Arthur Caires

Em Abril de 2024, Sex and the City entrou no catálogo da Netflix e foi novamente popularizada. Originalmente, a série esteve no ar de 1998 a 2004, mas foi com o poder da maior plataforma de streaming do mercado que se tornou, mais uma vez, o assunto do momento. E assim, de uma hora para outra, as redes sociais foram dominadas pelas frases de efeito de Carrie, discussões sobre como a protagonista é uma péssima amiga e vários tutoriais de como fazer o famoso drink Cosmopolitan.

Um dos motivos do grande sucesso de Sex and the City é a sua história despretensiosa e as personagens que geram grande identificação com o público. Criada por Darren Star e baseada no livro homônimo da jornalista Candace Bushnell, a série acompanha quatro mulheres solteiras, por volta de seus 35 anos, vivendo em Nova Iorque e explorando sua feminilidade de maneira aberta e honesta.

Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), uma escritora e colunista que explora com sensibilidade os altos e baixos dos relacionamentos e do sexo em suas crônicas, transmitindo um charme e inocência únicos que só Parker poderia proporcionar. Samantha Jones (Kim Cattrall), por outro lado, é uma publicitária de sucesso, destacando-se por sua atitude desinibida e liberdade sexual, com Cattrall trazendo uma ousadia cativante à personagem. 

Enquanto isso, Charlotte York (Kristin Davis) se mostra como uma galerista romântica e otimista, cuja busca incessante pelo amor verdadeiro e pelo casamento perfeito é retratada com uma doçura que Davis entrega com naturalidade. Por fim, Miranda Hobbes (Cynthia Nixon), a advogada cínica e pragmática, luta constantemente para equilibrar sua carreira e vida pessoal, com Nixon trazendo uma força e vulnerabilidade que tornam sua personagem profundamente autêntica.

Sex and the City não foi apenas mais um programa de Comédia. Ao abordar abertamente temas como sexualidade feminina, amizade, carreira e a busca por identidade em uma grande cidade, a série quebrou tabus e moldou a forma como a Televisão retrata as mulheres. Ao trazer para a tela personagens femininas complexas, ambiciosas e com desejos próprios, a produção de Michael Patrick King abriu caminho para uma maior diversidade de narrativas sobre mulheres na TV. Por esses motivos, a série merece o grande reconhecimento que recebe.

O fenômeno da repopularização que está acontecendo com Sex and the City já ocorreu algumas outras vezes com seriados da mesma época de circulação. Em 2018, Friends foi disponibilizada na Netflix do Reino Unido e se tornou a série mais assistida daquele ano no país. Já em 2020, The Office foi a produção mais reproduzida do catálogo estadunidense. Além de tais acontecimentos trazerem um novo público para as produções, é interessante notar o contraste entre a realidade daquela época apresentada e a visão de hoje em dia, junto ao modo que as pessoas reagem a isso.

Sendo uma produção do início da década de 2000, é claro que há diversas problemáticas e erros que Sex and the City cometeu. Como quando Carrie invalida a bissexualidade de um interesse romântico ou, por exemplo, a predominância de personagens principais brancos, enquanto as minorias eram estereotipadas, caricatas e, na maioria das vezes, motivos de piadas. É importante olharmos para essa história de 20 anos atrás com as lentes de hoje, mas não esquecendo de aproveitar seus pontos positivos. Encontrar essa nuance é a chave para conseguirmos ter um senso crítico ao mesmo tempo que reconhecemos as qualidades de uma obra.

Sex and the City serve como um refúgio escapista para muitos, uma viagem para um universo onde mulheres sofisticadas e bem-sucedidas navegam por relacionamentos, moda e a vida em Nova Iorque. A série, apesar de apresentar uma realidade idealizada e, muitas vezes, distante da vivência de grande parte do público, consegue conectar-se com os espectadores por meio de temas universais. Além disso, funciona como uma cápsula do tempo, capturando um momento específico da cultura pop e dos costumes sociais, ao mesmo tempo, abordando questões atemporais que ressoam com o público de todas as gerações.

Diante desse sucesso crítico, seria natural esperar que os criadores encerrassem a história após seis temporadas, sem forçar uma continuação, certo? Infelizmente, isso não aconteceu. Após o término da série, foram desenvolvidas quatro produções derivadas: Sex and the City – O Filme (2008), Sex and the City 2 (2010), O Diário de Carrie (2013) e a mais recente And Just Like That… (2021). Seguindo a lógica hollywoodiana de que, se algo é lucrativo, deve-se fazer uma sequência, um spin-off, uma prequel, uma requel e assim por diante, a franquia foi estendida muito além do seu final original.

O primeiro filme pode até ser justificável, pois realmente agrega à história, fornecendo mais detalhes sobre o que aconteceu logo após a última temporada. Apesar de repetir o mesmo arco de Mr. Big (Chris Noth), ele oferece um fechamento satisfatório para os fãs, explorando as consequências das decisões finais das personagens. Funciona como uma última visita àquela realidade, permitindo que o público finalmente se despeça de suas nova-iorquinas favoritas de forma adequada, com uma sensação de conclusão e nostalgia.

No entanto, o segundo longa tem um objetivo puramente comercial. Carrie, Samantha, Charlotte e Miranda decidem passar as férias em Abu Dhabi, simplesmente porque seus problemas do dia-a-dia estão muito difíceis de lidar. Além de ser um prato cheio de estereótipos do Oriente Médio, a personagem de Sarah Jessica Parker encontra – coincidentemente – Aidan (John Corbett) na viagem, fazendo com que ela tenha que escolher novamente entre os dois homens da sua vida. 

Ainda assim, 11 anos após o lançamento de Sex and the City 2, foi lançado em 2021 And Just Like That…, o revival da série original. A premissa até parece promissora: mulheres lidando com desafios típicos da meia-idade, como a perda da juventude, a pressão estética associada ao envelhecimento, casamentos desmoronando em divórcios, filhos amadurecendo e novas ambições profissionais. No entanto, a produção falha em proporcionar qualquer reminiscência da história original que pudesse recompensar o público com uma dose de nostalgia.

O que acontece é uma tentativa de corrigir os erros do passado, trazendo uma representatividade superficial por meio de novos personagens que possuem apenas essa função. Quanto à Carrie, Miranda e Charlotte, as narrativas são as mesmas de 20 anos atrás, mas sem a essência que as caracterizava, como se fossem completamente diferentes. Fora a ausência de Kim Cattrall, que se recusou a voltar ao papel de Samantha por desentendimentos com Sarah Jessica Parker. É como se a criação de Darren Star deixasse de ser uma história autêntica para se tornar um produto, uma franquia que o público consome não por sua qualidade, porém, unicamente por ser algo familiar em sua memória.

Um dos grandes méritos das plataformas de streaming, como a Netflix, é que não há necessidade de reboots e revivals para que uma série ou filme voltem a ter sucesso. Na maioria das vezes, essas produções são apenas uma tentativa de conquistar a aprovação da Geração Z, subestimando esse público ao pressupor que precisam de adaptações na sua linguagem, mesmo que não se encaixem. No entanto, a verdadeira magia do audiovisual está em nos transportar para realidades e épocas diferentes da nossa, sem a necessidade de modificar a essência original das obras.

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Vitória Vulcano

Já faz alguns anos que, no histórico duelo de lançamentos entre Marvel e DC, as fórmulas odisseicas perdem o borogodó, a perfuração do espaço-tempo vira argamassa criativa e poucas narrativas se sustentam com fôlego e eficiência. Só que, enquanto a crise tenta trancar a porta do sucesso, The Boys vem, estilhaça uma janela e instala uma anarquia para tirar sarro do mito dos heróis. Depois de três recheadas temporadas cuidando do cerne aparentemente adulto da questão, o universo se abre para receber as doses de tesão e rebeldia de Gen V, spin-off centrado em uma trupe de jovens que, aos poucos, percebe o quão traiçoeira é a selva do capitalismo para quem carrega poderes sobre-humanos e hormônios à flor da pele. 

Desenvolvida por Eric Kripke, Evan Goldberg e Craig Rosenberg – os mesmos criadores da série-mãe -, a produção se esgueira por aulas, festas e polêmicas da Universidade Godolkin, fundada e administrada pela famigerada Vought Internacional com o suposto objetivo de preparar os super-heróis do futuro. Igualmente baseada nos quadrinhos de Garth Ennis e Darick Robertson e lançada pelo Amazon Prime Video, Gen V preserva a onipresença da corporação bilionária em tudo que há de cruel e vertiginoso, ao passo que deixa novas vozes botarem para quebrar do próprio jeito. Afinal, estamos falando da primeira geração de heróis a descobrir que não são escolhidos de Deus, mas, sim, frutos de experimentos coordenados pela empresa e autorizados por seus pais, tanto em troca de dinheiro quanto por promessas de carreiras promissoras para os filhos.

A perspectiva de ascensão através do meio universitário ganha vida, inicialmente, pelos olhos da protagonista Marie Moreau (Jaz Sinclair), que descobriu seus poderes de modo traumático durante a puberdade e sonha em se tornar a primeira mulher negra integrante dOs Sete. Oficializada como caloura, a jovem órfã adentra as regras e ideologias de Godolkin fiel a deslumbramentos e esperanças que não demoram a cair em contradição e gerar crescente interesse pelas dinâmicas de influência do local – pano de fundo muito semelhante a um reality show que espreme o suco de seus mocinhos na mesma panela em que cozinha os piores vilões.

Os privilégios de etnia, gênero e classe vigoram até entre os seres dotados de autoregeneração física, que constantemente competem pelo topo de um ranking de alunos ordenado não só por notas exemplares, como também por seus números de seguidores nas redes sociais. Contudo, esse espetáculo de mídia mais que cínico remonta à acidez de The Boys sem abandonar o caráter em formação dos heróis recém-apresentados às drogas, gore, sexo e rock & roll. No texto afiado e atual, produzido por um vasto time de roteiristas, Gen V se sobressai ao recusar a moeda da moralidade como agente definidor de seus complexos personagens.

