Rafaela Martuscelli

O tão esperado sexto álbum da banda McFly finalmente chegou. No dia 13 de novembro de 2020, o Young Dumb Thrills, foi enfim lançado em todas as plataformas de streaming ao redor do mundo. Foi assim que o hiato de 10 anos, motivo de tristeza para muitos fãs ao redor do mundo, se findou. Donos dos eternos sucessos 5 Colours In Her Hair, All About You e Falling In Love, os ingleses voltaram com a força que sempre tiveram, mas que eles mesmos não lembravam que tinham. 

Foi uma década de muitas idas e vindas musicais para a banda, que acabou estagnada por um problema que não se distancia da nossa realidade: a famosa falta de comunicação entre bons e velhos companheiros. A imagem do grupo perfeito, formada por quatro melhores amigos foi repentinamente destruída e pegou de surpresa até mesmo os meninos. Para os fãs, que estavam acostumados com os desentendimentos bobos frequentemente registrados pelas câmeras de David Spearing, fotógrafo oficial do McFly, também se chocaram com a realidade de seus ídolos.

O Young Dumb Thrills foi sem dúvida a melhor maneira que o McFly encontrou de contar para os fãs que, mesmo apesar dos anos de ausência, a banda continua mais viva do que nunca. Que, mesmo apesar dos problemas que enfrentaram, quem tem um amigo, tem tudo. Que a amizade e a união são os pontos chave para qualquer reestruturação, como foi para a banda. Os meninos estão bem. O McFly também. E os fãs? Podem ficar tranquilos, de uma vez por todas. Sem dúvidas, esses anos foram de intenso amadurecimento pessoal para todos os integrantes, fato que fica claro ao escutar o álbum.

Para quem acompanha o McFly há um longo tempo, o disco é reconfortante desde o momento em que você aperta o play. Depois de tantos anos de espera e de tantas músicas lançadas sem um álbum para chamar de seu, o conforto é em finalmente encontrar, de fato, a essência da banda em cada nota escutada. É um álbum de presença. É possível sentir a presença da volta da banda desde os trompetes, no início de Happiness, até as vozes dos meninos conversando e brincando ao final de Not The End, para finalizar. 

Amor, saúde mental e juventude são as palavras-chaves que definem o disco. Definitivamente, o McFly ainda tem os seus young dumb thrills correndo pelas veias, ao mesmo tempo que mostram que já conquistaram a responsabilidade que a vida cobra. Diferente de quando começaram, eles não são mais jovens de 16 anos morando sozinhos em uma casa para escrever um álbum. Muito aconteceu desde 2003: relacionamentos bem consolidados, família, alegrias e problemas. A mensagem que fica é a importância de valorizar suas conquistas, mas também entender os seus limites e saber a hora de pedir ajuda.

O sumiço

O álbum demorou mas chegou. Segundo Tom Fletcher, em All About Us, documentário lançado pelo grupo no canal britânico ITV,  um dia depois do CD, a banda estava acostumada com prêmios e hits número 1 nos charts. No entanto, desde o quinto álbum de estúdio, o Above The Noise, a busca foi por compor músicas que trouxessem prêmios. Foi aí que o grupo focou em criar pelos prêmios e não mais por amor que eles se distanciaram da verdadeira identidade do McFly.

Então, depois de alguns anos sem o anual tweet de “Another year over, and we’re still together“ de Tom Fletcher, sempre postado no dia 31 de dezembro de todos os anos, conseguimos enfim entender o que estava acontecendo. O documentário veio em bom momento e ajudou na humanização do quarteto. Apesar de serem considerados ídolos de toda uma geração, eles também são seres humanos. Essa ideia também foi bem trabalhada através da música You’re Not Special, do novo álbum. 

Falta de comunicação, problemas pessoais, ânsia por receber mais prêmios como o Brit Awards, em 2005. Todas essas questões foram melhor trabalhadas após a segunda reabilitação de Dougie Poynter, em 2019. Dessa vez, segundo Tom Fletcher, também no documentário All About Us, o restante da banda apoiou a recuperação do baixista de uma maneira diferente: participando de uma terapia em grupo. E foi assim que a banda voltou à vida.

E está vivíssima! Com a turnê Young Dumb Thrills Tour marcada para 2021 pelo Reino Unido e pelo Brasil, temos a sensação de que o McFly nunca esteve tão disposto a enfrentar os próximos desafios e construírem o restante de sua caminhada, só que dessa vez, juntos. Após abrirem o coração, os meninos só querem viver uma vida como seres humanos normais que curtem o que fazem: fazer música na companhia de grandes amigos — e agora, alguns filhos. O importante é que, no final, eles sempre estarão lá um para o outro.

“another year over, and we’re still together.

it’s not always easy, but McFly’s here forever!”

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Rafaela Martuscelli

O segundo álbum de Katy Perry, Teenage Dream, lançado pela Capitol Records, completa 10 anos neste mês de agosto de 2020. Para a surpresa de muitos, o resultado do trabalho de Katy para o sucessor de One Of The Boys (2008) foi um disco extremamente pop, trazendo uma proposta completamente oposta ao seu álbum de lançamento, marcado pela mistura de pop e rock. 

Apesar de premeditado, o sucesso do seu segundo disco era quase óbvio — afinal, ninguém escapou de conhecer todos os seus primeiros hits (I Kissed A Girl, Hot N’ Cold, Thinking Of You, Waking Up In Vegas…), que marcaram uma geração e deixaram claro que Katy não iria parar por ali. Além disso, a gravação do Teenage Dream não foi apenas o início de uma nova era, mas também foi a realização de um sonho para a jovem Katy que, aos 18 anos, saiu de sua casa em Santa Bárbara, na Califórnia, e atravessou os Estados Unidos sozinha atrás dos seus sonhos.

O Teenage Dream foi lançado no mesmo período que outros grandes sucessos do pop que também estavam criando seus espaços na cena musical. Enquanto o álbum estava para sair do forno, Lady Gaga já estava fazendo sucesso com seu single Bad Romance, lançado em 2009 — além de Just Dance e Poker Face, que já brilhavam no topo das paradas há mais tempo. Do outro lado, tínhamos Rihanna com seus sucessos Rude Boy e Hard, do álbum Rated R.

A partir disso, fica fácil entender porque o início da década de 2010 foi um período perfeito para aumentar a rivalidade feminina entre cantoras do mundo pop. No entanto, após 10 anos, é possível enxergar que há espaço para todo mundo no mundo da música. Lado a lado, essas artistas deram a vida que o estilo musical vinha pedindo.

Entre o pop melódico e algumas poucas músicas que ainda traziam uma guitarra ou outra (remetendo ao início de sua carreira), as faixas do Teenage Dream são extremamente coesas. Como o nome do álbum já traz — um sonho adolescente —, as canções trabalham com letras que remetem à juventude, ao amor, às festas, e também às incertezas desse período. 

Katy Perry participou da escrita de todas as canções do álbum, mas teve a colaboração de compositores como Bonnie McKee e Ester Dean. Ele foi produzido por uma grande equipe que, entre seus membros, estavam presentes Dr. Luke e Max  Martin, famosos por já terem produzidos hits como Girlfriend, da Avril Lavigne, e Oops!… I Did It Again, da Britney Spears.

O trabalho em conjunto de toda essa turma resultou em um álbum repleto de autoempoderamento e crescimento pessoal. Com este disco, Katy se tornou a primeira mulher e a segunda artista a emplacar 5 singles, do mesmo álbum, no topo dos charts da Billboard Top 100.

De cara, também pudemos perceber uma mudança de visual: no lugar dos looks vintage e pin-up da turnê Hello Katy Tour — shows que, em sua maioria, eram feitos com um cenário fixo, um microfone, uma mesma roupa e uma guitarra —, um novo mundo foi criado. Como o próprio nome “California Dreams Tour” sugere, esse universo elaborado por Katy Perry se baseou principalmente em um mundo doce, dominado pelos sonhos. Características essas que casavam perfeitamente com a tracklist escolhida, com o cenário e com o jeito bobo e brincalhão que Katy sempre demonstrou ter.

A alegria de suas músicas eram entregues com seus cenários marcantes, cheios de doces, pirulitos e algodão doce, e seus dançarinos — uma das principais novidades que Katy trouxe na turnê. O palco e as muitas trocas de roupas feitas durante o show foram projetados pensando exclusivamente em criar uma imersão para os fãs enquanto eles estivessem assistindo ao espetáculo. O objetivo não foi só alcançado, mas também superado: segundo o site da Billboard, a California Dreams Tour arrecadou quase 50 milhões de dólares.

Foi a primeira turnê mundial da cantora, e a maior da sua carreira até então, passando pelos continentes da Europa, Ásia, Oceania, América do Norte e América do Sul. A vontade de Katy Perry de conquistar todo o mundo já estava clara no início da sua carreira, mas foi o resultado do seu esforço colocado em cima do sucessor do One Of The Boys que mostrou a sua força de furacão. 

Em cima de um palco extremamente colorido, a artista cantava letras como California Gurls, que apresentou ao mundo o estilo de vida da juventude californiana. Também performava os sucessos Teenage Dream e Hummingbird Heartbeat, que irradiavam o amor jovem. E mesmo as músicas que tratam sobre decepções não deixam menos atraente a ideia de viver uma paixão adolescente, vide Not Like The Movies.

