Livia Queiroz

Em 2009, um grande burburinho se espalhou por Hollywood: Will Smith está planejando um remake do sucesso cinematográfico dos anos 80, Karate Kid. Logo depois, Ralph Macchio recebe um roteiro e a proposta de dar vida ao senhor Han, réplica do senhor Miyagi. A família Smith recebeu como resposta uma negação assídua e depois do lançamento do trailer, uma declaração irritada do ator. O motivo? Ele viu o filme como uma falta de criatividade absurda da indústria do cinema e do produtor. Mesmo assim, o desenvolvimento da obra seguiu e foi lançado pela direção de Harald Zwart em junho de 2010. 

De certa forma, Ralph estava correto. Claro, desde sempre o cinema teve seus segredos específicos para vingar no mercado e eles eram versáteis, já que cada década tinha seus interesses, porém, a partir dos anos 2000, a dramaturgia começou um processo de repetição estrutural das narrativas, trazendo uma construção de começo, meio e fim e até cenas específicas iguais na maioria dos filmes. Assim, a única coisa que seria necessário mudar eram os personagens – às vezes tem a mesma aparência e personalidade, só mudando o nome – e o plano de fundo, e pronto, a fórmula do sucesso estava feita. Essas inspirações eram sabidas mas nunca admitidas, mesmo que óbvia, até a criação do remake, ou seja, copiar a história original mas com novas tecnologias e novos atores/dubladores.

Porém, o que não poderia imaginar-se é que o fenômeno não só funcionaria para a indústria como para os espectadores, que podem presenciar seus filmes favoritos todos de novo mas com alguns pequenos ajustes. Karate Kid é um ótimo exemplo disso, pois foi bem aceito pelo público e tornou-se o ‘karate kid‘ que marcou a nova geração. Um dos principais pontos do seu sucesso foi a escalação do elenco, para uma cinematografia de ação ambientada em um ambiente asiático, a escolha óbvia de participação é o ator Jackie Chan, a estrela das lutas de ação e dublê. Além disso, foi uma ótima escolha contratar atores chineses e descendentes para representar seus respectivos papéis, coisa que Hollywood pecava e ainda peca para fazer com qualquer origem, preferindo atores locais que não conhecem a cultura e a língua. 

Entretanto, apesar da inclusão nacional, a prática de estereótipos chineses em toda a extensão do longa prejudica sua imagem. Uma das primeiras conclusões de Dre Parker (Jaden Smith) chega após ser questionado sobre a procedência do treinamento do senhor Han, um marido de aluguel, foi que “É a China, todos sabem kung-fu”; uma clara má concepção do povo chinês, pois é uma manifestação cultural muito popular do país, porém não obrigatória na formação dos indivíduos, assim como o estereótipo de “todo brasileiro sabe sambar”. Tal generalização,  apesar de parecer inofensiva, fere a concepção do mundo sobre a China. 

Apesar da falta de tato no roteiro para tratar a cultura local, existem aspectos bons a serem extraídos do filme. A cinematografia apresentada nas lutas são ótimas, atraem a atenção pela agressividade do combate corpo a corpo – feito da coreografia da equipe de dublês de Jackie Chan e de Wu Gang, mestre de wushu que treinou o filho de Will para o papel. O uso de slow-motion para essas cenas também trouxe uma maior exploração dos movimentos marciais ao público, além de envolver mais dramaticidade aos acontecimentos.

Dentro do ambiente pesado de lutas e agressões, a oportunidade de abordar pautas importantes cresce. Um dos principais alertas instalados ao longo da trama é sobre o bullying, quando Dre é perseguido e agredido física e verbalmente por um grupo de crianças da escola após despertar interesse em Meiying, garota da qual um dos ‘valentões’ é amigo. Em conjunto com essa narrativa, é interpretada a dificuldade de adaptação entre culturas muito distintas. O início da obra é basicamente mostrando essa experiência, desde a barreira linguística até às diferenças de instalações domésticas. Por último, mas não menos importante, o senhor Han desenvolve – de forma interativa e subentendida – uma lição sobre a maestria, que para todos os aspectos da vida, só se atinge com constância e tempo.  

Na construção da identidade do filme e seu roteiro, a produção decidiu mudar a arte marcial que dá nome a franquia original, indo do karatê ao kung fu, mas mantendo o nome exato. Um erro compreensível, se levarmos em consideração a necessidade de chamar a atenção dos fãs dos clássicos dos anos 80 e reforçar que é um remake. A principal razão para essa troca vem da escalação de Jackie Chan e a localidade das filmagens, adequando-se às origens do ator e à principal luta praticada na China – não à toa, a obra foi traduzida como As Maravilhas do Kung Fu no país.

Portanto, assim como proposto na modalidade cinematográfica, o plano de estrutura de Karate Kid (2010) seguiu a mesma narrativa do tradicional com Ralph Macchio, entretanto surpreendeu com mudança significativa do plano de fundo, escolha de atores e easter-eggs. Nesse sentido, era esperado uma abordagem mais cautelosa e ao mesmo tempo reflexiva do ambiente cultural apresentado, e cumpriram com o objetivo. E, assim como Dre em sua inserção à competição de kung fu sem sequer saber como posicionar-se contra um soco, o filme segue controverso e reafirmando o futuro de uma Hollywood cada vez menos criativa.

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Ludmila Henrique 

As pessoas definem o passado como um acontecimento deixado para trás, um evento constituído por esquecimentos perdidos e, outras vezes, encarregado de voltas eternas às mesmas memórias. A nostalgia presente nele é recorrente em diálogos sobre o primeiro beijo, desavenças no período escolar, ouvir pela primeira vez um solo de guitarra durante um show de rock, ou talvez, o dia do baile de formatura. Outrora, para certas almas, o passado se encontra incorporado em uma pessoa, e às vezes, em um lugar. Em Cobra Kai, após 32 anos das finais do campeonato All Valley de karatê, os destinos de Johnny Lawrence (William Zabka) e Daniel Larusso (Ralph Macchio) se esbarram novamente nos tatames do torneio. Mas dessa vez, unidos como aliados.  

O desfecho da terceira temporada deixou os espectadores famintos pela continuação, já que os roteiristas Josh Heald, Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg permitiriam deixar numerosas questões em aberto para essa nova fase do seriado. A volta de John Kreese (Martin Kove) na liderança do dojo Cobra Kai, a saída de Robby Keene (Tanner Buchanan) do reformatório, a viagem de Larusso para Okinawa e a luta final entre os alunos do karatê Miyagi-Do em conjunto com os alunos do Eagle Fang, culminaram para que a sequência se tornasse a melhor  em questão de escrita da trama – até o momento.

Apesar da grande espera, obviamente a dinâmica entre Lawrence e Larusso não funcionou de uma temporada para outra, ainda que os dois estejam dispostos a se unirem para derrotar John Kreese no campeonato final e retirar ele do posto de líder do Cobra Kai. A primeira aula deles trabalhando juntos foi nada mais, nada menos, do que desastrosa. Além das diferenças individuais, ambos ensinaram princípios e filosofias distintas para seus pupilos. Os alunos do dojo Miyagi-Do aprenderam a se defender e a encontrarem um equilíbrio interior, enquanto os antigos aprendizes do Cobra Kai, que juraram lealdade ao sensei Lawrence e se uniram ao Eagle Fang, foram instruídos a acertar primeiro, utilizando sempre uma sequência de ataques quase perfeitos.

Levou um tempo para perceberem que a melhor alternativa para o desenvolvimento dos alunos seria a troca de professores. Os integrantes do Eagle Fang foram treinados por Daniel, enquanto os alunos do Miyagi-Do foram liderados por Johnny. Na teoria, esse plano tinha tudo para funcionar, porém, ambos tiveram que lidar com a rivalidade que foi construída entre os próprios discípulos. Uma rivalidade ensinada e repassada através dos senseis, viabilizando uma certa descrença na metodologia de ensino que o outro mentor aplicasse. 

Enquanto Daniel Larusso e Johnny Lawrence procuram superar suas diferenças, a mente engenhosa de John Kreese (Martin Kove) não parou de funcionar nem por um segundo. Sabendo que a união inevitável de seus rivais poderia ser letal para sua derrota no final do campeonato, Kreese procurou reforços. Gradualmente foi apresentado para o público quem iria se tornar o aliado de John nessa jornada. A figura de Terry Silver (Thomas Ian Griffith) já estava sendo prevista pelos fãs desde a terceira temporada, justamente por ser uma personalidade muito presente na narrativa do personagem interpretado por Kove.

Em Karatê Kid III – O Desafio Final, Terry Silver teve sua primeira aparição como antagonista do filme, sendo apresentado como co-fundador do dojo Cobra Kai e ex-soldado do exército americano, lugar na qual ele conheceu seu amigo e aliado, John Kreese. Posteriormente à vitória de Daniel e Sr. Miyagi (Pat Morita) no torneio All Valley em 1984, Kreese perdeu seu status como sensei e consequentemente seus alunos, o fazendo desapossar seu dinheiro investido na academia e também seu dojo. Terry foi a personalidade que estendeu a mão para ajudar Kreese a se reerguer e também a mente por trás do plano de quebra de amizade entre Larusso e Sr. Miyagi. A ideia inicial era se aproximar de Daniel e debilitar seu equilíbrio interno e, consequentemente, com o emocional já abalado, o enfraquecer fisicamente. 

Um dos grandes motivos das lutas finais de Karatê Kid serem tão marcantes, sempre surge de um pretexto anterior. A velha proposta entre os senseis, de cessar as batalhas e adiarem a luta até o final do campeonato de karatê, não é nem um pouco original. Mas ainda se aplica muito bem para o spin-off de um dos maiores clássicos dos anos 80, e, pela primeira vez, essa oferta foi imposta na série, prometendo batalhas ilustres e impensadas pelos espectadores.  

Com as alianças formadas, a dinâmica entre os alunos também foi afetada. Parte dos estudantes eram rivais e participaram da grande luta no West Valley High em lados opostos, mas agora, eles precisam encontrar uma forma de estabelecer uma convivência harmônica e deixar as diferenças de lado. Porém, com o final da terceira temporada, foi confirmada a ida de Robby Keene para o Cobra Kai liderado por John Kreese e surgiram algumas especulações das prováveis consequências dessa união.

Diferente do ano anterior, Keene se encontra cada vez mais lúcido dos eventos que ocorreram após sua liberação da condicional. É claro que ele não está feliz com a situação e têm passado os dias como um lobo solitário, adotando cada vez mais um caráter sério e desconfiado. Sabendo dessa situação, outra presa estava sondando o garoto por um bom tempo. Havia uma onda de incertezas sobre como o jovem iria se sair nesse novo dojo – já que ele foi o primeiro aluno da nova geração do Miyagi-Do – e também por Terry e John serem especialistas em lavagem cerebral de adolescentes. Mas, apesar dessa aproximação, Robby parece focado em seguir seu próprio caminho para derrotar o Miyagi-Do e o Eagle Fang, ao invés de ser um novo fantoche para Kreese, assim como seu pai foi. 

