Ana Beatriz Zamai

O fim da rua segue uma família dos anos 80 que é transportada para a era pré-histórica junto com todo seu bairro. Enquanto se defendem dos animais do período jurássico, eles tentam entender o que está acontecendo e como voltar para suas vidas comuns. Parece apenas mais um filme de ficção científica com dinossauros, seguindo o padrão de algum dos Jurassic Park, por exemplo, mas não é. Diferente da famosa franquia, o longa vai além de ser apenas uma perseguição entre monstros e humanos e coloca os personagens para explorar as relações familiares enquanto lutam pela própria vida.

A história foca no casal Denise e Greg Platt, interpretados por Anne Hathaway e Ewan McGregor, casados já há alguns anos e que estão enfrentando uma crise no casamento. Os filhos também tem seus dilemas pessoais, sejam menores, como o do garoto Brian (Christian Convery), que quebrou o braço de um colega e agora precisa fugir do irmão mais velho dele, ou de Audrey (Maisy Stella), que está, talvez, descobrindo sua orientação sexual, o que é mostrado de forma muito sutil, principalmente em sua amizade com Jeannette (Jodan Alexa). De maneira quase imperceptível, no começo do longa, ela fica chateada quando o namorado da ‘amiga’ chega e demonstra afeto. É cômico o fato de Brian, o irmão, ter um crush na garota e ver, durante todo o apocalipse, ela se aproximando cada vez mais da irmã.

David Robert Mitchell, diretor e roteirista conhecido por trabalhar com suspense e terror, faz um bom trabalho em deixar outros fatores sutis espalhados pelo filme, sejam as pitadas de comédia – ou até de drama, quando, por exemplo, Greg é comido por um dos dinossauros e vivenciamos, junto com Denise, o luto que tem de ser vivido em apenas alguns segundos, pois ela precisa correr para sobreviver.

Outro detalhe que pode variar tanto entre apenas uma escolha visual do diretor quanto feita propositalmente é o jogo de câmeras (Michael Gioulakis, diretor de fotografia) quando a família termina de deixar a casa ‘a prova de dinossauros’, com tábuas de madeira e portas em todas as possíveis entradas. Nesta cena, o enquadramento deixa a câmera bem perto do rosto da mãe em um dos lados da tela, enquanto do outro, de corpo inteiro, aparece a filha; mesma coisa com o pai e o filho, além de ter também momentos em que os filhos estão aproximados e os pais afastados. Passa uma ideia de passado e presente, e como Denise é mais próxima de Audrey e Greg de Brian. Essa sensação da proximidade ser maior entre um e outro também pode ser vista quando as crianças saem da casa e na hora de procurá-los, Denise sempre chama por Audrey, enquanto Greg chama por ‘crianças’. 

O ponto diferencial do filme para os demais clássicos de apocalipse é que os problemas familiares não são só um pequeno detalhe mostrado apenas no começo como forma de introdução, eles são contínuos. Já depois da metade, o casal encontra uma possível solução para voltarem à normalidade, e Greg pede para Denise ir primeiro, mas ela deixa claro que não vai se separar dele, mesmo que momentaneamente. É uma referência a uma cena anterior, quando, já durante o possível fim do mundo, o casal tem uma briga feia, e o marido admite que leu o livro que a esposa estava escrevendo e que sabe que ela quer ir embora de casa. 

A obra em si não é ruim, é uma boa história, original, diferente do que Hollywood está fazendo recentemente, com tantas franquias e live-actions, porém ainda é básico e deixa a sensação de que falta algo. Mas talvez não exista muito o que possa ser feito, a história é assim e não há o que mudar. Adicionar mais fatores para tentar deixar de ser comum, pode deixar o filme demais, com muita informação e estragar o que já é bom. Das muitas obras de Anne Hathaway no cinema este ano, esta pode não ser a melhor, porém quando passar na Sessão da Tarde daqui alguns anos, certamente vai prender a atenção do telespectador.

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Marcela Jardim

Lançado em 2005, Robôs completa 20 anos ainda como um marco na animação digital, embora nem sempre seja lembrado dessa forma. O filme, dirigido por Chris Wedge e produzido pela Blue Sky Studios, se destaca por sua estética vibrante e um mundo inteiramente mecanizado, explorando temas como inovação, meritocracia e desigualdade social. A trama acompanha Rodney Lataria (Ewan McGregor), um jovem robô inventor que sai de sua cidade natal em busca de oportunidades, a fim de dar um futuro melhor para sua mãe amorosa e o pai adoecido. Porém, ele encontra uma realidade dominada pelo lucro e pela obsolescência programada. A crítica ao capitalismo desenfreado e à exclusão dos menos favorecidos é evidente, mas a narrativa, voltada ao público infantil, simplifica questões complexas.

O humor cartunesco é marcante, embora, às vezes, ofusque a profundidade da mensagem. Entretanto, por ser uma animação direcionada ao público infantil, é normal tratar assuntos sérios de forma mais descontraída. Além disso, a dublagem conta com nomes famosos, como Robin Williams, cuja performance como Manivela adiciona energia ao filme. Apesar do impacto visual e dos ensinamentos relevantes, Robôs não atingiu a mesma aclamação de animações contemporâneas como Os Incríveis (2004) ou Procurando Nemo (2003).

Ao comandarem A Era do Gelo (2002), Chris Wedge e o brasileiro Carlos Saldanha precisaram conter os exageros visuais. Afinal, o Pleistoceno, período do Quaternário, não era exatamente conhecido por sua explosão de cores e formas, se é que dá para entender. Assim, para extravasar essa criatividade contida, o projeto seguinte, Robôs, foi ambientado em um futuro vibrante e repleto de detalhes. E acredite, a dupla preenche cada quadro com o máximo possível de elementos visuais, abusando das cores, dos formatos e das informações. O personagem dublado por Williams resume bem o longa: um robô periférico com um humor cativante, que vai tanto à luta por condições de vida melhores, quanto à icônica performance de …Baby One More Time, canção de Britney Spears, hit na década de 1990.

A impressionante estética do filme e a energia das cenas de ação compensam os clichês da trama. Rodney Lataria cresceu em uma pequena cidade, filho de um lavador de pratos e sempre teve que se contentar com peças usadas para suas “atualizações”. Seu maior sonho era viajar para Robópolis, a grande cidade onde seu ídolo, o inventor Grande Soldador (Mel Brooks), que inspirou gerações ao afirmar que “todo robô pode brilhar, independente do material de que é feito”.

Porém, ao chegar à metrópole, Rodney descobre que a realidade é bem diferente. Grande Soldador foi afastado e Dom Aço (Greg Kinnear) assumiu o comando da empresa, instaurando uma nova política: peças de reposição não serão mais produzidas, apenas modelos de alto padrão. Quando percebe que milhares de robôs, incluindo seu pai, correm o risco de serem descartados, Rodney decide enfrentar Dom Aço e lutar pelos ideais do antigo líder. Essa luta é um simbolismo claro e mastigado para o público infantil compreender a diferença entre as classes sociais, além de mostrar que, mesmo que não venha de uma família afortunada, é possível ascender socialmente e fazer a diferença.

O filme se constrói como uma crítica ao consumismo, ao mesmo tempo em que recicla a clássica narrativa do confronto entre o Bem e o Mal, do idealismo do interior contra a impiedade da metrópole e da maioria desfavorecida lutando contra uma elite corporativa. Sabendo que essa estrutura familiar ainda rende boas histórias, os roteiristas David Lindsay-Abaire, Lowell Ganz, Babaloo Mandel e Ron Mita não hesitam em recheá-la com arquétipos: o protagonista determinado e seu interesse romântico, o amigo desajeitado que serve como contraponto cômico e, claro, o ‘falastrão’ que garante o humor – cuja interpretação marcante de Robin Williams pode perder parte do brilho na dublagem brasileira.

O uso desse modelo acessível, de fácil assimilação, se justifica pelo fato de Robôs ser uma animação genuinamente voltada para crianças. Os pequenos espectadores são cativados pelo espetáculo visual acelerado e, de quebra, absorvem mensagens valiosas sobre solidariedade e resistência. Além disso, Madame Junta (com a excelente dublagem de Jim Broadbent), a temível mãe de Dom Aço, se consolidou como uma vilã memorável, no melhor estilo das bruxas malvadas dos contos infantis.

A obra aborda e critica, principalmente, a desigualdade social ao retratar um mundo onde o acesso a recursos básicos, como peças de reposição, define quem pode continuar existindo e quem será descartado. A cidade de Robópolis simboliza a disparidade entre classes, com os robôs mais ricos podendo se atualizar com modelos luxuosos, enquanto os menos favorecidos são forçados a sobreviver com peças antigas ou usadas. A política imposta por Dom Aço, que interrompe a fabricação de reposições para forçar a compra de novos produtos, reflete a lógica de um sistema capitalista excludente, onde o lucro se sobrepõe ao bem-estar da maioria. O protagonista, Rodney Lataria, representa a luta contra essa estrutura injusta, desafiando o monopólio corporativo para garantir que todos tenham o direito de se manter funcionando.