Assim, os arcos individuais que formam o macro são tão caóticos e singulares quanto qualquer dilema adolescente e se potencializam através do grande mistério da temporada. Se o mundo lá fora já cheira a corrupção e tragédia, o chorume começa a invadir o campus após Luke Riordan (Patrick Schwarzenegger), o nomeado garoto prodígio da instituição, assassinar um professor e se suicidar em seguida. A inexplicabilidade aparente das mortes atiça o senso de justiça dos amigos de Golden Boy e a própria Moreau, que se unem em investigações clandestinas, visitas ao subsolo da faculdade e experiências fundamentais para suas respectivas construções de identidade.

Conforme o ramo acadêmico se revela como mais um dos tentáculos corporativos da Vought para estudar e controlar super-humanos, a escolha de se rebelar contra o sistema ou aceitar o jogo coletivo de aparências – talvez intuitiva para os calejados anti-heróis da série original – traz equações paulatinamente mais disruptivas para os novatos. Envoltos em distorções de realidade e questionamentos comuns da juventude, cada membro do elenco incorpora habilidades especiais que representam questões psicológicas contemporâneas e conflitos especificamente desafiadores nessa fase da vida – perspicácia meritória de showrunners mulheres que trazem momentos de sensibilidade e ternura quase inéditos à engrenagem abarrotada de testosterona, dentro e fora das telas, de The Boys.

Enquanto Marie, um dos corações mais nobres e dilacerados da trama, tem o irônico dom de reger o fluxo sanguíneo de qualquer pessoa, Cate Dunlap (Maddie Phillips) é a manipuladora de mentes por vezes emocional e fisicamente impedida de atingir o ápice de seus poderes. O nepo baby Andre Anderson (Chance Perdomo, que infelizmente nos deixou no final de Março) quer honrar o legado do pai entortando objetos de metal menos rígidos que seus julgamentos sobre si mesmo; Jordan Li assume diferentes habilidades ao transitar entre os gêneros feminino (London Thor) e masculino (Derek Luh), atestando sua não-binariedade como instrumento de força; e Emma Meyer (Lizze Broadway), que pode aumentar ou diminuir de tamanho, ampara a jornada mais brilhante da temporada ao crescer para além das pressões da mãe e traços de dismorfia corporal. 

Já o irmão caçula de Luke, Sam Riordan (Asa Germann), coloca os pés no mar do autoconhecimento depois de anos vivendo como cobaia de testes voltados para a criação de um vírus letal contra os super-heróis. O plano orquestrado pela reitora Indira Shetty (Shelley Conn), notado pelos docentes da universidade e aperfeiçoado pelo cientista Dr. Edison Cardosa (papel do brasileiro Marco Pigossi), posiciona o antagonismo de Gen V nas mãos de figuras de autoridade contrastantes, que se aproximam do precipício de culpabilidade na hora certa de acenar ao escopo brutal da produção original e interligá-lo à derivada sem beirar à exaustão de referências pré-prontas.

De fato, o Composto V se enreda pelas veias da narrativa em uma expansão de temas muito valiosa, que, inclusive, encontra espaço para aparições breves de Capitão Pátria, Soldier Boy, Billy Butcher, Victoria Neuman e alguns outros velhos (re)conhecidos do público. No entanto, a alma da festa se cria com os clichês de comédias adolescentes misturados à violência gráfica, sarcasmo delirante e drama meticuloso de um jeito que só uma ficção capaz de nos constranger com radicalismos políticos e sociais – como se o mundo real não fosse o bastante – pode exercer. 

Das campanhas de marketing para levantar a moral de usurpadores de poder à explosão de um pênis em resposta a uma tentativa de assédio, Gen V brinca consigo mesma nos títulos dos episódios (com destaque para os saborosos God U, Welcome to the Monster Club e Jumanji), dá a seus efeitos especiais corda suficiente considerando o orçamento reduzido e engloba todos os espíritos de seu inferno astral em uma tremenda trilha sonora. Passando por viagens literais ao subconsciente dos jovens e cenas de luta encenadas com marionetes e toneladas de glitter, tudo é sensual, perverso, hilário e a gente pede bis.

Em matéria de heróis, ressalvando aquelas apostas que realmente miraram em solo firme, abraçar a nostalgia ou ficar na onda do “e se?” não faz mais sentido. Se os Vingadores não tivessem marchado em direção à aposentadoria e a Liga da Justiça caído em mãos poucos ambiciosas, ainda assim estaríamos falando de The Boys. Isso porque personificar a insolência da sociedade em um time de capa e armadura nunca foi questão de criatividade, somente de tempo. Não é de se impressionar que, agora, o absurdo esteja em invenções repetidas e CGIs às vezes mais responsivos que os personagens à sua volta.

Felizmente, uma continuação chega a bordo adicionando ao ecossistema despudorado uma aventura para ninguém botar defeito. Sob a pele de um coming-of-age subversivo, carismático e avassalador, a primeira leva da série ultrapassa o status de spin-off, amarra pontas do passado usando o próprio charme e estende o tapete – e o fio da navalha – para acolher a humanidade de sua potente juventude. Nas entranhas de uma das melhores ficções do momento, Gen V nasceu querendo ser hardcore e, pelo visto, sua mãe deixa. 

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Gabriela Bita

Inglaterra, 1761. Rainha Charlotte: Uma História Bridgerton se inicia no momento em que uma jovem chega da Alemanha para se casar com o príncipe George III (Corey Mylchreest). Após ser examinada dos pés à cabeça pela princesa-viúva e futura sogra, Charlotte (India Amarteifio) começa a sentir a pressão que a aguarda em seu novo posto. A aristocrata precisa unir todas as suas forças para cumprir o papel para o qual foi preparada desde o berço, o que não deveria ser algo complicado, afinal, quem não gostaria de ser a rainha da maravilhosa corte inglesa? 

Desenvolvida por Shonda Rhimes, a minissérie do universo de Bridgerton conta a história da querida rainha Charlotte. Após duas temporadas de sucesso, engana-se quem pensa que os únicos que chamaram a atenção do público foram os casais principais das tramas envolvendo a família Bridgerton. Com aparições marcantes, a monarca conquistou o público com sua extravagância, gosto por arranjar casamentos e estar por dentro das fofocas da corte, tanto que ganhou seu próprio espaço na Netflix, após duas temporadas da série principal.

Com figurinos exuberantes e uma trilha sonora — produzida pela Sony Masterworks — certeira, o roteiro de Rhimes desenvolve com excelência a história da amada rainha. Além da forte narrativa, todo o visual da produção é mais do que agradável aos olhos, sendo até mais belo e cativante do que o da série da qual esta se deriva. É difícil se decepcionar com toda a ambientação criada: o espetáculo faz jus a rainha que encomendou pavões para o casamento em seu palácio. 

A abordagem de temas como racismo e machismo ocorre de maneira pontual e explícita. Em quase todos os episódios, observa-se que há uma preocupação em retratar tais questões na sociedade da época, associando a presença de Charlotte (agora na realeza) e sua importância para a mudança ocorrer efetivamente na corte. Outro ponto positivo para Rhimes no spin-off, já que é sua primeira adaptação do universo de Julia Quinn, a roteirista deixou a desejar na abordagem de tais pautas, perdendo a abertura que a série, por si só, produz.

Curiosamente, a história da monarca inglesa não foi inspirada por um livro específico de Quinn. O que ocorreu foi exatamente ao contrário. Somente após o lançamento da série, a nova novela da autora foi escrita e tornou-se disponível para os fãs. Rainha Charlotte: A história de amor que veio antes dos Bridgertons e que mudou a alta sociedade consolida a parceria entre a escritora e a roteirista, que agora dividem também as páginas dos romances de época aclamados por muitos. 

Nesse ponto, o sucesso da franquia já se tornou claro, mas esperamos que haja um ponto final em vista para a saga, ainda mais tendo consciência do histórico de temporadas infinitas produzidas por Rhimes em suas séries. No entanto, em Queen Charlotte, todas as questões são muito bem elaboradas e resolvidas ao longo dos seis episódios, o que não torna necessário uma continuação com foco no casal principal, por mais que eles sejam lindos em frente às câmeras.

Não é possível falar da minissérie sem comentar sobre o elenco. Dando vida a jovem rainha que não suporta seu Lulu da Pomerânia, India Amarteifio encarna a personagem com maestria e, junto com Corey Mylchreest, o jovem George, exala uma química perfeita entre um rei e uma rainha cuja paixão foi à primeira vista. Mylchreest não fica para trás de Amarteifio ao interpretar seu parceiro. A angústia de um monarca com uma condição de saúde que o debilita encenada pelo ator transpassa a tela e emociona em diversos momentos.

Além dos protagonistas, outros personagens também roubam a cena. A jovem Lady Danbury (Arsema Thomas) traz consigo questões sobre o papel da mulher na sociedade e a importância do autoconhecimento. O paralelo traçado entre o passado e o futuro da jovem Agatha lutando por seu lugar e descobrindo quem ela é por si só acrescenta um tom reflexivo para a série e demonstra a habilidade de Rhimes em trabalhar a profundidade de seus personagens secundários.

Ainda sobre figuras não principais, Brimsley (Sam Clemmett) e Reynolds (Freddie Dennis), os fiéis mordomos de suas majestades, seriam mais do que perfeitos para uma possível segunda temporada. Em Joias da Coroa, último episódio da série, chega a ser difícil segurar as lágrimas com as cenas nas quais ambos dividem a tela. A partir disso, é de se esperar que o público cativado pelos serviçais de George e Charlotte façam com que a história dos dois não seja esquecida, assim como ocorreu com a protagonista da minissérie.

O episódio que finaliza a série demonstra sua bela execução não só pela emoção causada nos telespectadores, mas também, por suas duas nomeações ao Emmy de 2023. Joias da Coroa marca presença entre os indicados por Melhor Figurino de Época em Série e Melhor Cabelo de Época. As equipes responsáveis pelas caracterizações exuberantes contam com a presença de Lyn Elizabeth Paolo, Laura Frecon, Jovana Gospavic e Alex Locke, na produção e supervisão dos figurinos, enquanto Nic Collins e Giorgio Galliero lideram a produção dos volumosos e característicos penteados.