Além da sua força, a sua vontade de brilhar também foi muito bem exposta através das letras do seu álbum. Firework foi uma música criada a partir de um trecho do livro On The Road de Jack Kerouac, que fala sobre pessoas que brilham e irradiam a sua energia, não importa onde elas estejam. Não é difícil entender o motivo da escolha: Katy é o seu próprio fogo de artifício.

Quando os katycats achavam que a era Teenage Dream estava para acabar, a artista mais uma vez não deixou seus fãs a desejar, apresentando o documentário Katy Perry: Part Of Me 3D, realizado pela Paramount. O filme mostrou os bastidores da California Dreams Tour enquanto contava a trajetória da carreira de Katy Perry.

Durante o documentário, uma das partes mais marcantes foi o registro do término de seu casamento com o comediante inglês Russell Brand. Além da explicação dada no filme, o divórcio deu pano pra manga para a criação do que mais tarde se tornaria o Teenage Dream: The Complete Confection, a versão estendida do álbum. As novas faixas Part Of Me, Wide Awake, Dressin’ Up e novas versões das músicas The One That Got Away e E.T deixavam claro que Katy Perry estava disposta a superar o seu divórcio e, mais uma vez, se auto descobrir — mas esses são assuntos que vamos deixar para outro texto.

Com certeza, esse período foi uma reviravolta tanto na carreira da artista quanto na sua vida pessoal: Teenage Dream foi o trabalho que a consolidou como uma das maiores artistas pop da atualidade. Katy conseguiu colocar sua personalidade no álbum em todas as faixas que o compõe, sem perder sua essência. 

Acreditando no seu trabalho, a cantora bateu recordes ao mesmo tempo que conseguiu unir multidões em seus shows, que quase sempre tinham os seus ingressos esgotados. A sensação após imersão no mundo do Teenage Dream e da California Dreams Tour não pode ser outra além de um grande ‘firework’ de sentimentos que Katy sempre consegue nos entregar.

Cause, baby, you’re a firework

Come on, show ‘em what you’re worth

Make ‘em go, “Ah, ah, ah”

As you shoot across the sky

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Rafaela Martuscelli

Atenção, este texto contém spoilers! Leia por sua conta e risco!

A última temporada de Game Of Thrones tem tudo o que as outras tiveram: diálogos marcantes, guerras, mortes, drama. Então por que tanta decepção por grande parte dos fãs com o final da série? Tá aí algo que não é de hoje, essa insatisfação do público que assiste e a acompanha desde o início.

Desde que fora anunciado a redução da quantidade de episódios da sétima e oitava temporada, já vimos uma onda de reclamações. Será que uma história do porte dessa série conseguiria se resolver em apenas mais 13 episódios? E tivemos a resposta: não.

O final da sexta temporada deixou muito pano pra manga, com muitas situações a serem trabalhadas. Houve o Jon Snow ressuscitando e logo em seguida lutando na Batalha dos Bastardos. Arya Stark concluiu seu grande treinamento em terras longe de Winterfell e foi atrás de cada nome que havia colocado em sua lista de pessoas para matar. Cersei Lannister explodiu o Grande Septo com muitas pessoas importantes dentro, sendo elas aliadas ou não, para não correr o risco de perder o seu trono – mas perdeu seu filho, Tommen Baratheon.

É claro que os episódios restantes seriam muito pouco para fechar perfeitamente tantos arcos que foram deixados em aberto, por mais que a duração de cada episódio tenha passado a ser de mais de uma hora cada. No entanto, apesar de produzidos impecavelmente, houve uma irregularidade na velocidade em que os acontecimentos iam se desencadeando.

Esse atropelamento na história gerou um impacto muito grande no desenvolvimento das personagens, às vezes para melhor, às vezes para pior. Alguns momentos foram acelerados, com diálogos importantes trabalhados de modo raso e rapidamente, além das viagens entre cidades, que antes tomariam vários minutos da série, passaram a acontecer em segundos. Em contrapartida, outros episódios tiveram grandes lacunas com cenas de pouca relevância.

No geral, as personagens femininas tiveram um crescimento muito coerente de acordo com a história de cada uma. Acompanhamos as irmãs Stark, Arya e Sansa, desde o início de suas vidas, e foi inegável o quanto elas se desenvolveram e se entenderam como mulheres no contexto em que a série roda. Arya sempre teve uma personalidade marcante e honrou sua trajetória ao focar nas suas táticas de luta. Sansa sofreu consequências de um machismo escancarado da época que exigiu o seu amadurecimento, forçando os espectadores a assistir repetidas cenas de estupro – assim como aconteceu com Daenerys.

Cersei também nunca se desvirtuou do que acreditava. Apesar de detestável, sempre foi fiel aos seus princípios e a quem amava. A maior parte das atitudes que teve, por mais terríveis que fossem, foi fruto de esforços para proteger seu trono e sua família – o que realmente importava, respectivamente. Toda a sua maldade a tornou uma personagem marcante para os fãs, e que, querendo ou não, traziam um sentimento no mesmo instante em que aparecia na tela, mesmo que esse sentimento fosse a aversão. Uma personagem que foi inesquecível – pelo menos para os fãs, já que os roteiristas aparentemente esqueceram dela. Mas isso a gente discute mais adiante.

De outro lado, temos Daenerys Targaryen, uma personagem que deu o que falar nessa reta final. O mito da Daenerys como rainha louca surgiu logo após uma sucessão de maus momentos para ela. Desde o começo da série, ela foi conquistando tudo o que via pela frente, dando esperança aos fãs que torciam para ela na corrida pelo trono. Tudo isso acaba, quando nas duas últimas temporadas, perde seus dragões, Viserion e Rhaegal; seu braço direito, Missandei; seus aliados Tyrion Lannister e Lorde Varys; e, talvez, a sanidade.

Mas ao se tratar do final de Game Of Thrones, ele foi decepcionante não só para o próprio cast da série quanto para a maioria dos fãs que estavam criando expectativas para o grande desfecho. Por uma década, ela se consolidou como uma série a qual muita gente sempre esperou muita coisa. Surpresas de grande impacto já eram previstas, mas a falta foi de surpresas que geram choques, e não desapontamentos.

Em aquecimento para a season finale, os fãs iniciaram 2019 cheios de teorias para Arya Stark, justificando os anos de treinamento e honrando sua lista. Até então, acreditávamos fielmente que ela mataria Cersei após usar o rosto de Jaime, o que não aconteceu. Então as apostas mudaram para Arya como assassina de Daenerys, o que vimos que também não rolou. Para a alegria dos fãs, ela acabou com toda a história do Rei da Noite, que foi resolvida em uma intensa batalha já no começo da temporada, que durou o terceiro episódio inteiro.

Um outro personagem que acompanhou a Arya pela história inteira, Sandor Clegane, O Cão, também não teve um final daqueles. Esperamos por uma década para uma batalha inesquecível onde ele finalmente realizaria o seu maior desejo: matar seu irmão. O caminho percorrido até o seu encontro conseguiu prender mais do que a luta em si, que foi rápida e acabou na morte dos dois personagens.

Cersei, que deu licença à luta de irmãos ao simplesmente sair do local, não chegou tão longe. Após anos sendo uma das figuras mais importantes da trama, tivemos que nos contentar com seu soterramento ao mesmo tempo em que desejávamos uma morte lenta e cheia de torturas, de modo que ela sofresse na mesma medida que fez muitas outras pessoas sofrerem – seja psicologicamente ou fisicamente.

Ou então, a luta do século. Aquela em que Cersei Lannister e Daenerys Targaryen se encarariam, frente a frente, a poucos metros uma da outra. Aquela em que fogo de dragão entraria em combate com o fogo verde. Aquela em que apenas uma sairia viva. Mas isso aí também não rolou. O final de Daenerys foi nas mãos do seu interesse romântico, Jon Snow, que mesmo cometendo um homicídio, se saiu como um herói que “fez o que deveria fazer”. Mais um momento em que Game Of Thrones conseguiu escancarar o machismo da série, visto seu histórico de causas de morte, estupro e pessoas no poder.

Jon Snow teve muitas falhas na temporada. Ter se apaixonado por Daenerys o desviou de uma linha de raciocínio que vinha seguindo. Anteriormente, faria de tudo por um amigo, mas passou reto ao ver Sam jogado em meio a uma batalha contra os mortos, incapacitado de lutar. Em épocas passadas, não hesitaria em parar para defendê-lo. Errou, também, ao não levar em consideração o que suas irmãs insistiam em alertá-lo. No final, essa construção só ajudou a justificar a decisão de matar Daenerys e isentar Snow de qualquer culpa que poderia levar.

A verdade é que Game Of Thrones nunca fez a vontade dos fãs. Sempre houve mortes importantes – como a inesperada de Ned Stark, logo na primeira temporada – e essa que era a graça da série. Previsibilidade com certeza não é a palavra que a define melhor. Mas dessa vez, se fizermos uma breve pesquisa nas redes sociais, concluímos rapidamente que pouca coisa agradou. Pouco foi aceito como uma surpresa agradável.