Mesmo após duas décadas, Robôs continua sendo lembrado com carinho pelo público. Seu humor inteligente, referências visuais inovadoras e uma trilha sonora marcante garantiram um lugar especial no coração dos fãs de animação. Além disso, a crítica social presente na história – sobre desigualdade, inovação e o impacto da tecnologia – se mantém atual, tornando o longa ainda mais relevante. Em tempos de avanços tecnológicos cada vez mais rápidos, a mensagem do longa permanece poderosa: a inovação deve estar a serviço de todos e nunca devemos desistir de nossos sonhos.  

https://www.youtube.com/watch?v=-mX7Fx5v2hA

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Leticia Stradiotto

Não é novidade que o memorável O Iluminado seja peça-chave nas principais produções cinematográficas do Terror. Apesar da rejeição de Stephen King – escritor da obra literária – o filme é um trabalho espetacular e extremamente agonizante de Stanley Kubrick, que trouxe à realidade a insanidade e as perturbações mundanas. A fim de realizar uma adaptação correspondente aos livros, King apostou suas obras em mais uma produção fílmica: Doutor Sono (2019), que oferece não só uma continuação, mas, também, explicações deixadas para trás no filme de 1980.

Após o ocorrido no isolado Hotel Overlook envolvendo machados, tentativas de homicídio, loucura e o que há de pior, o pequeno Danny, filho do perturbado Jack Torrance (Jack Nicholson), está de volta e, obviamente, com muitos traumas. Agora, ele é um adulto alcoólatra em busca de reabilitação. Interpretado por Ewan McGregor, Dan se muda para uma pequena cidade e consegue lidar melhor com suas angústias passadas. Por ter a habilidade de sentir quando alguém está perto da morte, o iluminado inicia trabalho em um hospital onde ajuda pacientes terminais, a passar dessa para uma melhor, de forma tranquila, explicação do nome Doutor Sono. Tudo nos conformes, até a chegada de comunicações telepáticas na mente de Dan.

O grupo Verdadeiro Nó, formado por “caçadores de almas”, fazem delas o seu alimento. No entanto, a preferência são de almas iluminadas, retratadas como vapores e, quanto maior a jovialidade do ser, mais puro será o vapor a ser consumido. Com uma série de ocorrências sobre o desaparecimento de crianças – cruelmente capturadas pelos caçadores até a morte mais lenta e dolorosa possível – a garotinha Abra (Kyliegh Curran) é o próximo alvo, pois possui “o vapor” mais poderoso que já encontraram até então, e assim finalmente, seria capaz de saciar o grupo inteiro por longas décadas. Mesmo sem se conhecerem, Abra e Dan já estão relacionados entre si.

É interessante perceber a presença de outras obras de Stephen King na criação de narrativas. Se analisado com clareza e perspectiva, é fácil dizer que o escritor  constrói um multiverso literário e, logo, cinematográfico. Por exemplo, em Doutor Sono, a iluminação dos seres é o que gera o “vapor”, e a saborosidade dele é medida a partir da quantidade de medo presente no corpo, assim como em It – A Coisa, onde o palhaço Pennywise utiliza a mesma armadilha do medo para manipular e sequestrar crianças. Agora fica a reflexão, qual é a conexão maior entre tudo isso?

Em uma trama um tanto quanto confusa, o famoso diretor Mike Flanagan sabe como conduzir a obra e o resultado é um filme extenso, mas isso não é motivo para tédio, já que a sequência de acontecimentos e o gosto pela resolução te prendem do começo ao fim. Com um esquema de nostalgia e referências ao passado, a produção utiliza de vários elementos do primeiro longa, O Iluminado, trazendo novamente para as telas as lembranças perturbadoras do Hotel Overlook.

Se, em 1980, Kubrick não teve o embasamento para retratar as características pessoais dos personagens, Flanagan retoma tudo de maneira fluida e adiciona mais humanidade aos que estão presentes e aos que ainda irão marcar presença. A maléfica Rose (Rebecca Ferguson), uma das principais caçadoras, ganha enorme destaque em Doctor Sleep, através de uma apresentação assustadora e realista da crueldade em seus piores extremos. A atriz afirma que gravar a cena do sequestro e assassinato com o pequeno jogador de beisebol foi de extremo impacto pessoal, pois os gritos da criança eram desesperadores. É quase impossível assistir a Doutor Sono e não ter pensamentos conturbados durante o resto do dia.

Com as diversas referências diretas a The Shining, é possível retirar de Doutor Sono a torturante presença do passado, e que ele sempre estará ali, para nos ensinar algo, ou, então, nos assombrar para sempre. O destino é importuno e grudento, por mais que Dan tenha sobrevivido cerca de 40 anos sendo um iluminado, esse poder será carregado para vida inteira. E com grandes poderes vem grandes responsabilidades, lidar novamente com abalos psicológicos, agora com a presença da pequena Abra, é desafiador e, no mínimo, horripilante.

Apesar do bom desenvolvimento do enredo, o final chega a ser prolongado demais e sem a devida necessidade. Um dos motivos para a conclusão tão pacata é a distância narrativa com o que, de fato, acontece no livro. O longa acaba totalmente solto e sem explicações sobre a recuperação de Dan e o seu relacionamento inquietante com seus próprios traumas e demônios. De qualquer forma, Doutor Sono é um ótimo filme de terror, sabe muito bem trabalhar com a perturbação e o temor do telespectador. Stephen King mais uma vez nos faz questionar: até onde vai a insanidade humana?

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O segundo Emmy em tempos pandêmicos chegou e já foi embora. Com a retomada das atividades presenciais, sem máscaras à vista e com muitas vacinas no braço, o prêmio da Academia de TV adotou um formato mais intimista em 2021, coroando os melhores do ano sob a apresentação do rapper Cedric the Entertainer. A festa começou com um karaokê bem animado, na paródia de Just a Friend, em tributo a Biz Markie, falecido alguns meses atrás. O anfitrião puxou a canção, que foi entoada por uma porção dos nomeados da noite, incluindo os sempre estonteantes Anthony Anderson e Billy Porter.

Longe das reuniões em salas do Zoom e dos troféus entregues por funcionários vestidos como sobreviventes de um apocalipse nuclear, a edição de 2021 recebeu seus nomeados em dois lugares. Nos Estados Unidos estava a concentração de estrelas, enquanto o Reino Unido abrigava as joias da Coroa: boa parte do elenco de The Crown que, alerta de spoiler, quebrou uma porrada de recordes.

No ano em que uma maoria de artistas negros apareceu nas categorias de atuação, a Academia de Artes e Ciências da Televisão premiou 12 pessoas brancas, entre atores principais e coadjuvantes, nos campos de Drama, Comédia e Série Limitada. O retrocesso de diversidade acontece uma edição após a performance gloriosa de Watchmen, e no mesmo ano em que produções como Lovecraft Country, I May Destroy You, black-ish e The Underground Railroad se destacaram pela excelência técnica e artística.

Em Drama, The Crown se junta ao grupo de Angels in America e Schitt’s Creek, que agora são as três únicas séries a vencerem todas as categorias em uma noite. O episódio War, o final da quarta temporada, rendeu um prêmio de Roteiro (para o criador Peter Morgan) e outro de Direção (para Jessica Hobbs, em uma vitória histórica para as mulheres). Gillian Anderson (que foi perguntada, depois de vencer, se havia conversado com Margaret Thatcher sobre o papel na série) saiu como a Melhor Atriz Coadjuvante, enquanto a avalanche da Rainha premiou também o Ator Coadjuvante Tobias Menzies. 

O grande favorito na disputa, entretanto, era Michael K. Williams, que morreu no começo do mês e entregou em Lovecraft Country uma das interpretações mais fortes do ano passado. Antes de anunciar o destino, Kerry Washington honrou o amigo, lembrando de sua luz e presença com amor e saudade. Sua derrota evidencia uma frequente nada positiva: depois do Oscar fazer uso da imagem de Chadwick Boseman para atrair audiência e, na sequência, premiar um ator branco em seu lugar, o Emmy faz igual.

O segmento In Memoriam, apresentado pela ternura de Uzo Aduba e guiado pelas cordas sensíveis de Jon Baptiste e Leon Bridges, finalizava-se com um depoimento em vídeo de Williams, discursando sobre a sustentação que atores negros criam um para o outro. No fim das contas, a diversidade da lista de 2021 foi propaganda enganosa. Tobias Menzies venceu um Emmy pelo papel quase imperceptível do Duque de Edimburgo na 4ª temporada de The Crown. Michael K. Williams viveu Montrose Freeman com a garra de um campeão, e morreu sem prêmio algum da Academia.

A categoria de Ator, que deveria reconhecer Billy Porter pelo ano final de Pose (que só venceu na cerimônia técnica), acabou chamando o nome de Josh O’Connor, que deu vida ao monstruoso Príncipe Charles. Seu par, a Lady Di de Emma Corrin, foi surpreendida pela zebra Olivia Colman, a Toda-Poderosa-Rainha. Assustada, surpresa, emocionada e galante, Colman discursou com o magnetismo que virou sua marca registrada, mas a amargura de não poder assistir Mj Rodriguez fazer história no palco da Academia é grande demais para sorrir do “Michaela Coel, fuck yeah!”, que Colman soltou logo após homenagear o pai, vítima da pandemia.

Na semana anterior, The Crown havia vencido um importante indicativo do apoio da Academia: o Emmy de Atriz Convidada, para Claire Foy, que retornou em um flashback como a jovem Rainha (o episódio em questão, 48:1, também rendeu o prêmio de Olivia Colman). Contrariando especialistas, Charles Dance perdeu a categoria de Ator, que premiou Courtney B. Vance, na única lembrança “grande” de Lovecraft Country.

