Gabriel Saez

Se a primeira temporada de The White Lotus não foi o suficiente para entender que Mike White domina a arte de contar histórias, o seu retorno com certeza é. Com uma forma incomum de desenvolver seus personagens, o segundo ano da série da HBO Max reforçou as qualidades do diretor. Agora na Itália, o resort White Lotus recebe mais uma vez um grupo de turistas que, com toda a certeza, irá desfrutar de sua hospitalidade, deixando uma marca única em Sicília e seus residentes. 

Assim como quando se abre um jogo de tabuleiro, a segunda cena do primeiro episódio é reservada para nos mostrar as peças que iremos acompanhar desta vez. Harper (Aubrey Plaza), Ethan (Will Sharpe), Cameron (Theo James), Daphne (Meghann Fahy), Tanya (Jennifer Coolidge), Portia (Haley Lu Richardson), Albie (Adam DiMarco), Dominic (Michael Imperioli) e Bert (F. Murray Abraham) serão o foco das tramas que se abrirão pelos próximos capítulos  – obviamente, acompanhados de convidados tão interessantes quanto o grupo.

Neste tão aguardado retorno da série, que roubou a cena na última edição do Emmy, temos mudanças renovando os ares da trama, assim como pilares que permanecem no enredo. Entre as novidades, os destaques são alguns temas que todos os personagens explorarão: paixão, ternura, desejo e sexo. Seja por falta ou por excesso desses elementos, em algum momento cada trajetória irá esbarrar em dilemas que envolvem la passione.

Sobre o que permanece, novamente temos uma trama amarrada por um mistério exposto logo no primeiro episódio. Essa estrutura não é nova: séries como The Flight Attendant e How To Get Away With Murder exploram o formato também. O que The White Lotus faz de diferente é não deixar que a audiência se leve por isso e perca o foco das críticas e pontadas ácidas que serão feitas – afinal, ainda trata-se de uma sátira. 

Na dinâmica entre os personagens e o hotel, também há uma nova linha que Mike White escolhe seguir: as trajetórias não serão tão antagônicas ou dicotômicas como vimos anteriormente. Enquanto na primeira temporada o ângulo utilizado faz a audiência ter a sensação de assistir um experimento social, agora, nos envolvemos em um nível muito mais íntimo com alguns personagens.

E como começar a falar sobre a nova temporada da minissérie sem ser pelo assunto do momento e atual vício da internet, Jennifer Coolidge? A atriz está vivendo o auge de sua carreira aos 60 anos e é destaque na temporada de premiações. Até agora, ela já arrebatou um Globo de Ouro, dois Critics’ Choice Awards e, ano passado, também levou para casa seu primeiro Emmy.

Sua personagem, Tanya, reúne o melhor da combinação poderosa que é Coolidge e Mike White. Com ela, tanto o diretor quanto a veterana de comédias besteirol exploram o gênero melodramático e levam diálogos e situações corriqueiras a um nível de comédia invejável. Particularmente, é na personalidade que está o pote de ouro da série: é impossível querer um pouco menos dessa comediante tão talentosa.

Desde não encontrar seu bolo favorito no buffet a defender sua vida em um iate, a figura esbanja drama e caos em cada expressão e segundo que tem em tela. Assim como na primeira temporada, sua personalidade não mudou muito: a milionária continua solitária, desesperada por afeto ou atenção e em negação daquilo que ocorre ao seu redor. 

Por mais que a proposta da personagem possa parecer exagerada, Tanya cria um excelente contraponto na trama da segunda temporada The White Lotus e traz um descanso para o telespectador com momentos hilários. Esse descanso é merecido, pois a tensão criada pelo clima constrangedor entre a dupla de casais que decidiu viajar juntos pela primeira vez é capaz de fazer qualquer um desistir de ter a mesma ideia. 

A personalidade de Harper é o fio condutor dos rumos que a viagem desse quarteto irá tomar e ela não poupa esforços para deixar claro como se sente sobre os amigos de seu marido recém milionário, Cameron e Daphne. Enquanto isso, o casal não poderia parecer mais feliz com o relacionamento ordinário que desenvolveram. Esse é um dos fatores que mais incomoda a advogada: como os dois podem ser tão vazios e ignorantes, mas tão felizes, enquanto ela e Ethan estão cada vez mais distantes? 

O humor que Aubrey Plaza traz para a personagem é completamente diferente do escolhido por Coolidge. Aqui, prestamos atenção nas minúcias, no silêncio e no que não é falado. São os momentos constrangedores, as olhadas de lado durante os jantares e o timing de cada comentário ácido que fazem a comédia de Plaza tão excepcional e assertiva na trama.

Já os Di Grasso, que foram à Itália com suas três gerações de homens (Albie, Dominic e Bert) para se reconectar com suas origens, acabam se deparando com muito mais do que esperavam. Afinal, nada melhor do que escancarar traços em comum para perceber que a maçã realmente não cai tão longe da árvore e que alguns defeitos são, sim, hereditários.

Aqui, o desenrolar dos personagens não foi tão instigante quando comparado com a trajetória de outros núcleos. A trama se desenvolve de forma mais lenta e até mesmo as características de cada membro da família beiram o tédio e desinteresse. Ainda assim, o enredo é muito bem utilizado para reforçar o quanto a ingenuidade é conveniente e o patriarcado é longívio. 

As cenas também são uma ótima deixa para ressaltar a importância de coadjuvantes poderosos para apoiar e enriquecer a narrativa das protagonistas. Valentina, The gays, Lucia e Mia trazem um ar diferente para a série e dão um tempo para a audiência que, em muitos momentos, pode ficar sobrecarregada com a intensidade acumulada pelas relações dos turistas.