Assim como nas outras temporadas, parte das gravações segue majoritariamente em Los Angeles, cidade no estado da Califórnia e em várias cidades do estado da Geórgia – Atlanta, Marietta, Union City, Conyers e Peachtree City. A fotografia da série se manteve familiar, não se diferenciando das sequências anteriores. Mas evidentemente, pelo início das filmagens ainda serem no contexto da pandemia de covid-19, houve uma preferência por cenários ao ar livre para construção da trama. Justamente por isso, o ponto chave dos treinos entre o Eagle Fang e os alunos do Miyagi-do foi ambientado no clássico jardim do Miyagi-Do dojo, originalmente casa do Sr. Miyagi (Pat Morita). 

Fora as rivalidades que já foram estabelecidas durante três temporadas do seriado, obviamente, os roteiristas acharam um espaço para um novo conflito. O personagem Anthony (Griffin Santopietro), filho mais novo de Daniel Larusso, ganhou destaque nesta quarta, sendo um gancho principal para a narrativa do novato em West Valley High, Kenny Payne (Dallas Dupree Young). Embora seja um rosto novo na trama, a trajetória de Kenny já garantiu confrontos e reviravoltas de grande relevância para a série. Temas como bullying e cyberbullying estão presentes em sua construção, desde os primeiros minutos de sua aparição na franquia. Mas o mais surpreendente é que grande parte dessas ações contra o calouro foram executadas pelo mini-Larusso e seus amigos. 

Todo o desenvolvimento de Payne na série é nostálgico. A situação onde Kenny e Anthony se encontram é muito similar com a narrativa de Daniel e do Johnny no primeiro filme de Karatê Kid. Ambos são interessados na mesma garota, o que desencadeou uma disputa entre eles. Contudo, ainda que semelhantes, o final foi bem diferente do prosseguimento do filme. As similaridades entre Daniel e Kenny se resumiram apenas no triângulo amoroso, e grande parte desse afastamento de narrativa foi propiciado pela presença de Kreese e Tery na vida de Payne.

Da mesma forma que Kenny e Anthony, outros personagens se encontram apaixonados na série. Depois de três temporadas, finalmente o casal Carmen (Vanessa Rubio) e Johnny aconteceu, personagens que se conheceram na primeira fase do seriado e tiveram uma química desde o início. Eles já haviam saído algumas vezes e era óbvio o interesse dos dois, no entanto, alguns acontecimentos, como a lesão de Miguel e o fato de Lawrence ser o sensei dele, fizeram que o namoro demorasse mais do que o esperado.

Keene e Tory Nichols (Peyton Roi List) também se aproximaram nesta temporada, de forma nova, mas não surpreendente. Até o momento, eles apareceram poucas vezes como aliados no enredo da série, mas sempre foram um dos casais mais aguardados pelo público. Ainda que recente, a química entre Robby e Nichols é perceptível logo de cara. A interação entre os dois é algo muito além do que apenas um flerte, ambos possuem um vínculo diferente das suas ligações anteriores com Miguel Diaz (Xolo Maridueña) e Samantha Larusso (Mary Mouser). Que eram relacionamentos claramente unidos pela amizade e a paquera inicial, mas também pela situação da primeira opção deles – que para Diaz era Sam e para Sam era Miguel – não estarem disponíveis naquele momento. 

Outros casais também foram apresentados no decorrer do seriado. Os queridinhos, Miguel e Samantha, não tiveram grandes momentos de tela – tirando o baile de formatura – nesta quarta fase, diferente dos anos anteriores. Mas depois das brigas e das conciliações, os dois seguem sendo um par e parecem ter criado um laço forte desde a terceira temporada. Fora eles, também temos a confirmação do namoro entre Demetri (Gianni DeCenzo) e Yasmine (Annalisa Cochrane), um relacionamento que surgiu de forma inusitada e pouco explorada na série até o devido momento. E por fim, para alegria de muitos, foi dada aos poucos a premissa da reconciliação entre Falcão (Jacob Bertrand) e a personagem Moon (Hannah Kepple), que acabam se aproximando no torneio final. Mas a volta do relacionamento em si, continua sendo algo a se esperar nas próximas sequências de Cobra Kai.

Falando sobre musicalidade, é impossível não enaltecer o trabalho realizado pelos compositores Leo Birenberg e Zach Robinson. Já nos primeiros segundos de It’s Karate Time, somos diretamente transportados para o universo de Karate Kid ou simplesmente para outro filme dos anos 80 que haja heavy metal, hard rock e pop em sua trilha sonora. Os solos de guitarra, bateria e teclado se assemelham a grandes clássicos da época, como You’re The Best, Young Hearts e Cruel Summer. A nostalgia desses clássicos em combinação com um som atual descreve exatamente o que Cobra Kai procura trazer para o público: um encontro entre gerações.

Um diferencial de Cobra Kai, é o modo que a soundtrack denuncia a personalidade e o gosto musical de seus personagens. Nos momentos de tela de Johnny Lawrence – um ex-valentão, com personalidade forte e às vezes meio babaca – bandas como Poison, Twisted Sister e Queen são recorrentes na construção da série, principalmente nas cenas de brigas em bares ou quando conduz o seu Dodge Challenger pela grande Los Angeles. Agora, nas cenas de Daniel, é possível perceber uma outra versão das músicas 80’s. São baladas melódicas e românticas, extremamente compatíveis com o perfil de Larusso. A banda Chicago, liderada pelo Peter Cetera, é um exemplo de artista que percorre em sua mixtape e também um grande marco nas listas de love songs do YouTube.

Esse encontro de gerações não se encerra apenas nos anos 80, ela também está presente em artistas dos anos 2000. Vencedora em 2004 do reality American Idol, a cantora e compositora Carrie Underwood realizou uma ilustre participação na série, ao cantar o The Moment of Truth durante o torneio final de karatê. A cantora do hit Before He Cheats adicionou um frescor para a música originalmente escrita pela banda de rock Survivor. Canção já presente na franquia de filmes do Karatê Kid e com a nova colaboração, se encaixou perfeitamente na cena apresentada.

Seguindo com a narrativa dos personagens, o alecrim dourado de Johnny Lawrence, Miguel Diaz, encontra-se muitas vezes em segundo plano nesta quarta fase do seriado. Miguel não perdeu sua importância na série e continua sendo o antagonista carismático que ele sempre foi, porém, por ser um dos focos principais desde a primeira temporada, os roteiristas procuraram fortalecer a narrativa de outros personagens que anteriormente eram como peões no enredo de Diaz. Miguel aparece em cena muitas vezes questionando sua trajetória de vida e também preocupado em relação ao seu futuro, como as admissões na faculdade, o próprio torneio e também algumas questões familiares, como o namoro recente entre sua mãe e Lawrence, fora as perguntas sobre suas origens e a falta da presença de seu pai em sua vida.

Todavia, diferente de Miguel, Samantha parece muito direcionada nos seus objetivos, que no caso seria ficar mais forte e vencer Tory no campeonato. Seu foco principal é proteger sua família, amigos e a si mesma. No início ela questionava os métodos de ensinamento de Johnny, mas, com o tempo, ela passa a entender que aprender o estilo de luta do Eagle Fang é uma ótima oportunidade de aprender novas formas de atacar e também de vencer a batalha final. Seu convívio com Nichols continua não sendo um dos melhores, o que é bem compreensível depois da sequência de confusões que aconteceram desde o momento que elas se conheceram. Ainda que haja muitos atritos na relação das duas, certas deixas dos roteiristas nos fazem acreditar que essa rixa entre elas está por acabar, ou talvez, de agravar ainda mais essa situação.

Falando em destaque e evolução entre os personagens, temos a menina dos cachos de ouro, Nichols, como foco principal. A loirinha fez de tudo e um pouco mais nessa temporada. Além de sua aproximação com Robby e as brigas com Sam, a jovem foi uma das personalidades mais importantes para a trama da série. Ela sempre está envolvida com um conglomerado de acontecimentos ruins e procurou resolver eles de maneira solitária, mas, dessa vez, foi apresentado para o público uma versão mais aberta de Tory, com suas questões e também sucinta a pedir ajuda de terceiros. O ato de requisitar ajuda não a fez menos durona por isso – já que estamos tratando da vida de uma adolescente – na verdade, essa atitude compartilhou uma das várias camadas que personagem tem e que foi muito acolhida pela audiência, justamente por ser aproximar a trajetória de Nichols com a realidade do público alvo.

Outro personagem importante nessa temporada é Eli Moscowitz. De todos os papéis apresentados, o desenvolvimento de Eli é um dos mais trabalhados no seriado. De bom moço para garoto problema, Falcão passa por bons bocados ao tentar se redimir pelas suas ações não muito legais com os alunos do Miyagi-Do. Apesar de Jacob Bertrand ser perfeito para o papel de valentão – além de ilustre em uma das cenas mais pesadas da terceira temporada – seu personagem, Hawk, retorna a ter certas indagações e inseguranças sobre si mesmo, algo que não é presente no roteiro desde o lançamento do seriado.

Uma das concepções mais interessantes sobre Falcão, é o fato dele ter passado pela famosa jornada de herói presente nas histórias em quadrinhos. Ele percorre os três pontos principais desse tipo de narrativa. De garoto tímido para herói, de herói para vilão e de vilão para sua redenção. Uma escrita clichê, mas que foi executada da melhor maneira possível. Outra particularidade de Moscowitz foi a circunstância dele ser a única figura da trama a ter participado dos três dojos principais. Ele inicia como aluno do Cobra Kai, transita pelo Eagle Fang e encerra sua jornada no dojo Miyagi-Do, lugar na qual ele já atacou diversas vezes. 

Sua saída de carro-chefe do YouTube Premium para uma das maiores plataformas de streaming do mundo foi benéfica em muitos sentidos. O investimento realizado na terceira temporada pela Netflix garantiu um sucesso estrondoso de audiência. Entre dezembro e janeiro, a nova sequência tornou-se uma das produções mais assistidas no streaming, acumulando cerca de 2.4 bilhões de minutos vistos ao redor do mundo. Os produtores executivos Josh Heald, Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg conseguiram, com a história de Johnny e Daniel, ultrapassar grandes nomes da Netflix, como a série de fantasia The Witcher (1.8 bilhões).

O sucesso da narrativa não se limitou em apenas garantir números altos de visualizações do público, mas também se fez presente em premiações. Após ser indicada para seis categorias no Emmy 2021, a quarta temporada de Cobra Kai, lançada no final de dezembro, foi uma das indicadas ao prêmio de Melhor Elenco de Dublês em Série de TV no SAG Awards 2022 e disputou a estatueta com grandes projetos, como Loki  e Falcão e o Soldado Invernal, lançadas pela plataforma de streaming Disney+ e também a famosa sul-coreana,  Round 6, que levou o prêmio.