O último episódio contou com discursos e monólogos de duas personagens que costumavam a fazer isso com mais frequência, Daenerys e Tyrion. Sentimos falta desse lado, que foi um pouco esquecido devido às batalhas que seguiram, porém ambos não foram convincentes o suficiente para comover o público. O único que se convenceu e foi influenciado de alguma maneira foi o próprio Jon Snow, que já não sabia mais para que lado correr e foi obrigado a tomar uma decisão.

A pressa em terminar a série também fez com que muitos momentos fossem mal explicados. No final das contas, Jon Snow ser um Targaryen só serviu para a morte de Daenerys e para um dragão enfurecido em busca de justiça queimar o trono com suas próprias chamas. O fato de Bran Stark ter passado a série inteira dizendo que não queria se tornar rei foi igualmente ignorado, quando por ideia de Samwell Tarly – um dos únicos que manteve a sensatez – foi nomeado rei dos Sete Reinos através de uma votação. Sete reinos que, na verdade, virou seis. O Norte quis se desvincular de toda a treta e pediu a independência de Winterfell, dando o título oficial de Lady à Sansa. E assim foi autorizado pelo novo rei, Bran, que… é nortenho.

Apesar de alguns buracos, é inegável que esses dez anos de Game Of Thrones deixou um legado para a televisão. A série foi uma das maiores produções, com locações ao redor do mundo inteiro e um uso enorme de efeitos especiais de extrema qualidade. A gente quase chega a acreditar que dragões existem e nem repara em muitas cidades que foram criadas praticamente em computação gráfica.

A influência contínua em escala mundial: os locais usados para as gravações viraram pontos turísticos, o que causa um grande impacto econômico nas regiões – como aconteceu na Irlanda do Norte. Alguns lugares passaram a ser tão visitados que passaram a ter problemas com superlotação de turistas.

Além de tudo, a série é capaz de unir. Pessoas se mobilizam para estarem juntas no momento em que ela está sendo transmitida, seja entre amigos dentro de casa ou em bares ao redor de todo o mundo, que abrem as portas como se estivessem prestes a ver a final da copa do mundo. Elas torcem, discutem teorias, por vezes até brigam, mas estão reunidas. Qual será a próxima produção de mesmo poder sobre nós? Aguardo respostas.

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Egberto Santana Nunes, Jho Brunhara, Leonardo Santana Teixeira, Natália Santos e Rafaela Martuscelli

Abril foi um mês marcante para a cultura pop. A chegada do quarto capítulo dos heróis da Marvel, a estreia modesta de Shazam e o fim de Game of Thrones foram destaques aqui. O Persona cavou mais fundo e fez uma seleção do melhor que chegou no mês da Páscoa, passando pela Netflix, Amazon Prime Video e o cinema nacional. Confira.

Guava Island (2019, Hiro Murai)

Ou a arte como instrumento de revolução

Em junho de 2018, uma foto de Rihanna com Donald Glover, na ilha de Havana, em Cuba, ambos sob trajes “desajeitados”, surgiu na internet e os fãs foram à loucura com a nova parceria. Logo se descobriu que era um set de um filme, porém os detalhes da obra foram mantidos em segredo apenas dias antes da estreia. A produção de pouco menos de uma hora foi ao ar no show de Childish Gambino (alter ego musical de Glover) no Coachella, e logo depois disponibilizado na Amazon Prime.  

Para além da união entre os dois artistas, Guava Island é um pequeno musical político sobre disputa de classes e opressão. Na trama, Deni (Glover) prepara um festival para libertar o povo da Ilha de Guava, que trabalha diariamente para Red, líder local.

This is America é refeito aqui, ao som de máquinas de uma fábrica, e Summertime Magic, dentre outras composições de Gambino, aparecem para dar tom na relação com a personagem de Rihanna, Kofi. Celebração, amor e crítica, cada momento tem sua música, quer você entenda como parte da trama, ou como pequenos clipes do rapper.

Inspirado por Cidade de Deus e produzido pela mesma banca de Atlanta, a equipe conseguiu entreter um tema político-social através de uma câmera persecutória e cambaleante junto duma cinematografia colorida e viva. Tudo isso narrado como uma história de ninar, na voz de Riri, e com sons tocados pelos próprios nativos do local de gravação, afro-cubanos de Havana.  

Seja no discurso ou na técnica, Guava Island já nasceu destaque do ano. Obrigatório. – Egberto Santana Nunes

De Pernas pro Ar 3 (2019, Júlia Rezende)

Pela terceira vez, a empresária da franquia de sucesso Sex Delícia volta às telas dos cinema brasileiros. Depois de rodar o mundo e expandir a sua marca, Alice (Ingrid Guimarães) enfrenta um momento delicado: o embate entre sua vida empresarial versus o distanciamento de sua família.

Em meio a uma crise existencial, Alice opta por deixar a liderança dos negócios com sua mãe Marion (Denise Weinberg) e volta para a vida pacata de esposa do João (Bruno Garcia) e mãe dos filhos Paulinho (Eduardo Mello) e Clarinha (Duda Batista). Entretanto, o que Alice não esperava era o aparecimento de Lorena (Samya Pascotto), uma jovem empreendedora capaz de causar um grande alvoroço no mercado de sexy shop com o seu novo produto.

Desde o primeiro filme da franquia, é perceptível uma certa preocupação em enfatizar questões sobre o mundo feminino, principalmente o prazer e a liberdade sexual feminina, temas chave do enredo. O terceiro capítulo, dessa vez, vai além das situações visíveis. Ainda temos a mulher empresária, que tem sido tradicional dos últimos lançamos da Globo Filmes, entretanto agora o leque de debate estende-se às consequências das escolhas de Alice. O longa navega por temáticas já vivenciadas nas telas como a presença feminina no mercado de trabalho e crise conjugal ao mesmo tempo em que se aventura ao refletir sobre envelhecimento e competitividade feminina.

Com a estreia de “Vingadores: Ultimato”, duas semanas após o lançamento de “De Pernas para o Ar 3”, o nacional perdeu cerca de 300 salas de exibição, uma vez que a nova estreia da Marvel ocupou 80% das salas de cinema no Brasil.

Mesmo com mais de um milhão de espectadores antes do corte de salas, o filme de Ingrid Guimarães sofreu com o domínio da produção norte-americana que aproveitou a ausência da política de “cota de tela”, ainda não assinada por Jair Bolsonaro na época de lançamento de ambos os filmes. Essa política consiste em uma forma de afirmar que discriminando o número de dias que toda sala de cinema comercial é obrigada a exibir filmes brasileiros de longa-metragem.

O governo brasileiro resolveu voltar a interferir numa verdadeira luta entre Davi e Golias, e restabeleceu a política de “cota de tela” para as salas de exibição de cinema nacionais. Por conta de um “vácuo” na lei que obriga os cinemas a exibirem um percentual de filmes locais, blockbusters estrangeiros tomaram conta dos espaços disponíveis – caso de “Vingadores: Ultimato”, que ocupou mais de 80% das salas em sua estreia no País, no fim de abril. – Natália Santos

Alguém Especial (2019, Jennifer Kaytin Robinson)

Outra aposta da Netflix em tramas jovens, Alguém Especial é mais um de seus filmes que retrata sobre questões amorosas. Aqui, Jenny, interpretada por Gina Rodriguez, é uma jornalista musical que acaba de terminar um longo relacionamento e conta com suas duas melhores amigas para procurar maneiras de deixar a tristeza de lado e superar essa grande perda.

Apesar do clichê romântico, o filme não decepciona. Ele tem tudo que precisa para te manter entretido por algumas horas, fazer você desejar por um amor e quem sabe até derramar algumas lágrimas. O desenvolvimento de Jenny é incrível, assim como sua personagem, forte e enérgica. Ouso dizer que podemos usá-la como inspiração, já que em nenhum momento trocou sua carreira e seus sonhos por nenhuma paixão, por mais que parecesse que ela seria para a vida inteira.

Não diria que é um imperdível, mas se estiver procurando por algo na Netflix para passar um tempo e se distrair, segue a dica que vale a pena! – Rafaela Martuscelli

O Mau Exemplo de Cameron Post (2018, Desiree Akhavan)

Lançado em território brasileiro apenas no mês passado, O Mau Exemplo de Cameron Post é a adaptação do livro homônimo. A história que se passa em 1993, conta sobre Cameron Post (Chloë Grace Moretz), que é flagrada pelo namorado transando com uma menina. Cam é mandada pela família para um acampamento de cura-gay, chamado God’s Promise.

Lá, como no longa Boy Erased: Uma Verdade Anulada — que também chegou no Brasil apenas esse ano — , Post precisa enfrentar a terapia de conversão, pensamentos arcaicos e preconceituosos dos religiosos que conduzem o acampamento, e encontrar em si sua própria verdade.

Diferentemente de Boy Erased, que é extremamente melancólico e sério chegando até mesmo a ser chato, O Mau Exemplo de Cameron Post aposta em uma linha mais descontraída, que funciona por partes. A certa leveza em tratar de um tema tão problemático permite deixar o espectador mais confortável. Porém, falta coragem de ousar e impôr o que difere o longa de todos os outros de temática LGBT+ e conversão sexual.

O roteiro é reflexivo, a amizade construída é muito bonita, e existem pequenos momentos em que o filme parece crescer, mas de resto é morno e previsível. A falta de uma conexão criada entre o espectador e as personagens gera pouca chance de comoção, e as existentes são chochas.

