Laura Hirata-Vale

“Eu tenho os melhores amigos neste lugar” é a frase que resume o que é a 5 Seconds of Summer. Amigos desde a escola, Luke Hemmings, Calum Hood, Michael Clifford e Ashton Irwin começaram a trajetória do grupo com covers publicados no YouTube em 2011, na cidade de Sidney. Em Setembro de 2022, a banda australiana lançou o seu quinto álbum de estúdio, 5SOS5, que mostra toda a evolução e maturidade adquirida pelo quarteto durante mais de uma década de carreira.

Foram quase dois anos de uma separação forçada pela Covid-19, suspensão de shows e muita reflexão. Por isso, o disco é uma renovação para o grupo. Depois de ser marcada pelo lançamento do complexo e sentimental CALM, logo no começo da pandemia, a 5 Seconds of Summer mostra como mudou durante o período de isolamento social. O lançamento de dois projetos solos de seus integrantes – Superbloom, do baterista Ashton Irwin, e When Facing The Things We Turn Away From, do vocalista Luke Hemmings –, e a saída da gravadora Interscope Records e o ingresso na BMG Rights Management, que gerencia outros cantores como Louis Tomlinson e Rita Ora, mostraram como a banda adquiriu mais liberdade e independência. 

O quinto álbum é responsável por sintetizar toda a evolução musical que a banda adquiriu ao longo dos anos. Os dois primeiros discos foram marcados pela presença do pop punk que, lentamente, foi se tornando um pop rock cheio de guitarras, baixos e baterias. 5SOS5, por sua vez, consolida o gênero e ainda adiciona mais variações de sons aos clássicos, como sintetizadores, pianos e cordas. A mudança de estilo musical, ao mesmo tempo que consegue atingir mais pessoas, deixou alguns fãs saudosistas sentindo falta do passado; principalmente quando se fala da parte do fandom mais antigo, que acompanha a banda desde seus primórdios.

O quarteto dá um show de vocais: a maior parte das músicas possui Hemmings como o vocalista principal, mas, diferentemente do passado, muitas partes são cantadas pelos três outros integrantes, fazendo o trabalho ter uma harmonia bela e equilibrada. Além disso, o guitarrista Michael Clifford canta inteiramente a faixa Emotions. Com frases como “Não se importe comigo, só estou me sentindo meio quebrado, meio quebrado, se precisar de mim, estarei aqui com minhas emoções, minhas emoções”, a canção é uma das mais tocantes, íntimas e sensíveis do disco todo.

Clifford também teve um destaque diferente durante o álbum: ele foi o responsável por boa parte da produção do projeto. Por causa da mudança para a BMG, a banda teve mais liberdade para criar, produzir e escrever, e assim, 5SOS5 possui uma variedade de sonoridades, sentimentos e ritmos, indo de músicas reflexivas e cheias de energia para canções com temas tristonhos, chegando até em odes à amizade e ao companheirismo.

Direto de uma caixinha de música, Older mostra todo o romantismo da 5 Seconds of Summer. O single tem os vocais de Hemmings e sua noiva, a cantora-compositora Sierra Deaton, conhecida pelo hit Little Do You Know. Em uma canção melódica, melancólica e até dolorosa, a dupla canta sobre a paixão e o pesar causado pela perda do amor da vida. Com versos poéticos e bem pensados, como “Em seu vestido de noiva cor de cocaína”, “Minha querida devota delicada” e “Eu sempre estarei sangrando amor” podemos ouvir, sentir e entender a dor e a angústia que o eu-lírico sente. A música é como uma carta de despedida, em que cada palavra escrita possui uma enorme carga sentimental.

Com a flexibilização das medidas protetivas contra a Covid-19, o lançamento de 5SOS5 fez com que a banda realizasse ações que não pôde fazer com o quarto álbum. O primeiro single, Complete Mess, foi lançado simultaneamente com o seu videoclipe, no começo de Março de 2022. Ao longo do tempo, a era ganhou outros cinco singles e mais quatro vídeos. Houve também, no dia em que o disco foi liberado, o show especial The Feeling of Falling Upwards: One Night Only realizado no Royal Albert Hall, uma sala de espetáculos emblemática de Londres, como uma celebração aos dez anos de carreira, ao álbum novo e à volta aos palcos. 

Com o retorno dos shows, o grupo já está confirmado em dois festivais de música: o Tecate Pa’l Norte, no México, e o When We Were Young, nos Estados Unidos. Em relação a outros planos, há a especulação de que Ashton estaria trabalhando em seu segundo projeto solo. É interessante ver como a banda cresceu desde o seu terceiro álbum, Youngblood, o responsável pelo primeiro bilhão de streams de uma canção do quarteto. Em 5SOS5, podemos ver uma 5 Seconds of Summer mais madura, adulta e que se sente confortável em experimentar novos estilos, sons e ritmos. 

Depois de tanto tempo esperando por novidades, os corações da fanbase ficaram “em um liquidificador emocional” e quase pararam por causa das dezenove músicas que compõem o disco. E, de um jeito cheio de carinho, afeição e celebração, a 5SOS vai conquistando seu espaço no cenário musical enquanto acha seu lugar no mundo. Sem esquecer de suas raízes e fazendo questão de voltar ao “nascer do sol em Sydney”, o grupo também mostra como o quinto integrante da banda é a junção da Música com os fãs.  

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Ana Júlia Trevisan

Agosto de 2012, Citibank Hall, São Paulo. Luzes apagadas, músicos subindo ao palco, plateia extasiada. Em seguida vem ela, Maria Rita, grávida de 7 meses, usando roupa branca e carregando a missão de eternizar a memória de sua mãe. A caminhada da coxia até o palco é silenciosa. Não há holofotes ou um grande tapete vermelho para a cantora. Peça essencial do espetáculo, a artista interage de maneira íntima com o mecanismo da banda, deixando explícito que a verdadeira estrela da noite é a única e onipotente Elis Regina. A chegada ao microfone é marcada por uma respiração funda, um frio na espinha e os acordes de um potente piano. Nesse momento a sensação é uniforme, podemos sentir um caloroso abraço: mãe e filha se reencontram.

Intitulado de Redescobrir, o projeto, que colocou Maria Rita como intérprete do repertório de Elis Regina, após dez anos de carreira, começou a ser preparado no final de 2011. Inicialmente, a homenagem contaria apenas com cinco shows gratuitos, patrocinados pela Nívea, e receberia o nome de Viva Elis. O intuito era honrar a memória de uma das maiores cantoras do país no começo de 2012, marcado pelos 30 anos de sua morte. Entrega e sucesso imensos, um mar de gente se concentrava nas capitais brasileiras para fazer parte do emocionante reencontro entre mãe e filha, levando ao rebatizamento do projeto e a turnê registrada em CD e DVD, que prosseguiu até meados de 2013.

Piano, baixo, guitarra, bateria e voz se mesclaram em perfeita harmonia para intensificar o espetáculo e exercer a tarefa que sempre foi fácil para Maria Rita: emocionar. “Ai que bom é ver vocês” entoa a cantora nos primeiros segundos de palco. A abertura com Imagem, música que Elis interpretava nos tempos do Fino da Bossa, na Record, aproxima a filha ao público, expressando sua gratidão. Então, em um momento extasiante, a voz da mãe sai do microfone em um breve discurso, enquanto Maria se afasta para trás do pedestal, que permanece iluminado ao passo em que a Pimentinha assume sua presença em Redescobrir. Em sequência, a artista embala Arrastão, o primeiro grande sucesso da mãe.

A intensidade de cada segundo revela que o maior objetivo da cantora é homenagear Elis e seus fãs. Onipresente no palco, Maria não toma o show para si em momento algum. Sua roupa branca feita pelo fiel figurinista Fause Haten, o palco planejado por Helio Eichbauer e a iluminação milimetricamente pensada por Maneco Quinderé ilustram a intenção primária de destacar a progenitora. Filha da primeira pessoa a inscrever sua voz como instrumento na Ordem dos Músicos, a intérprete segue os passos maternos, entrelaçando voz aos demais equipamentos da banda. Integrada à sua orquestra, a potência da filha brilha, mas a estrela maior é a mãe. Maria Rita afirma ser herdeira de um talento inigualável, trazendo Elis no timbre, nos arranjos e nas interpretações. 

É Como Nossos Pais, terceira faixa do álbum e mais importante no repertório de Elis, que causa o maior choque emocional. Solene, tributário e irreverente, a composição de Belchior, pela voz de Maria, desata o nó do estômago, ainda fazendo com que irremediáveis lágrimas surjam se manifestem. Nesse instante, toda a militância de Elis, que a consagra como grande cantora, é posta à mesa e prova que a luta por uma pátria livre de seus carrascos ditadores está em sua genética. A partir daqui, Redescobrir deixa de ser apenas uma filha cantando para sua mãe e se torna algo maior: Maria passa também a cantar sobre seus ídolos e sobre as fibras que ligam a si própria ao cordão umbilical. 

A canção tão importante para a Música Popular Brasileira, representante de um grito de resistência durante o tenebroso período da história nacional, expõe o desafio que vai além de entoar as canções da mãe, o de embarcar em uma das maiores discografias do Brasil. Enfrentar o calibre do repertório já cantado por Elis é um desafio para qualquer pessoa que vive de música. E, ao longo de 28 faixas, Maria Rita prova ser a pessoa mais capacitada para dominá-las.

O fato da cantora estar muito bem acompanhada em cima do palco eleva a potência da produção musical, refrescando a sonoridade matriz ao mesmo tempo que em ousa inovar em percussões. Existe uma vivacidade nas regravações e nos arranjos criados coletivamente durante os ensaios, que não deixam de remeter ao cânone. São interpretações novas, originais e que referenciam as gravações clássicas, deixando a marca de cada músico nesses arranjos e o respeito ao repertório, assim classificando o projeto como uma vigorosa homenagem e não como um musical com as canções de Elis.

Os dez anos que separam o primeiro disco de Maria Rita e o Redescobrir colocou a cantora em um patamar que a consagra como uma das vozes mais prestigiadas de sua geração. Mas, ao mesmo tempo em que a artista conquistava seu espaço, seja na MPB ou no samba, por mérito próprio, os urubus da mídia insistiam em rivalizar mãe e filha por meio de comparações descabidas.

É mantendo a discografia de Elis intocada por uma década que Maria torna todo o projeto mais intenso e sensível. Não era apenas uma homenagem. Não era apenas duas gigantes no palco. Eram todas essas variantes, acarretadas à volta de Elis para a vida de Maria. Não há adjetivo capaz de descrever a grandeza alcançada pela cantora toda noite em que ela entrava em cena, em frente a enorme expectativa de um grande público, e dava a cara ao desafio de cantar sem sucumbir ao peso e emoção que a cercava.

Homenageando a mãe, Maria Rita ainda encontra espaço para honrar outros grandes nomes da MPB lançados por Elis. Dividindo seu primeiro trabalho ao vivo em dois discos com 14 faixas, extremamente preocupado com a qualidade, memória da homenageada e encadeamento de notas, o show passeia por compositores marcantes e cantores que inspiraram a carreira da progenitora. Para unir grandes nomes como Milton Nascimento, Chico Buarque, Gilberto Gil, Rita Lee, Belchior, Adoniran Barbosa, Tom Jobim e Ivan Lins, a saída foi criar blocos temáticos, em que as faixas sentimentalmente se mesclavam a cantar a história daquela mulher.

Após lidar com a tão aguardada Como Nossos Pais, o roteiro do espetáculo é sequenciado por Vida de Bailarina, Bolero de Satã e Águas de Março para falar de ídolos da adolescência da mãe que, depois, tornaram-se parceiros dela. Mas a emoção vem mesmo à tona no bloco político. Nele, o choro regurgita o destemido trabalho que Elis fez em cantar um Brasil que sonhava em se ver livre das boçais garras de seus tiranos. Querelas do Brasil, O Bêbado e a Equilibrista, Menino e Onze fitas são as canções escolhidas para estampar o repertório setentista da maior cantora do país, ainda reverenciando os corajosos compositores que, com suas letras, ajudaram a dinamitar a ditadura.

A ode a Milton Nascimento vem através de Menino, Morro Velho e se encerra na dobradinha O Que Foi Feito Devera (De Vera) e Maria Maria. São nesses momentos que, além de falar sobre a cantora e a mãe, Maria Rita se emociona ao apresentar a amiga, se enchendo de orgulho em contar sobre o recíproco amor entre Elis e Milton. O intimismo quase místico pelo qual a interpretação de Morro Velho é carregada, mais uma vez comprova o absurdo talento daquela cantora em cima do palco, lutando com as emoções e homenageando sua inspiração maior. Tudo se complementa perfeitamente quando o caloroso público explode na última canção, reiterando que “é preciso ter força, é preciso ter raça, é preciso ter gana, sempre”. 

Para além da emoção que essa viagem proporciona, o que não falta em Redescobrir é uma técnica muito precisa para traduzir cada canção. Em Ladeira da Preguiça, Agora Tá e Aprendendo a Jogar, Maria Rita se mostra solta, interagindo com a banda enquanto brinca com a própria voz. Na sedutora Tatuagem, a artista se imerge na interpretação esbanjando sensualidade, transparecendo seus desejos femininos e, principalmente, provando que se identifica com o repertório que está sendo apresentado, fazendo com que a paixão do público pela mãe encontre a magistralidade da filha.

O clímax de Redescobrir é atingido pela sequência Essa Mulher e Se Eu Quiser Falar com Deus. É aqui que os mundos de mãe-mulher-cantora se colidem a ponto da voz embargar e vermos as lágrimas rolarem pelo rosto da artista num choro de ‘prazer e de agonia de algum dia qualquer dia entender de ser feliz’, se entregando a própria biografia “tenho que dizer adeus/dar as costas, caminhar/decidido, pela estrada/que, ao findar, vai dar em nada/do que eu pensava encontrar”.

Delicadeza, sensibilidade e amor se unem à destreza, precisão e emoção. A interpretação definitiva de Me Deixas Louca é o maior deleite. Ali, Maria Rita se desnuda de qualquer inibição, entregando sensualidade e voz em uma intensidade louvável. Após atingir o nível máximo do prazer, a cantora fica mais leve em suas performances, se divertindo em cima do palco nas faixas seguintes.