Melhor Série de Drama, que ano após ano fecha a cerimônia, foi a penúltima das categorias anunciadas em 2021. Na acertada decisão de reconhecer o prestígio das Séries Limitadas, o Emmy finalmente se curvou à Netflix e chamou a equipe de The Crown ao palco britânico, rendendo à pioneira do streaming seu primeiro prêmio de Série. Viu? Só precisou de uma pandemia, de atrasos gigantescos de produção e da HBO quase que de folga, para a Netflix ganhar os prêmios grandes. De fato, a emissora do ‘Tudum’ conseguiu 44 estatuetas e se igualou a um recorde da CBS, que venceu o mesmo número em 1974.

A categoria de Série Limitada dividiu mais suas honras que a de Drama, mas ainda assim houve uma aglomeração na cidadezinha de Easttown. Kate Winslet, Julianne Nicholson e Evan Peters subiram ao palco, agradeceram à HBO e ao elenco formidável de Mare of Easttown, sensação de 2021. Winslet venceu uma década depois de triunfar por Mildred Pierce, outra original da HBO com quem ela faz par romântico com Guy Pearce. Nicholson e Peters, nas categorias de Coadjuvante, venceram os primeiros Emmys da carreira.

A zebra veio em Ator, com o Visão levando rasteira do estilista mais sexy da Netflix: o próprio Halston. Em mês de Met Gala, Ewan McGregor foi recompensado por sua atuação extravagante e deliciosa na minissérie de Ryan Murphy. Com apenas essa nomeação na noite principal, McGregor exibiu seu charme inebriante, e na quarta nomeação, adicionou um Emmy à estante.

O prêmio de Roteiro em Série Limitada nos mostrou que ainda há bem no mundo. Michaela Coel, que sangrou suas dores em toda a concepção de I May Destroy You, confirmou um dos favoritismos mais merecidos do ano, e discursou sua poesia bruta e sincera. A festa parecia estar indo muito bem, até que Scott Frank foi chamado para receber o troféu de Direção, por seu trabalho milimetricamente calculado na desgastada O Gambito da Rainha. 

O discurso do diretor, que também criou e escreveu a série, se estendeu por três minutos e meio, e sua falta de carisma tornou a leitura do papel uma das experiências mais desgastantes de acompanhar na noite. Na mesma semana em que a Netflix é processada por uma enxadrista por difamação, Frank achou de bom tom evidenciar a força feminina da produção. 

Quando um produtor subiu ao palco, no fim da noite, para receber o Emmy de Melhor Série Limitada ou Antologia, ninguém aguentava o homem branco falando de diversidade, além de reduzir a atriz principal, dizendo que “Anya Taylor-Joy trouxe o sexy de volta ao xadrez”. Que sonho seria se Beth Harmon estivesse ali presente, para de uma vez por todas, dar, a mais um de seus adversários machistas, um xeque-mate.

Nos prêmios fora dos gêneros grandes, Last Week Tonight with John Oliver venceu Programa de Entrevistas e Variedades e Roteiro no segmento. O Saturday Night Live ficou, para surpresa de ninguém, com a categoria de Série de Esquetes, enquanto o programa eleitoral de Stephen Colbert triunfou na categoria de Especial de Variedades (Ao Vivo). Na parte de Variedades (Pré-Gravado), não deu outra: Alexander Hamilton! O musical filmado do Disney+ adicionou o Emmy à prateleira que já conta com 11 Tonys, 1 Grammy e 1 Pulitzer. 

Em Programa de Competição, RuPaul’s Drag Race venceu. RuPaul, premiado com seu 11º Emmy, se tornou a pessoa negra com mais estatuetas, e agradeceu à juventude, ao lado de Gottmik e Symone, os grandes destaques da décima terceira temporada do reality. A grandiosa Debbie Allen, atriz, diretora, coreógrafa e lenda da Televisão, foi homenageada com o Governors Award, prêmio que honra a excelência em carreiras. Allen se tornou a segunda pessoa negra a receber tal honraria, depois de Tyler Perry no ano passado, e a primeira mulher negra. No discurso, ela foi enfática: o futuro está na juventude.

Chegando, enfim, na parte de Comédia, o Emmy 2021 dividiu seus prêmios principais entre duas fortes produções. Hacks, original do HBO Max, ficou com Roteiro e Direção (marcando a primeira vez em 73 anos que diretoras vencem juntas em Comédia e Drama), além da vitória de Jean Smart como Melhor Atriz. Ovacionada, aplaudida de pé e feliz da vida com o reconhecimento de sua outra “família” (Mare of Easttown), Smart dedicou o Emmy ao marido, falecido meses atrás, no processo de filmagens da produção.

O resto dos troféus do gênero foi para Ted Lasso. Abrindo a noite, Hannah Waddingham e Brett Goldstein não esconderam o sorrisão ao ouvirem seus nomes chamados como os Melhores Coadjuvantes de 2021. O senso de companheirismo reinou na equipe esportiva da Apple TV+, que ainda foi celebrada em Melhor Ator (para o majestoso Jason Sudeikis) e em Melhor Série de Comédia, com direito a abraços e lágrimas, e claro, muito amor pelo AFC Richmond.

Com a promessa da diversidade, que ia da maioria negra em atuação principal de Drama à ascensão dos heróis, o Emmy 2021 jogou seguro. O conservadorismo dos votantes resultou na ausência de vitórias significativas para The Boys, The Mandalorian e WandaVision, expoentes da fantasia que lotaram a lista de indicados, para saírem com quase nada embaixo do braço. 

A oportunidade de fazer história com vitórias de Billy Porter, Mj Rodriguez, Michael K. Williams e I May Destroy You não foi páreo para a familiaridade da Coroa britânica ou do olhar masculino que hipnotiza uma partida de xadrez. Que o Emmy melhore, que o Emmy evolua e que o Emmy mostre, na prática, que as minorias que eles insistem em chamar para perder, enfim merecem a vitória. Abaixo, você lê tudo que aconteceu na 73ª edição do Oscar da TV pelas palavras da Editoria do Persona, que mergulha no passado, presente e futuro da televisão, comemorando recordes e lamentando injustiças. Até logo, Emmy 2021.

Melhor Série de Comédia: Ted Lasso 

Desde que a Maravilhosa Senhorita Maisel subiu ao palco do Emmy em 2018, a categoria de Melhor Comédia não repete um vencedor. E é esperado que os reconhecidos no prêmio máximo do gênero sejam as produções destaques de cada cerimônia da Academia. Fleabag sucedeu Maisel, e foi sucedida por Schitt’s Creek. Na onda das produções que nos fazem sentir bem, não tinha nome mais forte no Emmy 2021 do que os titãs de Ted Lasso.

Com 20 nomeações (se tornando a série de estreia mais nomeada da história), a original da Apple TV+ venceu em 7 categorias, incluindo 3 técnicas e 3 de atuação. Quem esperava uma surpresa de Hacks na disputa maior, acabou assistindo a um chocolate do time de Lasso, que só perdeu em Roteiro e Direção pela infame divisão de votos.

Sem susto na prorrogação ou falta para cartão vermelho, Ted Lasso se sagrou como a Comédia com C maiúsculo de 2021, condecorando os talentosos nomes de Brendan Hunt, Joe Kelly, Bill Lawrence e, claro, Jason Sudeikis. Visivelmente emocionado, o treinador mais querido desde o Felipão na Copa de 2002, o criador, roteirista e Melhor Ator em Comédia repetiu o que faz toda sexta, por meia-hora: escalou suas estrelas para brilharem. – Vitor Evangelista

Melhor Ator em Comédia: Jason Sudeikis (Ted Lasso) 

Na disputa menos tumultuada da noite, Jason Sudeikis jogou com o time reserva e mesmo assim goleou na categoria de Melhor Ator em Série de Comédia. Astro máximo da sitcom futebolística, Sudeikis recebeu as primeiras nomeações ao Emmy da carreira apenas esse ano, e das 4 menções, acabou premiado em duas. A derrota em Melhor Roteiro, onde concorria em dose dupla, foi causada, além da força descomunal de Hacks, pela divisão de votos.

Em seu discurso, Sudeikis aproveitou para agradecer à equipe por trás de Ted Lasso e também à Apple TV+, que, com menos de três anos de vida, já conseguiu vencer um prêmio de Melhor Série, tudo graças ao otimismo do técnico norte-americano. Cria do Saturday Night Live, Jason Sudeikis tirou sarro do lendário Lorne Michaels, esse que prometeu um futuro promissor para o querido Lasso no programa de esquetes (será que vem uma indicação como Convidado no Emmy 2021?). Sejamos como um peixinho dourado, pois se Ted Lasso deixou uma lição valiosa, é a de que devemos acreditar. – Vitor Evangelista

Melhor Atriz em Comédia: Jean Smart (Hacks) 

Se não fosse dela algo estaria errado. Jean Smart! A atriz que já era favorita na categoria cumpriu a sina de subir ao palco receber a estatueta de Melhor Atriz em Série de Comédia. Smart chegou sorrateiramente ao catálogo do HBO Max em junho, tirando todo e qualquer favoritismo de Kaley Cuoco, que era cotada por The Flight Attendant. A vitória pelo papel de Deborah Vance é a quarta da atriz, que na década passada também foi premiada por suas atuações em séries de comédia.