Cameron Post é o longa perfeito para assistir em uma tarde chuvosa em que se reserva o dia para maratonar filmes, e começar por ele. Gostaria que não fosse tão esquecível quanto é. Está na hora do cinema LGBT+ contar as histórias como o cinema negro vem abordando: de forma crua e verdadeira, sem medo de não ser tão facilmente digerível pelo público geral.  —  Jho Brunhara

Homecoming: A Film by Beyoncé (2019, Beyoncé, Ed Burke)

Mais que cantora, Beyoncé é um gigante cultural. Mais de 20 anos de carreira, incontáveis hits e influência enorme no mercado fonográfico são elementos associados à artista, considerada por muitos (incluindo esse que vos fala) o meio ícone de sua geração. Ela condensou, na edição de 2018 do festival Coachella, todo esse poder em duas apresentações impecáveis e cheias de significado. Por sua vez, Homecoming revela os processos emocionais e políticos por trás das performances.

Ainda que circundando o universo pessoal da cantora — o puerpério depois de dar luz a gêmeos, principalmente, assim como o perfeccionismo —, o longa é mais sobre nós do que sobre ela. Com ‘nós’ me refiro à juventude negra, público maior de Beyoncé e objeto da homenagem prestada aqui.

Dividida em alguns blocos musicais e outros contemplativos, que revelam bastidores do show, o roteiro encontra guia em frases de pensadores negros. O catálogo de Bey se entrelaça com esses momentos de reflexão, levando a um entendimento mais amplo da importância da discografia da artista sob a perspectiva da música da diáspora africana.

A direção é controlada e ciente de onde quer chegar, assim como tudo que Beyoncé realiza. Mas a experiência não perde espontaneidade, já que a importância das narrativas contadas aqui pertencem a um plano social muito maior que a figura da artista. Registro essencial para qualquer interessado por fenômenos culturais, o documentário é um estudo apaixonado da cultura negra no século XXI. – Leonardo Santana Teixeira

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Rafaela Martuscelli

Tudo bem, eu sei que houve outros shows tão bons quanto o deles. Alguns podem até ter sido melhor. E eu também sei que sou suspeita a falar, já que essa é uma das minhas bandas favoritas. Mas como acredito que festival não está passando por uma de suas melhores épocas, vou tentar convencê-los através de fatos, fotos e relatos de que aquela noite foi memorável e um dos maiores responsáveis foram o Twenty One Pilots.

Como em todo show da banda norte-americana Twenty One Pilots, a apresentação no Lollapalooza Brasil 2019, que aconteceu no dia 7 de abril, começou com um tom de mistério. Desde o início da banda, os integrantes Tyler Joseph, vocalista e multi-instrumentista, e Josh Dun, o baterista, sobem ao palco mascarados e logo já puxam a música que inicia o show.

Apesar de manterem o mistério das máscaras, o duo trouxe um diferencial. Mascarado e com uma tocha em fogo na mão, entrou o primeiro integrante. Logo em seguida, entrou o vocalista, que puxou o público com o primeiro single do recém-lançado álbum Trench, “Jumpsuit”. De imediato o público cantou mais alto que Tyler, tornando sua voz inaudível, mesmo com microfone.

Na primeira vez que estiveram no Brasil, em 2016, a banda se apresentou na parte da tarde para um público que surpreendeu, já que encheu consideravelmente o palco principal levando em consideração o horário e o gênero musical do Twenty One Pilots, que não é definido nem pelos seus próprios integrantes. Desde aquela data já era possível prever o sucesso que a banda estava fazendo e tudo o que conquistaria.

E isso se tornou claramente visível neste ano, em que a banda se apresentou como headliner no último dia de festival, já ao anoitecer. Uma multidão vestida de preto e amarelo, as cores da nova era, tomou conta do espaço do palco Ônix, e ocupou uma área tão grande que era quase impossível enxergar aonde que começava e onde acabava.

A multidão era incrivelmente heterogênea. Ao meu redor, eu vi de tudo: um pai com sua filha tão pequena que mal enxergava o palco; um casal, que se abraçava chorando e gritando a letra de todas as músicas; um grupo de quatro amigos bêbados que gritavam “ESSE É O MELHOR SHOW DO MUNDO!” a cada cinco minutos; e claro, amigos, que juntos esperaram a banda por horas – como foi o meu caso.

As mudanças no show não foram somente quanto ao período do dia em que ele aconteceu ou na quantidade de pessoas que compareceram. Os meninos que estavam tímidos em 2016 foram substituídos por um duo confiante com o seu trabalho, que apresentou um show completo em todos os sentidos.

A setlist foi composta majoritariamente por músicas do novo álbum: de 15 músicas, 8 eram novidades para o público. No entanto, desde as mais antigas como “Holding Onto You”, “Trees” e “Car Radio”, até as mais atuais como “Nico and The Niners”, “Chlorine” e “My Blood”, todas foram cantadas pelos fãs com a mesma energia e entonação. Todas pareciam estar na ponta da língua de toda aquela multidão há muito tempo.

Um show impecável, onde tudo o que acontecia parecia ser muito bem pensado. O início, com a tocha em flamas junto com uma carcaça de um carro anteriormente posicionada no palco, que também pegava fogo assim que a música começava. As imagens do telão seguiam o ritmo das músicas, assim como a luz do palco. Não se pôde notar um erro de enquadramento das câmeras. Haviam efeitos específicos para cada música, que misturavam cores e elementos de cada álbum.

A conexão com os fãs era outra coisa para se admirar. O carinho para com os fãs sempre foi algo que Tyler e Josh se preocuparam em demonstrar. Desde sempre buscam a interação com o público, e aquele domingo foi a prova. Eles puxaram o coro para algumas músicas, incentivaram a galera a levar os braços de um lado para o outro, e também a abraçar o colega ao lado para pular nesta mesma direção. Andaram pelo meio dos fãs. Subiram em cima dos fãs, enquanto seguravam suas mãos. E terminaram o show, como sempre, lembrando: “we are Twenty One Pilots and so are you!” – “nós somos o Twenty One Pilots e você também!”. E o melhor é que realmente nos sentíamos parte da banda.

Em entrevista com a Radio Rock 89.1FM, Tyler Joseph diz que a maior preocupação deles é que seus shows não sejam entediantes, como a maioria dos shows de outros artistas são. Pelo que pude ver, eles realmente conseguiram transformar seus shows em belíssimos espetáculos sem fazer muito esforço, apenas apresentando ao público quem eles realmente são.

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O fim do ano está próximo e com ele chega nossa tradicional seleção do que foi feito de melhor na indústria musical nos últimos 12 meses. Nessa edição, fizemos diferente e perguntamos aos personas como foi o ano musical de cada um, e de quebra elencar o seus 5 melhores discos de 2018. Sem mais delongas, vamos aos comentários:

Carlos Botelho

Analisando tudo que consumi musicalmente este ano, fica evidente uma predominância feminina no que mais ouvi e destaquei como emblemático para o contexto de 2018. Seja com Mitski trazendo em Be The Cowboy o ápice do refinamento de seu trabalho, ou Kacey Musgraves com total controle da narrativa que entregou ao público em Golden Hour, ou ainda Ariana Grande dominando os charts com um single honesto e despretensioso em thank u, next; 2018 foi marcado pelas mulheres reafirmando seu papel essencial na indústria musical.

Ainda poderia citar Rosalía, Kali Uchis, SOPHIE, Robyn, Janelle Monaé, Snail Mail, dentre tantas outras artistas que mostraram que não é necessário anos de carreira e bons rendimentos as gravadoras para concretizar conceitualmente suas obras sem amarras. O grande ponto a ser citado é: apesar de todo sexismo que ainda assombra a indústria, 2018 foi um ano de grandes discos onde mulheres puderam colocar seus pontos de vista de forma integral e entregar trabalhos incríveis.

Discos favoritos: 1. Be the Cowboy – Mitski / 2. El Mal Querer – Rosalía / 3. Golden Hour – Kacey Musgraves / 4. Oil of Every Pearl’s Un-Insides – SOPHIE / 5. Isolation – Kali Uchis

Douglas Françoza

Os trechos de After de Storm foram palavras de conforto para um ano tão complicado como esse. O timing foi perfeito e, durante muito tempo, foi aquela canção que eu colocava para tocar logo no início do dia, para dar uma aquecida no coração. A Kali tem esse dom, né? O Isolation é um álbum que tem essa vibe de trazer os sentimentos a tona com uma doçura sinestésica. Outra coisa bacana sobre ele é a mistureba organizada de ritmos. Muita bossa nova, jazz e R&B.

Agora precisamos falar sobre Cardi B, que não é só polêmicas. Ela lançou um dos álbuns mais divertidos e agressivos do ano, Invasion of Privacy. Lembro que quando escutei I Like It pela primeira vez, quando ainda não tinha sido escolhida para single, pensei que aquilo precisava ser um hit (tipo, “escolhe essa, Cardi”). Tem muita coisa para se falar sobre esse álbum, mas concluo dizendo que Cardi fala o que precisa ser dito sem perder a graça e sem deixar a peteca cair.