Impossível de ser deixada de lado, a amizade entre Elis Regina e Rita Lee – inspiração do nome Maria Rita – aparece em Alô Alô Marciano e Doce de Pimenta, sendo a última nunca gravada oficialmente por Elis. A intenção de Maria de também se reconhecer nas músicas cantadas pela mãe é costurada na composição de Rita, feita especialmente – e sobre – Elis. Doce de Pimenta é uma alusão ao apelido Pimentinha e também uma referência à visita que a artista fez à Padroeira da Liberdade, quando estava presa na época da ditadura. O momento rock´n´roll do espetáculo exala toda a admiração envolvida no projeto, revivendo a generosidade da mãe e deixando transparecer as qualidades herdadas por Maria.

Sua volta para o bis é marcada pela versão acapella de Fascinação. Um arrepio percorre a alma do espectador que viveu a época de Elis ao mesmo tempo em que encanta a nova geração que está sendo apresentada ao espetáculo. O encontro é duplo entre a autoafirmação vocal de Maria Rita e a memória da maior cantora do país. Estamos entrando no fim do show e não é possível conter a forte emoção em Romaria ou na brincadeira de roda feita na faixa-título. Aquela cantora iluminada em cima do tablado não falava ao público que poderia cantar o mesmo que sua mãe, ela a trouxe de volta ao seu cotidiano, às novas gerações e a levou ao Grammy Latino.

Redescobrir é verbo, é canção, é homenagem. Redescobrir é a prova que Elis se mantém viva graças ao carinho do público. Apreciar a experiência de ouvir Maria Rita cantando Elis Regina é a confirmação de que a artista sabe reinventar uma obra amplamente conhecida sem perder sua originalidade. O que fica claro é que não existe imitação, apenas o resgate da memória de outra cantora por alguém que tem o mesmo sangue. Um dos shows mais bonitos do Brasil é uma homenagem à maior intérprete do país, feita pela grande voz da atualidade.

Falar sobre esse álbum é um grande desafio. Desafio não somente por escrever sobre Elis retornando à rotina da Maria Rita, mas pela paixão que sinto por aquela artista vestida de branco e por esse disco ser intrínseco na minha vida. É impossível não me deixar invadir pelo mar de sentimentos que tomam meu corpo e unem a ‘eu’ que escutou esse álbum pela primeira vez e a ‘eu’ de agora. Me sinto arrebatada desde a primeira vez que me deparei com o vídeo da cantora interpretando Como Nossos Pais. 

Foi no ineditismo de escutar esse trabalho que finalmente aprendi a chorar. Chorar aquele pranto que lava a alma e estanca as feridas. Sendo o disco mais reproduzido da minha vida, pude sentir a artista que eu estava acabando de conhecer me abraçando, e o sentimento vem sendo presente desde então. Minha admiração pela força que Maria tem ao subir ao palco, o tempo ao tempo até encarar essas canções me ensinou que “somos a semente, ato, mente e voz”. Gratidão. Sempre.

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Ana Laura Ferreira

Depois de quase dois anos completos em casa, aos poucos estamos voltando a vida normal, tendo a possibilidade de reencontrar amigos, família e até mesmo nossos ídolos. Com uma espera de oito anos sem pisar em terras brasileiras, e uma demora agravada pela pandemia, o fandom do cantor Louis Tomlinson finalmente pôde desfrutar dos vocais perfeitos e da presença de palco impecável do britânico em sua primeira turnê solo. Intitulada Louis Tomlinson World Tour (LTWT), a sequência de shows que vem rodando o mundo desde fevereiro de 2022 mostra o poder que o ex-One Direction tem para cativar, apaixonar e esgotar milhares de ingressos por onde quer que passe.

Divulgando seu álbum solo de estreia, Walls (2020), Tomlinson dá continuidade em uma carreira sólida que se iniciou doze anos atrás, junto com outros quatro cantores, no programa de talentos The X-Factor UK. Fazendo o movimento inverso do que estamos acostumados a ver na indústria, Louis passou de estádios de futebol lotados com a antiga banda, para casas de espetáculos menores. Mas isso não é nenhum demérito! Prova incontestável de seu sucesso é a facilidade de venda de ingressos, os quais, no Brasil, se esgotaram em menos de 10 minutos para as três noites disponíveis, totalizando mais de 30 mil bilhetes.

E por mais que uma conta rápida de matemática nos mostrasse que Louis é, sim, capaz de lotar o Allianz Park, essa diminuição de escala tem um propósito que rege toda a carreira solo do cantor: a aproximação com o público. Com um grupo mais nichado de fãs fiéis, Tomlinson mostra uma preocupação constante em se fazer presente e oferece aos seus espectadores uma conexão entre músico, música e plateia. Entregando exatamente o que promete, as três noites de shows pelo país provaram que mesmo com uma fanbase numericamente menor do que estava acostumado em sua época de One Direction, o amor de seus admiradores apenas se potencializou com o passar dos anos.

A espera realmente foi longa, já que a última passagem de Louis por terras tupiniquins foi em 2014, durante a turnê do álbum Midnight Memories, mas podemos dizer com todas as letras que valeu muito a pena. Com um cuidado primoroso em definir a experiência que deveria ser sentida durante seus shows, Tomlinson vem, durante toda a LTWT, apoiando artistas independentes e os trazendo como bandas de abertura. Para o Brasil, o grupo escolhido foi a Sun Room, os mesmos responsáveis por abrirem os concertos do músico durante sua passagem pelos Estados Unidos.

Empolgados, novos e ao mesmo tempo nostálgicos, os integrantes da Sun Room souberam como esquentar a plateia da maneira correta, com músicas de autoria própria que, ao mesmo tempo que contrastam bastante com o tipo de som do próprio Tomlinson, complementam o ambiente passando uma leve sensação de estarmos em um festival. É por sua singularidade que a banda de abertura ganhou o carinho do público, trazendo um tipo de arranjo que mistura, de maneira impecável, influências do rock dos anos 60 e 70 com uma pitada de modernidade muito bem-vinda. Ao olhar para a Sun Room no palco, foi impossível não pensar neles como uma representação do The Six.

Logo após este esquenta, as coisas começaram a se animar ainda mais e o clima de espera se tornou uma ansiedade palpável para aqueles presentes no show. Com um Smiley Face, marca registrada do cantor, grande e reluzente adornando o palco, pudemos sentir o chão literalmente tremer ao que os primeiros acordes de We Made It começaram. E não havia trilha melhor para a abertura, já que Tomlinson realmente conseguiu estruturar uma carreira fiel aos seus princípios e personalidade, que agora chega ao coração de milhares de fãs pelo mundo.

Se há uma coisa que precisa ser elogiada quando falamos da LTWT é sua banda. É verdade que Louis domina o palco e consegue fazer sua presença imponente naquele espaço, mas nada disso seria possível sem os arranjos precisamente trabalhados dos músicos que o acompanham na tour. Com um destaque especial para o solo do guitarrista Michael Blackwell durante Fearless, a banda conseguiu hipnotizar a plateia e transmitir tamanha harmonia que pudemos sentir que eles se divertiam tanto quanto nós durante a uma hora e meia em que estiveram no palco.

E parece até um pouco redundante falar, mas poucas palavras descrevem os shows de Tomlinson no Brasil melhor do que impecável. Sensacional também seria uma boa escolha, e até mesmo nostálgico, quando falamos sobre a setlist da noite. Com músicas de seu álbum Walls, alguns novas canções que provavelmente farão parte de seu próximo disco e até mesmo covers de bandas como Kings of Leon e Catfish and the Bottlemen, os fãs que aguardavam por ouvir ao vivo os vocais de Louis puderam também desfrutar da menção honrosa a algumas faixas de sua antiga banda.

Seja pulando durante Through The Dark, erguendo bandeiras durante Only the Brave ou gritando o mais alto possível a frase “come so far from Princess Park” durante Habit, o público também teve sua participação para que a noite fosse esse grande evento. Se por vezes era difícil escutar o próprio Tomlinson, dada a altura que os fãs comemoravam e cantavam as músicas, a atmosfera de devoção chegou a emocionar e encantar Louis, que não cansou de repetir, show após show no Brasil, que nunca tinha visto uma plateia tão comprometida quanto seus fãs da América Latina.

Todos os elementos sonoros e visuais do show, fossem eles partidos de Louis ou dos fãs, como a chuva de confetes durante Walls e as luzes de Kill My Mind, contribuíram para que essa se tornasse um noite inesquecível para ambas as partes. Parece um pouco piegas dizer que era como se todos os corações batessem em uma mesma frequência, mas podemos afirmar com certeza que eles estavam compassados com cada nota entoada pela banda. E talvez tenha sido motivado por esse sentimento de união e proximidade que Louis literalmente se jogou no meio da plateia, para que pudesse estar fisicamente ainda mais perto dos fãs.

Para alguém que acompanha Tomlinson há mais de uma década e que aguardava ansiosamente pela oportunidade de vê-lo ao vivo pela primeira vez, é difícil explicar a sensação e tudo que pudemos viver naquelas noites. Não há palavras boas o suficiente para descrever como é sentir as batidas de Little Black Dress pulsando em suas veias, ou a animação de Always You em meio a quase 10 mil pessoas. E talvez, inesquecível, inigualável e incomparável sejam as melhores maneiras de, minimamente, contar como foi a passagem de Louis Tomlinson pelo Brasil.

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Ana Júlia Trevisan

Partir para outro trabalho após uma grandiosa, desafiadora e bem sucedida turnê pode ser uma tarefa dificílima, e Maria Rita sabe muito bem disso. O fim do Samba Meu assombrava as noites de sono da cantora mesmo antes do show de encerramento acontecer. A saída para o problema seriam seis meses de merecidas férias, mas, retomando, estamos falando de MR, rata de palco, e por mais doloroso que o desligamento com o projeto anterior fosse, até os menos céticos desconfiavam que ela aguentaria esse período sem produção. 

Um show sem nome. Uma mini-turnê para a Europa. Quatro shows em São Paulo (que foram se multiplicando semana após semana). A necessidade de se desarmar das expectativas da crítica, do público e de si mesma. É assim que nasce Elo. O último álbum de Maria Rita pela gravadora Warner é complexo em sua simplicidade, e é dessa dualidade, guiada pelo piano do Tiago Costa, baixo do Sylvinho Mazzuca e bateria do Cuca Teixeira, que parte sua beleza.

Aqui, a intenção de Maria Rita é única e exclusivamente o canto. A artista abriu a caixinha de desejos dos amantes de sua Arte e deu voz a clássicos e inéditas que seu público e sua alma pediam. É na despretensão de amarrar as músicas que o faixa a faixa floresce. O tato de Maria Rita é natural de quem vive a Música desde o útero da mãe, e Elo, além de presentear os fãs, comprova a máxima da filha de Elis Regina, trazendo uma narrativa em suas entrelinhas.

Vem desabençoar essa tristeza intrusa

Muito antes de se firmarem em Amor e Música, as crenças de Maria timidamente marcavam presença pela discografia da cantora. Conceição Dos Coqueiros e Santana, além de abrirem o disco, foram as duas primeiras músicas a entrarem no repertório, ressaltando a potência vocal de Maria Rita e conectando a cantora com o sagrado. 

Diferente da calorosa versão Santana cantada por Gal Costa, Maria Rita respeitosamente se curva ao hierático. A bateria de Cuca ganha espaço na canção, que combinada com a fluente dicção da cantora, cadencia e fortalece a letra. Já Conceição Dos Coqueiros, que teve direito a uma emoção indescritível, nó na garganta e tudo mais que acompanha quando ouvida pela primeira vez por Maria, foi transpassada com seu instrumental crescente, que valoriza cada verso Lula Queiroga, Alexandre Bicudo e Lulu Oliveira.

Calor que provoca arrepio 

O credo de Maria desemboca nas águas do mar. Aqui, a cantora cria uma sequência no disco, que contempla Coração a Batucar, Menino do Rio e Pra Matar Meu Coração. Nessa altura do álbum, Maria Rita permite que o calor de um ambiente turístico praiano dominem as sensações. Coração a Batucar, quarta faixa do disco, dá o primeiro espaço ao Samba dentro do Elo. Já as outras, por serem mais ardentes, dão um novo compasso à setlist. Em Menino do Rio, Maria Rita soa mais concentrada nos graves, e em Pra Matar Meu Coração, a cantora fecha a trinca, aproveitando a temática desamorosa e preparando o terreno para as músicas que estão por vir. 

A lista de compositores das respectivas canções vai de Davi Moraes, Álvaro Lancellotti a Pedro Baby e Caetano Veloso. A sequência praiana do disco emaranha a assinatura da cantora com grandes inspirações de sua juventude, como a dupla dinâmica Baby do Brasil e Pepeu Gomes. Maria faz o trabalho completo, provocando encantamento com novas músicas e trazendo de volta a paixão por canções da década de 80. Em Elo, o vento sopra forte na superfície do mar, formando as poderosas ondas que carregam a cantora até hoje.

Disse que meu corpo era só dele aquela noite

Esse capítulo da narrativa começa com a volúpia da A História de Lily Braun. O eu-lírico feminino de Chico Buarque, que já é algo inexplicável por si só, consegue ir além na canção, construindo uma crônica de começo, meio e fim, movida à libertinagem e sem interesse de ser sutil. Maria Rita toma os versos pra si, esbanjando em sua voz toda a sensualidade da letra. Se permitindo ter as mais variadas experiências e sentimentos, também é nessa canção que Maria deixa a paixão pelo O Grande Circo Místico vir à tona.

Mesmo depois do fim de um relacionamento ainda podem restar dúvidas. Aquele ‘será?’ fica no ar, e Só de Você vem para instigar o questionamento e complementar a beleza de Lily Braun. Composição de Rita Lee e com arranjo original de César Camargo Mariano, pai de Maria Rita, a faixa prepara com leveza o fechamento do álbum. Os arranjos de Tiago Costa aproximam Elo da primorosa sonoridade dos dois primeiros álbuns da artista, enredando toda a unânime carreira da cantora.

Você me esquece eu me afundo 

Uma das grandes características de Elo é transitar entre o amor e o desamor. As singularidades das melodias são o grande referencial de sentimentos que passam a sensação de movimento em suas faixas. É a própria densidade das canções que norteia os ouvintes pelo enredo que está sendo contado. O contrabaixo de Mazzucca merece os créditos nessa experiência sensorial, ao mesmo modo que o Acordeon de Tiago Costa dá um tom mais particular ao drama.