Uma coisa que os produtores de Cobra Kai sabem fazer perfeitamente é causar intrigas e rivalidades. Porém, a quarta fase da série foi muito marcada pela conciliação e autoconhecimento dos personagens. Assim como as palavras de Daniel no início da temporada: “Muitos de nós éramos inimigos, mas as rivalidades não precisam ser eternas”. E dessa maneira, o enredo de Cobra Kai se afirma. Apesar de ser comum algumas séries perderem a força após três temporadas, isso não ocorreu aqui. De forma surpreendente, a produção da Netflix desencadeou um roteiro nada óbvio e garantiu o desenvolvimento de, no mínimo, mais duas sequências.

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Júlia Paes de Arruda

Que a história de Karatê Kid é um marco da cultura dos anos 80, ninguém tem como negar. Dois anos depois do sucesso do primeiro filme, John G. Avildsen lança a continuação da aventura de Daniel LaRusso e seu sensei Miyagi, com um toque mais íntimo e mais carismático. Completando 35 anos, Karatê Kid II – A Hora da Verdade Continua é uma referência para muitos adolescentes e, particularmente, o mais especial de toda a série. 

O filme de 1986 começa retomando os acontecimentos do seu antecessor, desde o encontro de Daniel (Ralph Macchio) e Miyagi (Pat Morita) até o torneio de karatê em que o jovem derrotou Johnny (William Zabka) com o famoso golpe da garça. A nova produção também incluiu cenas descartadas da obra de 1984, mostrando o pós-campeonato em que Kreese (Martin Kove) se revolta com a vitória de LaRusso. Seis meses depois da competição, senhor Miyagi recebe uma carta sobre o estado de saúde de seu pai. Preocupado, arruma as malas para uma viagem à Okinawa. Daniel, tentando fugir de uma mudança para Fresno, o acompanha em busca de histórias sobre seu sensei e da aldeia em que vivia. 

Dessa vez, Karatê Kid II deixa um pouco de lado a relação de mestre-aluno e demonstra o lado pai e filho do relacionamento de Daniel e Miyagi. Abrindo sua intimidade, o sensei conta seus motivos de ter deixado Okinawa, acusado injustamente de ofender a honra de seu melhor amigo Sato (Danny Kamekona). Além disso, detalhes sobre sua infância na comunidade e sua ancestralidade são revelados, bem como a apresentação do grande amor da juventude, Yukie (Nobu McCarthy). 

A vida de LaRusso se torna segundo plano, mais como um complemento dos acontecimentos em Okinawa. A luta marcial ainda se faz presente já que, historicamente, a ilha foi o berço do karatê. Porém, os golpes acabam se tornando coadjuvantes. Permanecendo na jornada do herói, Miyagi continua a utilizar métodos lúdicos como bases para práticas de combate. Fora as estratégias de enceramento de carro e de pintura de cerca, é adicionado a técnica do tambor, o segredo de todo karatê Miyagi-doo. O den-den daiko é tradicionalmente japonês, muito usado em cerimônias religiosas e como brinquedo para as crianças. Assim como no primeiro filme, é o ataque vital para a vitória do garoto de Nova Jersey numa nova disputa. 

Daniel agora vive um amor de verão com Kumiko (Tamlyn Tomita), sobrinha de Yukie. De maneira muito inocente e espontânea, a conexão dos dois é tão inevitável que até mesmo uma cerimônia de chá foi realizada. Para compor ainda mais o romantismo das cenas, músicas calmas, fortemente associadas a rituais japoneses, conduzem uma carga teatral. Aliás, é impossível deixar de citar a obra prima que Peter Cetera compôs especialmente para, no original, The Karate Kid Part II. Um dos fundadores da banda Chicago, conhecida pelas letras poéticas, canta Glory of Love com emoção, essencial para desabrochar todo esse sentimento apaixonante. 

Recentemente, Karatê Kid voltou à moda com a chegada de Cobra Kai. A série, originalmente lançada pelo YouTube e posteriormente comprada pela Netflix, narra os fatos na visão de Johnny depois de mais de 30 anos dos acontecimentos do primeiro filme. A sensação nostálgica é fatal, carregada de easter-eggs e lembranças implacáveis para os mais aficionados. Contudo, é na sua terceira temporada que os eventos do segundo filme se chocam com o universo atual. 

No seriado, Daniel embarca a uma moderna Okinawa em busca de certa paz, e, quem sabe, respostas para seus sufocos. Lá, ele reencontra Kumiko, agora uma bailarina viajada e consagrada na carreira. Inclusive, é com ela que a memória de Pat Morita, falecido em 2005, se torna tocante. Lendo cartas que Miyagi havia enviado a Yukie, Daniel se emociona com as palavras de seu querido sensei, como se elas nunca tivessem sido desgastadas. É quase uma sensação de onipresença e o próprio público consegue sentir essa experiência, uma homenagem mais que comovente. 

Além de Kumiko, LaRusso reencontra o vilão de Karatê Kid II, Chozen (Yuji Okumoto). Violento, playboy e ignorante, o rapaz se acha o dono da razão por causa da herança de sua família. Já em 2021, ele parece ter deixado para trás o passado entre os caratecas, mesmo com uma pitada de rancor pairando no ar. Diferentemente do primeiro contato, Daniel aprende lições valiosas com o colega, imprescindíveis para sua volta aos Estados Unidos. 

Envolvente e apaixonante, Karatê Kid II – A Hora da Verdade Continua é o ápice da série Karatê Kid. Sendo o maior sucesso da franquia, mantém o frescor do primeiro filme, mas se torna infinitamente melhor que o terceiro. De volta às suas raízes, conseguimos destrinchar a personalidade de Miyagi e o quanto ela é primordial para estabelecer a face de Daniel LaRusso. Mesmo com sequências divertidas que nem todo mundo gosta e outras nem tão fiéis, a segunda parte continua a ser um ícone independentemente de 35 anos terem se passado. 

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Mais um mês se foi e, com ele, o pior março de nossas vidas. A pandemia ainda assombra o cotidiano brasileiro e, mais do que nunca, é necessário ficar em casa. Assim, para sobreviver à solidão das paredes dos nossos lares, contamos com o abraço reconfortante da cultura. E, neste mês, as doses foram intensas. Primeiro, elas finalmente chegaram: as indicações ao Oscar 2021. A grande maioria dos nomes já eram esperados e conhecidos, mas março trouxe consigo o filme que faltava para riscarmos de nossas checklists. Meu Pai, protagonizado por Anthony Hopkins e Olivia Colman, garantiu a vaga em 6 categorias da estatueta dourada e conta com uma das melhores interpretações da carreira de Hopkins.

A 26ª edição do Critics Choice Awards também deu suas caras. Nomadland foi o grande vencedor da noite, conquistando Melhor Filme e Melhor Direção para a talentosa Chloé Zhao. Chadwick Boseman e Carey Mulligan levaram para casa as consagrações em atuação principal, e Daniel Kaluuya e Maria Bakalova nas categorias de coadjuvantes. No mundo televisivo, The Crown seguiu premiadíssima, ao lado de Ted Lasso e O Gambito da Rainha. Será que a escolha dos críticos vai seguir a vontade dos votantes da Academia? Só abril nos dirá.

Além dos prêmios, o mundo do Cinema veio recheado. Depois das súplicas ensurdecedoras dos fãs, o Snyder Cut está entre nós. A versão esquecida de Zack Snyder de sua Liga da Justiça veio, por bem ou por mal, para preencher nossos corações. O Disney+ também arriscou no modelo de aluguel e lançou Raya e o Último Dragão pela facada de R$ 69,90 na mensalidade do serviço. Do outro lado dos streamings, a concorrente Netflix não poupou seus lançamentos: tivemos produção nacional em Cabras da Peste, documentário do ícone Notorious B.I.G., Silenciadas e suas bruxas modernas e até um jovem grito feminista com as meninas de Moxie.

Eddie Murphy resolveu, depois de 33 anos, retornar ao papel da realeza de Zamunda e Um Príncipe em Nova York 2 deu mais um original para a Amazon Prime chamar de seu. Sobrou até para os monstros: Adam Wingard botou King Kong e Godzilla para brigar e, infelizmente, ainda não podemos assistir o confronto da tela do cinema. Não que a TV esteja nos decepcionando – WandaVision se despediu, mas já estamos nos habituando com as cenas de ações de Falcão e o Soldado Invernal. Oprah pautou mais uma polêmica do mundo dos famosos e sua entrevista com o príncipe Harry e Meghan Markle rendeu mais intrigas para a família real britânica. 

Ficou curioso? O Cineclube Persona de Março juntou tudo isso e muito mais entre os principais lançamentos audiovisuais que chegaram até nós. Opiniões, críticas, palmas e muita gritaria nas palavras minuciosamente escolhidas pela Editoria e pelos colaboradores do Persona no maior post do mês. Confere aí!

Cinema

Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League, Zack Snyder)

Nós vivemos em uma sociedade que o Snyder Cut é real, seja para bem ou para mal. O mítico corte de Zack Snyder, diretor original de Liga da Justiça, finalmente foi lançado em suas titânicas 4 horas de duração e a quadrada proporção 4:3 diretamente no HBO Max, o serviço de streaming da Warner. Após acusações sobre o comportamento de seu substituto, Joss Whedon, que explodiram nos últimos meses, a campanha dos fãs pela “restauração” da obra ganhou tração suficiente para que 70 milhões de dólares fossem investidos em sua conclusão.

O resultado disso? Bem, exatamente o que você espera, provavelmente. Liga da Justiça de Zack Snyder honra seu nome e exibe com orgulho todas as melhores e piores tendências do diretor, tentando apagar ao máximo o tom de desenhos de sábado de manhã que permeia a versão de 2017 e infundindo a tela com a sobriedade distinta e a visão sisuda dos trabalhos anteriores de Snyder. Uma nova trilha sonora também ajuda a separar as versões, trocando a orquestra de Danny Elfman pelas batidas eletrônicas de Junkie XL, que ajudam a distinguir o longa de outros filmes do gênero. A trama da obra segue os mesmos passos da antiga versão, apenas restaurando as partes previamente cortadas e adicionando cenas inteiras que, apesar de contextualizarem melhor seus personagens, não parecem mover a história para frente. O roteiro, ainda de Chris Terrio (Star Wars: A Ascensão Skywalker), não parece interessado em tratar seus personagens como peças móveis e dinâmicas do enredo, mas sim como action figures, mudando os cenários mas mantendo-os em suas posições icônicas, com a exceção sendo o arco de Victor Stone, o Ciborgue (Ray Fisher), que ganha um peso narrativo visivelmente ausente da versão anterior.

