Jamily Rigonatto 

Uma travessia de 180 km, Annette Bening e Jodie Foster, a soma equaliza uma das maiores produções inspiradas em histórias da vida real dos últimos anos: NYAD. A trama lançada pela Netflix em 2023 traz um combo de veracidade, suspense e uma atuação de primeira, com um equilíbrio bastante acertado. Dirigido por Jimmy Chin e Elizabeth Chai Vasarhelyi, o longa-metragem mixa tons de persistência e uma ousadia quase negligente.  

O filme conta a história da nadadora Diana Nyad (Annette Bening) que, aos 60 anos, vai em busca de refazer um feito que tentou aos 28: atravessar o oceano de Cuba até a Flórida nadando. O sonho que já parecia completamente insano na juventude, quando a protagonista persistiu por 42 horas no trajeto com uma gaiola de tubarão, mas não conseguiu aguentar, agora soa impossível. No entanto, quebrar as regras do lógico é uma das características desta história.

A questão de correr riscos não se limita a Nyad enquanto pessoa ou personagem, mas também é compartilhada pelas escolhas de roteiro do longa. Os frames decidem seguir por um caminho que poderia dar completamente errado, já que juntam cenas da verdadeira nadadora quando estava na casa dos 20 anos com a atuação impecável de Bening a interpretando na terceira idade. Em uma completa imprevisibilidade, o recurso funciona perfeitamente bem. As duas definitivamente são uma e não há como questionar. 

O movimento entrega quem está por trás do enredo, que tem como nomes responsáveis o de Julia Cox e o da própria Diana Nyad. Assim, percebemos o motivo da narrativa tratar tudo com tantos detalhes e conseguir levar a atleta para a tela em literalidade. Sobra também a sensação de que assistir a produção é uma experiência entre invadir os bastidores de um dos maiores feitos da história do Esporte e ver flashs de um documentário bem embasado. 

Uma jornada como a de NYAD não poderia ser feita em papel solo e aí entra a presença de Bonnie Stoll (Jodie Foster). A treinadora e a nadadora são sublimes juntas, completamente capazes de encantar os espectadores mais exigentes. O companheirismo, a cumplicidade e a comicidade na relação entre as duas são completamente intoxicantes – na melhor das versões do termo. 

Fica um lembrete de que a atuação de Foster é totalmente acertada. Ela passeia entre ser dura, como são as treinadoras, e emocionada, como são as amigas, resultando em alguém que se compara a quem está do lado de fora. Ao apoiar a protagonista nessa aventura ‘fora da caixinha’, há o cumprimento do ideal de que, sim, podemos fazer qualquer coisa. Entretanto, também sobra preocupação e uma jornada de desespero e medo. 

É essa dualidade que talvez cause o maior dos incômodos ao assistir o filme. Por um lado, é muito inspirador ver uma mulher que aos 60 anos não desistiu do seu sonho, luta por ele e o conquista. Por outro, é extremamente agoniante testemunhar a jornada de alguém que simplesmente se joga aos tubarões por uma conquista que, talvez, nem seja tão relevante quando você já foi uma das maiores de sua época.

Apesar dos pesares, NYAD vem do real e não cabe a nós questionar um sonho. Ainda mais quando ele resulta em uma história que já é incrível fora do audiovisual e, dificilmente, se tornaria menos interessante no vídeo. É claro que o Oscar 2024 também não discorda e a obra concorre nas duas categorias femininas de atuação, com Jodie Foster indicada a Melhor Atriz Coadjuvante e Annette Bening a Melhor Atriz.

As atrizes também foram notadas por outras premiações de peso, como o Globo de Ouro, nas categorias Melhor Atriz em Filme de Drama e Melhor Atriz Coadjuvante. Afinal, elas de fato merecem ser reconhecidas, já que encarnaram suas personagens. Além disso, a produção concorre como Melhor Filme no GLAAD Media Awards, que acontece no dia 14 de Março de 2024, pouco após a cerimônia do Oscar no dia 10. 

Ao fim, não existem dúvidas, NYAD vale mais que a pena. Do dinamismo ao suspense, tudo é bem feito o suficiente para merecer uma apreciação com direito a pipoca e ‘gritinhos’ de incentivo a Nyad como se aquilo estivesse acontecendo ao vivo. Também é o tipo de história que com certeza precisa ser conhecida e não há nada melhor do que fazer isso por meio de uma boa produção audiovisual.

Por aqui não costumamos datar os textos, mas seria impossível a crítica sobre uma grande mulher sair no dia oito de Março e não lembrar do Dia Internacional das Mulheres. Diana Nyad é gigante, apesar das controvérsias, e é sempre um prazer assistir obras que contemplam figuras femininas donas de si e, com certeza, representam essa data com destreza. Nem a fúria de um oceano conseguiu parar uma mulher determinada, porque na narrativa de quem se escreve, não existem obstáculos capazes de impedir a vitória. 

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Vitória Lopes Gomez

Pela primeira vez em 94 edições de Oscar, duas pessoas pertencentes à comunidade LGBTQIA+ disputam em categorias de atuação no mesmo ano. Kristen Stewart, indicada a Melhor Atriz por Spencer, e Ariana DeBose, em Atriz Coadjuvante por Amor, Sublime Amor, ambas assumidamente queer, fazem da nonagésima quarta temporada do evento histórica. Somando ao avanço, o maior mencionado da premiação, Ataque dos Cães, e o documentário Flee, que também fez história esse ano, tratam de temas ligados à homoafetividade. Tudo isso em 2022, antes tarde do que ainda mais tarde para uma Academia de Artes e Ciências Cinematográficas atrasada em reconhecer a diversidade.

Esse ano, só na atuação, o número tinha a chance de ser maior: Tessa Thompson e Robin de Jesús poderiam acrescer ao recorde de 2022, se não tivessem sido esnobados por suas performances em Identidade e tick, tick… BOOM!, respectivamente. E não que a comunidade LGBTQIA+ não tenha tido outras vitórias e participações na maior premiação do Cinema, mas a conquista indica, ao menos, um aceno a uma maior visibilidade aos profissionais, como prometido. Sem contar que, em edições passadas, muitos dos premiados nas categorias também não eram assumidos à época de suas indicações, e, agora, as atrizes poderão subir ao palco sem preocupações.

Antes um termo ofensivo na língua inglesa, a comunidade LGBTQIA+ ressignificou o “queer”: agora, serve como uma palavra guarda-chuva para abarcar pessoas de minorias sexuais e de gênero, que não se identificam como heterossexuais ou cisgênero. E, apesar de somente duas atrizes dos 20 indicados em atuação serem queer, finalmente é a mensagem que fica, ainda mais para uma premiação historicamente excludente como o Oscar. Exclusão essa que inclui também minorias raciais, de gênero e de etnias, e obrigou a organização da premiação a estabelecer critérios e medidas que assegurem a diversidade de seus candidatos (ainda que só na categoria de Melhor Filme), assim como a pluralidade de sua banca votante – antes, composta majoritariamente por homens brancos, heterossexuais e de idade avançada. É cedo, mas, aos poucos, o reflexo da decisão dá as caras.

Anteriormente, outros cineastas deixaram sua marca no Oscar, e mencioná-los é reconhecer os que lutaram antes de chegarmos até aqui. Em 1994, James Ivory foi a primeira pessoa LGBTQIA+ de que se tem conhecimento a ser indicada em Melhor Direção, por Vestígios do Dia (1993). O filme levou outros prêmios na edição daquele ano e o diretor foi mencionado novamente, mais recentemente em 2018, quando levou o troféu de Melhor Roteiro Adaptado por Me Chame pelo Seu Nome. Porém, apesar de ter passado boa parte da carreira colaborando profissionalmente com seu parceiro, o produtor Ismail Merchant, o cineasta, gay, não era assumido na época.

Depois dele, outros vieram, mas uma andorinha só não faz verão. De Melhor Canção Original a Melhor Roteiro Original e Melhor Direção, Elton John, Alan Ball, Todd Haynes, Jerome Robbins e John Schlesinger foram alguns dos nomes que receberam as honrarias máximas da premiação, mas, desses, só dois eram assumidos quando subiram aos palcos. Pedro Almodóvar era outro que também não falava sobre sua sexualidade quando recebeu a estatueta de Melhor Filme Estrangeiro, por Tudo Sobre Minha Mãe (1999), e Melhor Roteiro Original, por Fale com Ela (2002), o qual também foi indicado em Melhor Direção. 