Ao sair de uma sequência entre A Outra e Só de Você para encarar o sambão Coração em Desalinho, Maria afirma que não pretende ficar dentro de uma caixinha musical. Pra que seguir um só gênero se ela é maior que isso? Da MPB apresentada em seus dois primeiros discos ao Samba que chegou timidamente em Samba Meu, a cantora prova que canta apenas aquilo que domina, e domina tudo que se propõe a fazer. Seria uma heresia uma artista da magnitude de Maria Rita ficar presa apenas nos padrões da MPB, mas completa no Samba, Maria não esquece que suas fibras são de Música Popular. Elo tem espaço para a artista se testar, remanejar e se encontrar como matéria viva, se alimentando de Música.

E tudo nascerá mais belo. O verde faz do azul com amarelo o elo com todas as cores 

Além do verso que batiza o álbum, essa canção traz a promessa de que não te esquecerei Nem um dia. A composição de Djavan ressalta a relação de respeito por aqueles que escrevem as letras que a cantora brilhantemente dá a voz. De inéditas a grandes clássicos interpretados pelos gigantes da MPB, no Elo tudo é liberado. Sejam as músicas que foram cantadas apenas em 2011 ou as que foram carregadas em outros discos e ao voz:piano, todas ganharam um espaço especial na discografia de Maria Rita. Reforçando antigas colaborações ou iniciando frutíferas parcerias, das novas faixas às antigas sonoridades, Elo compacta a carreira da artista, abrindo as portas para que sua Arte pudesse se rejuvenescer. 

O quarto álbum da cantora não é o disco da carreira, e seria injusto colocar tal peso sobre um trabalho tão natural. Elo foi concebido como uma prova de confiança, que um ano mais tarde se potencializou no Redescobrir. Mais leve e sem amarras, Maria Rita flutua pelos versos rebatizados do disco. A atmosfera aconchegante conta uma história, mesmo que indiretamente, pois a vida é isso: intensidade, desalinho e acerto. É fácil se conectar com o Elo ao mesmo passo que é tangível se conectar com toda a obra de Maria Rita.

Um disco fácil dentro de sua proposta, e um álbum que encerra um ciclo dentro da discografia da cantora. Elo traz a capacidade e personalidade da cantora que cala os urubus da mídia que fizeram a crítica mais cruel: ser parecida com a própria mãe. Maria prova que sua genética é detalhe, que sua carreira diz sobre quem ela é de verdade e não sobre quem terceiros plantam de sua imagem. 

Se ainda havia ficado dúvidas a alguém, o quarto disco da cantora mostra a sapiência e dominando de cada nota. Ela laceia tudo que tinha produzido até então sob o selo MR. Nada sai do lugar, Maria domina cada compasso, como uma boa virginiana. Elo não é o álbum de maior peso em sua discografia, mas nem por isso ele se torna menor. Ele é o empurrão que faltava para que a cantora completa pudesse transbordar sua Arte e, um ano mais tarde, homenagear sua mãe.  

O Elo que Maria Rita selou com seus fãs nunca se perdeu. Sincera, Maria se desinibe em cima dos palcos, local sagrado a que pertence. Do trio elétrico em São Luís do Maranhão ao Auditório do Araújo Vianna, com espaço de sobra pra muita farra na Fundição Progresso, Circo Voador, Tom Brasil e Casa Natura Musical, Maria canta toda sua verdade ao se emocionar com Mainha Me Ensinou, erguer a mão em punho em O Bêbado e a Equilibrista e se recusar a encerrar Cara Valente sem antes o nananinanão que se tornou uma conversa íntima com a plateia, em específico seus bacanudos. Toda essa amizade que marcam esses 10 anos de Elo é reflexo de uma turnê que começou sem nome em maio de 2010.

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Raquel Sampaio

“Charlie Brown não é meu emprego, Charlie Brown é minha vida”. São com palavras diretas como essas, nos intervalos entre as músicas do Chegou Quem Faltava, show gravado em 2011 e publicado em dois volumes em 2021, que Chorão coloca para fora toda a paixão e intensidade dedicadas ao maior projeto de sua história, a banda Charlie Brown Jr.. Carregado de muita nostalgia e um astral contagiante, o disco de 29 faixas chega para celebrar um legado e matar as saudades.

Desengavetar algo produzido há 10 anos pode contar com alguns percalços, principalmente relacionados à qualidade de imagens e captação de som, tendo em vista o avanço das tecnologias do audiovisual ao longo dos anos. Mas isso não acontece com Chegou Quem Faltava. O lançamento conta com uma qualidade de áudio e vídeo consideravelmente boa, capaz de transmitir sensações que passam toda a abundância enérgica do ao vivo, atualmente encoberta pelos tempos de isolamento.

Na formação da época estavam Chorão, Thiago Castanho (guitarra), Heitor Gomes (baixo) e Bruno Graveto (bateria). Com o Grammy Latino de Melhor Álbum de Rock Brasileiro fresco nas mãos, graças ao Camisa 10 Joga Bola até na Chuva, o quarteto protagonizou uma fase mais madura da banda. Sintonizada em estilos mais reflexivos de composição e roupagens mais melódicas, sem deixar de lado a potência expressiva presente desde o começo, seja no ao vivo ou em estúdio.

O show se inicia entregando a intensidade rotineira do Charlie Brown Jr., delimitando com clareza a sensação de “estou em um show de rock”, já que toda a influência hardcore, que usa e abusa de um som veloz e um instrumental pesado, se faz presente. Essa energia é vista com facilidade nas músicas dos álbuns Transpiração Contínua Prolongada e Preço Curto, Prazo Longo, escolhidas a dedo para integrarem o setlist da apresentação. O Côro Vai Comê é a faixa que, mesmo depois de tanto tempo, continua a levar o público ao delírio, como prova de que clássicos não envelhecem. 

O expoente que fez a banda decolar em 1997 nas mãos de Rick Bonadio vem com o sentimento extrovertido de quem estava chegando para invadir a cidade e fazer história. Outro sucesso do grupo, Proibida para Mim explora o astral irreverente de uma história de amor. Chorão dedicou a faixa à esposa Graziela Gonçalves no começo de seu namoro. Dotada de um frescor de juventude, a canção conquistou o mainstream e chegou a se tornar um dos temas da Malhação (1998), caminho que posteriormente a estourada Te Levar Daqui iria seguir.

Zóio de Lula não escapou da seleção que compõe o repertório do Chegou Quem Faltava. Com a sonoridade calcada nas raízes do reggae e do surf music, a faixa narra o típico dia de praia, relaxante e contemplativo. As misturas que flertam com reggae e hip hop, mostram que o espírito livre não estava apenas no estilo de vida do Charlie Brown Jr., mas também na musicalidade, ilustrado com frequência através da conexão praia-asfalto explorada nas composições da banda santista.

Não só de clássicos da juventude se faz um compilado de melhores hits e o restante do repertório conta com tons mais reflexivos, provenientes do amadurecimento da banda e consequentemente das letras de Chorão. A partir de 2005, com o lançamento do Imunidade Musical, o vocalista inaugurou uma espécie de marca registrada em sua linha de composição. Com uma visão de mundo mais ponderada, Chorão trouxe à tona um eu lírico mais sensível, e com maneiras mais metafóricas de expressão, se debruçou em letras no melhor estilo “sobre a vida”.

Adotando com mais naturalidade a substituição dos riffs de guitarra elétrica pelas linhas mais focadas no violão em algumas músicas, essa estética introspectiva caiu nas graças do público e consolidou a banda de vez, como fonte de mensagens inspiradoras. Senhor do Tempo traz uma ótica observadora que, alinhada ao baixo caprichado de Heitor Gomes, entrega um tom sereno à complexidade dos caminhos da vida explorados na poesia de Chorão. Outro clássico dessa toada é Dias de Luta, Dias de Glória, que através de arranjos mais tranquilos e de certa forma um pouco mais melancólicos, se mostra como mais uma faixa carregada de reflexão. 

Delineado pelas dualidades do cotidiano, o compositor dá vida a uma persona mais poética, que aposta em versos rimados e uma melodia sossegada. Só os Loucos Sabem é o tipo da música que Chorão não precisou se preocupar em cantar com todas as palavras no ao vivo – o coro uníssono do público emociona e enche o ambiente, demonstrando o sentimento sincero de quem “estava lá também”. Vinda do consolidado Camisa 10, a faixa ganha uma densidade maior com a adição de baixo e bateria no Chegou Quem Faltava.

Seja na fase “eu odeio gente chique, e eu não uso sapato” ou na pegada “um homem quando está em paz não quer guerra com ninguém”, uma coisa é inegável: Chorão é uma das figuras mais cativantes do rock nacional na posição de frontman. Essa essência fica clara em um dos depoimentos do documentário Chorão: Marginal Alado, dado por Marcelo Nova. O músico e amigo próximo narra um episódio em que foi fazer um show com o vocalista e, ao se deparar com a casa cheia e uma plateia majoritariamente jovem, enlouquecida com a presença de Chorão, declarou:  “Você é a Xuxa do rock”. 

Mesclando o poder incendiário das músicas agitadas à la Rage Against the Machine, com as melodias mais pacíficas vindas do amadurecimento poético da banda, Chorão se alicerçou como o porta-voz da juventude, sendo capaz de atravessar gerações. Sua figura performa aquele velho amigo, que ora está lá para narrar as aventuras mais intensas, ora para dar os conselhos mais sinceros.

Chegou Quem Faltava cumpre seu papel: matar as saudades e refrescar a memória sobre uma das bandas símbolo do rock nacional, que soube se reinventar e manter sua conexão com o público mesmo depois de quase 20 anos. O nome escolhido para o disco foi cirúrgico – era como algo que todos sabiam que estava guardado em algum lugar, só faltava chegar na hora certa. Reavivar o som potente dos eternos meninos de Santos, alinhado ao sorriso espontâneo de Chorão durante todo o show, não foi apenas uma celebração, foi um presente aos fãs, como prova de que independente de qualquer coisa, Um Dia A Gente Se Encontra.

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Ana Laura Ferreira

“Faith in the future”. Essa é a frase um tanto poética que o cantor Louis Tomlinson vem espalhando nos últimos tempos, e o que poderia ser apenas uma ideia motivacional, se tornou grandiosa nas mãos do britânico. Realizado no dia 30 de Agosto, o The Away From Home Festival, produzido e curado pelo músico, viu sua primeira edição chegar como um voto de fé no futuro pós covid-19. Reunindo diferentes artistas independentes, o evento abriu as portas para uma promessa de esperança.

A ideia que fez o festival sair do papel foi pensada há mais de um ano quando, ainda no auge da pandemia, Tomlinson começou a organizar o evento que teve por pré-requisito a mensagem de manter suas portas abertas, seja para os fãs ou para os artistas. O setlist, que contou com a presença das bandas Bilk e The Snuts e a DJ Jess Iszatt, tem como característica comum o seu lugar na indústria da Música. Com as bênçãos do cantor principal da noite, os artistas independentes lideraram o festival.

Elevando esse espírito de liberdade e diversidade em sua última potência, até mesmo o local escolhido para sediar o primeiro TAFHF traz essas características. O parque Crystal Palace Bowl, que já foi palco de grandes estrelas como Elton John, Pink Floyd, The Cure e Bob Marley, carrega em sua história a herança da música ao vivo. Legado esse que foi plenamente honrado pelos mais de 8 mil ingressos distribuídos gratuitamente para o festival. Assim, tudo girou em torno de um sentimento compartilhado e de uma atmosfera de liberdade que apenas a música pode fornecer.

É fato que aguardamos ansiosamente pela volta ao “mundo normal”, quando aglomerações serão permitidas sem perigos ou medos. Em alguns lugares do mundo, isso já é uma realidade, como no caso da capital inglesa. Um dos comentários mais marcantes em relação ao assunto, dado por Tomlinson, foi o desejo de ser um dos primeiros artistas a retornar aos palcos e dividir esse sentimento de esperança e alegria com seus fãs. Depois de turnês em hiatus e mais de um ano longe da multidão, a palavra show é muito simples para definir as apresentações do festival.

Visto de fora, um evento relativamente pequeno parece pouco para quem já lotou arenas ao redor do mundo, mas o que ditou a emoção do dia não foi a quantidade, mas a paixão de quem fez parte do The Away From Home Festival. Seja para o próprio Louis ou para os artistas independentes que se apresentaram, o que mais chama a atenção é a adrenalina do festival e a alegria de trazer de volta o contato humano a quem já não o sentia há tanto tempo. E para além de multidões, ficou bem claro, durante suas mais de cinco horas de duração, que aquela era uma celebração à superação das dificuldades que enfrentamos no último ano.

Mas focando um pouco mais no tema principal do festival, a música, pudemos acompanhar diferentes vozes e perspectivas do rock, pop e eletrônica, compondo um setlist que agradaria a todos. Com um som que trouxe inovação, mas ainda se dedicava a espelhar os grandes astros do século passado, Bilk e The Snuts honraram a herança musical do Crystal Palace Bowl. Sem nunca deixar de soar pelo parque londrino, a DJ Jess Iszatt se responsabilizava pelos intervalos entre os shows, trazendo um toque de modernidade a um ambiente sentimentalmente nostálgico.

Entretanto, quando o assunto foi a apresentação principal da noite, pudemos perceber que a longa espera valeu a pena. Entoando as canções de seu primeiro álbum solo, Walls, Louis Tomlinson não abandonou suas origens e adicionou alguns faixas do One Direction ao set, além de honrar também sua nova perspectiva sonora com covers de 7, da banda Catfish and the Bottlemen, e Beautiful War, do Kings of Leon. Como se não bastasse, o britânico também estreou a faixa Change para o delírio dos fãs.

Podemos perceber que a ideia por trás do The Away From Home Festival não era apenas promover um evento, mas dar início a uma tradição. Ponto esse que foi amplamente detalhado no mini-documentário que compôs o segundo dia de festividades. Distribuído pela Veeps, o sábado seguinte ao festival foi marcado por um Livestream pago, no qual pudemos assistir ao show de Tomlinson, aos bastidores do evento e ao filme dirigido por Charlie Lightening, que mostrou toda a preparação para o grande dia. Mesmo pago, fomos surpreendidos ao ver que a transmissão foi aberta gratuitamente quase ao fim da apresentação para aqueles que quisessem acompanhar a cobertura.

