi Jack Napier. Por isso, o Coringa se torna uma espécie de criador do herói e Batman passa a ser movido por vingança: chegando a afirmar que irá matar o vilão. O grande problema dessa abordagem é não ser uma chegada de limite forçada pelo Coringa, através dos absurdos que cometeu com a população da cidade, mas por sua tragédia pessoal, tirando a essência do herói de lutar contra um inimigo sem fim – o crime – e do altruísmo presente em todos os super-heróis. 

A repórter Vicky Vale ganha um grande destaque na trama, mas seu desenvolvimento não a acompanha. Mesmo sendo uma fotógrafa bem sucedida e o amor à primeira vista de Bruce Wayne, a trama a coloca apenas como a donzela em perigo, usada para cruzar o caminho dos dois antagonistas. Sua história de romance com Wayne é completamente apressada e é também sem sentido: sua insistência em ficar com Bruce mesmo com todos os indicativos de não ser uma boa ideia. Isso se confirma quando a jornalista aparece na Batcaverna sem nenhuma razão, mostrando como a produção desistiu de dar alguma lógica para a relação dos dois. 

Apesar desses problemas que ficam mais evidenciados a partir dos anos, Batman se sustenta por conta do talento de toda a produção. O filme constrói uma Gotham completamente única, com diversas edificações góticas, carros da década de 1970 e figurino de 1940: essa mistura de elementos torna a cidade um personagem à parte na trama. Além disso, a trilha sonora de Danny Elfman é espetacular, e dá um toque especial ao longa, também  se tornando o tema musical de diversas outras produções do Homem-Morcego, como a série animada de 1992 e os jogos da franquia Lego Batman. Além disso, Batman ainda conta com uma canção feita por Prince, Partyman, que foi um sucesso e dá um toque especial para a película. 

A atuação de Michael Keaton é excelente. Com a voz sussurrada, interessado em agir e com poucas palavras, o ator fez a melhor representação do personagem até a interpretação de Christian Bale na trilogia Cavaleiro das Trevas. Bruce Wayne é bem retratado em tela, como um homem aparentemente tranquilo, mas que tem o peso do mundo nas costas. O grande destaque fica com Jack Nicholson: toda cena em que o Coringa aparece é espetacular. Mesmo não sendo o típico ‘Joker’ dos quadrinhos, Nicholson entrega um excelente vilão. 

Após 35 anos da chegada do filme aos cinemas, tivemos mais nove produções do personagem nesse período, assim, é inegável a influência do longa para o que conhecemos do Batman hoje e para o tom dos que vieram posteriormente a esse primeiro. Batman foi o responsável por abrir caminho para que os filmes de super-heróis fossem explorados de formas diferentes das habituais, tomando novas formas.  Ainda que tenha pontos fortes e fracos expostos pela sua idade, é algo que sempre terá espaço com os fãs de história em quadrinhos, porém, a cada ano que passa, vai ficando mais datado e se distanciando de ser chamado de ‘um bom filme’. 

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Davi Marcelgo 

Franquias em Hollywood não faltam, tem para todo tipo e gosto. Mas o que acontece quando elas, ou até mesmo um gênero, se tornam um pesadelo? Quando em 1984, o primeiríssimo A Hora do Pesadelo estreou, mal sabia Wes Craven que, dez anos mais tarde teria, que desconstruir sua maior criação: Freddy Krueger. O Novo Pesadelo – O Retorno de Freddy Krueger (1994) completa 30 anos em 2024 com muita coisa a ensinar ao Cinema, principalmente ao de super-heróis. 

Além do primeiro e último filme (até 1994), a saga teve outras cinco sequências, todas com outros diretores, algumas com outros protagonistas e uma que até ignora o original. Chegou um momento em que o título original, A Nightmare On Elm Street (algo como O Pesadelo da Rua Elm, em tradução livre) perdeu sentido: a rua nem era mais a protagonista. O local onde os jovens de 1984 viviam é de suma importância para narrativa; a residência que deveria ser lar de proteção é inseguro, namorados e amigos moram em frente, as relações entre os personagens e o público são dependentes da geografia. 

Os personagens deixaram de ser filhos dos responsáveis pela morte de Krueger (Robert Englund) e, cada vez mais, os longas entravam em uma espiral de novos conceitos mirabolantes e cenas de ação (não mais Terror) cada vez mais absurdas, tudo para, de alguma forma, manter-se relevante e cativante ao público. Diferente de outros assassinos slasher, subgênero que sofreu com um tremendo desgaste nas décadas de  1980 e 1990, os filmes do ‘bicho-papão’ não são de todo mal. O quarto filme possui uma atmosfera teen maravilhosa, que combina bem com o fim dos sonhos – afinal, quem mais aspira do que adolescentes? –, e, com todo teor gay, o segundo, apesar das polêmicas, é excelente. Ainda com acertos, os pesadelos ficaram piores e desconectados do que um dia foi a rua Elm.

Depois de tanta profanação, como fazer do pesadelo um sonho? Wes Craven achou a saída na metalinguagem. Transformou A Hora do Pesadelo em um mero filme dentro de outro filme, e a protagonista Nancy (Heather Langenkamp), na verdade, é Heather, uma atriz de Hollywood. Na trama, ela convive com intensos terremotos e ligações ameaçadoras, a situação se agrava quando seu filho começa a ter crises de sonambulismo. 

Ao longo das sequências, Krueger virou um ícone da cultura pop, e passou de vilão para um personagem ácido e carismático. Quando Wes Craven deu à luz ao ícone, ele havia atribuído tais características, porém, ainda parecia apavorante. A partir do terceiro filme não mais tememos os pesadelos, mas ansiamos para vê-los. Então, o diretor e roteirista decide repaginá-lo.

Em O Novo Pesadelo, ele perde a ‘malemolência’, agora, é malvado em sua totalidade, como um fenômeno da natureza, definido por nascença. Além de mudar a aparência, Craven aposta em uma direção que esconde o personagem. As aparições, em primeiro momento, se garantem em garras saindo do lençol e sentimos a presença de Krueger através de sonhos e elementos familiares, como a cena em que a criança tem facas de cozinha encaixada nos dedos. Quando ele finalmente aparece, é filmado com muita imponência. Ali, o ícone ressuscitava.

A estratégia de descrever uma obra por si mesmo foi utilizada, mais uma vez pelo diretor, dois anos mais tarde, no célebre Pânico (1996), que também crítica o desgaste do gênero. No entanto, não é ‘só’ isso que é motivo de êxtase no último filme da rua Elm dirigido por Wes Craven. Branca de Neve, Chapeuzinho Vermelho, todos contos de fada que você já leu, ouviu, assistiu e sabe se lá mais o que fizeram com eles, também se tornaram banais, fato é que perderam até o tom macabro pós-adaptação da Disney. O cineasta, então, permite fazer de Freddy Krueger como um conto, capturado por ele e usado tantas vezes que perdeu o sentido e o medo. Só quem poderia sentir medo seria uma criança, que nunca tivera antes contato com esse personagem. Nessa hora, Dylan (Miko Hughes), filho de Heather, entra na história. 

O papel inverte, Heather agora é a mãe que precisa proteger, não mais ser protegida. Nessa tarefa, a nota dela é dez. No que pode ser considerado como um dos grandes momentos do filme, ela confronta médicos que a julgam de louca, mas é ela quem entra no mundo dos pesadelos para salvar seu filho. Em uma bela alusão ao conto João e Maria, dos irmãos Grimm, que é lido por ela antes de pôr o menino para dormir, eles conseguem, juntos, enfiar Krueger no forno. 

Wes Craven entende que, para novamente provocar medo, é preciso voltar às origens, no que provocava medo no passado e o que faz o público fazer xixi nas calças: a relação de mãe e filho parece uma boa pedida. Uma mãe que luta e acredita em seu filho. Nada adianta sonhos megalomaníacos se a conexão de espectador com personagens seja escassa, inclusive, todas as sequências oníricas do filme nem passam perto da loucura dos filmes anteriores. São  mais sutis e simples. 

Tal movimento sobre o gênero se repete agora com o de super-herói. O número de produções ao ano aumentou desde o pré-histórico X-Men (2000), assim, o público caminha para uma certa saturação – ainda que alguns filmes alcancem uma bilheteria grande – e as histórias ficam cada vez mais maximalistas. Porém, com a repetição formulaica e visando somente lucro, a potência desses atos ficaram vazios. Um raio azul em Nova York é só um raio azul; um primeiro voo é só um voo; vestir o traje é vestir pijama. Assim como o slasher perdeu o poder de apavorar, os heróis não encantam. 

Deadpool (2016) fez uma espécie de crítica aos arquétipos e clichês dos filmes, mas nada tão a fundo quanto Deadpool & Wolverine (2024) fez ao esbanjar da metalinguagem e auto referências de estúdios. O fato é que Shawn Levy, o diretor, não é Wes Craven. A função linguística é usada por mero fanservice, não para discutir como está o gênero e para onde ele vai. Os poucos filmes que deram certo na leva pós Vingadores: Ultimato (2019) foram justamente os que tinham um certo coração, de personagens com vínculos entre si e com público, como Guardiões da Galáxia Vol.3 (2023). 

