O ato de ouvir Música se tornou tão imprescindível que pode até ser confundido com uma banalidade. Banal não no sentido ruim, mas sim de algo tão essencial, que, por assumir uma parcela gigantesca de nossas vidas, à medida que cresce em escala, não consegue acompanhar o tamanho em definição. Chega um momento em que ele se torna apenas… ouvir Música. Para não cair nesse limbo chamado lugar comum, o Persona retorna com sua já tradicional lista de Melhores Discos.

Se 2023 nos reservou um retorno ao início do século graças à Saltburn e Todos Menos Você, aqui focamos essencialmente no que foi criado no ano que passou e, assim como os grandes players da indústria, deixamos o TikTok de lado para embarcar no ato arcaico de se ouvir um álbum de cabo a rabo. O resultado foram 93 produtos que embalaram e deram sentido para o ano.

Não podemos negar que foi o ano de Taylor Swift. Mesmo sem um trabalho de inéditas, o pomposo Speak Now (Taylor’s Version), o agora litorâneo na mesma medida que cosmopolita 1989 (Taylor’s Version) e os resquícios de insônia de Midnights – claro, aliados a gigantesca The Eras Tour – serviram para ecoar o sucesso estrondoso que ela calcou. Ainda na ditadura loira do pop, sua pupila Sabrina Carpenter apareceu para o mundo também com obras repaginadas: primeiro, enviando os anexos que esqueceu no corpo do e-mail e, no fim do ano, trazendo um pouco de malícia para o Natal.

Quem retornou de forma inédita foi a rival de Carpenter, Olivia Rodrigo. Após a acidez de SOUR, a artista volta a expor seus sentimentos de uma forma nada ortodoxa: arrancando suas entranhas. O sentimentalismo, dessa vez mais bonito, mas igualmente doloroso, está presente no alinhamento estelar das boygenius, ao mesmo tempo que Mitski declamava todo seu amor para as paredes de um galpão vazio.

Ao longo das 93 obras, temas conversam entre si, mas a homogeneidade é proibida. Troye Sivan e Pabllo Vittar querem festejar, mas enquanto um é a efervescência do durante, a outra é o desejo do pós. Os latinos KAROL G e Bad Bunny falam sobre o amanhã de formas diferentes: ela com esperança, ele com incerteza. Letrux abordava o reino animal e Ana Frango Elétrico se transmuta em feline. Marina Sena se viciava na selva de pedra enquanto Chappel Roan se assustava com os prédios. Jão quer ser cada vez mais superlativo, à medida que Post Malone se recolhe em suas origens. Metallica sente a passagem de tempo, diferente de Kylie Minogue, que nem o vê passar.

Tal cenário só é possível pois a Música e toda sua imensidão atuam como um espaço de diversidade e liberdade, no sentido mais amplo das palavras. E nada mais justo do que celebrá-las no ano de passagem da Padroeira da Liberdade. O Melhores Discos de 2023 é por Rita Lee, que é gente fina na Música e na eternidade.

Taylor Swift – 1989 (Taylor’s Version)

Em mais uma regravação extremamente esperada pelos fãs, Taylor resgata o sorriso, o cabelo curto, os pássaros e o antigo amor por Harry Styles em 1989 (Taylor’s Version). Além da nostalgia em reviver uma era de ouro, Swift consegue elevar ainda mais a experiência de ouvir hits antigos com sua evidente melhoria vocal e refino técnico – tudo parece igual mas, ao mesmo tempo, tudo é diferente. 

Longe dos prédios altos de Nova Iorque que marcaram 1989 pela primeira vez, a compositora relembra sua conturbada história com o ex-One Direction nas faixas From The Vault, que misturam a acidez de um coração partido, a vontade de dar certo e as inúmeras fofocas acerca do affair da época. Todos sabiam das idas e vindas do casal, mas ninguém esperava as alfinetadas tão certeiras em Is It Over Now?.

Traçando um paralelo entre passado e o presente, fica aqui a dúvida se, durante a regravação, Taylor também não se identificou novamente com Clean ou I Wish You Would em razão dos mesmos boatos do fim de seu relacionamento com Joe Alwyn. A compositora mostra que, no fim, sempre irá conseguir contar seu lado da história, nem que seja nove anos depois. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Is It Over Now?, Style e Say Don’t Go.

Geese – 3D Country

Ao contrário do nome, 3D Country é um álbum que vai muito além de três dimensões. O segundo disco do (agora) quarteto estadunidense Geese – o guitarrista Foster Hudson anunciou sua saída do grupo em dezembro de 2023 – é um prato cheio que oferece ao ouvinte tudo e mais um pouco. Narrando vagamente a jornada de um cowboy que toma drogas alucinógenas no meio do deserto, as músicas atravessam sem parar sonoridades que abrangem desde o soul e R&B até o progressivo e noise, tudo em uma grande mistura que não deveria funcionar, mas funciona.

Na sua estreia em Projector (2021), a banda contou com o produtor Dan Carey, que já trabalhou com diversos nomes da cena pós-punk inglesa contemporânea; no entanto, para esse novo disco, o grupo convocou James Ford, parceiro de longa data do Arctic Monkeys. O novo produtor trouxe uma abordagem muito mais diversificada para a sonoridade geral do álbum, dando forte protagonismo à seção rítmica da banda – detalhe evidente em músicas como Cowboy Nudes e I See Myself. Além disso, o disco possui uma dinâmica impecável entre as faixas, oscilando entre momentos crus, sujos e passagens limpas, elegantes, com direito a poderosos arranjos de orquestra e backing vocals.

Com um som pautado principalmente nas décadas de 1960 e 1970, o grupo veste suas influências de forma natural e orgânica, nunca com medo de deixá-las transparecer. Apesar disso, os vocais e letras de Cameron Winter se destacam como uma mistura autêntica de sabores, assim como as linhas de baixo e guitarra que se entrelaçam encantadoramente com as levadas de bateria e percussão. A química musical presente aqui entre todos os membros da banda é algo de se invejar, além de ser deliciosa de se ouvir. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Domoto, 3D Country e Mysterious Love

Metallica – 72 Seasons

As primeiras 72 estações ou 18 anos na vida de uma pessoa são essenciais para entender a construção de sua identidade e o seu comportamento na fase adulta. Lançada de surpresa junto do título do décimo primeiro disco do Metallica, a faixa Lux Æterna é basicamente uma ode aos primeiros anos, sendo a escolha perfeita para introduzir toda a ideia por trás de uma obra que avança em sonoridades mais profundas, embora recorra a repetições do passado para isso.

Na contramão do riff divertido do single, a inspiração de James Hetfield para conceitualizar toda essa luz que invade o cenário de destruição infantil da arte de capa foi um livro analítico sobre a infância. Não é novidade que o frontman da maior potência do thrash metal saiba abordar a raiva e o ressentimento em letras fortes, mas dessa vez, ele traz uma maturidade diferente – ainda que os temas sejam os mesmos de sempre –, com o melhor vocal desde os tempos do Black Album.

E, se as primeiras 72 seasons do Metallica explicam os rumos tomados pelo quarteto, atualmente composto por Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett e Robert Trujillo, o disco prova que chegou no tempo certo. Com Greg Fidelman na produção, solos improvisados e a composição mais longa da carreira se destacando como uma das melhores da discografia, o álbum marca uma nova era para a banda, sendo o seu melhor lançamento deste século. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: You Must Burn!, Crown of Barbed Wire e Inamorata

IZA – AFRODHIT

IZA é, sem dúvidas, uma das maiores artistas brasileiras contemporâneas e em seu novo álbum ela mistura funk, R&B, pop e rap e muito estilo. O disco tem como pano de fundo o momento delicado da vida pessoal pelo qual cantora passou recentemente, o que o leva ser uma jornada de autoafirmação, empoderamento e reconhecimento das origens e dos caminhos que trouxeram a artista ao topo

AFRODHIT conta com 6 participações de artistas como Djonga, Mc Carol, Tiwa Savage e L7NNON. As músicas cantam libertação com muita emoção, com letras que tocam em assuntos como desejo e autonomia financeira. Os grandes destaques do álbum são Que Se Vá e Nunca Mais, músicas que pincelam em pontos íntimos da carreira e vida de IZA, e ainda trazem uma forte crítica social em seu texto. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Que Se Vá, Nunca mais e Bonzão

Pabllo Vittar – AFTER

O que vem depois da noitada? De acordo com a artista Pabllo Vittar, o pós de uma noite de festas é tão importante quanto o evento em si. Em AFTER, ela comprova a versatilidade que possui. O projeto de remixes é uma releitura do quinto álbum de estúdio da cantora, o Noitada. Aqui, a artista se aventura em versões estendidas e com participações especiais, como Jup Do Bairro e a dupla CyberKills em uma atualização deliciosa da faixa Descontrolada. 

Do piseiro ao funk, entre a eletrônica e o pagode baiano, a drag queen mostra, mais uma vez, que tem um tato musical como ninguém. Um dos maiores destaques do álbum é a capa, feita pelo artista Gabriel Renné. Sendo um projeto para ouvir de uma vez em um set de uma balada, numa festa de república ou até mesmo no show de Vittar, After é sensorial: no momento em que os fones de ouvidos são colocados, somos teletransportados para os perigos da vida noturna das baladas brasileiras. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Descontrolada (feat. Jup do Bairro – Cyberkills Remix, Calma Amiga (feat. Anitta) – DJ RaMeMes (O DESTRUIDOR DO FUNK) & Dj Tonias Extended Mix e Derretida (feat. Irmãs de Pau) – Brunoso Remix

MC Hariel – ALMA IMORTAL

ALMA IMORTAL, conceito de platão que nomeia o EP com 7 canções, consolida ainda mais MC Hariel como um dos grandes do cenário no funk brasileiro. O EP foi produzido com letras conscientes e importantes que relatam as experiências do MC e tratam trazer a sua visão lúcida para o mundo. Misturando vários gêneros com o funk, como rap, reggaeton e boombap, Hariel explora os ritmos de uma maneira dinâmica que traz ao EP uma autenticidade consolidada. No videoclipe de MODIFICAR, é possível decidir o destino da história ao final da canção. REAGIR OU MODIFICAR? Essa é a pergunta que percorre todo o EP.

Hariel, que introduziu a filosofia nesse trabalho como forma de difundir a superação e o alcance dos sonhos em suas letras, além de ir atrás de conceitos e estudar mais sobre para escrever as canções, produz suas poesias com o intuito de trazer a visão de que tudo é possível. Em síntese, ALMA IMORTAL é um manifesto em que amplia os ideais filosóficos, trazendo consigo a mensagem de que a sua essência não pode ser mudada para agradar os outros, muito menos transformada para se encaixar em algo. Por isso, o MC vem se tornando um dos maiores e é um privilégio estar presenciando um amadurecimento nessa nova fase. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: SONHOS, 1APRENDIZ E SUAS CICATRIZES e 1ESPERTO E 1OTÁRIO

Westside Gunn – And They Pray For Me

And Then You Pray for Me deve ser enquadrado na discografia de Westside Gunn como sequência ao Pray for Paris, de 2020. Ambos os discos, assim como as outras produções do membro da Griselda Records, representam um projeto estético que está para além da música pura e simples: colocam a black culture dos EUA – com um certo resgate do boom-bap e do gangsta rap feito à la Griselda – a par com a “alta cultura” e “alta-costura” europeia.

Assim é que, nas letras, abundam referências ao mundo da moda europeia (Margiela Split Toes, Versace) contrastadas com o mundo de cocaína e armas a que ele se refere (Griselda é referência direta à Griselda Blanco) e a ascensão que conseguiu. Samples majestosos contrastados com beats densos e sujos; e, na capa, releituras de obras do grande cânone europeu, como Caravaggio, feita por ninguém menos que Virgil Abloh, falecido ex-diretor artístico da Louis Vuitton. Miscelânea tão potente de coisas aparentemente tão contraditórias quanto armas de fogo,barroco, drogas e leilão de arte; e decerto a sonoridade de um Louis Vuitton jamais será a mesma depois de Virgil, Pharrell e Westside Gunn. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: The Revenge of Flip Legs (feat. Rome Streetz), Ultra GriZelda (feat. Denzel Curry) e Mamas PrimeTime (feat. JID & Conway the Machine)

Rubel – AS PALAVRAS, VOL. 1 & 2

Que Rubel tem o talento de transcrever sentimentos em canções, não existem dúvidas. O jogo de palavras em cada estrofe e o jeito de fazer poesia que conversa com cada acorde do violão marcaram a carreira do artista e o tornaram conhecido. Em As Palavras Vol. 1&2, o cantor reforça o motivo de ser tão elogiado ao entregar um disco completo, que pode ser apreciado da maneira como o ouvinte preferir: seja faixa a faixa, na degustação dos detalhes, ou em sua totalidade, como uma jornada pelas histórias cantadas.  

A diferença significativa de sua nova obra, no entanto, se encontra na sonoridade: passeando entre funk, samba, pagode, forró, mpb, hip hop e elementos de soul, Rubel conta uma história por meio de tudo aquilo que inspirou o que hoje temos como Música Popular Brasileira. Ao apontar em todas as direções, o álbum funciona como uma porta de entrada para diferentes ouvintes, furando a bolha que antes o cantor pertencia e apelando para um lado mais mainstream. Mas, ao sair de sua zona de conforto, o artista entrega belíssimas parcerias, um instrumental de alta qualidade e ótimas músicas para se ouvir no dia a dia – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Grão de Areia (feat. Xande de Pilares), Toda Beleza (feat. Bala Desejo) e Torto Arado (feat. Liniker e Luedji Luna)

Daisy Jones & The Six – AURORA

Daisy Jones & The Six foi um sonho realizado para os fãs de Taylor Jenkins Reid: todas as letras de amor de Billy Dunne (Sam Claffin) com Daisy Jones (Riley Keough) materializaram-se em série, banda e álbum. Aqueles que leram a obra e acompanharam a construção dos personagens foram contemplados com a fidelidade e qualidade entregue pelos atores nessa adaptação memorável – que poderia até mesmo concorrer ao Grammy.

Longe de ser um álbum com faixas datadas nos anos  70,  AURORA consegue misturar o estilo da época com a sonoridade atual e ser um prato cheio para aqueles que buscam a suavidade e o ritmo do blues rock. É evidente que o grupo dedicou-se para proporcionar faixas que ultrapassam o título de trilha sonora e conseguiram, facilmente, roubar a cena para grudar nos seus ouvidos. – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: The River, Kill You to Try e Let Me Down Easy

Post Malone – AUSTIN

Austin Richard Post, sob o nome artístico de Post Malone, já lutou com vampiros em Hollywood e até colocou implantes dentários de diamante ao perder os dentes em uma briga. Agora, em seu quinto álbum de estúdio, AUSTIN, ele revisita alguns de seus demônios já conhecidos pelo público, mas por uma perspectiva mais intimista e surpreendentemente bem-humorada, sendo um momento de alívio para quem já viveu múltiplas possibilidades. 

Quando artistas lançam discos homônimos é porque a coisa ficou séria e com AUSTIN não é diferente, o tema da sobriedade percorre todas as faixas, desde as mais inspiradas até as superficialmente melódicas. Ao contrário do antecessor, o álbum consegue rir de si mesmo com menções peculiares que variam de Beethoven a The White Stripes. Sim, Post Malone pagou caro pelo grande momento de sua vida, mas acompanhar a sua jornada de autoconhecimento faz tudo valer a pena. – Nathalia Tetzner

Faixas favoritas: Something Real, Novacandy e Laugh It Off

Tinashe – BB/Ang3l

BB/Ang3l nasceu como o terror do SEO. Com símbolos e números angelicais, até a tracklist foi um desafio de ser desvendada. E, como sempre, é um projeto experimental muito bem-vindo quando combinado com o timbre doce e único da Tinashe, ou Sweet T para os íntimos. E ainda que BB/Ang3l marque o início de uma nova era em sua carreira, é intimamente ligado com seus últimos trabalhos independentes.

Em elementos líricos, nada melhor que sofrermos os mais diferentes estágios do luto após um rompimento ruim, mesmo que ele sequer nos represente – à la Taylor Swift – e, com louvor, seu último trabalho assume seus próprios erros e abraça a regressão junto a sua a humanidade. – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: Needs e None of My Business 

Beach House – Become

A banda encabeçada por Victoria Legrand e Alex Scally tem lançado sucessos ano após ano. Depois do maravilhoso Once Twice Melody  em 2022, o EP Become leva o ouvinte a uma viagem psicodélica ao estilo dream pop. Com músicas longas e calmas, o disco evita a monotonia com instrumentos bem harmônicos e sintetizadores precisos. 

As letras possuem uma leve energia de feriado, e são bem sintonizadas com a fase da banda que explora novos rumos. A voz de Legrand é potente e doce, tornando-a uma artista única . Bem consolidada desde 2004 quando lançou seu álbum de estreia , a dupla musical já carrega oito álbuns nas costas, e demonstra ter muito futuro pela frente. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: American Daughter, Holiday House, Black Magic

Blondshell – Blondshell

Estamos no mundo-cão e Sabrina Teitelbaum sabe disso, por isso se esconde em sua ‘concha loira’. No autointitulado de seu nome artístico, a intérprete não está interessada em escrever finais felizes, muito menos meios ou começos. Seu som é latente, não faz questão de anestesiar e opta por doer, pois julga que tal dor precisa ser sentida até se caracterizar como suportável, ou até mesmo ser transformada em ímpeto. No caso, aqui ela virou Música.

Misturando indie rock com grunge, Blondshell transita entre o sarcasmo e  sentimentalismo e faz desse meio-termo seu próprio inferno. A guitarra carregada, de poucos acordes e extremamente contínua dá a ideia de uma dor de cabeça, mas, em efeito contrário, cria uma cama macia para a potencialidade da voz e letra de Teitelbaum. No alto de seus 25 anos, tempo considerado até alto para um debut, a artista entende que a vida não é fácil para ninguém, mas longe do coitadismo, faz uma ótima estreia que nos convida para afogar as mágoas, ao mesmo tempo que sofre de ressaca. – Guilherme Veiga

Faixas Favoritas: Salad, Olympus e Veronica Mars

Ajuliacosta – Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva

Quebrando os estereótipos de que mulheres negras são sempre fortes, Ajuliacosta invade caminhos desarmados, nos quais sentir é completamente válido. O trabalho repousa em um nome bastante auto explicativo: Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva. Com 10 faixas, o disco explora sonoridades diversas, passeando entre rap, soul, house e funk, mas sua maior força vive em seu caráter político.

As letras, cheias de histórias que a periferia e os jovens negros protagonizam, falam bastante sobre o amor. No caso, esse sentimento vem afrocentrado e em relacionamentos pelos quais o eu-lírico tem orgulho de lutar, já que o contexto social torna tudo uma verdadeira manifestação. Ainda, encontram-se em músicas como Empresário e Pq a Polícia Smp Acaba com a Festa?, críticas fortes a um Estado que deslegitima as formas de comemorar, trabalhar e existir da população nas favelas. Em beats envolventes, o produto é um grito pelos direitos de viver, celebrar e, principalmente, ser vulnerável. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Tão Gostoso, Queen Chavosa e Amo Te Ver de Juju 

Foo Fighters – But Here We Are

A dor da perda é, sem dúvidas, desoladora. Neste 11º álbum, Foo Fighters faz Música a partir de tristeza, pena, luto, questionamentos e, sobretudo, celebração. Celebração por terem tido a chance de serem amigos e família de Taylor Hawkins, baterista da banda, falecido em 2022 e também de Virginia Grohl – mãe do vocalista Dave Grohl. Procurando respostas para perguntas que jamais serão respondidas, a banda mostra através dos versos a manifestação constante da pergunta: como enxergar o futuro se não há mais nós? A resposta é curta, mas não simplista: é avassalador, mas aqui nós estamos (tradução literal do álbum But Here We Are) e teremos que reaprender a viver – mesmo longe um do outro.

De Rescued a Rest – primeira e última música, respectivamente – são materializados os sentimentos desse luto. A faixa inicial traz um tom de desespero, a digestão do peso da perda e necessidade de alguém para resgatá-lo. Já nas músicas seguintes, tudo é transformado: a angústia vai passando para um consolo, a partida se torna, aparentemente, menos difícil – mas não menos sentida. Ao fim, com Rest, o grupo nos presenteia com a pura poesia do arranjo musical produzido para entender e homenagear a despedida daqueles que já se foram. O descanso é o destino final e está tudo bem agora, eles podem descansar em paz. 

Entre os destaques estão as participações maravilhosas de Violet Grohl em Show Me How, cantando em conjunto com seu pai, e também H.E.R. na versão de The Glass lançada posteriormente ao álbum. Por fim, é redundante citar o quão importante But Here We Are é para o Foo Fighters e também os seus fãs. É a continuação de um sonho em conjunto que, desde 1995, transborda emoção com suas melodias. Um lindo tributo às pessoas amadas em que emoções são exploradas pelo caminho. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Rescued, Show Me How e Rest

Red Velvet – Chill Kill – The 3rd Album

Evitando pensar sobre o que o amanhã reserva na espera de um final feliz, Chill Kill – The 3rd Album eleva os vocais de Irene, Seulgi, Wendy, Joy e Yeri enquanto brinca com uma sonoridade creepy ao fundo. Tal união peculiar casa perfeitamente com o nome do quinteto, afinal, não existe nada mais Red Velvet do que essa dualidade pop/R&B que mistura danças delicadas com homens sangrando e mansões queimando nos videoclipes. Fruto de uma longa espera de seis anos, o disco enfatiza o que os fãs de K-Pop já estão cansados de saber: a SM Entertainment é a pedra no próprio calçado.

Isso porque, no universo de múltiplas possibilidades da indústria musical sul-coreana, ninguém sabe transitar tão bem pelo alternativo como o Red Velvet. Nas vozes das meninas do grupo, composições naturalmente difíceis de agradar se tornam verdadeiros hinos. Porém, para a empresa que acumula críticas, o que vale é investir em promessas mais jovens que de nada realmente acrescentam para além de uma estética edgy superficial e, definitivamente, passageira. Uma pena para os mercenários pois, ainda que tenham comebacks cada vez mais afastados, as original visual já são bem maiores do que qualquer outra coisa em sua volta.