Entretanto, uma coisa que merece a devida dedicação a ser mencionada quando falamos do The Away From Home Festival é o que ele significa enquanto porta de entrada para uma nova fase na carreira do cantor de Kill My Mind. Após sua saída da gravadora Syco em meados de 2020, selo ao qual estava submetido desde de seus dias de One Direction,  Tomlinson se anunciou como uma artista independente e fechou parceria com a gravadora BMG, que coleciona nomes de peso em seus afiliados como The Rolling Stones e Avril Lavigne. 

Para além das já grandes mudanças, foi em março de 2021 que o cantor se pronunciou em suas redes sociais para divulgar a abertura de sua própria empresa de gerenciamento de carreira. Até então sob domínio de diversos braços da Syco, a qual é conhecida pelo abuso de gestão de seus contratados, Louis agora se ergue no propósito de “ajudar a desenvolver novos artistas”. Assim, pudemos ter uma primeira palhinha dessa nova fase ao que o TAFHF se pautou exatamente nos ideais que o cantor carrega.

Um voto de esperança em dias melhores. Esse é o grande significado do The Away From Home Festival, que não se conteve em simplesmente curar uma seleção de artistas que considerasse interessante, mas desenvolver uma atmosfera de compartilhamento e união. Mesmo para quem acompanhou de longe, fomos capazes de sentir a magnitude e o simbolismo por trás daquele evento. Sendo apenas o primeiro de muitos, podemos dizer que estamos ansiosos por sua próxima edição.

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A Netflix acertou em cheio ao testar um novo formato de disponibilização de filmes. Apostando no bom slasher, o streaming produziu uma trilogia que foi lançada durante três sextas-feiras. Rua do Medo teve tudo que os clássicos filmes de terror podem oferecer: reviravoltas, clichês, sexo, casal queer, acampamentos e muito sangue.

A queridinha ainda nos presenteou com o show AmarElo do Emicida, eternizando toda energia positiva daquela noite de 2019. Quem também registrou todo seu amor pela Música brasileira foi a cantora Gloria Estefan, que trouxe, para os assinantes do HBO Max, Sangue Iorubá, um documentário explicando todo seu encanto e inspiração pelos nossos ritmos. Além deles, música e documentário também se mesclaram no mais novo – e delirante – trabalho de St. Vicent, que tenta captar a essência de Annie Clark.

Imagina postar uma thread em seu Twitter e ela se transformar num filme? Pois, o que parece absurdo funcionou muito bem com as atuações Riley Keough e Taylour Paige. Incrivelmente, as viagens de Zola agradaram mais que as de Jolt. O filme de baixo orçamento do Prime Video até traz uma premissa interessante, mas faz com que seu roteiro seja uma sucessão de erros. O aviso que fica é: Nunca Confie em Homens!

A Disney foi liberal na economia e conservadora nos costumes. Com o preço da assinatura do streaming mais 70 reais (Não, Mickey, jamais te perdoarei por isso) pudemos abraçar a tradição e assistir Jungle Cruise, uma típica aventura nos parques do mundo encantado. Ainda na exploração capitalista, nos despedimos de Natasha Romanoff da maneira mais frustrante possível. Não que Viúva Negra seja ruim, mas ele deveria ter aparecido no Cineclube de 2013. E não, Marvel, jamais te perdoaremos por isso.

Esse mês, remakes e continuações ganham espaço especial entre os lançamentos. O aguardado Space Jam: Um Novo Legado chegou sem muitas inovações mas carregado de nostalgia para os amantes dos Looney Tunes. Velozes & Furiosos 9 manteve a qualidade da franquia no patamar elevado e Um Lugar Silencioso – Parte II, ajuda a amarrar as pontas que ficaram soltas no filme anterior. Já Caçadores de Trolls: A ascensão dos Titãs, mais cansa o cinéfilo do que cumpre com sua promessa.

Na TV, o resultado foi mais positivo. A salada de frutas da Netflix atirou para todos os lados: Outer Banks voltou tão apetitosa quanto antes, enquanto Resident Evil: No Escuro Absoluto não esquentou o suficiente. Atypical deu tchau deixando saudade, Mestres do Universo: Salvando Eternia chegou com pé na porta e Beastars retornou com potencial.

A querida e estimada Eu Nunca… continua sua jornada como uma das comédias mais importantes da atualidade, esbanjando o frisson juvenil que muito nos conforta em tempos de pandemia. Young Royals nos serviu o suco da aclamação: Suécia, uma família real cheia de problemas e um romance LGBTQIA+ proibido. 

No HBO Max, chegou a primeira produção nacional, Os Ausentes. Além disso, a joia rara genera+ion finalmente foi disponibilizada aqui, dando vasta visibilidade para essa turminha do barulho, que navega em problemas adolescentes do jeito mais identificável possível: quebrando a cara.

Na casa do rato, Loki adiou suas conclusões a fim de nos apresentar o Multiverso, em adição ao maior personagem da Marvel de 2021, o Loki Jacaré. A segunda temporada de High School Musical: A Série: O Musical (ufa) acabou meio sem pé nem cabeça, totalmente incerta da história que queria contar. 

Na Rede Globo, acabou No Limite e nem a merecida vitória de Paula ganhou as manchetes. Na internet, o xodó The Bold Type encerrou sua jornada na TV de maneira tímida, e a versão espanhola da competição de drags de RuPaul, Drag Race España, divertiu mais que qualquer outra coisa.

Pulando de streaming em streaming, a Editoria do Persona passeia pelos grandes lançamentos de Julho de 2021 e dá as dicas imperdíveis do que de melhor está borbulhando no meio audiovisual. Se prepara para mergulhar em animações instigantes, filmes de terror imperdíveis e até mesmo em uma das melhores produções do ano passado (spoiler: envolve uma vaquinha chegando nos Estados Unidos).

Cinema

Rua do Medo: 1994 – Parte 1 (Fear Street: 1994, Leigh Janiak)

A primeira parte da trilogia de filmes de terror da Netflix inspirados na série de livros de R.L. Stine chegou no início do mês e nos apresentou à realidade sombria de Shadyside, uma pequena cidade do interior americano assombrada por assassinos seriais aparentemente inexplicáveis e que deram à ela a sombria alcunha de Killer Capital, USA. Seus adultos vivem em estado de alerta enquanto juventude ou quer fugir ou já aceitou seu destino sombrio.

É em 1994 que a história começa – e quase termina – no início da trilogia da diretora Leigh Janiak: quando a rixa entre Shadyside e Sunnyvale, a cidade vizinha incrivelmente bem sucedida, leva a um acidente que perturba o espírito de uma infame bruxa e coloca um grupo de adolescentes na luta contra forças sobrenaturais (e seus próprios traumas).

Por mais que a ambientação seja clichê e os sustos não fujam do esperado, 1994 é uma ótima homenagem a clássicos do gênero como Halloween: A Hora do Terror e A Hora do Pesadelo. Com uma reviravolta maravilhosamente queer no seu elenco desafortunado de jovens, propelindo a trama (e consequentemente a trilogia) com uma história de romance frágil e doce. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Rua do Medo: 1978 – Parte 2 (Fear Street: 1978, Leigh Janiak)

Apostando ainda mais alto em reavivar o subgênero slasher, a Netflix nos oferece a segunda parte de Rua do Medo, sua nova franquia de terror. A sequência pode até permanecer com direção e roteirização guiadas por Leigh Janiak, mas a construção e execução dos crimes do serial killer à la Jason Voorhees, a reconfiguração no timing dos sustos, bem como a renovação do apelo dado a mitos sobrenaturais, superam as frustrações atribuídas ao primeiro filme da trilogia pela falta de sangue e profundidade enigmática. 

O retorno à Shadyside? Mais brutal que Olivia Rodrigo. Apimentada, em sua maior parte, pelo choque de personalidades e pela inegável conexão entre as irmãs Ziggy (Sadie Sink) e Cindy (Emily Rudd), a narrativa cria vida (ou morte) em um típico acampamento juvenil. No entanto, surpreende ao jogar a comicidade para escanteio e se entregar a uma versão mais aterrorizante, visceral e violenta do cenário desesperador instalado no decorrer da trama. A ambientação, comum em dezenas de slashers de sucesso, obtém êxito em honrar clássicos do terror bem mais que o início da tríade – tudo sem perder de vista a originalidade gore que o horror espera, atualmente, de seus filmes.

Por fim, o aprofundamento dos massacres e o magnetismo de uma final girl de respeito se unem às metas mal definidas dos impactos sombrios que a bruxa Sarah Fier (Elizabeth Scopel) insiste em causar. Esse é o tripé responsável por manter o fôlego que a trilogia precisava encontrar antes de seu término. Assim, a história instiga horripilantemente seus espectadores a concluírem o cerne de tantas maldições em Rua do Medo: 1666 – Parte 3. – Vitória Vulcano

Rua do Medo: 1666 – Parte 3 (Fear Street: 1666, Leigh Janiak)

A Maldição de Shadyside chega ao fim (por enquanto) junto da trilogia Rua do Medo, que garantiu a diversão em três sextas-feiras seguidas na Netflix. Depois de sermos apresentados às assombrações esporádicas que assolam a cidade no promissor Rua do Medo: 1994, e revisitarmos o Massacre de Nightwing no nostálgico e excitante Rua do Medo: 1978, na parte final da sequência, Rua do Medo: 1666, voltamos à origem da lenda da bruxa Sarah Fier.

Através dos olhos de Deena (Kiana Madeira), os eventos que levaram à maldição da marginalizada cidadezinha se revelam diferentes do que as más línguas contam. Em uma primeira parte menos sangrenta mas igualmente surpreendente, o slasher dos anos 70 e o colorido dos anos 90 dão lugar à uma amedrontadora e tensa paisagem bucólica, impossível de não ser comparada ao da icônica A Bruxa, e o sangue ketchup é substituído pelo suspense. 

Com o passado desvendado e um plot twist que reengata onde a narrativa parou, 1666 corrige a história de Sarah Fier e, em um desfecho rápido e cheio de cenas eufóricas e divertidas, encerra a trilogia idealizada pela diretora Leigh Janiak. Agora, cabe à Netflix decidir se o final feliz de Shadyside vai durar ou não… e esperamos que não. – Vitória Lopes Gomez

Ar Condicionado (Idem, Fradique)

Ar: o fluido que respiramos. Condicionar: tornar dependente de condição, acondicionar. É a partir da contradição entre o natural e o artificial, da condicionalização daquilo que é essencial que Ar Condicionado tem seu ponto de partida. O filme do diretor angolano Fradique tem uma premissa inusitada: os ar-condicionados (apelidados de ACs) dos prédios de Luanda começam a cair sem razão aparente. Em meio ao mistério, Matacedo tem a missão de trazer o AC de seu chefe consertado, o que o leva a uma estranha jornada pela capital angolana. 

A trama ganha camadas de realismo fantástico quando percebermos que saber a razão dos incidentes frequentes talvez não seja a pergunta mais importante a ser feita. Os ar-condicionados passam de meros resfriadores a causadores de fatalidades, armazenadores da memória humana, tornando-se até razão para o luto. Mesmo com o frescor de descobrir o Cinema de outras partes do mundo, Ar Condicionado por vezes pode cansar com seu protagonista vagando no labirinto urbano, sem levar a história para uma direção evidente. Ainda assim, a multiplicidade de interpretações gerada pela imagem dos ar-condicionados torna o filme emblemático, levando-nos a aceitar que na selva de pedra, ninguém consegue respirar. – João Batista Signorelli

Caçadores de Trolls: A ascensão dos Titãs (Trollhunters: Rise of the Titans, Johanne Matte, Francisco Ruiz-Velasco e Andrew L. Schmidt)

A conclusão da série de histórias criada por Guillermo del Toro chega na forma de um longa com a cruel tarefa de unir todas as tramas apresentadas nos Contos de Arcadia e levá-las a um fim com o esperado embate contra a Ordem Arcana. Infelizmente, A ascensão dos Titãs não suporta o peso de seu enredo estufado e se arruína na hora de entregar um final satisfatório para aqueles que vinham acompanhando seus personagens desde 2016.

A qualidade da animação é um dos poucos pontos fortes do filme que, junto com a fotografia, elevam a batalha dos defensores de Arcadia contra os gigantescos Titãs em lutas espetaculares que ecoam Pacific Rim. No entanto, há tantos personagens e subtramas inconsequentes que fica até difícil prestar atenção quando algo genuinamente divertido acontece.

São os personagens de Caçadores de Trolls que mais sofrem na transição de formato, sendo relegados ou à piadas recorrentes ou apenas aparecendo para cumprir tabela, sem relação direta com os eventos que se desenrolam. A única parte épica do longa está na escala da decepção que seu final causa: não só desperdiça todo restante do filme como também todas as séries que o precederam em uma decisão final verdadeiramente deplorável. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Quando St. Vincent decide fazer um documentário, é certo que sua abordagem não será convencional. Em The Nowhere Inn, a artista nos carrega junto nos bastidores da turnê de MASSEDUCTION, onde conhecemos a verdadeira cara por trás do pseudônimo enigmático dos palcos, Annie Clark – ou pelo menos achamos que sim. Ficção e autobiografia se entrelaçam num pseudo-documentário à la David Lynch, nos levando conscientemente a não entender nada.

A premissa inicial do longa é de documentar a essência da real Annie Clark ao lado da amiga e cineasta Carrie Brownstein. Juntas, as amigas iriam criar um relato metaficcional sobre a essência artística de Clark, mas que rapidamente revela divergências criativas. O que começa de maneira clara, logo se transforma num delírio delicioso. A realidade é fragmentada e não é mais possível distinguir o que é autêntico e o que é espetáculo em meio à cores vibrantes, figurinos deslumbrantes, uma trilha sonora com versões inéditas das canções de St. Vincent e cowboys.