Coincidentemente, James Gunn, diretor da trilogia cósmica da Marvel, está no comando de Superman (2025) e, talvez, este filme seja a resposta para o desgaste de gênero de super-herói. Retornando às origens, ao Superman: The Movie (1978) de Christopher Reeve, a inocente cueca por baixo da calça, aos pets, às histórias sinceras e não cínicas ou pessimistas. Por ironia do destino, Pânico já está cambaleando e sofrendo dos mesmos efeitos que um dia Hora do Pesadelo sofreu.

A metalinguagem não é mais novidade e a graça de adivinhar quem é o ghostface já virou conto de natal. Guilherme Leal, redator do Persona – olha aqui a metalinguagem –em sua crítica sobre Pânico 6 (2023), diz que “seria bom dar um descanso a sua imagem e deixá-lo se aposentar como um personagem icônico em vez de torná-lo maçante e superficial”. Era esse o sentimento na década de 1990, antes de O Novo Pesadelo. Infelizmente, Wes Craven não está mais entre nós para tirar sarro de sua própria criação e movimento, porque ele sim iria garantir ao seu público fiel, a pior noite de sono de suas vidas. 

É como se o gênero tivesse nascido com ele. Afinal, desconstruir sua maior criação, deixá-lo de cara limpa e, ainda assim, manter a curiosidade, o suspense e a tensão na trama, ao mesmo tempo que critica a indústria – sobre fenômenos que acontecem ainda hoje – enquanto equilibra todos esses elementos em um filme que não deixa a ‘peteca’ cair, não é para qualquer um. 

O cineasta intensifica os tormentos porque entende o Terror, o buscando nas origens e nas primeiras histórias que apavoram crianças. Acima de tudo, tal como uma criança chama de madrugada pela mãe, Wes Craven sabe que apenas quem nos ama pode nos tirar do pior pesadelo. Hollywood precisa olhar para as origens e traçar novos caminhos, aprender com Wes Craven, que sempre amou o Terror e foi um dos responsáveis pela solidificação do gênero nos EUA. Chegou a hora de chamar o pai.

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Davi Marcelgo

Em 2019, enquanto o mundo se encantava com Vingadores: Ultimato durante o verão americano, em Janeiro daquele mesmo ano, Vidro de M. Night Shyamalan chegava aos cinemas, porém com a recepção bem menos calorosa em comparação ao apogeu do MCU. Sem pirotecnia ou confrontos de seres megalomaníacos, a terceira parte da trilogia encabeçada pelo ‘novo Spielberg’ se manteve no cerne da filosofia de super-heróis e regressou às origens das histórias infantis. Distraídos pela viagem no tempo de Capitão América e equipe, o público não soube ‘dar muita corda’ ao filme, mas por quê?  

Ora, Ultimato era o assunto mais comentado e o Universo Cinematográfico Marvel já tinha seu alicerce. A resposta que parece fácil, não é. Os filmes da ‘Casa das Ideias’ foram, sim, o principal fator para o ofuscamento de outras produções de heróis na época, principalmente o da conclusão de uma história que não era uma adaptação iniciada em 2000 e esquecida nas prateleiras pelos amantes da nona Arte. Shazam! também foi afetado, estreou junto de Vingadores e não alcançou nem 400 milhões de dólares em bilheteria contra mais de dois bilhões de Ultimato. Entretanto, há outra ‘pedra no sapato’: os motivos para Vidro não ter agradado aos paladares de, até mesmo, os aficionados pelo subgênero de super-heróis. Essa resposta é um pouco mais complexa e envolve muitos nomes. 

Junto de Corpo Fechado, os X-Men ganharam seu primeiro filme também no início do século, diferente do longa protagonizado por Bruce Willis, o diretor Bryan Singer renunciou as cores salteadas e o espírito infantil dos quadrinhos dos mutantes. Ao invés do colã colorido, optou pelo couro preto a lá Matrix (1999). Não só ele como Demolidor – O Homem sem Medo (2003) beberam muito das ideias das irmãs Wachowski. O maior nome que nadou contra a tendência ‘emo vestindo preto’ foi a trilogia do ‘Teioso’ de Sam Raimi que, curiosamente, ironizou a moda em Homem-Aranha 3. Tudo bem, eram outros tempos, o público desse tipo de filme ainda não tinha se consolidado e, para retorno financeiro, apostar em abordagens semelhantes do contexto Hollywoodiano era o caminho seguro.

Christopher Nolan e Zack Snyder também têm certa culpa na escalada do Cinema de heróis se afastar cada vez mais da sua origem colorida e infantil. O vencedor do Oscar com sua trilogia do Cavaleiro das Trevas (2005-2012) preferiu ser um thriller policial, deu um uniforme tático ao ‘Morcegão’ e jogou fora qualquer aspecto circense do Coringa. Snyder, que já tinha dirigido o ‘sombrio’ Watchmen (2009), fez de tudo para ser um diferencial no mercado e, em oposição à Marvel, dirigiu O Homem de Aço (2013) e Batman vs Superman: A Origem da Justiça (2016). O ex-publicitário, para não soar juvenil, emendou filosofia, religião e frases densas para soar sério, o tiro saiu pela culatra e acabou sendo púbere ao não conseguir lidar com tantas questões. O subgênero, tanto no cinema quanto fora dele, ficou mais sisudo: de gibi, passou-se a chamar rebuscadamente de graphic novel.

Não há problema algum em querer ser sério, ter uma abordagem mais ‘adulta’ e se afastar da estética quadrinho (até a própria indústria das comics fez isso com Frank Miller e Alan Moore quando escreveram Demolidor e Watchmen, respectivamente, na década de 1980). A Marvel nos cinemas, por mais que se aproximasse de uma abordagem mais espalhafatosa, cheia de ‘piadinhas’, segurava (e muito) o freio. Tudo era programado, uniformes comedidos e pouco criativos visualmente, diga-se de passagem, o clímax de Vingadores: Ultimato, que seguiu na paleta acinzentada dos irmãos Russo, poderia ter ‘despirocado’ e ser uma explosão de cores.

No começo da ‘empreitada’, até houve uma certa vontade de algo antiquado por parte de Joss Whedon em Vingadores (2012), porém nada que fosse a caricatura de uma história infantil. Em suas 20 e tantas histórias, a Marvel se preocupou com a saga e não com uma linguagem ‘quadrinesca’. Seria exagero dizer que o filme de Shyamalan foi uma borboleta colorida da ficção pré-MCU, até porque o uniforme de David Dunn é uma capa de chuva verde-escura. Contudo, seria petulância dizer que não transborda a alma de gibi em seus 106 minutos de duração. O ponto é que Unbreakable (no original), Fragmentado (2016) e Vidro (2019) não são filmes de heróis de histórias em quadrinhos, mas sobre elas. 

Durante muito tempo, os quadrinhos da Marvel e DC Comics foram destinados ao público infantil com tramas sem muita elaboração, dotados de ‘verborragia’ incessante, mesmo assim esbanjava criatividade para fazer crianças desejarem vestir capa e máscara. O roteiro escrito por M. Night Shyamalan está longe de ser desprovido de requinte, ele aproveita os detalhes inerentes às décadas de 1960 e 1980 nas HQs e faz um pastiche coerente com a proposta. 

Há três elementos bem definitivos dos quadrinhos que estão presentes na trindade: nome, cores e a infância. O nome do protagonista David Dunn é inspirado em muitos personagens que também possuem nome e sobrenome com a mesma inicial, recurso chamado de aliteração. São eles: Reed Richard, Bruce Banner, Peter Parker, Susan Storm, Stephen Strange, Lois Lane e Matt Murdock, a lista é longa. Stan Lee, co-criador de muitos desses personagens, já revelou em entrevista que o real motivo para isso era só sua fraca memória. Porém, a figura de linguagem também pode ser utilizada para criar ritmo e é utilizada na educação infantil. Para as crianças, memorizar palavras com sons parecidos também é mais fácil. 

As cores de Dunn e Elijah Price (Samuel L. Jackson) são secundárias e se complementam, não no sentido de cores complementares, mas sim na dinâmica das HQs. Muitos vilões têm como cor o verde e o roxo, associadas ao nojo, ganância e veneno, características más. O Homem-Aranha tem uma vasta lista de antagonistas com fantasias dessas tonalidades: Duende Verde, Mysterio, Lagarto, Abutre, Escorpião e Homem-Areia. Claro que, na época, havia uma questão envolvendo as limitações de impressão, bem como se trata de  um detalhe narrativo. Tanto que são cores em oposição às primárias que os heróis usam, como o azul e vermelho.  

São poucos heróis que usam tons de roxos, o maior exemplo é a Ravena dos Jovens Titãs, ela tem relações com um lado sombrio, portanto foge do comum em protagonistas de quadrinhos. Já o verde é mais presente em célebres: Lanterna Verde, Hulk e Arqueiro Verde. Tudo isso está presente em filmes das lendas, porém, mais como uma repetição do material original do que realmente uma escolha pensada para contar o que quer ser contado. Shyamalan busca, em páginas de nanquim, a forma da sua trilogia. David Dunn usa verde e o vilão Sr.Vidro (Samuel L. Jackson) veste roxo, eles estão conectados por lados opostos de uma balança, o indestrutível e o frágil. Então, é cabível que eles utilizem as cores vistas em uniformes.  