Fato é que hits não necessariamente consagram grandes discos, e Chill Kill – The 3rd Album não aposta no simples, Knock Knock (Who’s There?) seria uma escolha bem mais óbvia do que a faixa-título. Seja motivada pela direção criativa esplêndida – de longe, a melhor de 2023 –, ou por um suposto boicote da SM, a negação do óbvio é o que faz o single Chill Kill tão especial e ajuda a introduzir essa obra que leva pesadelos para a pista de dança, além de orquestrar Underwater, o grande destaque do álbum que mergulha nos melhores momentos de Janet Jackson na década de 1990. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Chill Kill, Underwater e Will I Ever See You Again?

Jards Macalé – Coração Bifurcado

No mais recente trabalho de estúdio de Jards Macalé, o amor é retratado na sua forma mais intensa e sincera. Com melodias semelhantes a Itamar Assumpção e Elza Soares, as melodias da guitarra e percussão ecoam logo nas primeiras faixas, como em Amor In Natura, trazendo paz, ao passo que questiona as contradições deste imenso sentimento presente em cada um de nós.

Além disto, Macalé traz referências que remetem à religiosidade de crenças de matrizes africanas, quando canta sobre como o afeto aparece nas encruzilhadas da vida num canto destinado a Exu. Canções como Em Mistérios do Nosso Amor, esta sendo uma parceria com Maria Bethânia, relembram a força da Música Popular Brasileira e suas decorrências até os dias de hoje. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Coração Bifurcado, Mistérios do Nosso Amor e A Arte de Não Morrer.

Inhaler – Cuts & Bruises

Em 2023, a sombra da influência do U2 se dissipou ainda mais do legado de Inhaler, banda em ascensão liderada por um dos filhos de Bono. De fato, Elijah Hewson carrega o carisma e o timbre de cadenciamento versátil que ser vocalista exige, mas o rock alternativo do grupo produz faíscas atraentes graças à união da alma dada por Josh Jenkinson, Robert Keating e Ryan McMahon aos desdobramentos aéreos de guitarra, baixo e bateria, respectivamente. Para maximizar esse ponto, a suspensão questionadora na qual qualquer um se pega no começo da vida adulta serve de motor criativo, palco e divã de terapia no segundo álbum de estúdio arquitetado pelos irlandeses. 

Cuts & Bruises investe em consolidar o trabalho inaugurado por seu antecessor, voltando ao passado dos sintetizadores pela mesma avenida que desemboca nos registros alternativos que marcaram os anos 2000. Por isso, existe um divertimento rebelde e autoconsciente da volatilidade do tempo até nas faixas mais pessimistas do disco. Seja na solar These Are The Days (Estes são os dias que seguem você para casa/Que te beijam no nariz quebrado/Não sinto falta da sensação de estar sozinho) ou na MVP Dublin In Ecstasy (Eu só quero falar se você tiver tempo/Eu só quero lutar se for pela sua vida), Inhaler inteligentemente barganha sentimentos universais com o público, que não tem escolha a não ser sentar, escutar e abrir latinhas de cerveja e cascas de ferida ao lado da banda. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: Love Will Get You There, Dublin in Ecstasy e The Things I Do

Tainy – DATA

“Porque eu não sou um artista do momento/Eu sou um artista para sempre”, vocifera Arcángel na canção que poderia muito bem ser a sinopse de DATA, primeiro álbum completamente curado e estruturado por Tainy. Foram três anos de criação e experimentação até o porto-riquenho sondar os modismos do reggaeton e do trap em um registro inconfundível, capaz de metamorfosear o lugar-comum dos gêneros musicais e abduzir qualquer um disposto a apertar o play. Meticuloso e preciso, ele permanece entre os créditos de alguns dos maiores hits da esfera latina atual enquanto alça seu status de musicista solo para o topo da cadeia. 

DATA tem uma hora de duração e nenhum momento de desconexão ou perda de ritmo. Pelo contrário, são 20 faixas únicas, performadas por um time de 28 artistas, que saem de suas zonas de conforto amparados na engenhosidade do produtor. Bad Bunny deslancha em um rap confessional com Arca; The Marías soa pop sem deixar de ser indie em mañana; Young Miko, Feid e Rauw Alejandro fazem jus aos louros que andam recebendo; e até Daddy Yankee volta da aposentadoria para rechear os batidões de LA BABY. Ciborgue sonoro da melhor tecnologia, o disco homenageia Marcos Fernández, que começou a mixar músicas aos 14 anos, e leva um merecido troféu do Grammy às estantes de Tainy. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: MOJABI GHOST, 11 Y ONCE e si preguntas por mi

Lagum – Depois do Fim

O fim é simbólico. Mudanças na vida, seja o fim de relacionamentos ou a morte de amigos próximos, marcam o encerramento de um ciclo para o início de outro, mais dolorido, a princípio, mas com novas oportunidades para se curar, crescer e voltar a valorizar o inevitável: não é o fim de verdade e a caminhada tem que continuar. É nessa aceitação que a Lagum constrói Depois do Fim, reconhecendo que o que passou serviu para engrandecer o caminho até aqui.

Embora tenha perdido parte da pegada autoral de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração e cedido parcialmente à lógica comercial, com algumas canções que poucos dizem, a banda mineira mostra que continua tendo algo para falar – mesmo que seja sobre qualquer devaneio que vier à cabeça. Além disso, renova sua sonoridade e composições com explorações. Sample de Djavan, canção em francês e italiano, e interlúdios mostram que a Lagum está se encontrando – ou, pelo menos, na busca por se encontrar. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: De Amor Eu Não Morri, Ou Não e Ponto de Vista

Caroline Polachek – Desire, I Want to Turn Into You

Com So Hot You’re Hurting My Feelings, single de 2019, Caroline Polachek conquistou audiências e deixou claro o seu potencial para crescer no avant-pop. Seu nome já recebia atenção por conta do duo que participou: Chairlift, terminado em 2016, mas foi com o sucesso da faixa que pôde mostrar o que sabia fazer sozinha. Em 2023, com  Desire, I Want to Turn Into You, seu segundo álbum solo, a cantora provou que veio para ficar – não só ficar, mas também mudar o cenário atual da música pop. 

O registro abre com a faixa Welcome To My Island, uma ótima recepção para o novo mundo ao qual a cantora vai te guiar durante as suas 12 faixas. As vocalizações hipnotizantes de Polachek são uma passagem só de ida para escapar da realidade e mergulhar na atmosfera mística do disco. A artista domina uma sonoridade complexa, elegante e única que cementa Desire, I Want to Turn Into You como um dos melhores lançamentos de 2023. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: I Believe, Fly To You e Hopedrunk Everasking

Ava Max – Diamonds & Dancefloors

A febre dos anos 80 na música pop ainda não deu trégua, e Ava Max se junta à festa com Diamonds & Dancefloors. Se em 2020 as músicas do disco poderiam ser interpretadas como descartes de Dua Lipa, The Weeknd ou Lady Gaga, hoje elas soam como uma obra original e coesa. A cantora de Sweet but Psycho imprime sua própria personalidade nas faixas, convidando o ouvinte a simplesmente apertar o play e se entregar à batida.

A genialidade do álbum reside em sua simplicidade: pop genérico e comercial com propósito. No nosso dia a dia, muitas vezes não queremos decifrar subjetividades nas letras, apenas melodias chiclete e sintetizadores familiares já são o suficiente para nos fazer dançar. Million Dollar Baby e a faixa-título deslizam pelos ouvidos como mel, evocando a nostalgia oitentista e a efervescência da era disco. Diamonds & Dancefloors pode ter chegado ‘atrasado’ para o rolê, mas sua energia contagiante garante um lugar especial na pista de dança. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Million Dollar Baby e Hold Up (Wait A Minute)

Lana Del Rey – Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd

Mesmo para quem não segue alguma religião ou é conectado com tradições espirituais, o nono álbum de Lana Del Rey é quase como um compilado de canções que conectam o ouvinte com o divino – se existir algum. Com uma carreira focada em hits melancólicos e que falam sobre amores trágicos, Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd sai da curva e mostra uma cantora em busca de sua história e espiritualidade. A primeira faixa do álbum, The Grants, leva o sobrenome da família da artista e é a abertura triunfal perfeita para a obra. Possui influências da música gospel (já indicando o tom do álbum), com um belo coral e uma letra que faz ode aos seus familiares e a memórias marcantes com eles.

Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd também é um álbum auto reflexivo, onde Lana explora diversos aspectos de sua personalidade, seja a vista publicamente e a que somente pessoas próximas conhecem. Isso é notado em tracks como Sweet e na faixa título. Até musicalmente tal reflexão pode ser vista, com a alternância de músicas que envolvem vocais e um piano emocionantes, como em Kintsugi, para faixas com um toques atrevidos, como o em A&W. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Paris, Texas (feat. SYML), Kintsugi e Margaret (feat. Bleachers)

Cornelius – Dream in Dream

Simplicidade acima de tudo. Keigo Oyamada – um dos pioneiros da cena noventista japonesa Shibuya-kei – retorna em seu sétimo álbum de estúdio com um abraço caloroso em forma de som, viajando por paisagens que flertam tanto com um pop melódico quanto com um ambient psicodélico. Ao longo de sua discografia, o músico tem adotado cada vez mais uma estética introspectiva em seus projetos, passando por momentos mais elétricos vistos em Fantasma (1997), até as meditações texturais presentes em Sensuous (2006). Desde então, sua música se encontra diante de um olhar que valoriza tanto a imobilidade quanto o movimento.

Mergulhado em timbres eletrônicos, Dream in Dream é um álbum de contrastes. Sua sonoridade abraça o onírico e o nostálgico ao mesmo tempo em que permite ritmos contagiantes tomarem conta. Os arranjos dão palco às sutilezas, mas são carregados por camadas que às vezes parecem milhares de instrumentos em sintonia. A abordagem para a produção é uma mistura entre o requintado e o ingênuo, enquanto que os vocais seguem linhas melódicas simples, mas engajantes. Mesmo assim, há sempre espaço para a complexidade e imprevisibilidade – seja nas harmonias ou estrutura das canções –, fazendo deste um disco saboroso do começo ao fim, sem nada a esconder. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: Mirage, Drifts, Sparks

Miley Cyrus -Endless Summer Vacation

Após uma pausa de três anos, Miley Cyrus está de volta com seu oitavo disco de estúdio, Endless Summer Vacation. As treze faixas estão separadas em duas fases, transitando entre o pop, o country e uma pitada de R&B, retratando uma fase mais autossuficiente e madura da cantora. Contudo, isso não significa que não há mais vestígios de Liam Hemsworth nos versos, apesar de Miley deixar explícito que ele não é mais o centro de sua atenção, finalmente. 

Como o próprio nome diz, Miley Cyrus está em uma férias de verão que nunca chega ao fim. O álbum é uma viagem pela descoberta da sua singularidade e vulnerabilidade, dando início com o grande hit  Flowers, que foi emplacado nas primeiras posições das paradas mundiais,e seguindo até You, que alfineta todos os corações partidos que vê pela frente. Nesta primeira fase, vemos a estrela sair de viagem em busca de um reencontro consigo mesma, onde abre o coração e retoma os momentos vividos com o ex-marido, mas apesar do sofrimento, nota-se a superação e a evolução do seu amor próprio nos versos. 

A partir da faixa Handstand, temos a estrela de Hannah Montana superada, imersa em problemas que apenas boas férias podem causar. A melancolia do álbum dá descanso e os ouvintes são servidos com bons ritmos dançantes, que dão a sensação de noites de verão, bebidas alcoólicas e muitas outras coisas conhecidas como erradas. Wonder Woman rouba a cena final da obra, ela é como uma conclusão, Miley finalmente descobre quem ela é. Toda essa profundidade, busca e descoberta faz com que Endless Summer Vacation configure como um dos melhores discos de 2023. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: River, Used to Be Young e You

Sabrina Carpenter – emails i can’t send fwd:

Sabrina Carpenter abre o coração e faz aquilo que todos que já se apaixonaram ao menos uma vez na vida desejaram fazer, gritar para o mundo tudo o que sente. Com melodias que percorrem a melancolia e a animação, emails i can’t send fwd acrescenta mais quatro músicas ao seu último álbum, sendo uma versão deluxe e ainda mais íntima. A artista se demonstra não só uma ótima cantora, mas também uma excelente compositora. A intensidade presente nas letras das canções acolhem todos os ouvintes e permite que o público se identifique com os cenários criados.

Com 17 faixas, a produção vai da desilusão amorosa de opposite à superação de Feather. Algumas músicas possuem, ainda, versões alternativas – como Nonsense Christmas – o que cativa ainda mais o público e mostra a criatividade de Carpenter. O álbum como um todo possui o estilo carismático da cantora e a vulnerabilidade presente em suas letras e melodias fazem com que elas se tornem populares entre os mais variados públicos. – Gabriela Bita

Faixas favoritas: how many things, lonesome e opposite.

Luisa Sonza – Escândalo Íntimo

O terceiro álbum de Luísa Sonza foi embalado por muitas polêmicas e controvérsias, como já é costume para a gaúcha. De Chico no top 1 do Brasil à carta revelando traição na Ana Maria, tudo revelou de fato, um Escândalo Íntimo. Dessa vez, Sonza explora vários gêneros  musicais, misturando suas angústias e inseguranças nos ritmos do pop, MPB, sertanejo e 150 BPM. As 24 faixas contam a história de um relacionamento, do qual começa confiante à lafamme fatale, depois mergulha em momentos de calmaria, romance e muitos questionamentos, para finalmente conseguir se diferenciar daquilo que é expectativa alheia e do que realmente se quer ser. 

O disco conta com colaborações diversas, como Duda Beat, Marina Senna, Baco Exu do Blues e até mesmo Demi Lovato. A produção buscou referências nos ídolos da música brasileira da artista, como Rita Lee em Lança Menina, mas também possui faixas cantadas em inglês e espanhol, a exemplo de Dona Aranha e La Muerte. Falando em referências, toda narrativa sonora está repleta delas, de modo quase excessivo. A faixa 1, homônima ao álbum, por exemplo, é um sample da música Quarto de Hotel de Hareton Salvanini. The Beatles e Queen também são reinterpretados em faixas como Principalmente Me Sinto Arrasada. O álbum ainda conta com três faixas não disponíveis e sem previsão de lançamento. – Costanza Guerriero

Faixas favoritas: Lança Menina, Não Sou Nada Demais e Luísa Manequim

Rico Dalasam – Escuro Brilhante, Último dia no Orfanato Tia Guga

Iniciado há três anos e sendo o seu terceiro álbum autoral, Rico Dalasam surpreende novamente ao abordar questões tão íntimas e essenciais na compreensão tanto da própria história enquanto artista quanto ao tentar dar voz aos que foram silenciados. O rapper volta às suas origens no orfanato e revive cada uma de suas inseguranças enquanto uma criança em busca de afeto e acolhimento, mas conseguindo, agora, aninhar e reconfortar a si mesmo.

Essa experiência de auto libertação é vista na primeira faixa de abertura Doce. Além disso, a participação de vários outros artistas ilustres, como Liniker, os intensos versos melódicos envolvem ainda mais quem ouve as questões de amor discutidas no EP. No ano de 2023, Rico Dalasam fez presença ao nos presentear demonstrando as diversas faces do amor seja de forma esperançosa em Espero Ainda ou na franqueza trágica de Jovinho. – Rebecca Ramos 

Faixas favoritas: Novinho, Espero Ainda e Sol Particular

Becky G – ESQUINAS

Talvez por jogar o pop comumente versado por Becky G para escanteio, ESQUINAS não desceu às ruas fazendo muito barulho – mas é exatamente essa mudança de ares que o torna o trabalho mais emocionante e coeso da cantora até agora. Interseccionando as duas culturas que dividem o coração de Gomez, na onda do movimento 200-percenters (jovens que se autodeclaram 100% estadunidenses e 100% latinos), as novas canções bebem das bachatas, cumbias e outros sons regionais mexicanos que a intérprete ouve desde a infância. O resultado é a confecção de uma musicalidade simultaneamente singular e coletiva, enraizada pelo amor à própria família e o respeito à essa herança artística como um todo.

Lirica e vocalmente, a mexicana-americana dota o álbum de sentimentos que pesam mais no peito dos latinos, como a superação de paixões impossíveis e o vínculo afetivo profundo com os avós. A maturidade de se ancorar nas próprias experiências vem acompanhada das mãos aclamadas de Edgar Barreira, que prepara uma salada arrojada e robusta de instrumentos na produção. Entre violões, acordeões e trompetes, jovens músicos descendentes de imigrantes, como Ivan Conejo e DannyLux, e outros representantes da música mexicana, vide Peso Pluma, ajudam Gomez a temperar as faixas sem pressa, na riqueza do instante. Ao final, as tantas camadas sobrepostas em ESQUINAS formam uma rua inteira de celebrações, ladrilhada pelo talento da artista principal. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: CHANEL e POR EL CONTRARIO

Slowdive – everything is alive

Slowdive é a típica banda que faz de suas composições uma sopa de letrinhas. Os integrantes parecem transformar fluxos de consciência em músicas as quais, surpreendentemente, fazem sentido. Este, aliás, não é exato, ou seja, pode significar uma coisa para um incel e outra para uma mulher perturbada. Tal variedade de fãs faz com que o grupo britânico esteja em constante reinvenção, pois ter consciência da impossibilidade de agradar a todos é, sobretudo, libertador.

Embora muitas mudanças sejam notáveis no som do Slowdive, uma característica sobreviveu aos percalços do tempo: o apreço pela atmosfera noturna. O quinto álbum de estúdio da banda, everything is alive, é uma soma às playlists criadas com o propósito de apaziguar os conflitos travados entre o sono e a paranóia. Nada é mais assustador do que o filme de terror autobiográfico exibido na nossa própria cabeça de madrugada. No entanto, se depender da banda de Berkshire, não faltará uma boa trilha sonora para acompanhar as memórias estreladas por nós mesmos e por amores já tirados do roteiro. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: kisses, skin in the game e andalucia plays

Jorja Smith – Falling or Flying 

Após uma pausa de cinco anos desde Lost & Found, seu último lançamento em 2018, Jorja Smith retorna ao cenário musical com o seu recente trabalho de estúdio, Falling Or Flying. Flertando com um R&B bem pensado, a britânica escapa da sonoridade convencional do gênero e apresenta novos ritmos que conversam desde o neo soul em sua faixa-título, até as orquestras de música arabe durante a canção Try Me. 

Embora o disco inove nas melodias, ele não se diferencia de seus lançamentos anteriores. Mesmo se repetindo criativamente, o álbum se destaca pela fluidez na voz de Smith, onde o sentimento conduzido pela artista se encaixa em cada letra e batida. Falling or Flying segue seu próprio caminho, garantindo 17 faixas cheias de nuances, ele não tem medo de se perder em meio a versatilidade, rompendo com a recente onda de cds homogêneos que surgiram na indústria musical. – Ludmila Henrique 

Faixas favoritas: Try Me, Little Things e GO GO GO

The National – First Two Pages of Frankenstein

O nono álbum de estúdio de The National, First Two Pages of Frankenstein, cutuca um vespeiro do qual podem sair pessoas de meia idade e jovens com pais separados. Além disso, o disco reúne parcerias com Phoebe Bridgers, Taylor Swift e Sufjan Stevens, provando que, embora a banda seja composta inteiramente por homens, ela é relativamente afeminada.

O grupo estadunidense deposita toda sua força em letras sensíveis cujo significado talvez nem os próprios integrantes saibam identificar. Os arranjos de guitarra elétrica perdem o protagonismo para longas performances de violão que, somadas à voz aveludada do vocalista Matt Berninger, tornam-se um perigo para os detentores de daddy issues. No fim, o álbum é um abraço a todos que buscam migalhas de afeto. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: Tropic Morning News, Eucalyptus e Grease In Your Hair.

Amaarae – Fountain Baby

Fountain Baby é o segundo álbum de estúdio da cantora Amaarae, e pela primeira vez em uma grande gravadora, a Interscope, a artista de Gana mostra maestria em combinar o R&B norte-americano, o pop europeu e afro-beat. Com 14 músicas coesas e complementares, o botão de repeat é uma tentação.

Há tempos que a ordem de faixas tão características, como Co-Star e Wasted Eyes, não é tão precisa quanto aqui. Sem perigosas transições contínuas em uma obra tão completa, ouvi-la no aleatório é um crime. Descrita como uma obra confiante e inconvencional pela Pitchfork, logo após receber o selo Best New Music, Fountain Baby tem espaço para reivindicar o título de esnobado por sua ausência em grandes premiações, como o Grammy. – Henrique Marinhos

Faixas favoritas: Sex, Violence, Suicide; Wasted Eyes e Sociopathic Dance Queen

Sabrina Carpenter – fruitcake

Sabrina Carpenter – fruitcake 

Em fruitcake, Sabrina Carpenter leva o clima natalino para qualquer momento do ano. Seguindo os passos de Caroline Polachek – que fez uma versão gelada de So Hot You’re Hurting My Feelings –, Carpenter repaginou o single Nonsense: a nova faixa, A Nonsense Christmas, traz trocadilhos com diversas características do Natal. O EP conta com seis músicas que refletem o período de celebração de final de ano.

Depois de emails i can’t send e de sua versão deluxe, Sabrina Carpenter prova novamente o que faz de melhor. Com músicas divertidas – tanto na parte lírica quanto na parte melódica –, a cantora mostra todo o seu potencial vocal. No cover white xmas, a pequena loirinha nos transporta para uma nostalgia atual; já em buy me presents e em A Nonsense Christmas, ouvimos sons de sinos e guizos vindos diretamente do Polo Norte. Carpenter ainda traz cindy lou who, uma canção melancólica e reflexiva, que faz uma referência à personagem Cindy Lou, do clássico filme natalino O Grinch. –Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: A Nonsense Christmas, buy me presents, santa doesn’t know you like i do e is it new years yet?

Jungkook – Golden

No lançamento de sua primeira faixa solo, Seven, Jungkook já havia demonstrado que não lhe faltava habilidade para preencher todos os aspectos de um artista de sucesso. Seja cantando, dançando ou fazendo rap, o cantor sul-coreano conquistou o coração de cada ouvinte desde seu debut com o grupo BTS, quando tinha apenas 15 anos. Agora, em sua estreia solo, ele demonstra a maturidade de um artista com expressivos 10 anos de carreira e desponta como uma celebridade global.