Com tantos elementos, personagens, cenários e histórias para lidar, Mike White conduz a segunda temporada de The White Lotus de forma intrigante. O equilíbrio que há entre o pingue-pongue das personagens, a velocidade em que as informações vão sendo apresentadas e a conclusão de todas as introduções são muito bem executados pelo diretor.

Mesmo quando as pontas de alguns personagens não se prendem, é de forma tão bem pensada e satisfatória quanto os arcos concluídos. Fazia tempo que o desenrolar de uma série não acontecia de forma tão surpreendente e resolvia tudo na hora certa quanto The White Lotus o fez, deixando a audiência querendo mais, mais e um pouco mais sem se decepcionar.

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Jamily Rigonatto

Trazer figuras importantes diretamente do cenário político-social norte-americano para os holofotes dos palcos do audiovisual tem sido uma estratégia explorada pelos roteiristas e diretores da indústria cinematográfica. Seguindo a linha de produções como Mrs. América e Gaslit, The First Lady escolhe retratar os eventos de três presidências dos Estados Unidos pelo outro lado da moeda. Na antologia lançada em 2022 pela emissora Showtime, a Casa Branca abre os portões para visitas com anfitriãs que não poderiam ser mais ilustres. 

Eleanor Roosevelt, Betty Ford e Michelle Obama são as damas que nos convidam a adentrar os bastidores de suas vidas. Em um novo ponto de vista, as personagens se eximem do peso de serem traduzidas pela simplicidade de existir como coadjuvantes da história estadunidense. Assim, no enredo assinado por Aaron Cooley, mostrar pouco dos governos de Franklin Roosevelt, Gerald Ford e Barack Obama, mas muito das perspectivas de suas esposas, é o maior propósito.

Com produção executiva da também protagonista Viola Davis, a narrativa aborda uma linha temporal múltipla com variações entre as épocas em que cada uma das primeiras-damas vive dentro do universo dos governantes. O foco é mostrar o contraste das personalidades, buscando respaldo em flashbacks curtos das juventudes das personagens. Além disso, há a inserção de elementos opressores, com o intuito de demonstrar o embate entre a força de seus ideais e a pressão social que as impacta, diante da importância da representação que exercem.

Apesar da nobreza no intuito de A Primeira-Dama (como a obra chegou no Brasil), não é necessário nem meio episódio para mostrar que algo está fora do lugar. Começando pelo destaque de Michelle Obama (Viola Davis) e a percepção de que pensar como quem tem o jogo ganho é a receita certa para perder. Ao longo da progressão da série, a ideia de misturar a força de uma figura tão conhecida e marcada por uma presença de tamanha singularidade como a de Michelle, a grandeza proporcionalmente original da ganhadora do Oscar, parece incompatível. 

Mesmo com a atriz envolta por uma forte caracterização e um visível estudo dos trejeitos da ex-primeira-dama, ainda não conseguimos vê-la nas telas. Fica para o telespectador o resultado frustrante de algo teoricamente perfeito ruindo bem em frente às câmeras. A qualidade da atuação de Davis é inegável, mas seu grande empecilho é o frescor da memória da senhorita Obama nas nossas memórias – afinal, 2017 foi ontem. Dessa forma, assistir as cenas deixa para trás a sensação de comer um doce queimado, mesmo com todo o açúcar, o fundo continua amargo. 

O ponto mais forte da presença de Michelle na produção está em suas interações com o abismo social criado pela racialidade e o peso de ser a primeira mulher negra a ocupar o lugar de primeira-dama. Testemunhar o medo, as ameaças e a segregação espalhada por todos os espaços nos quais ela adentrava faz com que seja possível sentir o desconforto de chegar como quem invade uma festa na surdina. O grande alívio é ver a figura resistindo ao enfrentar o presidente e o mundo pelo direito de continuar inteira em um país construído pelo genocídio do povo preto. Nos diálogos com o marido, interpretado por O-T Fagbenle, fica constatado que não há poder suficiente no mundo para comprar autenticidade.

A introdução das perspectivas de Eleanor Roosevelt (Gillian Anderson) pode ter sido outra pedra no caminho do desenvolvimento da Família Obama. Quando Franklin chega ao governo, a atmosfera estadunidense performa um verdadeiro apocalipse, já que sua primeira presidência sucede a quebra da bolsa de valores de Nova York em 1929. Esse momento caótico acaba tornando os problemas de Eleanor mais comoventes em comparação aos das outras protagonistas. O forte enfoque nas atitudes da personagem em relação ao meio social e em suas frequentes afirmações pela defesa da população em maior vulnerabilidade tiram o ar caricato e atribuem um aspecto sensivelmente humanizado. 

Por isso, quando há transições entre os frames de Eleanor e Michelle, os contrastes se tornam ainda mais visíveis e incômodos. As narrativas não cumprem o papel de diferenciar as épocas sem sacrificar a uniformidade da história, fazendo com que até mesmo a Fotografia, comandada por Amir Mokri, perca em termos de continuidade. Essas rupturas também são evidenciadas pela presença das jovens primeiras-damas, viajar por tantos planos temporais tira, desnecessariamente, o ritmo da passagem dos 10 episódios da obra. 