A Liga da Justiça de Zack Snyder não é necessariamente melhor que a de Joss Whedon. Ela é mais coesa e se encaixa melhor com os outros trabalhos do diretor com os personagens da DC Comics, com a ação melhor aproveitada e efeitos visuais mais bem realizados, mas é também um trabalho de vaidade criativa, por vezes indulgente ao ponto da autoparódia. Há um prazer juvenil de ver Snyder poder brincar livremente com essas figuras que claramente significam tanto para ele, mas é frustrante continuar vendo ele se recusando a desafiá-las de maneira provocativa. Se você não se conectou com a visão do diretor sobre o Superman em O Homem de Aço ou Batman vs Superman: A Origem da Justiça, o novo traje escuro não deve mudar muita coisa. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Raya e o Último Dragão (Raya and the Last Dragon, Carlos López Estrada e Don Hall)

Após cinco anos do lançamento de Moana (2016), a Walt Disney Animation Studios lança Raya e o Último Dragão, a nova princesa do universo Disney. O longa dirigido por Carlos López Estrada e Don Hall traz logo de cara um contraponto com as demais produções do estúdio, sendo a segunda princesa que não está em um musical. Tirando Raya, apenas Merida — protagonista de Valente (2012), filme feito pela Pixar — não canta em seu filme. Mas isso não é um demérito, pelo contrário, a animação se sustenta no carisma dos personagens, e na história envolvente e emocionante, fora as maravilhosas cenas de ação.

O longa cresce muito por conta de seus personagens. A própria Raya é um grande exemplo disso, que está em constante evolução junto aos demais. Mas não apenas a protagonista rouba a cena, os coadjuvantes do filme são incríveis, conseguindo variar entre o cômico e o trágico de forma natural. Destaque para a Sisu e para o bebê charlatão, que entregam uma fofura e a comicidade que o filme precisa. A produção ainda conta com um ótimo design, que traz uma diferença nítida nas distintas regiões de Kumandra — baseada nos povos do sudeste asiático —, nas construções de cada civilização, mas peca ao representar os dragões, que possuem um visual estranho e que chega a incomodar.

O filme foi lançado diretamente no Disney+, por um valor acrescido na mensalidade de R$69,90, decisão que foi muito questionada nas redes sociais. Caso queira assistir, mas não quer pagar o preço do aluguel, a animação será lançada dia 23 de abril no serviço de streaming, sem valor adicional. Raya é um filme sobre esperança e confiança, algo que todos precisam nesse momento. No fim, é uma das grandes histórias que a Disney trouxe, e que foi executada de forma brilhante, sendo emocionante, e apresentando uma princesa forte e poderosa. – Pedro Gabriel

Cherry – Inocência Perdida (Cherry, Joe e Anthony Russo)

Holland e Russo são os nomes que chamam muito mais a atenção do que Cherry, o título do filme disponível na Apple TV+. Confesso que foi pelo ator de Homem Aranha que eu dei play, e quanto a isso, zero arrependimentos. Tom entrega um trabalho sensível e extraordinário dando vida ao protagonista sem nome que, seguindo a proposta da narrativa, vai perdendo a inocência em cada capítulo no qual o longa-metragem é dividido. Quanto aos irmãos Russo, bom, eles sabem o que estão fazendo. Com bons enquadramentos e uso de câmera, o filme entrega cenas de tirar o fôlego e ângulos de cenários bem pensados.

Mas, mesmo com um elenco talentoso e imagens bem alocadas, o sentimento de que falta algo depois de suas 2 horas e 20 minutos de duração permanece. Cherry causa estranhamento no tom que escolhe e forma pequenas lacunas no desenvolvimento do protagonista. A quebra da quarta parede não agrega em nada ao filme, pelo contrário, a sensação é que o recurso, poucas vezes utilizado, atrapalha a construção de uma narrativa mais sóbria. O que não seria um problema se a história não se vendesse em cima de um jovem que foi à guerra, voltou com transtorno de estresse pós-traumático e devido a isso afundou a si e a esposa num vício em heroína. Alguns diálogos maiores e melhor elaborados convenceriam mais das consequências da guerra, do que cenas que nos mostram o sofrimento do personagem de maneira rápida e com cortes dinâmicos, que diminuem a conexão do espectador com o momento.

Seguindo esse estilo um tanto irresponsável, o uso de entorpecentes carrega algo que beira a romantização estética, e adicionando as cenas carinhosas ao pacote, consigo imaginar os inúmeros vídeos shippando o relacionamento problemático dos personagens de Tom Holland e Ciara Bravo que devem estar rolando pelo YouTube. Ainda assim, o filme dos irmãos Russo não é de todo ruim. Você torce para os personagens, se irrita com suas suas decisões e se torna interessante perceber como o amor por Emily é o estopim para grandes mudanças que movem a trajetória do protagonista. Mas ainda assim, é importante estar ciente dos problemas na adaptação da história de Nico Walker e, diferente de mim, dar play sabendo que se trata de uma história intensa contada com muita dinâmica e superficialidade. – Lorrana Marino

Cabras da Peste (Vitor Brandt)

A mais recente produção nacional da Netflix apresenta um novo estilo buddy cop, totalmente engraçado e com as nuances que só o Brasil tem. Dessa vez, os novos Will Smith e Martin Lawrence de Cabras da Peste são o cearense Bruceuilis Nonato (Edmilson Filho), o “tira arretado” comprometido com seu trabalho, e o paulista Renato Trindade (Matheus Nachtergaele), o “policial de escritório” medroso. A vida dos dois policiais se chocam quando Bruce vai a São Paulo em busca de Celestina, a cabra patrimônio histórico da sua cidade natal Guaramorim. Por lá, eles se deparam com uma situação que coloca à prova suas profissões. 

A realidade do microcosmo interiorano do Ceará se colide com a da capital paulista de uma forma profundamente divertida. É quase impossível deixar de rir com as cenas de Bruce, as quais tiram o brilho da genialidade da atuação de Nachtergaele. Como todo filme brasileiro, sempre existem farpas para o cenário do país, seja através do histórico de atleta do “policial de verdade” Caique (“sou forte demais, tá ok?”) até do foro privilegiado de Zé Cabrito (Falcão), o palhaço que virou deputado. 

Cabras da Peste também entra em sintonia com Um Tira da Pesada ao apresentar a versão forró de The Heat Is On, parte da trilha sonora do filme oitentista. Por se falar em trilhas sonoras, o filme da Netflix não deixa a desejar com suas canções, cruzando entre Lulu Santos, Sidney Magal e até Claudinho e Buchecha. Somando isso ao humor tipicamente brasileiro, a nova obra de Vitor Brandt merece um lugar na sua lista no streaming. – Júlia Paes de Arruda

Notorious B.I.G. – A Lenda Do Hip Hop (Biggie: I Got a Story to Tell, Emmett Malloy)

Não existe um único local para o surgimento do rap, mas, para muitos, Nova Iorque é considerada o berço do hip hop. A ascensão do chamado gangsta rap redirecionou o protagonismo das rimas e batidas para a outra costa americana, e agora, uma joia rara tinha a missão de colocar as vozes do Brooklyn de volta no mapa. No dia primeiro de março, a Netflix lançou o documentário Notorious B.I.G – A Lenda do Hip Hop, que nos conta a trajetória de Christopher Wallace, ou, como era mais conhecido, Biggie Smalls, em rumo ao estrelato, reconhecimento e, infelizmente, ao seu trágico fim.

Na triste ausência de Christopher, o longa se escora em depoimentos de entes familiares, amigos próximos – como era o caso da clássica Junior M.A.F.I.A – e também famosos que alavancaram sua carreira, como o rapper Puff Diddy. Além das entrevistas, também contamos com diversos trechos de gravações que a equipe de Biggie tinha à disposição. As fitas de vídeo ajudam o fã de hip hop a matar um pouco a saudade de ver o Rei de Nova Iorque e sua personalidade icônica, enquanto nos mostra a difícil realidade que jovens do Brooklyn passavam naquela época.

Mas, o documentário também possui seus pontos negativos. O irresoluto caso de sua morte ganha pouco mais de 20 minutos de tela, enquanto sua relação com o também rapper Tupac Shakur mal é mencionada. Fora isso, o enfoque na sua vida prévia a carreira musical (os períodos que Christopher menciona em seu álbum Ready to Die) parece importar mais que os tempos dentro dos estúdios. Mesmo assim, o filme serve como um reconforto para o telespectador que passa a conhecer B.I.G. ainda mais de perto, enquanto presenteados com seus discos e músicas eternas. – Vitor Tenca

Meu Pai (The Father, Florian Zeller)

Meu Pai, a tradução pontiaguda do título original, elucida questões essenciais da existência humana, o medo do esquecimento e o amor como amálgama acima de qualquer outro sentimento. Adaptando sua peça de teatro, Florian Zeller dirige com a compostura de um verdadeiro maestro, movendo e remexendo as memórias de Anthony (Anthony Hopkins, no papel da carreira e na melhor interpretação masculina do ano). Curtíssimo, o longa se centra na difícil relação do pai e da filha Anne, a camaleoa Olivia Colman. 

Entre o vai-e-vem confuso do idoso provavelmente sofrendo do Mal de Alzheimer (o filme nunca diagnostica Anthony), o roteiro do diretor junto de Christopher Hampton coloca quem assiste na posição de copiloto, mas considerando que quem comanda o volante não sabe nem dirigir. O eterno quebra-cabeças da memória de Anthony é transmitido pela construção cenográfica, pela trilha sonora, pelo jogo de câmeras e pelo trabalho quase celestial de Hopkins, que aos 83 anos se tornou o homem mais velho indicado a Melhor Ator no Oscar 2021.

A montagem de Yorgos Lamprinos, também agraciada com o reconhecimento da Academia, prega peças e confunde propositalmente. Mesmo quando The Father cai nos moldes teatrais de seu núcleo, Florian Zeller usa esses elementos a seu favor. Iluminação, figurinos, o cenário único, tudo orna, tudo engrandece a obra. Imperdível para quem gosta de Olivia Colman, de Anthony Hopkins e para quem aprecia quando uma adaptação teatral é feita com astúcia, cautela e muita noção. – Vitor Evangelista

Trilogia Karatê Kid (John G. Avildsen)

Aproveitando o melhor momento de Cobra Kai desde seu lançamento em 2018, a Netflix ressuscitou, em seu catálogo, um dos clássicos da Sétima Arte que marcou gerações de fãs do cinema e das artes marciais: Karatê Kid, a trilogia da saga de Daniel LaRusso (Ralph Macchio). Os três primeiros filmes, lançados entre 1984 e 1989, foram adicionados no começo mês na plataforma e já se embalaram na onda de Cobra Kai, a série que se passa 34 anos após o torneio All Valley e traz a redenção de Johnny Lawrence (William Zabka) – o inimigo de Daniel LaRusso derrotado no primeiro filme. 