GOLDEN é um álbum nota dez em todos os quesitos. Com faixas para todos os humores, um vocal de deixar sem fôlego, coreografias empolgantes e uma sonoridade que mescla o nostálgico com o moderno, Jungkook acerta em cheio e faz jus ao título de Golden Maknae. Nessa estréia mais que dourada, o seu trabalho foi feito para brilhar, em todos os aspectos – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: 3D (feat. Jack Harlow) e Standing Next to You

Key – GOOD & GREAT

Com músicas e melodias coesas, conceitos bem estabelecidos e uma performance completa, Key segue sendo um dos artistas mais relevantes da indústria sul-coreana. Debutando em 2008 com o grupo SHINee e conciliando com sua carreira solo desde 2018, Kim Kibum sempre demonstrou apreço pelo retrô e por músicas fortes, marcantes e dançantes. Já tendo passado por outras áreas da cultura pop, em seu novo álbum é notória a sonoridade disco e funk, que chama qualquer ouvinte para dançar com ele.

Em Good & Great, o artista demonstra amadurecimento e que é ainda é possível utilizar o conceito pop retrô, que permanece em alta nos últimos anos. Confiante do motivo pelo qual saiu do papel, esse novo projeto não dá espaço às dúvidas ao entregar uma produção sonora e lírica de alta qualidade, mostrando o que há de melhor no cantor e tornando o play em uma entrada para uma festa privada – Aryadne Xavier

Faixas favoritas: Can ‘t Say Goodbye e CoolAs

BJ The Chicago Kid – Gravy

BJ The Chicago Kid, apesar de extremamente talentoso, não parece figurar no radar geral dos ouvintes de neo-soul (ou R&B, se preferir) e nem desfrutar de tanto prestígio quanto os seus colegas de colaboração Kendrick Lamar ou Anderson .Paak. Porém sua discografia um tanto consistente, se esse adjetivo valer de alguma coisa, é uma prova de que o cantor natural de Chicago, Illinois, merece ser mais ouvido entre os ouvintes de música contemporânea. 

Gravy, um tanto diferente de seu último e ótimo disco, 1123 – que havia mais sonoridades voltadas para a relação do neo-soul com slow rap –, é um álbum de sonoridade menos densa que os anteriores, porém mais leve e dançante. O destaque do disco é a variedade dos sons, que comporta talvez até um flerte com eurodance notado em Spend the Night, parceria com Coco Jones; a participação de Freddie Gibbs, um dos destaques da cena do rap norte-americano atual, em Liquor Store in the Sky, e de Philip Bailey, vocalista do lendário Earth, Wind & Fire, em Never Change. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Spend the Night (feat. Coco Jones), Crazy Love (feat. Andra Day) e Never Change (feat. Philip Bailey)

Olivia Rodrigo – GUTS

“Onde está a porra do meu sonho adolescente?”, pergunta Olivia Rodrigo no seu primeiro disco, SOUR. Já em GUTS, vemos uma jovem-adolescente-ainda-não-adulta mais crescida, ainda com diversos problemas, questões e reclamações da idade. Cheia de raiva, ansiedade, amor e decepção, Rodrigo traz o pop rock do fim dos anos 1990 e do início dos anos 2000 de volta para os ouvidos dos fãs. Com uma pitada de grunge e do alternativo, a cantora mostra como amadureceu – tanto pessoalmente quanto musicalmente – entre um álbum e outro. 

Enquanto em SOUR um coração partido era o reflexo de um amor da adolescência, GUTS apresenta o tema como algo muito pior: no single vampire, a artista conta como seus sentimentos foram usados, e como sua fama foi aproveitada por terceiros. Em meio a músicas com batidas rápidas e outras mais lentas e sentimentais, a artista traduz – de forma nua e crua – como é a mente de uma jovem mulher. Repleta das mais diversas emoções, ela consegue explicar as dores, os amores e os dilemas do fim da adolescência e do começo da vida adulta, e mostra como crescer é algo difícil, mas necessário. Além disso, Rodrigo nos mostra uma coisa: talvez o teenage dream venha depois, não durante os anos da juventude. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: bad idea right?, vampire, lacy, making the bed e get him back!

PinkPantheress – Heaven Knows

PinkPantheress, cantora e produtora inglesa, se tornou internacionalmente conhecida com a faixa Boys a liar Pt. 2, parceria da artista com a rapper Ice Spice. No entanto, a canção não representa o Heaven Knows, segundo álbum de estúdio da cantora. Nas 13 faixas que compõem o projeto, a compositora mistura o tom mórbido de seu conteúdo lírico com os vocais angelicais emitidos por ela. Aqui, as parcerias com Rema, Central Cee e Kelela acrescentam à narrativa contada pela artista.

Fã do drum and bass, batidas rápidas que chegam a quase 170 bpm, o subgênero da música eletrônica marca a sonoridade do álbum. Em Capable of Love, melhor canção do projeto, a cantora disseca o amor que possui por uma pessoa, chegando ao ponto de se tornar obcecada pela ideia de a perder um dia, se tornando, assim, incapaz de amar. Heaven Knows merecia uma indicação nas categorias de dance e eletrônica no Grammy 2024, mas PinkPantheress não precisa da indicação para afirmar o seu talento, já que foi eleita Produtora do Ano pela revista Billboard. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Nice to meet you (feat. Central Cee), Feelings e Capable of love

The Aces – I’ve Loved You For So Long

Tardaram, mas não falharam. Depois de três anos do seu segundo álbum, Under My Influence, as The Aces deram as caras novamente com I’ve Loved You For So Long. O lançamento, ainda em meados de 2023, veio depois de um período de reflexão sobre elas mesmas enquanto grupo musical e amigas de longa data, já que o quarteto começou a tocar junto anos antes da banda estourar. Dessa vez, o terceiro disco mostra que as irmãs Alisa e Cristal Ramirez, Katie Henderson e McKenna Petty estão mais confortáveis com seus próprios demônios e livres para falar (ou cantar) sobre eles abertamente.

Suburban Blues é a prova disso. Irmã mais velha de 801 (do álbum anterior), a faixa trata do mesmo tema: crescer em uma cidade pequena, tradicional e religiosa, sem liberdade para explorar a própria sexualidade. Retomando temas como amadurecimento, amores fracassados e saúde mental, as quatro mostram que evoluíram em suas composições, cada vez mais honestas. A sonoridade acompanhou e, do indie pop, The Aces passou a explorar também o punk pop, com arranjos nostálgicos à la bandas de rock alternativo dos anos 1990. Soando mais profundo e fresco, I’ve Loved You For So Long é tão descolado quanto seu quarteto. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Girls Make Me Wanna Die, Suburban Blues e Person

grouptherapy. – i was mature for my age, but i was still a child

E se todos os nossos pensamentos intrusivos se tornassem realidade? Esse é o exercício imaginativo que guia grouptherapy. Ainda que i was mature for my age, but i was still a child tenha sido anunciado como seu álbum de estreia, Jadagrace, SWIM e TJOnline já tinham se reunido em ao menos três projetos anteriores, desde 2020. Isso porque a constante experimentação e quebra de paradigma é o que alicerça esse trio. Uma pulsão que os leva a desafiar todo e qualquer limite, tornando o novo lançamento uma experiência sempre imprevisível. É pop? É rap? É R&B? Não importa para eles, e não deveria importar para você também.

Não é exagero dizer que grouptherapy. é um produto da nossa geração. Cada faixa é uma combinação inusitada entre referências contemporâneas a nós. Fruto de muito estudo, mas sobretudo de uma proximidade e uma identificação profunda com essas obras. Seja em baladas com confissões sensíveis ou em faixas absolutamente espalhafatosas, cresce um anseio por auto expressão, uma ânsia em se colocar no mundo da própria maneira – que, na realidade, esconde um intenso medo de desaparecer, de ser denominado pelo outro. E existe sentimento mais familiar que esse? – Enrico Souto

Faixas favoritas: smile :), Nasty e still alive

Victoria Monét – JAGUAR ll 

Mesmo sem possuir qualquer grau de parentesco com o famoso pintor impressionista, Victoria Monét tem o dom de tomar a Música como arte em sua forma mais pura. Como esperado, o elegante rugido de JAGUAR ll não foge das pinceladas calculadas e cativantes da cantora, que encontra na continuação da série iniciada há três anos o ponto de equilíbrio perfeito entre inspiração e novidade.

Na selva do R&B estadunidense, a viagem retoma a carona do produtor D’Mile e aproveita o apelo de bases clássicas para crescer novos arranjos, mais que nunca harmonizados com os vocais cristalinos de Victoria. Logo de cara, emendar o funk inebriante de Smoke, parceria com Lucky Daye, ao reggae colorido de Party Girls, interpretada ao lado do jamaicano Buju Banton, é quase um processo de hipnose. O lirismo apaixonante da taurina – que canetou todas as 11 faixas do projeto – também deixa o magnetismo perdurar em temas batidos como sexo e sonhos hollywoodianos, criando ouro em plena mata musical. Com olhar felino e aguçado, JAGUAR ll fez de tudo, inclusive Monét ser coroada a Artista Revelação de 2023 que a gente tanto precisava. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: On My Mama, I’m The One e Hollywood

Sufjan Stevens – Javelin

O nome de Sufjan Stevens brilha na lista de compositores que são especialistas em traduzir o que se esconde dentro de cada indivíduo. É difícil escutar alguma de suas letras e não se sentir tocado por ela – por exemplo, quem consegue assistir Me Chame Pelo Seu Nome sem se emocionar com Mistery of Love? O belo é inerente ao trabalho de Sufjan, e não seria diferente com Javelin.

O álbum é, em sua essência, uma tocante crônica sobre o ciclo do amor, representando-o do começo ao fim. Ao longo de Javelin, o artista parece ter a intenção de entender e ser entendido, com o objetivo de expor o fio condutor entre seus temas de estimação: levantar as intermináveis questões que nos levam a buscar significado uns nos outros e nos alegrar com a euforia de, às vezes, encontrá-lo. Nessa mistura encantadora, refinada e coesa de indie rock, folk e indie pop, Sufjan Stevens mostra, mais uma vez, seu talento em criar uma força invisível que atravessa e deixa marcas em qualquer um que está disposto a ouví-lo. – Raquel Freire

Faixas favoritas: Will Anybody Ever Love Me?, So You Are Tired e Shit Talk

Letrux – Letrux como Mulher Girafa 

Letrux, como sempre, fora da caixa – ou da jaula. A artista carioca retornou em 2023 com seu terceiro álbum solo e muita animal print. Em 16 faixas com títulos que aludem ao reino animal, ela empresta o selvagem para falar da natureza humana. O universo sonoro criado pela cantora no disco abraça sua potência artística e ela entrega mais uma obra completamente original e cativante.

O disco conta com apenas uma parceria, mas muito especial: Lulu Santos, na faixa Zebra. A maioria das músicas leva o nome de algum animal, dos insetos aos grandes predadores. Letrux nos guia por uma jornada pela essência dos seres humanos e suas relações. A sonoridade e as letras espelham nossos altos e baixos, às vezes pequenos como uma formiga, às vezes com a fome de um leão. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Louva deusa, Formiga e Leões

Nas – Magic 3

Há no rap uma frase corrente, de origem imprecisa e de senso comum, que diz que “rap é jogo pra jovem”. Quem, porém, contradiz tão vitalmente essa máxima – junto talvez ao Jay-Z de 4:44 – não é outro senão o rapper de Illmatic, que na primeira faixa de Magic 3 já se coloca na posição de “griô”. Após os anos 90 e início dos 2000, depois de ter emplacado quatro obra-primas em oito anos e ter se consolidado como o Rei, Nas retorna nesse outro início de década com o vigor que lhe é característico: emplacou duas trilogias – King’s Disease e Magic – em três anos e se reafirmou enquanto um dos mais importantes da história do rap e um dos mais talentosos ainda em atividade, aos 50 anos.

Embora Magic 3 não seja de todo o melhor disco dessa sequência de trilogias – posto que pertence, sem dúvida, a King’s Disease III (2022), um dos melhores discos de rap dos últimos anos –, nunca é desperdício ouvir o flow e voz de um dos mais talentosos de sempre, produzida por um dos mais talentosos de hoje. Dupla formidável, dois dos melhores fazendo o que fazem de melhor, Michael & Quincy: Nas e Hit-Boy. – Miguel Fernandes

Faixas favoritas: Pretty Young Girl, Based on True Events, Pt. 2 e Sitting With My Thoughts

Karol G – MAÑANA SERÁ BONITO

É impossível falar sobre a dominação mundial ultimamente exercida pela música urbana latina sem esbarrar na imponência de Karol G. Subindo no palanque da indústria como Bichota, codinome que revigorou esse cenário tão tomado de testosterona, a colombiana tem um quê de artista de cinema aliado à admiração que desenvolvemos por uma irmã mais velha. Assim, fica fácil entender como MANÃNA SERÁ BONITO, seu quarto álbum de estúdio, saltou dos ouvidos desavisados de muitos para o topo da Billboard 200 e o palco das vertentes estadunidense e latina do Grammy, conseguindo abarcar o melhor conceito-condutor da carreira da cantora. 

Aqui, a grandeza ostensiva da diva pop – professada na exploração de reggaeton, bachata, trap, afrobeats e até house music – se concilia com a vulnerabilidade doce de Carolina Giraldo Navarro, que usa o ápice de ritmos e prosperidades como ferramenta de reconciliação identitária. Sob as mãos habilidosas do conterrâneo e principal mixador do projeto, Ovy on The Drums, a amargura do coração partido, as odes a marcas de luxo e a liberdade refletida nas marés da ilha de Lanzarote são frações únicas de um balaio contagiante. Para os mais céticos, Karol G também reúne feats com veteranos e recentes sucessos latinos, de Shakira a Bad Gyal, na tentativa final – e bem convincente – de mostrar que seu futuro pode ser ainda mais caprichoso. – Vitória Vulcano

Faixas favoritas: X SI VOLVEMOS, DAÑAMOS LA AMISTAD e CAIRO

Metro Boomin – METRO BOOMIN PRESENTS SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER VERSE 

Metro Boomin tinha um grande desafio em mãos ao conduzir a nova trilha sonora de Homem Aranha: Através do AranhaVerso. Após cinco anos do lançamento do primeiro longa-metragem que consagrou Sunflower, parceria de Post Malone e Swae Lee, como single mais certificado na história do RIAA, Boomin manteve a mesma qualidade de elementos apresentados anteriormente e encaminhou o hip-hop para um novo patamar. 

Para a composição do disco, o produtor musical se dedicou a fazer boas músicas e não sucessos comerciais. As canções idealizadas por Daniel Pemberton refletem a trajetória de cada personagem no filme. Igualmente a animação, letras e melodias se entrelaçam na história de outros aranhas importantes para o desenvolvimento do protagonista. Como uma playlist compartilhada por Miles Morales, o álbum foi pensado em conjunto, sem nenhum ponto solto, onde cada componente se conecta como uma teia. – Ludmila Henrique 

Faixas Favoritas: Annihilate, Self Love e Hummingbird 

Ana Frango Elétrico – Me Chama de Gato Que Eu Sou Sua

Depois de uma pausa de quatro anos, em seu terceiro álbum  de estúdio, Ana Frango Elétrico volta de uma forma muito mais madura que nos anos anteriores. Com timbres nostálgicos, a artista busca estreitar laços com a música brasileira dos anos 1960 e 1980, ao passo que aborda temas sensíveis e subjetivos de maneira até dolorosa, como em Insista em Mim. 

Apesar dos temas individuais beirando a melancolia abordados no álbum, as batidas e melodias são animadas e alegres. A influência de músicos como Tim Maia é nítida. O contraste das letras com a própria música torna as canções harmônicas, aproximando o público cada vez mais do mundinho particular de Ana Frango Elétrico. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Insista em Mim, Dr Sabe Tudo e Camelo Azul.

Taylor Swift – Midnights (The Till Dawn Edition)

As noites mal dormidas de Taylor Swift continuaram rendendo músicas em 2023. Midnights (The Till Dawn Edition) é a versão deluxe do álbum já lançado no ano anterior, que conta com três novas faixas e um single. As duas músicas inéditas, Hits Different  e You’re Losing Me, nos contam como a história de amor termina, é fim do Lavander Haze e um prelúdio para uma nova era de coração partido. Snow On The Beach (feat. More More Lana Del Rey) é a versão estendida e mais doce da parceria. Karma (feat. Ice Spice) dessa vez ganhou videoclipe, recheado de easter eggs que deixaram os fãs muitas noites acordados para acompanhar a loirinha. 

Outra diferença que essa versão do disco trouxe, foram as versões censuradas de músicas como Maroon, assim, eliminando o selo de conteúdo explícito, as músicas poderiam chegar em maior público. Midnights chegou como uma surpresa para indústria, quando ninguém mais esperava um sucesso estrondoso da carreira de Swift ela se reinventa no synthpop, fazendo milagre em meio de regravações de outros álbuns e turnê mundial, a artista ainda tem muito o que cantar. – Costanza Guerriero 

Faixas favoritas: You’re On Your On, Kid; The Great War e Hits Different

Sophia Chablau e uma Enorme Perda de Tempo – Música do Esquecimento

Dois anos depois do lançamento do primeiro álbum da banda, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo volta mais uma vez mostrando como tem amadurecido musicalmente e de que forma querem expandir para novos públicos. Ainda que existam tentativas de inovar, a autenticidade do grupo se mantém constante, sendo possível observar o desejo e afeto que os integrantes têm consigo mesmos e com aqueles que os ouvem.

Apesar das novas abordagens neste álbum, a essência mantém-se a mesma. Abordando também temáticas como a melancolia que permeia as relações da comunidade LGBTQIAP+, uma das faixas de grande destaque, Segredo, escancara a infeliz universalidade de uma vivência dupla de uma boa parcela das minorias sexuais. Originais, Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo não têm receio em se redescobrir e talvez seja isso que os fazem genuinamente únicos. – Rebecca Ramos

Faixas favoritas: Segredo, Minha Mãe é Perfeita e As coisas que não te ensinam na faculdade de filosofia.

ANOHNI and The Johnsons – My Back Was A Bridge For You To Cross

Ideal para noites chuvosas e trajetos solitários de transporte público, My Back Was A Bridge For You To Cross foi feito para pensar na morte da bezerra. Ao mesmo tempo que seus acordes de guitarra conduzem uma atmosfera pacífica, suas letras melancólicas invadem sutilmente nossa cabeça e a deixam latejando. Tal inquietude não é tratada com Alivium, nem com nenhum tipo de remédio, pois não é uma doença para ser curada, mas um sintoma do desejo intrínseco por mudanças que deve infectar cada vez mais pessoas. 

O quinto álbum de ANOHNI and The Johnsons se garante no apelo à vulnerabilidade, isto é, na admissão da dor. Esta, por sua vez, está refletida em composições confessionais recitadas por uma voz a qual infelizmente sabe o que diz. A subjetividade atrelada à política torna o disco uma fonte de memórias diante de um sistema planejado para esquecer. 

No fim, My Back Was A Bridge For You To Cross reconhece conquistas, mas não cede à ingenuidade de achar que a vida de grupos marginalizados se tornou um completo morango. Não basta construir pontes, há de atravessá-las também. Quem sabe do outro lado não está o final do arco-íris LGBT+ com gloriosas recompensas: amores correspondidos, revolução no sistema e álbum novo da Kate Bush. – Ana Cegatti

Faixas favoritas: It Must Change, Silver of Ice e Why Am I Alive Now?

Bad Bunny – nadie sabe lo que va a pasar mañana

Após o lançamento do aclamado Un Verano Sin Ti, uma obra-prima pop imersa na umidade caribenha e no brilho dos sonhos, Bad Bunny foi catapultado para os olhos do público como nunca antes. Para quem ainda não conhecia o artista, o disco de 2022 fez parecer que o porto-riquenho sempre foi o tipo de pop star que lota estádios. Mas os fãs mais antigos sabem que Benito sempre foi um rapper de elite, e ele volta a mostrar isso em nadie sabe lo que va a pasar mañana.

O quinto álbum do grammy winner vem repleto de batidas de trap contundentes, rimas introspectivas e um estilo ‘de volta às origens’. O Bad Bunny presente em nadie sabe é um astro muito adorado que ficou na defensiva por muito tempo – seja por causa dos críticos, de fãs assustadoramente possessivos ou outras entidades que pareciam estar minando sua humanidade. A torre fria e brutalista que ele construiu contrasta com a fonte de histórias porto-riquenhas ricas e modernas presentes nos álbuns anteriores. Esse sempre é um aspecto muito interessante de se ver, e o El Conejo Malo é mestre em fazer com que a experiência seja magnífica. – Raquel Freire

Faixas favoritas: NADIE SABE, HIBIKI e WHERE SHE GOES

Martinho da Vila – Negra Ópera

Pelléas et Mélisande é uma ópera centenária, idealizada pelo compositor francês Claude Debussy. Um drama lírico em cinco atos, que conta a trajetória de dois jovens que vivem um romance fadado ao fracasso. Uma união que apenas é capaz de concretizar-se pela morte. Foi após presenciar esse espetáculo em pleno Teatro Opera de Paris que Martinho da Vila, um artista pivotal para o samba brasileiro, idealizou Negra Ópera: um concerto glorioso que se apropria de uma tradição europeia para cantar e chorar as lamentações do povo preto brasileiro.

Negra Ópera se desvia da imagem leve que construiu-se sobre Martinho no nosso inconsciente. É um trabalho íntimo, mas pesado. Doído de escutar. Tão denso quanto o azul profundo que abraça a capa do disco, ocupada por anjinhos pretos que são pincelados como em pinturas renascentistas. Essa combinação inevitável entre signos antagônicos manifesta o poderoso esforço de ressignificação que norteia o álbum. Martinho une composições pessoais a releituras de outros grandes sambistas para narrar, através da perspectiva coletiva do seu povo, os infortúnios da maior tragédia da nossa história. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Heróis da Liberdade, Acender as Velas e Dois de Ouro

Daniel Caesar – NEVER ENOUGH

É impossível escutar Daniel Caesar e não se sentir instantaneamente hipnotizado. Suas canções românticas com melodias marcantes e coros angelicais se tornaram definidoras para o gênero R&B nos anos 2010. Um caso excepcionalmente raro em nossa era algorítmica de um cantor capaz de te arrebatar da própria cabeça. Mas, em NEVER ENOUGH, esse estado de levitação é logo interrompido na primeira faixa, Ocho Rios, quando os instrumentais são invadidos por guitarras distorcidas e bumbos pesados, acompanhados de vocais levemente guturais.