Jean Smart, que também estava indicada como Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada, foi aplaudida de pé pelos presentes na premiação – e por mim na sala de casa – e iniciou seu discurso aplaudindo os colegas de Mare of Easttown. O prêmio foi emocionalmente dedicado ao marido de Smart, que faleceu durante as gravações do último episódio de Hacks. Jean Smart você mereceu esse prêmio, merecia o do ano passado por Watchmen e merece os que virão. Quebre a perna, Jean Smart. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Comédia: Lucia Aniello – There Is No Line (Hacks) 

A noite do Emmy foi agitada para as produções de Comédia. Quando seu adversário está entre os esperados para marcar todos os gols da noite, como era o caso de Ted Lasso, é difícil ter muita esperança. Mas indo contra as especulações, a série Hacks conquistou seu espaço e levou o troféu por Melhor Direção em Comédia. Quem diria? Nem mesmo o cancelamento de Ava impediu a vitória. 

A responsável por garantir essa estatueta para o HBO Max foi Lucia Aniello. A diretora e roteirista, que criou a série junto com Paul W. Downs e Jen Statsky, vem recebendo indicações na premiação mais famosa da televisão desde 2014, e finalmente pode respirar aliviada sabendo que, dessa vez, ganhou. – Mariana Chagas

Melhor Ator Coadjuvante em Comédia: Brett Goldstein (Ted Lasso) 

Na sequência de golaços de Ted Lasso no Emmy 2021 não poderia faltar ele, que está em todo lugar. Brett Goldstein, o rosto amigável por trás do carrancudo Roy Kent, deu um carrinho já aguardado nos concorrentes do Saturday Night Live e até nos seus colegas de elenco – mas pelo menos garantiu uma estatueta para os Diamond Dogs. 

Na primeira indicação de sua carreira na premiação, o ator e também roteirista honrou a trajetória do seu personagem no primeiro ano da série, que deixa sua marca na narrativa e já é o rabugento que mais amamos no mundo. Ao subir ao palco para receber o prêmio, Goldstein não poupou agradecimentos para Jason Sudeikis e o restante do elenco de Ted Lasso, além de, é claro, não economizar nos palavrões. Afinal, Roy Kent não é Roy Kent sem falar ao menos 2 fuckings por minuto. – Vitória Silva

Dando o pontapé inicial às premiações da noite (e aos muitos YEEEEEEAHs de Ted Lasso), Hannah Waddingham foi reconhecida por seu trabalho como a antagonística dona do AFC Richmond na primeira temporada da série de comédia, recebendo a estatueta de Atriz Coadjuvante das mãos de Seth Rogen. Emocionadíssima com sua primeira vitória, a atriz agradeceu profusamente aos roteiristas da produção e seus colegas de elenco, deixando claro que se pudesse dividir a estatueta com Juno Temple, o faria num piscar de olhos.

A vitória marcou o início da noite glamourosa para o elenco de Ted Lasso, que prosseguiu para vencer todas as categorias de atuação nas quais estavam indicados. Embora Waddingham tivesse ficado de fora do Globo de Ouro, sua vitória na premiação inaugural da Associação de Críticos de Hollywood já dava sinais da vinda do Emmy para as mãos da britânica, que competia junto de Temple com outras cinco atrizes pelo prêmio: além de Aidy Bryant, Kate McKinnon e Cecily Strong, indicadas recorrentes por Saturday Night Live, Hannah Einbinder de Hacks e Rosie Perez de The Flight Attendant formavam uma categoria bem arredondada por novatas e veteranas da modalidade, em que a única certeza era a de que o otimismo contagiante de Ted Lasso vingaria. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Comédia: Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky – There Is No Line (Hacks) 

Mesmo com a queridinha Ted Lasso indicada duas vezes na categoria pelo episódio piloto e por Make Rebecca Great Again, foi Hacks quem levou o troféu por Melhor Roteiro em Comédia pelo episódio There Is No Line. 

Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky subiram ao palco para receber o prêmio diretamente das mãos de Dan Levy, Eugene Levy, Catherine O’Hara e Annie Murphy, atores de Schitt’s Creek, série que surpreendeu a todos ao levar 7 prêmios no Emmy de 2020. – Caio Machado

Melhor Ator Convidado em Comédia: Dave Chappelle (Saturday Night Live) 

Quando o assunto é programa de comédia, Saturday Night Live se garante. O seriado vem recebendo indicações desde 2010, e seus prêmios não são possíveis de contar nas mãos. A produção conseguiu, nesta edição do Emmy, bater 81 prêmios no total. Haja estante para guardar tudo isso. 

Quem garantiu o nome do programa na lista de vitoriosos desse ano foi Dave Chappelle. O comediante e ator já era conhecido por participação em outras obras como seu papel em Nasce Uma Estrela e seu Stand-up Chappelle’s Show. Sua comédia no episódio de SNL, com certeza, é outro marco na carreira do talentoso artista. – Mariana Chagas

Melhor Atriz Convidada em Comédia: Maya Rudolph (Saturday Night Live) 

Ganhar Melhor Ator Convidado em Comédia talvez não fosse o suficiente, então Saturday Night Live resolveu se garantir e levar também o de Melhor Atriz Convidada em Comédia. A comediante e cantora Maya Rudolph ganhou a categoria e se juntou a Dave Chappelle a atores negros que tiveram seu espaço por participações especiais. 

Vale lembrar que esta foi a oitava indicação de Maya, que antes já havia ganhado dois prêmios no Emmy, um por sua dublagem em Big Mouth e outra participação anterior no SNL. Assim como o programa que representou, a artista vem colecionando estatuetas. – Mariana Chagas

Melhor Programa de Competição: RuPaul’s Drag Race

Não teve para mais ninguém! Sem The Masked Singer na categoria – a única ameaça possível ao reinado de RuPaul –, a vitória era certeira. O reality de Mama Ru, fenômeno mundial, venceu pela quarta vez consecutiva o troféu de Melhor Programa de Competição, por sua 13ª temporada. 

Para receber a estatueta no palco, a Queen of Drag convidou sua amiga e fiel escudeira Michelle Visage, e as queens Symone, a vencedora mais recente do formato principal, e Gottmik, o top 2 moral. Concorriam com a corrida das loucas os programas The Amazing Race, Nailed It!, Top Chef, e The Voice. – Jho Brunhara

Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado): Hamilton 

Para a categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), concorriam obras excelentes, como o melancólico Inside, do comediante Bo Burnham, e o magnífico David Byrne’s American Utopia, onde o músico fez um show incrível que refletia sobre o período atribulado no qual estamos inseridos, mas com esperança num futuro melhor.

No fim, o premiado foi Hamilton, a versão filmada do musical criado por Lin-Manuel Miranda e que foi inspirado na vida de um dos Pais Fundadores dos Estados Unidos. Ao subir no palco, o elenco do musical aceitou o troféu em nome de Lin, que não pôde estar presente na ocasião. Mesmo depois de seis anos de sua estreia nos palcos, a obra continua se mostrando relevante, sem nunca desperdiçar suas oportunidades. – Caio Machado

Melhor Série Limitada ou Antologia: O Gambito da Rainha 

Para a tristeza de alguns e felicidade de outros, O Gambito da Rainha deu a jogada final da noite e se consagrou como Melhor Série Limitada ou Antologia no Emmy 2021. A grande favorita da categoria conseguiu derrubar nomes de peso: Mare of Easttown, I May Destroy You, WandaVision e The Underground Railroad. Mas não chegou a surpreender ninguém de fato, por já ter levado a melhor nas categorias técnicas e ganhado a estatueta de Melhor Direção pouco antes.

Em seu discurso de agradecimento, o produtor executivo William Horberg parabenizou a protagonista Anya Taylor-Joy: “Você inspirou toda uma geração de meninas e jovens que perceberam que o patriarcado não tem como se defender das nossas rainhas”. Ironicamente, sua fala evidencia a maior contradição presente na obra, que se apoia em uma narrativa aparentemente feminista mas que em momento algum apresenta as dificuldades que uma mulher enfrentaria em um ambiente majoritariamente dominado por homens. 

Os méritos da série se devem quase por completo à atuação de Anya como Beth Harmon – e quem merece de fato todos os aplausos -, além de voltar os holofotes para um jogo pouco retratado na mídia. Apesar de somar 11 vitórias na premiação, O Gambito da Rainha facilmente se ofusca ao lado das concorrentes, e não carrega nem metade da força necessária para sustentar o legado deixado por Watchmen, sua antecessora na categoria. – Vitória Silva

Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Ewan McGregor (Halston) 

E a maior zebra da noite é toda dele: Ewan McGregor, senhoras e senhores. Se enganou muito quem subestimou a força do eterno Obi-Wan Kenobi, que conseguiu derrotar o favoritismo de Paul Bettany e Hugh Grant. Até quem achou que a aclamação de Hamilton iria reverberar na vitória de Lin-Manuel Miranda ou Leslie Odom, Jr. errou feio. 