Para quem é fã, a diversão é garantida. Contudo, aos não familiarizados, a experiência pode se tornar desapegada quando o foco narrativo do longa não é a história em si. Entre bizarrices divertidíssimas, nos deleitamos ao ver uma St. Vincent totalmente diferente de suas personas performáticas, como nerd jogando Nintendo Switch ou até mesmo contracenando como namorada da atriz Dakota Johnson. Com proposta óbvia de não ser levada a sério, Annie Clark nos convida a adentrar numa fantasia surrealista e embarca quem quer. – Ayra Mori

Jungle Cruise (Idem, Jaume Collet-Serra)

A pandemia fez com que todos os estúdios precisassem se adaptar. No caso da Disney, a empresa optou por vender seus lançamentos no formato de Premier Access no Disney+, além da tradicional exibição nos cinemas. Jungle Cruise, nova aventura lançada nesse formato híbrido, diverte e cativa de tal forma que nos faz relembrar da força das histórias que viajam pelo desconhecido. 

Baseado no parque temático da Disney, o filme conta a história da Dra. Lily Houghton (Emily Blunt), que pede ajuda ao capitão Frank Wolff (Dwayne Johnson) para levá-la à Amazônia em seu barco caindo aos pedaços. Juntos, procuram por uma árvore ancestral que pode curar qualquer doença.

Jungle Cruise não tem medo de abraçar a fantasia. O diretor Jaume Collet-Serra aproveita as possibilidades dos efeitos especiais para construir uma jornada colorida e vibrante como a natureza. Em tempos que parecem valorizar demais o realismo, é bom ver o retorno de aventuras mais tradicionais e escapistas como essa. – Caio Machado

Um Clássico Filme de Terror (A Classic Horror Story, Roberto De Feo e Paolo Strippoli)

Quando uma obra-prima cinematográfica vem à vida, logo nos vem à mente a seguinte pergunta: o que o diretor não faria para alcançar tamanha perfeição? Talvez Um Clássico Filme de Terror não seja uma obra-prima, mas dizer que seu “diretor” deu o sangue para alcançar esse mesmo objetivo é inegável. O longa italiano lançado pela Netflix mescla um pouco do terror clichê (como já propõe o próprio nome) com um toque moderno e, infelizmente, batido.

Começando pela fórmula reciclada, o plot twist e sua intenção inovadora já não é mais um plano de ação fresco no mundo do Cinema, mesclar elementos demoníacos com o controle humano já não causa mais a mesma surpresa. Porém, é o cenário da não tão Santíssima Trindade mafiosa que cria o melhor elemento do filme: a metalinguagem. Dentro do ambiente cinematográfico onde há outro ambiente cinematográfico, perdemos a noção de quem está no comando e o que é real ou não. Ao final, no melhor estilo Casamento Sangrento, nossa bambina se despede da maneira mais satisfatória possível. – Vitor Tenca

Space Jam: Um Novo Legado (Space Jam: A New Legacy, Malcolm D. Lee)

A onda de remakes de filmes dos anos 1990 continua com a atualização do clássico Space Jam, e mais do que nunca é de se questionar se isso é uma boa ideia. Space Jam: Um Novo Legado conta a história da maior estrela do basquete atual: LeBron James, em uma aventura no mundo cibernético em que precisa derrotar uma Inteligência Artificial em um jogo de basquete, ao lado dos Looney Tunes, para salvar seu filho. 

Apesar de uma trama não muito inovadora, o filme traz algumas diferenças em comparação a sua versão anterior, especialmente em relação às motivações por trás dos acontecimentos. O vilão, o jogo, os problemas, todos são consequências apresentadas pelo mundo de James, diferente da versão de 1996, em que Michael Jordan é apenas mais um personagem no mundo dos Looney Tunes. E isso em partes tira um pouco da alma do filme, tornando-o um tanto corrido em alguns momentos e arrastado em outros, parecendo não saber muito no que focar. Se é na história de um pai e filho com interesses diferentes que tentam se conectar, ou só em um jogo de criaturas lunáticas com motivações lunáticas.

É difícil assistir Space Jam: Um Novo Legado sem comparar pelas lentes da nostalgia, mas quando removidas temos um filme bem feito, um pouco repetitivo, mas que agrada em sua proposta de divertir o público e que vale a pena assistir. Nem que só pelas referências ao universo da televisão que é trazido ao longo do filme. – Marcela Zogheib

Um Lugar Silencioso – Parte II (A Quiet Place Part II, John Krasinski)

Um Lugar Silencioso – Parte II se encarregou de explicar como o apocalipse alienígena – e que os Demogorgons com super audição vieram de meteoro – do primeiro filme aconteceu, e dar continuidade na história ao mesmo tempo. Agora com um bebê e a descoberta de como matar os alienígenas, o que sobrou da família Abbott explora o mundo fora de sua fazenda. Com uma fotografia mais clara e a mesma boa dose de sustos, o thriller mantém a ótima performance. 

É na sonoplastia que mora o segredo, ainda que não seja O Som do Silêncio. Nas mãos de Krasinski, o som norteia o filme, na mesma proporção em que a não-audição de Regan (Millicent Simmonds) o faz. Há um jogo de cenas espetacular entre sons nítidos de todas as movimentações, literalmente até troca de sinal no semáforo, e a quietude do mundo da menina. Após a morte de seu pai, interpretado pelo ator e diretor Krasinski, só ela é necessária para o andamento da história. Mas Cillian Murphy co-protagoniza o filme, mantendo o clichê de uma figura masculina heróica. – Nathália Mendes

Jolt: Fúria Fatal (Jolt, Tanya Wexler)

Parte filme de ação de baixo orçamento, parte comédia romântica de roteiro duvidoso, há poucas cenas em Jolt: Fúria Fatal que fazem jus ao potencial farofeiro do longa de Tanya Wexler. Lançado pelo Amazon Prime Video em julho e estrelado por Kate Beckinsale, a trama segue Lindy, uma mulher que usa um sistema de eletrochoque para evitar impulsos de violência súbitos. Quando seu namorado de dois dias é misteriosamente assassinado, ela vai contra os desejos de seu terapeuta (Stanley Tucci) e decide punir os culpados com as próprias mãos.

Embora o carisma de Kate Beckinsale seja capaz de suportar bastante coisa, ele não basta para que a uma hora e meia de filme se passe num ritmo minimamente agradável. Com cenas de ação e cenários genéricos, fica difícil se conectar com os traumas de sua protagonista irritável, mesmo que em alguns momentos a sua falta de paciência seja genuinamente engajante e divertida de se ver (talvez porque seja o mesmo sentimento do espectador).

No aspecto de comédia romântica, o filme obtém melhores resultados, graças à boas interpretações de um elenco que claramente merecia mais com o que trabalhar. No entanto, o final destrói qualquer chance de uma boa lembrança, entregando conflitos clichês e um plot twist que sacrifica a construção de personagem pelo shock value e, incrivelmente, acha de bom tom dar pistas para uma sequência. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Zola (Idem, Janicza Bravo)

É comum ver filmes baseados em livros, peças, jogos, acontecimentos marcantes… mas nunca em algo feito nas redes sociais. Zola chama a atenção nesse aspecto: é o primeiro filme baseado numa thread que viralizou no Twitter, escrita pela norte-americana Aziah Wells em 2015.

Na trama, a garçonete Zola (Taylour Page) concorda em acompanhar a amiga, Stefani (Riley Keough), numa viagem à Flórida. O que deveria ser um final de semana com festas e curtição rapidamente se transforma numa jornada absurda de 48 horas.

Com um visual limpo e agradável digno de filtro dos stories do Instagram, Zola prende a atenção por causa de sua sequência de acontecimentos tão malucos que suscitam o questionamento de “será que isso aconteceu mesmo?” em várias cenas. É uma aventura igualmente tensa e cômica que consegue incorporar, de maneira criativa, elementos característicos das redes sociais, como o som de notificações do Twitter e o recurso da rolagem infinita presente na timeline do Instagram. – Caio Machado

Viúva Negra (Black Widow, Cate Shortland)

Viúva Negra é frustrante. Não ruim, nem fraco, muito menos entediante. Mas, depois de 11 anos desde sua aparição inicial no MCU, assistir o primeiro filme protagonizado por Natasha Romanoff sabendo o futuro injusto que a aguarda é frustrante. A primeira Vingadora a aparecer nas telas da Marvel precisou sofrer com a sexualização extrema, a falta de um arco relevante, um relacionamento meia-bomba com Bruce Banner e uma morte horrenda em Ultimato para finalmente ganhar um longa solo que se preze, minimamente, a dar os contornos vivos e lúcidos que a personagem de Scarlett Johansson merecia – verbo conjugado no passado, infelizmente.

Enriquecendo a folha de pagamento do estúdio com Florence Pugh, David Harbour e Rachel Weisz, Viúva Negra volta no tempo e se norteia logo após os acontecimentos de Guerra Civil, pondo em foco o período em que Natasha estava foragida e precisou se reencontrar com a família falsa que a botou entre os dentes asquerosos de Dreykov e sua iniciativa de Viúvas. Se você esperava um desenvolvimento sólido sobre o período de treinamento da agente ou do que ela precisou fazer como Viúva, o filme de Cate Shortland apenas pincela esse passado, deixando a impressão de que, na verdade, estamos assistindo Viúva Negra 2: A Volta da Sala Vermelha, sucessor de um hipotético filme de origem da heroína.

A trama se sustenta, claro. A relação de Natasha com Yelena é caótica e divertida, e seu acerto de contas com a jovem Antonia suga o que há de mais dramático na bagagem de Johansson. Apesar de pouco explorados, os traumas causados pelo terror da Sala Vermelha deixam a atmosfera densa, complementando a atuação de Ray Winstone como um dos vilões mais repulsivos – e relâmpagos – da Marvel. No fim das contas, Viúva Negra é um tapa-buracos para os anos de descaso cinematográfico que a personagem teve que aturar. E isso, com certeza, afeta a despedida da Vingadora. – Caroline Campos

First Cow – A Primeira Vaca da América (First Cow, Kelly Reichardt)

Em First Cow, somos transportados para um oeste norte-americano bem diferente daquele que Hollywood está acostumada a mostrar. Não é o lugar de heróis corajosos, de grandes jornadas, ou de conquistas históricas. Muito menos o cenário para a corrupção e a violência do faroeste revisionista. O estado de Oregon é um lugar de simplicidade, onde a chegada de uma vaca ao território é um evento, onde botões são usados como moedas de troca, e o prato para o jantar é colhido diretamente dos arbustos ou pescado no rio. 

O mais aclamado e premiado longa da diretora e roteirista Kelly Reichardt acompanha o encontro entre o cozinheiro Cookie (John Magaro) e o imigrante chinês King-Lu (Orion Lee), e a sincera amizade que se desenvolve entre os dois. Motivados pela possibilidade de fazer dinheiro com as habilidades culinárias de Cookie, a dupla passa a ordenhar clandestinamente a vaca do homem mais rico da região. O retrato de dois homens buscando se realizar e estabilizar através de seu pequeno negócio torna-se também um retrato naturalista e sem idealizações da construção do sonho americano.

O ritmo lento e contemplativo pode parecer um obstáculo, mas aos moldes de Guimarães Rosa, superados os desafiadores minutos (ou páginas) iniciais, a experiência se torna enormemente recompensadora. A simplicidade de seus personagens é traduzida para a luz natural, os cenários rústicos e o jogo de câmera sutil. Aos moldes dos bolinhos feitos por Cookie, é um filme construído de forma artesanal, quase do mesmo modo que 200 anos atrás, aqueles homens haviam construído com suas próprias mãos, suas vidas e as das gerações futuras, em um lugar onde sequer a História havia chegado. – João Batista Signorelli

Sangue Iorubá: Uma Jornada Musical Através de África, Brasil e Cuba (Idem, Lourival Rodriguez)

Gloria Estefan é uma cantora cubana naturalizada estadunidense. Multigrammyada, ela é uma das maiores representantes da Música latina, e o Brasil é um dos itens da inúmera lista de inúmeras influências que compõem a artista. Para homenagear a Música brasileira, mais precisamente o samba, Gloria gravou um álbum de inéditas intitulado Brazil305. A imersão audiovisual da cantora foi complementada com o documentário Sangue Iorubá, onde ela fala das semelhanças da sonoridade trazida pelos africanos.

O documentário acompanha a viagem de Gloria por São Paulo, Rio de Janeiro e Salvador, e também traz cenas da cantora no Estados Unidos. Para contar a história do samba, há participações especiais de produtores e grandes nomes da música como Maria Rita, e os maiores sambistas da velha guarda como Alcione, Jorge Aragão, Zeca Pagodinho e Ubirany do Grupo Fundo de Quintal. Todos esses encontros mostram a admiração de Gloria por nossa música e seu encantamento por nossos instrumentos.

De todos os encontros, os mais marcantes aconteceram na quadra da Portela e em Salvador ao lado de Carlinhos Brown. Na Portela, a conversa acontece com o baluarte Monarco acompanhado da velha guarda da escola. Gloria usou do santuário carnavalesco para gravar o brilhante clipe de Samba. Já em Salvador, a cantora visitou o Candeal, local onde Carlinhos foi criado. O ex-Tribalista, que exala ancestralidade, foi ponto chave no documentário Iorubá, ele apresenta toda história e magia da musicalidade brasileira. – Ana Júlia Trevisan

Velozes & Furiosos 9 (F9: The Fast Saga, Justin Lin) 

O oitavo filme da franquia Velozes e Furiosos impressionava por seu nível de loucura, com cenas envolvendo um submarino no gelo e até uma chuva de carros. Depois dele, ficou difícil imaginar como poderiam se superar na continuação. Felizmente, Velozes & Furiosos 9 consegue esse feito com facilidade. 

Na trama, o passado de Dominic Toretto (Vin Diesel) volta a assombrá-lo quando seu irmão, Jakob (John Cena), retorna e passa a trabalhar com a hacker Cipher (Charlize Theron). Então, cabe a Dom reunir sua equipe novamente para derrotá-los. 

Tentar descrever a experiência de ver Velozes & Furiosos 9 é um esforço complexo diante de tantas cenas malucas, que vão desde carros com foguetes até uma ida ao espaço para destruir um satélite. O que importa é que isso tudo é unido por um senso de amizade e respeito que aproveita tão bem o espetáculo que o Cinema é capaz de oferecer que você nem se importa com as leis da física quebradas por eles durante as mais de duas horas de duração. – Caio Machado

Emicida: AmarElo – Ao Vivo (Fred Ouro Preto)

Depois de um documentário sensível e autoral sobre a construção do Brasil, Emicida pintou novamente o vermelho da Netflix com seu AmarElo – Ao Vivo. O show histórico no Theatro Municipal, retratado pela criatividade de Fred Ouro Preto, entrou na íntegra no catálogo do serviço e espalhou pelos quatro cantos a genialidade de um dos maiores rappers do país. 