Caesar já havia exposto seu desejo em superar Freudian, seu trabalho mais icônico, para desbravar novos horizontes. Aqui, ao invés de explorar as nuances sensoriais do gospel, a música se deixa levar pelo ruído. Sem abandonar sua assinatura já difundida, o artista abraça uma sonoridade experimental, quase carnal, que rejeita o sagrado para nos lembrar de nossa eterna condição de mortalidade. Assim que NEVER ENOUGH fisga seu ouvinte, não há mais volta. Ainda que ligeiramente difuso, esse é o preço cobrado para abrir as portas do nosso refúgio particular. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Let Me Go, Shot My Baby e Superpowers

Elza Soares – No Tempo da Intolerância

Nesse álbum póstumo, Elza Soares evoca um manifesto enraizado em sonoridade latino-americana, poesia marginal e ancestralidade. A intérprete utiliza sua voz como arma letal – descrita assim na canção Coragem – contra o racismo, machismo, violência policial, entre outros abusos, No Tempo da Intolerância é um álbum denunciativo em que Elza mostra, mais uma vez, que nunca deixou de se posicionar. Além da denúncia, também celebra o feminisno negro, a liberdade das mulheres e clama por justiça com os seus, sendo um álbum quase inteiramente autoral – 7 das 10 músicas são conposições da cantora. 

Entre as faixas, podemos presenciar, pela última vez, a beleza e potência que Elza foi e sempre será.Rainha Africana, composição de seus amigos Rita Lee e Roberto de Carvalho, é presenciada a história da cantora sendo exaltada e reverenciada. Já em Quem Disse, a introdução da canção é feita pelo MC WJ, conhecido por seus versos denunciantes sobre a realidade dos grupos marginalizados, e Elza acompanha essa denúncia que recai sobre a desigualdade, não só, mas também financeira nesse Brasil. Por último, mas não menos importante, Mulher Pra Mulher (A Voz Triunfal) referencia o feminismo negro que luta contra inumeravéis violências durante tantos anos. 

A identidade da cantora, falecida em 2022, está muito bem marcada neste lançamento e, por ser o último, No Tempo da Intolerância é um álbum em que nos emocionamos não só pelas letras, mas também por imaginarmos que será o último trabalho lançado. Não há palavras suficientes que medem Elza Soares. Ela é incrível em tudo o que fez e continuará fazendo nesse compasso de vida. – Marcela Lavorato

Faixas favoritas: Justiça, Pra ver se Melhora e Quem Disse

FBC – O AMOR, O PERDÃO E A TECNOLOGIA IRÃO NOS LEVAR PARA OUTRO PLANETA 

Não é de agora que Fabrício, mais conhecido como FBC, trabalha com Música. O sucesso estrondoso de Baile (2021), em colaboração com VHOOR, fez com que os talentos do artista fossem amplamente divulgados, atingindo novos espaços além da cena do rap nacional. Não se acostumado em criar mais do mesmo, em seu novo projeto o rapper busca novas inspirações e transborda em uma estética completamente diferente do que havia produzido. Passeando entre os anos 1970 e 1980, misturando funk com elementos sintéticos e até um sax, o cantor nos faz refletir sobre a existência nesse planeta que chamamos de casa.

Com a ousada proposta de fugir das tendências atuais, FBC aposta tudo em um álbum que mira em Jorge Ben Jor e acerta em um estouro de originalidade. Em O Amor, o Perdão e a Tecnologia Irão nos Levar para Outro Planeta, o cantor e compositor traduz, em um jogo minucioso entre letra e som ,os sentimentos e sensações de uma viagem pela dance music. – Aryadne Xavier

Faixas Favoritas: Madrugada Maldita e Estante de Livros (feat. Don L)

niLL – O Resgate do Maestro

niLL é o maior artesão da cena do rap nacional. Seus discos não são somente conceituais. Seja rimando ou tecendo os instrumentais através do seu pseudônimo O Adotado, o artista jundiaiense constrói universos imersivos que costuram milhares de referências à cultura geek como em uma colcha de retalhos, operando através de nossos ambientes virtuais para evocar as emoções mais substancialmente humanas possíveis. Não importa o quão fantasioso ou fora da casinha for o álbum da vez. No fim, tudo se resume ao mais terreno cenário de um jantar.

É esse retrato mundanamente imaginário de um mecha explorando as vielas de uma favela que nos apresenta a O Resgate do Maestro. Na narrativa do disco, acompanhamos um simpático robô que viaja para a Terra com o objetivo de estudar as emoções humanas. O rapper usa dessa conjunção para criar uma jornada existencial e contemplativa, refletindo nossa sede inerente por conexão em meio a uma realidade onde desaprendemos a viver uns com os outros. É então a partir de sonoridades acalentadoras e visuais nostálgicos que niLL faz da Música ponte para que esses laços se cruzem outra vez. – Enrico Souto

Faixas favoritas: PS1, Zero Zero 7 e City Hunters

DJ K – PANICO NO SUBMUNDO

Há quem não goste de funk e criminalize o gênero se baseando em crenças preconceituosas. O estilo musical se reinventa constantemente e com PANICO NO SUBMUNDO não dá para negar a ascensão merecida do ritmo. Durante 43 minutos, DJ K, nascido em Diadema, entrega ao público uma viagem de diversões com esse projeto. Aclamado pela Pitchfork, o paulistano usa o gênero como uma plataforma de conscientização social, como quando critica sutilmente o governo de Jair Bolsonaro na faixa “Erva Venenos”.

É impossível ser levado à outra dimensão com uma música, mas aqui, o produtor musical o faz com maestria: já na primeira música, Illuminati – Viagem Ao Oculto, o ‘bruxo’, apelido do artista, faz a sua magia e enfeitiça os fãs com beats agradáveis e produções de tirar o fôlego. Para os amantes do estilo musical, é um deleite. Os que não acompanham de perto o ritmo irão se impressionar com o talento do DJ K. -Guilherme Machado Leal

Faixas favoritas: Illuminati – Viagem Ao Oculto, Automotivo Acordou a Favela Toda e Beat Distorce Mente

N.I.N.A – Para Todos os Garotos que já Mamei

Com Para todos os garotos que já mamei, ou PTOGQJM, N.I.N.A revelou uma nova faceta de sua musicalidade. No álbum lançado em Agosto de 2023, a cantora conhecida como bruta, brava e forte soa mais sensível e reconhece sentimentos que não se mostravam com tanta veemência em sua discografia anterior, Pele (2022). Em um movimento semelhante ao da temática, a sonoridade trabalhada também migra para novidades e as sete faixas são uma viagem pela diversidade rítmica. 

R&B, pop, rap e soul são explorados nas composições, mas cada uma segue tão única quanto às cartas enviadas pela protagonista do filme que o nome do disco parafraseia. Nessa singularidade, N.I.N.A surpreende a cada minuto do projeto e consegue ser impecável ao ponto de não permitir brecha para uma crítica sequer. Por isso, PTOGQJM é perfeito para ouvir em momentos à flor da pele ou animar dias blasé, com a única restrição de não ser recomendado para menores de 18 anos. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Faz Assim, Despedidas e Karma

James Blake – Playing Robots Into Heaven

James Blake deixou sua marca registrada por todos os cantos da indústria musical na última década. Os vocais divinos e quase sussurrados do artista, que preenchem delicadamente suas melodias digitais e minimalistas, fizeram dele um colaborador de ouro, lhe rendendo participações marcantes em projetos de grandes artistas como Kendrick Lamar, Travis Scott e Beyoncé. Em paralelo, seus trabalhos solo, antes instigantes e misteriosos, eram gradativamente sanitizados quanto mais deslocavam-se para o universo do pop. 

Nesse contexto, Playing Robots Into Heaven marca o retorno do artista à música eletrônica. Aqui, sua voz se mistura aos elementos da canção para tornar-se um mero instrumento. A letra, em grande parte do disco, pouco importa. Os timbres, as percussões e as harmonias são manipuladas para nos transportar a uma montanha russa sensorial, ora declinando bruscamente em direção à terra, ora ascendendo em movimentos circulares até os céus. Um resgate e um lembrete do posto de Blake como um verdadeiro maestro de emoções. – Enrico Souto

Faixas favoritas: Fall Back, Big Hammer e I Want You To Know

Kali Uchis – Red Moon In Venus

A sinestesia, além de uma figura de linguagem, é uma condição neurológica que faz com que quando um dos nossos sentidos é ativado, reações são provocadas em outro, gerando um mix de sensações. Ouvir Red Moon in Venus não é uma experiência simples, mas que ativa diversas sensações, sendo um álbum colorido e com sabores refrescantes do pop latino.

Em seu terceiro álbum, a colombiana Kali Uchis nos leva em uma aventura sonora que lembra um conto de fadas, mas com toques de sensualidade. Já na primeira faixa, In My Garden… a artista cria uma certa ambientação, apresentando o tema do álbum, ao falar “Olá / Você consegue me ouvir? / Eu só queria falar que, caso tenha esquecido, eu te amo” e incluir sons imersivos. A obra segue com tracks sobre amor, prazer e desejo, como I Wish You Roses e Love Between, além da exploração da feminilidade, com toques do estilo R&B de Uchis, além de reggae e soul. -Marina Barrelli de Carvalho

FAIXAS favoritas: Worth the Wait, All Mine e Deserve Me

Carol Biazin – REVERSA

Em uma grande homenagem para todas as garotas infernais, Reversa chegou com aquele sabor de romance adolescente para alimentar a alma das mean girls. Carol Biazin traz desilusão, rebeldia e romance, é óbvio, para o terceiro álbum de sua carreira. Contando com treze faixas que narram uma história de amor de trás para a frente, fazendo alusão ao título, a cantora conta com batidas de pop, R&B, e vocais de fundo para conseguir sustentar a personalidade da obra, que se inspira na sua. 

Reversa tem pontos altos e baixos, como qualquer obra. Os beats são muito parecidos, fazendo com que uma faixa pareça a extensão da anterior. Entretanto, Biazin fez ótimas evoluções em suas composições, em comparação ao seu último disco, Beijo De Judas, conseguindo trazer letras mais desenvolvidas e vocais presentes e potentes, que lembram muito os de Luísa Sonza, além de ter produzido a cronologia realmente ao contrário, porém de forma extremamente complementar, o que torna o álbum ainda mais único e precioso para o pop brasileiro. Com um relacionamento que não deu certo, talento e muito glitter, Carol Biazin entregou uma das melhores produções nacionais de 2023. A cantora provou que está pronta para defender o seu espaço nas playlists das garotas infernais. – Pâmela Palma

Faixas favoritas: Playlist de Sexo, Dessa Vez Não e Garota Infernal

Måneskin – Rush! (Are U Coming?)

Na extensão de Rush!, álbum #1 em mais de 15 países da banda italiana Måneskin, são acrescentadas mais cinco músicas que mostram para o público a força do jovem grupo. Com a maioria das faixas em inglês, são exploradas temáticas que vão do romance à rebeldia e aproveitamento da vida, em que há um casamento muito bem realizado entre os potentes vocais de Damiano David e os instrumentos dos demais membros. Em Valentine, a extensão da voz de David e os acordes da guitarra de Thomas Raggi causam arrepios por todo o corpo de quem escuta.

O baixo de Victoria De Angelis é outro elemento que faz toda a diferença nas produções. Com uma maior presença nesse lançamento, a baixista cria acordes que marcam o estilo da banda, ajudando na produção de melodias que permanecem por um bom tempo na cabeça. Contando com 22 faixas,  Rush! (Are U Coming?) une Mäneskin ao músico americano Tom Morello em Gossip – um dos cinco singles do álbum – em uma produção energética e viciante, com solos de guitarra de tirar o fôlego. Indo do intenso, apaixonante e íntimo, para o divertido, provocante e sensual, a quinta produção do grupo é um sucesso garantido. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Trastevere, Timezone e Off My Face

Reverend Kristin Michael Hayter – SAVED!

Ao ouvir SAVED!, a última certeza que você tem é que está a salvo. Lingua Ignota veste a batina a aponta o dedo julgador típico de um fundamentalista religioso bem na sua cara. Com voz, violão e um piano modificado, a intérprete cria um cenário de pandemônio e nos transporta para uma igreja no meio do nada no exato momento em que ocorre o julgamento final.

O álbum, totalmente experimental, além de propositalmente caótico, revive estilos dos cânticos do Movimento de Santidade, vertente pentecostal que estimula atividades carismáticas como a glossolalia – capacidade de falar em línguas quando se está em transe religioso. Dessa forma, a artista, que teve uma infância católica, desvirtua totalmente a visão religiosa. As microfonias propositais entre as faixas, os instrumentos nada mixados e a voz por vezes a capela, criam a impressão que o fim do mundo, naquela igreja que o disco emula, ao mesmo tempo que é temido, também é desejado. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: ALL OF MY FRIENDS ARE GOING TO HELL, IDUMEA e THE POOR WAYFARING STRANGER

JPEGMAFIA & Danny Brown – Scaring The Hoes

2023 definitivamente foi o ano das collabs no rap, seja por Billy Woods & Kenny Segal no excelente Maps ou no atrasadíssimo e divisivo Vultures Vol.1 de Kanye West e Ty Dolla $ign. Quem definitivamente consagrou o movimento e deu o start  na moda novamente foram os irreverentes e até então totalmente antagônicos JPEGMAFIA & Danny Brown. Por isso, Scaring The Hoes é a prova de que sim, os opostos se atraem e criam uma química descomunal entre si.

O termo chulo do título é uma expressão para quando se está sendo hipócrita e a dupla consegue, pelo menos, bater de frente com a hipocrisia, com a arma que mais sabem usar: o sarcasmo. O disco consegue dosar efetivamente os beats tortos de JPEG com a rima rápida e astuta de Danny Brown, resultando em uma obra que aborda conscientemente, ao mesmo tempo que com muita irreverência, a cultura da internet e o próprio rap americano. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Kingdom Hearts Key (feat. Redveil), Burfict! e Garbage Pale Kids

Madison Beer – Silence Between Songs

No disco Silence Between Songs, Madison Beer se mostra como uma cantora completa. Por meio de belas composições e sonoridades de um pop genuíno, a artista traz canções cheias de beleza e sentimento. Indo de sintetizadores futuristas, acordes de violão e até notas delicadas vindas diretamente de uma caixinha de música, Beer apresenta todo o seu potencial para o cenário musical.

A era do álbum começou em 2021 com o lançamento do single Reckless, que age como uma carta sobre um coração partido. Madison Beer mostra como pode ser um dos próximos grandes nomes do pop, por meio de videoclipes estéticos, vocais poderosos – repletos de suspiros e harmonias –, e faixas cheias de emoção aliadas à instrumentais interessantes. Passando por tristezas amorosas, reflexões sobre a vida e sobre a família – a faixa Ryder é dedicada ao irmão de Beer – a cantora prova como seu repertório é diverso. -Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: Sweet Relief, Ryder, Home To Another One e Reckless

Reneé Rapp – Snow Angel 

Em Snow Angel, conhecemos um lado de Reneé Rapp que permaneceu escondido por anos. Iniciando sua carreira no teatro, sua imagem já era prestigiada nos palcos, mas sua voz ainda era desconhecida pela plateia. Assinado pela gravadora Interscope, o disco conta com 12 faixas que transitam entre os gêneros pop e indie rock, e marcam as várias interrogações memorizadas pela mente da cantora durante a criação de seu primeiro álbum. 

Debatendo consigo mesma, as letras de Reneé garantem uma sinceridade de fácil identificação. Abordando temas como auto sabotagem, relacionamentos complicados e consumo de substâncias ilícitas, Snow Angel representa o questionamento pessoal da artista com as suas próprias ações. Tópicos em sua vida que ela sabe que precisa melhorar, ou não, para encontrar paz de espírito. – Ludmila Henrique

Faixas favoritas: 23, Talk Too Much e Gemini Moon 

Taylor Swift – Speak Now (Taylor’s Version)

O roxo continua predominante e o cabelo ainda está cacheado, mas não podemos afirmar que a garota na capa é a mesma: na regravação de seu terceiro álbum de estúdio, Taylor mostra-se mais madura e estável, nos levando em uma visita para sua versão jovem e intensa. Trazendo narrativas sinceras sobre descobrir seu lugar no mundo, amores efêmeros e decepções, a compositora pode até ter perdido a energia na voz que apenas uma garota de 19 anos com o coração partido pode ter, mas sempre terá a beleza de conseguir transmitir sentimentos tão lindos em forma de canção.

Speak Now (Taylor’s Version) ajusta-se aos tempos atuais, como mostra a modificação da letra Better Than Revenge, e ainda consegue trazer novas faces dessa Swift jovem e sexy com I Can See You (From The Vault). Por ser um álbum de carinho e apreço pelos fãs, foi a primeira vez que sentimos que o tempo passou de fato – seja pela voz, pelas memórias ou quando paramos para pensar que quase 13 anos separam desde o primeiro lançamento.  – Clara Sganzerla

Faixas favoritas: Dear John, Long Live e Back To December

Troye Sivan – Something To Give Each Other

Após a introspecção de Bloom, Troye Sivan retorna em 2023 com Something To Give Each Other, um álbum que celebra a euforia da pista de dança e o desejo ardente pelo calor humano. Se em Blue Neighbourhood conhecemos um jovem ainda inseguro sobre sua sexualidade, agora encontramos um artista maduro e confiante, que canta com propriedade sobre seus desejos hedonistas.

Rush, o primeiro single do álbum, é a porta de entrada para esse mundo de prazeres. A faixa contagiante nos convida a sentir a mesma euforia que Troye experimenta nas baladas. Mas, o disco vai além da pura festa. Romance e sexualidade são explorados sem tabus, com foco na intimidade entre duas pessoas. Em What’s The Time Where You Are?, o artista canta: “Eu estou bem em esperar se tudo estiver dito e tudo estiver feito / Você sabe que eu te entendo do jeito que você me entende, baby”.

Além de seu lirismo, a produção de Something To Give Each Other é outro ponto forte. As batidas precisas e as ambientações envolventes transportam o ouvinte para diferentes planos. Faixas como One Of Your Girls e Still Got It demonstram a inteligência e a criatividade de Troye Sivan, que entrega um álbum rico em detalhes e com uma sonoridade original, o que o torna um dos destaques de 2023. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Silly e One Of Your Girls

Dominic Fike – Sunburn 

Alerta! Sunburn pode ocasionar queimaduras de segundo grau, agarre seu fone de ouvido e se proteja do sol. Revisitando o sul da Flórida, Dominic Fike despeja em ritmos funkeados todas as incertezas que percorreu até conquistar seu lugar no cenário musical. Sendo o segundo álbum do artista, Fike permanece com a sua característica central de divagar por vários gêneros, remetendo sonoridades que atravessam o indie rock e mergulham no rap. A composição do disco transfere melodias dançantes, mesmo que as palavras descritas pelo cantor sejam de extrema consternação. 

Em soma com o baterista Henry Kwapis (Dijon) e os produtores Devin Workman e Jim-E-Stack, Sunburn contempla 15 faixas sobre a vida de Dominic em sua cidade natal. Uma história carregada de arrependimentos, vícios, sexo e drogas. O disco leva a sonoridade de uma visita indesejada ao passado. Uma reconciliação do artista consigo mesmo, algo que ele precisa deixar para trás, para poder caminhar em direção ao sol. – Ludmila Henrique

Faixas Favoritas: Sunburn, Bodies e Mona Lisa 

Noname – Sundial

Diante de um cenário musical composto majoritariamente por ensaboados, a artista Noname rejeita a arte limpa e imparcial ao fazer de Sundial, seu segundo álbum de estúdio, uma celebração provocativa da inconstância humana. Ademais, o disco apoia suas batidas típicas do neo soul em letras cuja essência política garante autenticidade a um trabalho que joga pedras e não teme ser apedrejado também. 

O objetivo de Sundial é causar desconforto em uma indústria condizente com  discursos vazios e silêncios ensurdecedores. Apesar dessa conjuntura monótona, algumas musicistas principalmente do hip-hop, como Little Simz e a própria Noname, aventuram-se pelo teor crítico ao transcrever angústias e questionamentos no papel. Este, por sua vez, é amassado com o intuito de nunca mais voltar a ser o que era antes. Enquanto certos artistas abusam de jatinhos particulares, a criadora de Sundial é quem, de fato, voa para longe da mediocridade e da inércia.  – Ana Cegatti

Faixas favoritas: boomboom, namesake e hold me down

Jão – SUPER

Se você escutar SUPER e estranhar já ter escutado essa história antes, é porque Jão retoma todas as suas aventuras até aqui para fechar um ciclo de cinco anos com seu quarto álbum. O artista do interior começou a até que recente carreira falando sobre amores, ilusão e desilusão, desejo de alcançar seus sonhos mais ambiciosos e de sair de uma cidade pequena para se descobrir na metrópole paulista. No quarto capítulo, os temas retornam e, apesar de soarem repetidos, fazem um apanhado de todo o período da casa dos 20 anos para finalmente se concluírem e abrir portas para novas descobertas.

A sonoridade vem mudando discretamente desde Lobos (2018), disco de estreia de Jão, e se torna mais fresca a cada nova empreitada. Embora algumas canções, como Julho e Me Lambe, já viraram fórmula, Gameboy, Eu Posso Ser Como Você e Sinais mostram que o cantor e sua equipe fiel de colaboradores bebem de referências novas, em busca de revitalizar o som, à medida que o tema permanece. Agora, mais ousado, mas não menos abalado pelos amores deixados pelo caminho, Jão faz de SUPER a despedida de uma trajetória grandiosa, para começar uma maior ainda, dessa vez em palcos de arenas. – Vitória Gomez

Faixas favoritas: Escorpião, Se O Problema Era Você, Por Que Doeu Em Mim? e Locadora

Kylie Minogue – Tension

Era uma quinta-feira à noite em meados de maio de 2023 quando o falecido Twitter, agora X, começou a emitir sinais de Padam Padam. Desse momento até o lançamento do disco Tension, muita expectativa foi criada em forma de vídeos virais sobre os próximos passos de Kylie Minogue. A partir da adaptação moderna da onomatopeia para batimento cardíaco popularmente entoada por Edith Piaf, a rainha absoluta do dance pop acrescenta 13 faixas que chegam até a ser perigosas para os órgãos vitais, afinal, nem mesmo as baladinhas românticas diminuem a vontade de dançar.