Levando o primeiro Emmy da carreira, e também o único da série na premiação, a conquista não poderia ser mais que merecida. McGregor assume não só o protagonismo de Halston, mas também sustenta a produção de Ryan Murphy nas costas, com uma narrativa que não condiz com o brilho de seu talento. E repete o feito semelhante ao de Mark Ruffalo em 2020, por conseguir dar a volta por cima e conquistar a estatueta da única indicação da série na cerimônia principal. – Vitória Silva

Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Kate Winslet (Mare of Easttown) 

Diferente de Drama e Comédia que já tinha seus vencedores previstos, Série Limitada trouxe as categorias mais recheadas, incertas e aguardadas de 2021. As atuações femininas foram um espetáculo à parte. Com o favoritismo dividido entre Kate Winslet e Anya Taylor-Joy; Michaela Coel, Elizabeth Olsen e Cynthia Erivo também tinham motivos de sobra para se consagrarem na noite de 19 de setembro.

Agradando os fãs da HBO e fazendo jus a performance, foi o nome de Kate Winslet que saiu da boca de Sarah Paulson e Beanie Feldstein. A eterna Rose foi uma leoa dentro e fora das telas, defendendo minuciosamente cada traço de sua personagem. A atriz interferiu na construção visual de Mare Sheehan, potencializando ainda mais a força e os dramas da detetive. Aplaudida de pé, Kate também foi agraciada nos discursos de Julianne Nicholson e Evan Peters e em seu discurso falou sobre a importância de as mulheres apoiarem mulheres. De todos da noite, esse prêmio com certeza foi um dos que chegou em melhores mãos. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Scott Frank (O Gambito da Rainha)

Não teve jeito de contornar o xeque-mate da Netflix. Prenunciando que alcançaria também a maior vitória da noite, O Gambito da Rainha garantiu primeiro o Emmy de Melhor Direção, coroando aquele que direcionou uma das séries mais assistidas da história do streaming. Dali em diante, a distribuição dos prêmios de Série Limitada ou Antologia foi equilibrada em sua obviedade, dividindo as honrarias entre o fenômeno protagonizado por Anya Taylor-Joy e a favorita da HBO Mare of Easttown, que venceu a adversária em todas as categorias de atuação.

Então, na segunda metade da premiação, um antipático Scott Frank subiu ao palco para agradecer o prêmio, que num mundo ideal, seria de Barry Jenkins, pelo trabalho magistral entregue em The Underground Railroad. Mas se nem a relevância do diretor de Moonlight foi suficiente para tirar os olhos da Academia de TV do jogo de xadrez de Beth Harmon, não seriam também os feitiços de WandaVision dirigidos por Matt Shakman ou a força de I May Destroy You nascida de Michaela Coel. É uma chatice: nenhuma direção da seleção mais rica do Emmy 2021 foi considerada diante do favoritismo exaustivo que a temporada conserva por O Gambito da Rainha. Todos caíram direitinho na maior jogada da Netflix. – Raquel Dutra

Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Evan Peters (Mare of Easttown)

Quem acredita sempre alcança: desde 2004 nas telinhas e oito temporadas de American Horror Story depois, Evan Peters finalmente abocanhou seu primeiro Emmy. Sair do cativeiro de Ryan Murphy fez bem para Peters, e foi na HBO, por seu papel em Mare of Easttown, que o Detetive Colin Zabel rendeu uma estatueta para ele como Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.

O ator já é um ícone da cultura pop há muito tempo, e esse é mais um caso de uma estatueta não só para o papel na série indicada, mas também por sua carreira memorável. Também concorriam na categoria Thomas Brodie-Sangster, por seu papel em O Gambito da Rainha; Daveed Diggs, por Hamilton; Paapa Essiedu, por I May Destroy You; Jonathan Groff, por Hamilton; e Anthony Ramos, também por Hamilton. – Jho Brunhara

Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Julianne Nicholson (Mare of Easttown) 

Kathryn Hahn, Renée Elise Goldsberry, Julianne Nicholson, Phillipa Soo, Moses Ingram e Jean Smart: as indicadas a Melhor Atriz Coadjuvante deste ano eram gigantes. Essa foi a categoria que mais dividiu entre razão e emoção. O Gambito da Rainha havia levado muitas categorias técnicas na semana anterior, Jean Smart já imaginava que sairia vitoriosa por Hacks em Comédia, Renée e Phillipa fazem parte do queridíssimo cast de Hamilton que poderia ser a zebra deste ano, mas a torcida estava mesmo entre a adorável e vilanesca Kathryn Hahn e o pilar de estruturação Julianne Nicholson.

A indicada de WandaVision tinha toda a torcida do coração e chances reais de garantir um Emmy para a Marvel. Mas, pensando racionalmente, essa estatueta foi para as mãos certas. Ela é, e tinha que ser de Nicholson, desde o início. Dona de uma das melhores cenas do ano, Lori Ross é uma personagem complexa e cheia de camadas, todas muito bem dominadas pela entrega da atriz. Mare of Easttown venceu a trinca em atuação e Nicholson ganhou o primeiro – espero que seja de muitos – Emmy da carreira. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme: Michaela Coel (I May Destroy You) 

I May Destroy You já dava sinal de pelo menos uma vitória no Emmy 2021, tendo recebido 4 troféus no BAFTA deste ano. Michaela Coel era vista, de longe, como a favorita nessa categoria — tinha que ser dela, e não tem discussão. Baseado no caso de estupro que Coel sofreu em 2015, o seriado levou para casa o troféu de Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme. Com o prêmio, Coel tornou-se a primeira mulher negra a receber o Emmy nesta categoria. 

Em 2017, Michaela Coel recusou a oferta de 1 milhão de dólares da Netflix por I May Destroy You, pois a plataforma não permitia que a atriz, roteirista e produtora retivesse qualquer porcentagem dos direitos autorais, mesmo sendo um projeto autobiográfico. A série acabou indo para a HBO, e o Emmy também. O seriado ainda concorreu em outras 8 categorias na premiação, levando a estatueta de Melhor Supervisão Musical no dia das premiações técnicas, e encerrou essa edição com 2 troféus. – Bruno Andrade

Melhor Telefilme: Natal com Dolly Parton

Na categoria de Melhor Telefilme do Emmy 2021, deu zebra. Entre os indicados, Oslo, adaptação da HBO sobre as negociações secretas do Acordo de Paz da capital de Noruega, Uncle Frank, um drama independente sobre aceitação e pertencimento, adquirido pelo Amazon Prime Video, e Sylvie´s Love, o romance sessentista estrelado por Tessa Thompson e Nnamdi Asomugha, também comprado pela Amazon, figuravam entre os favoritos. Até o azarão Robin Roberts Presents: Mahalia, biografia da cantora gospel Mahalia Jackson (interpretada pela fenomenal Danielle Brooks), apresentava melhores chances do que o ganhador: Dolly Parton´s Christmas on the Square, o musical natalino da Netflix com a estrela country Dolly Parton.

A modalidade que condecorou Bad Education em 2020 premia os filmes lançados diretamente na TV e ganhou regras que levam em conta o Oscar: se a produção foi considerada na disputa de Cinema, não entra na de TV. Além disso, a categoria já passou por outras mudanças desde sua criação em 1992, como alterações de nomes e quando, em 2011, virou uma só com a junção com a de Minisséries. A decisão foi revertida em 2014. Já a edição de 2021 reflete o ano fraco: enquanto as Séries Limitadas estão em um de seus melhores e mais competitivos anos, a entrega dos troféus para os filmes televisivos foi do evento principal para a segunda noite do Emmy. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Série de Drama: The Crown

Deus salve a Rainha porque The Crown levou a estatueta de Melhor Série de Drama, e deu à Netflix seu primeiro troféu de Melhor Série — O Gambito da Rainha foi a segunda série da plataforma a receber a honraria, ficando com o principal prêmio da noite. Introduzindo Lady Di (Emma Corrin) na trama, a temporada mesclou aspectos históricos com ficção, construindo uma narrativa envolvente e episódios esteticamente ricos. 

Em seu 4º ano, The Crown entregou a melhor temporada até aqui, não deixando dúvidas sobre os méritos dessa vitória. Explorando aspectos interessantes da realeza britânica, com Gillian Anderson interpretando brilhantemente a Dama de Ferro, Margaret Thatcher, a 4ª temporada do seriado emplacou todo o elenco principal em suas respectivas categorias, e a série levou para casa todos os prêmios em Drama, mantendo a hegemonia já antecipada no Globo de Ouro e no SAG Awards deste ano.

A série ainda proporcionou a vitória do brasileiro Adriano Goldman, que já havia sido indicado ao Emmy na 3ª temporada de The Crown, e ficou com a estatueta de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora) pelo episódio Fairytale, no dia das premiações técnicas. Depois das 11 vitórias no Emmy 2021, incluindo Olivia Colman como Melhor Atriz em Drama por interpretar a Rainha Elizabeth II, não é errado afirmar que The Crown, realmente, é a rainha do Drama. – Bruno Andrade

Melhor Ator em Drama: Josh O’Connor (The Crown)

A categoria de Melhor Ator em Drama contava com atores premiados anteriormente. Sterling K. Brown recebeu a estatueta em 2017, pela primeira temporada de This Is Us, e Billy Porter venceu em 2019 pela primeira temporada de Pose. 

Neste ano, quem subiu ao palco para receber o troféu diretamente das mãos da atriz Catherine Zeta-Jones foi Josh O’Connor, por sua atuação excepcional como Príncipe Charles na quarta temporada de The Crown. Levando em conta que a série já tinha sido coroada com cinco estatuetas em categorias anteriores, era de se esperar. – Caio Machado

Tinha como Olivia Colman sair de The Crown sem ser premiada pela sua Rainha Elizabeth? Não tinha. Em seu segundo ano como o centro da superprodução da Netflix, Colman sai das indicações do Oscar para entrar na corrida do Emmy mais uma vez, e como a mais silenciosa em meio às mais prováveis, venceu a estatueta de Melhor Atriz em Drama de 2021.