Ainda com a capacidade de identificação e empatia atribuída a Lady Roosevelt, a direção – responsabilidade de Ellen Burstyn – não consegue exprimir todo o potencial de Gillian. Assim, a representação é satisfatória, porém, fica aprisionada a uma monotonia tibia. Mostrando a falha de escolher tantos focos e não dar a devida atenção a nenhum deles, cada episódio de The First Lady se emaranha em mais labirintos que não levam a lugar algum. 

Depois de tantos desacertos, Betty Ford (Michelle Pfeiffer) chega com a altivez de uma rainha. A primeira-dama do sucessor de Richard Nixon ganhou a interpretação de mais destaque na produção. Construída como uma mulher real do tipo que expõe suas fraquezas e vantagens, Pfeiffer conseguiu criar uma ligação sincera entre a ficção e a realidade. Muito desse feito pode ter sido ocasionado pela pouca pressão e liberdade na composição de Betty, que além de ser a menos popular entre as três personalidades, é também a menos explorada pela espetacularização midiática.  

Mesmo tendo tudo para ser o tipo de série que aparece todos os anos como uma das favoritas do Oscar, The First Lady se perdeu nos cálculos. Entre tantos cenários bem feitos e investimento em caracterizações, a narrativa tenta agarrar mais do que consegue. Esses pequenos deslizes se tornam grandes quando falamos de uma primeira temporada, e acabam sendo os detalhes que distanciam uma obra digna de ocupar a presidência de um enredo esquecível. 

Na premiação do Emmy 2022, a Academia de Televisão não deixou os pormenores passarem despercebidos e acabou indicando a série em apenas 3 categorias técnicas. Nas primeiras noites da premiação, ocorridas nos dias 3 e 4 de setembro deste ano, The First Lady concorria por Melhor Figurino de Época e Melhor Maquiagem de Época e/ou de Personagem (Não-Prostética) pelo episódio Vaso Rachado. A produção também estava no páreo pela estatueta de Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, pelo episódio Gangorra. Mesmo com a caracterização tendo sido um dos aspectos mais marcantes das cenas do trabalho audiovisual, não foi o suficiente para superar a pompa de Bridgeton ou a sensualidade de Pam & Tommy.

Não é como se sentar e assistir The First Lady fosse uma completa perda de tempo: ver mulheres que conseguem espaço para suas vozes ecoarem é sempre, de uma maneira ou de outra, um deleite. A infelicidade fica no desperdício ilustrado de tanto potencial, presenciar o sucesso de uma produção tão bem intencionada descendo pelo ralo parece injusto. Mas no fim, vale a pena dar uma chance para os pontos de vista de quem foi secundarizada a vida toda. 

As primeiras-damas não representam todas as mulheres do mundo, seus privilégios as tornaram parte de algo à parte. Ainda assim, nos mais luxuosos corredores da Casa Branca, moram as essências do machismo e da misoginia. Eleanor, Betty e Michelle só nos mostram que os maridos e seus status de poder são verdadeiros acessórios de incentivo a uma sociedade de exclusão. Já não é segredo para ninguém que passou da hora daquela faixa presidencial ganhar uma dona.

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Jamily Rigonatto 

Na década de 1970, a política estadunidense foi marcada por burburinhos e manipulação. Durante a reeleição de Richard Nixon, o Partido Republicano tinha a vitória nas mãos com uma larga escala de vantagem, mas ainda assim resolveu usar de artifícios que favorecessem seu representante. A ideia era invadir os escritórios do Partido Democrata no Complexo de Edifícios de Watergate, e grampear telefones para captar informações confidenciais, além de plantar fotos e montagens comprometedoras que seriam usadas  como uma espécie de chantagem para garantir o sucesso na corrida eleitoral.

A falta de planejamento fez com que tudo fosse por água abaixo e os 5 invasores acabaram presos e marcados pela mídia como parte do “Escândalo de Watergate”. Na época, uma investigação de quase dois anos conduzida por jornalistas do Washington Post levou a história adiante e constatou a ligação entre o esquema de espionagem e Nixon, que não teve muitas escolhas e renunciou ao cargo. Desde então, a narrativa foi contada por diversas obras, sendo a principal delas a do repórter Bob Woodward, no livro Todos os Homens do Presidente.  

Em todas as versões mais populares dessa história, fica apagada a importância de Martha Mitchell e suas desconfianças antecipadas sobre o jogo sujo do Comitê de Campanha de Nixon. Chegando para um rápida e assertiva troca de protagonistas, Gaslit foi a grande aposta da emissora STARZ. A minissérie estreou em abril de 2022 e, sob o nome de um tipo de manipulação psicológica que faz uma pessoa achar que estar delirando, mostra que Martha era muita coisa, mas com certeza não beirava a loucura. 

Interpretando Martha, Julia Roberts remonta uma socialite fofoqueira com excelência e sensibilidade. Se historicamente a personagem era conhecida como a esposa do procurador John Mitchell, em Gaslit ela se mostra com muito mais complexidade. Constantemente rodeada por câmeras, repórteres e entrevistas, ela era para o mundo um poço de futilidade e é essa imagem que permite que sua sagacidade seja pouco levada a sério, e em alguns momentos vista até como inexistente pelas figuras ao seu redor. 

É na pele de Sean Penn que John Mitchell ganha vida. Vida essa tão bem construída que o ator é apresentado com uma aparência irreconhecível. O advogado, além de representar o Partido Republicano, teve participação direta no acobertamento do crime, e carrega o conservadorismo misógino a cada gesto. A narrativa faz questão de deixar claro que são esses valores e a concepção fechada do personagem que não o permitem perceber que olhos e ouvidos muitas vezes dormem ao lado. 