Apesar dos protagonistas não terem sido indicados em nenhuma categoria, Julie Andrews, que dá voz a Lady Whistledown na narração da produção, acumulou sua terceira nomeação na categoria de Melhor Performance de Voz. O episódio responsável pela presença da atriz na disputa é o segundo da minissérie, denominado Lua de Mel ou Lua de Fel. Das quinze indicações de Bridgerton nos Emmys de 2021 e 2022, Andrews disputou a mesma categoria em ambos os anos, mas infelizmente não levou a estatueta para casa. Torcemos para que três seja o número da sorte e que a série — indicada em três categorias, com a atriz concorrendo pela terceira vez em 2023 — seja a vencedora.

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Clara Sganzerla

Se você ver Jenna Ortega na tela do cinema, é muito provável que ela estará coberta de sangue. Batalhando por relevância no mundo hollywoodiano desde 2012 – e não demorando muito tempo para conquistá-la -, a norte-americana mostrou ser uma brilhante scream queen e atuou em papéis de grandes sucessos em 2022, sendo muito elogiada por Pânico 5 e X – A Marca da Morte. Sem decepcionar, a atriz guardou o melhor para o final e protagonizou uma das maiores produções da Netflix: Wandinha.

Latinos, excêntricos e com gostos mais do que peculiares, a Família Addams cativa admiradores por décadas – e é assim que descobrimos a nossa estranha adoração pelo esquisito. Gomez, Mortícia, Wandinha, Feioso, Tio Chico, Vovó Bruxa e o mordomo Tropeço foram criados pelo cartunista Charles Addams na década de 30 e, desde então, colecionam filmes, séries, quadrinhos e musicais sobre a linhagem mais famosa da cultura pop. Dessa vez, temos o privilégio de acompanhar a primogênita da família em uma jornada aterrorizante para qualquer adolescente: o Ensino Médio em uma nova escola.

Na primeira temporada de Wandinha, após vingar seu irmão Feioso (Isaac Ordonez) dos valentões de seu colégio e ser expulsa, a protagonista de Ortega é levada para a antiga escola de seus pais, a Academia Nevermore. Apesar de ser um local fora dos moldes tradicionais e feita especialmente para sereias, lobisomens, vampiros e górgonas, a instituição não deixa a desejar quanto aos clichês – que lembram as dinâmicas de outro lugar muito famoso do cinema, Hogwarts. A competição de corrida de barcos “Copa Poe” nos traz a mesma energia dos Torneios de Quadribol, enquanto a atmosfera sombria dos sangrentos assassinatos que contornam a protagonista e até mesmo as aulas de botânica nos relembram a fórmula da maior franquia do universo pop, Harry Potter. 

Se há clichês, há romances adolescentes. Não podemos culpar Tyler Galphin (Hunter Doohan) por ficar obcecado pela protagonista – nós também ficamos. Além da beleza, da inteligência e da sagacidade invejável, a filha mais velha dos Addams é um combo perigoso: ela é escritora de romances policiais, excelente esgrimista, conhecedora de algumas técnicas de tortura, dona de um humor ácido que desmonta qualquer um e possui notáveis habilidades de dança, principalmente ao som de The Cramps. Mesmo Wandinha tentando camuflar seu aspecto teen em uma atmosfera sombria, não há ninguém que resista a um baile da escola. 

Porém, apesar de todas as qualidades, um dos defeitos da protagonista continua sendo a sinceridade extrema, que acaba a afastando de interações sociais normais. A sorte de Wandinha é Enid Sinclair (Emma Myers), sua colega de quarto que, sendo o oposto da personagem, consegue equilibrar as energias e cativar dos vivos aos mortos, incluindo Mãozinha. Adicionando Eugene Otinger (Moosa Mostafa) à equação, o quarteto torna-se decisivo na solução dos assassinatos que inquietam a escola, principalmente quando a avidez e o egoísmo da estrela entram no caminho das investigações. 

Essa personalidade vem, com certeza, de sua criação. Nesse spin-off dos Addams, há uma grande diferença na relação entre Mortícia (Catherine Zeta-Jones) e sua filha, amplamente mais explorada que nas obras anteriores. Aos 15 anos, já é difícil ter autoconhecimento o suficiente para assumir sua própria personalidade com confiança, e até mesmo Wandinha, que sempre sabe onde está pisando, encontrou dificuldades para consolidar-se em um lugar cercado pelos fantasmas de sua mãe, uma das alunas notáveis de Nevermore. Além disso, a personagem teve de lidar com uma herança complicada de sua genitora, mas contou com suas antepassadas para desvendar as obscuridades da primeira temporada através de seu mais novo dom: as visões do futuro. 

É esse background que dá o toque especial a Wandinha: temos a chance de conhecer com profundidade uma figura que, mesmo sendo secundária nos filmes e séries, marcou uma geração. A jogada de mestre de Alfred Gough e Miles Millar foi enxergar na primogênita uma figura modelo, uma história para além do romance entre seus pais Gomez (Luis Guzmán) e Mortícia,  das torturas com seu irmão e da afetuosa relação com seu querido Tio Chico (Fred Armisen). Aqui, ela retorna para relembrar a Geração Z que não há problema em ser a ovelha negra da família. 

Não há ninguém melhor para ser a esquisita da história do que Jenna Ortega. Vivendo a personagem em uma idade nunca antes vista, a atriz consegue desenhar sua versão da filha mais velha dos Addams em uma folha em branco, sem vestígios de suas antecessoras ou até mesmo de seus trabalhos anteriores. Conseguimos enxergar a criação de um novo conceito para a protagonista, uma nova Wandinha que surge para fazer sua marca jovem na posteridade – quem sabe ela não cria até um Twitter?

E todo o mistério que rodeia Evermore desde o início da série é meticulosamente construído pela direção de Tim Burton, responsável pelos quatro primeiros episódios da trama. Sem medo de usar sangue ou florestas macabras, com forte predominância de tons frios e cenários gravados na sinistra Romênia, o diretor conseguiu captar notavelmente a essência mórbida de Wandinha, entregando cenas aos moldes da Família Addams e elevando a obra para uma perspectiva jovial, mas sem perder seu legado. Os episódios Quem Planta Desgosto, Colhe? e Toma Lá, Não dá Cá ficaram na direção de uma estadunidense bem brasileira, Gandja Monteiro, enquanto os dois últimos, Se Não me Conhece Ainda? e Confrontando Desgostos, foram dirigidos por James Marshall.

Provando que, no fundo, nada mudou tanto assim, temos a volta de Christina Ricci, a intérprete de Wandinha nos filmes dos anos 1990, para produções da Família Addams – mas não como esperávamos. Agora, seu papel é como a professora de botânica Marilyn Thornhill, uma personagem que teve um surpreendente desenvolvimento e tornou-se peça chave para o desenrolar da trama. Sua participação é de tom extremamente simbólico, negando a desnecessária comparação levantada entre as duas versões e mesclando incrivelmente bem a tradição e a modernidade. 

Mesmo alguns meses após seu lançamento, ainda não conseguimos parar de falar sobre Wandinha. Além de virar trend no TikTok, o spin-off conseguiu chegar nas passarelas e até marcar presença em um dos maiores festivais de cultura pop do mundo, a CCXP 2022. O sucesso da obra serviu também para levantar as sérias acusações envolvendo o ator Percy Hynes White (intérprete do personagem Xavier Thorpe), que virou um dos assuntos mais comentados no Twitter e levou a hashtag #CancelPercy nos Trending Topics. 

Se você maratonou os oito episódios da trama e sentiu-se desolado após seu fim, fique tranquilo, uma segunda temporada está mais do que confirmada. A verdade é que a produção, apesar de não ter vencido a estatueta do Globo de Ouro por suas indicações em Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz em Série de Comédia, para Jenna Ortega, ganhou nosso coração. Wandinha nos relembrou o quanto amamos a Família Addams e mal podemos esperar para encontrar conforto na estranheza novamente. 

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Guilherme Veiga

Se tem uma coisa que George R.R. Martin, DB Weiss, David Benioff e a HBO souberam criar, além de um mundo fantástico, foi uma tradição. Nos anos finais de Game of Thrones, uma religião praticamente nasceu em torno da série, na qual dominicalmente entoávamos o rito de sentar à frente das telas para passar a próxima hora imersos naquele mundo. Não é à toa que GoT se tornou um produto de seu tempo que influenciou e ainda influencia a cultura pop.

Graças ao seu final extremamente duvidável e a procrastinação do autor para finalizar os livros, é natural que a série deixasse alguns órfãos para além Westeros. O que não se esperava era que o próprio HBO Max fosse um desses abandonados. A emissora, dona de obras primas como The Sopranos e The Wire, não viu nenhuma produção ascender como a história dos 7 reinos, logo, estar vivendo seu ápice aos poucos coloca na produtora o medo de “como superar isso?”, o que ocasionou uma sombra gigantesca em suas produções. Para espantar essa dúvida, eclodiu do ovo de dragão a primeira série de spin-offs ambientados em Westeros: contando a história dos adorados Targaryen no início do que seria sua derrocada no trono, A Casa do Dragão alçou seu primeiro voo em 2022.

Se engana quem pensa que a série é um copia e cola de GoT ambientado em outra época. Essa era, talvez, uma das maiores preocupações da audiência, apesar da confiança que a HBO construiu em suas obras a partir dos anos. A história do reino dos dragões trouxe muita identidade para si e, já em seu primeiro ano, cravou seu lugar na Televisão, deixando para as próximas temporadas a expectativa de um novo fenômeno. A volta de R.R Martin como produtor executivo e roteirista – que tinha abandonado a jornada de Daenerys nas últimas três temporadas – é, sem dúvidas, o grande motivo disso. Ter a mente criadora, com conhecimento da narrativa na ponta dos dedos para explorar outro ponto de vista dos eventos, faz a série se destacar em seu próprio – e gigantesco – universo.