A expectativa para a noite do dia 19 de setembro, no entanto, era de que a Princesa vencesse a Rainha, já que o encanto e maestria de Emma Corrin como Lady Di roubaram todas as atenções do quarto ano de The Crown e algumas das premiações precursoras da temporada. Ou então, que o Emmy honrasse todo o significado de Pose ao reconhecer o mérito de Mj Rodriguez na última temporada de uma das produções mais importantes da história da TV. Até Elisabeth Moss poderia surpreender e repetir sua vitória de 2017 por de The Handmaid’s Tale, mas a força do nome e do trabalho de Olivia Colman é imparável, e numa possível divisão de votos entre as duas mais próximas da estatueta, ficou ainda mais forte. 

Assim, a Academia de TV perdeu a chance de coroar sua primeira mulher trans numa categoria principal de atuação, justo no ano em que notou o trabalho de uma maioria de atores e atrizes negros nas categorias de Drama. E por isso, um gosto amargo sempre vai acompanhar a apreciação do trabalho inquestionável de Olivia Colman em 2021. – Raquel Dutra

Melhor Direção em Drama: Jessica Hobbs – War (The Crown)

The Crown varreu o Emmy 2021. Se a Netflix rezava para conseguir a tão sonhada estatueta de Melhor Série de Drama, com certeza Jessica Hobbs acendeu todas as velas de sua casa para atrair o prêmio de Melhor Direção em Drama. E deu certo. A neozelandesa dirigiu os dois últimos episódios da quarta temporada, Avalanche e War, vencendo pelo segundo.

Essa é a quarta vitória da Netflix na categoria desde que começou a concorrer, em 2013, e a segunda vitória de The Crown. O ano atípico causado pelas consequências da pandemia no audiovisual pode ter favorecido a gigante do streaming, mas, agora, mais do que nunca, é melhor sempre ficar de ouvidos bem abertos no tudum. Na categoria também concorriam Julie Anne Robinson, Benjamin Caron, Liz Garbus, Jon Favreau e Steven Canals. – Jho Brunhara

Melhor Ator Coadjuvante em Drama: Tobias Menzies (The Crown) 

Depois de um belo discurso de Kerry Washington em homenagem a Michael K. Williams, ator falecido em 6 de setembro e que concorria na categoria por sua atuação avassaladora  em Lovecraft Country, a sensação era de que o prêmio já era dele. Seria a maneira perfeita de honrar a carreira de um ator brilhante que se foi cedo demais. 

No entanto, numa surpresa decepcionante, quem acabou levando a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante em Drama foi Tobias Menzies, por sua atuação como Príncipe Philip na quarta temporada de The Crown. Foi o quarto prêmio seguido dado à série, numa noite histórica para a Netflix. 

Ao lado dele, também concorriam O-T Fagbenle, Max Minghella e Bradley Whitford por The Handmaid’s Tale, John Lithgow por Perry Mason, Chris Sullivan por This Is Us e Giancarlo Esposito por The Mandalorian. Pelo visto, nenhum deles foi páreo para o poder da família real britânica. – Caio Machado

Melhor Atriz Coadjuvante em Drama: Gillian Anderson (The Crown) 

Depois de Jessica Hobbs e Peter Morgan terem recebido as estatuetas de Direção e Roteiro, foi a hora dos intérpretes da terra da Rainha receberem o que lhes era devido pela quarta temporada de The Crown. Na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante não deu outra, e Gillian Anderson subiu ao palco para receber o segundo Emmy de sua carreira (a atriz já havia sido reconhecido por seu papel como a querida Dana Scully de The X Files), agradecendo à Netflix e aos realizadores da série, mas dedicando o prêmio à sua colaboradora e amiga de longa data, Connie Freiberg.

A categoria estava claramente dividida entre The Crown e The Handmaid’s Tale, cada qual contando com três e quatro atrizes na disputa pela estatueta, com apenas Aunjanue Ellis competindo solitariamente por seu papel em Lovecraft Country. Interpretando uma das figuras mais infames da política britânica, a Margaret Thatcher de Anderson já estava no caminho para vencer desde que conquistou o Globo de Ouro e o SAG mais cedo na temporada de premiações. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Drama: Peter Morgan – War (The Crown) 

Peter Morgan, premiado roteirista britânico — que já recebeu um BAFTA pelo roteiro do filme O Último Rei da Escócia (2006) —, levou a estatueta de Melhor Roteiro em Drama por War, 10º e último episódio da 4ª temporada de The Crown. A série era uma das favoritas para levar o prêmio, e, como fez em toda a categoria de Drama, não deixou espaço para a concorrência.

 Morgan, que também é o criador da série, é conhecido no cenário das artes dramáticas como um dos principais roteiristas sobre histórias da realeza britânica, e roteirizou o filme The Queen, de 2006, que lhe rendeu uma indicação como Melhor Roteiro no Oscar, além da vitória na mesma categoria no Globo de Ouro de 2007. O episódio War — uma respeitosa Season Finale —, em tom sombrio, se inicia em 1º de novembro de 1990, data que marcou o fim da carreira política de Margaret Thatcher, e mostra a Princesa Diana como o principal rosto da família real. – Bruno Andrade

Melhor Ator Convidado em Drama: Courtney B. Vance (Lovecraft Country)

No primeiro domingo do Emmy 2021, quem levou a melhor como Melhor Ator Convidado em Drama foi Courtney B. Vance, por seu papel como George Freeman na cancelada Lovecraft Country. Vance ficou com o troféu nas duas vezes em que foi indicado: ele já tinha uma estatueta de Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme na estante, por The People v. O.J. Simpson: American Crime Story em 2016.

Em 2021, a competição estava entre ele, Charles Dance, indicado por Lord Mountbatten em The Crown; Don Cheadle, por sua participação de 98 segundos como James Rhodes em Falcon and the Winter Soldier; Carl Weathers, por Greef Karga, em um episódio de The Mandalorian dirigido por ele mesmo; e Timothy Olyphant, pelo xerife Cobb Vanth, também em The Mandalorian.

Courtney B. Vance não enrolou para subir ao palco e agradecer à família, a HBO e a toda equipe de Lovecraft Country. Ele aproveitou as palavras da showrunner da série, Misha Green, a quem também agradeceu, para prestar homenagem ao seu colega de elenco falecido recentemente, o ator Michael K. Williams. “Michael fez tudo de coração aberto, com seu espírito infinito e com muito estilo. Que ele descanse em poder e nos deixe honrar o seu imenso legado sendo um pouco mais amoroso, um pouco mais infinito em pensamentos e um pouco mais ‘swaggy’ em ações”. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Atriz Convidada em Drama: Claire Foy (The Crown)

Entre nomes recorrentes nas indicações de Melhor Atriz Convidada em Drama, foi Claire Foy quem fez história no Emmy 2021. A vitória da intérprete da Rainha Elizabeth II a consagrou como a primeira atriz a levar o prêmio em duas categorias diferentes pelo mesmo papel, tendo aparecido em Principal e Convidada. Foy já havia sido nomeada como Melhor Atriz em Drama pela primeira e segunda temporada de The Crown, em 2017 e 2018 respectivamente, e levou o troféu em 2018. 

A Rainha encerrou sua participação como protagonista na série da Netflix há duas temporadas, mas reviveu sua personagem em um flashback no episódio 48:1, no quarto ano da produção. O 1 minuto e 49 segundos de participação da atriz foi suficiente para desbancar performances marcantes das outras concorrentes, entre elas veteranas como Phylicia Rashad e Alexis Bledel. Rashad, indicada por três anos seguidos como Carol Clarke em This Is Us, saiu mais uma vez só com o reconhecimento da nomeação. Bledel, lembrada por Emily em The Handmaid´s Tale e uma das favoritas no ano, já havia sido indicada na categoria em 2017 e 2020, além da nomeação como Melhor Atriz Coadjuvante em 2018, mas continuou só com o troféu de 2017.

Das indicadas de primeira viagem, a injustiçada Sophie Okonedo recebeu um aceno por Charlotte, em uma performance que salvou Ratched, mas sequer figurou entre as favoritas. Por último, a jovem Mckenna Grace, que apareceu pela primeira vez na lista do Emmy aos 15 anos, foi reconhecida por seu papel como Esther em The Handmaid´s Tale e apresentou uma categoria na segunda noite da premiação. Ao final, a coroada foi a familiar Rainha. – Vitória Lopes Gomez

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Caroline Campos

Extravagante, icônico e controverso. A descrição pode ser facilmente aplicada a Ryan Murphy e suas criações, mas não há ninguém que contemple mais intensamente os três adjetivos do que o protagonista de sua nova minissérie: Halston. O rosto esquecido da moda americana, dono de um legado perdido e uma existência dramática, é tudo, menos comum. Halston chegou de mansinho no catálogo da Netflix – muito diferente do estardalhaço que o estilista fez no cenário frenético dos anos 70 – e, protagonizada por Ewan McGregor, voltou novamente os holofotes para a vida autodestrutiva daquele que revolucionou a forma como o mundo olhava para o estilo estadunidense.