Como em uma tentativa destemida de quebrar a tensão superficial da água, a artista mergulha de cabeça no melhor das noites australianas para o seu tão aguardado décimo sexto álbum de estúdio. Os ápices da produção envolvem a junção de instrumentos como o baixo e o saxofone às batidas programadas, ao passo em que as composições explodem em cores e ganham um lugar especial em Las Vegas. De olho em um diamante no horizonte enquanto assume a despretensiosidade do gênero, Tension é tudo o que nós amamos sobre Kylie Minogue. – Nathalia Tetzner

Faixas Favoritas: Padam Padam, Vegas High e Love Train

Ebony – Terapia

Jovem e pronta para ocupar todo e qualquer espaço na cena do rap e hip hop, Ebony chegou com os pés na porta e ofereceu a todos aqueles que estão insatisfeitos com sua presença na cena uma bela Terapia. O disco é audacioso e funciona quase como uma descrição em detalhes da artista, com todos os seus pensamentos, gostos e a grande indiferença sobre a opinião masculina expostos e rodeados por um ritmo viciante. 

Em faixas intituladas com termos da psicologia, como acontece em Pensamentos Intrusivos, Sem Neurose e Paranóia, moram letras escritas por alguém que vai conquistar o que quiser. Apesar de soar como, isso não é um exagero, Ebony sabe exatamente o que deseja e como conseguir, afinal, ela é independente, sincera e “megalomaníaca com o mundo na palma da mão”. Quem procura um álbum de quem está no corre e não vai parar tão cedo, deve procurar Terapia. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: Lei da Atração, Obcecada e Sem Neurose

Janelle Monáe – The Age of Pleasure

The Age of Pleasure, o mais recente álbum de Janelle Monáe, é uma celebração do verão, da liberdade e do prazer. Uma antítese aos seus últimos trabalhos sci-fi distópicos, mantendo sua qualidade singular. Com canções nomeadas após coquetéis de champanhe, Monáe constrói uma mistura alegre de reggae, afrobeat e soul e a descreve como a trilha sonora de um estilo de vida.

A colaboração com artistas como Grace Jones, Sister Nancy e Amaarae mesclam o frescor de um dia ensolarado e de altas temperaturas, com a calmaria da senioridade. E, merecidamente, renderam as indicações de Álbum do Ano e Melhor Álbum de R&B Progressivo na 66ª Edição Anual do Grammy – Henrique Marinhos

Faixas Favoritas: The Rush (feat. Nia Long & Amaarae), Chapagne Shit e Haute

Swans – The Beggar

Uma odisseia sobre a vida, a morte, e tudo que as aproxima. The Beggar é o 16º álbum lançado sob o nome do Swans, grupo estadunidense regido por Michael Gira, e apresenta um retorno a diversos territórios musicais explorados pelo artista no passado. Assim como na maioria dos trabalhos de Gira, o foco da obra é envolver o ouvinte em uma atmosfera imersiva sempre hipnotizante e ameaçadora, ainda que inundada com momentos etéreos e deslumbrantes. É possível ouvir traços de várias das facetas do compositor, passando pelo folk e americana do Angels Of Light, os ritmos pulsantes de The Great Annihilator (1995), além de uma psicodelia reminiscente de Syd Barrett em Ebbing.

Por mais que muito do que se ouve no álbum são – forçando muito a definição – canções, o enorme elefante no meio da sala é The Beggar Lover (Three), penúltima faixa do disco, que conta com mais de 43 minutos de duração. Essa monstruosidade remete a outro projeto de Gira denominado The Body Lovers, o qual tinha como maior motivo a experimentação extrema com o som. A música é essencialmente uma colagem sonora abstrata que inclui passagens coletadas de outros trechos do álbum e até de discos anteriores da banda, distorcendo e brincando com a memória dos fãs familiarizados com esses momentos. Ainda assim, existe uma coesão e uma dinâmica cativantes, além da sonoridade trazer um poderoso contraste às outras faixas.

Michael Gira – com quase 70 anos de idade no lançamento do disco – deixa claro nesta obra que enxerga o fim de sua vida como algo próximo, cantando letras que contemplam e refletem sobre a morte e a efemeridade da vida humana como um todo. Mas aqui, isso não se dá como algo alarmante ou desolador; o artista está em boas relações com seu desfecho e mostra aceitar o inevitável, parecendo até desejá-lo em alguns momentos. Mesmo não se tratando de uma canção do cisne para a banda, The Beggar representa o fim de um imenso ciclo, sendo a conclusão e culminância de tudo que o grupo já produziu e entregou por todos esses anos. – Leandro Santhiago

Faixas favoritas: No More of This, Michael is Done e Ebbing

CHVRCHES – The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition)

O que é melhor do que um aniversário? Foi com essa razão que a banda escocesa CHVRCHES lançou o disco The Bones of What You Believe (10th Anniversary Special Edition). Originalmente distribuído em 2013, o primeiro álbum da banda traz uma diversidade de vertentes do pop, como o electropop, o synthpop e o indie pop. O trio formado por Iain Cook, Lauren Mayberry e Martin Doherty trouxe adições ao trabalho original, por meio de versões gravadas ao vivo e de canções inéditas, compostas durante o processo inicial de criação do trabalho. 

Durante a edição comemorativa de The Bones of What You Believe, CHVRCHES se diverte com sintetizadores, baterias eletrônicas e vocais agudos. Espirituosas, as faixas possuem batidas agitadas – porém, a parte lírica nem sempre as acompanha, por tratarem de diversos assuntos. Com muita animação, as músicas dão vida ao disco, e mostram o quão atual o synthpop pode ser. – Laura Hirata-Vale

Faixas favoritas: The Mother We Share, Recover e City On Fire

Nem em seus sonhos mais esperançosos Mitski esperava alçar voos tão altos com seu último disco, chegando a figurar no top #1 da Spotify Today’s Top Hits Playlist. A proeza se torna mais irônica quando esse lugar foi conquistado justamente com o trabalho que ela menos tinha a intenção de hitar. The Land is Inhospitable and So Are We é a aposta mais sóbria da nipo-americana após as doses de euforia e endorfina proporcionadas por Be the Cowboy (2018) e Laurel Hell (2021).

Mergulhando fundo no vazio de seu âmago, a cantora abdica de uma produção robusta e segue neste trabalho investindo no reducionismo musical. Apenas com guitarras uníssonas e violões acústicos que beiram o country, suas músicas dão uma sensação de galpão vazio, noites solitárias e chuva pela janela. Esse aspecto de falta é preenchido com uma poesia extremamente sofisticada, fazendo com que The Land is Inhospitable and So Are We funcione quase como um sarau, no qual Mitski pode comprovar sua competência como letrista. Para falar de amor e amar novamente, a artista teve que expulsar todos de seu coração e, sozinha, fazer uma faxina nele, mas no fim, nossa alma que é lavada. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Bug Like an Angel, My Love My All Mine e The Frost

Carly Rae Jepsen – The Loveliest Time

Após o introspectivo pandêmico The Loneliest Time, de 2022, Carly Rae Jepsen retornou com The Loveliest Time em 2023, um disco expansivo e vibrante que celebra a superação, a experimentação e a alegria de viver intensamente. Se o primeiro era um álbum conciso e focado em regras, este é o ‘parque de diversões’ de Jepsen, onde ela se diverte explorando diferentes estilos e sonoridades. 

A deliciosa Shy Boy, primeiro single da era, abriu o caminho para uma jornada musical que transborda energia e positividade. A autorreflexão ainda está presente, como na melancólica Kollage, mas agora surge como resultado das novas experiências vividas pela cantora e não mais como uma resposta dela a eventos externos 

Destaques como a dançante Psychedelic Switch e a divertida Come Over capturam o sentimento de euforia e entusiasmo que acompanha o início de um novo ciclo ou relacionamento. Momentos como Aeroplanes e Put It To Rest podem soar menos memoráveis, mas não chegam a prejudicar a experiência geral do álbum. The Loveliest Time é um convite a celebrar a vida e a aproveitar cada momento. Carly Rae Jepsen se entrega à experimentação musical com confiança, criando um álbum coeso, divertido e cheio de personalidade. -Arthur Caires

Faixas favoritas: Psychedelic Switch e Come Over

boygenius – the record

Julien Baker, Phoebe Bridgers, e Lucy Dacus uniram forças novamente em 2023, após o sucesso do trio com o EP autointitulado em 2018. Com suas carreiras solo em ascensão e cada uma se consolidando como algumas das vozes mais relevantes do circuito indie, essa reunião se torna ainda mais especial. O amor e admiração que sentem uma pela outra e as move a criar juntas transparece em cada faixa do álbum, dando ao ouvinte a sensação de poder espiar algo íntimo.

A força do grupo está na união dos estilos distintos da composição de cada integrante. É possível reconhecer os processos individuais ao longo do álbum, ao mesmo tempo que conquistam uma harmonia mágica. Apesar da instrumentação potente, o letricismo é o ponto mais alto do disco. A última faixa cria um paralelo com o destaque do EP, Me & My Dog, dando uma nova perspectiva, agora mais madura, à letra da música e, consequentemente, à trajetória do trio. – Giovanna Freisinger

Faixas favoritas: Cool About It, Leonard Cohen e Letter To An Old Poet

Chappel Roan – The Rise and Fall of a Midwest Princess

 pop está naturalmente ligado às grandes metrópoles, seja pelo veraneio hollywoodiano, pelo ar cosmopolita nova-iorquino ou até por conta do clima chuvoso londrino, casa da descendente de albaneses Dua Lipa. Mas se engana quem pensa que as histórias mais identificáveis com os adolescentes do mundo acontecem apenas nos perímetros das megacidades. Foi com Chappel Roan, natural de Willard, cidade perdida no meio do Wisconsin de pouco mais de 6.000 habitantes, que saiu um dos melhores álbuns do gênero em 2023.

The Rise and Fall of a Midwest Princess é sobre a incompletude de sentimentos, querer tentar a vida nos grandes centros, mas ter um enorme vazio suprido pela cidade pequena, e no fim, estar confortável nas turbulências da ponte-aérea. Roan é fruto de Dan Nigro, que posteriormente também seria catapultado com o sucesso de Olivia Rodrigo, razão essa pela qual o álbum demorou tanto que já nasceu com nove músicas tendo vida própria. De todas as incertezas da artista, ser uma one hit wonder não estava em seus planos, fazendo com que o disco como um todo seja a cola que aglutina todos os cacos de uma mulher demolida pelas inconstâncias da vida adulta. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Feminomenon, Pink Pony Club e Casual

Niall Horan – The Show

“Segure firme e prepare-se para a viagem”, assim Niall Horan nos convida a embarcar em seu show e aproveitar cada minuto. No terceiro álbum do ex-integrante da boyband One Direction, nos é apresentado um amadurecimento em sua forma de compor e no uso de sua voz, o que reflete em uma coletânea de músicas profundas e cheias de significados. Com melodias sustentadas principalmente por bateria, baixo, piano e muitas harmonias vocais, The Show explora o sentimentalismo e se consolida como o melhor álbum da carreira solo do artista até o momento.

Após a apresentação de faixas como Meltdown, com diferentes elementos em sua mixagem e um ritmo acelerado, o álbum adquire um tom mais íntimo em You Could Start A Cult, na qual o cantor basicamente se declara a voz e violão e em Science, com o arranjo perfeito entre piano, violoncelo e a melodia cantada. The Show é o tipo de composição que te faz querer dançar, emociona e faz refletir, mas, ao mesmo tempo, também é uma produção que podemos apenas ouvir e sentir, seja a partir da letra, dos instrumentos ou da voz de Horan. – Gabriela Bita

Faixas Favoritas: Science, On A Night Like Tonight e If You Live Me

Paramore – This is Why

Todo jovem que cresceu nos anos 2000 curtiu os maiores singles do Paramore. Em This is Why, a banda revive o estilo pop-punk clássico, com uma bateria agitada e uma certa aspereza nos vocais de Hayley Williams. Porém, tudo com modernidade e novidades que fazem o ouvinte lembrar um pouco de bandas como Talking Heads – como na track C’est Comme Ça.

Lançado em fevereiro de 2023, o sexto álbum da banda possui composições fortes, com letras que refletem o contexto conturbado e intenso de um mundo pós-pandêmico, fazendo o ouvinte se identificar facilmente. É possível até notar uma certa amargura em algumas das letras, como no single que leva o nome do álbum – “Se você tem uma opinião, talvez você devesse engoli-la. Ou talvez você devesse gritar, mas pode ser melhor guardar para si”. Além disso, o grupo aborda tópicos mais pessoais, como o amor e suas complexidades, as consequências de tentar salvar pessoas e o sofrimento de cometer os mesmos erros. – Marina Barrelli de Carvalho

Faixas favoritas: Big Man, Little Dignity; The News e Liar

Local Natives – Time Will Wait For No One

Com músicas doces e fáceis, o novo álbum do Local Natives revela quão poderosa pode ser a música Indie. As faixas são atrativas como um imã, contam com ritmo bem cadenciado, e suas as letras “decoráveis” transformam Time Will Wait For No One em um álbum imersivo e muito charmoso. A melodia é doce, tem um forte ar de reflexão que combina com os temas abordados que vão de relacionamentos a eventos comuns da vida.

A banda, que estreou em 2009 com o álbum Gorilla Manor, tem o seu quinto lançamento depois de um hiato causado principalmente pela pandemia de Covid-19. O potencial da banda nesse retorno foi explorado do melhor jeito possível, usando corais e guitarras de um modo muito harmônico, produzindo algumas das melhores músicas do gênero neste ano, como Paper Lanterns e Desert Snow. – Guilherme Dias Siqueira

Faixas favoritas: Paper Lanterns, Desert Snow e Empty Mansions

Kyan & Mu540 – UM Quebrada Inteligente

Agradando os fãs de Oakley e os mandrakes de todo o Brasil, Kyan e MU540 trouxeram os beats da periferia aos holofotes com UM Quebrada Inteligente. O disco, lançado em Julho de 2023, contempla diferentes estéticas em um trabalho genuinamente singular. Na genialidade de quem vem das favelas, as letras passeiam por temáticas raciais, ascensão social e muita descontração.   

Ambos os artistas foram criados na Baixada Santista e a parceria é não só um encontro de vivências, mas uma reunião de dois elementos importantes das produções rap funk: o MC e o DJ. A composição conta com sete faixas que elevaram o nível do trabalho dos músicos, que já tinham colaborado diversas vezes antes, como em Dias Antes de Mandrake. Vale lembrar que dessa vez a colaboração se aprofunda e a importância dos vocais, letras, mixagem e edição é equiparada, fazendo com que cada elemento seja essencial.

Ainda que seja o resultado de um reencontro, a forma de UM Quebrada Inteligente é completamente nova, sendo impossível colocá-la em uma só categoria: ela é o funk, o rap, o drill, o house e muito mais. Acima de elementos musicais, o que se destaca na produção é cultural, como as roupas que fazem sucesso nas comunidades ou as gírias escolhidas nas letras. Em suma, fica a certeza de que esses ‘quebradas’ são realmente inteligentes e sabem fazer música como ninguém. – Jamily Rigonatto 

Faixas favoritas: tipo, sonho de consumo!, brinks! e Fantástico Mundo da Oakley

Se para Alceu Valença, a voz do anjo sussurra em seu ouvido, para Hozier, o tom angelical é uma extensão de seu próprio corpo, e precisa ser gritado. Após o sucesso astronômico e viral de seu autointitulado e do incompreendido Wasteland, Baby!, o irlandês ressurge do subsolo dos metrôs e, carregado de referências e incertezas, nos pega pela mão para uma jornada inversa de céu-inferno. 

Nas palavras do artista, o álbum representa uma “jornada dos últimos anos e de tudo que foi contado na época”. Dessa forma, Hozier recria o inferno do Dante e o traz para o período pandêmico e para os dilemas modernos. Embebido em vinho e literatura italiana, ele compõe sua própria poesia barroco-renascentista e a incorpora no seu já característico folk de deixar o coração quentinho. Falando de amor, melancolia e desespero, suas músicas nesse trabalho soam como parábolas e provam o porquê de ele ser visto como o Jesus da indústria fonográfica. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Abstract (Psychopomp), All Things End e Francesca

Travis Scott – UTOPIA

Não é preciso dizer que Travis Scott é um dos artistas mais influentes do rap moderno. Por meio de sua estética psicodélica, ele conseguiu construir uma identidade que muitos outros rappers tentam seguir. Entretanto, depois do desastre no Astroworld Festival em 2021, sua imagem foi gravemente manchada. É por isso que UTOPIA, o tão aguardado quarto álbum de estúdio de Travis e seu primeiro lançamento desde então, não poderia se dar ao luxo de ser nada além de um grande avanço musical na carreira do artista, e ele cumpre o prometido.

Da mesma forma que Rodeo lapidou o som de suas mixtapes, UTOPIA rejuvenesce a discografia de Travis. O álbum expande seu som sem mudá-lo drasticamente – seus vocais são tão distorcidos quanto eram há dez anos, mas fica claro que, dessa vez, o rapper não hesitou em fazer uso de elementos até então incomuns em seu trabalho. Somado ao fato de que o disco conta com um time de estrelas como colaboradores, que vão desde Beyoncé e (claro) Kanye West até Bon Iver, UTOPIA se mostra como um projeto que tem tudo o que precisa para tirar o artista da maré baixa em que esteve. – Raquel Freire

Faixas favoritas: DELRESTO (ECHOES) (feat. Beyoncé), CIRCUS MAXIMUS (feat. The Weeknd & Swae Lee) e TELEKINESIS (feat. SZA & Future)

BK, JXNV$, Gigantes – VERÃO CRIMINOSO

Quando BK anunciou em 2021 sua saída da Pirâmide Perdida para fundar um selo próprio, concretizava-se não só um movimento de mercado, mas uma mudança de filosofia. A mensagem do rapper extrapolava a música e, agora, encubia-se a missão de transformar a indústria por dentro. Os primeiros vislumbres dessa alçada finalmente vêem a luz do dia em VERÃO CRIMINOSO. Com 18 faixas, a mixtape introduz ao público as principais apostas da gravadora, concomitante a uma fina curadoria e à colaboração dos maiores artistas da cena musical periférica – de Djonga a João Gomes.

Em dissonância ao nome dado ao selo – Gigantes, homenageando o mais emblemático dos discos de Abebe Bikila –, o que a mixtape tem de arrojada, tem de despretenciosa. É refrescante observar, depois de tanto tempo, BK se distanciar da atmosfera densa de seus trabalhos solo para entregar versos indecorosamente ácidos, cômicos e sensuais. O que torna esse projeto especialmente empolgante é como, mais do que uma nova investida capitaneada pela figura mais relevante da última geração do hip-hop brasileiro, VERÃO CRIMINOSO é, essencialmente, uma reunião entre amigos brincando dentro do estúdio. – Enrico Souto

Faixas favoritas: FASE BOA, CABELO VOA e ESCURINATTI

Marina Sena – Vício Inerente

Após o sucesso estrondoso de Por Supuesto, Marina Sena deixa o interior de Minas Gerais para trás e se reinventa na capital paulista com seu segundo álbum, Vício Inerente. A mudança de ares se reflete na sonoridade do disco, que abandona o tropicalismo do primeiro álbum para mergulhar em uma estética mais eletrônica e urbana. Essa transição representa não apenas a adaptação da artista à nova realidade, mas também sua busca por constante reinvenção.

Mesmo inserida no meio mainstream, Marina Sena se destaca por sua forma única de abordar temas como sensualidade e desejo. As letras do disco são inteligentes e carregadas de sofisticação, fugindo do clichê e da repetição de senta, quica e maceta. A voz ofegante e anasalada da cantora cria uma atmosfera íntima e sensual, convidando o ouvinte a participar do flerte, especialmente nas faixas Que Tal e Mais de Mil.

Em meio à temática libidinosa que permeia o disco, Mande um Sinal e Pra Ficar Comigo transcendem e revelam o lado sonhador da artista. Nessas faixas, a voz de Marina Sena brilha com ainda mais força, revelando sua potência e versatilidade como cantora. Por isso, Vício Inerente é, sem dúvida, um trabalho original e refrescante que consolida a mineira no cenário pop brasileiro. – Arthur Caires

Faixas favoritas: Mande um Sinal e Mais de Mil

Tasha & Tracie – Yin Yang

Considerado o retorno de Tasha e Tracie na música após problemas com sua gravadora, Yin Yang é leve e animado. As composições, que falam muito sobre o amor, são divididas com os namorados das cantoras Kyan e Rapper Gregory, o que faz jus ao significado de complemento do símbolo que nomeia o disco. Entre os tons de declarações românticas e muita ostentação. com direito a citação das marcas de moda que encantam a periferia, o projeto musical é autêntico como as gêmeas. 

Direcionado principalmente ao rap, o álbum traz as letras em prosa, dando praticamente certeza de que os beats acompanham as falas e, não, o contrário. Assim, as faixas parecem perfeitamente encaixadas na voz das artistas, que se mostram insubstituíveis e donas de tudo o que cantam como se criassem um novo gênero. Ao fim, essa é uma conclusão plausível para algo tão singular e cabível no que elas mesmas reconhecem: “Competição eu não quero, criei meu próprio nicho”. – Jamily Rigonatto

Faixas favoritas: Fortal, Dia de Baile e Drake da Capital

Zach Bryan – Zach Bryan

Recentemente, o country, principalmente o americano, tem realizado o movimento de ultrapassar as cercas rurais que o definiram a vida toda. Cada vez mais ele está se aproximando de um ritmo puramente urbano, ou talvez a sociedade que está em um êxodo rural reverso. Juntamente com Kacey Musgraves e Noah Kahan, o nome de Zach Bryan seja talvez um dos principais precursores da ascensão caipira americana.