Já os personagens interpretados por James McAvoy (Kevin Wendell, suas outras personalidades e a Fera), são contornados pelo amarelo, tanto na calça utilizada por ele quanto nos pôsteres de divulgação de Vidro. Dá para atribuir muitos significados a ela: perigo por representar uma ameaça física a Dunn ou por ser a cor da conscientização à saúde mental e, até mesmo, o amarelo ser complementar ao roxo. Os inimigos aliados vestem cores que rimam. 

Os três personagens usam suas cores até em roupas que não são os seus uniformes. Em grande parte da obra, eles vestem peças do hospital psiquiátrico em que foram presos e os tons correspondem aos protagonistas. Parece uma ideia retirada direto da série de TV dos Power Rangers, lembrando quando Jason usava ‘regatinha’ vermelha em todo canto. 

Se nas ‘revistinhas’ as crianças eram influenciadas pelos personagens, nestes filmes, quem são influenciados por elas e pela infância, ou ausência dela, são os protagonistas. Vidro retoma a ideia perdida de que heróis são para crianças. A motivação do Sr. Vidro é criar um grande confronto no ponto mais alto da cidade para provar que sobrehumanos existem e que as histórias que ele cresceu lendo existem de verdade. David Dunn é motivado e se torna herói pela aproximação com o filho, que, mais velho, passa a ser o ‘nerd da cadeira’ dele. As personalidades de Kevin Wendell aparecem depois da morte do pai e os frequentes abusos da mãe, são elas que o protegem. No caso de Elijah, os personagens de gibi são sua proteção num mundo perigoso para ele, em que uma simples brincadeira é motivo dos seus ossos serem moídos. 

Fragmentado (2016) é um suspense que se disfarça de filme de ‘super-vilão’ em seus últimos minutos, quando a Fera desperta e M. Night Shyamalan o grava de costas, na altura do ombro, como se estivesse filmando o Hulk. Como também nas cenas de demonstração de força que abrem um abismo em comparação à capacidade física das reféns de Kevin Wendell. Porém, o ‘pulo do gato’ está na conexão entre um filme e outro. Só dá para saber que o thriller é uma sequência do longa de 2000 quando David Dunn aparece na última cena. 

Revisitando, nota-se que o diretor faz alguns elos, seja na própria apresentação da força da Fera, que está à altura de Dunn, ou na cena final de Kevin, que aparece conversando em frente a um espelho – a primeira cena de Corpo Fechado, introduzindo Elijah, é filmada através de um reflexo. Enquanto a Marvel enchia de menções e aparições, Shyamalan foi mais sutil. 

A vilã de Vidro, Dra. Ellie Staple (Sarah Paulson) faz parte de uma organização que apaga da existência pessoas com habilidades especiais. Foi isso que muitos idealizadores acabaram por fazer ao longo dos 20 anos de ‘boom’ do subgênero: apagaram as origens do mundo da invenção das crianças, histórias feitas para elas terem alter-egos. 

A trilogia de M. Night Shyamalan é uma reflexão sobre o gênero, a mídia e os arquétipos. Ela se distancia do que estava sendo feito no Cinema de heróis antes, depois e agora. O público ficou acostumado com a estética Nolan-Snyder e com os enlatados do MCU que, no piloto automático, esqueceu de pensar um pouco mais em toda unidade de Vidro. O filme é a conclusão perfeita para uma trilogia e um manifesto apaixonado por gibis. Para aqueles que ainda não viram ou não revisitaram desde 2019, vale abrir de novo a janela, agora com menos alvoroço por joias do infinito, referências e histórias “grandes demais para mentes pequenas”. 

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Nathan Sampaio

Há 10 anos, os filmes de super-heróis eram muito nichados, em um período em que apenas fãs de quadrinhos, crianças e alguns poucos curiosos se interessavam por essas adaptações. Poucos eram os longas que furavam a bolha, como Superman – O Filme (1978), Batman (1989) e Homem-Aranha (2002). Porém, tudo mudou em abril de 2012, pois Os Vingadores (The Avengers) chegava aos cinemas mundiais, representando o que seria o princípio de uma era. 

O projeto surgiu com uma ideia desafiadora e ousada: a Marvel Studios propôs a realização de um longa-metragem para cada herói, para que, no final, pudesse uni-los em um grandioso filme crossover. Essa prática era raramente vista no Cinema e, por isso, era um risco apostar nesta vertente. Felizmente, os realizadores, Avi Arad, Kevin Feige e Jon Favreau, acreditaram no potencial do projeto e o fizeram, após os cinco filmes precursores, Homem de Ferro, O Incrível Hulk, Homem de Ferro 2, Thor e Capitão América: O Primeiro Vingador.

No enredo de Os Vingadores, Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) precisam unir forças para impedir que Loki (Tom Hiddleston), irmão de Thor, invada o planeta Terra e domine a humanidade. Porém, essa não será uma tarefa fácil, já que nenhum deles trabalhou em uma super equipe antes. Além disso, o vilão possui artefatos cósmicos chamados “joias do infinito”, as quais irão dificultar – e muito – a vida dos protagonistas. 

A trama é básica, e, talvez por isso, seja tão efetiva. Afinal, o filme não perde tempo com um enredo complexo e que teria chances de prejudicar o projeto, mas os realizadores apostaram em uma história segura, uma aventura clássica de heróis, o que foi muito bem executado. Mesmo possuindo um roteiro simples, Os Vingadores  é divertido, cativante e empolgante, e isso torna-o encantador.

Os personagens são outro elemento muito forte do longa, ajudando-o a alcançar outro patamar de qualidade. Todos são muito diversos, com características únicas e modos de agir diferentes: a união deles é perfeita, pois todos têm uma função importante na trama e ninguém está nela sem razão. Steve Rogers é o líder nato do grupo, Natasha Romanoff, a espiã que consegue extrair informações do vilão, Bruce Banner e Tony Stark são a inteligência, Thor e Gavião Arqueiro possuem conhecimento do vilão e do seu plano. Logo, percebe-se a importância e a excelente utilização de todos os heróis.

É impossível elogiar os personagens sem comentar de seus intérpretes, já que todos os atores se encaixaram perfeitamente nos papéis, e por isso seus rostos se tornaram tão conhecidos. Chris Evans mostra um personagem bem idealista, mesmo fora de seu tempo. Scarlett Johansson e Jeremy Renner constroem um mistério em volta de seus passados e uma ótima dinâmica entre si, enquanto Chris Hemsworth e Mark Ruffalo representam personas mais sérias, mas que se desconstroem em eventuais piadas. Por fim, Robert Downey Jr. é sarcástico, debochado e desconfiado de toda a situação. 

Quando os atores contracenam, o filme brilha pelos conflitos de ideias, comentários sarcásticos, críticas ao próprio universo e pela dinâmica invejável entre eles. É interessante assistir Os Vingadores e observar o quanto os heróis cresceram ao longo dos anos e as suas relações mudaram, demonstrando, assim, o avanço da gigante história criada pela Marvel.

O vilão também é excelente: Loki é ameaçador, perigoso e tem uma presença muito forte em tela. Porém, ainda assim, ele consegue ser cativante, sendo sarcástico, irônico e muito carismático. Muitos desses méritos vem de seu intérprete, Tom Hiddleston, que se entregou ao papel e o adora fazer, tornando seu personagem um dos mais queridos da franquia. 

É interessante evidenciar que a maioria desses heróis não estavam inseridos no imaginário popular, diferente de Superman e Batman, personagens que já eram parte da cultura pop há décadas. Dos Vingadores fundadores, apenas Hulk era conhecido, devido ao seu seriado para TV nos anos 70 e 80. Isso tornava a tarefa de realizar o longa ainda mais desafiadora – afinal era necessário vender um grupo de heróis totalmente anônimos, algo que eles conseguiram com muito êxito. 

Os méritos de Os Vingadores não residem em sua história, até porque esta é recheada de clichês. Os pontos altos do filme estão na união dos personagens e no visível carisma, que provém tanto dos atores quanto do universo construído. Logo, o que era mais desafiador e arriscado na proposta inicial se tornou o ponto mais forte da produção: a preparação dos personagens e a construção do mundo. Isso porque todos os protagonistas foram muito bem trabalhados em suas respectivas histórias solo, e todos os itens importantes para a trama já estavam estabelecidos, fazendo com que o enredo fosse mais ágil e focado no que importava: a interação e conflito entre eles. 

Os Vingadores também ajudou a moldar uma história que viria a durar mais de 10 anos, sem expectativa de acabar. Muitos dos elementos presentes aqui retornaram na franquia, como a relação conflituosa entre Homem de Ferro e Capitão América, que culminaria em Capitão América: Guerra Civil; a dinâmica entre Thor e Loki, que voltaria a ser explorada em Thor: O Mundo Sombrio e Thor: Ragnarok; e o mais importante de todos: as joias do infinito. Delas, resultaram dois épicos filmes, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, fechando todo um arco iniciado em 2012.

A estrutura de Os Vingadores funcionou tão bem que passou a ser repetida em todos os longas da Marvel Studios, formando, assim, o que se conhece hoje como Marvel Cinematic Universe, o MCU O uso desse universo compartilhado é o que torna o estúdio um dos mais renomados atualmente – afinal, a empresa montou uma história gigantesca, envolvendo centenas de personagens, tudo em um único mundo, complexo e muito vivo. 