Os 5 episódios voam como foguetes para tentar contornar pelo menos o mínimo de quem foi e o que fez Roy Halston Frowick. Sem a aprovação dos familiares do designer, a produção é carregada em glamour, mas seu formato apressado se assemelha mais a uma antologia de contos do mesmo personagem. Incapaz de suportar o peso da importância de Halston, o roteiro de Sharr White e Ryan Murphy, baseado no livro Simply Halston, de Steven Gaines, esbanja caretice e cai na mesmice das narrativas de ascensão e queda de uma grande personalidade.

Pulando de ano para ano sem muito critério, Halston se apoia em flashes da vida do estilista que funcionam, principalmente, por seu elenco primoroso. O boom com o chapéu pillbox de Jackie Kennedy engatilha a história, mas o império de Halston é construído quase que subitamente através de percalços insignificantes e uma superficialidade absurda. É como se o ícone setentista de McGregor fosse criado narrativamente com a profundidade de uma fatia de pão. 

Além disso, Halston conta com um batalhão de coadjuvantes de luxo que possuem o mesmo peso na cultura pop que o estilista e, ainda assim, são renegados à falta de personalidade dentro da minissérie de Murphy. Liza Minnelli, Elsa Peretti, Joe Eula, Eleanor Lambert, David Mahoney – a lista pode ser extensa, mas a carga dramática desses personagens é irrelevante. Elsa, por exemplo, é uma estrela nata, impecável. A designer de joias mais famosa da Tiffany é magistralmente interpretada por Rebecca Davan, só que seu papel na trajetória vem e vai sem muito contexto, e a personagem sai de cena sem finalização alguma.

No entanto, se há alguém que consegue encher os olhos do espectador, é Krysta Rodriguez. Sua Liza com Z – e não Lisa com S – envolve e encanta desde a primeira aparição, reproduzindo o charme natural da vencedora do Oscar. É talento de sobra para o pouco tempo de tela que Rodriguez recebe. Felizmente, a produção da Netflix não falha em representar a amizade da atriz com Halston, responsável por juntar as pecinhas quando o protagonista desmonta e colar tudo no devido lugar.

Quando se trata de seu protagonista, Halston não sabe no que está mirando. O artista passa os cinco episódios preso em um furacão emocional que não se decide quanto a fonte de tanto desespero. De início, há o drama de uma família disfuncional, alimentado por flashbacks pontuais e perdidos que não agregam em absolutamente nada no conjunto da obra. Quando a mãe do personagem morre, sequer sabíamos se ele ainda possuía uma ou se, por acaso, ainda mantinha alguma conexão com ela.

Depois de se desprender dos conflitos familiares, vem a relação tenebrosa com Victor Hugo. Interpretado por Gianfranco Rodriguez, o amante de Halston irrita especialmente pela falta de concretude e pela instabilidade de caráter. Sempre gritando que é um artista sem nunca mostrar qual é sua arte, o arco ainda decide finalizar com uma chantagem seguida de uma tentativa de reconciliação. Nesse momento, poderia facilmente surgir pontos de interrogação na tela para representar o estado de espírito de Ryan Murphy.

Ainda, a cereja do bolo: o vício em drogas que desaparece do nada. Após uma construção gradual da dependência química, que começa com uma resistência responsável e caminha até um GET IT, SASSY esbaforido por mais pó, Halston, de uma cena para outra, está limpo. Simples assim. Mesmo que Liza tenha ido para a reabilitação e insistido para que ele a acompanhasse e Joe continuasse evidenciando como o vício impactava suas criações, o roteiro decidiu que não precisávamos entender o processo de recuperação do estilista.

Mas aí esbarramos em um problema: como se revoltar com tanto furo na trama do protagonista quando este é interpretado pelo fabuloso Ewan McGregor? Pois é, impossível. O maior acerto da minissérie é a escalação pomposa do talento multifacetado de McGregor, que esbanja golas altas, óculos escuros e passa a temporada inteira rodeado de cigarros e orquídeas. Cheio de trejeitos, o ator abocanhou a única indicação da produção no evento principal do Emmy 2021, integrando a lista recheada da categoria de Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.  

Krysta Rodriguez, por sinal, foi injustamente cuspida para fora da premiação. Tudo bem que, se indicada, a atriz iria à festa pelos comes e bebes e para assistir à vitória de Kathryn Hahn, mas sua falta foi sentida em uma categoria lotada de estrelas de Hamilton e Mare of Easttown. Já para Ryan Murphy, o Oscar da TV é destino conhecido e o roteirista e produtor conta com 36 indicações na sua carreira. Tudo que tem dedo do americano chama a atenção, em especial do Emmy, muito amigável às suas produções. AHS, ACS, Glee, Hollywood, Ratched, Feud, The Politician – todas trilharam seus caminhos no tapete vermelho.

No Emmy Criativo, Halston conquistou outras 4 indicações, com destaque para o episódio 2, Versalhes, que aborda a maior rinha da moda contemporânea, e o episódio 4, A festa acabou, com aquele gostinho das noitadas históricas e polêmicas do Studio 54. Sim, Murphy trabalha compulsivamente. Agora, se todas suas ideias são boas, já é outra história.

Do alto de sua imponência, no 21ª andar da Olympic Tower, Halston assiste à derrocada de seu império vermelho-sangue. A influência mercadológica na sua arte se torna insustentável e, tendo escolhido a popularidade acima da exclusividade, logo surgem questionamentos muito mais interessantes para a narrativa. Quando seu legado é sua marca e sua marca é seu nome, por quanto você o venderia? A queda dramática do estilista, agora sem assinatura, é o desfecho clássico de uma biografia que praticamente seguiu um modelo pronto de produção. No fim das contas, Halston precisava de um ponto final, mas recebeu grandes e incompletas reticências.

Móveis, vestidos, chapéus, malas, perfumes. Se viesse com o autógrafo corrido do estilista genial, o sucesso era certo. Esquecido pela história e maltratado pelo mundo dos negócios, Halston faleceu em 1990 por complicações com a AIDS – a produção da Netflix optou por uma abordagem rasa e trivial da doença no último episódio. Ainda com críticos ferrenhos e seguidores devotos, o artista vai muito além do compilado de eventos que Murphy escolheu. Afinal, não é todo dia que se revoluciona a moda de um país inteiro.

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O colorido mosaico de Aves de Rapina explode em tela a loucura e extravagância de suas personagens (Foto: Warner Bros.) 

Julia Paes de Arruda

Empresas como Avon, O Boticário e Marisa têm as mulheres como seu público-alvo. Recentemente, elas vêm integrando o movimento feminista aos seus produtos. O exemplo clássico é a adesão de um girlpower nas camisetas. Porém, isso não fica restrito à beleza e vestuário. O Cinema também acompanha essa onda. Não é à toa que Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa, a nova produção da DC Studios, ganhou esse título. 

Após estrelar em Esquadrão Suicida (2016), de David Ayer, ao lado de Will Smith e Jared Leto, Arlequina (Margot Robbie) ganha seu primeiro filme solo. A escolhida para a direção foi Cathy Yan. De origem chinesa, ela tem no currículo o longa Dead Pigs (2018) e o curta According To My Mother (2016). Seu novo trabalho conta a trajetória da então vilã, depois do término de seu relacionamento com o Coringa. Agora, Arlequina precisa enfrentar seus inimigos sozinha, vivendo às escondidas de todos à sua volta na companhia de Bruce, sua hiena de estimação. 

Simultaneamente à história da anti-heroína, conhecemos o percurso da jovem ladra Cassandra Cain (Ella Jay Basco). A cidade inteira está em busca da garota pois a pequena carrega um precioso diamante do vilão Máscara Negra (Ewan McGregor). É nesse momento que os caminhos de Arlequina, Caçadora (Mary Elizabeth Winstead), Canário Negro (Jurnee Smollett-Bell) e Renee Montoya (Rosie Perez) se cruzam. Sem muita escolha, elas se unem para que possam agir em defesa de Cain.

Seria muita coincidência o nome da hiena ser o mesmo que a verdadeira identidade do Cavaleiro das Trevas? (Foto: Warner Bros.)

O primeiro passo da emancipação, além do corte de cabelo, é a mudança de traje. No filme anterior, a anti-heroína usava uma camiseta com os escritos “Daddy’s Lil Monster”, referência clara ao seu relacionamento com o Palhaço do Crime. Como a própria protagonista diz, a profissão de arlequim é seguir um mestre: no seu caso, o Coringa. Já no de Yan, seu traje apresenta o nome de seu alter ego: Harley Quinn. Um detalhe pequeno mas significante, já que a partir daí Arlequina começa contar sua história com seus próprios passos. Seu empoderamento individual, porém, não é reflexo do que acontece na realidade. 

O movimento feminista é antissistêmico e se baseia na luta contra as opressões sofridas pelas mulheres e pela igualdade de gênero. O auge no Brasil começou a partir com o movimento Primavera das Mulheres, em 2015, seguido da criação da campanha #MeuPrimeiroAssédio, que se deu após o episódio do Masterchef envolvendo a menina Valentina, além do movimento #MeuAmigoSecreto, que mostrava casos de machismo no cotidiano das mulheres. 

Com o aumento do público e de interesse pelo tema, falar sobre emancipação e direito das mulheres se tornou algo lucrativo. O primeiro indício do feminismo mercadológico surgiu em 2014, quando as marcas Whistles e Fawcett Foundation criaram uma camiseta com os dizeres “This is what a feminist looks like”. Muitas celebridades começaram a aderir e todo o dinheiro seria usado para caridade. A grande ironia é que as roupas eram produzidas por mulheres em situação análogas à escravidão. 