Mesclando canções de sua discografia, a apresentação harmoniza uma sinfonia perfeita entre artistas e plateia, todos pulsando no ritmo inigualável daquela noite de 2019 em São Paulo. Ao lado de Majur, Pabllo Vittar, MC Tha, Drik Barbosa e Jé Santiago, Leandro Roque de Oliveira balança a fundação do Municipal e entrega um concerto que dialoga com a ancestralidade e com o poder da cultura negra. Emicida, você fez o Sol levantar. – Caroline Campos

A primeira cobertura do Persona ainda influencia o que fazemos hoje. Quando Lorelei surgiu dentre os lançamentos audiovisuais do mês, não poderíamos deixar passar uma das obras que ficou de fora da nossa cobertura da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Em outubro do ano passado, o filme de Sabrina Doyle chamou a atenção dentre a vasta curadoria do festival pela sua promessa de um drama sincero sobre sonhos, amor e família à margem da sociedade. E em julho de 2021, ele tem sua chance de cumprir o que prometeu.

O longa parte de Wayland (Pablo Schreiber), que acaba de cumprir 15 anos na prisão por um assalto à mão armada. Quando preso, ele interrompeu o relacionamento juvenil movido pela paixão e sonhos que cultivava junto de Lola (Jena Malone), que depois de todos aqueles anos, também seguiu a vida como podia sendo mãe solo de 3 filhos. O pretexto de Lorelei é simples e até clichê, mas a delicadeza de sua diretora estreante, que também assina o roteiro, transforma a narrativa em algo quase mágico de tão singelo.

Além de trabalhar bem com a raiz do filme, Doyle também desenvolve perfeitamente seus personagens principais, seguindo o trabalho fantástico de seus atores. Malone trabalha na pele de uma mulher que viu sua vida mudar completamente de uma forma muito rápida, e que embora cheia de amor, é marcada pela dor de engavetar seus sonhos. Já em Wayland, Schreiber é melancolicamente hesitante nas tentativas de se colocar de volta no mundo depois de uma década e meia longe de tudo. O encontro dos dois é uma colisão de dois corações em pedaços, um pelo outro e também pela vida, e assim, Lorelei cria sua própria maneira de tratar o que já sabemos sobre segundas, terceiras, quartas e muitas outras novas chances. – Raquel Dutra

TV

genera+tion (Parte 2 da 1ª temporada, HBO Max)

O charme de genera+ion, a comédia dramática mais subestimada de 2021, é a habilidade dúbia de construir tramas igualmente patéticas e sérias. Seja nas peripécias amorosas de Chester (Justice Smith, em um papel definidor de sua carreira), ou nas bruxarias feministas de Arianna (uma hipnotizante Nathanya Alexander) e até mesmo nas caras e bocas que Megan (Martha Plimpton) projeta frente à modernidade da vida dessa garotada: a série sabe que não precisa se levar a sério.

A leva final de capítulos da primeira e, por enquanto, única temporada, transporta o roteiro de maneira menos incisiva que o começo, mas a criação da jovem Zelda Barnz e seu pai Daniel engrena a partir do momento que entende o coração de genera+ion: o complicado enlace de Greta (Haley Sanchez) e Riley (Chase Sui Wonders). O casal passa por todo perrengue imaginável e, dentre todo o elenco, é quem melhor encerra esse ciclo.

É uma pena que o HBO Max não tenha confirmado o retorno dos queers, e o andar da carruagem sugere que a festa escorregadia da finale seja realmente o adeus dos amigos mais diversos da TV atual. A jornada foi muito proveitosa, nada cringe, esbanjou o carisma de Naomi (Chloe East, um destaque da série) e a apaixonante Delilah (Lukita Maxwell) e ainda dedicou um momento especial para que a super estrela Gigi Goode fizesse uma pontinha. Quer mais o que? – Vitor Evangelista

Os Ausentes (1ª temporada, HBO Max)

Cerca de 80 mil pessoas desaparecem no Brasil a cada ano, em uma média de oito pessoas por hora. Essa é uma das premissas que leva Os Ausentes adiante, cuja trama gira em torno de Raul (Erom Cordeiro) e Maria Julia (Maria Flor). Na história — distribuída em 10 episódios de 45 minutos —, Raul é um investigador particular e ex-delegado, que é motivado a procurar pessoas desaparecidas após o sumiço, sem solução, de sua filha. Sua agência em São Paulo, chamada Ausentes, lida com casos em que as pessoas não podem ou não querem recorrer à polícia.

Os Ausentes é a primeira série brasileira original no catálogo do HBO Max, e a produção teve como consultor Barry Schkolnick, roteirista da série The Good Wife e Law & Order. Essa informação fica em evidência no desenvolvimento dos capítulos, que parecem remeter diretamente aos seriados norte-americanos do gênero policial. Os episódios ocorrem de forma independente — com uma história de investigação em cada um deles —, e a ligação entre eles está na trama pessoal de Raul e Maria Julia, personagem misteriosa que também procura por um desaparecido. Esse tipo de produção não restringe o número de episódios, pois, de forma livre, eles são desenvolvidos isoladamente e trazem flashbacks para contextualizar possíveis questões. A série traz um importante recorte socioeconômico e coloca em evidência regiões que ainda são deixadas de lado em questões de segurança pública. – Bruno Andrade

Atypical (4ª temporada, Netflix)

Embora nunca tenha sido um imã de premiações, Atypical sempre foi uma das queridinhas dos assinantes da Netflix desde sua estreia em 2017. Mesmo com sua perda pesando nos corações daqueles que se apaixonaram pelas pequenas aventuras da família Gardner ao longo dos anos, sua temporada final chega não como um adeus, mas um trabalho caloroso.

A série criada por Robia Rashid sempre se beneficiou de um tato sensível para lidar com seus personagens e suas falhas e aqui não é diferente: seja acompanhando os planos para o futuro de Sam (Keir Gilchrist) ou tropeçando junto com Casey (Brigette Lundy-Paine) na sua vida esportiva, cada episódio se supera ao humanizar os conflitos externos e internos das personagens e nunca dá-los por certos. Jennifer Jason Leigh continua dando uma das melhores performances de sua carreira no papel de Elsa, e é genuinamente prazeroso ver até onde a personagem chegou desde a primeira temporada.

O ritmo meio da temporada é prejudicado por algumas tramas que parecem estagnar, e é triste ver antigos personagens recorrentes sendo jogados de lado para abrir espaço para novas narrativas. O final, no entanto, engata de volta e fecha a série com a conclusão de uma trama aberta desde o seu início e que com certeza irá emocionar aqueles que a acompanharam até aqui. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Bold Type (5° temporada, Freeform)

Enquanto as quatro primeiras temporadas de The Bold Type fazem sucesso na Netflix, a série encerra sua exibição e se despede no quinto ano. O anúncio do cancelamento foi uma surpresa, já que o seriado tinha um bom desempenho de público e crítica, mas foi prejudicado pela pandemia, que inclusive forçou a conclusão precoce da quarta temporada, e pela redução recente na audiência. Com um último ano bem menor do que os anteriores, Jane (Katie Stevens), Kat (Aisha Dee) e Sutton (Meghann Fahy) dão adeus aos fãs que conquistaram.

Os 6 episódios finais têm um clima de despedida: depois de acompanharmos as meninas em seus perrengues, sucessos, falhas e descobertas, de conhecermos seus sonhos, medos, ambições e questionamentos, dizer tchau para as três e para a revista que as acolheu é emotivo. Agora, ainda e sempre unidas mesmo em diferentes momentos de vida, as meninas refletem sobre o quão longe chegaram desde suas entradas na Scarlett e o que querem para o futuro. The Bold Type encerra sua trajetória por aqui, mas Jane, Kat e Sutton ainda têm muito pela frente. – Vitória Lopes Gomez

No Limite (5ª temporada, TV Globo) 

O BBB20 reviveu o amor do brasileiro por reality show, e na carona desse sucesso, o diretor de televisão Boninho decidiu ressuscitar, também, o primeiro reality da Globo: No Limite. Desde 2009 sem novas temporadas, a edição de 2021 contou com um diferencial, um elenco formado inteiramente por ex-BBBs. A decisão foi acertada para chamar o público, mas não suficiente para segurá-lo, e semana após semana o programa agonizou em audiência. Nem Rafael Infante fazendo cosplay de Rafael Portugal num CAT BBB improvisado foi capaz de salvar, e, aliás, essa ‘adição’ só terminou de destruir o reality. 

Tudo que podia dar errado, deu: a começar por André Marques, que é um apresentador horroroso, e não foi capaz de dar tom ao jeito que queria conduzir seu programeco. As provas eram entediantes e davam canseira nos participantes e no telespectador, que esperava desafios de sobrevivência ao ar livre de assistir na ponta da cadeira e recebeu um playground de crossfit extremo. O programa ir ao ar apenas na terça-feira também foi um erro gigantesco, já que no resto da semana se falava sobre qualquer outra coisa, menos No Limite, e era fácil esquecer que o reality existia.

Os ex-BBBs, que foram vendidos como um atrativo, no fim se mostraram um problema: tirando um ou outro ali, o resto não servia carisma nenhum e o fato de já terem uma vida confortável de subcelebridade atrapalhava a conexão do público com os participantes. Na reta final, ficou mais interessante acompanhar o MasterChef Brasil no ao vivo e assistir o terrível No Limite depois, já que nem spoiler na internet dava para pegar, afinal, ninguém estava comentando o acampamento fitness de Boninho. A 6ª temporada ainda é incerta, mas, seguindo a tradição, é bem provável que ela só venha em 2029. – Jho Brunhara

Outer Banks (2° temporada, Netflix)

Lançada no meio de 2020, Outer Banks foi um escape do caótico mundo real para uma ilha paradisíaca cheia de adolescentes desocupados e engraçados. A série começou simples, foi crescendo e terminou sua primeira temporada de forma estrondosa, conquistando um público que aguardou bastante pela sua volta.

E em apenas um ano, no meio das dificuldades causadas pela pandemia, a segunda temporada foi produzida. Parecia impossível que, em tais situações, algo realmente bom pudesse vir. Mas, para surpresa de muitos, a retomada de OBX não foi apenas boa, e sim sensacional. 

Os novos episódios não deixaram faltar nada, trazendo drama, comédia e suspense nas doses certas. O único defeito dessa temporada é que acaba. Por favor, Netflix, agilize logo, pois já estamos morrendo de saudade do nosso quinteto favorito. – Mariana Chagas

Resident Evil: No Escuro Absoluto (Resident Evil: Infinite Darkness, 1ª temporada, Netflix)

Continuando o aniversário de 25 anos da franquia após o bem recebido Resident Evil Village, a nova tentativa da Netflix de adaptar videogames para um formato seriado chega na forma de Resident Evil: No Escuro Absoluto. Nos moldes de Castlevania, a primeira temporada tem apenas quatro episódios, focando principalmente em apresentar seus personagens e formar a base para possíveis histórias futuras.

Com um dos grandes chamativos da série sendo a reunião do icônico duo de Resident Evil 2, é decepcionante ver quão poucas cenas Leon Kennedy (Nick Apostolides) e Claire Redfield (Stephanie Panisello) dividem. Situado após o final de Resident Evil 4, a série começa com Leon entrando para o serviço secreto e tendo que lidar com uma invasão de zumbis à Casa Branca, enquanto Claire persegue os detalhes de uma conspiração para ocultar um novo surto de mortos-vivos. Apesar dos cenários centrados e animações realistas, a nova série não esquece de fazer piada consigo mesma e trazer aquela farofa que os fãs dos games já esperam da franquia.

No Escuro Absoluto age como uma perfeita tradução visual do jogo para série, capturando o sentimento de fases, ambientação e o terror grotesco da franquia (com direito até a boss final), mas falha em contar uma história engajante para sustentar essa adaptação. A trama política ao redor das armas biológicas já foi contada e recontada vezes suficientes para saber como termina, e o final em aberto para mais temporadas frustra mais do que empolga. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime (Minissérie Documental, Netflix)

A minissérie documental que revisita os fatos envolvendo o assassinato do empresário Marcos Matsunaga, produzida por Gustavo Mello, é a primeira aposta da Netflix para produções envolvendo crimes reais nacionais. Apresentada em quatro episódios, narra e discute desde o relacionamento de Marcos e Elize, passando pelo  julgamento e pelas visões da condenada pelo caso neste período em que a mesma se encontra cumprindo a pena. Entrevistas com amigos, jornalistas que acompanharam o desenrolar da investigação, advogados, o promotor e o delegado envolvidos no fato também foram utilizadas.

“Ela vivia uma vida de princesa”. A escolha da produção foi brincar e problematizar com essa fala que era corriqueira da acusação, do delegado, de amigos e familiares de Marcos. O que faria uma mulher que aparentemente tem uma vida perfeita matar e esquartejar o marido? Por meio deste questionamento, a minissérie vai trazendo as falas dos personagens envolvidos com o caso para discutir temas como: midiatização de casos criminais, julgamento moral e criminal por parte da imprensa, machismo, misoginia judicial e violência contra a mulher.

A minissérie documental não pretende refazer o julgamento de Elize, mas trazer certas nuances sobre o crime de modo que o telespectador possa se questionar acerca de algumas questões sociais e morais. Entretanto, a produção peca na escolha de alguns caminhos narrativos, como a caricatura de alguns envolvidos, a tentativa de justificação dos atos de Elize e mesmo o tom cômico com que algumas questões são abordadas, não havendo a seriedade necessária ao tratamento deste caso como exigem tais produções. – Ma Ferreira

Loki (1ª temporada, Disney+)

É claro que a Marvel não ia perder a oportunidade de dar uma série para o vilão mais amado e charmoso do Universo Cinematográfico. Mesmo assim, trazer de volta o Loki assassino e conquistador de Vingadores depois de uma evolução visível ao longo de 13 anos de estúdio foi uma jogada que poderia ter dado muito certo ou muito errado. Felizmente, os que apostaram na última opção ainda não perceberam que, quando se trata de Tom Hiddleston, consegue-se abrir uma indústria de leite de pedra.