A Netflix acertou na nostalgia com o público mais velho ao trazer esse clássico da década de 80 para os dias atuais. A história do menino franzino que encontra um mestre de karatê para derrotar seu bully e vencer um torneio pela sua honra (A Hora da Verdade), depois passa para a narrativa do mestre de karatê e seu pupilo enfrentando um antigo inimigo em Okinawa (A Hora da Verdade Continua) se torna, por fim, o enredo do pupilo abandonando seu mestre e entrando para o lado sombrio da força por orgulho (O Desafio Final). Dos três filmes, o terceiro é certamente o mais fraco, com vilões muito caricatos e sem camadas, além de ser o único da trilogia que não recebeu nenhuma indicação ao Oscar. 

Do universo de Karatê Kid, o filme de 2010 protagonizado por Jaden Smith e Jackie Chan já estava há tempos no catálogo, mas quem ficou de fora foi o esquecível Karatê Kid 4 – A Nova Aventura (1994), que não foi adicionado junto com os outros da saga original e provavelmente nunca será, já que esse longa conseguiu ser trágico ao ponto de descaracterizar até o personagem mais resiliente: Senhor Miyagi (Pat Morita). Vale lembrar também que esse foi o único filme dos originais que não foi dirigido por John G. Avildsen, o diretor que deixou uma marca muito pessoal na trilogia. Para aqueles que querem retomar com fôlego esse universo de artes marciais cinematográficas, este, certamente, é o momento. – Nathalia Franqlin

Silenciadas (Akelarre, Pablo Agüero)

Bruxas horrendas, caldeirões, risadas maléficas e vassouras. Esses são os elementos mixurucas que os filmes de ação hollywoodianos reduziram a caça às bruxas. Longe disso, Silenciadas nos permite sentir prazer em zombar das maluquices criadas pela Igreja Católica, e ainda assim lamentar o destino de tantas mulheres queimadas vivas. O longa de Pablo Agüero foi lançado em setembro de 2020 no Festival Internacional de Cinema de San Sebastian, e chegou ao catálogo da Netflix em março de 2021.

Contando a história das mulheres do País Basco e sua repressão durante o período da Inquisição, o filme acompanha o grupo de Ana, María, Maider, Olaia, Oneka e Katalín ao serem interrogadas e condenadas por bruxaria. Entre as cenas sombrias de tortura, há a genialidade em encenar a demonização que os inquisidores ansiavam assistir para tentar escapar da morte.

Ana (Amaia Aberasturi) protagoniza a história com talento – merecendo sua indicação ao 35º Prêmio Goya de Melhor Atriz. Amaia consegue sustentar uma personagem que está entre o desespero e a perspicácia até o fim. Apesar do desfecho triste e previsível, a trajetória das meninas é um deleite. É prazeroso assistir o papel ridículo que a Igreja Católica fez na história, sabendo que as mulheres livres e independentes, nomeadas bruxas, resistiram. – Nathália Mendes

The Mauritanian (Idem, Kevin Macdonald)

Os dramas de The Mauritanian não são novos em Hollywood, mas seu ator principal é. O francês Tahar Rahim protagoniza com propriedade, intensificando os temores de seu personagem: um homem preso ilegalmente por muitos anos, até que uma advogada boazuda, a estonteante Jodie Foster, aparece para salvar sua pele. Do outro lado da equação e representando os interesses do governo, Benedict Cumberbatch está avoado demais para se mostrar interessado no filme de Kevin Macdonald.

O que é bem-vindo, visto que o foco narrativo acaba se voltando para Foster e a maneira com a qual ela lida e enxerga o mundo. Baseado na história real de Mohamedou Ould Slahi, o longa chama atenção pelo arrojo cinematográfico, filmando tomadas extensas e visualmente marcantes das sessões de tortura sofridas pelo preso político. Com The Mauritanian é assim: você chega pela presença (e vitória no Globo) de Jodie Foster, mas fica pelo talento borbulhante de Tahar Rahim. – Vitor Evangelista

Moxie: Quando as Garotas Vão à Luta (MOXiE!, Amy Poehler)

Apostando no dia a dia high school, e quase acertando a superficialidade, Moxie: Quando as Garotas Vão a Luta é o tipo de filme a qual críticas aprofundadas quanto a militância inacessível devem passar bem longe. Sem o intuito de explorar todas as facetas do feminismo, e olha que são muitas, o lançamento da Netflix é aquela obra onde não dá para pesar nos julgamentos. Entender que as protagonistas estão apenas no início da jornada na luta contra o patriarcado, e que um clichê básico é necessário. 

Na cidade fictícia de Rockport, Vivian (Hadley Robinson), ao adentrar o Ensino Médio, começa a se questionar sobre como se posicionar quanto a igualdade de gênero, mas, principalmente, sobre a falta dela. Amy Poehler, além de diretora da produção também encara a mãe feminista fã do hino Rebel Girl, canção chiclete que promete te assombrar no meio da noite. 

Enquanto inicia anonimamente a revista feminista chamada Moxie no colégio, Vivan encara os assuntos que o público não cansa de ver, como o primeiro namoro e os dramas de amizade, temas que se entrelaçam muito bem com as discussões sérias que a obra se propõe a iniciar. Sem muita neura ou abordagens difíceis, o filme teen pode até soar bobo de primeira, mas é a pegada mais leve e simples que ajuda a compreender que as grandes lutas começam com os pequenos atos. – Isabella Siqueira

Um Príncipe em Nova York 2 (Coming 2 America, Craig Brewer)

Em 1988, o príncipe Akeem, do reino de Zamunda, partiu para os Estados Unidos em busca de sua noiva. Encontrou, no Queens, Lisa McDowell e a transformou em sua princesa. Os zamundanos ganharam uma linda história de amor para espalhar pelas gerações e o casal, com três filhas, prosperou no país africano. 33 anos depois, Eddie Murphy retorna ao seu papel icônico em Um Príncipe em Nova York 2 para descobrir que, na verdade, seu sêmen real gerou um herdeiro masculino e novaiorquino ao trono de sua linhagem. 

Eu digo 33 anos, mas poderia ser facilmente 33 semanas. Eddie Murphy e Arsenio Hall, ao reencontrarem Akeem e Semmi, não envelheceram um minuto. O carisma da dupla principal se manteve intacto na sequência que, mesmo não sendo tão atraente como sua antecessora, ainda arranca umas boas risadas do espectador. Com exceção da rainha Aoleon – Madge Sinclair faleceu em 1995 -, Patrice e Darryl, todos os personagens do primeiro longa participam da continuação. Só por esse fato, as quase duas horas não pesam em absolutamente nada, já que rever Murphy e Hall em seus papéis variados (Morris, Reverendo Brown, Randy Watson, Akeem, Semmi, Saul e Clarence) encanta qualquer resistente a revivals de filmes clássicos.

Dessa vez, quem assina a direção é Craig Brewer, que fez seu melhor em tentar recriar a atmosfera juvenil e debochada que John Landis idealizou lá em 88. Apesar do plot não chamar a maior das atenções, as adições de Leslie Jones, Jermaine Fowler e Tracy Morgan eram tudo que a gente precisava para completar o charme que o elenco original já carregava. O desenrolar da personalidade de Akeem, agora um rei que tenta fazer jus ao legado do pai, e sua relação embaralhada com as (muitas) mulheres de sua vida, o fazem fechar os olhos ao fato de que Zamunda possui uma futura rainha e não há tradição que não possa ser questionada. Mesmo que Um Príncipe em Nova York 2 deixe a desejar em alguns aspectos, a sensação de nostalgia e referências é tudo que a gente pode pedir de Murphy e Hall. – Caroline Campos

Godzilla vs. Kong  (Idem, Adam Wingard)

A briga do século finalmente está entre nós, infelizmente nas TVs e monitores, e não nas telonas do cinema. Desde que foi anunciado, Godzilla vs. Kong vem sendo hypado ao máximo, de forma justa. Quem não quer ver um lagarto de 120 metros lutando contra um macaco de 102, tudo isso em paisagens belíssimas? Pois é. E o filme é isso mesmo. Aqui, talvez o roteiro não importe muito, afinal, ninguém foi assistir ao longa esperando um texto complexo ou um drama entre os dois bichanos. Porém, essa natureza de pura ação e nada mais do filme, que invalida críticas mais ‘profundas’, também é, de certa forma, um problema. 

Longe de mim dizer que o filme não é inteligente o suficiente ou que a trama deveria focar em mais coisas além dos titãs, a questão não é essa. A produção tenta sim investir em uma narrativa minimamente interessante para os humanos, com Millie Bobby Brown reprisando as peripécias de Eleven, dessa vez ao lado de um conspiracionista da Terra Oca. Também temos a fofíssima Kaylee Hottle dando representatividade surda ao filme com a interessante e pouco explorada Jia. E mais um monte de gente com mil papéis que não tem tempo suficiente de tela para serem devidamente desenvolvidos. Mas, quem liga? Esse é o filme de Godzilla e Kong. 

O que eu gostaria mesmo era ainda mais dos titãs, com dois longas de 1h30. Antes da batalha, poderíamos ter tido mais uma produção solo de Kong e sua jornada para conquistar a Terra Oca. A escolha do estúdio de espremer duas histórias juntas em uma só pode ter ajudado nos custos milionários de CGI (e, talvez, mais um filme solo de Kong não seria tão rentável), mas prejudicou o foco, nos entregando uma bagunça narrativa que realmente só funciona pelos monstrengos quebrando pau. Mas… O que está feito, está feito, e é extremamente divertido de assistir. Qual a próxima fronteira da franquia? Rezo todos os dias para Godzilla e Kong trombarem com Clover. – Jho Brunhara

The World to Come (Idem, Mona Fastvold)

De cara, a paisagem bucólica acompanhada da narração poética de Abby, que tem em seu diário seu único confidente, revelam a melancolia da época e ditam o tom em The World to Come. No filme, que se passa em algum lugar dos Estados Unidos em 1850, Abigail (Katherine Waterston) vive uma vida pacata e dura com o marido, Dyer (Casey Affleck), de quem se distancia cada vez mais após a morte da filha. Praticamente isolados, o silêncio entre os dois é quebrado com a chegada de Tallie (Vanessa Kirby) e seu marido, que alugam um terreno próximo e fazem amizade com o casal. Com uma nova companheira com quem dividir a solidão, Abby se aproxima da cativante e intensa recém-chegada e as duas encontram uma na outra um refúgio da frieza e do vazio de suas vidas.