As atuações e a capacidade de seus intérpretes de transformar o que originalmente eram coadjuvantes em excelentes protagonistas sustentam a narrativa. É inegável que o roteiro de Robbie Pickering e Sam Esmail tem uma proposta genial, desenvolvida de forma muito coesa para os poucos 8 episódios da produção, mas acaba sendo o tipo de história com a qual nem todo público se identifica. Assim, se você não souber previamente sobre o que se trata o Escândalo de Watergate, engolir o enredo pode ser mais desgastante do que o esperado. 

Seguindo a linha de inversão de papéis, outros personagens que passam batidos em exposições mais convencionais do evento político ganham sua dose de destaque em Gaslit. Logo no primeiro episódio, Desejo, John Dean (Dan Stevens) e Mo Dean (Betty Gilpin) contracenam um dos diálogos mais importantes e significativos da série. Em um encontro inicial, os dois percebem que os valores dela, alinhados aos democratas, se contrapõem aos dele e sua relação com os republicanos. Esse conflito não se insere por acaso, mas funciona para constituir um presságio do que ancora toda a narrativa: contraste e poder. 

A exploração do controle em Gaslit é um dos seus grandes pontos altos. Colocando a ideia de domínio sempre relacionada ao autoritarismo masculino, o enredo explica o apagamento histórico de Martha sem precisar de muito. Isso se prova pela forma como John se comporta, fazendo ligações, deixando documentos e estudando a defesa de Nixon dentro de casa, sem sequer considerar a esposa como um ser capaz de entender no que ele estava envolvido. 

Quanto ao contraste, este se mostra de forma incisiva e crítica na medida certa. Toda a atmosfera demonstra a desigualdade social pelo qual o país passava, pequenos detalhes e frames curtos são capazes de entregar a invisibilidade de todos os retratos comunitários que fugiam dos parâmetros elitistas. A violência contra moradores de rua, a falta de  saneamento das ruas e o abuso de poder das autoridades policiais são alguns dos encaixes pontuais que denunciam o abismo entre os escritórios políticos e o povo. 

Nos maniqueísmos do homem, Gaslit mostra o quanto não há limites para ambição. Focando principalmente nas atitudes grotescas e absurdas nas quais John Dean e John Mitchell se apoiavam em nome da reeleição de Nixon, cada novo evento tirava todos os pequenos rastros de humanidade dos dois. Esse movimento contribuiu para que, trilhando o caminho contrário, Martha se mostrasse cada vez mais cheia de verdade, sentimento e insegurança. A caracterização do casal Mitchell é um grande bônus na construção desse contraste. Enquanto ele é envolto por grandes quantidades de maquiagem e camadas plásticas, com um ar que chega ao caricato, ela tem uma aparência marcada pela naturalidade.

As relações de violência pelas quais a dama do ministro é submetida também reforçam essa diferença entre os dois. Exposta à vulnerabilidade, agressão e ameaças, ela resiste como alguém cujos machucados são reais. Em um trabalho muito bem feito pela Fotografia, conduzida por Larkin Seiple, os minimalismos das feições e olhares da personagem ganham grandeza para que o público seja capaz de sentir um pouco do que ela sente. 

Essas questões não puderam deixar de serem notadas pela Academia de Televisão, que indicou Gaslit a quatro categorias da premiação de Artes Criativas do Emmy 2022. Entre as nominações da minissérie, estavam Melhor Maquiagem Prostética e Melhor Mixagem de Som em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, ambos pelo episódio Últimos Dias, Melhor Edição de Som em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme ou Especial, por O Ano do Rato, e Melhor Fotografia em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme, para Seiple pelo capítulo Desejo. A série acabou não sendo contemplada com nenhuma estatueta das técnicas, distribuídas na cerimônia dos dias 3 e 4 de setembro, já que a caracterização de Sean Penn não foi suficiente para bater o surrealismo da quarta temporada de Stranger Things.

Pelas ruínas da América, Gaslit resiste em perspectivas. Nas novas vozes pelas quais somos guiados ao evento de Watergate, a visceralidade com certeza é uma das grandes protagonistas. Apesar disso, a série não perde em adicionar crítica e humor no ponto exato e consegue se sair bem com uma narrativa que, na medida do possível, flui bem. Afinal, às vezes sair do morno não é suficiente para alcançar a ebulição. 

Em suma, o maior feito da produção fica na sua relação com a atualidade e o grande tapa na cara é saber que, em meio século, as únicas mudanças ficam nos números de identidade. Um mundo comandado por homens brancos cisgênero, com ideais conservadores e olhos que só se abrem para dinheiro nunca foram uma novidade e ainda parecem ser o tipo de história que se renova por mais temporadas do que deveria. Bom mesmo seria se os últimos episódios políticos fossem um grande gaslighting que distorceu nossa percepção. 

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Enrico Souto

Muita coisa mudou nos quatro anos que separam a segunda e a terceira temporada da aclamada e assustadoramente relevante série do multiartista Donald Glover. Hoje, vivemos em um mundo pós-This Is America, em que racismo nunca foi um assunto tão comentado, simultaneamente que, divididos por uma pandemia implacável e a eclosão de protestos contra a violência policial, as tensões raciais dos nossos tempos se transformaram e, sobretudo, se amplificaram. Dentro desse contexto caótico e indubitavelmente distinto de 2018, Atlanta inverte a lógica e, para transpor a realidade às telas, aguça o que a produção tem de mais fantasioso.