Logo no primeiro episódio, Loki pega toda a Saga do Infinito, corta em mil pedacinhos e manda diretamente para os lixões de Sakaar. Depois de assistirmos a morte de personagens queridos por conta daquelas malditas Joias do Infinito, é impossível conter o choque de ver montes delas sendo utilizados como peso de papel pela Autoridade de Variação Temporal. Finalmente, o Deus da Trapaça fica cara a cara com o maior poder do universo.

Acima de tudo isso, o glorioso propósito de Loki foi nos apresentar a ela: Sophia Di Martino. A química que atravessa o espaço-tempo entre Sylvie e Loki manteve unidos os alicerces da série da Disney+ e abriu um mundo (ou muitos) de possibilidades para o futuro pós-pandemia dos cinemas. Seja bem-vindo, multiverso. – Caroline Campos

Mestres do Universo: Salvando Eternia (Masters of the Universe: Revelation, 1ª Parte, Netflix)

Ele tem a força! A primeira parte da nova iteração de Mestres do Universo chegou na Netflix em julho e, apesar de modernizar a narrativa e dar o foco para as personagens femininas da franquia, ainda mantém toda a estranheza clássica dos anos 80 e os designs gloriosamente cafonas de seus personagens. Comandada por Kevin Smith, essa nova narrativa busca reinventar o que esperamos da franquia ao mesmo tempo que a homenageia e, graças às animações excepcionais do estúdio Powerhouse, ela consegue.

Embora tenha apenas cinco capítulos, a primeira parte da nova série estabelece maravilhosamente bem o seu universo e é extremamente convidativa para novos espectadores, apesar de não poupar referências aos seus antecessores. Escolhendo focar não na luta imortal de He-Man (Chris Wood) contra o maléfico Esqueleto (Mark Hamill), mas em sua parceira, Teela (Sarah Michelle Gellar) e sua relação com os outros personagens, Salvando Eternia evita as tentações comuns à reboots e remakes de repetir histórias que já foram contadas e, ao invés disso, traz novas e ousadas interpretações para seus personagens.

Com um capítulo final que se move talvez um pouco rápido demais para o seu próprio bem e atropela algumas das relações mais interessantes entre seus personagens, Mestres do Universo: Salvando Eternia termina com um gancho poderoso para sua segunda parte, ainda sem data marcada. Com um elenco estelar e uma direção moderna, os poderes de Grayskull nunca foram tão fortes. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Young Royals (1ª temporada, Netflix)

A Netflix não tem limites. Agora, ela inventou de juntar elementos de sua maior produção e seu maior sucesso de crítica com a sensação teen mais quente do momento. Imagina uma mistura de The Crown com Elite? Ela existe e atende por Young Royals. A produção sueca chegou na plataforma de streaming junto do jovem príncipe Wilhelm (Edvin Ryding), que é enviado para um colégio interno depois de deixar sua família real de cabelo em pé com episódios típicos de um adolescente em crise. Lá, ele conhece o apaixonante Simon (Omar Rudberg), e o resto é história.

A série de Rojda Sekersöz e Erika Calmeyer aborda os mais variados aspectos das vidas de seus personagens com muito ritmo e muito estilo. O acerto maior das diretoras, no entanto, é colocar adolescentes para viver seus adolescentes, pressuposto básico que parece ser demais para as produções juvenis tradicionais, que se preocupam mais em criar um ideal em torno de suas histórias do que de fato contemplar os que se propõem a retratar.

Assim, os jovens reais de Young Royals fazem com que seus arcos básicos sejam extremamente atraentes. As personagens vivem suas descobertas sexuais, encaram seus dilemas pessoais, lidam com suas questões emocionais e psicológicas e sentem os conflitos de classe em cada um dos seis episódios, com destaque para a atuação dos coadjuvantes Sara (Frida Argento) e August (Malte Gårdinger). A energia da juventude que falta no palácio da Rainha Elizabeth com o refino que falta nos causos de Las Encinas. Tem como dar errado? – Raquel Dutra

Good Girls (4° temporada, NBC)

Em sua quarta temporada, Good Girls entra na longa lista de séries descartadas pela NBC. A história de três mulheres que entram no mundo do crime começou divertida e viciante, mas decepcionou em seus episódios finais. Apesar de deixarem saudades, já estava na hora de dizermos adeus para as mamães mais delinquentes da televisão. 

É uma pena, então, que a despedida tenha sido tão fraca. Com 16 episódios que não pareciam sair do lugar, a temporada final do seriado mal parecia ter uma narrativa definida. O que seria aceitável se, pelo menos, os atores dessem conta de anular esse problema. Mas com uma Beth (Christina Hendricks) mais egoísta do que nunca, ficou difícil de engolir. A protagonista conseguiu irritar não um ou dois, mas praticamente todos os outros personagens.

E Rio (Manny Montana), o badboy tão amado, perdeu um pouco de seu charme e poder. Em uma tentativa de humanizar mais o traficante, ele acabou se tornando um pouco sem graça. No meio dessa bagunça, o trio principal acaba por caminhar em diferentes sentidos, com uma finalização um tanto aberta para novas possibilidades, mas que vão existir apenas na imaginação dos telespectadores. – Mariana Chagas

Beastars (2ª temporada, Netflix)

Os animais antropomorfizados de Beastars estão de volta para fazer você se perguntar se não é realmente um furry. A segunda temporada da adaptação do mangá de Paru Itagaki volta com ainda mais dramas adolescentes e mistérios noir, junto com a animação em CGI característica do estúdio Orange. O aspecto 3D ajuda a capturar o escopo e os movimentos de seus personagens em lutas eletrizantes, assim como em cenas mais íntimas.

Enquanto o lobo Legoshi (Chikahiro Kobayashi) continua sua jornada para superar seus próprios instintos e tornar-se protetor dos herbívoros (e também poder passar tempo com sua namorada coelha), o veado Louis (Yuuki Ono) toma uma direção inesperada, tomando o controle de sua vida através de uma integração surpreendente com o mundo dos carnívoros. O anime continua adicionando diversos temas à sua narrativa, interpretando problemas humanos em uma sociedade animalesca em oposição inerente.

Alguns personagens secundários sofrem com o novo foco da série, especialmente os estudantes da escola Cherryton. Haru (Sayaka Senbongi) recebe poucos momentos para brilhar, e deixa saudades de sua narrativa na primeira temporada. É triste não ver tanto desses personagens, já que trabalho realizado com outros continua excepcional e, com a confirmação recente da produção de sua terceira temporada, Beastars termina seu segundo ano nos dando esperanças de que, apesar de difícil, um futuro melhor é possível. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Eu Nunca… (Never Have I Ever, 2ª temporada, Netflix)

Foi quase criminoso o tempo que tivemos que esperar para descobrir se Devi Vishwakumar iria escolher o fofo-porém-egocêntrico Ben Gross ou o lindo-porém-esnobe Paxton Hall-Yoshida. De cara, o primeiro episódio da segunda temporada de Eu Nunca… já acabou com as dúvidas e carimbou a decisão mais Devi possível: por que não namorar… os dois? E foi aí que os problemas começaram.

Para quem amou e odiou a protagonista interpretada por Maitreyi Ramakrishnan no ano anterior, a boa notícia é que ela continua nos oferecendo as mesmas doses cavalares de vergonha alheia enquanto despeja um carisma tão grande que é impossível não simpatizar com as loucuras de sua vida. Devi ainda não sabe lidar com seu temperamento e seu luto segue ditando cada decisão que toma, mas a personagem vai se tornando mais consciente e aberta à mudanças conforme os episódios seguem seu ritmo.

Pérola adolescente da Netflix, Eu Nunca… explora perfeitamente seu elenco repleto de diversidade e talento. Paxton finalmente deixa de ser apenas um sex-appeal e ganha um episódio sensível para chamar de seu, enquanto Eleanor e Fabíola embarcam em suas jornadas amorosas opostas, cada uma articulada para levantar uma nova discussão dentro do panorama da série criada por Mindy Kaling. Depois de mais dez episódios, a conclusão é clara – sem espaço para #TeamBen ou #TeamPaxton; por aqui, somos #TeamDevi. – Caroline Campos

High School Musical: A Série: O Musical (High School Musical: The Musical: The Series, 2ª temporada, Disney+)

Após o sucesso estrondoso de Olivia Rodrigo ao redor do globo, e o burburinho de indiretas musicais com seu ex-namorado Joshua Bassett, a segunda temporada de High School Musical: A Série: O Musical era mais do que aguardada. Além da ansiedade em continuar acompanhando a produção que trouxe o gostinho da nostalgia para toda uma geração de Wildcats, a trama também teve como gancho final o destino incerto do relacionamento entre Nini e Ricky, interpretados respectivamente pelo casal já mencionado. Mas o clima tenso foi capaz de casar perfeitamente com a narrativa prevista, resultando em uma relação desgastante e num exagero de drama adolescente que supera até mesmo o dueto de Troy (Zac Efron) e Gabriela (Vanessa Hudgens) em Gotta Go My Own Way. 

Em paralelo ao romance em ruínas, o segundo ano da série segue o mesmo objetivo da realização de um musical, que se desvencilha completamente da proposta até então dependente da trilogia de filmes ambientada no colégio East High. Agora, o clube de teatro prepara uma adaptação de A Bela e a Fera, enquanto fornece um terreno propício para o desenvolvimento de narrativas de personagens secundários – e um milhão de vezes mais interessantes que o casal protagonista. Nisso, outros relacionamentos tomam os holofotes, como Carlos (Frankie A. Rodriguez) e Seb (Joe Serafini), que, mesmo na razoabilidade, manifestam uma importante discussão sobre suas identidades e a questão de serem o único casal gay da escola. Ashlyn (Julia Lester) forma uma dupla e tanto com Big Red (Larry Saperstein), recebendo a atenção que o seu talento merece e protagonizando uma importante narrativa sobre aceitação. 

Mas quem rouba o devido destaque na temporada é Gina (Sofia Wylie). A trama faz mais do que obrigação ao não deixar a dançarina presa ao papel de vilã levantado no ano anterior, erro imperdoável cometido com a brilhante Sharpay Evans (Ashley Tisdale) na obra original. Assim, em meio à superação de um romance frustrado, ela desenvolve uma grande amizade com E. J. (Matt Cornett) e até com Nini, abandonando narrativas fáceis de disputa feminina. Mesmo com o ambiente bem preparado para essas outras histórias,  High School Musical: A Série: O Musical deixa de explorar a trama principal da rivalidade com o colégio North High, ganhando um desfecho preguiçoso e que desmoraliza todo o trabalho realizado ao longo dos seus 12 episódios. Com poucas pontas soltas em seu encerramento, a despedida de Olivia Rodrigo é quase certa, em que sua personagem parece seguir seus passos da vida real e estar cada vez mais preparada para ganhar o mundo a fora com seu talento único. – Vitória Silva

Drag Race España (1ª temporada, ATRESplayer)  

Ninguém aguenta mais Drag Race, mas a gente continua assistindo mesmo assim. O reality atual com a maior capacidade de se reinventar andou explorando novos países e novas línguas nos últimos anos, e chegou a vez da Espanha mostrar o que há de melhor (e pior) por lá. No lugar de RuPaul, conhecemos Supremme de Luxe, uma mistura de Silvetty Montilla e Adriane Galisteu, que se mostrou a melhor apresentadora substituta da franquia até agora. A exausta Michelle Visage virou Ana Locking, que ainda tem muito a aprender; e a dupla robótica purpurinada Ross e Carson deu lugar para o casal de Javiers, Calvo e Ambrossi, criadores da imperdível minissérie Veneno. 

Não tem outra definição, Drag Race España é uma bagunça. Com uma energia direto dos programas brasileiros dos anos 90, a corrida das locas parecia produzida e editada no susto. A montagem era levemente caótica, e a edição final dos episódios não tentava esconder a equipe de primeira viagem no assunto Drag Race, seja na escolha da trilha sonora incomum ou nos cortes secos. Porém, para o espectador que conseguiu enxergar além dessas questões, vimos uma temporada estreante extremamente divertida e uma leva de queens memoráveis e talentosas. Aliás, diversão, essa, que parece cada vez mais podada na versão americana em prol da qualidade técnica, o que também se torna um problema.

Foi nessa bagunça que assistimos Pupi Poisson, uma palhaça de peruca, brilhar. Em primeiro momento, seus vestidos questionáveis fazem franzir a testa, mas sua personalidade compensa e nos lembra do lema original da arte drag: divertir quem assiste. E isso, Pupi faz com êxito. Inti serviu visuais impecáveis e discussões importantíssimas, que o programa deixou escapar de suas mãos quando não foi capaz de respeitar as referências culturais da queen quechua; Hugáceo Crujiente também foi incompreendida. Killer Queen lutou até o último segundo e conquistou sua posição no top 3, enquanto Sagittaria deslizou até o pódio repetindo sua estética copiada toda semana. Quem levou a melhor foi Carmen Farala, que agora senta no Olimpo de Drag Race como uma das melhores participantes (e vencedoras) da história do programa. – Jho Brunhara

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Laís David

De cantora prodígio na Broadway, atriz da Nickelodeon até grande nome da música pop, foi quase impossível não escutar sobre Ariana Grande na última década. Entre álbuns que lideram os charts, um Grammy, múltiplos hits e turnês esgotadas, ela alcançou sucesso em tudo que se propôs. Agora, a jovem se aventura estreando na Netflix com excuse me, i love you, um show e documentário sobre a última turnê de Grande, a Sweetener World Tour.

A turnê, que durou 101 shows, passou pela América do Norte e Europa. O documentário foi gravado na arena O2 em Londres e é dividido entre os cinco atos e os momentos da semana de Ariana. Na maior parte do tempo, a obra se dedica a mostrar o show, que passeia por músicas do amado thank u, next, do introspectivo Sweetener e dos seus maiores hits de álbuns passados. Dirigido pelo veterano Paul Lugdale, nome por trás de outros live shows como o elétrico Reputation Stadium Tour de Taylor Swift e o clássico de Adele Live at Albert Hall, o longa é inferior aos outros trabalhos de Lugdale, mas ainda consegue aproximar os fãs à turnê.

O show tem um início efervescente com raindrops (an angel cried). É comum para Ariana iniciar suas turnês com intros, e aqui ela faz isso majestosamente. Sob takes da entrada da cantora no palco, a performance prepara o telespectador para um espetáculo caloroso e emocionante. Não há dúvidas que Ariana Grande é uma das maiores vocalistas de sua geração, passeando facilmente pelos whistles e alcançando notas altas em meio de coreografias elaboradas.