E em 2018, tivemos a volta da Lilly Allen, que nos presenteou com o No Shame, álbum que escutei repetidas vezes. É sincero, triste e irônico. Ela colocou o dela na reta, fez críticas a mídia e falou sobre relacionamentos adultos, filhos e carreira. Passou tudinho a limpo de um jeito bem Lilly Allen, sabe? Gostosinho. Minhas preferidas são Family Man, Everything to Feel Something, What You Waiting For? e Lost My Mind.

Discos favoritos: 1. Isolation – Kali Uchis / 2. Dirty Computer – Janelle Monáe / 3. No Shame – Lily Allen / 4. Bloom – Troye Sivan / 5. Invasion of Privacy – Cardi B

Egberto Santana Nunes

Abri o caminho para o pop e conheci a já conhecida Ariana Grande, que mesmo com grandes perdas esse ano, não abalou a carreira e nos deu de presente thank u, next, com um clipe que homenageia grandes clássico da cultura pop. Um bônus para seu ótimo Sweetener, que não desagrada ao flertar com o trap.

Resolvi afundar ainda mais a cabecinha com o  pop experimental dançante do duo Let’s Eat Grandma em seu excelente I’m All Ears, cujo single Hot Pink foi produzido pela rainha do gênero.

SOPHIE nos apresentou esse ano um mundo que deixaria Aphex Twin instigado com Oil of Every Pearl’s Un-Insides. Menos divertido e mais assombroso, Tim Hecker nos deu Konoyo, apresentando um ambient, esse sim, sinistro e tenebroso.

No terreno do rap, Kanye West, que não satisfeito em entregar seu nono trabalho, nos deus mais 4 produções. Destaco duas: seu solo, ye, que não chega a ser um de seus melhores, mas marcou por conta de toda a questão de saúde embutida no encarte; e Daytona, responsável por fazer nascer a melhor diss desse ano. Menção honrosa para o ápice da parceria com Kid Cuid em Kids See Ghosts, sem desapontar novamente.

E como esquecer do talentosíssimo Earl Sweatshirt renascendo das cinzas do undergound com o clássico (?) Some Rap Songs, longe dos amigos do Odd Future, lançando seu projeto mais cru, triste e pessoal possível. Um desabafo e uma homenagem merecida à sua família.

Uma resolução para 2019? Manter a cabeça aberta e continuar conhecendo coisa nova e coisa boa, e focar mais no nacional, rs.

Discos favoritos: 1. Daytona  –  Pusha T / 2.  Kanye West – ye / 3. MC Igu – Subiminar  / 4. SOPHIE – Oil of Every Pearl’s Un-Insides / 5.  Tim Hecker –  Konoyo

Gabriel Leite Ferreira

Graças ao Spotify, este foi o ano em que ouvi mais lançamentos. Foram 100 discos ao todo, que culminaram em um top 30 de Aphex Twin a Kyary Pamyu Pamyu.

O top 5 pode ser menos eclético, mas é representativo o suficiente: 3 nomes em ascensão no rap brasileiro e norteamericano e 2 novatos no rock nacional e internacional.

Earl Sweatshirt e MC Igu surpreenderam em suas novas empreitadas, dois álbuns originais sem medo de homenagear suas inspirações (Madvillain e Wu-Tang Clan, respectivamente.) Mitski entregou em Be the Cowboy um dos álbuns mais coesos do rock atual (junto com Bark Your Head Off, Dog do Hop Along e Lush da Snail Mail), revelando-se concorrente à altura de St. Vincent e Car Seat Headrest.

A Lupe de Lupe sucedeu o polêmico Quarup com o polêmico Vocação, um novo pico na carreira ascendente, mais sério e complexo, assim como nosso pobre país. Por fim, S. C. A., do rapper mineiro FBC, foi a maior surpresa do ano (leiam mais aqui.)

Conclusões? Um baita ano que assegurou pelo menos duas coisas: a nova geração do rap brasileiro tá superando os gringos, e o rock é das mulheres. Cinco discos que levarei pra vida. Que venha 2019!

Discos favoritos: 1. Some Rap Songs – Earl Sweatshirt / 2. Be the Cowboy – Mitski / 3. Vocação – Lupe de Lupe / 4. Subliminar – MC Igu / 5. FBC – S. C. A.

Giovane Gabriel

Esse ano fiquei mais recluso no k-pop. Acho que, ao contrário do cenário estadunidense onde o pop está um pouco em baixa, na Coreia do Sul o gênero continua sendo bem trabalhado e se sobressaindo aos outros ritmos. Cada lançamento que escolhi tem sua identidade única, o que tornou mais divertido de acompanhar esse universo musical.

Poet | Artist é o segundo álbum de estúdio do cantor Jonghyun, lançado postumamente em janeiro. Ele já havia finalizado o álbum com todos os retoques antes de cometer suicídio em dezembro de 2017 e, assim como sua estreia, contém boas letras e arranjos, além do ótimo vocal pelo o qual era responsável no seu grupo  SHINee.

Pegando carona, o grupo masculino comemorou seus 10 anos com o lançamento do sexto álbum de estúdio The Story of Light, primeiro álbum também sem o integrante Jonghyun. É um trabalho bem diverso, indo do tropical house de I Want You até o R&B de Our Page. Boas letras, bons vocais, boas melodias e bons clipes, com certeza foi a minha era preferida do gênero esse ano.

As mulheres não ficaram para trás, Sunmi (ex-Wonder Girls) colocou na pista o seu segundo disco, Warning com o hit Heroine. Além de ter sido a k-idol solo de maior destaque em 2018, o trabalho foi um dos mais interessantes do ano.

O grupo feminino Red Velvet nunca repete seus conceitos e não foi diferente com o relançamento The Perfect Red Velvet. Lançando o single Bad Boy, o grupo reafirmou a maturidade musical que vem construindo desde o seu debut.

Outro grupo que mesmo novo mostrou ter uma sonoridade única foi o Loona. Debutou esse ano com o mini álbum [++] e já mostrou versatilidade musical transitando entre o som poderoso de favOriTe e pop chiclete Hi High.

Discos favoritos: 1. The Story of Light – SHINee / 2. WARNING – Sumni / 3. [++] – Loona / 4. Poet | Artist – Jonghyun / 5. The Perfect Red Velvet – Red Velvet

Guilherme Hansen

Que 2018 foi um ano de caos, isso ninguém precisa lembrar (as eleições que o digam). No entanto, a música foi uma daquelas coisas que nos trouxe mais esperança e gás para prosseguir nesses dias, principalmente pelo frescor trazido por novos artistas.

A britânica Fenne Lily, com seu álbum On Hold, foi o grande lançamento do ano. Lily une o poder de sua voz grave com letras melancólicas e cheias de negatividade com a vida, um prato cheio para quem gosta de músicas reflexivas.

Mas ela não é a única que vem com essa vibe. Também da Inglaterra, Blanco White traz um som folk com elementos da música flamenca. Seu EP, Nocturne também traz letras introspectivas, o contrário de Mt. Joy, que em seu álbum homônimo, traz um folk rock com uma pegada mais pop com canções que falam, entre outras coisas, dos desafios que a vida traz cedo (destaque para Silver Lining).

Ainda no cenário internacional, Florence and the Machine não decepcionou com High as Hope. Com batidas mais tranquilas, Florence Welch volta mais confessional do que nunca e fala sobre temas delicados como o transtorno alimentar e o alcoolismo que enfrentou em músicas como Hunger e June.

Por fim, Lenine volta mais afiado do que nunca em seu Em trânsito. Com músicas mais agitadas que o de costume, o cantor pernambucano traduz em suas letras um pouco do caos que estamos vivendo, tal qual como supracitado.

Os próximos anos podem não ser fáceis, mas estes e outros álbuns mostram que a arte resiste e assim continuará fazendo.

Discos favoritos: 1. On Hold – Fenne Lily / 2. Nocturne EP – Blanco White / 3. Mt. Joy – Mt. Joy / 4. High As Hope – Florence and the Machine / 5. Lenine em Trânsito – Lenine

Guilherme Luís

2018 foi um ano atípico para mim como fã de música pop. Isso porque, desde que consumo muita música, o pop sempre significou música internacional, e nesse ano terminei colocando 3 álbuns nacionais entre os meus favoritos do ano. Não só isso: os destaques de singles, clipes (e até turnês) ficaram totalmente com os cantores pop atuais do Brasil.

Meu álbum e single favoritos de 2018 são da IZA, grande revelação pop do ano. A melhor voz brasileira dos dias de hoje que, depois de uma série de singles soltos pouquíssimo inspirados e sem personalidade, lançou Pesadão, um grande hit de 2017. Quando seu primeiro disco, Dona de Mim, foi lançado, a surpresa foi grande: uma série de faixas com letras inspiradas, ritmos diversos, colaboradores bem escolhidos. Um álbum sem defeitos!

Pabllo Vittar lançou o Não Para Não, seu segundo álbum, e se consolidou como uma das artistas pop mais relevantes da atualidade. O clipe de Problema Seu é o melhor de sua videografia e as músicas não ficam para trás: as 10 faixas do disco fazem dele objetivo, conciso, mas não menos completo. Músicas como Disk Me e Seu Crime são grandes destaques para a carreira de Pabllo. A turnê é um espetáculo à parte: 1h15 de show com músicas dos dois álbuns, do EP, singles soltos e featurings com outros artistas estão no repertório com muita dança e fritação.