Apesar disso, a série chama a atenção há tempos – desde sua estreia em 2016 – por seus comentários sobre raça, fama e indústria musical. Não foi à toa a reação estarrecida quando a adaptação de Sr. e Sra. Smith para o Prime Video foi anunciada primariamente como uma parceria entre Glover e Phoebe Waller-Bridge. Tanto o seriado da FX quanto Fleabag foram lançados no mesmo ano, popularizando de vez o fenômeno moderno que cunhou-se como dramédia. É claro que takes tão ousados chamariam a atenção da Academia de Televisão e, desde 2017, Atlanta é destaque nas principais categorias de Comédia do Emmy.

Indicada 22 vezes por suas duas primeiras temporadas, o provável momento de maior brilho da obra na premiação foi em 2018, quando o episódio mais aclamado da série, Teddy Perkins, adentrou em cinco categorias entre principais e técnicas, incluindo Melhor Direção em Série de Comédia e Melhor Edição de Som – essa, que levou para casa. O detalhe é que, ao mesmo tempo, esse episódio se distingue completamente do formato convencional da série, transportando sua linguagem excêntrica e surrealista para o contexto do terror. O terceiro ano de Atlanta é intensamente influenciado pelo feedback positivo de Teddy Perkins e decide acentuar esse experimento à décima potência, elevando-o a todo o escopo do seriado e afastando-se ainda mais das convenções de suas fases anteriores.

O choque se inicia logo no primeiro episódio. Quem esperava ser introduzido às novas aventuras do astro do rap Paper Boi (Bryan Tyree Henry) e sua turma foi surpreendido ao ser levado para um cenário totalmente novo. Three Slaps, vencedora em Melhor Fotografia em Série de Meia Hora pelo trabalho de Christian Sprenger – um repeteco de sua vitória na mesma categoria por Teddy Perkins – é uma releitura do caso real de Devonte Hart, um garoto que, ao ser afastado da mãe pelo conselho tutelar, foi levado com seus irmãos para um casal de duas mulheres brancas, que eram negligentes e cometiam inúmeros abusos contra as crianças. O terror é a âncora do episódio, nos introduzindo à perturbadora residência das cuidadoras como se explorássemos os confins de uma casa mal-assombrada.

Entretanto, se a série reproduz o desfecho trágico desta ocorrência, quando as mães atiraram seu carro para um rio de um penhasco de 30 metros, com elas e os filhos dentro, Stephen Glover, irmão de Donald e roteirista do episódio, concede uma reparação. Loquareeous (Christopher Farrar), personagem inspirado em Devonte, tira as outras crianças do porta-malas e pula para fora do carro antes do pior ocorrer, conseguindo enfim voltar para casa. Three Slaps não tem conexão alguma com a narrativa original de Atlanta, com exceção da cena final, que mostra Earn Marks (Donald Glover) acordando em um quarto de hotel, como se tudo não passasse de um sonho ruim.

Esse não é um evento à parte. Para além de uma estrutura não linear, a terceira temporada intercala sua narrativa principal com uma série de episódios com fábulas isoladas, em uma espécie de antologia completamente independente. Essa escolha gera dois efeitos. Por um lado, isso dá total liberdade editorial para que os roteiristas possam explorar os temas e circunstâncias mais estapafúrdios possíveis, criando histórias relevantes e provocantes que jamais poderiam ser feitas em outra conjuntura. Por outro, toda escolha é uma renúncia e, nesse caso, a consistência da temporada foi sacrificada.

Talvez, por isso mesmo, sua recepção não tenha sido das mais unânimes. Não só a crítica especializada, o que se reflete nas apenas três citações de Atlanta no Emmy 2022, mas também grande parte do público se viu frustrado com a nova abordagem. O tempo de tela dos nossos personagens favoritos foi cortado pela metade e parte de seu progresso foi inevitavelmente perturbado graças a tais contos ‘desconexos’ que estão longe do interesse da audiência. Porém, engana-se quem pensa que estes episódios não dialogam com a storyline principal. Cada uma dessas temáticas conecta-se intimamente com o núcleo emocional da obra, contudo, alicerçada sob pontos de vista únicos.

E é então que nos deparamos com uma das escolhas mais controversas por parte dos criadores. Graças a esse acervo de fábulas, pela primeira vez, temos episódios de Atlanta protagonizados por personagens caucasianos. Verdade seja dita, a série furou a bolha e, nesses quatro anos de hiato, passou a abarcar uma audiência cada vez mais branca. Todavia, ao invés de ignorar esse fato, a mesa de roteiristas opta por abraçar a contradição e enfrentá-la diretamente. Esses capítulos colocam um espelho à frente dessa parcela do público, obrigando-nos a sair do conforto da impessoalidade e confrontar nossas próprias hipocrisias. Afinal, como pode uma pessoa branca, que se diz antirracista, continuar se beneficiando e operando a favor de uma hierarquia racial conscientemente genocida?

Esse questionamento, evidentemente, não está tão distante quanto parece da jornada de nossos protagonistas. Isso porque, desta vez, nos afastamos das locações em Atlanta e os acompanhamos pela primeira turnê internacional de Paper Boi pelo – extremamente branco – continente europeu. O sentimento de constante estranhamento e deslocamento dilata-se sobre um corpo social em que Earn, Alfred – nome real de Paper Boi – e Darius (Lakeith Stanfield) se vêem em ainda menor número, e que cultiva costumes excepcionalmente racistas. Não é à toa que o ano três de Atlanta reapresenta seu microuniverso enquanto desconstrói o Sinterklaas, tradição de final de ano da Holanda, semelhante ao Natal, mas que banaliza seu próprio imaginário racista ao naturalizar o uso do blackface – que Alfred, claro, não deixaria barato.