Outros estúdios também tentaram aplicar esse mesmo conceito, objetivando o mesmo prestígio e sucesso da Marvel, como o InvocaVerso e o Monsterverse, ambos pertencentes a Warner Brothers. Há ainda o Dark Universe, tentativa da Universal de criar um mundo com diversos monstros da Literatura clássica, o qual fracassou no primeiro longa. Nota-se que Os Vingadores foram os responsáveis por criar essa tendência de universos compartilhados no Cinema, algo que se reflete até hoje em diversos projetos. Porém, o longa-metragem também foi responsável por popularizar os super heróis nas telonas e na cultura pop.

Antes de Os Vingadores, apenas alguns filmes de heróis alcançaram a fama, e, muitas vezes, isso ocorria porque esta já vinha junto com o personagem, por sua popularidade em quadrinhos ou animações. O longa, porém, alçou heróis desconhecidos do grande público ao estrelato, e hoje, 10 anos depois do seu lançamento, todos fazem parte do imaginário popular, podendo ser até mais populares do que os heróis clássicos, como Superman ou Mulher-Maravilha. 

Após o imenso sucesso da obra, diversos estúdios buscaram ter seus próprios heróis. A Warner Brothers criou seu mal estruturado universo compartilhado com os personagens da DC Comics, o Amazon Prime Video investiu na desconhecida HQ The Boys e a Netflix lançou séries como O Legado de Júpiter e The Umbrella Academy, entre outras produções. 

Pode-se dizer que, atualmente, a indústria cinematográfica vive a era dos heróis, na qual a maioria dos filmes lançados nas salas de cinema são voltados a essa temática. O frenesi não se aplica apenas aos estúdios, já que a busca do público também está voltada para essa vertente, tornando assim, as histórias de super-heróis as mais lucrativas nos dias de hoje. Os Vingadores é um filme icônico, seja pela catarse ao ver o crossover entre vários heróis da Marvel Comics ou por sua qualidade invejável e cativante. Todas as qualidades e acertos do longa ainda repercutem, criando tendências na indústria cinematográfica e projetando o MCU para lugares cada vez maiores na indústria do entretenimento. 

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Ana Laura Ferreira

Que a pressa é inimiga da perfeição, todos nós sabemos, mas isso não quer dizer que tempo e qualidade necessariamente caminham juntos, sendo Os Novos Mutantes a prova viva disso. Com quase três anos de atraso para chegar às telas, o longa dirigido por Josh Boone se concretiza como uma amarga volta aos cinemas. Um trailer misterioso e a interminável espera, atrelados ao sedento desejo dos espectadores pela tela grande, foram a receita perfeita para a decepção e para o sentimento de desperdício de bons atores, boas histórias e bons personagens. 

Ficando no meio do fogo cruzado entre a Fox e a Disney, o filme se viu esquecido entre tanta turbulência. Apresentando uma proposta até então inovadora, ele ruma em direção ao terror e ao misticismo, entretanto sua montagem com cortes abruptos desmancham qualquer tentativa de se construir uma tensão no decorrer das cenas. E apesar de ter poucos personagens, um único cenário central e uma linha narrativa simples e direta, isso não facilita seu desenvolvimento que se embola em um grande primeiro ato finalizado às pressas no término de suas míseras uma hora e meia. 

Mas não pense em momento algum que o fato de ter somente seis personagens – e alguns poucos coadjuvantes como o pai da Dani Moonstar – é o culpado pelo desastre que vemos em tela. Quantidade não é tudo. Excelentes filmes já foram feitos na exata mesma estrutura, como o clássico Clube dos Cinco (1985). Cinco alunos, um diretor e um escola, a mesma receita transposta para um universo de horror, porém as melhores partes foram perdidas no meio do caminho. A maior delas: a relação entre os personagens.

Fica extremamente claro que a construção do filme não é seu ponto forte, entretanto não podemos colocar a culpa de sua montagem em Boone. Isso porque, depois de tantos anos, tantas refilmagens e até uma produtora diferente, jamais conseguiremos saber se o que vimos é ou não o filme entregue pelo diretor. Porém, isso não isenta Os Novos Mutantes de pecar quando o assunto é entrosamento. A tentativa forçada de gerar empatia entre os personagens, unida a um cenário de conformismo quase utópico, destoa das personalidades fortes e afrontosas dos heróis. Essa ambiguidade faz apenas com que nos esqueçamos do propósito da narrativa, focando nossa concentração no porquê deles ainda não terem se rebelado.

Se por um lado o roteiro e os diálogos fracos não ajudam a construir essa relação, de outro podemos ver a investida quase dolorosa daqueles bons atores ao tentarem entregar uma trabalho no mínimo aceitável. A brasileira Alice Braga ganha destaque por ser a única figura de autoridade do local, chamando todo o peso do antagonismo para si. Sua atuação contida e na maior parte do tempo calma – pelo menos em frente aos internados – alimenta um toque sádico à Dra. Cecília Reyes.

Entre os jovens, a dificuldade é um pouco mais acentuada. Precisando dividir o peso de uma caricata construção de personagem que não poupa a ninguém, nem mesmo a brilhante Anya Taylor-Joy, de Fragmentado (2016) e O Gambito da Rainha (2020). Sem conseguirem se esquivar desse grande defeito, resta aos atores se apoiarem na diversidade de seus personagens e em suas nuances. Essa, que é uma das maiores qualidades do filme, explora um elenco heterogêneo sem forçar estereótipos, dando a eles a oportunidade de aprofundar as múltiplas facetas de cada um em uma suposta continuação.

A direção de arte do filme é um acerto. O cenário do hospício, com paredes escuras e grossas portas de metal, ajuda a nutrir uma sensação de claustrofobia e imutabilidade, como se aquela fosse sua última parada. Entretanto, a ambientação poderia ter sido ainda melhor se melhor conciliada à fotografia. Os planos muito claros e abertos quebram o sentimento de clausura, nos puxando quase que de forma rude para longe de todas as possibilidades de tensão que poderiam ser criadas. 

É triste pensar que um longa que tinha tudo para ser um grande sucesso foi corroído pelo tempo. E mesmo que não saibamos quem é o culpado pelo desastre de Os Novos Mutantes, é certo que ele logo será esquecido entre os vários filmes dos X-Men. Ainda assim, a esperança para que não seja prevalece. Um remake seria pedir demais, mas por qual razão não sonhar com uma sequência melhor desenvolvida, que explore e tire proveito de todas as qualidades destes mutantes e de seus intérpretes? 

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Caroline Campos

Em Esquadrão Suicida (2016), Dexter Tolliver questiona o que aconteceria se o Superman resolvesse arrancar o teto da Casa Branca e levar o presidente embora. Até então, conhecendo o Homem de Aço, nós sabemos que é um cenário pouco provável, afinal, ele sempre esteve do nosso lado. Mas e se não estivesse? Como seria viver em um mundo com uma criatura tão poderosa e tão descontrolada ao mesmo tempo? A segunda temporada de The Boys, série da Amazon Prime Video, conseguiu nos dar doses cavalares dessa sensação assustadora ao amadurecer ainda mais o Capitão Pátria, uma versão insana e desequilibrada do último filho de Krypton.

Assim, continuamos a acompanhar a árdua jornada de nossos Rapazes para derrubar a Vought, corporação bilionária responsável por criar e licenciar super-humanos através do Composto V. Responsável pelos Sete, a empresa é a grande antagonista nas duas temporadas da série baseada nos quadrinhos de Garth Ennis e Darick Robertson. Dessa vez, os donos da narrativa não são apenas Hughie Campbell e Billy Butcher, já que, neste ano, vemos um aprofundamento maior nos nossos coadjuvantes Frenchie, Kimiko e Mother’s Milk (Leitinho da Mamãe, para nós brasileiros). Ainda mais sangrentos, os oito novos capítulos conseguiram alavancar o status da obra, consagrando-a como um dos dramas mais interessantes entre os serviços de streaming atuais.

Kimiko (Karen Fukuhara) ganhou, devidamente, um pouco mais de história para chamar de sua. A Fêmea, que foi sequestrada e teve o Composto V injetado a força por guerrilheiros, encontra seu irmão mais novo, Kenji, que também havia sido recrutado. Com ele, descobrimos o motivo do seu silêncio, desenvolvendo ainda mais seu relacionamento com Frenchie (Tomer Kapon). Enquanto isso, conhecemos a trajetória do francês e como foi recrutado para trabalhar ao lado de Butcher e Milk (Laz Alonso), em uma cena hilária envolvendo o recém-apresentado Facho de Luz, o manipulador de fogo interpretado por Shawn Ashmore (que, ironicamente, dava vida ao Homem de Gelo, em X-Men). Um trio que se conhece há tempos e divide as mesmas cicatrizes de batalha.

No entanto, o carro-chefe de The Boys, é, definitivamente, o Capitão Pátria. Antony Starr alcança um nível absurdo, beirando a psicopatia em cada movimento e feição estampada no rosto do “protetor” dos Estados Unidos. Nessa temporada, Homelander, no original, surge ainda mais desorientado após o assassinato de Madelyn Stillwell – que, por sinal, ele mesmo cometeu – e desesperado por apego emocional com alguém, que seja o mínimo. O líder dos Sete é grotesco, sádico e instável, gerando pavor e apreensão em todos ao seu redor, incluindo seus companheiros de equipe. Sempre sorrindo para as câmeras, ele vê seu mundo oscilar quando o público se volta contra sua figura – seu fandom é a única coisa que ele possivelmente valoriza, a única coisa capaz de mantê-lo sob controle.