Já nas últimas duas décadas, alguns dos nomes de destaque foram Dustin Lance Black, vencedor em Melhor Roteiro Original por Milk: A Voz da Igualdade (2008), e que agradeceu o ativista do título por ser uma inspiração, em seu discurso de agradecimento; a diretora e roteirista Dee Rees, indicada em Melhor Roteiro Adaptado por Mudbound: Lágrimas sobre o Mississipi (2017) e assumidamente queer; e Rachel Morrison, mencionada em Melhor Fotografia pelo mesmo filme. Artistas como Sam Smith e Lady Gaga também já levaram o prêmio, em Melhor Canção Original.

Ainda mais recentemente, o cenário tem mudado e é possível perceber um número maior de artistas abraçando publicamente a própria identidade. Isso, porém, ainda tem pouco reflexo nas indicações à maior premiação do Cinema. Embora muitos filmes com temáticas LGBTQIA+ tenham ganhado destaque e reconhecimento com o troféu dourado, a maioria dos protagonistas ou realizadores não fazem parte da comunidade que inspira as histórias. Em 94 anos de categorias de atuação, por exemplo, somente 2 atores eram assumidos na época em que foram indicados.

Eram eles o veterano Ian McKellen, nomeado em Melhor Ator por Deuses e Monstros em 1999, e Melhor Ator Coadjuvante, por Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel em 2002; e Angelina Jolie, que levou Melhor Atriz em 2000 por seu papel em Garota, Interrompida, e foi a única ganhadora queer até então. Outra vencedora notável, Jodie Foster levou o careca dourado duas vezes – uma em 1989, por Acusados, e outra em 1992, por O Silêncio dos Inocentes -, mas só se revelou lésbica publicamente em 2013, durante seu discurso de agradecimento no Globo de Ouro.

Em 2022, 2 de 20 ainda é um número absurdamente pequeno. Em passos de bebê, porém, já é um recorde, ainda mais se ambas Kristen Stewart e Ariana DeBose vencerem em suas respectivas indicações. Enquanto a intérprete da Princesa Diana enfrenta uma competição acirrada na categoria de Melhor Atriz, a Anita de West Side Story desponta como uma das favoritas ao troféu em Melhor Atriz Coadjuvante. 2 ainda é pouco, mas as talentosas mulheres queer competindo em 2022 indicam que o Oscar, finalmente, pode ir para frente.

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Vitória Lopes Gomez

“Essa é uma história real” é a frase que ocupa a tela enquanto Mohamedou Ould Slahi, interpretado por Tahar Rahim, caminha em uma praia no que seriam seus últimos momentos de liberdade por 14 anos. O quarto longa exibido no Festival do Rio 2021, O Mauritano traz à tona a história de Slahi, que, suspeito de recrutar terroristas para o atentado às Torres Gêmeas, foi capturado e enviado à Prisão de Guantánamo, onde permaneceu por anos sem nenhuma prova apresentada contra ele.

Baseado no livro autobiográfico do próprio Mauritano, O Diário de Guantánamo, o filme vai e volta entre os anos para contar os percalços de Mohamedou. Um estudante promissor, que saiu do seu país de origem no noroeste da África para estudar engenharia na Alemanha, Slahi foi mandado à base estadunidense devido a sua associação com membros da Al Qaeda. Por anos, ele foi mantido preso mesmo sem nenhuma evidência do envolvimento ou acusação formal contra ele. Quando o caso chega aos ouvidos da advogada Nancy Hollander, interpretada pela brilhante Jodie Foster, ela passa a trabalhar para garantir a justiça e tirá-lo de lá.

Guantánamo, um complexo penitenciário militar dos Estados Unidos em Cuba, foi usado pelo país para trancafiar supostos terroristas após o atentado de 11 de Setembro. Assim como Slahi, muitos prisioneiros foram torturados e abusados enquanto mantidos lá sem provas ou indiciamentos. Eles foram negados do seu direito a um julgamento, o governo norte-americano sequer chegou a acusá-los formalmente. Como os letreiros no filme lembram, dos 779 encarcerados, somente 8 foram julgados e condenados culpados – e 3 conseguiram recorrer à sentença. 

A Prisão de Guantánamo, que é até hoje conhecida pelas violações aos direitos humanos, é quase um personagem em O Mauritano e representa a ‘guerra ao terror’ travada pelos Estados Unidos após o atentado. Em seu interior, as atrocidades e abusos cometidos pelos oficiais norte-americanos eram justificados somente pelas suspeitas e pelo ‘dever moral’ do combate ao terrorismo, sem a menor consideração aos direitos constitucionais.

Alternando entre o presente do longa e os diversos momentos do passado de Mohamedou, em janelas diferentes e em um ritmo dinâmico, sequências chocantes e indignantes expõem as violações por parte do governo. Para recriar algumas das torturas que Slahi enfrentou na prisão, Tahar Rahim chegou a ficar sem comer por três semanas e usou algemas e correntes nos pés até que sangrassem, em uma performance espetacular que não por menos foi reconhecida com uma indicação ao Globo de Ouro.

Os flashbacks do passado servem no seu propósito de só aprofundar o personagem de Rahim e O Mauritano acerta em não culpar ou inocentar Slahi. A assistente de Nancy, Teri Duncan (Shailene Woodley), quer saber se o cliente cometeu os crimes, ele insiste que não. O militar Stuart Couch (Benedict Cumberbatch) e seus compatriotas não precisam de evidências para afirmarem que sim, o julgamento é meramente um meio para o fim para os oficiais.

É Nancy quem lembra: sem provas concretas, suspeitas são suspeitas e a luta é para que a Constituição seja seguida. O prisioneiro só pode cumprir sua pena após o julgamento, mas Slahi, inocente ou culpado, havia sido sentenciado sem um. Na sua volta à cela, a performance da veterana Jodie Foster a rendeu um Globo de Ouro como Melhor Atriz Coadjuvante. Isso porque os critérios se pautam no tempo de tela: em cena, a Nancy de Foster exala a competência da advogada, misturando confiança e sensibilidade, e se faz o centro das atenções em toda aparição.

Com um elenco famoso e talentoso à disposição, o diretor escocês Kevin Macdonald, de O Último Rei da Escócia, trabalha com seus três protagonistas. Enquanto Slahi é vítima das violências do governo estadunidense, expostas em sequências tristes e chocantes, Hollander deixa de lado qualquer falso moralismo nacionalista e se atém aos princípios que norteiam sua profissão. Do lado oposto, o militar e advogado de acusação Couch, religioso, conservador, próximo às vítimas do atentado, é a perspectiva do americano patriota na narrativa. 

Se a potência da história de Mohamedou acaba diluída nos conflitos morais dos seus companheiros de tela, os diferentes pontos de vista agregam à crítica que O Mauritano tem, por obrigação, de ter. Com uma tradição em filmes de guerra, até as produções americanas mais incisivas não fogem do seu patriotismo velado, mas a escolha de contar a história (ou pelo menos a maior parte dela) pela visão do prisioneiro, um homem muçulmano detido injustamente, foge do maniqueísmo usual. Ainda que eventualmente perca o foco entre tantas datas e lados, The Mauritanian usa das reflexões e dos questionamentos de Couch, de Teri e de outros personagens secundários para ressoar sua importância para além do caso de Mohamedou. 

Não se pode tomar uma adaptação cinematográfica da vida real ou de um livro autobiográfico como a realidade, mas, fato é, O Mauritano traz à tona eventos e discussões importantes. Talvez em um filme que denuncie casos e instituições reais, essencialmente político como é, discutir seus méritos importe menos do que discutir sua relevância.

Conhecer a história de Slahi importa, mas O Mauritano sabe que o buraco ainda é mais embaixo: como o monólogo do protagonista de Rahim atesta, ‘a maior democracia do mundo’ está longe do exemplo de liberdade e justiça que se gaba de ser. Os letreiros finais mostram como só 7 anos após ser absolvido, Mohamedou finalmente deixou Guantánamo e não foi o único a ter uma estadia injusta por lá. Pior ainda, as sequelas da era Bush e da ‘guerra ao terror’ continuam, do preconceito e das ofensivas à população muçulmana, até em seus países, à continuidade das atividades em Guantánamo. Ao final, seja qual for o saldo da experiência cinematográfica, o que fica é o que importa: essa é uma história real.