A escolha de retratar situações bizarras através de elementos da vida real ocorre porque o surrealismo da obra atua sobre outros tons. Se uma festa nacional baseada em um arquétipo racista, ou duas mães que colocam os próprios filhos adotivos para realizar trabalho infantil, parece insano, é porque é mesmo. Porém, o insano se revela ainda mais grave pela conexão desses cenários com o presente. Diferente dos ensaios de linguagem propostos por Twin Peaks, que visavam se afastar ao máximo do que entendemos como lógico, Twin Peaks com rappers aproxima-se de suas abstrações ao replicar nossa realidade material, denunciando o absurdo inerente às violências raciais. É o afrossurealismo em sua expressão mais pura.

A diferença é que, desta vez, o surreal ganha um aspecto metalinguístico. Há algo de muito estranho nesse lugar e, agora, os personagens sabem disso também – de tal forma que passam a questionar seu próprio papel naquele universo. Fato é que os protagonistas de Atlanta nunca estiveram tão diferentes – e tão instáveis. Paper Boi, por exemplo, introduzido na série como um aspirante a rapper que, apesar de angariar um viral, continuava no tráfico para sobreviver, finalmente encontrou a popularidade, sucesso e fortuna que procurava.

Porém, os problemas antigos são substituídos por novos ainda mais conflitantes. Alfred é incapaz de se relacionar e simpatizar com sua nova onda de fãs jovens e brancos. Ele torra seu dinheiro de olhos fechados em busca de um sentido que pensa ter perdido no decorrer de sua carreira. Assombrado por um bloqueio criativo, ele sequer consegue escrever músicas mais, enquanto é obrigado a vestir roupas e frequentar espaços que nem ao menos gosta. É como se, no processo para chegar ao topo, a fama tivesse feito permuta com sua liberdade. Se seus conflitos em temporadas anteriores eram cotidianos, dessa vez são sucedidos por dilemas sobre sua posição como artista na indústria musical e as implicações que essa posição acarreta. 

O episódio New Jazz destaca esses reveses e evidencia a ambiguidade de Paper Boi. Antes representado como sisudo, aqui ele é vulnerabilizado e colocado como mártir do nosso olhar. A câmera de Hiro Murai – indicado a Melhor Direção em Série de Comédia – se recusa a tirar o foco do protagonista, mesmo que isso signifique dispersar-se de momentos que julgaríamos mais pertinentes. Os efeitos da droga que Alfred consome com Darius nos primeiros minutos são traduzidos da maneira mais sóbria possível, encaçapando o estado cíclico de inadequação que o aterroriza por toda a temporada. Ava Grey, primeira atriz trans com papel de destaque em Atlanta, faz uma ponta como Lorraine, encarnando as inquietações de Alfred e revelando-se ser, no fim, uma alegorização de sua própria mãe. 

Enquanto Paper Boi lida com sua maior crise criativa, Earn nunca esteve melhor em sua carreira. Ao passo que, na primeira temporada, ele é retratado como um falido que descobre na súbita notoriedade do primo uma oportunidade de conseguir dinheiro rápido e melhorar de vida, mas frustrado por seu jeito desajeitado e sua incrível capacidade de fazer tudo sair do planejado, nesta terceira fase o personagem nunca esteve tão seguro, realizando seu papel como agente de Alfred com frieza e objetividade. Sua felicidade passa a ser a realização do rapper, o que o faz, em consequência, perder de vista a si mesmo. Earn fica tão mergulhado no trabalho que até sua presença como ponto focal da série se esvai, fazendo com que a indicação de Donald Glover em Melhor Ator em Série de Comédia soe somente como uma nota de rodapé.

Darius parece o único que se mantém fiel à sua persona de 2016. Lakeith Stanfield preserva seu exímio trabalho em materializar a completa falta de sustentáculo na realidade do personagem, que prossegue por sua busca pelo sentido da nossa existência, batendo na trave uma vez ou outra sobre viver dentro de uma obra ficcional. A função de Darius como reagente, veia cômica e suporte continua fundamental para a narrativa, e não é por acaso que ele é introduzido juntamente ao arco emocional de Vanessa (Zazie Beetz) que, mesmo após o fim da temporada, ainda é cheia de perguntas.

Ao que tudo indicava no fechamento da segunda temporada de Atlanta, Van – a ex-namorada de Earn, com o qual compartilha uma filha e um relacionamento disfuncional – ficaria em Atlanta durante a turnê do grupo pela Europa. No entanto, sem motivo aparente, ela deixa Lottie, a filha do casal, nos EUA e surge de supetão na Holanda para acompanhá-los pela viagem. Dali em diante, a presença da personagem é como a de um fantasma, fazendo aparições pontuais de episódio em episódio, geralmente tomando alguma atitude imprudente e sumindo logo em seguida. Earn tenta convencê-la a se abrir, mas ela insiste em manter distância. Para nós, como público, ela se torna praticamente irreconhecível.

Até que chegamos a season finale, que prometia responder o que Van andou fazendo este tempo todo. Porém, ao invés, somos apresentados a Tarrare, sua nova identidade francesa. Ela agora usa uma peruca curta, fala em um forte sotaque gaulês, transa e chantageia Alexander Skarsgard ao mesmo tempo, faz baguete de arma e vira cozinheira de um restaurante de mãos humanas. O episódio nos dispara uma sucessão de eventos cada vez mais bizarros e aleatórios, incitando tendenciosamente nossa suspensão de descrença para o ralo. É fácil deixar a história neste instante, presumir que descaracterizaram Van e a transformaram em uma sociopata. Todavia, Atlanta pede para que, assim como sua melhor amiga Candace (Adriyan Rae), acreditemos no seu potencial de redenção.