Diferentemente dos livros, que praticamente passeiam entre as rusgas diplomáticas quase como um observador externo, A Casa do Dragão analisa os conflitos reais a partir da própria nobreza. O jogo político entra mais em foco e, por conta de um elenco mais enxuto, consegue desenvolver e apresentar esse entrave de forma mais palatável e menos complexa (apesar dos vários nomes iguais dos Targaryen), porém igualmente truncada.

Tal artifício é mérito total da escrita, tão afiada quanto os dentes dos vários dragões. O roteiro de Martin, Sara Hess, Ryan Condal e Charmaine DeGraté teve suas deficiências, a principal ficando por conta de um velho fantasma dos anos finais de Game of Thrones: a correria com os episódios. O próprio Martin afirmou que o ideal seriam 13 capítulos, ao invés dos 10 que foram ao ar, e, cá entre nós, ninguém reclamaria de mais três semanas ouvindo a clássica abertura, graças à volta de Ramin Djawadi na trilha sonora. Isso, ainda mais em um temporada que depende de saltos temporais, incomoda levemente, pois mostra que a narrativa tinha muito mais para explorar. Ainda assim, o texto é o grande responsável por driblar os furos e criar um ritmo próprio e extremamente envolvente.

A série não dá respiros e vai direto ao ponto. Se Game of Thrones separava seus episódios políticos do tiro, porrada e bomba – um grande exemplo é o segundo capítulo da oitava temporada, que funciona como o momento de calmaria antes d’A Longa Noite -, House of the Dragon vai por um caminho diferente. A produção sabe mesclar os dois aspectos de forma única e amarrá-los através de traços de narrativa épica para o texto. Apesar de parte da história ser escanteada, a obra consegue criar de forma bem convincente seus personagens; de primeira, é possível entender o papel daquelas pessoas no anúncio de guerra, para futuramente desconstruir essa imagem estabelecida.

Com o design de produção, comandado por Jim Clay, sendo infinitamente melhor em questão de ambientação, House of the Dragon se parece com a prima rica de Game of Thrones. Essa diferença de forma alguma prejudica a obra anterior: pelo contrário, coloca as duas épocas em pontos distintos que, de certa forma, atraem uma coesão para o que foi o período entre guerras. O spin-off entrega um visual de encher os olhos e que condiz com toda a pompa e circunstância da qual se comprometeu.

Os efeitos especiais também são outro espetáculo à parte. Depois da HBO encher os bolsos, a emissora reverteu parte da grana em A Casa do Dragão. Ainda é possível notar alguns deslizes, principalmente nas cenas que envolvem os personagens humanos com os dragões, mas tudo é compreensível dada a grandiosidade que a série se propôs logo em sua estreia. Abandonando aos poucos o fundo verde já saturado pela indústria, a obra investiu nos painéis de LED para compor algumas de suas paisagens e, mesmo quando teve que usar o chroma key – até porque agora precisava imprimir 10 dragões em tela -, fez isso com um primor que mostra que cada vez mais a TV diminui o abismo com o Cinema, as vezes até o ultrapassando, como no caso da produção.

Sem dúvidas, o grande responsável pela série atingir o patamar que atingiu foi seu elenco, em convergência com o texto que soube exaltar seus personagens. A leva de 10 episódios pode tranquilamente servir como indicação ao Emmy para cerca de 90% do elenco principal. Diferente do que fez com suas outras obras, mais uma vez o HBO Max aposta em nomes menos conhecidos do público para o desafio de viver as personas (com exceção de Matt Smith, já conhecido por ser um dos Doctors em Doctor Who).

Tanto os personagens que perduraram pela temporada quanto os que foram trocados na mudança de fase – algo inédito em grandes produções como HotD – entregam atuações de suas vidas. Smith, por exemplo, sabe construir um Daemon cheio de malícia e imprevisibilidade, no qual só sua presença já impõe respeito. A australiana Milly Alcock e Emily Carey (Mulher Maravilha) nos papéis das jovens Rhaenyra Targaryen e Alicent Hightower, respectivamente, imprimem magistralmente essas figuras para suas próximas intérpretes, tanto é que parte das reclamações sobre a temporada ser apressada é porque seria maravilhoso ter mais tempo de tela das duas. Também não se pode esquecer das grandiosas performances de Rhys Ifans (Homem Aranha: Sem Volta para Casa) como Otto Hightower e Eve Best (O Discurso do Rei) como Rhaenys Targaryen, A Rainha Que Nunca Foi.

Mas os verdadeiros destaques ficam para o trio principal que movimenta a história. Olivia Cooke (O Som do Silêncio) entrega uma Alicent adulta sabendo transitar entre sua sede de poder e a subordinação ao pai. Emma D’arcy é deslumbrante e extremamente elegante, assim como um copo de negroni, e impõe uma força surreal para uma Rhaenyra buscando seu lugar, seja ele no trono ou como mulher em uma sociedade patriarcal. Porém, quem destoa completamente é Paddy Considine na pele putrefata de Viserys Targaryen. É difícil simpatizar com o rei de Westeros, mas o ator soube desenvolver as camadas de seu personagem de forma tão verossímil e complexa que é impossível não compadecer com suas dores naquele contexto, além de entregar algumas das cenas mais épicas da temporada.

Ficou claro que House of the Dragon ainda tem muito o que percorrer para se desvencilhar de Game of Thrones, mas o primeiro ano mostrou que essa tarefa não será tão difícil quanto imaginamos. Conhecendo os erros e acertos de uma produção fantástica, a série sabe onde investir e o que arrumar e ainda assim consegue desenvolver uma identidade para chamar de sua. Um dos pontos mais positivos é como trabalhou a força feminina. Enquanto em GoT, com exceção de Daenerys, foram anos para desenvolver algumas personagens, como Sansa, Arya e Cersei, aqui muitas mulheres já estrearam com uma força monumental.

A dança dos dragões começou a ser montada e esse xadrez se mostra tão intrigante quanto o que o inverno anunciava. Apesar dos deslizes, comuns em primeiras temporadas, o saldo de A Casa do Dragão é extremamente convincente e devolveu aos fãs traumatizados a esperança de uma ótima produção se desenvolvendo. A noite pode até ser escura e cheia de horrores em seu futuro, que só vem em 2024, mas o fogo dos dragões promete iluminar esse caminho.

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Ludmila Henrique 

As pessoas definem o passado como um acontecimento deixado para trás, um evento constituído por esquecimentos perdidos e, outras vezes, encarregado de voltas eternas às mesmas memórias. A nostalgia presente nele é recorrente em diálogos sobre o primeiro beijo, desavenças no período escolar, ouvir pela primeira vez um solo de guitarra durante um show de rock, ou talvez, o dia do baile de formatura. Outrora, para certas almas, o passado se encontra incorporado em uma pessoa, e às vezes, em um lugar. Em Cobra Kai, após 32 anos das finais do campeonato All Valley de karatê, os destinos de Johnny Lawrence (William Zabka) e Daniel Larusso (Ralph Macchio) se esbarram novamente nos tatames do torneio. Mas dessa vez, unidos como aliados.  

O desfecho da terceira temporada deixou os espectadores famintos pela continuação, já que os roteiristas Josh Heald, Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg permitiriam deixar numerosas questões em aberto para essa nova fase do seriado. A volta de John Kreese (Martin Kove) na liderança do dojo Cobra Kai, a saída de Robby Keene (Tanner Buchanan) do reformatório, a viagem de Larusso para Okinawa e a luta final entre os alunos do karatê Miyagi-Do em conjunto com os alunos do Eagle Fang, culminaram para que a sequência se tornasse a melhor  em questão de escrita da trama – até o momento.

Apesar da grande espera, obviamente a dinâmica entre Lawrence e Larusso não funcionou de uma temporada para outra, ainda que os dois estejam dispostos a se unirem para derrotar John Kreese no campeonato final e retirar ele do posto de líder do Cobra Kai. A primeira aula deles trabalhando juntos foi nada mais, nada menos, do que desastrosa. Além das diferenças individuais, ambos ensinaram princípios e filosofias distintas para seus pupilos. Os alunos do dojo Miyagi-Do aprenderam a se defender e a encontrarem um equilíbrio interior, enquanto os antigos aprendizes do Cobra Kai, que juraram lealdade ao sensei Lawrence e se uniram ao Eagle Fang, foram instruídos a acertar primeiro, utilizando sempre uma sequência de ataques quase perfeitos.

Levou um tempo para perceberem que a melhor alternativa para o desenvolvimento dos alunos seria a troca de professores. Os integrantes do Eagle Fang foram treinados por Daniel, enquanto os alunos do Miyagi-Do foram liderados por Johnny. Na teoria, esse plano tinha tudo para funcionar, porém, ambos tiveram que lidar com a rivalidade que foi construída entre os próprios discípulos. Uma rivalidade ensinada e repassada através dos senseis, viabilizando uma certa descrença na metodologia de ensino que o outro mentor aplicasse. 

Enquanto Daniel Larusso e Johnny Lawrence procuram superar suas diferenças, a mente engenhosa de John Kreese (Martin Kove) não parou de funcionar nem por um segundo. Sabendo que a união inevitável de seus rivais poderia ser letal para sua derrota no final do campeonato, Kreese procurou reforços. Gradualmente foi apresentado para o público quem iria se tornar o aliado de John nessa jornada. A figura de Terry Silver (Thomas Ian Griffith) já estava sendo prevista pelos fãs desde a terceira temporada, justamente por ser uma personalidade muito presente na narrativa do personagem interpretado por Kove.

Em Karatê Kid III – O Desafio Final, Terry Silver teve sua primeira aparição como antagonista do filme, sendo apresentado como co-fundador do dojo Cobra Kai e ex-soldado do exército americano, lugar na qual ele conheceu seu amigo e aliado, John Kreese. Posteriormente à vitória de Daniel e Sr. Miyagi (Pat Morita) no torneio All Valley em 1984, Kreese perdeu seu status como sensei e consequentemente seus alunos, o fazendo desapossar seu dinheiro investido na academia e também seu dojo. Terry foi a personalidade que estendeu a mão para ajudar Kreese a se reerguer e também a mente por trás do plano de quebra de amizade entre Larusso e Sr. Miyagi. A ideia inicial era se aproximar de Daniel e debilitar seu equilíbrio interno e, consequentemente, com o emocional já abalado, o enfraquecer fisicamente. 