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Caroline Campos

Aconteceu Naquela Noite (1934), de Frank Capra, Um Estranho no Ninho (1975), de Milos Forman e O Silêncio dos Inocentes (1991), de Jonathan Demme, são o trio de ouro do Oscar. Os três integram o seleto grupo Big Five, dedicado aos filmes que levaram para casa as principais estatuetas da premiação – Melhor Filme, Ator, Atriz, Direção e Roteiro. No entanto, quando Elizabeth Taylor anunciou o último prêmio daquela noite de 1992 para a obra de Demme, ela também consagrou o primeiro Oscar de Melhor Filme para um longa de terror na história da cerimônia até então. Passados 30 anos, o impacto de O Silêncio dos Inocentes na cultura cinematográfica continua incontestável e não há nada que apague a reputação de Hannibal Lecter e Clarice Starling do imaginário popular.

Se há quem tenha se incomodado com a indicação de Viola Davis na categoria de atuação principal do Oscar 2021 por seu tempo de tela em A Voz Suprema do Blues, imagine para quem acompanhou, três décadas antes, a magnífica consagração de Anthony Hopkins por um personagem que aparece em cerca de 24 minutos durante o filme. Não há como argumentar: O Silêncio dos Inocentes é um clássico irrefutável. A caçada do FBI pelo serial killer Buffalo Bill somada à relação esquisita e complexa entre a jovem agente Clarice Starling e o psiquiatra canibal Dr. Hannibal Lecter ainda suscita discussões, análises e problemáticas por cada escolha narrativa da direção de Jonathan Demme e do roteiro de Ted Tally, baseado na obra homônima de Thomas Harris lançada em 1988.

Inicialmente, nem Hopkins nem Jodie Foster foram idealizados por Demme. Gene Hackman desistiu do papel de canibal e passou a bola para Sean Connery, que também pulou fora e caracterizou o roteiro como revoltante. O papel de Clarice transitou entre Michelle Pfeiffer e Meg Ryan, mas ambas recusaram por conta do teor da trama. Enfim, a dupla principal foi escolhida. Na época, Anthony estava com seus 53 anos e acreditou, pelo título, que se tratava de um filme infantil. Foster, no entanto, vinha de um Oscar de Melhor Atriz pela sua interpretação no filme Acusados. Não demorou muito para Jonathan Demme se tornar o diretor mais feliz do mundo com a sua decisão.

Nos anos 90, ter uma mulher à frente de um longa de suspense não era muito comum. O Silêncio dos Inocentes é filmado inteiramente sob o ponto de vista da personagem de Foster, que desafia a soberania masculina do seu ambiente de trabalho e treinamento e precisa provar sua competência em toda bendita cena. Eu me formei na UVA, doutor. Isso não é uma escola de beleza. Demme é sutil em nos colocar na pele de Clarice Starling. Os personagens masculinos estão sempre conversando diretamente com a câmera ou a encarando desconfortavelmente, enquanto é a agente que sustenta, lateralmente, seus olhares e provocações. Essa troca de posições coloca o espectador intimamente ligado aos sentimentos da protagonista, refletindo seu incômodo enjoativo e tornando-nos seus aliados.

E, de fato, a força da heroína só tomou a proporção merecida por conta da interpretação dura e resistente de Jodie Foster. Dentro de um elevador cercado por homens, Clarice mantém o olhar erguido. Em uma sala cheia de policiais, ela levanta a voz e pede para que todos saiam. Não há como competir com seu protagonismo. Seus vilões estão longe de se limitar apenas aos psicopatas – é Dr. Chilton a reduzindo a sua beleza, é Jack Crawford a isolando de uma discussão com a polícia local, é cada olhar desconfiado de um parceiro de trabalho. Mesmo assim, a personagem não permite que isso afete seu desempenho perfeito na carreira; ela se impõe e os faz se desculpar.

Curiosamente, é Hannibal que a entende e a ajuda em sua busca por aceitação própria. O psiquiatra a trata como uma de suas pacientes, exigindo relatos pessoais em troca de sua ajuda para descobrir o paradeiro de Bill. Quid pro quo. Desde o primeiro encontro da dupla, fica claro quem é o principal parceiro de Clarice, por mais mórbida que a situação seja, e Jonathan Demme espreme o talento de seus atores até o talo para concretizar que cada interação entre os personagens fosse espetacular. Não que fosse uma tarefa difícil – Hopkins, por exemplo, improvisou a cena que zomba do sotaque sulista de Starling, o que gerou uma reação genuína de ofensa por parte da atriz.

Na investigação contra Buffalo Bill, a estrela do show é o Departamento de Ciências Comportamentais do FBI. A inspiração para O Silêncio dos Inocentes veio da mesma fonte que a base para Mindhunter: as entrevistas com serial killers realizadas por John Douglas. O agente foi a referência direta para a criação de Jack Crawford, mesmo que o personagem de Scott Glenn não o agrade tanto assim. Thomas Harris, autor do livro e ex-repórter policial, acompanhou de perto a rotina da agência para desenvolver perfis psicológicos de criminosos e chegar a seu Hannibal Lecter, o ponto de partida para a representação de assassinos em série como figuras contidas e frias, mas extremamente inteligentes.

Anthony Hopkins não se contentou em apenas interpretar. Ele investigou personalidades reais, visitou prisões e sugeriu mudanças no figurino de Collen Atwood para o personagem parecer mais espiritual. Toda a precisão e dedicação do ator gerou resultado: Hannibal, the Cannibal é hoje um dos vilões mais marcantes do Cinema – há quem diga o mais marcante. Sua figura hipnotizante deixou a produção assustada desde o primeiro take, que ficou assinalado por sussurros mais parecidos com sibilos, um olhar vidrado de réptil com um número mínimo de piscadas e aquela postura controlada e taciturna.

Não à toa, sua figura é a mais comentada quando se pensa em O Silêncio dos Inocentes. Mesmo que Hannibal funcione como uma ferramenta para a trajetória de Clarice, sua influência e sobriedade a embalam de cara, já que, pelas descrições de terceiros, a agente esperava algum tipo de maluco descontrolado como o próprio Miggs da cela vizinha. Gélido e sem demonstrar arrependimentos – Hopkins admitiu que a inspiração direta para sua interpretação de Lecter foi o computador HAL 9000, de 2001: Uma Odisseia no Espaço -, Clarice arranca alguma simpatia do psicopata, o instigando a ajudá-la enquanto a analisa e brinca com seus cordeiros. Então, Clarice, os cordeiros pararam de gritar? 

Em parceria com a direção de arte de Kristin Zea e a montagem singular de Craig McKay, Hannibal protagoniza a cena que legitima a inserção do filme no gênero terror. McKay dá pequenas dicas do que vai acontecer: a caneta, o cassetete, o spray, as algemas. Esperamos ansiosos pelo desastre. Preso em uma gaiola, como um pássaro abatido, Dr. Lecter dá o seu golpe. Minucioso, sádico e compenetrado, Hannibal se diverte, como se jogasse um jogo em que os adversários já começam perdendo. Sua declaração é teatral – o pobre policial Boyle é estripado como se preparasse um vôo; os holofotes o posicionando contra-luz para marcar a exibição. Fabulosamente cruel.

Mesmo que o saldo de O Silêncio dos Inocentes depois de 30 anos seja, em geral, positivo, a representação problemática de Buffalo Bill segue sendo uma pauta relevante. O assassino de Ted Levine, que entrega uma performance merecedora do sexto Oscar para o filme, mata e esfola mulheres para criar sua própria roupa de peles e, como a própria obra caracteriza, alterar sua identidade. No entanto, o uso da palavra transexual é citado no filme como uma dúvida acerca da condição de Bill, e, apesar de ser reforçado que o assassino não é uma pessoa trans, sua representação recebeu duras críticas da comunidade LGBTQIA+ – diversos ativistas do movimento protestaram nos arredores do Dorothy Chandler Pavilion na cerimônia do Oscar de 1992 contra essa problemática em Hollywood.

O problema não envolve o longa de Jonathan Demme individualmente, nem o fato de uma pessoa trans ser retratada como um serial killer, mas sim um sintoma, principalmente dentro do cinema de terror, de associar a comunidade trans à criminalidade. Por muito tempo, não existia um contraponto; eram mínimas, quase inexistentes, as representações positivas de travestis e transexuais no Cinema. Psicose, de Alfred Hitchcock, Vestida para Matar, de Brian de Palma, entre outros longas, denotam como a transfobia foi utilizada nas telas para criar uma visão assustadora da pessoa transexual. O documentário Revelação, disponível na Netflix, traz um panorama do tema na visão de artistas trans. O mundo mudou e, 30 anos depois, é ótimo estarmos discutindo sobre o assunto com obras singulares que merecem ser assistidas criticamente.