O primeiro ato conta com um glorioso trio de performances coreografadas. god is a woman, som recheado de referências bíblicas, Ariana homenageia Leonardo Da Vinci ao posicionar seus dançarinos em uma mesa, replicando as posições da obra  A Última Ceia em uma coreografia magnética e sensual. No entanto, a música é interrompida para dar espaço a cenas do backstage, com rápidas declarações de seus dançarinos – todas as cenas parecem mais um story de Ariana do que um documentário da Netflix: momentos íntimos que não chamam atenção de um ouvinte comum.

Já as performances de bad idea e break up with your girlfriend são menos interessantes. A coreografia de break up se resume à cadeiras onde Ariana interage com seus dançarinos – o design do show, já não tão harmonioso, parece mal organizado. O ato também é escuro, e as luzes vermelhas não colaboram com o visual e desvalorizam a estrutura da obra. O que salva, é claro, é a excelente entrega de Ariana e seus famosos adlibs.

Os momentos de excuse me, i love you que documentam a vida da artista fora das performances são breves, porém sinceros e cômicos. Ariana não esconde as histórias, por mais que sejam embaraçosas. Entre o relato de seu fotógrafo passando mal enquanto ela estava conversando por FaceTime com Kristin Chenoweth à comemoração do pedido de impeachment de Donald Trump e a revelação que ela trabalharia com Mariah Carey, os momentos trazem, mesmo que pouco, a artista mais perto do telespectador.

O segundo ato começa com R.E.M., música que intitula o documentário. A melodia calma é seguida por uma performance energizante da clássica Be Alright, à là Vogue. A coreografia é memorável: aqui, Ariana entrega carisma, eloquência e ótimos vocais. O ato é um dos mais interessantes do show, principalmente pela combinação de dois de seus maiores hits, Side to Side e 7 rings.

Ariana e seus colegas de trabalho tem uma química indiscutível. Assistir ela e seus dançarinos trabalharem passa longe de ver uma relação técnica e estrita. Pelo contrário: conseguimos enxergar entre eles momentos de interação profunda, como quando Ariana Grande afirma, em lágrimas, para seus amigos: “essa turnê salvou minha vida”. É emocionante enxergar tanta amizade num ambiente que, para ela, foi por muito tempo exaustivo e traumático.

A nostalgia dos fãs assíduos é saciada no terceiro ato, que mistura seus sucessos atuais com as canções mais antigas de sua discografia. O ato também é a prova que Ariana aprecia sua própria arte, se divertindo ao cantar músicas que nunca chegaram ao topo dos charts, como You’ll Never Know, Break Your Heart Right Back e Only 1. É quase um presente aos arianators, que a acompanharam por (até então) seis álbuns e quatro turnês – e o melhor é ver o público de Grande, leal como é, cantando eletricamente até as músicas mais desconhecidas.

O que pode soar pretensioso é o ato da Netflix vender, ao menos em título e categoria, que o show seria um documentário elaborado. Diferente de obras como Miss Americana, de Taylor Swift, ou AmarElo – É Tudo Pra Ontem, do Emicida, ela não mostra nada além de flashes de sua vida: conseguimos apenas relances do que esperamos de um documentário de um grande artista. Mas, para quem já conhece o trabalho de Grande, não é surpresa que ela deixe a vida íntima longe das telas.

Não há dúvidas que Ariana Grande merece o lugar onde está na indústria musical. Sua competência e profissionalismo a colocam entre as maiores performers da sua geração. Para o ouvinte comum, excuse me, i love you foi uma experiência um tanto quanto monótona que reuniu os maiores hits da carreira da artista. Para seus fãs, a Netflix oferece o remédio certeiro que curou a abstinência de um ano sem Ariana Grande.

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Marina Ferreira

O instrumental misterioso, de um crescendo de guitarras e sintetizadores, com um quê de bateria ao fundo nos coloca sentados na plateia do teatro vazio, de olhos fixos no palco, na expectativa pulsante do abrir das cortinas para o espetáculo audiovisual, personificado na figura mística e quase mítica de Ney Matogrosso. Ele surge sob um único holofote, sua silhueta é viva e dançante em frente à um painel de luzes hipnóticas, vestindo seu figurino dourado e nada convencional e seu olhar faminto em busca de seu público, enquanto outras tantas luzes iluminam o palco e sua banda. 

Essa poderia ser apenas uma descrição de visões criadas ao apertar o play do trabalho mais recente do cantor. Mas é de fato a primeira imagem que nos surge ao nos depararmos com o registro visual da grande obra de Ney, Bloco na Rua, que lhe rendeu a indicação ao Grammy Latino 2020 na categoria Melhor Álbum de Música Popular Brasileira. 

Para começarmos a entender o que é Bloco na Rua, em sua essência, devemos partir do fato de não ser um álbum de estúdio e sim o registro fonográfico da turnê homônima. Gravado em moldes pandêmicos antes mesmo da possibilidade de uma pandemia, a  apresentação aconteceu somente para as câmeras bem guiadas do diretor Felipe Nepomuceno, sem público. 

Diferente de álbuns que podem ser pensados por conceitos muito pessoais do artista, um show é sempre projetado com o objetivo de transmitir uma mensagem, contar uma história e entreter seu público, prendendo-o na trama de uma hora e tantos minutos e deixando-o sem fôlego até o último segundo da última canção. Isso, Ney Matogrosso faz com excelência e ao lado de sua fiel banda, que acompanhou-o na bem sucedida turnê Atento aos Sinais, encerrada em 2018 e concedeu à parceria o entrosamento necessário para criar e conduzir o novo (e genial!) trabalho. 

No álbum, Ney optou por vestir o rock n’ roll e ousar na escolha do repertório, que caminhou de Sérgio Sampaio a Chico Buarque, com algumas paradinhas em Rita Lee, Paralamas do Sucesso e Raul Seixas. Também trouxe uma canção inédita de Dan Nakawaga e mergulhou em clássicos da própria história, revisitando Secos e Molhados. Com tantas performances excelentes, dignas de elogios e debates, vale passear pelas mais marcantes do repertório. 

Desde os primeiros segundos da canção de abertura Eu Quero É Botar Meu Bloco na Rua é possível sentir que esse não será apenas um show, um álbum ou um registro qualquer e sim um grito de alerta que diz com todas as letras: a música e a cultura brasileira resistem. Não à toa, foi escolhida como título do álbum. 

A música, composta e gravada originalmente por Sérgio Sampaio em 1972, foi censurada pela ditadura militar, entendida como subversiva e perigosa ao regime por incentivar a movimentação popular. Na voz de Ney Matogrosso, libera da garganta a agonia de um país onde a cultura caiu em um buraco negro e acentuadamente, volta à Idade Média, como disse o cantor em entrevista após o lançamento do disco.

Costurando seu ode à resistência, liberdade e a beleza que há na coragem, o espetáculo segue na irreverência de Jardins da Babilônia, pois não há como falar desses elementos sem cantar Rita Lee. Com um dançante Ney girando no palco, entre as guitarras fortes e o instrumental que nos remetem diretamente à versão original, recebemos mais uma evidência de como o cantor está tão jovem aos 78 quanto estava aos 30, quando integrava o conjunto Secos e Molhados e arrebatava o Brasil com suas performances ousadas e muito a frente de seu tempo. A sequência se dá com três grandiosas escolhas do cantor: O Beco, do Paralamas do Sucesso, Alcool (Bolero Filosófico) da DJ Dolores e Já Sei, composição de Alice Ruiz e Itamar Assumpção. Três canções inusitadas e de performances surpreendentes e fortes, que as classificam como pontos altos do disco. 

Agora, tomo a liberdade para abrir um parágrafo dedicado à uma única música, que em minha opinião pessoal se define como a performance mais arrebatadora do álbum, em concorrência acirrada com Tem Gente Com Fome e Coração Civil. É preciso falar sobre Pavão Mysteriozo. Conhecida popularmente por um dos instrumentais mais belos da música brasileira e interpretada em sua versão original por Ednardo, a música é trazida para o show com a força da percussão de Felipe Roseno e Marcus Suzano, e os metais apoteóticos de Aquiles e Everson Moraes. Nela, a voz de Ney se delicia com a letra que parece ter sido escrita especialmente para sua interpretação e timbre particular. Durante toda a performance, é impossível desviar os olhos do cantor, que se entrega de corpo e alma à música e o sorriso em sua voz nos deixa na boca o gosto da esperança em voar. 

Continuando pela excelência do repertório, temos versões com o selo Ney Matogrosso de qualidade, como é o caso de A Maçã, Yolanda, Corista de Rock e Já Que Tem Que, antes de chegarmos à inédita do álbum, Inominável, de Dan Nakawaga, composta para a voz do cantor. Próximo ao fim, nos vemos presenteados com dois grandes clássicos da carreira de Ney Matogrosso junto ao Secos e Molhados: Mulher Barriguda e Sangue Latino. 

Em versões mais combativas do que as originais, e na pegada rock n’ roll que definiu o tom de todo o álbum, as duas canções ganham ainda mais força ao serem trazidas para o Brasil de agora, convocando a juventude a continuar entoando com orgulho. “Minha vida, meus mortos, meus caminhos tortos, meu sangue latino”. 

A escolhida para finalizar o álbum foi a romântica Como 2 e 2, composição brilhante de Caetano Veloso eternizada na voz de Gal Costa, em duas partes atemporais do disco Fa-Tal – Gal a Todo Vapor. Na interpretação de Ney, a melancolia se apossa da voz e do ritmo, trazendo uma nova história de amor, tão diferente da contada em 1971 em sua gravação original.

Bloco na Rua deixa ainda mais nítida a capacidade do artista de inovar e se reinventar a cada novo projeto, dando novas roupagens e significados a clássicos do país, levando-nos a entender de uma vez por todas porque está há quase 50 anos na estrada. Como um camaleão, ele é capaz de deixar sua marca em ícones atemporais da nossa canção, trazendo sua identidade mesmo que passe por uma transformação a cada nova era. Dessa forma, Ney Matogrosso prova sua relevância indiscutível e se reafirma, na era dos sucessos rápidos, como um dos maiores ícones da música popular brasileira. 

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Ana Laura Ferreira

Algumas bandas, músicas e cantores são capazes de marcar toda uma geração. E, se você foi criança ou adolescente entre a década de 1990 e começo dos anos 2000, Sandy e Junior com certeza fazem parte da sua vida. Com canções icônicas e uma legião de fãs extremamente fiéis, os irmãos voltaram aos palcos depois de 12 anos para a felicidade geral da nação. A turnê, intitulada Nossa História, está passando pelas principais capitais do país e no dia 25 de agosto lotou, pelo segundo dia seguido, a arena Allianz Parque em São Paulo. Em uma noite mágica, mais de 45 mil pessoas cantaram em uníssono se a lenda dessa paixão faz sorrir ou faz chorar.

Muito mais do que apenas um compilados com os melhores hits da dupla, o show foi marcado por surpresas, muita interação e, principalmente, por um sentimento nostálgico não só por parte dos fãs como também pelos cantores. Totalmente entregues às emoções da noite, Sandy e Junior apresentaram uma grande produção que, até em seus mínimos detalhes, foi pensada para ser um experiência única para o público. 

A maior prova disso foi a grande participação da platéia durante o show. Vários acessórios, como bexigas e cartazes, foram entregues antes do início para que fossem erguidos em suas respectivas músicas. Mas a interação não parou por aí. A pedido da cantora, diversas vezes as lanternas dos celulares foram acesas criando um constelação dentro do estádio.

Em um enorme palco com quatro telas e muitos triângulos de luz, símbolo da turnê, a dupla fez de tudo. De trocas de roupa até uma coreografia feita pelos irmão junto com seus dançarinos. O ponto alto do show e uma grande surpresa também, foi o solo de bateria feito por Junior; durante alguns minutos o cantor presenteou os fãs com um de seus vários dons, hipnotizando a platéia somente com as baquetas. Ovacionado pelo público, o cantor se emocionou em um dos momentos mais marcantes da noite.

E por falar em Junior, o músico dominou todo o show. Ele dançou, tocou diversos instrumentos e ainda fez primeira voz em vária músicas. E apesar do inigualável talento de Sandy, aquele momento era dele. Mas a cantora não ficou para trás. Ela também aproveitou o momento nostálgico para lembrar uma das fases mais importantes de sua vida. Com uma voz perfeita, ela trouxe para o palco todos os detalhes das músicas mais marcantes da carreira como sua total entrega ao cantar Imortal.

A escolha do repertório do show foi, segundo os próprios cantores, a parte mais difícil desse comeback. Os principais clássicos dos irmãos como A Lenda, As Quatro Estações e Olha O Que O Amor Me Faz levaram a platéia a cantar em plenos pulmões. Outras músicas importantes, porém mais secundárias, como Dig-Dig-Joy e Vai Ter Que Rebolar, foram unidas em um compilado mais curto, para que fosse possível passar por todas as fases da dupla. E realmente todas as fases foram contempladas. Até mesmo Libertar, música do filme Acquaria, protagonizado pelos irmãos, apareceu na seleção. 

Durante as quase duas horas e meia de show, clipes caseiros da infância dos irmãos, shows e apresentações clássicas em sua carreira e até mesmo participações especiais como da ‘Galerinha + ou –’, da série de televisão Sandy e Junior exibida pela Globo entre 1999 e 2002, foram exibidos durante toda a apresentação. E em um dos momentos mais bonitos da noite, os irmãos ressignificam a música Inesquecível. Trazendo imagens da dupla durante a infância e adolescência ele cantaram “O tempo parece dizer/ Não, não me deixe mais/ Nunca me deixe”.

A emoção transbordou o estádio. Fãs extremamente emocionados e cantores totalmente entregues para aquele momento, gerou uma das noites mais marcantes e bonitas já vistas. Chega a ser difícil explicar o sentimento compartilhado por todos ali. Nostalgia, amor e saudade talvez sejam as palavras que melhor definem a noite. Muito mais do que um dupla, Sandy e Junior fazem parte da história de vida de milhares de brasileiros. Muitos dos quais puderam, pela primeira vez, compartilhar esse momento de pura alegria.

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