E essa necessidade de afeto é o que o leva voando até Ryan, o filho resultado do estupro que cometeu contra Becca (Shantel VanSanten), esposa de Billy Butcher. Se na primeira temporada acompanhamos Butcher, o Bruto, na sede de vingança contra Capitão Pátria por acreditar na morte da companheira, agora ele concentra seus esforços em encontrar o esconderijo supervisionado pela Vought, onde ela e Ryan se mantêm longe do mundo dominado pela obsessão em super-heróis. Billy ainda é um grande cão raivoso, incapaz de ocultar os demônios que coexistem dentro dele, e Karl Urban consegue manipular essa ira a seu favor enquanto dá vida ao líder dos rapazes foragidos. O anti-herói continua a enfrentar traumas do seu passado – conhecemos Lenny e seus pais, sua tia Judy e até seu buldogue Terror – e a lidar com as consequências no presente, principalmente em seu reencontro com Becca.

A nova temporada trouxe o que achávamos ser impossível: alguém tão desprezível quanto o Capitão Pátria. Tempesta, interpretada friamente por Aya Cash, era o que nossos protagonistas não precisavam para sobreviver mais um ano nas telas. Junto dela, surgiram temas que, infelizmente, não nos são estranhos. Tempesta manipula o ódio na internet, gerando ainda mais violência através da ameaça velada de super-terroristas. E a abertura excepcional do episódio 7, O Bruto, o Belo e a Estrela, mostra a consequência direta de tal manipulação. Tocando na ferida do problema estadunidense com a imigração e do reaparecimento de grupos neonazistas, The Boys foi cirúrgica ao dar à Tempesta a importância midiática que receberia fora do set, assim como sua relação disfuncional com o Capitão. “As pessoas adoram o que eu tenho a dizer. Elas acreditam nisso. Só não gostam da palavra ‘nazista’”.

Inclusive, não foi apenas esse tema que o showrunner Eric Kripke e o time de roteiristas introduziram que condiz com nossos traumas da realidade. Profundo, o assediador de mulheres interpretado por Chace Crawford, está no ápice do seu ridículo até encontrá-la: a Igreja da Coletividade. Em uma vibe meio cientologia, a Igreja promete que vai colocá-lo de volta aos Sete quando ele terminar os cursos caríssimos disponibilizados pelo messias. Assim, ele poderá encontrar a redenção que o fará ser aceito novamente pela sociedade e pela equipe, expurgando todos os seus pecados – independente de quantas vidas femininas ele destruiu. Profundo passa por uma reabilitação visual, para mostrá-lo como um homem agora mais maduro, casado e respeitoso com quem o cerca. Erguemos as mãos ao céu, pois o arrependimento chegou – parcelado em 12 vezes e a troco de sua conta bancária.

Luz-Estrela (Erin Moriarty), talvez uma das únicas heroínas de fato da série, caminhou a passos lentos, mas, finalmente, passou a ditar seu próprio jogo na Torre da Vought. Annie se vê em alerta constante cercada de inimigos no seu local de trabalho, mas as idas e vindas na relação com Hughie ajudam-na a manter os pés no chão na tentativa secreta de desmascarar Stan Edgar (Giancarlo Esposito) e seus contratantes. A garota vai criando cada vez mais rivais e faz malabarismos para passar a imagem de membro dos Sete que caminha ao lado de Deus. O amor que sente pelo Hughie de Jack Quaid é o nosso único suspiro para além da violência e das entranhas jogadas para todo lado, e, se o magricela simpático que acompanhamos desde a primeira temporada quer ser mais livre, com certeza vai dividir essa liberdade com sua estrela.

Uma coisa da qual o segundo ano da série se empanturrou foram as chantagens. A todo momento, surgia alguém com um novo vídeo proibido na ameaça de divulgar e conseguir o que queria. Rainha Maeve (Dominique McElligott) também tirou uma casquinha dessa saída contra Capitão Pátria, num confronto que queríamos ter visto há muito tempo. Depois de viver subjugada pelo líder, Maeve, que foi tirada do armário a força em rede nacional, consegue seu triunfo. Enquanto a Vought tentava vender lasanhas vegetarianas da #GayMaeve, a nossa rainha perdia a companheira Elena e se afundava na própria revolta. O que acaba levando-a a salvar a pele dos mocinhos diversas vezes e gerando a cena mais satisfatória da série: ver uma suástica virando catavento. O episódio final, em meio a um turbilhão de grandes cenas, mostrou que as garotas realmente dão conta.

Apesar de The Boys ser marcada por personagens bem trabalhados e complexos, quando se trata de Black Noir (Nathan Mitchell), a frustração é inevitável. Ainda não temos nenhum indício de quem é ele, por que faz o que faz, ou outra mísera sugestão de existência do seu arco. O único avanço na segunda temporada é que descobrimos sua alergia a nozes. Bem, nenhum personagem vive só de alergias e cenas de luta – se os produtores estão tramando seu arco, melhor se apressarem, porque já passaram do ponto. Mesmo com uma participação um pouco maior neste ano, a curiosidade de conhecermos melhor o personagem, não apenas como mais um dos super-cachorrinhos da Vought, pode até prejudicar um pouco o apego com o mascarado.

O formato desse novo ciclo também foi novidade: ao invés de liberar a temporada completa, a Amazon se arriscou e decidiu disponibilizar apenas um episódio por semana. O modelo não agradou muito aos fãs, mas, com certeza, gerou um bom suspense para a geração imediatista das redes sociais. Finais como o do episódio 7 (sim, esse episódio foi tão bom) são passíveis de cabelos arrancados, e a espera de mais uma semana deixa o espectador ainda mais ansioso. Além disso, a trilha sonora, cheia de Billy Joel e clássicos do rock como The Rolling Stones, embala as viagens de carro como uma forma de nos levar lado a lado com nossos Rapazes.

No fim das contas, a salvação vem de vários lugares. Trem-Bala, que passa os oito episódios brincando de gato e rato com a onipresente Vought, resolve dar a força necessária para enterrar Tempesta. Jessie Usher deixa o velocista mais carismático do que o roteiro talvez exija, mas, por mais rápido que ele corra, o personagem tem dificuldades em sair do lugar. Junto com Profundo, ele se vê nas entranhas da Igreja da Coletividade, só que a representatividade do marketing da Vought opta por trazê-lo de volta ao palco, mostrando como o amigo dos peixes, no melhor estilo Aquaman, era apenas mais um brinquedo sem utilidade.

Entre revoltas populares, ataques de ódio e experimentos em hospícios, a segunda temporada de The Boys amadureceu sua trama, dosando as cenas gráficas para encaixarem mais na narrativa do que chocar a audiência. Com uma terceira temporada e uma série derivada já confirmadas, Eric Kripke garantiu ao TVLine que Tempesta está viva, mesmo esturricada no chão durante sua última cena. Victoria Neuman (Claudia Doumit) e os miolos espalhados são as grandes apostas para a continuação, ao lado de um Ryan Butcher tentando não se tornar uma sombra do pai – e, com certeza, veremos ainda mais insanidade de Capitão Pátria, já que seus momentos finais não são nem um pouco tranquilizadores.

The Boys é, provavelmente, o retrato mais realista de um mundo com super-heróis. Claro que o capitalismo não ia se contentar em vender apenas bonequinhos e fantasias, mas, sim, criar uma própria empresa que monopolizasse onde e por quanto tempo esses supers dedicariam sua proteção. Fazer com que o mundo inteiro reconheça os rostos que estampam a sua marca, colocando-os no exército, na política, nas igrejas. Deixemos os bons valores para os Vingadores e a Liga da Justiça. Nossos Sete querem mesmo é ver cabeças explodindo – contanto que não percam pontos de aprovação com o público.

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Henrique Gomes

Watchmen é a série de quadrinhos definitiva. Criada por Alan Moore e Dave Gibbons, a HQ se baseia na problematização da realidade, em que cidadãos vestem máscaras e combatem o crime por conta própria. Temas como a salvação da humanidade, as fraquezas dos homens e a existência de um deus entre nós são abordados. Cada detalhe e cada referência na construção desse mundo é um reflexo da nossa sociedade como um todo. Os quadrinhos já faziam com maestria essa discussão política e social, e a minissérie de 2019 resgata e revigora isso.

Publicada entre 1986 e 1987, a história se passa numa realidade paralela de um século XX distópico, em um mundo onde os vigilantes mascarados foram popularizados, tendo em foco o grupo dos Crimebusters. Ele é constituído por Rorschach, Coruja, Silk Spectre, Comediante, Ozymandias e Dr. Manhattan, sendo esse último o único a ter poderes de fato – dentre eles, a onipotência, onisciência e onipresença – devido a um acidente nuclear. Estes seriam os representantes da segunda leva de vigilantes, em que a primeira foi nos anos 50, com os Minutemen.

Considerando a ausência de poderes sobre-humanos de todos os outros, os questionamentos em voga são sobre a índole de tais heróis, sobre o quão egoístas são seus atos, e o quão genuíno é o sacrifício para a salvação. A humanidade deles é o fardo que leva à proibição da presença de mascarados. Isso não impede que eles ajam pelas sombras, mas não por bondade, afinal, são humanos. E sim, por desgosto, como Rorschach, ou pela cegueira do ego, como Ozymandias.