O personagem de Levine é delicadamente instável, uma confusão de sentimentos e expressões. Buffalo Bill, alter ego de Jame Gumb, tem sua história narrada no paralelo. Ele engana suas vítimas, como a jovem Catherine Martin, e, de forma caótica, as joga em seu porão para que suas peles fiquem flácidas. No entanto, o descontrole emocional do personagem o deixa fascinante, com a pompa e os gritos escandalosos de Levine, que denota a profundidade não explorada que seu assassino oferece. Gumb ansia por uma mudança que o faça sair do casulo como uma nova criatura, mais bela, mais livre. Ele não percebe Clarice no seu encalço até que seja tarde demais e, ironicamente, as suas lindas mariposas são a peça faltante do quebra-cabeça da agente.

Mérito novamente de Craig McKay, não há cena mais interessante do que os momentos antes do encontro entre Clarice e Jame. Jack Crawford garante: nós já o pegamos. Uma equipe preparada circunda a casa suspeita, policiais com armas apontadas esperam o sinal. A campainha toca. McKay e Demme brincam conosco, e quem espera na porta do psicopata não é a SWAT. A surpresa só é seguida por um riso de indignação. Os momentos finais do filme não perdem o ritmo e, depois de uma angustiante cena de visão noturna, o arco de Bill se encerra da forma quase-majestosa que o personagem gostaria.

O lançamento de O Silêncio dos Inocentes aconteceu no fatídico Valentine’s Day de 1991. Fatídico, de fato, pois Jonathan Demme havia libertado um monstro nunca antes visto. Pouco mais de três meses depois, Hannibal Lecter desembarcou em terras brasileiras – literalmente, já que, no final do livro de Thomas Harris, o psicopata chega ao Rio de Janeiro. O Cinema balançou, o Oscar se empolgou e muitos espectadores ficaram sem dormir com medo de um canibal estar esgueirando embaixo de suas camas. O filme rendeu algumas continuações, que nem de perto se igualaram a preciosidade do clássico – Hannibal, de 2001; Dragão Vermelho, de 2002; Hannibal – A Origem do Mal, de 2007; a excelente série Hannibal, de 2013, com Mads Mikkelsen no papel do psicopata e, recentemente, Clarice, da CBS.

30 anos se passaram, mas poderiam ser 30 dias. O mundo não é o mesmo, mas a obra-prima de Jonathan Demme segue tinindo, com alguns arranhões muito bem fundamentados. Em 2021, Anthony Hopkins provou que seu talento não parou nas décadas passadas e foi agraciado com o Oscar de Melhor Ator por sua sensibilidade em Meu Pai, uma diferença quase cômica se comparado com o personagem de Lecter. Jodie Foster não fica para trás e também começou o ano levando um Globo de Ouro de Melhor Atriz Coadjuvante por sua performance em The Mauritanian. A dupla segue irretocável.

Ainda podemos ouvir os berros dos cordeiros de Clarice. Eles a assombraram por tempo o suficiente para que se transformassem em sua força-motriz. O Silêncio dos Inocentes pregou seus personagens na parede da história cinematográfica e, até hoje, não falha em surpreender quem o revisita ou quem o contata pela primeira vez. Jonathan Demme, que faleceu em 2017, ainda deve receber uma flor ou outra daqueles que não conseguem superar sua obra. E, claro, não há nada para superar. O filme precisa ser visto, revisto, discutido, problematizado e analisado em todas as áreas. Enquanto tudo isso é feito, que tal um prato de favas com um bom Chianti para acompanhar?

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Nós damos valor demais ao Globo de Ouro. Esse ano, o grupo votante lamenta a morte de seu antigo presidente, Lorenzo Soria, ao mesmo tempo que enfrenta acusações de fraude e uma investigação que revelou o óbvio: a Associação da Imprensa Estrangeira de Hollywood (HFPA) não tem diversidade alguma. Reportagens no Los Angeles Times e no The New York Times estouraram poucos dias antes da 78ª edição do prêmio. Além de descobrirem que a HFPA não tem membros negros, foi escancarado um lobby poderosíssimo ao redor de Emily em Paris, uma das questionáveis indicadas ao Globo de Série de Comédia ou Musical.

É de suma importância relembrar que o GG não é prévia do Oscar de maneira nenhuma. Em questões de marketing e campanha, uma vitória no Globo alavanca sua visibilidade, mas o corpo votante da Academia é composto por mais de 7 mil membros, todos trabalhadores da indústria. A HFPA, por outro lado, é formada por 87 jornalistas, residentes de Los Angeles e que não têm ligação com o Oscar. 

Todavia, o que acontece é o Globo de Ouro tentando ditar tendências na temporada. Às vezes, as coisas dão ‘certo’: Green Book e Bohemian Rhapsody começaram ganhando aqui e percorreram solenes seu caminho até as estatuetas douradas e carecas. Ano passado, o amor por 1917 e por Sam Mendes caiu por terra quando Parasita e Bong Joon-ho saíram com os louros.

Ano após ano, o Globo de Ouro é feito de chacota, mas a audiência não para de subir. É a festa da indústria, como comumente é definido. O aspecto open bar é um fervoroso atrativo, tanto para quem frequenta e se senta às amarrotadas mesas, quanto para quem sintoniza todo começo de ano na TNT para conferir os discursos felizes que crescem ao passo que as garrafas de champanhe esvaziam. 

Mas 2021 não é um ano comum. A pandemia atrasou um bocado o início da temporada de premiações, e o Globo de Ouro, normalmente alocado na primeira semana de janeiro, dessa vez aconteceu na última de fevereiro. Amy Poehler e Tina Fey retornam ao papel de apresentadoras, mas cada uma estava numa costa diferente dos Estados Unidos. Adotando o formato híbrido semelhante ao bem sucedido Emmy, que rolou em setembro, o Globo de Ouro apostou na tecnologia como aliada nesse período de distanciamento. 

Quanto aos vencedores, o grupo foi diverso. Na TV, The Crown fez a rapa, ganhando 4 prêmios. Em Comédia, Schitt’s Creek deu espaço para Ted Lasso brilhar um pouco em Ator, mas clamou para si Atriz e Série. Na parte das Limitadas, Small Axe coroou John Boyega e Anya Taylor-Joy botou pra ferver, garantindo sua vitória solo e também a do conjunto por O Gambito da Rainha. Mark Ruffalo repetiu o feito do Emmy e venceu Ator em Minissérie pelo trabalho visceral que fez protagonizando I Know This Much Is True em dobro.

Na parte de Cinema, Borat 2 fez bonito, ganhando Filme e Ator, dois prêmios que Sacha Baron Cohen já havia recebido pelo filme original. Rosamund Pike passou a perna na vencedora moral Maria Bakalova, mas compensou no discurso. Minari venceu Filme em Língua Estrangeira. O maior indicado da noite, Mank, saiu vazado (ainda bem). Daniel Kaluuya começou sua jornada ao Oscar por Judas e o Messias Negro, e Jodie Foster surpreendeu ganhando por um filme apagado. Em Roteiro, perseverou o texto de Aaron Sorkin, e em Direção, Chloé Zhao se tornou a segunda diretora premiada na história. Melhor Ator ficou como prêmio póstumo ao genial Chadwick Boseman e Andra Day venceu Atriz, mesmo sendo a indicada menos hypada da noite. Nomadland foi consagrado Melhor Filme de Drama e nós dormimos felizes.

A Editoria do Persona se reúne num Cineclube Especial, comentando os méritos, deméritos, prós e contras dos indicados e vencedores do Globo de Ouro 2021. Dessa vez, falamos não dos filmes indicados, mas das categorias da premiação, chances de vencer, campanhas na imprensa e, no caso de injustiças, quem merecia ter ganho. Fique por dentro do início de temporada de premiações e, junto do Persona, se prepare para o Oscar.