Lobos, álbum do cantor Jão, não é puro pop, mas navega entre gêneros de maneira orgânica. Outro grande destaque do ano, principalmente por conta das letras que contam lindas histórias e fazem do álbum quase um livro, de tão profundas. Os clipes também alavancaram o disco e fazem do Jão um grande destaque do ano e uma promessa para o futuro.

Discos favoritos: 1. Dona de Mim – IZA / 2. Não Para Não – Pabllo Vittar / 3. Sweetener – Ariana Grande / 4.  Lobos – Jão / 5. EVERYTHING IS LOVE – The Carters

Isabelle Tozzo

Em relação ao meu ano musical, em 2018 acompanhei poucos lançamentos. Digo, ouvi pouco os artistas que já conhecia. Dei preferência por conhecer novos cantores e me surpreendi positivamente com que ouvi. Duda Beat é uma delas.

Entre a ambiguidade de ser uma pessoa que sente demais e a mulher que se desculpa pelo que sente, Sinto Muito, seu álbum de estreia, traz a dor dos relacionamentos amorosos atuais. Bédi Beat, faixa que abre o disco, define bem o estilo da pernambucana que traz letras melodramáticas em uma mistura de pop e brega.

Este ano também fiquei feliz de acompanhar o crescimento de bandas que já acompanho há um tempo, como Carne Doce. A banda goiana lançou Tônus, o terceiro álbum, mais maduro e harmônico de todos. Com sonoridade mais melancólica que os outros dois anteriores, o disco apresenta nas letras diversos temas, mas sem perder a relação entre elas. É o melhor álbum da banda e também o melhor que ouvi no ano.

Por fim, no meu hall de favoritos também está God’s Favorite Customer do Father John Misty. O álbum é o quarto do cantor norte-americano e, dessa vez, com temas menos apocalípticos e questionadores que o anterior, o artista trouxe mais intimidade e pessoalidade ao trabalho. Mesmo assim, não deixa a ironia e o seu típico humor ácido de lado.

Discos favoritos: 1. Tônus – Carne Doce / 2. God’s Favorite Costumer – Father John Misty / 3. Sinto Muito – Duda Beat / 4. High as Hope – Florence and the Machine / 5. Isolation – Kali Uchis

Jho Brunhara

2018 foi um ano muito importante para a música pop brasileira: temos cada vez mais artistas comprometidos em sustentar o gênero, inovando nas produções e ajudando a consolidar o estilo em terras tupiniquins. Sem dúvidas, o pop br já tem suas próprias variações do gênero puro importado dos EUA e Europa. Podemos notar elementos nacionais, seja do forró, funk, sertanejo ou MPB, fundidos na música popular.

Como grandes exemplos desse ano tivemos o álbum Não Para Não, da cantora Pabllo Vittar; Sinto Muito, da DUDA BEAT (que considero o melhor álbum do ano, extremamente fresh na produção e conceito); Azul Moderno, da Luiza Lian; Dona de Mim, da IZA; jovens inseguros vivendo no futuro, do cantor GARBO; e claro, Lobos, do representante masculino do pop em ascensão, Jão. O mercado pop brasileiro só tem a crescer, e espero que o espaço para produções criativas e conceituadas seja cada vez maior.

Internacionalmente falando, o ano também foi muito positivo, por mais que os órfãos do pop de 2010 continuem em busca da volta daquele estilo (que talvez não retorne tão cedo, ou nem retorne), existem artistas se dedicando a trazer diferentes visões e produções para o estilo. Uma das forças de 2018 foram os artistas LGBT+, como Hayley Kiyoko com seu álbum Expectations, Troye Sivan com Bloom; SOPHIE com OIL OF PEARL’S UN-INSIDES; Years & Years com Palo Santo; e Kim Petras com sua mixtape TURN OFF THE LIGHTS, VOL. 1. Não dá para dizer que essas produções foram menos que pop perfection.

Outros destaques são o self-titled do The Neighbourhood; Lily Allen com No Shame; e ionnalee com EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN.

Quando me dizem que o pop morreu anos atrás, eu penso em todas as produções fantásticas e não genéricas que tivemos nos últimos anos e penso: bom, pelo jeito morreu para dar lugar a algo muito melhor.

Discos favoritos: 1. Sinto Muito – Duda Beat / 2. High as Hope – Florence and the Machine / 3. Azul Moderno – Luiza Lian / 4. Bloom – Troye Sivan / 5. The Neighbourhood – The Neighbourhood

Leandro Gonçalves

Num ano tão tempestuoso quanto este, pouco naveguei. Calma lá, eu explico… tanto no YouTube quanto no Spotify, não procurei por novos artistas, salvo um ou outro que me despertaram curiosidade. Definitivamente, não foi um ano de descobertas. Dentre as poucas novidades que me permiti conhecer, destaque para a inglesa Rina Sawayama e para a vizinha germânica Kim Petras.

Para flertar com o R&B, Rina utiliza de característicos vocais que, quando acompanhados de instrumentos como guitarras e sintetizadores, tornam a sonoridade das faixas algo que oscila entre o já conhecido e, talvez, futuras tendências. Ao lado de Charli XCX, Rina é uma das artistas da atual frente visionária inglesa, que promete resgatar a música pop do marasmo trazido pelo mercado americano.

Ainda na europa, Kim Petras é outro nome que agitou meu Last.fm. A artista me surpreendeu com os poderosos instrumentais da mixtape TURN OFF THE LIGHT, VOL. 1, principalmente os das faixas In The Next Life e Tell Me it’s a Nightmare. O trabalho, com temática de Halloween, conta com sonoridade pesada, para se acabar de dançar em um clube noturno ou na intimidade do quarto.

Além disso, funciona como uma bela introdução para aqueles que desejam explorar a PC Music, ainda que não seja tão característico do estilo. Todavia, nem tudo pode ser perfeito… Dr. Luke está por trás da produção. Por outro lado, como bem apontado por um amigo, a visibilidade que o trabalho trouxe para Kim, uma artista trans, se contrapõe a má impressão causada pela presença de um homem acusado de assédio sexual na produção.

Discos favoritos: 1. Caution – Mariah Carey / 2. TURN OFF THE LIGHT, VOL. 1 / 3. Joyride – Tinashe / 4. Isolation – Kali Uchis / 5. Não Para Não – Pabllo Vittar

Leonardo Oliveira

Kali Uchis e seu Isolation (também conhecido como o melhor do ano), foi um grande refresco para música latina que segue saturada de tanto reggaeton. Kali não esquece de tirar uma casquinha desta sonoridade e entrega uma jornada maravilhosa sobre suas vivências em ritmos como bossa nova, R&B, soul de forma muito coesa e bem feita.

Pabllo Vittar seguiu numa crescente em sua carreira, depois de fazer inúmeras parcerias com artistas nacionais e internacionais, lançou seu segundo álbum Não Para Não no comecinho de outubro. Se com a política a gente sofre, com a Pabllo a gente chora só um pouquinho pela dor de cotovelo mas sem parar de dançar, nesse trabalho ela não explorou muitas sonoridades como no primeiro mas nos deu a melhor síntese de Banda Calypso com Banda Djavú numa roupagem toda popzinha e impecável.

Sinto Muito foi a surpresa de 2018, com letras que batem fundo no peito. Duda Beat foi a revelação que precisávamos, um indie pop delicioso que te põe para sentir cada verso.

Da terra da Rainha tivemos Lily Allen menos afrontosa e mais sentimental com o maravilhoso No Shame; já da terra do Tio Sam, a voz da maior borboleta viva, Mariah Carey, nos presenteou cautelosamente com o Caution, que sem dúvidas é o melhor lançamento dela em anos.

Sem nenhuma dúvida, álbuns memoráveis e com alta qualidade da concepção à finalização. Que 2019 nos permita mais conteúdo assim.

Discos favoritos: 1. Isolation – Kali Uchis / 2. Não Para Não – Pabllo Vittar / 3. Sinto Muito – Duda Beat / 4. No Shame – Lilly Allen / 5. Caution – Mariah Carey

Leonardo Santana

Nas resoluções para 2018, prometi pra mim mesmo que ouviria mais música brasileira. E não deu outra: Gal Costa no topo das mais ouvidas e muito pop tupiniquim embalando o meu ano do karma. Os delírios holísticos da drag maranhense Potyguara Bardo deram o tom de um período bem doido. Além disso, nossa rainha Pabllo Vittar provou que dá pra rolar experimentações e misturas inusitadas em músicas feitas para a pista de dança (voto no kpop-forró-kizomba de Buzina para hino do Carnaval).

Em terras gringas, Janelle Monáe deu vazão a uma porrada de sentimentos sobre raça e sexualidade que eu nunca soube explicar direito. Robyn voltou depois de quase uma década e confirmou seu óbvio status de lenda, enquanto Kali Uchis me afogou em sua fantasia de decadência hollywoodiana.

E, apesar de algumas pisadas na bola, Azealia Banks foi a queridinha do ano com um presente forma de música: a maravilhosa Anna Wintour.