Lançado oficialmente em fevereiro, The World to Come, dirigido pela norueguesa Mona Fastvold, fez sua estreia em setembro no Festival de Veneza, em que Kirby também competia com Pieces of a Woman. A indicada ao Oscar é charmosa e instigante com Tallie, mas não ameaça o protagonismo de Katherine Waterston, que, em sua melhor atuação, exala todas as sutilezas das mudanças na vida de Abby, da melancolia à inquietação da paixão à melancolia novamente. Os homens também sucedem em seus papéis de maridos inconvenientes a ponto de serem insuportáveis e os resmungos de Casey Affleck, que faz a linha introspectivo compreensivo mas não gera empatia nenhuma, não fariam falta se os personagens fossem renegados a apenas um subtexto das protagonistas.

Apesar das atuações estupendas das atrizes, da direção que alterna entre sensível e distante de acordo com os relacionamentos retratados e da fotografia que destaca o bucolismo da paisagem, o ritmo lento torna as quase duas horas mais longas do que parecem. A atração de Abby e Tallie se dá aos poucos, como deve ser em um romance de época, e quando engata não falha em encantar, mas ainda é arrastada e não queima o suficiente para fazer jus ao sofrimento do desfecho. Ao final, The World to Come é como a narração do diário de Abby: poético e delicado, ainda que discreto e vagaroso. – Vitória Lopes Gomez

Dia do Sim (Yes Day, Miguel Arteta)

Imagine viver um dia no qual seus pais são obrigados a dizer sim pra tudo, desde o que será o café da manhã, até sua maior e pior arte. Essa é a premissa de Dia do Sim, o filme lançado pela Netflix conta com os incríveis Edgar Ramírez e Jennifer Garner em seu elenco, abrilhantando essa comédia família que tem o irresistível sabor de Sessão da Tarde. Recomendada a todos, é uma ótima escolha para se divertir e fugir um pouco da monotonia destrutiva dos tempos atuais.

A história se inicia com um casal topa-tudo que viveu à flor da pele seus anos de namoro e, de repente, se depara com a palavra sim sair do vocabulário após a chegada das crianças. Num lar transbordado de proteção – e de nãos -, os três filhos começam a se revoltarem com toda autoridade dos pais, entrando em consenso que um dia do sim seria a solução perfeita. Yes Day nos faz rir de forma leve e acerta no segmento de roteiro.

Além da parceria entre Jennifer Garner e Edgar Ramírez funcionar com cumplicidade, Jenna Ortega também chama a atenção em suas cenas interpretando a filha mais velha do casal. Já com o pé na adolescência, é a que mais sente falta de sua liberdade. A primogênita também é fã da cantora H.E.R. que faz uma participação especial no filme, deixando a produção ainda mais encantadora e sendo também um dos grandes motivos para você parar tudo que está fazendo e ir assistir Dia do Sim. – Ana Júlia Trevisan

Land (Idem, Robin Wright)

A dona de House Of Cards, mentora da Mulher Maravilha e amor da vida do Forrest Gump finalmente fez sua esperada estreia na direção cinematográfica. A obra que marca esse feito testifica também a versatilidade de Robin Wright. De seriados aclamadíssimos aos blockbusters de herói e clássicos do Cinema, o trabalho da vez da atriz e diretora tem um fundo indie e chega diretamente do Festival de Cinema de Sundance sob o título de Land. Num drama contido, o filme acompanha o processo de cura e redescoberta da vida de Edee (interpretada pela própria Robin), que se retira para uma cabana isolada nas montanhas de Wyoming depois de vivenciar uma tragédia. 

Sim, Land pode soar como uma mistura de Nomadland (sem incitar comparações, visto também que o intervalo de um ano que separa as produções é quase nulo na prática do Cinema) com Na Natureza Selvagem (dirigido pelo ex-marido de Wright). Mas Robin é senhora de seus caminhos e rege seu próprio balé em uma obra reflexiva, contemplativa e por vezes inconsistente – débito que pode ir pra conta conta do roteiro de Jesse Chatham e Erin Dignam -, refletindo a jornada interna de sua personagem, longe de melodramas e adorações ao sofrimento.

O mais marcante, dentre as paisagens belíssimas da fotografia de Bobby Bukowski, a trilha que passa por The Staves e Bruce Springsteen sob a supervisão de Ben Sollee e Time for Three e da sempre excepcional destreza da atuação de Wright que encontra ainda mais encanto junto de Demián Bichir, é a segurança de sua diretora. Land tem seus defeitos, mas nenhum deles é a soberba ou a necessidade de se engrandecer, se mostrar ou se provar em meio às tantas produções iniciantes forçadas para serem surpreendentes. Confiante de sua arte, Robin inicia sua filmografia assinando um filme singelo sobre solidão, bondade e restauração. – Raquel Dutra

TV

Expresso do Amanhã (Snowpiercer, 2ª temporada, TNT/Netflix)

O novo ciclo de Expresso do Amanhã segue sem rumo, muito semelhante ao próprio trem chamado Snowpiercer. Que muitas produções acabam perdendo o ritmo a gente já sabe, e infelizmente, esse foi o caso da série da TNT e da Netflix. Apesar da tentativa ousada de se distanciar da HQ e do filme dirigido por Bong Joon-Ho com um novo plot, a nova temporada é bem mais ou menos.

Continuando exatamente de onde a temporada passada acabou, a nova história retoma a conquista da democracia por Layton (Daveed Diggs) e o fatídico encontro com o Big Alice, trem de recursos comandado pelo misterioso Sr. Wilford (Sean Bean). Em um ponto comum, os dois trens concordam em uma trégua, e, de repente, o mundo está descongelando – um caminho previsível, mas justificável. Felizmente para eles, a esperança no planeta Terra ressurge, infelizmente para o público, isso acarreta na perda da única protagonista cativante da série, Melanie Cavill (Jennifer Connelly).

Com a perda de Melanie, o duelo agora se dá entre Layton e Wilford, que entre tapas e beijos seguem a temporada sem a maestria e inteligência da maquinista principal. Entre tramas paralelas sem sal, o sumiço da personagem e algumas sacadas óbvias de obras de ficção científica, a segunda temporada de Expresso do Amanhã perde o fôlego e fica travada no meio do caminho. Já os sentimentos de revolta e os ânimos exaltados que abalavam o trem do futuro ficaram lá na última revolução. – Isabella Siqueira

WandaVision (1ª temporada, Disney+)

Em março, chegou ao fim a primeira experiência da Marvel com a televisão. WandaVision foi idealizada com base nas décadas de sitcoms que a TV estadunidense possui e, para quem estava acostumado com narrativas lineares e previsíveis dos filmes do Universo Cinematográfico, foi uma baita surpresa. Enquanto tentamos entender por que diabos Wanda está em preto e branco e como Visão, que teve a cabeça dilacerada por Thanos em Guerra Infinita, anda e sorri em cena, a Marvel vai brincando com a nossa observação e com pequenas referências aqui e ali ao longo da série.

Como casal, Wanda e Visão são encantadores. Assisti-los se amando e se apoiando pelos nove episódios só ficaria melhor se tivéssemos, de fato, os visto assim nos filmes da Marvel. A dupla, mal aproveitada no cinema, tem a vida perfeita com a rotina perfeita e os filhos perfeitos. Infelizmente, a trajetória esburacada de Wanda Maximoff não demora muito para se sobressair. Perdida no próprio mundo que construiu para tentar lidar com o luto gigantesco que carrega em si, a personagem magistral de Elizabeth Olsen suga toda a empatia que o espectador tem a oferecer. Sentimos a dor e o desespero de Wanda em cada expressão que remete ao seu passado – especialmente em meio a tantos flashbacks daquele (sim, você sabe qual) episódio. 

A estrela do show, amada e odiada, dona de tudo que toca, entretanto, foi ela: Agatha Harkness. Não há nada que Kathryn Hahn não possa fazer, e ela deixou isso bem claro com a sua milenar bruxa embebida de poder que se entretém com o sofrimento de Wanda. Claro, nem Harkness esperava o nível da força da Feiticeira Escarlate, mas os confrontos das personagens são no mínimo interessantes. Se o arco do lado de fora não chama muito a atenção, as aparições de Pietro, a convivência de Billy e Tommy e a tentativa de Visão em entender Westview é o que fazem a primeira e única temporada focada em Wanda ser tão especial. Agora, é vez de Bucky e Sam. – Caroline Campos

RuPaul’s Drag Race UK (2ª temporada, BBC Three) 

A segunda temporada de Drag Race UK, infelizmente, chegou ao fim em março. Apesar dos episódios gigantescos, dos mini challenges enormes e dos maxi challenges maiores ainda, nós vamos sentir falta desse elenco. Onde falta espontaneidade e descontração no programa ‘original’, aqui sobra. Se tem algo que as versões estrangeiras da competição de RuPaul nos ensinam, é que há algo de errado com o perfeccionismo da produção estadunidense. Enquanto isso, no werkroom britânico, a equipe por trás das câmeras, um pouco mais despreocupada com a edição perfeita, permite que a naturalidade das queens transpareça, e tudo flui como um dia já fluiu na terra da Tia Sam.

Mas saudosismo é coisa de gente inerte, vamos falar do presente. Lawrence Chaney é a primeira vencedora gorda da franquia. Demorou, mas finalmente aconteceu, e com um nome merecidíssimo. Como sempre, teve chororô dos fãs do programa, cyberbullying problemático e discussões polêmicas, mas agora pouco importa. A talentosa queen escocesa se juntou ao panteão de Drag Race. Nesse elenco não faltou personalidades memoráveis: Ginny Lemon espremeu um limão no olho de RuPaul e abandonou o palco antes mesmo de dublar, sendo a única a nunca ouvir um sashay ou shantay; Tia Kofi transbordou carisma e se imortalizou com falas icônicas; e A’Whora e Tayce nos deixaram babando de tanta beleza e nerve. 

Veronica Green infelizmente nos deixou antes da hora. Quando as gravações da temporada voltaram após meses, por conta da pandemia, a londrina testou positivo para o maldito vírus e precisou ficar em casa. A boa notícia é que ela competirá na próxima edição, e, se o universo permitir, mais polida que nunca. Bimini Bon-Boulash perdeu a Coroa mas ganhou o mundo. Posso afirmar, sem receios, que a britânica não-binária e vegana é uma das mais fortes competidoras que já passaram pelo programa, e já é muito maior que as bordas de Drag Race. Excelente nos desafios de comédia, excelente nos de atuação, nos musicais, nas acrobacias, com impecável senso estético, inteligente e absurdamente carismática. Pensando bem, a Coroa realmente ficaria apertada nela. – Jho Brunhara

Allen contra Farrow (Allen v. Farrow, Minissérie, HBO)

Woody Allen é um crápula. Não há discussão quando o assunto é sua índole, seu caráter ou a maneira com que lidou com a crise midiática dos anos 90, quando sua filha Dylan o acusou de abuso sexual. Kirby Dick e Amy Ziering, responsáveis pelo documentário The Hunting Ground, aproveitam o longo formato de minissérie proposto pela HBO para dissecar os eventos no passado e as consequências do presente em Allen v. Farrow.