Com tudo isso em vista, o bilionário e herói aposentado Adrian Veidt, vulgo Ozymandias, passa anos conspirando contra heróis e planejando um falso ataque alienígena, para que o mundo se unifique para combatê-lo em solidariedade e evitar o holocausto nuclear. Tal evento resulta em uma sociedade, de fato unificada, porém com milhões de inocentes mortos. Essa atitude insana gera a repulsa de seus antigos companheiros vigilantes, principalmente de Rorschach, que passa anos destrinchando tal conspiração e planejando  contá-la para o mundo, colocando secretamente seu diário para ser publicado num jornal, pouco antes de ser vaporizado por Dr. Manhattan. Este, que abandona a Terra avisando Veidt de que o seu plano não deu certo no futuro, pois “nada nunca acaba”. É assim que a trama de Watchmen se encerra, até então.

A ideia de levar esse universo para as telas – depois do péssimo filme de 2009, dirigido por Zack Snyder – soou perigosa para os fãs, principalmente com o anúncio de que seria uma continuação. Considerando a grandeza dos quadrinhos e a profundidade que permeia toda a história, a continuidade dessa mitologia visa seguir a lógica das consequências, assim como na realidade de fato. E é aí que o roteiro acerta.

Produzida pela HBO, a minissérie traduz completamente a linguagem da graphic novel para o audiovisual, pegando cada ponta do que torna aquele universo tão real. Ao invés de retratar uma caricatura dos anos 80, com os traumas e conflitos daquela época, ela retrata uma caricatura do mundo em 2019 e as consequências da HQ dentro disso. Se antes o tema fazia referência à Guerra Fria, hoje, ele faz à discussão racial dos dias atuais. O roteiro ainda é assinado por Damon Lindelof, mente por trás de Lost e The Leftovers. Com o discurso de ódio, o racismo e o fascismo se tornando tendências políticas, nunca uma história se fez tão urgente para ser recapitulada. Watchmen fala do agora, tanto da ficção, quanto da realidade.

34 anos após os eventos da HQ, a trama se discorre em Tulsa, Oklahoma. Um grupo de supremacistas brancos ascende e trava uma guerra contra as minorias e a política dos EUA de reparação histórica dos danos causados pela discriminação racial. Ele ficou conhecido como A Sétima Cavalaria, e baseia seus discursos nos escritos deixados por Rorschach antes de morrer, usando da imagem do vigilante para a identidade das máscaras que vestem. Do outro lado do fronte, estão os policiais, que usam máscaras e agem anonimamente – feito vigilantes –  em nome das forças do governo. Dentre os agentes, temos o chefe de polícia misterioso, Judd Crawford (Don Johnson), e a detetive Angela Abar, que age sob o codinome de Sister Night, sendo ela o foco da trama como um todo.

Angela é interpretada magistralmente por Regina King, principalmente por sintetizar tudo que Watchmen representa. Uma mulher negra, desconcertada com sua história, tão ciente quanto manipulada, tão frágil quanto forte. A todo momento ela desconstrói o arquétipo de herói, que, desde a origem, nos quadrinhos, é problematizado. Nos diversos clímax que permeiam a série, Regina te pega desprevenido, agindo de forma egoísta quando pensa que deve ser heroica, conformada quando pensa estar chocada, ela é o principal pilar da narrativa por definição. O exemplo mais claro está nas cenas que retratam sua relação com o marido Cal (Yahya Abdul-Mateen II), e seu relacionamento com Dr. Manhattan.

Além da grande protagonista, a trama tem múltiplos núcleos de personagens, e em momento algum o roteiro falha ao apresentá-los. Como com Looking Glass (Tim Blake Nelson), um dos vigilantes que possui sua motivação em decorrência do ataque da lula gigante em 85, uma representação viva do trauma que o “heroísmo” de Ozymandias gerou. E também com Laurie Blake (Jean Smart), que retorna à narrativa de Watchmen sem o nome de Silk Spectre, e sim como uma agente do FBI e, ironicamente, membro da força-tarefa anti-vigilantes.

Dos arcos paralelos de personagens que mais intrigam e acrescentam na série, o maior deles é o de Adrian Veidt, interpretado perfeitamente por Jeremy Irons. Após os eventos da HQ, o herói aposentado enlouquece com o fato de que ele salvou o mundo do holocausto nuclear, e ninguém sabe. Enquanto o homem existir, por mais que seja um herói, o seu ego vai torná-lo contra qualquer princípio ético e moral. À vista disso, ele se isola no que parece ser um castelo na Europa, porém enlouquece mais ainda com tamanha monotonia da paz eterna. E seu arco se desenrola na sua fuga do que seria o “Jardim do Éden”, e na grande falha daquele que é conhecido como o homem mais inteligente do mundo: a humanidade.

A presença do Dr. Manhattan traz pontos culminantes e complexos, mas bem executados, não só pela edição, como também pelo roteiro e atuação de Yahya Abdul-Mateen II. Alguns questionamentos filosóficos se encontram na busca dos personagens pelo controle dos poderes quase que divinos dele, no fato de ser um grande prisioneiro do destino que ele prevê, mas agir de forma um tanto questionável para um semi-deus. Ele acaba como mais uma das personalidades com a moral envenenada pelo mesmo mal que cerca todos os outros componentes: um pingo de humanidade.

Além das interpretações impecáveis do elenco, a série acerta em manter e ressignificar o conceito do que é Watchmen. Cria-se uma imersão em cada detalhe da atmosfera tão realista e absurda desse universo, como nas cenas em que os poderes do Dr. Manhattan são retratados como ponto-chave da trama. E também no episódio This Extraordinary Being, que conta a origem do Hooded Justice, um personagem quase que irrelevante na história original, mas que casa perfeitamente com a proposta ousada de relacionar as discussões raciais do mundo atual com a narrativa criada há 34 anos. Os roteiristas foram tão ousados quanto Alan Moore e Dave Gibbons em 1986, sem medo de destrinchar completamente a história e, por isso, manter a obra com sua originalidade.

O resultado disso tudo se mostra no fato de que a produção é uma das grandes apostas ao Emmy 2020, liderando a lista de indicados. Das 26 indicações que recebeu, se encontra nas principais categorias, como a de Melhor Minissérie, Ator e Atriz para Jeremy Irons e Regina King, Atriz Coadjuvante para Jean Smart, e três nomeações por Melhor Ator Coadjuvante para Yahya Abdul-Mateen II, Jovan Adepo e Louis Gossett Jr. O já citado episódio This Extraordinary Being concorre como Melhor Roteiro e Direção, sendo o mais marcante de toda a trama, tanto pela proeza técnica, quanto pelo simbolismo que carrega. Nada além do merecido.

Em cenas como a que a frase “é difícil ser um homem branco nos Estados Unidos” é ressoada, a caricatura escancarada de uma realidade tão absurda em que vivemos faz dessa série um marco da televisão americana. Trazendo absolutamente tudo que há de mais urgente na nossa sociedade como um debate global, em rede aberta. Mais uma vez, Watchmen não é sobre heróis, é sobre o agora. É sobre os meros mortais do agora.

O final apressado visou uma conclusão generalizada para a história como um todo, sem se aprofundar muito no destino dos personagens que foram tão desenvolvidos e marcantes desde o início. Mas, ainda assim, a série fecha seu arco com a mesma qualidade de como começou. Uma continuação direta não seria a melhor opção, considerando que existem muitas outras tramas dentro desse universo, talvez um novo caminho seja mais empolgante. Afinal, os ovos precisam ser quebrados.

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Vitor Evangelista 

Ultimato é o apogeu do cinema de heróis. Saúda o americanismo e reverencia tudo que a Marvel lançou as telonas nos últimos onze anos. O quarto capítulo dos Vingadores, aliás, pode (e deve) ser avaliado em duas correntezas: em primeiro lugar, o arco final dos mascarados, a finalização da Saga do Infinito; e, num segundo olhar, o filme é um grande manicômio criativo vomitado dos gibis. E nada poderia ser melhor.

O luto é personagem central aqui. Quando, em Guerra Infinita (2018), os heróis perderam e assistiram impotentes Thanos (Josh Brolin) apagar da existência metade do Universo, a Marvel estabeleceu um precedente dentro do gênero. Foi essa a primeira vez que um vilão ganhou quando os créditos subiram. Na sequência, a Marvel abre outra porta: usar novamente o mesmo antagonista principal. Transformar em poeira metade do elenco não foi o suficiente, o Titã Louco voltou.

Numa entrevista, logo que Guerra Infinita saiu, os diretores Joe e Anthony Russo ressaltaram que o terceiro filme era sobre Thanos e o quarto sobre os Vingadores. Em Ultimato, os irmãos posicionam a lupa sob o sexteto fundador do grupo, peneirando a linha narrativa. Isso sem nunca menosprezar coadjuvantes, como Rocket (Bradley Cooper) ou o Máquina de Combate (Don Cheadle). E, falando em coadjuvantes, a recém-chegada Capitã Marvel se adequa subitamente ao plano maior.

Ultimato acerta em favorecer seus protagonistas, Homem de Ferro e Capitão América. Os dois maiores arcos do MCU são estudados e finalizados nas três horas do longa. Ao passo que Robert Downey Jr. figura sua persona mais dramática da Saga e transforma Tony Stark num misto de amargura e receio; Chris Evans segue na linha do Patriota Americano mas sempre questionando o papel da América atual, se transformando no produto de seu (novo) tempo.