Discos favoritos: 1. Dirty Computer – Janelle Monáe / 2. Isolation – Kali Uchis / 3. Simulacre – Potyguara Bardo / 4. Honey – Robyn / 5. Oil of Every Pearl’s Un-Insides – SOPHIE

Maria Carolina Gonzalez

Lá em janeiro, eu já imaginava que 2018 tinha potencial para ser musicalmente emocionante. Talvez eu esperasse mais do mesmo, mas percebi que me enganei. Logo no começo do ano, o Little Dark Age mostrou que o MGMT ainda conseguia fazer música boa depois de muito tempo. Em maio, o Arctic Monkeys lançou seu sexto álbum e trouxe junto muito assunto pra ser discutido. Talvez o Tranquility Base Hotel & Casino tenha dado mais trabalho para os fãs do que para a própria banda. Alguns torcem o nariz e outros dizem entender um conceito que às vezes nem existe e poderia me aprofundar no assunto, mas acho que já consegui deixar minha opinião a respeito.

Como se não bastasse o Arctic Monkeys, o parceiro do Alex Turner, Miles Kane, lançou seu terceiro álbum: Coup De Grace. Acredito que esse seja mais do mesmo, porém não deixa de ser cativante e sincero. E por falar em disco cativante, um que infelizmente não ganhou texto, mas não poderia passar despercebido na minha lista foi o Egypt Station, de Paul McCartney (acho que esse nome dispensa apresentações) e mostrou mais uma vez que um ex-beatle não precisa provar nada para ninguém.

A maior surpresa nessa lista e no meu ano musical – que dificilmente sai da zona de conforto – foi conhecer o som da colombiana Kali Uchis e apreciar o suficiente para colocar o Isolation no meu top 5. A expectativa para 2019 é que os ritmos latinos tenham o mesmo destaque que tiveram em 2018. Este ano agitado e um tanto conturbado já está acabando, feliz ou infelizmente. Talvez tenha pouca expectativa na música para 2019, mas, como disse logo no início, espero estar enganada.

Discos favoritos: 1. Tranquility Base Hotel + Casino – Arctic Monkeys / 2. Egypt Station – Paul McCartney / 3. Little Dark Age – MGMT / 4. Coup de Grace – Miles Kane / 5. Isolation – Kali Uchis

Natália Schiavon

O que eu mais ouvi esse ano se resume em músicas com letras vulneráveis muito bem produzidas por artistas majoritariamente mulheres. Talvez o ápice dessa descrição seja a Mitski se comparando a um gêiser prestes a explodir na canção de abertura do Be the Cowboy, um álbum sobre uma personagem reprimida com uma erupção de sentimentos dentro de si. Talvez sejam as confissões da Snail Mail em Lush, um trabalho que soa como o diário de uma adolescente que observa do seu canto as pessoas ao redor numa festa. Talvez seja a Noname refletindo sobre religião e racismo com a mesma sagacidade que reflete sobre suas falhas e ex-namorados em Room 25.

No espectro brasileiro, Carne Doce veio com Tônus, o álbum mais melancólico da banda, que no meio de melodias dançantes revela a angústia e o medo de envelhecer. E aí vem Lupe de Lupe com Vocação, um disco intenso, que segue um fluxo tão caótico quanto sensível. Que a vulnerabilidade sem medo (ou com medo mesmo) continue sendo a maior força dos artistas em 2019.

Discos favoritos: 1. Be the Cowboy – Mitski / 2. Room 25 – Noname / 3. Tônus – Carne Doce / 4. Vocação – Lupe de Lupe / 5. Lush – Snail Mail

Rafaela Martuscelli

Confesso que em 2018 não estive tão a par do que aconteceu na indústria musical em geral. Me atentei, claro, aos meus estilos favoritos, e por isso os destaques para mim se mantiveram no estilo alternativo e indie.

O maior destaque para mim foi o Trench da banda Twenty One Pilots, e não só por ser minha banda favorita. Todo o conceito utilizado na produção do álbum, junto com o mundo que o vocalista Tyler Joseph criou através das músicas.

Um álbum que não entrou na minha lista mas chamou atenção foi o novo da Anavitória, O Tempo é Agora, que não ouvi com tanta atenção mas o que consegui dar uma olhada não deixou a desejar. Esse ano não foi musicalmente aproveitado por mim, mas prometo que 2019 eu melhoro!

Discos favoritos: 1. Trench – Twenty One Pilots / 2. My Dear Melancholy, – The Weeknd / 3. The Neighbourhood – The Neighbourhood / 4. M A N I A – Fall Out Boy / 5. High as Hope – Florence and the Machine

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Rafaela Martuscelli

Em 6 de julho de 2017, a banda Twenty One Pilots se calou. Como tudo o que envolve a banda, a despedida não seria simples e direta. Algumas imagens em preto, branco e vermelho – que faziam referência direta ao álbum Blurryface – com partes de músicas que falavam sobre escuridão, noite e solidão, foram postadas.

O vermelho da imagem, que começou em formato de um grande círculo, foi se fechando como se fosse um exausto olho após um dia agitado, até o total silêncio e a escuridão ganhasse forma na figura que se formava. Até que a multidão tivesse sumido. E esse foi o último sinal do duo por um ano.

Depois desse período sem novidades e de grandes expectativas, o grande olho se abriu e a banda ressurgiu com o novo álbum Trench e suas novas cores, o sucessor de seu último grande trabalho, o Blurryface. Os garotos de Ohio, Tyler Joseph e Josh Dun, estão juntos pela gravadora Fueled By Ramen desde 2012 e desde então não decepcionam quando o assunto é Música.

Blurryface foi e continua sendo um álbum muito importante para a banda, já que foi o responsável pela conquista do mundo da indústria pop com o sucesso Stressed Out. Um álbum cheio de significados e mistérios, que deu margem a diversas interpretações. Afinal, o que seria Blurryface? O que é? Quem é Blurryface?

Como forma de exteriorizar seus sentimentos, Tyler cria o conceito do Blurryface como uma pessoa – mas não uma pessoa qualquer. É a representação daquilo que ele vê quando se olha no espelho: todos os seus medos e inseguranças aparecem em sua frente, como forma de uma outra pessoa que era inexistente até então, ao mesmo tempo que é uma parte dele.

Trench veio como uma continuação do antecessor. Como uma forma de concluir os pensamentos que foram deixados em aberto, o recém-lançado álbum do duo ainda trabalha com algumas questões abordadas anteriormente. Dessa maneira, trabalham de maneira interligada. Para interpretar um, você precisa entender o outro.

O simbolismo e as cores

Levando isso em consideração, podemos começar pela parte simbólica de cada projeto. Um dos fatores de importância no Blurryface foi a parte visual. O símbolo da banda, (|-/) é trabalhado desde o álbum Vessel. Nesse em questão, tal símbolo é formado por barras de cores azul, preto e vermelho.

Há quem interprete o azul como o lado bom, o vermelho como o lado ruim, e o preto como uma ponte que leva uma parte a outra. Segundo algumas teorias, Josh seria a parte boa que o Tyler precisa. Em alguns photoshoots, isso fica evidente pela cor da camiseta que cada um deles está usando e a posição em que eles se encontram.

Quando o Blurryface foi lançado, o símbolo também foi alterado. Como o álbum remete a pensamentos mais sombrios, a parte azul foi retirada de forma que o símbolo ficasse só com a parte em vermelho, e as barras se tornaram mais distantes, como se quisesse evidenciar um afastamento.

Já em Trench, a era vermelha teve seu fim. Desde o começo das divulgações, a cor amarela foi evidente. Sabendo que a cor amarela traz a sensação de alegria por ser uma cor clara e forte, e analisarmos o conteúdo das letras do novo álbum, temos a sensação de que Tyler segue na busca incessante por um esclarecimento em seu interior.

Os vídeos que saíram – que, em ordem de lançamento, são Jumpsuit, Nico And The Niners, Levitate e My Blood – demonstram isso em diversos momentos em que Tyler aparece “se livrando” de algumas referências do álbum anterior.

Dema

Um fato que intrigou a maioria dos fãs alguns meses antes dos primeiros singles serem lançados foi o surgimento de um site misterioso chamado demaorg.info, que continha uma mensagem:

“you are in violation. thEy mustn’t know you were here. no one should ever find out About this. you can never tell anyone about thiS — for The sake of the others’ survIval, you muSt keep this silent. we mUst keeP silent. no one can know. no one can know. no o ne c an kn ow_

(Violation Code. 15398642_14)”

Além da mensagem que o texto está transmitindo, algumas letras em maiúsculo aparecem entre as frases. Juntando elas, conseguimos formar a frase “East Is Up”, que aparece logo no primeiro single Jumpsuit e indica que o leste da cidade está aberto.

Usando o código de violação, você chega em uma parte do site que fica escondida. Nela, encontramos uma espécie de diário desse personagem chamado Clancy. Clancy é um garoto que depois de muito tempo nessa cidade chamada Dema, que sempre foi considerada o seu lar, na verdade é o lugar que o sufoca. E ele precisa sair dali.

Então Clancy conta sobre como ele deseja escapar, porém essa escolha não existe. Ele será perseguido e punido por tentar fugir da cidade em que passou a vida inteira lá. É assim que os Bishops (Bispos) aparecem na história, como aqueles que estão atrás de Clancy, assim como os Banditos aparecem para ajudá-lo. O site está cheio de referências, tanto aos álbuns anteriores quanto às próprias músicas do Trench. Relembrando que o site foi ao ar meses antes de qualquer coisa relacionada ao álbum, quem o visitou e viu as imagens que estavam lá nem imaginavam que eram cenas de futuros clipes.