O autointitulado traz um clima soturno para o conjunto voz e violão (e às vezes banjo) e conduz uma conversa noturna com o ouvinte ao longo de suas 16 faixas, todas escritas por ele. Reimaginando o estilo, o artista consegue assumir a persona Jack Maine de Bradley Cooper em Nasce Uma Estrela e lembrar que os cowboys também sofrem. Com a ascensão do gênero, há muitos Jack Maines surgindo por aí, mas só Zach Bryan é Zach Bryan. – Guilherme Veiga

Faixas favoritas: Fear and Friday’s, Spotless (feat. The Lumineers) e I Remember Everything (feat. Kacey Musgraves)

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No mês que antecede o evento mais importante da música ocidental, alguns dos grandes nomes do Grammy 2021 aproveitaram para agitar a campanha para a premiação, que acontece no dia 14 de março. A dupla Chloe x Halle vestiu tons frios para Ungodly Hour (Chrome Edition) e para o clipe futurista da canção-título. Dua Lipa juntou novos singles com a tracklist mais famosa de 2020 em Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Doja Cat e Megan Thee Stallion comandaram um remix de Ariana Grande, e a banda HAIM cantou mais uma vez – e agora pra valer – com Taylor Swift.

Falando nela, a artista que protagonizou a maior polêmica do mundo pop dos últimos anos iniciou sua volta por cima. Depois de jogar a ***** no ventilador e suscitar uma discussão importante sobre a relação complicada que existe entre direitos autorais, artistas jovens e a indústria musical, Swift alertou que não deixaria barato e que faria o possível para tornar seus trabalhos, que foram vendidos sem a sua permissão, obsoletos, regravando-os. É fato que a cantora de reputation é firme com sua palavra, e assim ela apresentou ao mundo Love Story (Taylor’s Version), anunciando que a nova versão de Fearless, seu segundo álbum, também chegará aos nossos ouvidos em breve.

O maior injustiçado da temporada, por sua vez, brilhou forte em sua performance no intervalo do Super Bowl promovendo The Highlights. A coletânea reforça a relevância e impacto do trabalho de The Weeknd, que não engoliu a desonestidade da Recording Academy. Quem também superou cenários hostis foi Rebecca Black, o assunto da internet e alvo de um episódio de cyberbullying massivo em 2011, que dez anos depois do fatídico clipe de Friday, retorna àquele lugar para um remix da música original.

Ascensão também é uma palavra que se aplica aos artistas brasileiros, que mantiveram a atividade em um fevereiro sem carnaval. Pabllo Vittar voou alto ao interpretar o remix de Man’s World com MARINA e Empress Of. Ludmilla, que sabe pregar o funk como ninguém, colaborou com o trio Major Lazer e ainda encontrou espaço para trazer visibilidade ao grupo baiano ÀTTOOXXÁ e ao artista jamaicano Suku Ward. Luísa Sonza mostrou mais uma vez sua versatilidade num pagode ao lado de Thiaguinho, e Papatinho fez o mesmo ao misturar samba, funk e rap com Seu Jorge e Black Alien.

Já na MPB, celebramos a vida e a carreira de Gal Gosta. Não exatamente como gostaríamos, num show ao vivo lotado de apaixonados por uma das maiores vozes do Brasil, mas da melhor maneira que os moldes pandêmicos podem nos proporcionar, com o disco Nenhuma Dor. Assim como nossa musa, sempre atento e forte, Gilberto Gil se uniu aos seus filhos e netos em Refloresta para fortalecer uma campanha a favor da conservação de nosso bem mais precioso.  

A notícia triste foi o fim de Daft Punk. Depois de 28 anos de carreira, o duo composto por Guy-Manuel de Homem Cristo e Thomas Bangalter deixa um legado incalculável e uma influência que vai muito além da música eletrônica, lar da dupla. Tudo isso e muito mais sobre as movimentações do mundo da música foi registrado no Nota Musical de Fevereiro pela Editoria e colaboradores do Persona, que dessa vez, além de CDs, EPs, singles, clipes e performances, inventaram de falar também sobre as trilhas sonoras de alguns dos filmes mais importantes do mês.

CDs

The Staves – Good Woman 

Falar sobre Good Woman é um desafio e tanto. De cara, é um álbum sobre o luto compartilhado das 3 irmãs pela morte súbita da mãe. Além disso, esse é o terceiro registro da banda The Staves, que não lançava nada em seis anos. Good Woman veio em ebulição por vários fatores: ele documentou um período de distância entre Emily, Camilla e Jessica. O trio de britânicas tirou tempo para focar na vida pessoal, longe do eixo de Watford, onde nasceram. Quando a mãe faleceu, elas se recolheram em proteção. 

Mais que uma banda, elas eram uma família naquele momento de dor extrema. Elas se tornaram as ‘boas mulheres’ que Good Woman alude no título. Suas vozes harmonizam sentimentos de dor, perda, clausura e reconstrução. As letras, compostas em sua maioria antes da tragédia de 2018, se ressignificam após os temores e a superação, uma porção de cenários são construídos ao longo das 12 faixas.

Paralysed, o melhor que 2021 ofereceu no campo musical, destroça pelas nuances de silêncio e protesto. É uma canção ciente de onde quer chegar, emocionando pela honestidade bruta. Good Woman é o amadurecimento das irmãs Staves na vida, na carreira e no modo de lidar com o mundo. Emily, que teve uma filha, agora entende o papel da mãe do outro lado da equação. Elas continuarão cantando harmonias familiares. O que é o luto, se não o amor que persevera? – Vitor Evangelista

Madison Beer – Life Support

Mostrando mais uma vez que não está na indústria apenas para produzir músicas superficiais e de qualidade questionável, Madison Beer lança seu debut album. Com 17 faixas que prometem te fazer dançar, chorar e refletir sobre a vida, Life Support atinge o ouvinte de uma forma que apenas os vocais impecáveis da cantora junto com a produção maravilhosa da sua equipe conseguem fazer.

Navegando entre os diversos aspectos de viver um relacionamento tóxico e lidar com transtornos mentais, Madison compõe letras tão nuas que possilitam-nos sentir cada um de seus traumas enquanto escutamos a obra. Não tem como não se emocionar com Effortlessly, onde a cantora se abre sobre a dificuldade de fazer coisas do cotidiano que antes conseguia sem nenhum esforço.

E entre as composições melancólicas, há também as felizes e agitadas. Os singles Baby e Boyshit contam com uma batida altamente contagiante e versos sobre autoestima. E em ambas as partes mais alegres ou tristes do álbum, Madison Beer entregou um trabalho que valeu a pena a longa espera. – Mariana Chagas

Dua Lipa – Future Nostalgia (The Moonlight Edition)

Dua Lipa ainda tem o que dizer sobre a viagem no tempo que fez em Future Nostalgia. Mesmo que o hit Don’t Start Now já tenha passado da data de validade e que as demais canções do disco tenham sido alvo de remixes não tão bem-sucedidos em Club Future Nostalgia, algumas delas conseguiram resistir, como Pretty Please, Break My Heart, Hallucinate e Cool. Assim, Dua juntou a tracklist do disco original – que também concorre às principais categorias do Grammy 2021 – com novos singles e três faixas inéditas para compor a segunda edição do álbum, o Future Nostalgia (The Moonlight Edition).

Diluindo a personalidade marcada de Future Nostalgia com a identidade de Dua em seu primeiro disco, o álbum não é um experiência musical como foi com o lançamento do ano passado, até mesmo por ter pouca novidade. O que vemos é a exploração de algumas nuances, como algo mais dark que vem de Love Again em That Kind Of Woman, que destaca as influências de Madonna na música de Dua, e Prisioner, a colaboração de Dua Lipa com Miley Cyrus que também compõe Plastic Hearts, o último álbum da artista. Ela também aproveita as brincadeiras no tempo para retroceder um pouco mais até chegar nos 60’s com We’re Good e Not My Problem.

Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais a identidade disco de Dua Lipa, The Moonlight Edition inicia um avanço para trabalhos futuros mais contemporâneos com um o reggaeton Un Día (One Day) e o dance de If It Ain’t Me, que podem brigar um pouco com o resto do disco. Refrescando a música de Dua ao lado da estrela pop belga Angèle, Fever é uma faixa que já poderia servir como single para uma próxima era, mas ao inseri-la junto desse material, a nossa viajante do tempo parece guardar outras coisas para o futuro. Já tendo explorado tudo o que pôde da safra de Future Nostalgia, esperamos que ele não seja mais tão nostálgico assim. – Raquel Dutra

Sia – Music (Songs From and Inspired By The Motion Picture) 

Em casos comuns, mesmo filmes ruins podem ter partes boas. Mas Music não é um filme ruim, ele extrapola qualquer limite de gosto pessoal, boa vontade ou produto artístico. É uma atrocidade filmada, um assassinato de direitos, é um crime por existir e não ter havido qualquer tipo de impedimento na concepção e lançamento. Todo o potencial destrutivo e porco do filme de Sia é transferido para a Trilha Sonora.

A australiana canta feliz, como se estivesse fazendo algo bom liberado ao mundo esse arroto atroz que dá vida ao pior filme de 2021. É ridículo, é asqueroso e combina com primazia com a imagem que Sia ajudou a criar nos últimos anos. Irresponsável, uma imundice sem tamanhos. Nada se salva e, por conta disso, não haverá clipe anexado ao texto. Music é desumano e deve ser tratado como tal.  – Vitor Evangelista

The Pretty Reckless – Death By Rock And Roll

Quase cinco anos após o blues de Who You Selling For (2016), Taylor Momsen e os outros membros do The Pretty Reckless voltam às raízes com Death By Rock And Roll, seu quarto álbum de estúdio. Inspirado por um período de auto reflexão após tragédias como o suicídio do vocalista Chris Cornell, da banda Soundgarden, depois de um show que eles abriam em Detroit e a morte inesperada do produtor da banda, Kato Khandwala, o disco vem carregado de alegorias nada sutis sobre a efemeridade da fama e da morte dos ícones do rock.

Musicalmente, ele não agrega muito à discografia da banda, oferecendo poucas notas originais ou surpreendentes, mas mesmo assim entrega o que os fãs de longa data já esperam: vocais e melodias épicas feitos para serem sentidos ao vivo. A energia que Momsen e o resto dos músicos carregam continua excelente, mas parece faltar algo que separe o novo disco de seus trabalhos anteriores, por mais energizantes que as músicas sejam.

O destaque vai para faixas como 25, em que Momsen canta sobre sua trajetória na música e na vida, e And So It Went, colaboração com o lendário Tom Morello, do Rage Against the Machine, e que parece visada em confrontar a autoridade e o status quo. É um disco recheado de letras simples e honestas, mas que não parecem realmente revelar algo de novo sobre a banda. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Gal Costa – Nenhuma Dor 

Uma das vozes mais potentes do Brasil comemorou seu aniversário de 75 anos de idade e 55 de carreira. Referência nacional e internacional, Gal influenciou músicos de sua época e continua inspirando a nova geração. O reluzente brilhantismo da cantora faz com que nomes como Rodrigo Amarante, Criolo, Rubel, Tim Bernardes, o uruguaio Jorge Drexler e o português António Zambujo se espelhem nela para cantar e compor. Em uma homenagem mútua, Gal convidou vozes masculinas para gravarem ao seu lado grandes clássicos de sua discografia. 

O projeto, que recebeu o nome de Nenhuma Dor, vem para curar o mal estar que perpetua em tempos de isolamento. Recheado de músicas de Caetano Veloso, compositor mais interpretado pela mãe de todas as vozes, o álbum contou com a presença de Zeca Veloso, filho do cantor. Foi ele que de maneira intimista, deu vida a canção que batiza o disco. Em cada faixa, Gal reafirma sua grandiosidade, dando a liberdade de cada qual criar seu próprio arranjo, transformou canções imortais, como Baby e Juventude Transviada, em regravações inesquecíveis. – Ana Júlia Trevisan

Black Country, New Road – For the first time

O grupo Black Country, New Road vive abraçado num invólucro de mistério. Dessa vez, eles lançaram seu primeiro registro de estúdio, intitulado For the first time. São mais de 40 minutos divididos sabiamente em seis longas canções espetaculares. Os instrumentos dominam a essência de rock e punk que a banda imprime nas extensas composições dos 7 jovens que formam o BC,NR, todos com menos de vinte e dois anos.

De fato, o vocalista Isaac Wood passa um bom tempo em silêncio, absorvido pela atmosfera de saxofones e violinos. A abertura com Instrumental aclima quem ouve, e os quase dez minutos de Sunglasses (agora com pinceladas da voz rouca de Wood) oscilam no medo, na angústia e na súplica dos londrinos.

O trabalho se inspira em tudo um pouco: desde ritmos judaicos até Arlindo Cruz. É como ouvir uma interpretação punk da Biblía Sagrada, com pitadas de pop americano e muitas referências da Geração Z. Para o futuro, aguardemos mais do material precioso que sai da mente do Black Country, para agora, For the first time ainda tem muito a dizer. – Vitor Evangelista

Ariana Grande – positions (deluxe)

As plataformas de streaming transformaram o jeito que se lança música – a rapidez de se consumir conteúdo abrevia grandes eras, e também faz com que as gravadoras tenham que se desdobrar para estender campanhas promocionais de um álbum. Um dos jeitos de contornar esse problema e tornar uma era mais memorável é se render a relançamentos, o que foi o caso de Ariana Grande com o positions (deluxe).  Com cinco novas canções, o relançamento não surpreende, mas é uma ótima manobra publicitária.

Escutar a versão deluxe é uma experiência frustrante. Claro que a produção musical deve se adaptar a novas formas de consumo, mas lançar músicas tão curtas parece mais uma tentativa de lucrar com uma junção duvidosa de descartes. test drive mal engata e já vai embora com seus humildes dois minutos de duração; main thing parece uma versão menos interessante de pov e someone like u (interlude) tenta ser tudo que Pete Davidson foi no passado. O destaque do álbum é de worst behaviour, que traz o sensual R&B dos anos 90 à tona e é uma suave amostra do que Ariana pode atingir como artista. A artista que, nos últimos tempos, ela parece não tentar ser. – Laís David

Ex:Re – Ex:Re with 12 Ensemble

Ex:Re, o projeto solo de Elena Tonra, vocalista da banda britânica Daughter, ganhou uma regravação com novos arranjos da compositora Josephine Stephenson tocados pela orquestra de cordas 12 Ensemble. O álbum captura a colaboração dos artistas gravada em 2019 no espaço musical Kings Place.

Os novos arranjos ajudam a alterar quase completamente a composição musical de Ex:Re, transformando um som que já era sofisticado em algo mais próximo do etéreo. Canções como Crushing e The Dazzler se beneficiam bastante da nova abordagem, elevando o ritmo e criando um senso de urgência que não existia no original. No entanto, Elena e o resto dos músicos sabem exatamente quando desacelerar para que o impacto das músicas caia no ouvinte, como na excepcional e devastadora Romance, que permanece uma das melhores do disco.

É uma regravação notavelmente bem feita, mantendo todo o espírito do original e ao mesmo tempo fornecendo uma nova perspectiva sobre cada faixa. Essa não é a versão definitiva de Ex:Re, porque nunca vai existir algo assim. Essa versão existe apenas no momento em que cada música é tocada e ouvida, seja no álbum original, no novo ou numa apresentação ao vivo. Se tem uma coisa que Ex:Re with 12 Ensemble deixa abundantemente claro, é a capacidade que cada faixa tem de se conectar com quem a ouve. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Weather Station – Ignorance 

Um minuto se passa antes da voz de Tamara Lindeman rasgar a atmosfera vibrante e arisca de Robber, a faixa que abre o mais recente registro de estúdio da canadense. O que sucede Ignorance é um conjunto de batidas hipnóticas que permeiam a vibe folk do The Weather Station, projeto que surgiu anos atrás experimentando o alternativo em tons terrorosos. 

Agora, quase 10 anos depois do lançamento do debut All of It Was Mine, a atriz e cantora de Toronto brinca com sua composição literal e profundamente ligada ao interior da tristeza, dessa vez batendo na tecla das mudanças climáticas. É o encontro do folk com o rock, com singelos respiros pops (Separated cria essa ponte com facilidade). 

A capa do disco fotografa uma Lindeman acuada no matagal, iluminada apenas por um único foco de luz. Essa luz, ela prova nos quarenta minutos do CD, é sua fonte de desejos para criar algo único e sincero como Ignorance. – Vitor Evangelista

Pale Waves – Who Am I?

O segundo álbum de estúdio da banda inglesa Pale Waves, intitulado Who Am I?, chega no embalo de seu antecessor, My Mind Makes Noises (2018), com a vocalista Heather Baron-Gracie cantando sobre relacionamentos fadados ao fracasso e sentimentos não correspondidos. Mas, contrariando as expectativas, não demora muito para que a banda se liberte do passado e passe a cantar sobre um tipo de amor mais corajoso, arriscado e, apesar de tudo, acolhedor.

É um álbum sobre excluídos feito por excluídos, o que fica evidente em faixas como Tomorrow e You Don’t Owe Me: “Porque eu vou ser o que eu escolher/E o que te faz pensar/Que você tem o direito de dizer?/Então é melhor sair do meu caminho”. Mas também é sobre paixão e comunidade, como na maravilhosa She’s My Religion, onde Heather explora seu próprio relacionamento como se fosse uma atriz coadjuvante, fornecendo suporte e carinho em face aos demônios alheios. É um disco de letras honestas e vulneráveis sobre sentimentos universais.

O som da banda também se expande, ampliando seu indie pop com algumas canções acústicas e homenagens bem colocadas ao pop dos anos 2000, acompanhando bem o ritmo das narrativas, mas que ainda retém a identidade musical desenvolvida nos álbuns e EPs anteriores. Enquanto em seu primeiro trabalho Pale Waves ansiava por aceitação, em Who Am I? eles parecem ter entendido que se o amor é capaz de nos salvar, nós primeiro temos de entender que merecemos ser salvos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Chloe x Halle – Ungodly Hour (Chrome Edition)

Estamos vivendo a era dos relançamentos, e chegou a hora do maior trabalho em pop/R&B de 2020 ganhar a Chrome Edition. A hora ímpia, claramente longe de acabar, foi turbinada com duas novas canções e um clipe estiloso de Ungodly Hour que, depois de render apresentações estupendas, demorou a ganhar um vídeo próprio.

As princesas Chloe e Halle Bailey ainda derramaram o conceito cromado na capa de Ungodly Hour (Chrome Edition), revitalizando o propósito original de anjos e já entregando a visão madura das irmãs. Hazy, a primeira adição do Deluxe, fez valer seu papel de descarte na versão Standard, mas não diminui o impacto artístico das cantoras, enquanto 80/20 cai na armadilha da curtíssima duração. Não há muito a ser dito de inédito sobre o material, fora a parte visual que (como virou costume do duo) é impecável. – Vitor Evangelista

C. Tangana – El Madrileño

O terceiro disco de C. Tangana, artista espanhol que nasceu no rap em 2006, é tudo. Experimental, pop, plural, livre, transgressivo e divertido, El Madrileño é um exagero de elementos e um exagero de bom. Entre gêneros regionais, misturas do épico com o eletrônico, muita referência da música brasileira e uma videografia grandiosa, o álbum fascina pela habilidade que seu criador tem para traçar qualquer caminho que desejar com a sua música. Para isso, ele conta com a ajuda de muita gente, e o ouvinte pode até se assustar com o tanto de nome que tem na tracklist composta por 14 faixas, das quais apenas duas são solo.

Quando sozinho, C. Tangana interpreta canções mais urbanas que revelam sua raiz do rap e influências do funk brasileiro como em Nunca Estoy, balada romântica que ainda surpreende e experimenta. Quando acompanhado, ele chega ao ápice com as pitadas de flamenco de Tu Me Dejaste De Querer, o evento teatral Un Veneno e com o violão de Toquinho – cantando obscenidades em espanhol –  amarrado às modulações de voz, beats e samples de funk em Comerte Entera. Não satisfeito, C. Tangana traz o maestro Jorge Drexler para a enérgica Nominao e brinca até com o tempo na moderna e sentimental Cuando Olvidaré junto do falecido cantor espanhol Pepe Blanco que, imerso na aura épica e de suspense da canção, declara a paixão que sente pela sua cultura e pela música de seu povo.

Um álbum demais tem destaques demais, brilha demais e impressiona demais. A abertura Demasiadas Mujeres é um encontro de gêneros, Muriendo de Envidia explode regionalidade, Ingovernable é o new flamenco perfeito e CAMBIA! dá vontade de viver. Ao finalizar o trabalho com Hong Kong, C. Tangana desvia para o rock e confirma pra quem, depois das 15 faixas, ainda tinha dúvidas quanto às suas ambições, deixando bem claro que não vive para respeitar nenhum limite, mas sim quebrá-los. Tudo é harmônico, coeso e surpreendente e a mistura doida do álbum – que já é um dos destaques do ano – não tem nada de improvisação. A música de El Madrileño é gloriosa e só ouvindo pra entender o motivo da aclamação. – Raquel Dutra

Vários Artistas – Nomadland (Original Motion Picture Soundtrack)

Marcando presença na temporada de premiações, Nomadland já pode ser considerado um dos melhores filmes do ano. Sua trilha sonora calma complementa perfeitamente o que vemos na tela, as angústias da solidão e da liberdade envoltas pela natureza. O longa permite uma imersão total não apenas nos sentimentos de Fern, vivida pela brilhante Frances McDormand, mas também nos instrumentais que enriquecem as cenas sensíveis propostas pela diretora Chloé Zhao.

Ólafur Arnalds, Federico Mecozzi e, principalmente, Ludovico Einaudi são alguns dos nomes que compõem melodias suaves que dão o ritmo melancólico que percorre a trama. E, apesar de não ser elegível para um Oscar de Melhor Trilha Sonora Original, a história por trás da escolha das músicas de Einaudi para Nomadland impressionam pela semelhança com a narrativa da protagonista. Sendo retiradas de trabalhos anteriores do artista, com foco para o álbum Seven Days Walking (2019), onde o cantor obteve inspiração a partir das emoções oriundas de uma caminhada pelos Alpes Italianos.