Filmes

Melhor Filme – Drama: Nomadland

A aposta garantida para a noite foi o longa Nomadland, grande vencedor da categoria principal. Baseado na obra homônima escrita por Jessica Bruder, que além de possuir um bom elenco encabeçado pela talentosa Frances McDormand e direção da brilhante Chloé Zhao, encanta como um retrato da solidão envolta nas belas paisagens descobertas na estrada, acabando como a escolha sensata e justa para levar o prêmio.

Com dois nomes emplacados, a Netflix até poderia ter levado a melhor com o emocionante Os 7 de Chicago, filme histórico que conta a jornada de um emblemático julgamento político em meio a comentários sagazes de personalidades cativantes. No lado oposto, estava o tediante e pretensioso Mank, apesar do agradável estilo preto e branco, continua se limitando a agradar exclusivamente o público fã de cinema. 

Já o pop Bela Vingança (Promising Young Woman), que estrela a maravilhosa Carey Mulligan muito confortável no papel, leva a cultura do estupro com doses certas de drama, humor e violência, terminando com chave de ouro em um final decepionantemente bom. Mas, vale ressaltar que apesar de ser a melhor indicação, o longa acaba perdendo força perante os outros. Meu Pai (The Father), baseado na peça homônima de Florian Zeller, não possuía grandes chances de vencer, apesar da performance incrível do veterano Anthony Hopkins junto à já querida da premiação, Olivia Colman, ambos indicados também individualmente pela atuação na obra.  – I.S.

Melhor Atriz em Filme – Drama: Andra Day (Estados Unidos Vs Billie Holiday)

À exceção de Viola Davis, que brilhantemente divide o estrelato do filme A Voz Suprema do Blues com Chadwick Boseman, tínhamos mulheres praticamente donas de seus respectivos trabalhos concorrendo a categoria de Melhor Atriz em Drama. Contando histórias densas de maneira única, nenhuma indicada passa despercebida ao telespectador que dificilmente consegue escolher sua favorita ao prêmio

Para surpresa de muitos, o Globo de Ouro foi para a estante da cantora Andra Day, que protagonizou Estados Unidos Vs Billie Holiday. Andra, que já havia emocionado o público com a performance de abertura do festival One World: Together At Home, comoveu os espectadores entregando excelente atuação em cenas pesadas que exigiam um profundo mergulho sentimental da protagonista. A artista mostrou ter presença de personagem diante das câmeras que foi muito além das cenas musicais.

Outras grandes atuações merecem menção honrosa, como a visceral Vanessa Kirby que entrega todas as dores e sentimentos do luto em Pieces of a Woman. Vencedora do Coppa Volpi de Melhor Atriz em Veneza, a ex-The Crown não surpreenderia a todos se levasse o prêmio pra casa. A veterana de premiações Frances McDormand, que precisou de apenas olhares para entregar cenas profundas. Uma das minhas favoritas, certamente levará Nomadland ao Oscar. E Carey Mulligan que foi minha grande aposta da noite pelo marcante papel de Cassandra Thomas  – A.J.T.

Melhor Ator em Filme – Drama: Chadwick Boseman (A Voz Suprema do Blues)

Um dos maiores prêmios de atuação da noite não poderia ter ido para outra pessoa senão Chadwick Boseman. O falecimento do ator em agosto do ano passado tomou o mundo por um choque, pela perda de um dos maiores rostos em ascensão no meio cinematográfico. Boseman deixou um legado não só como o rei de Wakanda mas com outras grandes produções, entre elas, A Voz Suprema do Blues. Sua performance conseguiu tirar todo o protagonismo de Viola Davis, tarefa nem um pouco fácil, e deixou cravada a preciosidade de seu talento. 

Outro nome que poderia ter surpreendido seria o do veterano Anthony Hopkins, que, com seus gloriosos anos no ramo, ainda não foi consagrado com um Globo por atuação, e teve, mais uma vez, um trabalho excelente no melancólico Meu Pai. O queridinho Riz Ahmed também teria justamente subido ao palco para receber sua estatueta por seu trabalho em O Som do Silêncio, que narra a história de um baterista que descobre estar perdendo a audição.

Desta vez, o camaleão Gary Oldman e vencedor de um Globo por O Destino de Uma Nação acabou ficando para trás na corrida pelo controverso Mank, uma das grandes apostas da Netflix. O ofuscamento da divulgação de The Mauritanian também não conseguiu garantir a estatueta da primeira indicação de Tahar Rahim. – V.S.

Melhor Atriz Coadjuvante em Filme: Jodie Foster (The Mauritanian)

Jodie Foster ganhou o Globo de Ouro por Atriz Coadjuvante em Filme. De fato, sua interpretação no apagado The Mauritanian foi a grande surpresa entre as indicações, tomando a vaga de Ellen Burstyn ou de Yuh-Jung Youn. Importante apontar que Maria Bakalova, umas das mais badaladas coadjuvantes da temporada, foi movida para Melhor Atriz em Comédia ou Musical, onde perdeu, mesmo sendo a melhor da seleção de indicadas. 

Glenn Close concorria pelo massacrado Era uma Vez um Sonho, Olivia Colman estava no páreo por Meu Pai, Amanda Seyfried foi indicada por seu papel em Mank e a jovem prodígio Helena Zengel, estrela de Relatos do Mundo. É improvável que Jodie Foster sustente sua campanha até a eventual noite do Oscar, mas sua vitória aqui, sem dúvidas, remexe e bagunça a ordem de apostas na categoria. Interessante pontuar que, antes da noite de 28 de fevereiro de 2021, Colman tinha 3 indicações e 3 vitórias no Globo de Ouro e, mesmo nomeada duplamente esse ano, a britânica saiu chupando o dedo. – V.E.

Melhor Ator Coadjuvante em Filme: Daniel Kaluuya (Judas e o Messias Negro)

Sacha Baron Cohen, o Borat, é a prova viva de que um ator excelente em comédia nem sempre é inferior em papéis dramáticos. Em Os 7 de Chicago (Netflix), o outro lado da moeda da atuação floresce e Sacha mostra precisão em transmitir as emoções de um réu revolucionário. Porém, não foi o suficiente para lhe render um Globo de Ouro: Daniel Kaluuya é o vencedor da categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Filme. O britânico nos mostrou excelência em Judas e o Messias Negro (Warner) ao apresentar outro revolucionário, Fredrick Allen Hampton. 

Leslie Odom, Jr. também brilhou ao interpretar um ícone negro em Uma Noite em Miami… (Amazon). Seu maravilhoso Sam Cooke passeou por uma gama de expressões e sentimentos facilmente captados pelo espectador, e sua voz nos encantou com o cover de A Change is Gonna Come e a original Speak Now, cotada para Melhor Canção no Oscar. Quem tinha pouquíssimas chances mesmo era Bill Murray em On The Rocks (Apple) e o terrível Jared Leto em Os Pequenos Vestígios (Warner). – J.B.

Melhor Direção em Filme: Chloé Zhao (Nomadland)

Atenção, mulheres. Hollywood está mudando! Tínhamos um total de 3 diretoras concorrendo nessa categoria. Três! Acreditem se quiser. E, mesmo assim, a disputa estava fechada nas mãos dos dois outros homens. Afinal, a diversidade tem seus limites. Agora a HFPA estará com a consciência tranquila para passar os próximos quatro anos sem indicar mulher alguma. Obrigada aos envolvidos. 

No entanto, os louros vieram. Chloé Zhao, diretora de Nomadland, o filme mais sensível, completo e avassalador da temporada, venceu Melhor Direção. Até então, Barbra Streisand havia sido a única mulher a ganhar na categoria, pelo filme Yentl em 1984 – categoria essa que foi criada em 1944 e só contou com oito mulheres indicadas em sua história. A escolha era óbvia: Chloé Zhao merece todas as estatuetas que concorrer. A chinesa não era a única mulher extraordinária concorrendo. Regina King, com seu único Uma Noite em Miami…, e Emerald Fennell, com o delicioso Bela Vingança, foram escolhas sensacionais para disputar o globinho com Zhao. 

David Fincher concorria por Mank, um filme restrito e pretensioso, e Aaron Sorkin com o inflado Os 7 de Chicago, uma obra de homens brancos estadunidenses para homens brancos estadunidenses. Ambos fizeram um bom trabalho, com todos os seus méritos. Mas ninguém conseguiu fazer o que Chloé Zhao fez. Quem sabe não podemos sonhar com a segunda mulher vencendo a categoria de Melhor Direção no Oscar? – C.C.