Entre as imagens, um mapa – que provavelmente é da cidade de Dema. A cidade é em formato circular, e em seu centro há o nome dos nove Bishops: Andre, Lisben, Keons, Nico, Reisdro, Sacarver, Nills, Livetom e Listo. O que torna interessante é o fato de que os círculos no centro representam os mesmos que aparecem na capa do Blurryface.

No entanto, devemos retomar ao Blurryface para interpretar o nome dos Bishops. Os círculos representam determinada música do álbum. A relação entre os Bishops e as músicas em específico estão no meio das letras:

O Nico, que foi citado diversas vezes em músicas como Nico And The Niners e Morph, é o nome de um dos Bishops que estão atrás de Clancy, o autor do site que foi divulgado antes dos primeiros singles do Trench serem divulgados. É o único nome que não houve conexão com a música que estava designada para seu círculo.

Outras postagens desse Diário de Clancy também fizeram referências ao que estava por vir em Trench: alguns textos terminam com a expressão Cover me, que também é parte de Jumpsuit. Dema é uma abreviação da palavra demons. A questão aqui é o fato de Clancy (que representa Tyler) querer escapar de seus demônios – representados pelos Bishops. Os Bishops são cavaleiros brancos em uma capa vermelha, que tem suas mãos cobertas de preto, as mesmas cores em Blurryface.

Uma vez que Blurryface é considerada uma versão de Tyler, estaria ele fugindo dele mesmo, já que seus pensamentos e ele seriam os seus próprios demônios? Pois como ele mesmo diz em Nico And The Niners: dema don’t control us.

A subjetividade nas letras

A subjetividade nas letras de Tyler também é um diferencial em seu trabalho. Quando você as interpreta, você entende a mensagem que ele quer passar, apesar dela sempre estar implícitas em expressões ou situações. Tyler sempre coloca muito sentimento naquilo que escreve. Na maioria das vezes, os temas que ele aborda variam: melodias animadas com temas pesados. Melodias pesadas com temas leves.

Seguindo a linha de relação entre Trench e os outros álbuns – com ênfase em sua ligação com o Blurryface – é marcante como uma letra remete a outras de outros álbuns, muitas vezes dando continuidade ao pensamento ou acontecimento. Isso acontece, por exemplo, em Levitate, que lembra do rádio roubado em Car Radio (Vessel):

Em Car Radio, Tyler canta:

“I have these thoughts, so often I ought
To replace that slot with what I once bought”

Dois álbuns mais tarde, ele retoma em Levitate:

“I got back what I once bought back
In that slot I won’t need to replace”

Além disso, outro detalhe importante a ser notado é que a última música dos três principais álbuns parece se conectar. Em Truce (Vessel), ele insiste na frase ‘Stay alive’ e na questão do anoitecer e no escuro da noite. Em Hometown (Blurryface), ele diz que nosso lar é na escuridão e que não deixará os espíritos da noite o alcançarem. Finalmente, em Leave The City (Trench), ele diz que uma hora sairá de sua cidade, mas por hora se manterá vivo – retomando novamente a questão do ‘stay alive’.

Um outro assunto que Tyler sempre retoma é metalinguístico: ele fala sobre o próprio processo de criação de suas canções. Em Banditos, ele repete várias vezes a expressão “Sahlo Folina” que significa “habilitar suas expressões criativas”. O que faz completo sentido, já que os versos seguintes falam sobre como ele conseguiu criar o mundo de Trench.

Na maioria das vezes, as letras falam sobre a exposição dos efeitos que as pressões que sofremos diariamente nos causam. No caso de Tyler, além da pressão externa de corresponder ao que a indústria musical pede e produzir somente o que faz sucesso, ele ainda lida com suas pressões internas.

Nesse álbum, Tyler bate sempre na tecla do “keep moving” apesar do quanto ele esteja machucado – nos seus diversos sentidos da palavra. É impossível não se identificar com alguma música, pois cada uma delas remete a uma problemática recente quanto a questão da saúde mental.

Seguindo o padrão dos demais álbuns, as músicas mudam de ritmos bruscamente em uma só música. Às vezes conseguimos ter a impressão de que estamos em uma faixa diferente, quando na verdade apenas chegou ao refrão. Como a própria banda comentou em seu Twitter, algumas músicas irão te fazer sorrir, e outras vão te fazer chorar. Há muito sentimento envolvido em Trench.

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Rafaela Martuscelli

Com mais de 20 indicações ao Emmy, O Conto Da Aia (The Handmaid’s Tale) faz sucesso desde a sua estreia. A série é uma adaptação da obra literária da escritora canadense Margaret Antwoord, que foi publicada em 1985, e tem como produtora e protagonista a atriz Elisabeth Moss.

A história se trata de uma distopia. Tal conceito na ficção procura mostrar como a sociedade pode caminhar para um modo de autodestruição – e é dessa forma que ela se desenvolve. O livro foi lançado ao mesmo tempo em que acontecia a segunda onda feminista no mundo, aonde eram exigidos em suas manifestações a igualdade de gêneros e a garantia do direito das mulheres. Os atos tinham como objetivo atingir diretamente a sociedade conservadora que existia na época.

O fato do livro ter sido publicado nessa época dá a entender que sua autora, Margaret, o utilizou como meio de fazer a sociedade se questionar. Seu objetivo em criar uma distopia em cima disso acaba se tornando um meio de reflexão sobre o que aconteceria caso as mulheres abrissem mão da luta feminista e os homens, por fim, assumissem o poder e anulassem qualquer direito feminino.

A religião e o machismo se encontram na série

A série se passa nos Estados Unidos que conhecemos. Enquanto a população vive sua vida longe de preocupações, há um grupo de homens religiosos que seguem fielmente a Bíblia, e se intitulam como os “Filhos de Jacó”. Esse grupo seleto planeja aplicar um tipo de governo no país, e assim conseguem ao começar implantar a República de Gilead por meio de guerras. A partir daí, mulheres perdem seus direitos e têm seus futuros pré-determinados pelo governo.

Uma vez que o governo que subiu ao poder na série é teocrático, é grande a presença de trechos da Bíblia para justificar atitudes de algumas personagens. Ao decorrer dos episódios, é comum nos depararmos com momentos extremamente misóginos, que exigem estômago forte, já que vemos cenas de violência explícita contra as mulheres – algumas contendo até abusos sexuais.

Além disso, existem perseguições contra mulheres inférteis e homossexuais, que são consideradas pecadoras. Uma dessas mulheres, interpretada por Samira Wiley – conhecida por participar de Orange Is The New Black no papel de Poussey Washington – se assemelha com este último papel citado, já que ambas são mulheres lésbicas.

Por mais que Margaret Antwoord já tenha afirmado em entrevistas que seu objetivo na obra não foi atacar nenhuma religião, todo esse cenário – tanto o do livro quanto o da série – foi criado para denunciar o quão perigoso é um regime totalitário, seja ele de cunho religioso ou não. No entanto, é possível sentir os impactos que um governo teocrático poderia causar em determinados contextos sociais.

Choca, mas promove reflexões

Como produção audiovisual, a produção da série não deixou a desejar. Os tons em bege nos cenários, que vão de contraste às roupas que são de um colorido vibrante para caracterizar as personagens, criam um ambiente perfeito para o drama.

A trilha sonora, combinando com as fortes atuações femininas, traz nomes como Lesley Gore, com seu sucesso “You Don’t Own Me” e Nina Simone com “Feeling Good”, que são encaixadas de modo perfeitamente contextualizada com a trama. Nomes atuais, como a banda Cigarettes After Sex, também aparecem.

Quanto ao conteúdo, o livro foi muito relevante em sua época, assim como retomar a história em formato de série também se encaixou perfeitamente no contexto histórico-social em que nos encontramos agora.

Ao girar em torno de temas como religião, política e feminismo, é impossível que não se criem polêmicas ao redor da série. Apesar de distópica, crimes como mutilação de órgãos genitais, estupros maritais, e propriedade patriarcal acontecem na ficção e nas nossas vidas.

Por um lado, o alto teor de violência contra mulheres é um fator que prejudica a série, já que pode causar um grande incômodo em quem assiste, seja por empatia ou por se identificar com o momento por ter passado por algo parecido. Um grande número de mulheres já parou de assistir à série por conta disso.

Pelo outro, talvez o exagero nessas imagens leve o espectador a captar as similaridades com o mundo real, e que milhares de mulheres sofrem as mesmas coisas todos os dias há anos e não recebem o mínimo de ajuda necessária. Talvez os instigue a tomar alguma atitude sobre isso e refletir sobre a nossa realidade.

Em uma entrevista, Elisabeth Moss declarou que a série não foi feita para ter um contexto feminista, mas sim retratar uma história de amor. Offred, a protagonista, sobrevive para tentar reencontrar o seu marido e sua filha.

Mas nem sempre esse amor resolverá todas as questões do mundo. Se levarmos em consideração o contexto geral da série e da obra literária, não se pode ignorar que o feminismo é uma das – ou até mesmo a principal – questão abordada na série.

O choque na veracidade das cenas pode agir como um modo de abrir os olhos daqueles que estão vendo a série. De certo modo, chega a ser importante pois, diferente da realidade em Gilead, o que há de mais valioso dentro das mulheres em nossa sociedade não são os seus úteros.

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