O ponto de virada ocorre quando a amiga, que presenciou cada um desses absurdos – tão chocada quanto nós –, questiona Van sobre as decorrências dessa nova fase: “e a Lottie? Onde ela se encaixa nisso tudo?”. A partir disso, a personagem abandona instantâneamente o forçado sotaque e libera todo o seu sentimento reprimido. Por fim, acobertada pela impetuosa camada de delírio, jazia somente uma indagação: “eu não sei quem eu sou”. Ela conteve por tanto tempo suas próprias vontades – seja por Earn, por Lottie ou por simples aprovação dos outros –, que acabou por tolher-se de sua própria identidade. Assim como Tarrare, soldado francês que, de tanta fome, se alimentava inclusive de carne humana, Van estava faminta por propósito e, em desespero, decidiu viver todas as experiências que se privou – e todas as possibilidades de si que perdeu – de uma só vez.

Prova-se, então, que a abordagem invulgar do seriado está longe de ser uma excepcionalidade, referente apenas aos episódios antológicos, mas sim um fragmento central da trama, que altera radicalmente seu status quo. Atlanta eleva o sarrafo da ousadia, brincando e manipulando com nossas concepções de tempo e realidade. Afinal de contas, a jornada de Van no episódio final teria de fato ocorrido ou seria fruto de sua imaginação? Seria possível que ela tivesse noivado e se tornado uma agiota francesa em poucas semanas? E Lorraine, em New Jazz, era ou não real? Teria Alfred realmente se aprisionado em um loop temporal devido aos efeitos de uma droga? Nenhuma dessas respostas importa. O que importa é como esses cenários inusitados são capazes de transpor os dilemas que rondam esses personagens. 

Porque, no fim das contas, todas as firulas narrativas e experimentos malucos com linguagem se reduzem a ferramentas de estudo de personagem, manifestando o que as correntes do realismo não são capazes de comunicar: um mergulho íntimo sob as emoções humanas mais profundas e complexas. Mesmo os contos isolados e estrutura desconexa da temporada agem em prol do arco dos personagens, espelhando suas crises existenciais e o estado de perdição que a viagem pela Europa escancarou. O argumento de que o desenvolvimento dos protagonistas foi abandonado já não vale mais.

Esta terceira temporada tinha uma árdua missão e uma ambiciosa pergunta para responder: o que sobra de Atlanta sem Atlanta? Sem as locações na cidade de Geórgia e, inclusive, sem Earn, Alfred e todos os outros personagens carismáticos que tanto aprendemos a gostar? Entre confusões e fervedouros, sua terceira fase mostrou que a essência da série está no poder de sua equipe criativa em transformar ensaios eremíticos em histórias instigantes e incisivamente sensíveis. De, explorando os afetos mais mundanos e pessoais, serem capazes de incorporar sublimemente debates sociais e raciais delicados, a partir de uma consciência coletiva vital. Com sua temporada final encaminhada ainda para este ano, a verdade é que Atlanta está mais Atlanta do que nunca.

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Vitória Gomez

“O que você acha que realmente aconteceu lá?”. Filmada de costas e sem nunca mostrar seu rosto, uma menina corre ofegante por entre as árvores de uma floresta gelada. O silêncio do cenário é preenchido somente por sua respiração pesada, e o sangue que pinga de sua carne colore o chão coberto de neve. Gritos alheios passam a ser ouvidos: o motivo da fuga vem logo atrás da garota sem identidade. Até que ela, também, para. Presa em uma armadilha, seu corpo empalado chegou ao destino final. Enquanto os adolescentes de Euphoria ensaiavam para o início de mais uma temporada de substâncias sintéticas, figurinos coloridos e pele à mostra, as jovens de Yellowjackets estavam abandonadas à selvageria.

A produção do Showtime opera em duas linhas do tempo. Em 1996, o avião que leva as Yellowjackets à glória no campeonato nacional de futebol cai e deixa as integrantes do time, pequenas estrelas do esporte na cidade, vivendo sozinhas na selva canadense por meses. 25 anos depois, as quatro sobreviventes (a princípio) empurram suas vidas separadamente, todas mantendo o combinado de não tocarem no assunto do que aconteceu naquele tempo. Quando uma jornalista investigativa começa a cavar o passado e um dos personagens que saiu de lá vivo morre inesperadamente, as protagonistas não têm escolha a não ser se reunirem.

Queda de avião seguida de sobrevivência certamente não é um cenário inédito na TV, no Cinema e tampouco na Literatura. Troque o grupo de meninos de O Senhor das Moscas (1954) por garotas adolescentes e intensifique o mistério sobrenatural de Lost para alcançar um terror viciante. Os showrunners Ashley Lyle e Bart Nickerson, veteranos de séries como The Originals e Narcos, certamente reconheceram as narrativas passadas e suas potenciais referências. Seja o ineditismo impossível ou não em Hollywood, Yellowjackets soube apostar em seu grande trunfo: ao invés de retratar passo a passo dos dias das meninas na selva, narrativa batida e há muito explorada, a produção escolhe olhar para suas personagens.