Melhor Roteiro em Filme: Aaron Sorkin (Os 7 de Chicago)

Favorito entre as principais categorias, Nomadland não era o mais forte aqui. Sem divisão entre os roteiros originais e os adaptados, o filme baseado no livro homônimo de Jessica Bruder foi ofuscado pelos textos inéditos indicados a Melhor Roteiro em Filme, como o magistral Bela Vingança. Estreando no cinema, Emerald Fennell roteirizou e dirigiu um drama marcado por pontas de humor ácido que era uma aposta forte e o mais justo para ser premiado dentre as indicações. 

As apostas, contudo, iam para a vitória do afrontoso Os 7 de Chicago. E quem marcou o trabalho de Aaron Sorkin no bolão, acertou. Escrito pelo roteirista que é considerado um dos melhores da atualidade – e que e venceu da mesma categoria do Globo de Ouro em 2011 (por A Rede Social) e 2015 (com Steve Jobs) -, o roteiro vencedor tem seus aspectos questionáveis, como a falta de conclusão para o arco de alguns personagens, mas ainda é mais digno, preciso, bem acabado e melhor situado do que a terceira opção, Mank, na indicação mais questionável da categoria.

O roteiro do filme de David Fincher foi escrito pelo seu pai, o jornalista Jack Fincher, na década de 90 e só vingou agora, 18 anos depois de sua morte. Nascido das mãos de um amante do cinema que desvalidava a importância de Orson Welles na obra-prima Cidadão Kane, as intenções de Mank são perigosas e até mesmo desonestas. Assim, o peso maior do filme acaba por ser o elenco de alto calibre, seu tema principal – o favorito da comunidade cinematográfica, que é a própria Hollywood -, além da questão emocional e familiar do filme, onde o aclamado diretor dá vida à um roteiro – cheio de problemas – que seu pai fez sobre a paixão de sua vida. – R.D.

Melhor Animação: Soul

Infelizmente, Wolfwalkers e toda sua história emocionante não levou o Globo de Ouro. Mesmo com uma animação 2D impecável e uma trama um pouco diferente, o grande sucesso desse ano é Soul. Não que isso seja ruim, pois o filme é excelente em vários sentidos, inclusive sua trilha sonora. Com um toque de Divertida Mente e reflexões que nos deixaram extasiados, o novo filme da Pixar foi o premiado esse ano. 

Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica também seria uma ótima opção como Melhor Animação. Porém o seu lançamento no início de 2020 e o grande hype de Soul fizeram com que a produção da Disney ficasse um pouco esquecida.

A Caminho da Lua é um ótimo filme e uma bela homenagem a sua roteirista Audrey Wells, mas não tão bom para ganhar um prêmio como melhor do ano. A continuação de Croods sofre com esse mesmo problema. A Nova Era da família das cavernas não é tão cativante como a primeira parte e poderia ser facilmente deixada de lado. – A.B.R.

Melhor Filme em Língua Estrangeira: Minari

Melhor Filme em Língua Estrangeira foi a categoria mais polêmica do prêmio que já é polêmico por si só. Minari, o favorito dentre os indicados e uma grande aposta para o Oscar, foi alocado aqui pela justificativa de ter mais de 50% dos diálogos em língua estrangeira, mesmo com uma produção 100% estadunidense. De forma prática, tudo estava nos conformes, mas o problema é que esses não foram os mesmos critérios aplicados, por exemplo, em Bastardos Inglórios, que fez Quentin Tarantino ser indicado em 2010 nas categorias principais mesmo que a produção tivesse a mesma questão das línguas faladas no filme e com uma coprodução entre Estados Unidos e Alemanha. 

O desdém racista do Globo de Ouro criou ainda mais atenção em cima da produção, já que sua direção, roteiro e elenco são completamente dignos de figurarem entre as categorias principais, com muitas performances que, se não no mesmo nível, chegam a ser superiores às de alguns indicados. Se as coisas com Minari tivessem sido justas, o favoritismo iria para a segunda opção, Druk, que traz Mads Mikkelsen (o Hannibal da NBC) numa atuação fantástica, e quem sabe, a produção latinoamericana La Llorona teria encontrado um espacinho. Ambos são fortes na corrida para a categoria de Filme Internacional do Oscar 2021. – R.D.

Melhor Trilha Sonora em Filme: Soul

Os filmes O Céu da Meia Noite, Tenet, Relatos do Mundo, Mank e Soul disputaram a categoria de Melhor Trilha Sonora. Composta pelo ganhador do Oscar, Alexandre Desplat, a trilha de O Céu da Meia Noite contou músicas dramáticas e lentas que combinaram com o ambiente espacial e trágico da obra. Em contraste, as faixas que deram vida a Tenet contêm um tom agitado e até mesmo confuso. Usando elementos do longa de Christopher Nolan, como o som de armas e a ventania, as composições barulhentas foram criadas por Ludwig Göransson, ganhador do Oscar de Melhor Trilha Sonora por Pantera Negra, e do Emmy por The Mandalorian.

Em Mank, o objetivo dos compositores Trent Reznor e Atticus Ross era criar a composição mais autêntica possível. Eles conseguiram alcançar tal meta com músicas que possuem um tom divertido e diferente, casando perfeitamente com a época em que o filme se passa. Já em Relatos do Mundo, as faixas compostas pelo indicado ao Oscar James Newton Howard possuem a vibe mais tranquila entre os indicados. A trilha sonora é bonita e envolvente, assim como o filme de Tom Hanks.

Mas quem levou o prêmio para casa foi Soul, a única animação que estava concorrendo na categoria. Também composta por Trent Reznor e Atticus Ross, junto ao pianista Jon Batiste, a trilha se destacou por ser tão tocante e bela quanto o filme, que também ganhou como Melhor Animação da noite. Em uma história sobre música, a obra dos compositores fez justiça ao enredo. – M.C.

Melhor Canção em Filme: Io Sì (Rosa e Momo)

A música é responsável por dar o tom de um longa e a categoria Melhor Canção em Filme diz muito sobre cada uma das cinco histórias concorrentes. Começando pela que era a maior aposta da crítica, Speak Now, interpretada por Leslie Odom, Jr., embala Uma Noite em Miami… com sua força em contraste com a suavidade da melodia. A oração entoada por Odom, Jr. ganha ainda mais destaque com a atuação do cantor no filme, que poderia fazer dela a queridinha para o prêmio por unir sinceridade, inflamação e significados que perpassam toda sua narrativa.

Entretanto, se formos falar de força, quem poderia superar a estrela em plena ascensão nas premiações, seria H.E.R., e seu grito de guerra Fight For You. A música de Judas e o Messias Negro fala por si só com a estética sonora da black music dos anos 1960, trazendo a batida para a contemporaniedade perfeitamente. Na sequência, Os 7 de Chicago apostou na novata Celeste para cantar seu tema, Hear My Voice. A canção é suave e ainda marcante, com uma letra de resistência que combina perfeitamente com o tema de seu filme e com a situação política americana na época de seu lançamento.

Andra Day aparece em sua primeira vez como atriz e também como cantora do tema principal de Estados Unidos Vs Billie Holiday com Tigress & Tweed. A canção que usa de batidas datadas em união a uma letra envolvente e ritmos modernos poderia ser a surpresa da noite por ostentar a fascinante voz de Day além de sua atuação. Dentre todas indicações, a canção vencedora surpreendeu. A única estrangeira na categoria, Io Sì é entregue por Laura Pausini para embalar Rosa e Momo, que também concorreu a Melhor Filme em Língua Estrangeira. O tom aveludado da melodia nos conduz para a imensidão emocional da história que o acompanha. – A.L.F.

Melhor Filme – Comédia ou Musical: Borat: Fita de Cinema Seguinte

A distinção entre “drama” e “comédia ou musical” é exclusiva do Globo de Ouro para indicar uma maior quantidade de filmes e premiar longas que a Academia do Oscar talvez não leve tão a sério. Em 2020, as 5 obras concorrentes mantinham um nível elevado de prestígio e, críticas à parte, Era Uma Vez em… Hollywood foi o grande vencedor. Esse ano, no entanto, podemos discordar em relação ao prestígio. 