O roteiro de Stephen McFeely e Christopher Markus acena para diversos momentos dos quadrinhos. Guerras Secretas, Guerra Civil II, A Morte do Sonho, Império Secreto: Ultimato é a catarse de tudo que a Marvel constrói a tanto tempo. Além é claro de revisitar (sob ótica cômica, na maioria das vezes) eventos prévios do MCU (Universo Cinematográfico da Marvel, em inglês).

É importante salientar que, por mais que figuras coloridas pulem de um lado para o outro brandindo martelos e machados, Ultimato é um drama. Mesmo o humor sagaz (desconfortável, a primeira vista) dos desconstruídos Hulk (Mark Ruffalo, hilário) e Thor (Chris Hemsworth, ainda digno) não anula o peso e o vigor com que os Irmãos Russo delimitam o passo que a história vai caminhar.

Essa escolha abre a margem para extrair o melhor de seu elenco. O destaque principal recai nos ombros azuis e robóticos de Nebulosa (Karen Gillan). A atriz rememora sentimentos incubados pelo pai, Thanos, e agrega ao filme o arco mais satisfatório dos personagens periféricos ao duo principal. É, sem dúvidas, uma das melhores atuações do sub-gênero dos heróis.

Paralelos à filha de Thanos, Viúva Negra e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) escrevem a passagem mais sombria de Ultimato. Os Irmãos Russo respeitam dinâmicas pré-estabelecidas por Joss Whedon lá nos dois primeiros Vingadores, mas o controle dramático dos diretores possibilita que a ex-dupla de espiões da SHIELD lamuriem seus pesares antes dos créditos subirem.

Existe, é claro, uma devida constatação sobre a construção da Viúva Negra no MCU. Desde seu debut em Homem de Ferro 2, a personagem de Scarlett Johansson sofre com o machismo e a falta de atenção para com sua jornada dentro desses filmes. A Vanity Fair publicou um texto discutindo (com spoilers) os passos da Viúva por toda a Saga do Infinito. Vale a leitura e a problematização.

Ainda sem filme solo, a espiã ruiva sempre se apoiou em tramas paralelas dos Vingadores homens. Flertou com todos. Até engatou um romance (esquisito) com o Hulk. O Gigante Esmeralda, também sem filme solo desde 2008, evolui como personagem e chega no capítulo final com um arco bem desenhado e estruturado. Mas a Viúva, não. Numa era de ascensão de heroínas, Ultimato falhou com a precursora de todas elas no cinema?

Tecnicamente, Ultimato é impecável. A abertura filmada trêmula com a câmera na mão, enquanto Stark e Nebulosa manufaturam ideias para fugir do espaço. O plano-sequência em Tóquio na (re)apresentação do Gavião Arqueiro/Ronin. As cenas passadas do MCU com um ar ‘por-trás-das-câmeras’. Tudo resultando na esplêndida batalha final.

Sem precedentes no cinema, a última investida contra Thanos é memorável, dura, seca, esperançosa e, o mais importante, à altura do que foi prometido. Os Irmãos Russo filmam os heróis num prisma que parece recortado e colado direto das páginas coloridas dos quadrinhos.

Ultimato abre, aos poucos, uma torneira do fan-service. Deixa correr e vai liberando o registro ao passo que os heróis se aproximam do inevitável clímax. É um presente, uma recompensa. Tudo lido, relido, estudado e entregue na melhor forma. O filme se segura ao máximo até se esbaldar no auto-festejo.

Mesmo excessivamente longo, o filme não faz pesar suas três horas. Até mesmo inconsistências sobre viagem no tempo podem passar batidas. O longa entrega tanto, mas tanto, que é mais visto como uma recordação, uma dádiva que Kevin Feige e os Irmãos Russo desembrulharam a nossa frente, camada por camada, passeando por cada um dos vinte e um filmes anteriores.

Vingadores: Ultimato se prostra como o marco da cultura pop a se superar. É um filme estupendo, grandioso e íntimo. Olha para o futuro do cinema de heróis mas favorece seu passado. A Saga do Infinito emociona três mil vezes mais que qualquer outra. E, como entoa em seus segundos finais, It’s Been a Long, Long Time que não nos emocionávamos assim.

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Vitor Evangelista

A família está no centro de tudo. Shazam! é um filme sobre o coração dos bons e destemidos. Aqueles que, mesmo falhos, se tornam heróis. Billy Batson (Asher Angel) é um jovem que recebe poderes do Mago Shazam e, ao dizer seu nome em voz alta, assume a forma do homem perfeito. Na nova safra da DC Comics no cinema, o diretor David F. Sandberg adiciona sua visão elegante do terror a uma clássica história de origem.

Quando James Wan comandou Aquaman (2018), alguns meses atrás, ele usou de artifícios do horror para contar a ascensão do Rei de Atlântida. Agora o escolhido foi David F. Sandberg, responsável por Quando as Luzes se Apagam (2016) e Annabelle 2: A Criação do Mal (2017). O sueco abusa de sequências sombrias e maneirismos do terror para contrapor o raio iluminado do peito do personagem principal. E tudo funciona.

Shazam! abre numa sequência sombria de origem do vilão. Dr. Silvana (o hábil Mark Strong) trabalha numa crescente de descrença que muito se assemelha à vivida pelo protagonista Billy Batson. Enquanto Silvana carrega um remorso ácido do pai e irmão, Batson vivia na prisão invisível do abandono familiar, e de sua relação com a mãe.

O filme consegue construir bem essa ponte entre dois paralelos e resgata uma frase clássica da DC. ‘Basta um dia ruim para reduzir o mais são dos homens a um lunático.’ Dita pelo Coringa, de Alan Moore, lá na Piada Mortal (1988). Ao passo que Silvana não conseguiu superar demônios (ele acaba libertando alguns), Batson se extravasa tanto na figura do super-herói quanto nos laços que cria com a família adotiva. E que família.

A família adotiva é o grande diferencial de Shazam! para outros filmes do gênero. Extremamente divertida e com um aroma de aconchego, o filme usa de sua diversidade não só como artifício estético, mas também narrativo. Aquele grupo de pessoas prova em tela o poder da união.

Antes de serem irmãos e irmãs, são amigos. O filme ainda reitera isso algumas vezes, o poder das palavras. Sejam elas mágicas ou ordinárias. Lar. ‘Ele precisa nos aceitar como um lar’, diz o pai em certo momento. E Billy usa a Sabedoria de Salomão para enxergar nas outras crianças o potencial enérgico que cada uma guarda no peito.

Acima de qualquer rótulo ou etiqueta, Shazam! é um filme sobre se divertir com poderes. E sobre como garotos na adolescência lidariam com as dualidades de se tornar um super ser. Uma ida ao mercado para comprar cerveja acaba numa pancadaria e no salvamento do dia. O humor de Zachary Levi, intérprete do herói adulto, é acionado aqui.

Com uma molecagem que transborda a tela, Levi impressiona como o antigo Capitão Marvel (polêmica), mas a fluidez entre seu personagem e o de Batson não é orgânica. Shazam! não constrói um senso de coesão entre o menino e o homem e, muitas vezes, parecemos assistir duas personalidades completamente diferentes em tela.

Nas mãos de Sandberg, ministro do terror, e com o texto do especialista em aventuras infanto-juvenis de Darren Lemke, Shazam! sabe brincar com convenções do gênero. Sequências filmadas com uma urgência do medo são transmutadas para mini-aventuras oitentistas que saúdam filmes como Superman (1978) e a série da Mulher Maravilha (1975-79).

Freddy (Jack Dylan Grazer) é a alma do filme. O ator, conhecido por It – A Coisa, reafirma o papel do fã, auxilia o herói na descoberta do poderes e consegue subverter a dinâmica de ‘ajudante’, numa virada inédita no gênero. É Freddy, também, que ajuda a dar mais camadas a Billy Batson e construir a credibilidade de que o garoto de touca é sim o guerreiro com os poderes de Zeus e capa branca.

Ainda na família, Darla (Faithe Herman) é quem mais tem a fazer. Encantadora, a atriz mirim de This is Us, ela também faz o elo de Billy Batson com os irmãos e pais adotivos. Mary (Grace Fulton) é a sábia do grupo. Eugene (Ian Chen) carrega um sentimento de extravaso muito bem vindo; e os dramas de Pedro (Jovan Armand) ainda reverberam em minha mente. A sutileza do filme é surpreendente.

A escolha da DC de adaptar a diversidade dos quadrinhos reacende a chama da representatividade. Escalar atrizes mulheres, negras, atores asiáticos e latinos, tudo isso num blockbuster hollywoodiano, é um feito a ser comemorado (e cobrado das próximas produções).

O conceito dos Mundos da DC é promissor. Ao passo que, em dezembro, assistimos um épico subaquático em Aquaman, agora temos em mãos uma revisita aos clássicos dos anos 80 da Sessão da Tarde com Shazam!. O calendário marca o drama Coringa para o fim do ano; e 2020 engatando no papel feminino: Aves de Rapina e Mulher Maravilha 1984.

Shazam! enche o coração de alegria e funciona como um respiro aliviado. Nada de raio azul, monstro gigante ou uma cena enorme de poder imensurável do personagem título. Até as luzes se apagarem, Shazam! chama para o holofote temas como a infância e a família. Como o amor de seus próximos te ajuda a evoluir (e quem sabe até soltar raios pelas mãos). E a DC não poderia ter feito escolha melhor.