Despreocupada em ouvir ‘o outro lado’, a minissérie documental em 4 extensos capítulos, se baseia, ouve e ampara Dylan Farrow e sua mãe, Mia. A produção recapitula tudo com imagens de arquivo pessoal de Mia, enquanto contragolpeia os testemunhos de Allen com excertos de um áudio livro lançado em 2020. O momento do abuso no sótão, a guerra de tabloides e o casamento do diretor com Soon-Yi, filha de Mia, são documentados com o olhar e a complacência dos cineastas.

Dylan Farrow abre o coração e descasca os traumas, ao passo que Allen v. Farrow cria uma rede de apoio para a mulher. Ouvimos seus irmãos, sua mãe, advogados, médicos, todos corroborando a história dela, com provas e documentos. O final, Part 4, se estende por quase 80 minutos, investigando o papel da cultura nisso tudo. Atores famosos defendendo Allen em 2014, mas que voltaram atrás e apoiaram Dylan em 2018. Na eterna discussão de separar a arte do artista, Allen v. Farrow não se compromete em soar imparcial. Passadas mais de quatro horas, a ideia é a mesma: Woody Allen é um crápula. – Vitor Evangelista

Filhas de Eva (1ª temporada, Globoplay)

Imagine personagens reais, falhos e complexos. Adicione uma trama envolvente, trilha sonora de arrebatar, um elenco que mistura grandes nomes e novas revelações. Coloque também uma boa pitada de excelente direção de arte e textos que emocionam e você terá a receita certeira de um produto audiovisual de qualidade, que prende o espectador do primeiro ao último segundo. Foi trilhando esse caminho para o sucesso que o Globoplay estreou em 8 de março – Dia Internacional da Mulher – a deliciosa e envolvente série de doze capítulos, Filhas de Eva. 

Protagonizada pela gigante Renata Sorrah, que rouba os holofotes da série em cenas que vão do drama ao puro humor, com doses excelentes de romantismo, e acompanhada pelas também veteranas Giovanna Antonelli e Vanessa Giácomo, a história nos serve como uma dramédia das boas. Stella, interpretada por Sorrah, é casada há 50 anos com Ademar (Cacá Amaral), por quem se anulou e girou toda sua vida em volta, e durante a comemoração do aniversário de casamento, toma a drástica decisão de pedir o divórcio, em público, almejando apenas se reencontrar. Lívia (Antonelli), sua filha, é uma mulher casada e mãe de uma adolescente, profissionalmente satisfeita porém com um casamento que já viu dias melhores com Kleber (Dan Stulbach), um terapeuta raso e egocêntrico, que inicia um caso com Cléo, personagem de Giácomo, que por sua vez, torna-se amiga de Lívia sem ao menos saber quem ela é, entrelaçando assim os enredos da trama.  

É com o pedido de divórcio que Stella vira sua vida de cabeça para baixo numa jornada de autoconhecimento, revolução e busca pela liberdade, reencontrando antigos amigos e abrindo espaço para novas pessoas em sua vida. Filhas de Eva é uma série sobre a jornada, não apenas da protagonista, mas como de todos os outros personagens. É dessas séries que te colocam para sorrir ou se emocionar com facilidade, em cenas que podem entrar para o hall de takes memoráveis da TV brasileira, e tudo isso, com uma belíssima pertinência temporal e críticas políticas que se embrenham no enredo bem construído. É ótima pedida para uma maratona, sem deixar  a desejar à grandes séries em que se baseia, como Big Little Lies e This is Us. – Marina Ferreira

Oprah entrevista Meghan Markle e Príncipe Harry

Só Oprah Winfrey para dar conta de uma entrevista com ex-membros da família real britânica. A maior apresentadora dos Estados Unidos recebeu Harry e Meghan Markle para uma conversa franca no horário nobre da televisão norte-americana transmitida no canal da CBS no dia 7 de março. No quintal de sua nova casa, o casal falou sobre os motivos que os levaram a deixar sua posição dentro do reinado de Elizabeth II, bem como a vida que constroem agora na Califórnia. 

Guiada pelas perguntas e reações hospitaleiras e sempre atentas de Winfrey, a entrevista apresentou uma Meghan serena, machucada e determinada a dividir a sua verdade ao lado de um Harry um pouco mais incisivo, magoado mas ainda firme e seguro de suas próprias ações. Desamparo, danos psicológicos, racismo e “medo da historia se repetir” resumem o desabafo do casal, que ainda usaram o termo ‘firma’ alguma das vezes em que se referiram à família.

Para quebrar a tensão da conversa, Oprah ainda conheceu alguns espaços do novo lar de Harry e Meghan e deu o furo sobre o sexo do novo bebê do casal, mas é fato que o que ficou marcado foram as revelações sobre as atitudes da família real, que embora nada levianas, estão longe de ser uma completa surpresa. Muito mais do que fofocas reais, o que se vê nos 90 minutos de desabafo do casal à Oprah – que mesmo verdadeiro ainda constrói uma estratégia midiática cheia de intenções -, também rende um retrato das problemáticas oriundas do imaginário colonial, muito bem figurado na monarquia do Reino Unido. – Raquel Dutra

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Victória Rangel

Cobra Kai está de volta como um presente de ano novo para seus fãs! Lançada pela Netflix em janeiro de 2021, a terceira temporada da série baseada no filme Karatê Kid (1984) traz de volta importantes personagens do passado. E, se você, como eu, não se lembrou de alguns detalhes da série, não se preocupe! A gente tem um texto especial aqui no site e a Netflix também oferece um breve resumo da segunda temporada antes da próxima começar.

Tudo começa de onde parou: Miguel (Xolo Marieña) está no hospital, Johnny Lawrence (William Zabka) bebendo, desolado e à procura de encrenca (exatamente como no começo da primeira temporada). O esquema original da série permanece igual. Flashbacks com cenas originais das sequência Karatê Kid, referências divertidas sobre outros filmes e programas de TV e a finalização dos episódios com mensagens motivacionais, a fórmula de Cobra Kai é a mesma.

O que vem de novo é a história de sensei Kreese. Com cenas de sua experiência lutando pelos EUA na Guerra do Vietnã, tudo indica que existe um elemento motivador que transformou John Kreese (Martin Kove), um jovem soldado, no sensei vilão que ele é hoje. É nesse momento, também, que entendemos a razão de seu dojô se chamar Cobra Kai. Vale pontuar, ainda, que a guerra é representada pelo ponto de vista norte-americano, o que nos fornece a imagem parcial de vietnamitas como inimigos inescrupulosos.

Outro passado que ressaltamos é o de senhor Miyagi. Daniel (Ralph Macchio), para lidar com um grande problema de sua empresa (a concessionária LaRusso), vai ao Japão. Em Okinawa, terra natal de seu sensei, reencontra figuras importantes que conheceu quando visitou a ilha pela primeira vez, em 1985. Dentre elas, estão Kumiko, uma bailarina por quem se Daniel se apaixonou quando jovem, e Chozen, um inimigo carateca com quem lutou nos anos 80. Agora, LaRusso aprende com eles duas lições que serão imprescindíveis para entender a linha narrativa dessa temporada de Cobra Kai: que a defesa tem muitas formas, e que se espalhar o bem pelo mundo, “ele voltará para você”.

Johnny Lawrence, por sua vez, continua em sua busca para tentar se reerguer na vida. É importante lembrar que, nas primeiras temporadas, o sensei representou uma importante figura paterna para seu aluno Miguel e, agora, tenta ajudar a custear uma cirurgia necessária ao adolescente. Para isso, participa de entrevistas de empregos (daquelas famosas que começam bem e dão comicamente errado no final) e até recorre à família de seu padrasto, a quem detesta. Nessa empreitada, acaba deixando seu filho biológico, Robby (Tanner Buchanan), de lado, e o menino segue desaparecido desde o acidente na escola.

Johnny é uma personagem engraçada e cheia de falhas que ajuda a dar certo dinamismo à série. Na terceira temporada, o sensei é introduzido ao mundo do flerte online – todos nos lembramos bem das dificuldades de Johnny com computadores e a internet. E ele permanece o mesmo, chegando a colocar uma pergunta típica de muitas avós internautas da nossa geração: “Quanto tempo demora para uma mensagem chegar no Facebook?”.

Lembram daquela jovem loira que ficava com Johnny e acabou namorando Daniel no fim do primeiro filme, em 1984? Ali (Elizabeth Shue), uma das motivações para a inimizade entre Lawrence e LaRusso, também reaparece. Sua presença, agora como uma mulher independente e recém-divorciada, nos faz imaginar como seria a vida de Johnny a seu lado, caso os dois ficassem juntos afinal.

Robby continua fugindo após ter sido responsável por empurrar Miguel na icônica luta que finalizou a segunda temporada – aquela iniciada por Tory, a namorada de Miguel e aluna de sensei Kreese, que via em Sam uma inimiga dos dojôs e da vida amorosa. Cabe aqui comentar que a personagem de Tory, interpretada por Peyton Roi List, é quase que afetada demais. Veja bem, a gente sabe que ela é uma das vilãs da produção, mas talvez isso poderia ser colocado em uma atuação mais sutil.

Falando em atuações, a de Jacob Bertrand, que interpreta Hawk, por outro lado, é de tirar o chapéu. O aluno do Cobra Kai vai se tornando um vilão inveterado, que até lidera um grupo de bullies que usam o caratê para intimidar seus alvos – e é curioso lembrar de quem era o jovem era no começo da produção, antes de assumir seu cabelo moicano e mudar de apelido.

Essa temporada de Cobra Kai tem de tudo, até perseguição de carro! Tem também muitas cenas de luta e cortes de cena bem precisos. Um exemplo desse último se dá quando Kreese insinua amputar o dedo de um oponente na guerra e, na sequência, Miguel aparece cortando uma salsicha, provocando certa inquietação em quem está do outro lado da tela. Outro detalhe que merece atenção é a clássica trilha sonora dos anos 80, que continua seguindo a linha da primeira e da segunda temporadas. Mötley Crüe, W.A.S.P. e The Moody Blues compõem a sonoplastia, junto a outros diversos artistas de rock, heavy metal e pop.

Um dos pontos que garantem o humor da série são suas referências a outros elementos do audiovisual norte-americano. Por conta da luta que colocou Miguel em coma, a escola organiza um conselho para sugerir a proibição da prática do caratê na cidade. É nessa hora que Daniel, um dos muitos pais presentes na reunião, se opõe e rebate a ideia, sugerindo que aquela situação se assemelhava a um Footloose do caratê. Outra menção divertida se dá quando os rivais reencontram sua namorada da juventude, e Johnny e Daniel são comparados a Friends e Seinfeld, duas sitcoms sobre um grupo de amigos de Nova York.