Para falar dessa categoria, é extremamente necessário ressaltar que 4 filmes tão interessantes e diversos concorriam com Music, uma obra de mau caráter, desconexa, ofensiva e pavorosa. A indicação do filme dirigido pela cantora Sia é um desrespeito com a comunidade neurodivergente e uma afronta de mau gosto a todas as outras obras na categoria. Não era falta de musicais – A Festa de Formatura e Hamilton faziam parte dos escolhidos. Chamar Music de “comédia” também infere que em algum momento o filme é engraçado ou atrai o menor dos risos; não para ambas as situações. Palm Springs é engraçado, Borat: Fita de Cinema Seguinte é hilário. Music, além de ser ruim, é nocivo.

Pelo menos, nosso vencedor foi outro. A continuação de Borat levou o globinho dourado merecidamente pelo seu humor ácido e pela genialidade absurda de Sacha Baron Cohen reprisando o jornalista cazaque. A vitória de Borat: Fita de Cinema Seguinte constitui o primeiro filme sequência a ganhar a categoria desde Toy Story 2 e o primeiro filme de uma plataforma de streaming a também vencer. Afinal, seu maior concorrente era Hamilton, e apesar da peça filmada por Thomas Kail ser magnífica, não possui chances de chegar ao Oscar por ter estreado exclusivamente no Disney+. Chenquieh! – C.C.

Melhor Atriz em Filme – Comédia ou Musical: Rosamund Pike (Eu Me Importo)

Anya Taylor-Joy não foi indicada somente pelas suas produções televisivas. A atriz também concorreu ao seu primeiro Globo de Ouro com sua atuação em Emma. Apesar do excelente talento de Anya para interpretar a personagem infame de Jane Austen, ela não é o destaque da temporada. Com a sequência de Borat após 14 anos, conhecemos Maria Bakalova. A atriz búlgara é uma das melhores partes da continuação do pseudodocumentário de Sacha Baron Cohen e seria uma honra o prêmio pertencer a ela. Mas o sonho não se realizou desse jeito. 

Com mais uma indicação para conta da Netflix, Rosamund Pike ganhou nessa categoria com o filme I Care a Lot (Eu Me Importo). Roubando idosos e vivendo um romance, Pike possuía grandes chances de ganhar esse prêmio. Infelizmente não foi nenhuma surpresa já que ela é sempre indicada em papéis avulsos, como por A Private War em 2019, e a HFPA possui um certo favoritismo pela Rosamund. 

Em French Exit, Michelle Pfeiffer é uma ex-milionária em Paris que possui um gato falante, porém não possui um prêmio para chamar de seu. Já a última indicação dessa categoria é um grande erro. Com a atuação de Kate Hudson, o péssimo filme com a direção da Sia, Music acumulou mais uma nomeação ao Globo de Ouro. – A.B.R.

Melhor Ator em Filme – Comédia ou Musical: Sacha Baron Cohen (Borat: Fita de Cinema Seguinte)

É difícil bater de frente com Sacha Baron Cohen quando se trata de comédia. Até no premiado Os 7 de Chicago, vencedor de Melhor Roteiro nesta edição do Globo de Ouro, Sacha brilha sarcasticamente. E esse brilho foi o responsável por dar o segundo prêmio da noite para o ator, por Borat: Fita de Cinema Seguinte. Seu maior concorrente era Lin-Manuel Miranda, pela performance em Hamilton que, apesar de boa, é indiscutivelmente inferior ao que Cohen faz com seu personagem. 

Lin e sua peça, infelizmente, saíram de mãos vazias dessa edição. Dev Patel, figurinha carimbada com suas atuações impecáveis, concorria por The Personal History of David Copperfield; James Corden, odiado por muitos, estava indicado pelo fraco e divertido A Festa de Formatura; Andy Samberg, nosso Jake Peralta, conseguiu a indicação por Palm Springs, uma das boas surpresas do Globo de Ouro. A categoria estava recheada com atores de primeira linha, mas nenhum reproduziu ⅓ do que Sacha Baron Cohen nos ofereceu. – C.C.

Séries

Melhor Série – Drama: The Crown

Não tinha pra ninguém: a Coroa da Inglaterra não deixou espaço para seus concorrentes sequer respirarem na categoria de Melhor Série Dramática. A quarta temporada de The Crown estourou a boca do balão, e o fim de 2020 concentrou nas redes sociais um falatório incessante sobre os dramas da Rainha e o começo da triste ruína da Lady Di. The Crown já havia ganhado esse prêmio em 2017, pelo ano de estreia.

Os coitados que perderam para The Crown também são ótimas aventuras. Bem, pelo menos 3 deles são. Ozark é a joia subestimada da Netflix, carregada do perigo e da tensão do plot de lavagem de dinheiro, o ano 3 da produção de Jason Bateman brilhou com vigor. O mesmo vale para a segunda temporada de The Mandalorian, a garota dos olhos da Disney. Lovecraft Country, representante solo da HBO aqui, perdeu força pela ausência de indicações do elenco. E a quinta vaga ficou com Ratched, “por quê?”, você me pergunta, e eu respondo: eu também não sei. – V.E.

Melhor Atriz em Série – Drama: Emma Corrin (The Crown)

O Globo de Ouro também caiu nos encantos da Princesa Diana, e disso realmente não tinha muito como fugir. Interpretar uma das figuras mais queridas do século XX era um trabalho dificílimo, mas Emma Corrin transcendeu todas as expectativas ao encarnar Lady Di. Fascinante e graciosa à mesma medida em que é genial e profunda, a personagem é uma força da natureza na melhor temporada da superprodução da Netflix – até agora, já que The Crown só surpreende cada vez mais. 

O triunfo da Princesa significou a queda da Rainha. Campeã da categoria até então, pela primeira vez, Olivia Colman perdeu um Globo de Ouro. E a situação não poderia ser mais excepcional, já que a vencedora, embora carregasse todo o encanto, repercussão e atenção da temporada, não era a atriz principal da trama. 

Jodie Comer, a melhor parte Killing Eve, indicada pela segunda vez consecutiva na categoria, e Sarah Paulson, vivendo Ratched, foram ofuscadas pelas estrelas. No fim das contas, essa situação é favorável para Laura Linney, pois com os grandes nomes de The Crown devidamente reconhecidos e saindo de cena para dar espaço às próximas gerações, a atriz pode, nos próximos anos, finalmente assumir seu posto de favorita e ser premiada pelo trabalho igualmente fantástico que faz no outro fenômeno da Netflix, Ozark. – R.D.

Melhor Ator em Série – Drama: Josh O’Connor (The Crown)

A vitória aqui ficou com Josh O’Connor e sua performance como o melindroso e monstruoso Príncipe Charles em The Crown. A evolução do homem, sua relação com Diana e o lado frio do personagem florescem nas nuances que O’Connor imprime na série de Peter Morgan. Sabemos que o Globo de Ouro não costuma premiar quem merece, mas nesse caso, Josh fez valer a vitória.

Ele não tinha muita competição, para falar a verdade. Jason Bateman brilha muito mais atrás das câmeras de Ozark do que propriamente à frente delas. Matthew Rhys sustentou uma indicação solitária à Perry Mason, o mesmo aconteceu com Al Pacino e seu papel ardente em Hunters, original do Prime Video. Bob Odenkirk foi indicado muito mais pelo prestígio de seu figura e de Better Call Saul do que como alguém com chances de vencer o Globo de Ouro. Quem sabe ano que vem ele ouça seu nome chamado, quando o spin-off de Breaking Bad chegar ao fim. – V.E.

Melhor Atriz Coadjuvante em Série: Gillian Anderson (The Crown)

A hegemonia de The Crown seguiu até aqui. Quem levou o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante foi a favorita Gillian Anderson, que se superou interpretando a peculiar Margareth Thatcher. A concorrência era alta e mesmo com o favoritismo das apostas, o prêmio da Dama de Ferro poderia ter ido para Annie Murphy como forma de expressar reconhecimento pela comédia queridinha da vez, Schitt’s Creek.

Outra possibilidade de vitória para a categoria era a parceira de cena de Anderson, Helena Bonham-Carter, que mais uma vez chegou perto mas não conquistou o Globo de Ouro próprio e perdeu a última chance de ser premiada enquanto Princesa Margaret. Não foi dessa vez também que assistimos a vitória merecida de Julia Garner por Ozark, mas o futuro da atriz, que nessa temporada também estrelou com maestria o drama A Assistente e ainda é um nome em aberto para uma zebra no Oscar, é um dos mais promissores de sua geração. – R.D.