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Pedro Fonseca

Dez anos após o início de sua jornada nos cinemas, o Marvel Studios entrega em Vingadores: Guerra Infinita sua maior obra e define o ponto de virada  para o que vem a seguir. O filme representa o auge de toda a construção do universo de heróis e proporciona ao  público um reencontro com um vasto panteão repleto de seus astros. Porém, em meio a uma história repleta de heróis, é o vilão que toma a cena nessa saga.

Depois de partir pessoalmente em sua busca pelas Joias do Infinito, Thanos decidi que nada nem ninguém impedirá ele de cumprir sua maior missão: trazer o equilíbrio para o universo. E agora que o Titã louco e seu exército estão a caminho, ninguém será capaz de enfrentá-lo sozinho. Portanto, cabe aos heróis mais poderosos da Terra e seus aliados a batalha que irá decidir o destino do universo.

Para realizar a sua empreitada mais ousada, a Marvel precisou reunir um grupo repleto de suas estrelas. O elenco contou com muitos dos maiores nomes que já passaram pelo MCU. A lista é gigante. Entre alguns membros da equipe estão Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Chadwick Boseman, Tom Holland, Scarlett Johansson, Elizabeth Olsen, Chris Pratt, Zoe Saldana, Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston, entre muitos outros grandes atores. Vale lembrar que o filme não é apenas mais uma história, ele também é uma celebração a tudo que foi construído até agora. Por isso, rever tantos rostos conhecidos deu ao espetáculo uma sensação mais extraordinária ainda.

Na verdade, muitos temiam que a interação entre tantos atores pudesse prejudicar suas atuações. Além disso, ninguém sabia se os personagens poderiam se desenvolver tão bem tendo que dividir o papel de protagonistas com outros. No entanto, isso definitivamente não é o que acontece durante o filme. O trabalho dos diretores, os irmãos Russo, e dos roteiristas conseguiu conservar a essência de cada personagem e os fez atuar perfeitamente em sincronia com seus papéis dentro da trama. Esse tato da equipe de produção e filmagem tornou completamente plausível o encontro de tantos heróis.

Além disso, é inegável a química entre os atores, tanto aqueles que já se conheciam quanto os que acabaram de se conhecer. O exemplo mais claro disso está na dupla Robert Downey Jr. e Benedict Cumberbatch. O contato entre os dois ex- Sherlock Holmes era um dos mais aguardados entre os fãs e rendeu uma grande parceria no trabalho final.

No entanto, ficou óbvio que alguns personagens tomaram um tempo de tela muito maior em detrimento de outros, uma consequência  compreensível em uma produção que precisa dividir o foco entre tantos rostos, sendo o Capitão América um dos personagens mais deslocados nesse contexto. A expectativa era de que ele e Tony Stark seriam a maior frente de defesa contra a ameaça espacial. Porém, mesmo após os eventos de Guerra Civil (2016) e com toda a promoção feita, ele não ganhou o destaque esperado e serviu muito mais como uma grande referência para agradar os fãs.

Dentro desse contexto, vale a pena ressaltar que muito do material apresentado na promoção do filme sofreu um corte na versão final. Isso pode gerar uma reação negativa dos fãs ao perceberem que algumas das grandes cenas prometidas podem não estar presentes ou terem sido alteradas.

Isso não significa que a decisão de Anthony e Joe Russo não trouxe pontos benéficos. Ela permitiu que outros personagens pudessem se desenvolver mais  em meio a uma trama que já era densa. Entre eles, quem ocupa uma maior porção de tempo é o Thor. Ele continua a sua jornada que foi iniciada em Thor: Ragnarok (2017) e finalmente consegue consolidar sua figura nos cinemas. Enfim o personagem assume a postura badass dos quadrinhos que muitos esperavam.

Outro momento muito aguardado veio do encontro entre os heróis da Terra com os Guardiões da Galáxia. Ambos, grandes sucessos da Marvel, os Guardiões surpreenderam o público com sua estreia no cinema em 2013. Desde então, a possibilidade de um encontro entre as duas equipes sempre despertou interesse nos fãs. É em Guerra Infinita que nós finalmente podemos vê-los  lado a lado. Fica claro que os atores conseguiram muito bem se adaptar uns aos outros e criaram uma grande harmonia entre os personagens. As personalidades distintas de cada um se encaixaram muito bem e fizeram a história fluir mais naturalmente.

O desempenho do elenco foi mais uma vez incrível em cada entrada triunfante ou em cada cena de ação épica. Os sentimentos dos fãs só podem ser realmente descritos através dos aplausos do público nas salas de cinema. No entanto, talvez reforçar o trabalho de um elenco já reconhecido não seja o melhor critério para avaliar o filme. Por isso, vale a pena tocar em um outro ponto, um mais importante e que pode influenciar o futuro do MCU.

É em Guerra Infinita que o público finalmente recebe uma visão mais sombria do universo, que a Marvel há tanto prometia. Também é aqui que os fãs são surpreendidos com um fim completamente inesperado. Isso não significa que o abandono da famosa “Fórmula Marvel”, repleta de momentos descontraídos. Porém, a visão que temos é de que o futuro dos heróis já não está tão certo e que o temor é justificável. E a principal razão para este temor está em Thanos.

Por muito tempo o posto de maior vilão da Marvel foi ocupado por Loki. O irmão de Thor tinha uma personalidade única que foi combinada ao carisma de seu intérprete, Tom Hiddleston. No entanto, a mudança de personalidade do personagem e a chegada de novos vilões como Hela (Cate Blanchett),  de Thor: Ragnarok, e Killmonger (Michael B. Jordan), de Pantera Negra (2018) mostraram que algo novo estava chegando. E foi então que finalmente nos deparamos com Thanos em toda sua glória.

Está não é aprimeira vez que vemos Thanos. Sua primeira aparição foi em uma cena pós- créditos ao final de Vingadores (2012). Os fãs mais aficcionados perceberam de cara o rumo que o universo Marvel estava prestes a tomar. O cinema adaptaria a clássica saga dos quadrinhos Desafio Infinito. A ideia foi confirmada ao longo dos anos após uma série de cenas pós-créditos e aparições do personagem em outras produções do estúdio.

Para trazer Thanos ao cinema a produção precisou alterar alguns pontos em relação à obra original. Nos quadrinhos, a maior motivação de Thanos para conseguir as Jóias é o seu amor pela Morte, uma das entidades mais poderosas que compõem o universo Marvel. Trazer essa  abordagem para as telonas seria muito complicado, principalmente levando em conta que já existe uma personagem que representa a morte, a Hela. Já nos cinemas, Thanos recebe um propósito mais compreensível e que até desperta um sentimento de empatia nos fãs: trazer “equilíbrio” ao universo.

O personagem foi o que ganhou maior destaque dentro do longa. Após vários anos observando-o através de cenas curtas, nós finalmente podemos conhecer a sua verdadeira história. Para contá-la, a produção escolheu Josh Brolin como intérprete do personagem.

Thanos não é como os outros vilões da Marvel. Primordialmente ele é a maior ameaça do universo, sem escrúpulos e nem piedade. Porém, o personagem também deixa transparecer a ideia de que é apenas uma figura tentando cumprir o seu papel para o bem do universo -o clássico “mal necessário”. E é essa dualidade que torna a figura do personagem tão marcante e poderosa. Em meio às cenas podemos vê-lo cruzar limites que nenhum outro vilão jamais cruzou e impor silêncio ao campo de batalha. A figura dele muito se assemelha a uma visão distorcida de Tony Stark, um dos principais contrapontos do personagem. Um homem tentando fazer o que acredita ser necessário, independentemente das consequências.

O poder de Thanos é ainda ressaltado com a presença de outro grupo de vilões, a “Ordem Negra”, grupo formado pelos autoproclamados “Filhos de Thanos”. Eles são seguidores fiéis do Titã Louco e servem como mais um obstáculo à frente dos heróis. Também é através da “Ordem Negra” e de Gamora e Nebula que vemos um ar mais  “humano” na jornada de Thanos.

Com o intuito de representar toda a grandiosidade desse evento, foram necessários incríveis recursos visuais. Embora possamos perceber que alguns deles se tornaram cada vez mais computadorizados, o resultado final ainda é muito bom. Podemos ver isso desde a representação de Thanos e seus “filhos” até as cenas de batalhas épicas, que conseguem representar o máximo potencial dos personagens.

Complementando a questão visual está a trilha sonora. Os grupos de super-heróis da Marvel são marcados pelo uso das trilhas sonoras, seja uma música própria ou um estilo mais retrô, como é caso dos Guardiões da Galáxia. Nesse filme não é diferente. A produção utiliza as músicas para trazer um ar de emoção e nostalgia, além de destacar as cenas dramáticas.

Também é importante ressaltar que mais uma vez a Marvel mimou seus fãs com vários fan services. O resultado de todo esse esforço pode ser visto na movimentação do mercado. O filme alcançou o primeiro lugar nas pré-estreias em produções da Marvel e quebrou o recorde de maior dia de pré-estreia nos Estados Unidos.

Em suma, Vingadores: Guerra Infinita cumpre o papel a que se propôs, alcançando as expectativas dos fãs e surpreendendo com uma visão mais madura. Visão esta que pode servir como base para o futuro da Marvel nos anos que estão por vir.

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