Um dos grandes motivos das lutas finais de Karatê Kid serem tão marcantes, sempre surge de um pretexto anterior. A velha proposta entre os senseis, de cessar as batalhas e adiarem a luta até o final do campeonato de karatê, não é nem um pouco original. Mas ainda se aplica muito bem para o spin-off de um dos maiores clássicos dos anos 80, e, pela primeira vez, essa oferta foi imposta na série, prometendo batalhas ilustres e impensadas pelos espectadores.  

Com as alianças formadas, a dinâmica entre os alunos também foi afetada. Parte dos estudantes eram rivais e participaram da grande luta no West Valley High em lados opostos, mas agora, eles precisam encontrar uma forma de estabelecer uma convivência harmônica e deixar as diferenças de lado. Porém, com o final da terceira temporada, foi confirmada a ida de Robby Keene para o Cobra Kai liderado por John Kreese e surgiram algumas especulações das prováveis consequências dessa união.

Diferente do ano anterior, Keene se encontra cada vez mais lúcido dos eventos que ocorreram após sua liberação da condicional. É claro que ele não está feliz com a situação e têm passado os dias como um lobo solitário, adotando cada vez mais um caráter sério e desconfiado. Sabendo dessa situação, outra presa estava sondando o garoto por um bom tempo. Havia uma onda de incertezas sobre como o jovem iria se sair nesse novo dojo – já que ele foi o primeiro aluno da nova geração do Miyagi-Do – e também por Terry e John serem especialistas em lavagem cerebral de adolescentes. Mas, apesar dessa aproximação, Robby parece focado em seguir seu próprio caminho para derrotar o Miyagi-Do e o Eagle Fang, ao invés de ser um novo fantoche para Kreese, assim como seu pai foi. 

Assim como nas outras temporadas, parte das gravações segue majoritariamente em Los Angeles, cidade no estado da Califórnia e em várias cidades do estado da Geórgia – Atlanta, Marietta, Union City, Conyers e Peachtree City. A fotografia da série se manteve familiar, não se diferenciando das sequências anteriores. Mas evidentemente, pelo início das filmagens ainda serem no contexto da pandemia de covid-19, houve uma preferência por cenários ao ar livre para construção da trama. Justamente por isso, o ponto chave dos treinos entre o Eagle Fang e os alunos do Miyagi-do foi ambientado no clássico jardim do Miyagi-Do dojo, originalmente casa do Sr. Miyagi (Pat Morita). 

Fora as rivalidades que já foram estabelecidas durante três temporadas do seriado, obviamente, os roteiristas acharam um espaço para um novo conflito. O personagem Anthony (Griffin Santopietro), filho mais novo de Daniel Larusso, ganhou destaque nesta quarta, sendo um gancho principal para a narrativa do novato em West Valley High, Kenny Payne (Dallas Dupree Young). Embora seja um rosto novo na trama, a trajetória de Kenny já garantiu confrontos e reviravoltas de grande relevância para a série. Temas como bullying e cyberbullying estão presentes em sua construção, desde os primeiros minutos de sua aparição na franquia. Mas o mais surpreendente é que grande parte dessas ações contra o calouro foram executadas pelo mini-Larusso e seus amigos. 

Todo o desenvolvimento de Payne na série é nostálgico. A situação onde Kenny e Anthony se encontram é muito similar com a narrativa de Daniel e do Johnny no primeiro filme de Karatê Kid. Ambos são interessados na mesma garota, o que desencadeou uma disputa entre eles. Contudo, ainda que semelhantes, o final foi bem diferente do prosseguimento do filme. As similaridades entre Daniel e Kenny se resumiram apenas no triângulo amoroso, e grande parte desse afastamento de narrativa foi propiciado pela presença de Kreese e Tery na vida de Payne.

Da mesma forma que Kenny e Anthony, outros personagens se encontram apaixonados na série. Depois de três temporadas, finalmente o casal Carmen (Vanessa Rubio) e Johnny aconteceu, personagens que se conheceram na primeira fase do seriado e tiveram uma química desde o início. Eles já haviam saído algumas vezes e era óbvio o interesse dos dois, no entanto, alguns acontecimentos, como a lesão de Miguel e o fato de Lawrence ser o sensei dele, fizeram que o namoro demorasse mais do que o esperado.

Keene e Tory Nichols (Peyton Roi List) também se aproximaram nesta temporada, de forma nova, mas não surpreendente. Até o momento, eles apareceram poucas vezes como aliados no enredo da série, mas sempre foram um dos casais mais aguardados pelo público. Ainda que recente, a química entre Robby e Nichols é perceptível logo de cara. A interação entre os dois é algo muito além do que apenas um flerte, ambos possuem um vínculo diferente das suas ligações anteriores com Miguel Diaz (Xolo Maridueña) e Samantha Larusso (Mary Mouser). Que eram relacionamentos claramente unidos pela amizade e a paquera inicial, mas também pela situação da primeira opção deles – que para Diaz era Sam e para Sam era Miguel – não estarem disponíveis naquele momento. 

Outros casais também foram apresentados no decorrer do seriado. Os queridinhos, Miguel e Samantha, não tiveram grandes momentos de tela – tirando o baile de formatura – nesta quarta fase, diferente dos anos anteriores. Mas depois das brigas e das conciliações, os dois seguem sendo um par e parecem ter criado um laço forte desde a terceira temporada. Fora eles, também temos a confirmação do namoro entre Demetri (Gianni DeCenzo) e Yasmine (Annalisa Cochrane), um relacionamento que surgiu de forma inusitada e pouco explorada na série até o devido momento. E por fim, para alegria de muitos, foi dada aos poucos a premissa da reconciliação entre Falcão (Jacob Bertrand) e a personagem Moon (Hannah Kepple), que acabam se aproximando no torneio final. Mas a volta do relacionamento em si, continua sendo algo a se esperar nas próximas sequências de Cobra Kai.

Falando sobre musicalidade, é impossível não enaltecer o trabalho realizado pelos compositores Leo Birenberg e Zach Robinson. Já nos primeiros segundos de It’s Karate Time, somos diretamente transportados para o universo de Karate Kid ou simplesmente para outro filme dos anos 80 que haja heavy metal, hard rock e pop em sua trilha sonora. Os solos de guitarra, bateria e teclado se assemelham a grandes clássicos da época, como You’re The Best, Young Hearts e Cruel Summer. A nostalgia desses clássicos em combinação com um som atual descreve exatamente o que Cobra Kai procura trazer para o público: um encontro entre gerações.

Um diferencial de Cobra Kai, é o modo que a soundtrack denuncia a personalidade e o gosto musical de seus personagens. Nos momentos de tela de Johnny Lawrence – um ex-valentão, com personalidade forte e às vezes meio babaca – bandas como Poison, Twisted Sister e Queen são recorrentes na construção da série, principalmente nas cenas de brigas em bares ou quando conduz o seu Dodge Challenger pela grande Los Angeles. Agora, nas cenas de Daniel, é possível perceber uma outra versão das músicas 80’s. São baladas melódicas e românticas, extremamente compatíveis com o perfil de Larusso. A banda Chicago, liderada pelo Peter Cetera, é um exemplo de artista que percorre em sua mixtape e também um grande marco nas listas de love songs do YouTube.

Esse encontro de gerações não se encerra apenas nos anos 80, ela também está presente em artistas dos anos 2000. Vencedora em 2004 do reality American Idol, a cantora e compositora Carrie Underwood realizou uma ilustre participação na série, ao cantar o The Moment of Truth durante o torneio final de karatê. A cantora do hit Before He Cheats adicionou um frescor para a música originalmente escrita pela banda de rock Survivor. Canção já presente na franquia de filmes do Karatê Kid e com a nova colaboração, se encaixou perfeitamente na cena apresentada.

Seguindo com a narrativa dos personagens, o alecrim dourado de Johnny Lawrence, Miguel Diaz, encontra-se muitas vezes em segundo plano nesta quarta fase do seriado. Miguel não perdeu sua importância na série e continua sendo o antagonista carismático que ele sempre foi, porém, por ser um dos focos principais desde a primeira temporada, os roteiristas procuraram fortalecer a narrativa de outros personagens que anteriormente eram como peões no enredo de Diaz. Miguel aparece em cena muitas vezes questionando sua trajetória de vida e também preocupado em relação ao seu futuro, como as admissões na faculdade, o próprio torneio e também algumas questões familiares, como o namoro recente entre sua mãe e Lawrence, fora as perguntas sobre suas origens e a falta da presença de seu pai em sua vida.

Todavia, diferente de Miguel, Samantha parece muito direcionada nos seus objetivos, que no caso seria ficar mais forte e vencer Tory no campeonato. Seu foco principal é proteger sua família, amigos e a si mesma. No início ela questionava os métodos de ensinamento de Johnny, mas, com o tempo, ela passa a entender que aprender o estilo de luta do Eagle Fang é uma ótima oportunidade de aprender novas formas de atacar e também de vencer a batalha final. Seu convívio com Nichols continua não sendo um dos melhores, o que é bem compreensível depois da sequência de confusões que aconteceram desde o momento que elas se conheceram. Ainda que haja muitos atritos na relação das duas, certas deixas dos roteiristas nos fazem acreditar que essa rixa entre elas está por acabar, ou talvez, de agravar ainda mais essa situação.