Percorrendo o país com uma van, a personagem encontra cenários impressionantes, com algumas paisagens únicas e até um nascer/pôr-do-sol aqui e ali. Ambas as primeiras faixas da trilha, Oltremare e Day One: Golden Butterflies, além de mais longas se destacam pela serenidade que acompanha toda a produção. Assim, fica claro como a beleza do aspecto visual encaixa com a trilha sonora de Nomadland, pois como dito pela diretora, ela foi formada justamente por músicas inspiradas pela natureza. – Isabella Siqueira

Claud – Super Monster

No susto, Claud ganha nossa atenção por conta de seu álbum de estreia, Super Monster, ser o primeiro lançamento da Saddest Factory, recém-nascida gravadora de Phoebe Bridgers. A música de Claud cai, como a maioria das jovens estrelas em ascensão, no campo do bedroom pop. O que no passado era sinônimo de simplicidade, agora cresce em gênero e grau. O dedo de Bridgers no trabalho de Claud é o toque de Midas que a alma de 21 anos, cheia de frustração acumulada, precisava para libertar seu eu lírico tão cheio de confiança. 

Gold é o carro-chefe do registro. A faixa rebola em um arranjo eficaz, e a letra é repleta de rimas deliciosas de cantarolar. Soft Spot suaviza o impacto do amor adolescente e Jordan ecoa além dos três minutos e quarenta de duração. Mais do que uma promessa, a geração de Claud, Isaac Dunbar e tantos outros artistas queer agora passou a ser sinônimo do presente da música. Amplificada, multifacetada e com espaço para todas as minorias antes silenciadas. – Vitor Evangelista 

The Weeknd – The Highlights

Como se a peça final de um grande quebra-cabeça universal fosse enfim colocada, The Weeknd, uma das maiores vozes da indústria da música atual, lançou um compilado dos grandes sucessos da sua carreira. O disco foi disponibilizado em 5 de fevereiro, dois dias antes da performance de tirar o chapéu do cantor no intervalo do Super Bowl. A coletânea conta com 18 hits que flutuam entre suas músicas mais icônicas, tocadas sagradamente nas rádios de todo o mundo, e seus feats mais famosos – o canadense escolheu incluir Ariana Grande, Kendrick Lamar e o recém-separado Daft Punk na sua lista.

Escutar The Highlights é fazer uma viagem pela mente genial do cantor, que possui mais de 67 milhões de streams mensais no Spotify, e dar de cara com todos os ritmos e sutilezas que Abel nos entregou em seus 10 anos de história. Enquanto não conseguimos nos cansar de Blinding Lights, ele nos relembra de Can’t Feel My Face para provar o poder irresistível que é capaz de criar. Quando achamos que já superamos The Hills, ela vem acompanhada de Pray For Me e joga a última pá de terra na cova do nosso coraçãozinho que não aguentou tamanho baque.

E é claro que o globo responderia ao presente: The Highlights foi o disco mais reproduzido na história do Spotify em seu dia de estreia. The Weeknd prova, dia após dia, que merece sua popularidade arrebatadora – que venham mais álbuns! – Caroline Campos

Andra Day – The United States vs. Billie Holiday (Music From The Motion Picture)

Lançado em 26 de fevereiro pela Hulu, o filme Estados Unidos Vs Billie Holiday conta com uma trilha sonora impecável para o conjunto da obra. A protagonista é interpretada pela vencedora do Globo de Ouro, Andra Day, que, brilhantemente, encaixa sua voz aos arranjos feitos para homenagear Billie Holiday, uma das maiores ícones do jazz.

Andra realiza um profundo mergulho nos versos cantados. Strange Fruit, uma das músicas mais fortes do filme e da carreira de Billie, é interpretada de forma impactante, transpassando todo contexto de medo, agonia e revolta presentes na cena. All of Me também tem seu destaque a capella, mostrando que o vocal da cantora independe dos instrumentos mas que, em cima do palco, o universo se transforma em pura canção. Solitude traz uma performance com tamanha destreza que a escolha de Andra Day para o papel se prova formidável.

Day ainda prova que não usou apenas técnica para ser intérprete, seu talento ímpar guia o tom da apresentação de maneira impecável, seguindo as emoções da personagem. Prova disso é a marcante Tigress & Tweed que foi composta especialmente para o filme. Inspirada em Strange Fruit, a música que concorreu ao Globo de Ouro de Melhor Canção Original, mas injustamente está fora da categoria do Oscar, deixa a mensagem de que temos poder para fazer as coisas seguirem em frente.  – Ana Júlia Trevisan

Cassandra Jenkins – An Overview on Phenomenal Nature

Um mergulho no mar de manhã. Ou molhar os pés num rio gelado. Na verdade, qualquer sensação ligada à pureza da água serve de comparativo à An Overview on Phenomenal Nature. O segundo CD de Cassandra Jenkins toca notas semelhantes ao trabalho do The Weather Station em Ignorance (também presente nesta lista). O que se torna fator comum é a permanência do estado de tristeza e seu caráter metamórfico. Não estamos mais tristes: a partir de agora, nós somos tristes. 

A atmosfera do disco cura pelo cintilar, mas agride pela dor de Jenkins cantando letras cruas e sem filtros. New Bikini veste o oceano como remédio, Hard Drive martela constatações futuras (e lembra o terceiro disco do The 1975) e Michelangelo desenrola o limbo que a nova-iorquina escolhe como farol. A etérea capa de An Overview on Phenomenal Nature nos dá o spoiler do conteúdo aniquilador que se prosseguirá por 7 faixas em trinta e um minutos. – Vitor Evangelista

EPs

Taylor Swift – the “ladies lunching” chapter

Nada que Taylor Swift lance jamais poderá ser chamado de desperdício, porque ela faz com que estejamos sempre buscando por mais. Do compilado de músicas de folklore e evermore nasce o mais novo EP da cantora intitulado the “ladies lunching” chapter. E sim, ele não traz absolutamente nada novo, mas do mesmo jeito permite que nos deleitemos com sua perfeição ao reunir todas as mulheres que protagonizaram as histórias de Swift no decorrer de 2020.

Na coletânea acompanhamos cada uma das narrativas e perspectivas femininas, trazidas em seus dois últimos lançamentos, sem pretensão alguma de inovar. Como um chá da tarde inglês, é fácil imaginar Dorothea, Betty, Augustine, Marjorie, Este e Taylor sentadas em volta de uma mesa debatendo sobre amigos que se separaram e amigos que se casaram. Imersivo e aconchegante, o protagonismo feminino se torna implacavelmente significativo ao que a cantora traz ainda mais luz para as essas tramas entrelaçadas e tecidas por ela. – Ana Laura Ferreira

Wallows – Remote (Deluxe)

Depois do coming of age musical Nothing Happens, o primeiro álbum do Wallows, a banda norte-americana retorna com o EP Remote, que recentemente ganhou uma versão Deluxe com cinco faixas, sendo três inéditas. No novo trabalho, que foi concebido e lançado na pandemia, Cole Preston, Braeden Lemasters e Dylan Minnette se recusam a deixar o isolamento impedi-los e continuam cantando suas composições identificáveis à juventude, que escuta sobre seus desafios românticos, anseios e inseguranças nas vozes moduladas do trio.

Resilientes aos desafios do distanciamento, membros discutiram a criação do EP via Zoom e testaram possibilidades ao gravarem remotamente, separadamente e em aplicativos de celular. Com os efeitos eletrônicos divertidos, como no primeiro single Virtual Aerobics e na inserção ao final de Talk Like That; as guitarras grunge distorcidas, como nas animadas Nobody Gets Me (Like You) e Dig What You Dug; e as batidas sintéticas, como nas reflexivas Wish Me Luck e Quarterback, o trio experimenta sonoridades. 

Mesmo sem se consagrar como o melhor trabalho da banda, o EP Remote (Deluxe) mostra que a Wallows não tem medo de explorar e sair da ‘caixinha’ de um só gênero. Combinando letras sobre temas comuns, mas que não soam repetitivas, a melodias indie pop, a banda cria uma identidade, tanto sonora quanto visual, que torna qualquer trabalho divertido de se escutar – ou assistir. A expectativa para o que virá no segundo álbum só aumenta. –  Vitória Lopes Gomez

Diomedes Chinaski – A Vida Ainda Pode Ser Bela

O aprendiz trouxe seu novo trabalho como um reflexo de sua nova fase. “A vida ainda pode ser bela se eu fizer dinheiro” é o verso que sustenta o EP, com um misto de pedido de socorro, frustração e desabafo. Após um período conturbado, Diomedes afirma que está mais próximo de sua família, com a vida mais tranquila e conseguiu entender que A Vida Ainda Pode Ser Bela.

Apesar de ser uma produção de 20 minutos, temos uma grande variedade de assuntos e mudança de ritmo nas faixas. Poucas participações, mantendo o protagonismo em Chinaski e nos permitindo apreciar cada letra. Uma mixtape cirúrgica e que cria uma expectativa muito boa para os próximos lançamentos do artista. O processo de amadurecimento de Diomedes é nítido e promissor, essa facilidade em ser versátil é o que o torna um bruxo lendário. – Elder John

Callista Clark – Real To Me

Com apenas 17 anos, Callista Clark lança seu primeiro EP, Real To Me. Trabalhando com Scooter Braun, a cantora segue um estilo parecido com início da carreira de Taylor Swift, composto por músicas country com letras verdadeiras e emotivas, mas também divertidas. Sua voz forte e vocais potentes também lembram os primeiros anos da loirinha.

O primeiro track do EP, It ‘s Cause I Am, é o que carrega a energia mais animada. Com uma letra sobre confiança e singularidade, Callista diz que não é e nunca será uma garota simples. A batida acompanha o tom da composição ao contar com uma produção agitada e vibrante.  A música é um contraste com a melancolia presente em Heartbreak Song, Don’t Need it Anymore e Real To Me.

E dentre as 5 faixas, a terceira, que foi a escolhida para nomear o EP, é um resumo de tudo que a obra retrata. A letra é um desabafo da cantora que diz que apesar de ser nova e saber que muito ainda há por vir, tudo que ela sente é real para ela. O lyric video retrata perfeitamente esse conceito ao parecer que ela está escrevendo em um diário, que resolveu ler em voz alta para o mundo. – Mariana Chagas

AURORA – MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE

Após o sucesso do seu último single, Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção, a cantora norueguesa AURORA embarca agora em um novo projeto que traz ao seu público compilados de suas músicas em EPs temáticos organizados pela compositora. Segundo o que a cantora declarou em live, essas coleções representam o vínculo que há entre suas faixas, são como músicas irmãs de álbuns distintos, mas que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O primeiro EP lançada foi MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE, que AURORA descreve como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. Reunindo seis músicas dos seus três álbuns já emplacados, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), a artista mostra a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando do significado que cada música tem para si e despertando a nossa conexão com suas obras. – Gabriel Brito de Souza

Isaac Dunbar – evil twin 

Isaac Dunbar é um artista muito singular. Suas letras recorrem aos clichês, mas todo o tratamento além das composições colocam o jovem de 18 anos num patamar específico. O bedroom pop do cantor do Massachussets só cresce desde que surgiu, em 2018. Dunbar integrou a trilha sonora de Love, Victor, lançou alguns EPs e chegou em 2021 gritando evil twin para todos os interessados em ouvir música boa.

pink party surpreende pelos vocais distorcidos e pela sensação de escutar a sonoplastia de um filme de terror envelopado na aura adolescente queer característica do artista. O material é curtíssimo, mas as 7 canções pedem morada no Repeat. Isaac não tem dificuldade de imprimir detalhes nas batidas chicletes: rendezvous é uma delícia por não saciar de cara a sede de quem ouve, e kissy kissy faz o rolê do primeiro crush ainda soar interessante. Ele cria instigantes ganchos sonoros e suas rimas se seguram pela familiaridade dos sentimentos.

intimate moments é o destaque de evil twin. “Eu tenho medo de momentos íntimos, se você está por perto, por que estou triste?”, ele lamenta. Sua música é o cume de emoções brutas cantadas por um jovem queer que se sente confiante o suficiente para fazer isso. Não há espaço para medo de experimentar e ousar, quando o assunto é Isaac Dunbar, a barra de expectativas e nível de entrega não param de subir. – Vitor Evangelista

Amy Winehouse – I Told You I Was Trouble: Live In London

No doloroso ano que completa uma década da partida de uma das maiores e mais inconfundíveis vozes do planeta, chega ao Spotify o áudio da gravação de I Told You I Was Trouble: Live in London. Lançado em 2007, após Amy Winehouse verdadeiramente brilhar no Grammy de 2006, o show é um dos mais vivos no consciente coletivo daqueles que conhecem o trabalho da cantora. A versão em DVD ainda traz um documentário sobre a vida, a carreira e turnê na Europa e Estados Unidos.

O setlist reúne os grandes clássicos do irretocável repertório de Amy Winehouse. Produzido ao vivo, é um selo de qualidade na potência vocal da sublime cantora que é ovacionada durante o espetáculo. As músicas de seu maior álbum – Back to Black – se fundem aos hits de Frank, seu disco de estreia. A canção homônima ao CD de 2006 é um dos pontos mais fantásticos da gravação, Amy canta Back to Black com tamanha facilidade que parece apenas estar brincando com a composição. Não é atoa que sua interpretação é imortal. – Ana Júlia Trevisan

Músicas

Jessie Ware – Remember Where You Are – Single Edit 

A lista de coisas boas de 2020 é quase ínfima, mas no topo está o precioso What’s Your Pleasure?, quarto álbum de estúdio de Jessie Ware. O sucesso de seu disco e a grandiosa coerência do repertório nos deixa ansiosos pela versão Deluxe que está por vir. Para retornar o disco às paradas de sucesso, a cantora lançou o single, após o alvará de Barack Obama, de um dos maiores hinos, Remember Where You Are, que encerrou o trabalho com chave de ouro.

Com a encantadora apresentação no The Graham North Show, Jessie Ware serviu arranjos vocais luxuosos, com backing vocals envolvidos a fundo à performance e sentimentos da cantora. Sentimentos esses de esperança que sempre ressoam ao ouvir a familiar Remember Where You Are. Jessie também revelou sua terceira gravidez, exibindo a gestação durante o show, dando um visual ainda mais belo e intimista para o lançamento do single, que também ganhou um short film onde a atriz caminha, visivelmente emocionada, pelas iluminadas ruas da cidade. Além de esperança, o clipe também tem gosto de recomeço. – Ana Júlia Trevisan

Jão – Coringa

Se no clipe de Vou morrer sozinho um Jão-zumbi invade um casamento para tacar o terror, em Coringa seu alvo é uma festa de pessoas ricas. Com uma dupla de cúmplices, Jão vive uma aventura tão perigosa quanto se apaixonar. A música é uma mensagem para o seu amor coringa, confessando que o crime só compensa se tiver a companhia daquela pessoa.

A letra viciante sobre relacionamentos é marca registrada do cantor, e ele parece ter decidido seguir esse mesmo estilo em sua nova era. Assim como várias outras músicas de Lobos e Anti-herói, Coringa é uma faixa contente sobre uma situação nem tão contente assim. No final do clipe, Jão é traído por um de seus parceiros e acaba machucado. A visão dele jogado no chão, sangrando, é uma ótima alusão a como ele pode ficar quando perder essa paixão. Seja como for, o cantor parece estar sempre disposto a correr os riscos de se relacionar, se pelo menos no final isso render conteúdo para suas ótimas músicas. – Mariana Chagas

Sam Fisher e Demi Lovato – What Other People Say

Entregar-se de corpo e alma é algo que Demi Lovato sempre alimentou em suas performances. É inegável notar que seu poderoso alcance vocal combinado com notas ritmadas geram uma melodia marcante. Depois de muitos anos conturbados, a cantora renasce como uma fênix e mostra seu maravilhoso potencial em uma nova era. 

Cada vez mais, ela aposta suas fichas em oferecer canções que transmitem seus próprios sentimentos e experiências. Foi o caso de I Love Me e Ok Not To Be Ok, sendo essa última lançada no Dia de Prevenção ao Suicídio. What Other People Say segue a mesma linha, porém une piano, violão e a percussão de uma maneira totalmente diferente. Uma batida enérgica e amarga aperta o coração quando se apoia nos versos, especialmente os mais íntimos de Demi (creditada na composição), como “Eu não iria desistir, não iria fazer parte/Das mesmas velhas drogas que todo mundo usa”. 

O lyric video é a forma mais bonita de traduzir o duo com Sam Fisher. Baseando-se num jogo de cara-a-cara, várias personalidades dos dois compõem os tabuleiros. Com o passar dos minutos, as teclas se abaixam e evidenciam a única que realmente importa. Ambos não querem ser reduzidos a um conceito (“mandão”, sozinho, encantador, confiante), mas sim ser o compilado de particularidades que os tornam únicos. Pode até ser clichê, mas se Demi caminhar com esse pensamento, é fato que ela encontre seu verdadeiro ‘this is me’. – Júlia Paes de Arruda

Surf Mesa e Madison Beer – Carried Away

Dentre as tantas músicas de amor escritas, Carried Away consegue, de forma magnífica, nos passar o sentimento de estar apaixonado, mostrando o lado positivo e a leveza do sentimento. Escrita por DJ Surf Mesa, conhecido por sua música ILY (cover e remix de Can’t Take My Eyes Of You) a canção é cantada por Madison Beer, dona do hit Selfish, que foi viral no TikTok no ano de 2020.

Começando com uma batida suave, a voz de Madison é o que prende o ouvinte nos primeiros segundos da faixa. É no refrão que o ritmo se intensifica e a música se torna mais animada, tornando difícil ficar parado. Já a letra descreve lindamente o sentimento de amar alguém, e ser carregado por essa paixão. Na canção, Madison conta que vê o amor como um fogo, uma cura e uma luz. Apaixonado ou não, o ouvinte se encontra amando também.

No meio de todos os fatores que fazem um feat funcionar, a harmonia entre os participantes é um dos pontos mais importantes, se não o principal. E é com a combinação perfeita da voz de Madison Beer com o trabalho do DJ Surf Mesa que Carried Away virou uma canção tão mágica, que faz o ouvinte se sentir carregado pela música.  -Mariana Chagas

Trixie Mattel – Blister in the Sun 

Na mesma semana em que se tornou uma das donas do This Is It!, o bar gay mais velho de Wisconsin, a super estrela Trixie Mattel lançou o cover de Blister in the Sun. A canção é original da banda Violent Femmes, cria de Milwaukee, terra natal da drag queen. A faixa cai como uma luva na vibe country despojada de Mattel, e funciona tanto como renovação quanto homenagem.

Em tempos de pandemia e estabelecimentos fechados, a vencedora por direito do All Stars 3 salvou o This Is It! de sua iminente ruína e decidiu comemorar usando vestido branco com quadrados pretos no vídeo de Blister in the Sun. É cool, é camp e é a cara do legado de Trixie, uma artista interessada nas causas em que lucra e consciente de seu papel como alguém com privilégios. Quer heroína melhor que essa? – Vitor Evangelista

Taylor Swift – Love Story (Taylor’s Version)

A maior treta do mundo pop nos últimos anos parece estar chegando ao fim. Conforme informou Taylor Swift em julho de 2020, depois da implosão de toda confusão envolvendo seu catálogo musical em novembro de 2019, ela, junto à sua nova gravadora, decidiram por regravar seus antigos trabalhos, de forma que as gravações antigas, cujos direitos não pertecem à ela, se tornassem obsoletas. No dia 12 de janeiro, conhecemos o primeiro material regravado, o lead single de Fearless, seu segundo álbum originalmente lançado em novembro de 2008, Love Story (Taylor’s Version). 

Com o terreno muito bem preparado pela estética de seus últimos álbuns, folklore e evermore – e o primeiro na corrida das principais categorias do Grammy 2021 -, a veterana da indústria musical sabia que não tinha momento melhor para iniciar seu projeto de regravações. O contexto atual, inclusive, parece ter sido muito bem utilizado por Swift na concepção da nova versão da canção. Cercada pela energia pesada da confusão que a envolveu nos últimos anos, a aura juvenil do amor inocente e shakespeariana agora se revela nostálgica e folclórica – risos -, que tem seu caráter de história ainda mais demarcado, especialmente pelo lyric video que retoma algumas memórias do início da carreira de Taylor e pelo estilo narrativo que a artista empregou nas composições dos últimos discos. 

Sonoramente, quase nada mudou. A voz de Taylor soa, obviamente, mais madura, mas é tão suave ao ponto de sequer alterar o tom da música. Os arranjos suaves do country também permanecem presentes, fiéis à proposta de Taylor com as regravações: fazer com que ela e os fãs pudessem ouvir as músicas sem que os lucros por isso fossem destinados à quem ela denominou como seu “maior inimigo dentro da indústria”. Entretanto, a atitude determinada de Swift em se recusar a entregar de vez seu legado musical torna a experiência da nova canção completamente diferente – e jamais negativa -, já que é interpretada por uma artista que tem a completa certeza de que as coisas não são da forma como ela imaginou que seriam 13 anos atrás. – Raquel Dutra

Luna França e Tiê – Terapia

Desde que lançou o single Minha Cabeça em novembro de 2020, a tecladista, compositora e produtora Luna França está abrindo seu caminho à frente das canções – sem deixar de lado os bastidores, claro. Enquanto termina a produção de seu álbum de estreia, com a parceria de André Whoong do Estúdio Rosa Flamingo,  ela leva ao público essas músicas como chamariz para sua carreira de cantora. Em fevereiro de 2021, o single Terapia, com a participação da já conhecida Tiê, integra a coleção de grandes apostas da Nova MPB.

A poesia da canção é mais um seguidor do movimento musical indie-mental health, que explora a saúde mental dentro de versos que segundo a própria cantora, foram escritos como num diário: “Só de escrever esta música, já me sinto bem melhor. Como é bom fazer canção e ao mesmo tempo… terapia”. De fato, as confissões escolhidas por Luna França são aqueles segredos que morrem no divã, que ela mesma diz ter vergonha de falar. Não é fácil admitir que não queremos ver um ex-amor mais feliz que nós, mas a compositora expõe essa sensação contraditória. 