As peças eram produzidas por mulheres das Ilhas Maurício, no Oceano Índico (Foto: Reprodução) 

Dali em diante, mais marcas foram surgindo com essa proposta de “feminismo”.  A questão é que esse discurso, apesar de parecer inovador, só mascara o que realmente está intrínseco na sociedade e esvazia de sentido o movimento em si. De volta às Aves de Rapina, temos a personagem da Canário Negro. Aos olhos do telespectador, ela é uma mulher cheia de si e independente. Porém, Dinah vive como prisioneira do Máscara Negra, realizando todos os seus desejos. Uma clara visão distorcida do que é ser empoderada. 

Pouco se é debatido sobre as outras personagens. Renee Montoya é quem mais sai prejudicada. E, querendo ou não, ela é o exemplo mais concreto do que se pode encontrar na nossa realidade: mulher, lésbica e policial. Além disso, a detetive não é levada a sério por seus colegas de trabalho, ainda mais depois que seu parceiro foi promovido a tenente no seu lugar. Muitas vezes, ela é taxada de “ciumenta” e invejosa por causa disso e seus pressentimentos não levados em conta nas investigações. 

O personagem de Ewan McGregor é outro que não ganha aprofundamento. As informações dadas sobre o vilão são sobre o olhar de Arlequina, porém as imagens complementam o que não é exposto por palavras. Independente disso, a atuação de McGregor é surpreendente. Não há como discordar de que suas expressões fizeram que o vilão não caísse no esquecimento. Ele se mostra muito à vontade nas cenas, dando vida ao papel que lhe foi designado.

Na ausência do Coringa, Máscara Negra é o grande nêmesis de Harley (GIF: Warner Bros)

O jogo de câmeras de Yan foi essencial para a construção da narrativa. Em contrapartida a Esquadrão Suicida, o olhar da diretora favorece a luta e a ação das personagens em detrimento da sua sensualidade. Não dá pra esquecer a cena bizarra do primeiro filme, a qual Arlequina começa a trocar de roupa em meio a muitos homens. Tirando o fato de que, enquanto ela troca de roupa, a câmera de Ayer caminha pelo corpo de Margot Robbie.

Esse tipo de situação foi semelhante em outro filme da DC Studios. Em 2017, Mulher-Maravilha chegou contando a história de Diana Prince. É o primeiro filme com uma super-heroína como protagonista. Assim como em Aves de Rapina, a direção estava em mãos femininas, dessa vez nas de Patty Jenkins (Monster: Desejo Assassino). No mesmo ano, Diana teve sua participação em Liga da Justiça, mas desta vez retratada pelo olhar masculino de Zack Snyder e Joss Whedon. A diferença entre os dois é nítida. 

A representatividade é tão importante que não só abrange o contexto do filme. Ter um olhar feminino é ótimo não só para a direção, mas também para as outras áreas da criação. No caso de Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa, a grande maioria dos encarregados eram mulheres. Margot Robbie, inclusive, também atuou como produtora. Quanto mais profissionais femininas estiveram envolvidas, menos do olhar masculino será visto.

Mesmo a produção sendo de maior parte feminina, a direção de fotografia é de Matthew Libatique, de Cisne Negro e Nasce uma Estrela (GIF: Warner Bros)

O ponto central do enredo de Aves de Rapina: Arlequina e sua Emancipação Fantabulosa é a quebra do paradigma da competição. Todas as personagens se unem e trabalham juntas contra seu inimigo em comum, deixando para trás qualquer tipo de desavença ou preconceito umas das outras. O trabalho em equipe ressalta ainda mais o contexto da sororidade. E, independente do resultado do confronto final, elas já saem vitoriosas. 

Mesmo com o filme passando uma imagem de feminista, sua principal função é gerar lucro. Nesse contexto, o discurso da vida real deve ser uma exposição de que os preceitos vinculado à mulheres são ultrapassados e inaplicáveis hoje em dia. O interesse pelo feminismo é cada vez maior. Por isso, não há como deixar que ele acabe se tornando uma arma do capitalismo para deslegitimar o movimento. 

É interessante que mais filmes abordem essa temática. Porém, não devemos nos satisfazer na lógica de mercado que nos é apresentado. O feminismo de verdade acontece nas ruas, nas conversas e nas nossas atitudes. Vivenciá-lo na prática e observá-lo em diferentes campos de visão é defender a sororidade. Só assim nossa emancipação, como em Aves de Rapina, será fantabulosa. 

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Vitor Evangelista

Adaptando a história clássica do início do século XX, o filme explora a relação de um Christopher Robin (Ewan McGregor) já adulto para com sua família, vida profissional e os fantasmas em sua infância simplória na região de Sussex, na Inglaterra. Logo de cara, o filme pinta em tons pastéis as aventuras e enrascadas que Christopher viveu com os companheiros animais quando criança. Tudo do clássico desenho está ali. A mesa de chá, o pote de mel, os pulos de Tigrão.

A direção de Marc Foster, embora um tanto indecisa, acerta o tom da nostalgia, cria um vínculo já existente entre o espectador e as personagens, e faz uso da memória afetiva como principal alicerce no progresso da narrativa. Saindo do conforto da floresta, o longa também é certeiro e incisivo na adequação a seu novo cenário: a esfumaçada Londres do século passado. Uma sucessão de recortes da vida de Robin contam pequenos detalhes de sua vida, como conheceu a esposa, sua ida à Guerra, a ausência no nascimento da filha. Sempre ágil, o filme constrói sua base logo nos primeiros minutos, sem deixar espaço para dúvidas sobre a chegada do ponto A ao B.

No entanto, Christopher Robin não é bem resolvido quanto a que tipo de história quer contar. O longa pode ser dividido em três blocos. No limiar entre a fábula, o genérico dilema família x trabalho e uma estória de superação, o filme acaba não abraçando nenhuma dessas pontas e se torna enfadonho na busca de uma linha que progrida a história. Iremos por partes.

A fábula é o que há de melhor na produção. Tudo que diz respeito ao Bosque dos 100 Acres funciona num uníssono harmônico. A criação de mundo, a escolha de tons acinzentados para a pintura das personagens, a inocência dos animais, tudo redondo e fluído. A textura dos bichos também merece destaque, no meio termo da realidade e do caricato, o filme encontra leveza para contar a história dos habitantes da floresta.

O Ursinho Pooh (voz de Jim Cummings) representa todo o ideal da infância perfeita. Desajeitado, sossegado e sempre faminto, o urso tranquiliza a personagem-título e conduz a linha narrativa, funcionando como a amálgama do mundo real com o Bosque. Todas as cenas de interação de Pooh com Robin são potentes e emocionam.

Ió, ou Bisonho (voz de Brad Garett), é a alma do filme. Melancólico, pessimista e até suicida, o burrinho chama a atenção e rouba em cena em todas as tiradas passivo-agressivas que compõe seu roteiro. Tigrão (também dublado por Cummings) desempenha um papel unidimensional e, dentre os bichinhos, é o que mais se caracteriza num papel de coadjuvante.

Os demais animais da floresta, Leitão, Corujão, Can, Guru e Abel, são bem derivativos, apresentam cenas interessantes, mas não recebem destaque. Um desfavorecimento nesse sentido é a falta de uma conversa entre Christopher e Can, por exemplo, sobre o valor da família. Assunto esse que reverbera Robin durante as quase duas horas de filme.

Partindo para o núcleo humano, o longa não tem nem vergonha de desenhar a família de Robin da forma mais genérica e previsível possível. Hayley Atwell interpreta Evelyn, esposa do protagonista, e é extremamente mal aproveitada. Uma atriz desse calibre ser subutilizada numa trama batida, sem qualquer emoção ou vulnerabilidade realmente abaixa o nível de grandiosidade da produção.

O mesmo vale para a participação de Bronte Carmichael como Madeline, a filha do casal. Sem sal, com um arco mal desenvolvido e tardio que envolve tanto um descaso por parte do pai quanto a saudade que a pequena sente dessa figura em sua vida.

Nem mesmo a persona magnética de Ewan McGregor consegue dar uma luz aos humanos da produção. O ator trabalha bem a dualidade da personagem, a confusão que sente ao não conseguir dar o melhor de si em tudo que desempenha. Há aqui um homem perdido emocionalmente, que começa a encontrar o norte quando Pooh retorna a seu convívio, colocando-o de volta nos trilhos, meio abruptamente, mas isso se pode relevar

A terceira parte do longa, a mistura imperfeita entre os blocos anteriores, amarga a boca. Por um lado é mágico ver todo o crescimento de Robin depois de encontrar os velhos amigos, porém, a contrapartida disso é a questionável decisão de uniformizar a aparição dos bichos. Aqui, todo e qualquer indivíduo pode ver os habitantes do Bosque, tirando assim toda a mágica que os permeava em antigas adaptações.

No fim, conseguindo aludir às fábulas de A. A. Milne (o criador de Pooh), Christopher Robin: Um Reencontro Inesquecível aquece corações e relembra os espectadores adultos das doces experiências e aventuras da infância, mas é falho na tentativa de conectar seu público com qualquer elemento que não seja peludo ou dotado de uma inocência pueril e viva numa floresta encantada.

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