Falando em destaque e evolução entre os personagens, temos a menina dos cachos de ouro, Nichols, como foco principal. A loirinha fez de tudo e um pouco mais nessa temporada. Além de sua aproximação com Robby e as brigas com Sam, a jovem foi uma das personalidades mais importantes para a trama da série. Ela sempre está envolvida com um conglomerado de acontecimentos ruins e procurou resolver eles de maneira solitária, mas, dessa vez, foi apresentado para o público uma versão mais aberta de Tory, com suas questões e também sucinta a pedir ajuda de terceiros. O ato de requisitar ajuda não a fez menos durona por isso – já que estamos tratando da vida de uma adolescente – na verdade, essa atitude compartilhou uma das várias camadas que personagem tem e que foi muito acolhida pela audiência, justamente por ser aproximar a trajetória de Nichols com a realidade do público alvo.

Outro personagem importante nessa temporada é Eli Moscowitz. De todos os papéis apresentados, o desenvolvimento de Eli é um dos mais trabalhados no seriado. De bom moço para garoto problema, Falcão passa por bons bocados ao tentar se redimir pelas suas ações não muito legais com os alunos do Miyagi-Do. Apesar de Jacob Bertrand ser perfeito para o papel de valentão – além de ilustre em uma das cenas mais pesadas da terceira temporada – seu personagem, Hawk, retorna a ter certas indagações e inseguranças sobre si mesmo, algo que não é presente no roteiro desde o lançamento do seriado.

Uma das concepções mais interessantes sobre Falcão, é o fato dele ter passado pela famosa jornada de herói presente nas histórias em quadrinhos. Ele percorre os três pontos principais desse tipo de narrativa. De garoto tímido para herói, de herói para vilão e de vilão para sua redenção. Uma escrita clichê, mas que foi executada da melhor maneira possível. Outra particularidade de Moscowitz foi a circunstância dele ser a única figura da trama a ter participado dos três dojos principais. Ele inicia como aluno do Cobra Kai, transita pelo Eagle Fang e encerra sua jornada no dojo Miyagi-Do, lugar na qual ele já atacou diversas vezes. 

Sua saída de carro-chefe do YouTube Premium para uma das maiores plataformas de streaming do mundo foi benéfica em muitos sentidos. O investimento realizado na terceira temporada pela Netflix garantiu um sucesso estrondoso de audiência. Entre dezembro e janeiro, a nova sequência tornou-se uma das produções mais assistidas no streaming, acumulando cerca de 2.4 bilhões de minutos vistos ao redor do mundo. Os produtores executivos Josh Heald, Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg conseguiram, com a história de Johnny e Daniel, ultrapassar grandes nomes da Netflix, como a série de fantasia The Witcher (1.8 bilhões).

O sucesso da narrativa não se limitou em apenas garantir números altos de visualizações do público, mas também se fez presente em premiações. Após ser indicada para seis categorias no Emmy 2021, a quarta temporada de Cobra Kai, lançada no final de dezembro, foi uma das indicadas ao prêmio de Melhor Elenco de Dublês em Série de TV no SAG Awards 2022 e disputou a estatueta com grandes projetos, como Loki  e Falcão e o Soldado Invernal, lançadas pela plataforma de streaming Disney+ e também a famosa sul-coreana,  Round 6, que levou o prêmio.

Uma coisa que os produtores de Cobra Kai sabem fazer perfeitamente é causar intrigas e rivalidades. Porém, a quarta fase da série foi muito marcada pela conciliação e autoconhecimento dos personagens. Assim como as palavras de Daniel no início da temporada: “Muitos de nós éramos inimigos, mas as rivalidades não precisam ser eternas”. E dessa maneira, o enredo de Cobra Kai se afirma. Apesar de ser comum algumas séries perderem a força após três temporadas, isso não ocorreu aqui. De forma surpreendente, a produção da Netflix desencadeou um roteiro nada óbvio e garantiu o desenvolvimento de, no mínimo, mais duas sequências.

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Gustavo Alexandreli

Se você gosta ou já ouviu falar da saga Star Wars, sabe que compreender a cronologia é um grande desafio, até mesmo para os fãs mais apaixonados. Com Rogue One: Uma História Star Wars, lançado em dezembro de 2016, não é diferente. Para entender a jornada de Jyn Erso (Felicity Jones), é necessário voltar mais de uma década e encaixar a história rebelde deste spin-off, o primeiro de Star Wars, entre os eventos dos episódios III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV (Uma Nova Esperança, de 1977).

Com direção do britânico Gareth Edwards, a trama se inicia quando o notável cientista Galen Erso (Mads Mikkelsen) é levado à força por um Esquadrão Imperial e seu líder para finalizar a construção da Estrela da Morte – arma destruidora de planetas –, e sua filha, Jyn Erso, ainda criança é deixada para ser resgatada pelo líder Saw Gerrera (Forest Whitaker) – que não possui sua primeira aparição do universo Star Wars neste filme.

A primeira vez que o vimos foi na animação Star Wars: The Clone Wars, lançada em 2008, que se passa na Era Republicana. O personagem reaparece em Star Wars Rebels, sequência de 2014, já na Era Rebelde – a mesma de Rogue One, em mais uma demonstração do quão extenso é o universo e a cronologia desta franquia. A saga ainda possui em seu horizonte após Rogue One ao menos 7 produções já disponíveis e receberá ainda nos próximos anos conteúdos que foram anunciados durante Disney Investor Day, em 2020.

Após essa breve introdução, Jyn Erso, agora adulta, está presa pelo Império e escondida sob um pseudônimo, enquanto a Aliança Rebelde busca por informações de um suposto piloto desertor enviado por Galen. Ambientado em diversas áreas, inicialmente Rogue One transita muito rapidamente entre as várias cidades, luas, campos e espaços. Com fotografia sob direção do experiente Greig Fraser, é de ressaltar a alta qualidade deste quesito.

Após saber destas informações, o filme não possui muito aprofundamento e segue com a caça por parte da inteligência rebelde em não perder as esperanças de deter a tão temida Arma Imperial. Jyn, agora sob controle da rebelião, é crucial para a missão por conta do sobrenome que carrega. A garota, no entanto, participa ativamente da missão e os acompanha nos diferentes espaços. Possuindo voz forte em decisões que norteiam a rebelião, ela chega ao comando do grupo em conflitos determinantes, fugindo do fardo de ser apenas a portadora do sobrenome.

Os inúmeros conflitos, ambientados desde espionagem até roubos, não possuem elementos conhecidos como os sabres de luz ou a presença da Força dos Jedis e do Lado Sombrio, pois Rogue One se passa pelos esforços daqueles que lutaram pela rebelião para termos “Uma Nova Esperança”. A luta perdura muito mais por questões políticas do que em torno da Força – o que não significa abandono aos elementos base, que, a partir de referências sutis, trazem essa lembrança dos outros filmes da franquia.

Este objeto político durante toda a saga Star Wars sempre se faz muito presente, mas é neste filme que, durante o último suspiro, nos faz pensar para além de apenas uma guerra – indo desde o ideal revolucionário, até mesmo como parte da sua própria vida. As desavenças políticas, o poder de escolha ou não, tornam-se mais do que somente parte da obra.

Rogue One não é a melhor, mas sem dúvidas é uma das melhores produções recentes da saga Star Wars. O roteiro de Rogue One preenche com honra o legado dos que lutaram pela rebelião. Poderia ser simplesmente mais um filme de guerra, mas, ao final, entrega muita luta e esperança para se manter firme em roubar os planos da Estrela da Morte, essenciais na sequência da aventura de Luke Skywalker. O último ato rebelde se dá em uma intensa batalha no planeta Scarif onde a missão se encerra, porém, ainda revela, em seus últimos 3 minutos, um fim dramático e impressionante para uma rebelião contra o Imperador Darth Vader.

Mesmo estando situado entre filmes longínquos – tanto 1977 quanto 2005 –, Rogue One: Uma História Star Wars é a esperança anterior a tudo que a rebelião e os Jedis, quando presentes dentro dos filmes sequenciais da franquia, prosseguem. Atualmente, após 5 anos de sua chegada, a obra ainda preenche parte essencial no universo Guerra nas Estrelas, com um pouco mais de profundidade na história daqueles que não possuíam sabres nas mãos.

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Angelus Simões 

Quando se fala em The Witcher, é quase impossível, se você for um fã, não pensar na figura lacônica e de cabelos prateados que é Geralt de Rívia. No entanto, o personagem icônico que se tornou símbolo tanto dos jogos quanto da série live action, quase não aparece na animação produzida pela Netflix, em parceria com o estúdio sul-coreano Studio Mir, sob a direção de Kwang Il Han. Ao invés disso, o longa The Witcher: Lenda do Lobo acompanha a trajetória de Vesemir (Theo James), conhecido por ser mentor e figura paterna do tão conhecido Geralt.

Lançado com o nome original de The Witcher: Nightmare of the Wolf, em agosto de 2021, o filme quebra o estereótipo geral dos spin-offs de trazer um protagonista conhecido enfrentando um grande inimigo, que no fim das contas é irrelevante para a trama principal. The Witcher: Lenda do Lobo surpreende ao abordar uma história importante para a construção do universo fantástico a que pertence. No entanto, é importante ressaltar que o anime não perde muito tempo com explicações, sendo necessário um certo conhecimento prévio sobre o mundo de The Witcher.

A animação, logo de início, esfrega na cara dos espectadores uma violência gráfica e visceral, característica marcante do estúdio sul-coreano, como já visto em outras de suas produções como: Dota: Dragon’s Blood e Mortal Kombat Legends: Scorpion’s Revenge. Quando introduzido o protagonista, Vesemir é retratado como um jovem irônico e arrogante, fazendo piadas e um monólogo no meio de uma batalha mortal com um monstro, lembrando personagens como Deadpool e Homem-Aranha o que nos faz simpatizar com ele logo de cara.

Sem as mesmas amarras que prendem a série live action, a animação pode explorar mais livremente a magia presente no universo ficcional, trazendo cenas de ação mais belas e dinâmicas. Somando isso à brutalidade explicita presente em todo o longa, o filme é um prato cheio aos entusiastas de ação sem censura.