A tal melancolia que faz parte da letra e do ritmo, torna a música favorável para ser ouvida repetidamente. No entanto, as palavras não são impactantes ao ponto de a canção ficar gravada em sua mente, mesmo após ouvir em looping. De qualquer forma, a experiência como produtora fica evidente: o arranjo instrumental e a harmonização de Terapia são impecáveis, assim como a participação vocal de Tiê, que contrasta muito bem com o timbre de Luna França. Devemos manter os olhos bem abertos, porque uma possível voz marcante está chegando na música brasileira. – Carol Dalla Vecchia

Conan Gray – Overdrive

Quase um ano após o lançamento do seu debut, Kid Krow, Conan Gray surpreende seus fãs com seu novo single, Overdrive. Completamente diferente do seu último hit, Heather, a faixa conta com uma letra contagiante e viciante sobre aproveitar a noite. Enquanto em sua era anterior Conan parecia estar constantemente lutando contra problemas e amores do passado, em Overdrive o cantor pareceu deixar de lado todas as suas preocupações. 

O ritmo da música segue o mesmo estilo animado de Maniac e Wish You Were Sober, com uma produção que, como as outras faixas, vai agitar quem estiver ouvindo. É aquele pop perfeito para quem gosta de cantar no carro, no volume máximo. O artista ainda não deu nenhum indício de que Overdrive seja o single de algum álbum ou projeto futuro, mas, se for, o fandom já aguarda ansiosamente. 

Em live, Conan comentou que a inspiração na hora de escrever foi apenas tentar criar uma forma de escapismo para o momento complicado que o mundo se encontra, dessa forma tentando levar felicidade para seus fãs. Com um clipe colorido e divertido assim como a música, o cantor conseguiu alcançar seu objetivo. – Mariana Chagas

Shura – obsession

A britânica Shura lançou seu novo single, obsession, no dia 17 e aproveitou para anunciar uma versão deluxe de seu segundo álbum de estúdio, forevher (2019), prevista para ser lançada em 19 de março. A música, que é um dueto entre Shura e a cantora Rosie Lowe, fará parte da nova versão do disco, que contará ainda com novas demos e versões acústicas.

obsession se encaixa muito bem com o clima e a ambientação de forevher, com versos melódicos sobre devoção e comprometimento que ecoam os sentimentos de outras faixas do álbum: “Você não é legal só por ser legal/E eu gosto disso em você/Eu me sinto sagrada nos seus braços”. A voz de Rosie Lowe também se encaixa muito bem com a de Shura, acompanhada pela guitarrista Anna Calvi, que invoca na faixa o pop jazz característico da cantora. Junte a isso os sintetizadores e um baixo muito bem colocado, e Shura já nos dá motivos para ficarmos (novamente) obcecados. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Papatinho, Seu Jorge e Black Alien – Final de Semana

Sim, Papatinho conseguiu juntar Seu Jorge e Black Alien em mais um feat. Os dois já haviam trabalhado juntos em Meu Bem Querer, de 2018, mas nada que tivesse o encanto de Final de Semana. A música é uma mistura de rap, funk e samba. No dia de seu lançamento, o single ganhou um clipe autêntico e brasileiro.

A voz grave de Seu Jorge é misturada com a rima fluida de Black Alien, e é aí que está o poder. A canção é relaxante, mas também tem um toque de animação, o que a torna tão diferente. “Estou muito feliz de conseguir reunir dois monstros sagrados da música brasileira. O Seu Jorge tem uma das melhores vozes que conheço e o Black Alien é um letrista de primeira. ‘Final de Semana’ tem uma pegada diferente, uma vibe calma, mas também dançante, sabe?”, disse o beatmaker carioca.

Além da mistura dos ritmos, o produtor adicionou instrumentos clássicos nesse trabalho, o que deu ainda mais genuidade ao som. No final do clipe, é possível ver alguns violinistas, um baixista, pianista e violoncelista finalizando a canção. Papatinho garantiu que o single estará presente em seu primeiro álbum, intitulado Workaholic. Quando Seu Jorge canta “liguei pro Papatinho perguntando se ele tinha uma batida pra mim”, era praticamente impossível que a resposta fosse “não”. – Giovana Guarizo

Cardi B – Up

Coroada como Mulher do Ano pela Billboard, ficou claro que Cardi B dominou 2020. Depois de um ano liderando as paradas, dominando as plataformas de streaming e consolidando sua carreira como rapper, parecia difícil Cardi B conseguir replicar a sagacidade que tornou WAP um dos maiores sucessos de sua carreira. No entanto, ela consegue surpreender novamente com Up, segundo single de seu novo projeto.

Aqui, ela se distancia de uma melodia mais elaborada em busca um beat mais tradicional, e também se afasta da temática sexual de seus últimos singles para colocar seu poder, beleza e rivalidades como tema principal. A música é carregada pelo flow energizante de Cardi, que retrata acontecimentos de forma cômica e com sua presença inigualável (“Era uma vez, cara, eu escutei que eu era feia/Veio de uma vadia que o cara queria transar comigo”). Se o álbum da rapper for meramente parecido com os seus últimos singles, não há dúvida que será um dos maiores sucessos do ano. – Laís David

Noname – Rainforest

Três anos após a estreia badalada de Room 25, a rapper e ativista Noname está preparada para embarcar em um novo ciclo musical com o lançamento do música Rainforest. Ela também confirmou que seu segundo álbum, intitulado Factory Baby, será disponibilizado mais tarde esse ano, ainda sem uma data específica.

Em Rainforest, Noname continua exibindo seu talento para letras íntimas e radicais e batidas precisas e pesadas. Cada verso do single é lido com uma intensidade e uma vazão de significado que ajudam a estabelece-la como uma das melhores liricistas da atualidade, como se o seu trabalho em Room 25 não fosse prova suficiente dessas habilidades.

É um rap triste, sobre o sofrimento das comunidades periféricas, racismo e capitalismo. Ela invoca revolução com um cansaço característico daqueles que passaram a vida lutando, mas com a certeza dos que deram a vida pela causa, e é isso que torna sua música tão memorável. Rainforest se encaixa como uma luva na discografia de Noname, ecoando o seu ativismo e sua visão anticapitalista em versos sagazes e muito bem produzidos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Allie X – GLAM!

GLAM! foi um presente para os fãs. A faixa, gravada em 2013 e vazada na internet em 2015, finalmente foi lançada oficialmente em 4 de fevereiro de 2021 para comemorar o relançamento do vinil do CollXtion I, o EP debut da canadense. Assim como muitas outras unreleaseds de Allie que nunca viram a luz do dia (oficialmente), GLAM! é sinônimo da excelência da cantora como compositora e produtora.

A faixa é do jeitinho X de ser: synthpop, chiclete e extremamente contagiante. O que mais será que Allie tem escondido no seu HD que ainda não ouvimos? Fica o mistério… Mas das que já conhecemos, vamos orar para que Alexandra disponibilize Oh Chad e Tongue Tied também de forma oficial nas lojas virtuais e streamings. – Jho Brunhara

Thiaguinho e Luísa Sonza – Cansar Você

Que o Thiaguinho é do pagode o Brasil já sabe, mas e a Luisa Sonza? A cantora surpreendeu com o novo single Cansar Você, em parceria com o pagodeiro. E deu mais do que certo. A voz de ambos se conectam e trazem uma sensação gostosa ao ouvir. A primeira vez que a artista pop cantou esse gênero foi com Dilsinho em Não Vai Embora, mas dá para sentir que só dessa vez ela mergulhou de verdade no ritmo brasileiro.

O furacão Luísa Sonza já deixou claro que veio pra ficar e que gosta de desafios. Ela caiu em um ritmo completamente diferente em sua carreira e os resultados foram bons. O excepcional veterano Thiaguinho soube conduzir a cantora ao ritmo, o que resultou em uma junção musical um tanto quanto adorável. Para fazer jus à música, o clipe foi gravado com cenas da paisagem da Barra de Guaratiba, no Rio de Janeiro. Um audiovisual solar e simples, mas que dá todo o toque que a faixa precisa. 

É uma honra para qualquer artista poder cantar pagode ao lado de Thiaguinho e a dona do hit Braba soube aproveitar essa oportunidade. A voz dos dois cumpre o que promete e a música não cansa você, muito pelo contrário, foi feita para dar replay várias vezes. – Giovana Guarizo

MARINA, Pabllo Vittar e Empress Of – Man’s World (Remix)

Os últimos anos da carreira de MARINA foram questionáveis. De um suprassumo pop como o Froot até o decepcionante Love + Fear, as expectativas do público com o quinto disco da galesa não eram tão altas. Quando MARINA lançou a primeira versão de Man’s World, a sonoridade não era nada além do que esperado de seus trabalhos anteriores. Uma letra reflexiva, feminista e uma produção comum não impressionam um ouvinte fora do nicho musical de MARINA, já que é tudo que ela entrega desde o início de sua carreira.

No entanto, o remix da estadunidense Empress Of deixou Man’s World mais interessante. A música também prova o grande alcance de Pabllo como artista. Sua adição é muito bem vinda na canção e prova que a brasileira tem muito a oferecer em sua carreira internacional – sua naturalidade ao cantar em inglês e os vocais excepcionais a tornam destaque na canção. Longe de tentar demais, a música se transforma em um ótimo eletropop e eleva as expectativas do novo projeto de MARINA. – Laís David 

Rebecca Black, Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3 – Friday (Remix)

O ano é 2011, e um novo meme domina a internet: o videoclipe para a música Friday de Rebecca Black. No Tumblr, só se flodam gifs do vídeo; no Twitter só se fala como a música e o clipe são terríveis; no YouTube rapidamente pipocam paródias e o upload original se torna o recordista em dislikes. Black é, sem dúvidas, uma das maiores lendas da internet e dona de um dos mais gigantescos virais que já vimos. Mas é também vítima de uma onda avassaladora de cyberbullying e também assédios na vida real.

Hoje, a recepção negativa de Friday é uma memória distante do que a carreira artística da cantora significa. Desde então, a viciante Foolish nos fez agradecer que Black não abandonou seus sonhos de cantar, e a honesta Self Sabotage mostra que por trás daquela garota de 2011 que só queria lançar uma canção e se divertir com seus amigos sempre existiu uma grande artista.

Finalmente, no aniversário de 10 anos da música original, Friday (Remix) conclui um arco da vida de Rebecca. Produzida por Dylan Brady do duo 100 gecs e com participação de Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3, o remix hyperpop se inspira na intensidade eletrônica do selo e conta com vocais distorcidos, sintetizadores estridentes e novos versos. Com projetos do gênero propositalmente criados para soarem como um exagero da fórmula pop, hoje podemos dizer que Friday apenas estava muito a frente de seu tempo. Quem diria que Rebecca Black inventou a PC Music? – Jho Brunhara

HAIM e Taylor Swift – Gasoline 

O Women In Music Pt. III não precisava de remix nenhum. Mas, já que as HAIM tomaram a decisão de expandir o conceito do disco, que bom que o trio soube muito bem quem chamar para as colaborações e como as novas versões funcionariam. Depois de sussurrarem ao fundo de no body, no crime em dezembro, Este, Alana e Danielle convocaram Taylor Swift para cantar Gasoline. Sem a adição de novos versos ou batidas, a canção ganhou a vivacidade e o espírito resiliente da loirinha. 

Swift, intitulada a quarta irmã HAIM, entra na faixa com o timbre diferente do comum e surpreende pela versatilidade de se adaptar tão facilmente no ambiente de rock melódico da banda. Fora a parceria com Taylor, o grupo ainda regravou 3am ao lado de Thundercat. A repaginação da booty call é singela, mas a original ainda grita mais alto. O Women In Music Pt. III ganhou uma Expanded Edition com os dois novos registros, o que só serve para bagunçar as bibliotecas do Last.fm mas, quando o debate é sobre material novo das HAIM, a resposta sempre será positiva. – Vitor Evangelista

FINNEAS – American Cliché

Os irmãos O’Connell não têm tempo para descanso. Enquanto Billie Eilish lança seu primeiro documentário e trabalha no segundo álbum de estúdio, seu irmão FINNEAS também prepara o terreno para o seu próximo disco. Com o seu EP Blood Harmony lançado em 2019, e a versão Deluxe em 2020, o cantor já vem revelando novas faixas há alguns meses, como Can’t Wait To Be Dead e Where The Poison Is. 

A bola da vez é intitulada American Cliché, que teve o lançamento acompanhado por um lyric video. Com toques de jazz vibrantes, FINNEAS parece estar apostando em novos estilos, e que destoam cada vez mais do trabalho com sua irmã caçula (e que bom!). A própria capa do single remete à estética de cassinos e clubes noturnos, mas sem perder a vibe romântica e cada vez mais galanteadora do cantor. Enquanto o novo disco não chega, resta aguardar pelo videoclipe conceitual que pode resultar dessa grande fusão de elementos. – Vitória Silva

Ludmilla, Major Lazer, ÀTTØØXXÁ e Suku Ward – Pra Te Machucar

Ela não para! 2021 tem apenas três meses e nesse curto tempo Ludmilla deixou a sua marca com o álbum Numanice (Ao Vivo), que já é um clássico do pagode e uma grande conquista para sua carreira, e o hit Deixa de Onda, parceria com o DJ Dennis e o rapper Xamã. Mas a estrela do funk mostrou que vai trabalhar duro e nos presentear com ótimos lançamentos durante todo o ano. A canetada desta vez é Pra Te Machucar, produzida pelo trio Major Lazer e com a participação do grupo baiano ÀTTOOXXÁ e do artista jamaicano Suku Ward.

Lançado em 19 de fevereiro, o clipe super produzido e gravado em Itu – interior de São Paulo – traz a história de uma cantora negra sequestrada por empresários e substituída por uma artista branca em uma apresentação. Nossa heroína e xerife Ludmilla vai atrás dos vilões e liberta a mocinha que chega a tempo no show desmascarando a impostora e nocauteando os aproveitadores. Tudo isso numa estética faroeste com direito a muitos tiros e é claro, a coreografia da Lud esbanjando seu ponto forte que é a sensualidade.

A obra foi dirigida por Felipe Sassi, que já trabalhou anteriormente com Ludmilla no clipe Rainha da Favela que fez bastante sucesso no ano passado. Não contente em colecionar músicas na boca do povo, a funkeira agora quer construir uma videografia caprichosa, e está conseguindo. Pra Te Machucar acaba de se juntar no altar dos clipes viciantes ao lado de Verdinha, Rainha da Favela e Cobra Venenosa – que, apesar da qualidade questionável da música, no mudo o vídeo é bem feita, vai. – Giovanne Ramos

Nick Jonas – Spaceman

O irmão Jonas de carinha angelical e dono do coração de muitos adolescentes da época boa da Disney não existe mais. Ele foi substituído por um galã charmoso, digno de interpretar Alex em Jumanji: Bem-Vindo à Selva. Nick Jonas ainda mantém o talento inestimável que os fãs encontraram em A Little Bit Longer, umas das suas primeiras composições. Porém, o amadurecimento musical é nítido quando comparamos a carreira atual com os primórdios solo. 

Seu mais recente projeto, Spaceman, é um single futurista com uma letra cheia de referências para o período atual. O cantor define seu sentimento em relação à pandemia do coronavírus como se estivesse no espaço, vivendo conforme um astronauta. A angústia e a insegurança de estarmos confinados em casa é muito clara. Talvez, a  irresponsabilidade do ex-presidente dos Estados Unidos foi a cartada final para que o cantor desse uma pequena indireta e extravasasse toda sua emoção em música, especialmente nos versos “E eu estou falando com você/Mas nunca parece que chega até aí” e “Dizem que é só uma fase, que vai mudar se nós votarmos”.

A batida estilo ficção científica, que é até mesmo robótica, acompanha um ritmo mais rápido da voz de Nick, o qual se opõe totalmente a Jealous, seu primeiro grande sucesso na carreira solo. Sua genialidade e destreza em se multifacetar em harmonias diferentes é um grande sinal de que uma nova era está a todo vapor para nos apresentar o que seu personagem Nate cantou uma vez: “Vou tentar fazer o meu melhor para impressionar/Mas é mais fácil deixar você dar um palpite para o resto”. – Júlia Paes de Arruda

Gilberto Gil, Bem Gil e Gilsons –  Refloresta

Durante a carreira, Gilberto Gil fez uma harmoniosa trilogia de álbuns que receberam o nome iniciado em “R”, são eles: Refazenda, Refavela e Realce. A família Gil é clara evidência de que o fruto não cai longe do pé. Iniciados na música com o tropicalista, os filhos e netos esbanjam talento por onde passam. E agora, o filho Bem Gil e o trio Gilsons (composto por dois netos e um filho) se juntam ao patriarca para gravar Refloresta. A belíssima canção foi produzida para uma campanha do Instituto Terra.

A música, que tem por intenção incentivar o reflorestamento, não poderia ter sido cantada por uma voz mais acalentadora do que a de Gilberto Gil. A guitarra do produtor Bem se mistura a guitarra Francisco Gil, ao baixo e cavaquinho de João Gil e à bateria e percussão de José Gil, compondo assim um verdadeiro hino conscientizador. O trabalho conta também com um sagaz clipe, onde florestas nascem na cabeça dos músicos. Ainda houve uma campanha no TikTok (entre os dias 22 e 28 de fevereiro) nomeada: #ReflorestaComGil. A cada vídeo criado com a música no aplicativo, a plataforma vai plantar uma árvore no Instituto Terra. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Bad Bunny e ROSALÍA – LA NOCHE DE ANOCHE

O encontro do reizinho do reggaeton com a princesa do pop espanhol e do new flamenco é algo a ser admirado, e se LA NOCHE DE ANOCHE já foi algo que agradou os nossos ouvidos ao ser lançada em novembro de 2020, seu vídeo clipe materializa no visual a química entre ROSALÍA e Bad Bunny. Nomes em vertiginosa ascensão nos últimos anos, a dupla colaborou numa canção apaixonada que abaixa a guarda das personalidade marcadas que ambos os artistas carregam em seus trabalhos, sendo uma das faixas mais suaves do repertório de EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO, álbum mais recente de Bad Bunny que abriga a canção. 

No vídeo, a direção de arte de Liam Moore se esbalda de referências surrealistas e paisagens oníricas, criando ambiente perfeito para o romantismo de ROSALÍA e o timbre açucarado de Bad Bunny ecoarem. E assim como a sensualidade da letra surge sem rodeios, a predominância dos tons pastéis vez ou outra são atravessados por texturas aveludadas e um vermelho flamejante. O conjunto da obra é uma melação com toda a licença poética e a dupla – literalmente – pega fogo num romance dos bons. – Raquel Dutra

Daft Punk – Epilogue

Tão silencioso quanto tudo o que permeou sua existência virtual – com exceção ‘apenas’ de sua música -, Daft Punk chegou ao fim. Sem grandes despedidas e com poucas informações, o duo composto por Guy-Manuel de Homem-Cristo e Thomas Bangalter anunciou o encerramento de suas atividades em conjunto através de um vídeo disponibilizado no YouTube no dia 22 de fevereiro. Em cenas recortadas de um outro filme que a dupla fez em 2006, Epilogue coloca os fãs do duo para assistir novamente um dos membros implodindo em mil pedacinhos e se desfazendo em poeira depois de seguir um caminho diferente do de seu parceiro, transmitindo um recado que não poderia ser mais claro ao sinalizar os caminhos diferentes que a vida e a arte tomam num intervalo de quase 30 anos.

Profetas de um futuro virtual, os donos do hit Harder Better Faster fundamentaram sua música em pontuações irônicas sobre a decadência de uma sociedade cujas relações são cada vez mais superficiais. Depois de deixar a banda Darlin’, desistindo do indie rock em 1993 para cair nos braços da música eletrônica, Daft Punk construiu um lar na house music e no techno, sem nunca deixar de reverenciar clássicos do pop e do rock. Quando o mundo inteiro caiu na sua influência, o duo surpreendeu ao assinar uma música mais ‘natural’ em seu último disco, Random Access Memories.

Em hiato há oito anos, a expectativa que pairava sobre o nome Daft Punk era o nascimento de uma nova era, novos trabalhos e perspectivas para o duo, mas tudo isso se transformou na confirmação do fim. Influenciando as tendências da música massivamente em gêneros muito além do nicho eletrônico, o legado que a dupla deixa depois de 28 anos de atividade é presente, concreto e quase-humano, já que a música é um dos elementos mais vivos que existe, especialmente a que um dia surgiu de artistas que construíram uma carreira tão dinâmica quanto Daft Punk. – Raquel Dutra

Performances

The Weeknd no Super Bowl LV Halftime Show

Realizar o show do intervalo de um dos momentos mais importantes dos EUA representa uma enorme consolidação na carreira de um artista. O gramado já recebeu nomes como Michael Jackson, Rolling Stones, Beyoncé e, ano passado, Shakira e Jennifer Lopez se apresentaram para o público mundial na final do maior evento esportivo televisionado. Em 2021, foi a vez do nome do momento ganhar os holofotes em um espetáculo de arrepiar – The Weeknd, em um terno vermelho brilhante, cantou seus sucessos marcantes em uma megaperformance repleta de fogos de artifício e dançarinos sincronizados, e que custou 7 milhões de dólares ao canadense.

O Raymond James Stadium estremeceu com o cenário de espelhos e letreiros neon que abrigavam um batalhão de talentosos músicos no coral da abertura. Starboy iniciou o espetáculo, seguido intimamente de The Hills. A apresentação não demorou para incluir réplicas enfaixadas com terninhos vermelhos (mas não brilhantes) ao som de Can’t Feel My Face para transitar em direção a I Feel It Coming. À essa altura, não havia mais uma garganta em plena funcionalidade no estádio da final entre Kansas City Chiefs e o Tampa Bay Buccaneers, principalmente quando Abel entoou Save Your Tears, uma das estrelas da era After Hours. 

Foi Earned It que preparou o terreno para o maior hit de 2020: Blinding Lights finalizou o evento de forma magnífica, com The Weeknd no centro do gramado dançando, correndo e desfilando. Foi épico, espetacular. Com muito charme, carisma, e, acima de tudo, talento, Abel Tesfaye e sua voz magnífica protagonizaram um intervalo com mais cara de atração principal do que secundária. Não há ninguém maior que The Weeknd, e isso foi deixado bem claro na noite do último dia 7 de fevereiro. – Caroline Campos

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