Melhor Ator Coadjuvante em Série: John Boyega (Small Axe – Red, White and Blue)

A corrida de Ator Coadjuvante em TV normalmente recai para produções dramáticas ou limitadas. Em 2021, o Globo de Ouro não fez diferente. John Boyega triunfou na única indicação de Small Axe fora da categoria de Minissérie. O astro de Star Wars protagonizou Red, White and Blue, o terceiro dos cinco longas da antologia de Steve McQueen. Seu papel como um jovem policial, além de fresco na temporada de premiações, recompensa a cultura negra num ano de maioria branca disputando os troféus.

Boyega superou sua maior competição, Daniel Levy, por Schitt’s Creek, que já havia ganhado o Emmy em setembro. As chances estavam contra Levy, já que a última vez que o Globo de Ouro premiou uma performance cômica aqui foi com Glee, muitos anos atrás. Ainda concorriam Jim Parsons pela longínqua Hollywood, Donald Sutherland pela espalhafatosa The Undoing e Domhnall Gleeson pela apagada The Comey Rule. – V.E.

Melhor Série – Comédia ou Musical: Schitt’s Creek

Polêmica desde que anunciou seus indicados, a categoria de Melhor Série de Comédia ou Musical surpreendeu ao ter Emily em Paris no meio das nomeações; o sucesso pop da Netflix apareceu ao lado de grandes nomes como Schitt’s Creek e Ted Lasso, da Apple TV+. O universo parisiense glamoroso da trama fez sucesso na plataforma de streaming, porém não agradou a crítica – muito menos os franceses. O clichê erra nos estereótipos ao trazer o pior lado da cultura parisiense. 

Em contraponto, The Great, a trama do império russo do Hulu, conquistou a crítica e o público desde as primeiras cenas, com suas piadas escrachadas e ironia a todo vapor, ao mesmo tempo que acompanha as durezas e dificuldades da vida na corte russa, enriquecida com o show de atuação de Elle Fanning e Nicholas Hoult. A categoria ainda contava com o peso da fascinante última temporada da comédia canadense, Schitt’s Creek, que era a favorita na corrida pelo troféu, e acabou vencendo, após levar sete prêmios para casa no Emmy 2020. 

Já a produção da Apple TV+, conta com a tradicional personagem cômica do interior estadunidense; no entanto, os 10 episódios de Ted Lasso desenvolvem camadas que mostram que a comicidade na verdade se baseia nas sensibilidades do ser humano, balanceando na dosagem certa o humor e o drama. The Flight Attendant fechou a seleção de indicados, após a adaptação do livro surpreender não só a crítica mas também agradar o público da HBO Max, tornando a então minissérie, agora uma série renovada para segunda temporada, com a maior audiência do serviço de streaming. –  L.V.

Melhor Atriz em Série – Comédia ou Musical: Catherine O’Hara (Schitt’s Creek)

Catherine O’Hara é a força da natureza da temporada de premiações. A protagonista de Schitt’s Creek tem os melhores discursos, o melhor guarda-roupa e, agora, o Globo de Ouro 2021 de Melhor Atriz em Série de Comédia ou Musical. Nesse ano, apenas Lily Collins já havia sido indicada, com o restante da lista sendo formado por novatas. Aliás, por mais que essa sexta temporada tenha sido a última do seriado canadense, essa foi a primeira vez que a HFPA deu atenção à produção.

O’Hara superou Jane Levy, única indicação da TV aberta, por Zoey e Sua Fantástica Playlist. Além dela, também ficaram de mãos vazias a intransigente Elle Fanning (The Great), a inocente Lily Collins (Emily em Paris) e a eletrizante Kaley Cuoco (The Flight Attendant). Mas há algo bom para as perdedoras: O’Hara encerra agora sua temporada de prêmios e, no Emmy, tudo vai mudar. – V.E.

Melhor Ator em Série – Comédia ou Musical: Jason Sudeikis (Ted Lasso)

Essa era uma corrida de dois cavalos. Eugene Levy tinha nas costas a varredura que sua Schitt’s Creek causou no Emmy, concorrendo com a vivacidade e o otimismo de Jason Sudeikis, que interpreta um técnico esportivo yankee que se muda para Londres a fim de treinar futebol. Ted Lasso, original da Apple TV+, saiu com a vantagem e deixou Creek sem o troféu de Ator.

Fora a dupla, ainda estavam no páreo Don Cheadle, Nicholas Hoult e o vencedor do ano passado, Ramy Youssef. Por mais que a série de Hoult, The Great, estivesse presente na categoria principal, o lançamento do Hulu não juntou forças suficientes. O mesmo vale para Black Monday, esquenta-banco todo ano, e Ramy, outra comédia do Hulu que brilha mais no protagonista do que no quadro completo. – V.E.

Melhor Minissérie ou Filme para TV: O Gambito da Rainha

Com alguns nomes presos à sombra de seus concorrentes, o Globo de Ouro deste ano optou por sucessos consideráveis para compor a lista para  Melhor Minissérie ou Filme Feito para TV. A sensível e azarada Normal People, lançada pela Hulu como adaptação do fenômeno de mesmo nome escrito por Sally Rooney, levou duas indicações na premiação, mas infelizmente não chegou forte na disputa.

Small Axe, dirigida por Steve McQueen e concorrendo em duas categorias, era outra boa aposta da noite. A antologia de filmes contando histórias sobre a luta racial em Londres em diferentes décadas é composta por cinco obras, que em ordem de lançamento são: Mangrove; Lovers Rock; Red, White and Blue; Alex Wheatle e Education. Já a queridinha da Netflix e do público e adaptação do romance de Walter Tevis, O Gambito da Rainha, além de ter levado emoção e discutido o machismo no mundo do xadrez, já era praticamente campeã nas apostas e acabou levando a categoria. 

Emplacada pela HBO no final do ano passado, e contando com grandes nomes como Nicole Kidman, Hugh Grant e Donald Sutherland, The Undoing provou ir além de ser apenas uma história com clichês típicos de tramas de assassinato e mistério. Por fim, Nada Ortodoxa, segunda concorrente da Netflix indicada na categoria, apesar de comovente passou a ser a segunda favorita com o sucesso da produção estrelada por Taylor-Joy no ano passado. – I.S.

Melhor Atriz – Minissérie ou Filme para TV: Anya Taylor-Joy (O Gambito da Rainha)

2020 foi o ano de Anya Taylor-Joy. Indicada em duas categorias de atuação, a atriz de apenas 24 anos competia pelo seu trabalho em O Gambito da Rainha ao lado de grandes nomes como Cate Blanchett, que conduziu a narrativa poderosa de Mrs. America, e Nicole Kidman, estrelando The Undoing, o mais recente sucesso da HBO. As novatas também mantinham o alto nível das atuações indicadas, sendo Shira Haas com sua personagem surpreendente de Nada Ortodoxa, e a metade do romance encantador de Normal People vivida por Daisy Edgar-Jones. 

Das indicadas de alto calibre, Blanchett com sua personagem marcante, e Haas, com sua interpretação de forte apelo emocional, eram os nomes de mais força para levar o prêmio na ausência do favoritismo de Anya, ambas indicadas à mesma categoria do Emmy 2020. Mas nada foi páreo para o xeque-mate da protagonista da série mais assistida do ano da Netflix. – R.D.

Melhor Ator – Minissérie ou Filme para TV: Mark Ruffalo (I Know This Much Is True)

Repetindo figurinhas carimbadas pelo Emmy 2020, Mark Ruffalo levou a estatueta de Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para TV. Mais do que justo, pois sua brilhante performance em I Know This Much Is True merece muitas estatuetas para segurar o peso de seu talento. O Hulk dos cinemas conseguiu desbancar o já vencedor Hugh Grant, uma das maiores apostas da noite por sua atuação na aclamada The Undoing, da HBO. Mas o trabalho do britânico não foi total em vão, já que com certeza terá sua presença marcada no Emmy deste ano.

No páreo, estavam outros grandes nomes como Bryan Cranston, já premiado com uma estatueta por seu papel como Walter White, e que concorria pela minissérie Your Honor, do Showtime. Parceiro de emissora e com sua segunda nomeação ao Globo, Ethan Hawke não levou a melhor por sua performance em The Good Lord Bird, drama racial aclamado pela crítica. A curiosa sátira dramática das crises do governo Trump, The Comey Rule, também não foi suficiente para dar a volta por cima e finalmente coroar Jeff Daniels, que coleciona nomeações de longa data na premiação. – V.S.

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