O roteiro de Beau DeMayo, no entanto, não lança nenhuma fórmula inovadora em seu enredo. Para falar a verdade, segue os mesmos moldes já vistos na série estrelada por Henry Cavill, um protagonista preocupado apenas em caçar e fazer dinheiro, que gradualmente transforma seus objetivos em razão do amor. Ainda assim, muito se engana quem acredita que a obra não passa de carnificina, pirotecnias mágicas e romance.

Conforme a trama vai se construindo, o filme vai revelando sua verdadeira face, tratando-se na verdade de uma história sobre medo e preconceito. Na medida que a animação se aproxima de seu clímax, vão ficando mais visíveis as antipatias que cada um tem pelas diferentes raças e seres daquele mundo. Isso se revela inclusive na história humana do universo de The Witcher, na qual é retratada a existência de uma guerra de extermínio entre elfos e humanos, que deixou os não-humanos desorganizados, marginalizados e gravemente reduzidos em sua população.

Quando, devido a um conflito em uma taverna, Vesemir se vê obrigado a trabalhar com a maga Tetra Gilcrest (Lara Pulver), uma grande opositora da existência dos bruxos, fica no ar aquela esperança de que a convivência entre o dois gere algum tipo de laço que os faça esquecer suas diferenças, mas isso não acontece. Ao invés, há uma constante troca de farpas entre ambos, até que encontrem a criatura que estão procurando e tenham que se ajudar para enfrentá-la. 

Com uma animação excelente e uma história bem construída, é de se esperar que o novo anime da Netflix entregue um trabalho de qualidade em outros aspectos técnicos. E isso se confirma também no que se refere à trilha sonora. O longa é regado com músicas em um estilo meio folk, com presença marcante de violinos e violões. Embora algumas críticas apontem uma insuficiência na quantidade das melodias, essa falha é compensada na qualidade, com uma composição que acompanha bem o clima da cena que participa, mas que mantém uma tonalidade meio melancólica e dramática.

O filme, além de entregar um enredo envolvente com personagens carismáticos e interessantes, também serve bem ao seu propósito, o de explicar um pouco do mundo visto no live action. Os conflitos trazidos em The Witcher: Lenda do Lobo, explicam não só a situação geopolítica da série em carne e osso como também o próprio protagonista da mesma. Geralt é retratado como lacônico e austero, bem diferente de seu mentor, que é bem-humorado e hedonista, o que deixa o questionamento: a que se deve isso?

Pelo que é revelado no longa, o processo para se tornar um bruxo é exaustivo, violento e traumático, e isso por si só seria o suficiente para talvez explicar a personalidade de Geralt. No entanto, o mutante de cabelos prateados teve que passar pelo evento marcante que levou os bruxos a beirarem a extinção, o que certamente reforça o comportamento calado da personagem de Cavill, que era apenas uma criança quando viveu tudo aquilo.

O resultado é exatamente aquilo que o anime precisava ser, um filme de transição. The Witcher: Lenda do Lobo é uma animação divertida, com um bom enredo e bons personagens, que serve ao propósito para qual foi criado: preparar o terreno para a segunda temporada de The Witcher, mantendo o universo fantástico na mente de seus espectadores e amarrando algumas das pontas soltas deixadas pela série.

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Mariana Chagas

Sair da casa dos pais não é fácil. Apesar de muitos jovens crescerem sonhando com a tão desejada liberdade, ela vem com obstáculos que nos fazem ter vontade de correr de volta para nossa cidade natal constantemente. A verdade é que não importa o quanto planejamos e tentamos manter uma estabilidade, em algum momento tudo desmorona. E é nesse momento de muita confusão que a irmã mais velha dos Johnson se encontra.

Zoey cresceu sendo mimada pelo pai, obedecida pelos caçulas e popular na escola. Acompanhamos a personagem de Yara Shahidi durante as temporadas iniciais de black-ish sendo um grande destaque da história. Passando de uma adolescente dramática para uma jovem mais dramática ainda, quando entra na faculdade a menina tem um brusco choque de realidade.

Acostumada a ter tudo de mão beijada e ser sempre queridinha, é assustador quando a universitária percebe que terá de lutar não apenas para conquistar sucesso, mas até mesmo para fazer amigos. Aos trancos e barrancos, unida a um grupo de pessoas tão perdidas quanto ela, Zoey vai descobrindo mais sobre a vida e, principalmente, sobre si mesmo.

A série foi criada pelos especialistas em sitcoms: Kenya Barris, criador de black-ish, e Larry Wilmore, creditado em roteiros de The Office e Um Maluco no Pedaço. Ambos arriscaram desviar da comédia do programa original para seguir um caminho diferente. Quebrando a quarta parede, os episódios são cheios de comentários sarcásticos e uma quantidade não-saudável de reclamações da protagonista para a câmera.

A verdade é que o crescimento fácil de Zoey a transformou em tão egocêntrica que fica difícil da menina conseguir enxergar o outro. Ela falha não com um ou dois, mas os três namorados que tem. Muito se diz que pessoas mal resolvidas machucam pessoas que sabem o que querem, e isso define cada relacionamento que a estudante viveu.

Cash Mooney foi o primeiro e talvez maior amor da jovem. O personagem, que ganha vida pela atuação de Da’Vinchi, surgiu na vida de Zoey em uma situação tirada de fanfic: para se manter no time de basquete, precisava de ajuda com os estudos. Sutilmente os sentimentos de ambos foram mudando, mas a meta do atleta de seguir jogando pelo país se manteve.

Dividida entre seguir o menino ou continuar na faculdade, a estudante recebe uma visita que vem para auxiliar: Rainbow. A mamãe, papel da talentosa Tracee Ellis Ross, lembra a filha de suas metas originais e a importância de se escolher acima de qualquer garoto. Quando o namoro finalmente acaba, Zoey passa por um ritual de passagem para qualquer pessoa: seu primeiro coração partido.

Assim como toda recente solteira, a menina promete focar nos estudos e ficar longe de qualquer romance por um tempo. Mas como o universo ama desafiar sua palavra, as coisas esquentam com Luca (Luka Hall) e a dupla vive o mais lindo friends to lovers. Como não ser #TeamZuca?

Parceiro de Zoey nos estudos de moda, Luca é um verdadeiro artista: talentoso, misterioso e sempre chapado. O ator dá vida ao seu personagem carregando extrema naturalidade, de forma a ser difícil lembrar que o estudante da Cal U, infelizmente, não existe na vida real.

A faculdade onde a mágica acontece é, também, fictícia. A California University of Liberal Arts é gravada nos estúdios Walt Disney em Burbank, que foi fechada temporariamente por conta da pandemia. “Existem diversos protocolos e, infelizmente, L.A. não está realmente fazendo um trabalho ótimo com o covid, em geral”, comentou Yara sobre o porquê do programa precisar ter um tempo em hiatus.

Além do amor romântico, a caloura também não é lá uma ótima amiga também. Quando descobre que Nomi (Emily Arlook) está grávida, seus julgamentos sobressaem o apoio emocional que sua colega precisava. Ao ver o namorado de Jazz saindo escondido, esconde o segredo da personagem de Chloe Bailey. 

Apesar da lista enorme de vezes em que falhou com as pessoas ao seu redor, Zoey se esforça o dobro para melhorar a situação. No fundo, não há maldade nenhuma por trás dos seus erros, apenas a mais pura ingenuidade e um tanto de individualismo. 

As gêmeas que estão com a universitária no caminho ao diploma são Sky e Jazz Foster. Multifuncionais, Halle Bailey e Chloe Bailey também cantam a música de abertura. As irmãs, além de ótimas atrizes, têm entrado muito bem na indústria musical. Com os álbuns The Kids Are Alright e Ungodly Hour, a dupla já coleciona 5 merecidas indicações no Grammy.

Agora, as personagens de Francia Raisa e Emily Arlook são controversas. Ana Torres é uma latina republicana que já causou muito alvoroço no grupo – imagina ter coragem de dizer que pessoas conservadoras sofrem tanta opressão quanto pessoas negras – e constantemente faz comentários de caráter duvidoso. Nomi é uma garota bissexual que terminou com seu namorado por… Bom, por ele ser bissexual. Continuo tentando entender.

A discussão a respeito da comunidade LGBTQIA+, porém, não se limita na personagem que é uma péssima representatividade da letra B da sigla. Vivek (Jordan Buhat), o traficante de drogas no grupo, vive uma noite de festa onde beija um garoto e leva seus amigos à loucura. O desrespeito que Aaron (Trevor Jackson) e Douglas (Diggy Simmons) tratam o menino após saber do acontecimento leva a um dos episódios mais intensos.

Know Yourself, da terceira temporada, aborda homofobia e sua ligação com a masculinidade tóxica. O episódio recebeu a primeira e única indicação da sitcom ao Emmy. Concorrendo na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), o cineasta Mark Doering-Powell, que já é reconhecido por seu trabalho em Todo Mundo Odeia o Chris, agora representa grown-ish na competição.

Com cada temporada se passando durante um ano universitário, na terceira Zoey já é oficialmente uma veterana e legalmente adulta. “Sabe como você nunca quer chegar em uma festa sóbria? Na vida adulta, você nunca quer chegar despreparada. Nem sóbria”, é como a personagem inicia a nova etapa de sua vida.

Depois de ignorar todos os seus problemas e viajar para Londres em busca de seu emprego dos sonhos, a Johnson volta e precisa arrumar a bagunça deixada. Dividida entre os sentimentos que tem pelo ex e por Aaron, ela se sente mais perdida do que nunca.

Mas com o apoio que tem de suas amigas desde o primeiro episódio, ela segue sua jornada. Juntos, o grupo encara todos os monstros da Geração Z – do cancelamento na internet até a depressão. Nenhum dos personagens é perfeito. Pelo contrário, todos erram, nos irritam e são completamente humanos.

Na cena final da temporada 3, os estudantes da Cal U se unem em um protesto contra o racismo na faculdade que é majoritariamente branca. E lutando para encontrar sua identidade sendo mulher e negra, Zoey não poderia ser de outro jeito. 