A ideia de gerações mais jovens ensinando às mais velhas que existe preconceito em palavras usadas corriqueiramente também continua presente. Como quando Lawrence chama um grupo de asiáticos de “os chinas” e é corrigido por um de seus alunos, que o ensina sobre o teor inapropriado do termo. Na hora de fazer bullying (uma prática recorrente em todos os episódios), contudo, muitas personagens ainda recorrem a velhas e inconvenientes piadas machistas.

Talvez porque a empolgação inicial já não é a mesma, ou porque é tanto alto e baixo ao longo da história, fica um pouco difícil de maratonar essa temporada. Afinal, agora surgem 3 dojôs rivais e as personagens são muitas. Em certos momentos, a gente até pensa “ué, cadê tal pessoa?”, e ela provavelmente voltará somente no próximo ou daqui a dois ou três episódios.

Mas não desanime, viu? Independente de qualquer crítica, os 10 episódios valem a pena só pelo final da temporada! Reviravoltas emocionantes de arrepiar nos fazem querer sair lutando caratê pela sala, e nós aprendemos que o inimigo do nosso inimigo é, na verdade, nosso amigo. Cobra Kai deixa a promessa de continuar e trazer, consigo, um possível grande torneio de karatê.

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Gabriel Gomes Santana

Originalmente lançada pelo YouTube, Cobra Kai traz novamente as atuações de Ralph Maccio e William Zabka revivendo os clássicos papéis de Daniel Larusso e Johnny Lawrence, respectivamente. No entanto a empresa decidiu não continuar com produções que sejam originais e roteirizadas. Devido às interrupções das gravações, a Netflix viu uma possibilidade de compra dos direitos da produção, passando a  disponibilizar a série e financiar sua terceira temporada, que será lançada em 2021.

Com um enredo nostálgico e igualmente irreverente, o seriado colocará o espectador mais fiel ao primeiro filme em contato com novas abordagens sobre uma rivalidade que dura 34 anos. Da mesma maneira, a condução dos episódios proporcionará ao público mais jovem a possibilidade de aprender com um clássico dos anos 1980 através de duas temporadas nada convencionais. Em outras palavras, a trama nada mais é do que um “clichê inovador”.

Os produtores Jon Hurwitz, Josh Heald e Hayden Schlossberg apostaram em uma série que conseguisse unir gerações, trazendo o apelo de uma narrativa antiga de sucesso que sabe dialogar perfeitamente com a era dos remakes. Para o trio criador de Cobra Kai, o intuito é que possamos dar segundas chances aos personagens, sem deixar de lado a rivalidade de duas figuras icônicas que se odeiam, e ao mesmo tempo, se complementam.

Nesta nova jornada o foco da história não está mais voltado à Daniel Larusso, e sim para Johnny Lawrence, conhecido por muitos como o antagonista do universo de Karatê Kid. Desta vez, o garoto mimado e valentão de Encino Valley – distrito da cidade de Los Angeles onde é ambientada a série – se encontra na casa de seus 50 anos de idade, tendo que lidar com o fracasso de sua vida pessoal. 

Se engana quem pensou que Johnny Lawrence estivesse bem de vida, mesmo após ter deixado a Academia Cobra Kai de lado. Geralmente nos lembramos apenas do campeão da história, do mocinho ou ainda da jornada do herói. Fato é que o antagonista não está esquecido por completo, e reserva muitas curiosidades sobre como sua vida mudou desde o dia da derrota no fatídico campeonato karateca. 

Ele agora trabalha como faz-tudo, desempenhando serviços de manutenção em mansões de Los Angeles e tendo que lidar com diversos problemas logo nas cenas iniciais da primeira temporada. Descobrimos que ele tem um herdeiro e devido a muitos percalços financeiros, como embriaguez e a falta de uma companhia amorosa, ele ainda enfrentará a rejeição de seu único filho, Robby. Geralmente os vilões têm filhos que simpatizam com seus pais, mas este não é o caso de Cobra Kai.

Mas e o nosso tão amado Daniel Larusso – conhecido por muitos como Daniel San graças à maneira como seu mestre Miyagi o tratava -, como ele está? O jovem aprendiz do grande sensei Noriyoshi Miyagi (Pat Morita) agora é um tiozão dono de uma concessionária automotiva. Bem-sucedido no ramo, Larusso ainda é reconhecido por muitos como alguém vitorioso graças ao karatê, que serviu como importante ferramenta para alavancar sua carreira como empresário.

Daniel Larusso diverge opiniões entre os fãs, tanto os de longa data, como aqueles que o acompanham durante a série. Daniel terá o dever de se desvincular aos fantasmas do passado. As lembranças de Mr. Miyagi são dolorosas para ele, uma vez que reverencia tudo o que lhe fora ensinado por seu mestre com gratidão, no entanto se vê despreparado para ser o novo sensei de Miyagi-Do Dojo.

Com a estreia de Cobra Kai, muitos fãs da saga Karate Kid passaram a questionar a índole de Daniel San, vista por uma parcela considerável do público como desonesta ou ainda imoral. Por conta dos episódios iniciais do seriado, que conduzem o espectador de maneira que este esteja na pele de Johnny, percebemos que há uma certa falta de empatia de Larusso pela situação de Lawrence (talvez não propositalmente).

O seriado consegue trazer uma boa inclusão aos personagens secundários, que servirão como novos aprendizes da velha guarda do karatê. Eu estou falando sobre os papéis de Miguel Díaz (Xolo Maridueña), Samantha Larusso (Mary Mouser) e Robby Keene (Tanner Buchanan). Os três irão se envolver em um triângulo amoroso complexo carregado de influências do passado.

Miguel Díaz incorpora o clichê do pupilo karateca que quer se livrar das ameaças de bullying sofridas no colégio. Mais do que isso, o rapaz terá que lutar para encontrar sua própria personalidade através da arte marcial japonesa. Ninguém melhor do que um degenerado como Johnny Lawrence para melhorar a autoestima do garoto, não é mesmo?

Cobra Kai constrói dramatizações simples através de novos elementos em contato com a temática old school. A proposta consegue aliar as experiências de um homem que viveu o auge da década de 1980 com a pureza de um jovem cheio de sonhos e bastante esforçado. Miguel é um menino que demonstra dificuldades na busca de uma auto aceitação e confiança em si mesmo. Já Lawrence é um cara bruto, que parou no tempo, e que precisa repaginar sua vida através do suporte de alguém que não o enxergue com maus olhares.

Toda trama precisa de uma paixão adolescente para se firmar como um sucesso clichê. Mas afinal, se isso não rendesse visualizações, A Barraca do Beijo não teria a popularidade que teve, e por isso Samantha Larusso se sagra como a adolescente com um dilema afetivo necessário para o enredo. Pelo sobrenome, já dá para ter uma ideia de quem ela é filha e em razão disso teremos muitos conflitos entre a garota e suas raízes. 

Samantha, assim como Miguel, vive um período de descobertas. Cansada de estar rodeada por pessoas falsas, a jovem buscará ter por perto alguém que a faça se sentir confortável por ser quem ela realmente é, independente se esta pessoa será o filho ou aluno do arquirrival de seu pai. O bom é que ela sustenta muitos traços de personalidade de seu progenitor e assim, veremos que é chegada a hora de Daniel Larusso passar todo seu conhecimento karateca adiante.

Toda história de amor precisa de algum obstáculo, no caso eu estou me referindo a Robby Keene: a pedra no sapato de Miguel. O rapaz não teve nenhuma influência paterna para corrigir suas falhas e por isso, não lhe restou escolhas senão trilhar sua própria caminhada perto de más influências. A questão principal é que haverá um contato do mesmo com a família de Daniel Larusso. Devido a este acontecimento a chama amorosa irá tocar seu coração por completo, fazendo-o refletir sobre sua relação com seus pais e sua maneira de enxergar a realidade. Como mencionado parágrafos acima, o garoto é negligenciado por seu pai (Johnny Lawrence) e por isso acaba tomando atitudes bem rebeldes.

Toda dramatização de Cobra Kai abre margem a diversas reflexões, mas é inegável não se atentar ao fator autoestima e como ela é algo determinante na vida das personagens. Se por um lado temos Daniel como alguém bem-sucedido, isto é porque ele teve o apoio e o reconhecimento de pessoas que o associam a um acontecimento visto de forma positiva por todos na cidade: ter vencido o campeonato de karatê com um golpe icônico. Por outro lado, Johnny que havia feito de tudo para agradar seu mestre e mesmo assim acabou sendo rejeitado por todos incluindo ele, John Kreese (Martin Kove), sensei dos Cobra Kai.

Anos mais tarde, os poucos que se recordam de Lawrence o tem na memória como “o sujeito que perdeu a luta para Daniel Larusso”, diminuindo ainda mais a autoestima do protagonista. Disposto a mudar todo o legado agressivo que lhe foi concebido no passado, o mesmo deseja mais do que nunca fazer a coisa certa e ensinar a arte marcial a Miguel e outros alunos que se sentem rejeitados pela vida.

Sob o ponto de vista técnico, a produção é capaz de brincar bastante com a memória do espectador. Todos os cenários de Karatê Kid – A Hora da Verdade são reconstruídos, mas ainda são capazes de relembrar os anos 1980. Os flashbacks trazem à tona a riqueza da nostalgia do primeiro filme, assim como revelam muitos mistérios.

Algo bastante agradável em Cobra Kai é a trilha sonora que compõe as duas temporadas. Totalmente retrô e pensada com a mentalidade de Karatê Kid, as músicas fazem um excelente pano de fundo para a performance da trama. It’s my life, The Moment Of Truth, Paint it, Black , The Best, The Show Must Go On e muitos outros sucessos da década de 1980 são tocados.

Outro ponto de destaque no enredo está no uso do karatê como válvula de escape para os problemas pessoais. A arte marcial acaba sendo mais do que uma prática de luta, ela é uma filosofia de vida que auxilia na construção das trajetórias de Larusso e Lawrence, uma vez que ambos são orientados a seguir os ensinamentos que lhe foram passados por seus respectivos mestres (senseis), como uma espécie de guia espiritual.

No fundo, notamos que o foco da narrativa explora novos olhares aos personagens tidos como “bonzinhos” ou “vilões”. A série fará com que o espectador seja ousado e se arrisque a entender que todos os envolvidos na trama podem cometer erros, passando por dificuldades e tendo que lidar com seus traumas de maneiras distintas. Dificilmente os remakes de obras consagradas conseguem atender às expectativas das gerações passadas que acompanharam a originalidade das primeiras versões.

Porém o trio de quarentões Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg e Josh Heald garantem uma excelente narrativa, confortando as viúvas da franquia de Karatê Kid. Ao ousar no clichê nostálgico, diferente pela reapresentação dos personagens, podemos dizer sem dúvidas que Cobra Kai é como o tênis All Star : um retrô que se renova sem jamais perder sua clássica essência.

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