A protagonista é daquelas que ocasionalmente te faz querer jogar o computador longe, mas também te envolve em seus dramas e problemas juvenis. No fundo, saber que até mesmo a prodígio da família preta mais querida e bem sucedida das sitcoms se encontra em crise, é estranhamente tranquilizante. Sair da casa dos nossos pais não é fácil. Nem mesmo para Zoey Johnson.

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Vitor Evangelista

No ano em que a franquia Drag Race não tira nem uma mísera semana de folga, o número exorbitante de temporadas pode enfraquecer a marca, ou simplesmente levá-la à exaustão do público. Entre as corridas “mais importantes” (a americana e o All Stars), estreou Drag Race España, a primeira leva de capítulos em espanhol de DR. No fim das contas, o que a season teve de baixo orçamento, ela compensou no fator divertimento.

Era uma patifaria atrás da outra, cada perrengue causava mais riso que o anterior e na contramão de coroar uma vencedora paspalhona, España deu o título de Super Estrela Drag Espanhola para a contundente Carmen Farala, uma das drag queens mais completas a se montar no Ateliê (e que, sem dúvidas, colocaria uma porrada de competidora estadunidense para comer poeira).

Como virou costume das temporadas internacionais, 10 rainhas entraram na competição rosa-choque e azul-bebê na Espanha, prontas para ganhar, além do título, da Coroa e do Cetro, um cheque de 30 mil euros. Explorando sem dificuldades o carisma das drags, a produção desse spin-off não esbanjou nem de longe o orçamento avantajado que suas irmãs europeias, como o UK e o Holland o fizeram no passado. A saída foi abraçar o precário e não se estressar muito com isso.

Supremme de Luxe, uma drag conceituada no país, assumiu o posto de apresentadora, mas sua falta de preparo transpareceu nas muitas vezes que olhava para a câmera, aguardando direções dos produtores nos bastidores. A Mother desta edição conduziu sua Corrida das Loucas da melhor maneira que pôde, brincando e se emocionando pelo caminho. Entre os momentos marcantes de Supremme, vale a menção do embate com Inti no Ateliê e o chororô no episódio final, quando as competidoras agradeceram seu tato e cuidado sensível.

Além disso, a tradução das milhares de frases de efeito do programa de RuPaul tornaram a experiência de acompanhar Drag Race España um verdadeiro deleite. Era hora de desligar o cérebro e gargalhar com o “don’t fuck it up” transformado em “no la cagueis”, e com o afeto final de RuPaul sobre amor próprio se transmutar em um breve poema, gritado com emoção pelas queens restantes no episódio. Entre safras de temporadas mais potentes, como a de Symone e o All Stars 6, os nove episódios do España limparam o paladar de quem acompanha Drag Race desde o primeiro dia do ano.

A zona começou com a chegada das drags e a eliminação de The Macarena, uma das quatro participantes que se identificam com o não-binarismo. A queen era carismática, mas não impressionou o suficiente, perdendo a Dublagem para Dovima Nurmi, uma chata de galocha, que, infelizmente, durou muito. Drag Vulcano, natural das Ilhas Canárias, foi a segunda a dar adeus. No fim, nos lembraremos dela por seu salto plataforma, que transformava sua silhueta em um andaime de peruca. Além de mostrar a vibe local, os capítulos iniciais revelaram ao mundo que a Espanha preza muito mais por uma drag de ilusão feminina do que por uma assinatura artística.

Por essa razão, fica fácil entender o motivo da saída prematura de Inti, drag boliviana e residente da Bélgica, não-binária e super avançada em seus conceitos. Fosse essa qualquer outra temporada de Drag Race, Inti seria finalista e provavelmente coroada, mas as incessantes críticas injustas dos jurados (em especial da rata Ana Locking) fizeram-na desistir logo no episódio 3. Adendo a isso, a represália que a latina recebeu pelo visual de sua terra natal retorna a franquia à questão de racismo e do preconceito à qualquer manifestação fora do padrão europeu.

Além do didatismo pragmático na hora de julgar a arte drag, a precariedade da produção do show ficava clara de diversas maneiras. Supremme vira e mexe ajudava as competidoras em trabalhos técnicos, a trilha musical oscilava na edição e elementos novos eram inseridos ao longo da temporada (como gags sonoros), sem qualquer padronização na hora da montagem. Ademais, as Dublagens se estendiam pela canção completa, dando uma canseira do diabo nas queens e no espectador, obrigado a assistir mais de 1 hora semanal de episódio. 

A brilhante Arantxa Castilla-La Mancha foi a quarta eliminada, deixando o Ateliê mais triste e menos barulhento. A autodenominada Hannah Montana espanhola patinou na competição, mas seu carisma valeu mais que qualquer vitória nos desafios. O look usado na Final, em referência a Pânico, apenas reafirmou a mente avançada de Arantxa, umas das pérolas de Drag Race em 2021. Depois dela, o roubo do século mandou Hugáceo Crujiente embora.

Hugáceo, a drag queen com assinatura mais valorosa e destemida do ano, construiu uma narrativa de cansaço ao redor de sua jornada na Corrida. Depois de vencer o primeiro desafio (e esquecer desse fato, em uma cena digna da NBC), a artista foi tropeçando nas injustas avaliações dos jurados, pouco interessados em louvar um estilo drag que se localizava muito mais no campo da Arte abstrata do que na seção de lingerie da C&A. Hugáceo saiu exausta, mas sabendo que sua impressão, a là Sasha Velour, ficará por um bom tempo na cabeça de quem torrou o saco assistindo Sagittaria aparecer igual toda semana na passarela sem ouvir um ‘a’ à respeito.

Outro elemento que encheu o pacová do espectador foi a aspereza de Dovima Nurmi. Nada engraçada ou carismática, ela se recusava a sorrir e entrar na bobeira que foi o España. Seus visuais sustentavam um senso estético interessante, mas com uma personalidade daquela, era mais interessante colocar vestido em um manequim e assisti-lo desfilar. Dovima marcou a competição ao Dublar sozinha após a desistência de Inti, e, mais tarde, se recusar a Dublar contra sua amiga e ex-colega de casa, Sagittaria, em uma trama sem conclusão que os produtores aparentemente esqueceram de narrativizar. 

A última eliminada antes da final foi uma das maiores estrelas que a franquia Drag Race, começada lá em 2009, já apreciou: Pupi Poisson. Carismática, doida da cabeça, incapaz de segurar o riso e uma mocatriz completa. Pupi navegou semanas sendo elogiada e elevada, mas teimou em conseguir sua primeira e merecidíssima vitória. Infelizmente, a partir daí, a espanhola passou a desapontar com vestidos mal acabados, um rombo criativo em sua personalidade estática e apaixonante.

Pupi Poisson representou uma drag distinta da que o público domesticado com as acrobacias e as cinturas milimétricas dos EUA está acostumado. Palhaça de tudo, Pupi era o equivalente a um “tio de perucas”, primorosa em entreter, nem que para isso fizesse papel de tonta. Na verdade, ela adorava desempenhá-lo, fosse derrubando uma escova de cabelo diante de um momento tenso pré-Snatch Game, fosse afinando a voz no Jogo das Imitações ou pisando em uvas ao lado de Carmen no Mini-Desafio mais legal da história do programa.

Sua despedida, na semifinal, foi a mais dolorosa da temporada. Dublando contra Sagittaria e Killer Queen, o histórico positivo pouco importou, mandando Pupi embora, tristonha mas realizada. Sua narrativa só findou, entretanto, no reencontro das queens, quando recebeu o título e a faixa de Miss Simpatia. Afinal de contas, Pupi não poderia sair de Drag Race España sem algo único para chamar de seu.

Quem chegou à Final, ao lado de Carmen, foram duas drag queens competentes e estilosas. Killer Queen começou a temporada tímida e só brilhou para valer no Snatch Game, imitando uma política local que a levou ao pódio da semana e sacramentou sua vaga na finaleira. Em Drag Race España, o Jogo de Imitações, de maneira surpreendente, não foi um completo desastre.

Performances bem incorporadas e visuais certeiros fizeram do desafio um destaque morno da temporada. O grande problema para esse apagamento do Snatch foi justamente a distribuição logística da season, que, pela primeira vez na franquia, abriu um capítulo com o Desafio de Leitura, prosseguiu com o Jogo dos Pontinhos e finalizou com um Ball, mas sem o fator de construção das vestimentas. 

Sem narrativa, trama de superação ou qualquer êxito que a catapultasse para o olho do furação, Sagittaria passou semanas repetindo peruca loira e olhão preto, desinteressada em diversificar. Além disso, o fato de Carmen levantar a questão da falta de vulnerabilidade da colega, às vésperas do Desafio Final, acabou com qualquer hipotética chance de triunfar naquele cômodo lotado de 2 personalidades maiores e 2 tramas mais apetitosas do que a garota espanhola que se inspirou em Aquaria e parecia emular cada respirada da vencedora estadunidense.

Em uma temporada aparentemente aberta, Carmen Farala engrenou em uma subida invejável, acumulando 3 vitórias, além de ter exibido dotes na comédia, na atuação e na costura (quando deixou a convidada Envy Peru de queixo no chão). Sinto que, para sempre, serei acompanhado pela figura de Farala meio-zumbi comendo banana com cara de nojo (e digo isso de maneira positiva). Ela também se deliciou nas passarelas temáticas, com destaque para a homenagem à Veneno, a Noite de 1000 Rosalías e o Makeover de Sherlock Holmes. A parte mais engraçada dessa avalanche de talento? Carmen Farala revelou que nunca assistiu à Drag Race antes de ser escalada para o elenco do España.

Entre Desafios mal bolados, julgamentos idiotas (a imparcial e nada profissional Ana Locking merecia a represália sofrida por Jeffrey Bowyer-Chapman, e até pior), um elenco que babava carisma e uma vencedora inigualável, Drag Race España apresentou o mundo para uma fração da arte europeia ainda não explorada na franquia de RuPaul, além de nos matar de rir toda semana, no melhor estilo programa da Rede TV!. Obrigado Pupi, Hugáceo e Inti, obrigado Carmen, obrigado a todos.

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