O roteiro, com uma generosa lista de creditados por episódio, avança a narrativa e une suas protagonistas, mas são elas o grande foco e a força central da primeira temporada. Ao passo que os anos 1990 retratam as garotas e seus sonhos adolescentes, bem como seus embates (antes e depois da queda) e o desmantelamento de cada uma dessas expectativas dia após dia, a casa dos quarenta representa a soma dos acontecimentos e mostra o que o quarteto se tornou. Na vulnerabilidade de corpo e mente humana, Yellowjackets encontra seu ápice: mesclando os dois recortes temporais, a nostalgia e o terror do que aconteceu no passado fornecem a base para o que Shauna, Misty, Nathalie e Taissa são e fazem no presente, driblando todos os clichês os quais a trama poderia recorrer.

O que realmente aconteceu ‘lá’ se desenrola ao longo dos 10 capítulos do ano de estreia da produção, em um ritmo angustiante e tenso. Yellowjackets faz melhor do que entregar um filme de horas de duração, com três atos bem marcados e definidos, mas tampouco se adequa ao formato de uma narrativa fechada a cada capítulo, com começo, meio e fim didáticos. Se a alternância entre linhas do tempo também não é novidade no Audiovisual, a série se aproveitou do seu lançamento semanal para não colocar todas as suas cartas na mesa, mas prender o espectador com os próprios mistérios que coloca em seu caminho. As mulheres que conhecemos em 2021, por exemplo, não são as mesmas garotas que iniciaram o Piloto. Os comportamentos do quarteto adulto encontram semelhanças às imagens de suas respectivas figuras juvenis, mas o que as levou até lá só nos resta descobrir – e parcialmente, já que a obra foi planejada para ganhar mais temporadas.

Yellowjackets sabe de seu ponto alto e o elenco brilha em suas duas frentes. Shauna (Sophie Nélisse, quando jovem), Taissa (Jasmin Savoy Brown), Natalie (Sophie Thatcher), Misty (Sammi Hanratty), Jackie (Ella Purnell), Lottie (Courtney Eaton), Van (Liv Hewson) e outras das atletas do time de futebol que saíram intactas da queda se unem em um elenco misturado de protagonistas e coadjuvantes, todas quebrando um pouco mais a cada sinal da ineficácia do resgate. Também, crescem e se fortalecem um pouco mais: viver na selva não é mais paliativo, mas a condição atual – e incerta – das meninas dali para frente. Se elas pretendiam viver esperando o momento do retorno à sociedade, a esperança se vai junto da inocência. O que cresce é o espírito de sobrevivência.

Espírito esse que, sem restrições, vai fazer o que for preciso para sair daquela floresta vivo. A semelhança entre as personagens jovens e suas versões mais maduras vai além da seleção certeira por parte da direção de elenco de Junie Lowry Johnson e Libby Goldstein. A incontestável escolha das atrizes rendeu à obra uma indicação ao Emmy 2022 em Melhor Direção de Elenco em Série de Drama, mas a transformação das personagens, de suas versões antes para depois da selva, também transparece nos paralelos do que nunca mudou.

Enquanto o cerne competitivo e decidido de uma jovem Taissa se mantinha firme até quando colocava em risco a vida de suas colegas, o amadurecimento não a diferenciou. Interpretada por Tawny Cypress, a sua respectiva adulta não hesita em tomar suas decisões de cabeça quente e ergue-se como a voz da razão. Afinal, ela é a sobrevivente que mais chegou perto de retomar a vida planejada antes do acidente. Tai se mostra impassível, mas por trás da fachada de forte e bem-sucedida, foi uma das que mais ganhou assombros dos seus dias no relento, transparecidos nas feições e nos olhos assustados de Cypress.

Já Misty nunca deixou de ser calculista e estratégica. Desde o primeiro momento, a assistente do treinador das Yellowjackets sabia de seus pontos fortes e o que a diferenciava na selva – ela, porém, se deixava levar em sua busca pelo pertencimento. A versão 25 anos mais velha vivida por Christina Ricci é uma das que menos parece ter se transformado e acumulado traumas entre as duas linhas do tempo, e, se a temporada tivesse heróis e vilões, Misty seria justamente a anti-heroína. Nas mãos da atriz veterana, a personagem, completamente lunática e perigosa, ganha um timing cômico e apreciável por sua lealdade e companheirismo – digna de uma indicação no Oscar da TV como Melhor Atriz Coadjuvante em Drama pelo papel.

A questão é que, em Yellowjackets, não há heróis ou vilões. Cada uma das quatro protagonistas fez o que foi preciso para sobreviver e, justamente por isso, são mostradas em suas versões de meia idade. A série não se limita a delinear quantas foram as garotas que saíram com vida da floresta e deixa seus mistérios à cargo do próprio desenrolar do primeiro ano, que o faz mais do que o suficiente para suscitar ainda mais questionamentos e ganchos para uma sequência. Mais do que solucionar as perguntas em seu caminho, as ‘Jaquetas Amarelas’ criam ainda mais incógnitas.

Graças as intérpretes, o fantástico quarteto adulto se equilibra, em uma dinâmica que mascara as diferenças provocadas pela selva e acentua a conexão já existente um dia. Sem uma explicação plausível para isso, o núcleo de 2021 parece encontrar sua união em Shauna. Desde quando era vivida profundamente por Sophie Nélisse até seu amadurecimento para Melanie Lynskey, a personagem é talvez a mais intrigante de todas. Jovem e adulta guardam seus segredos sombrios firmemente sob uma fachada tranquila, delicada e indefesa. Longe disso, a estrela de Yellowjackets, primeira sobrevivente apresentada no piloto, também se mostra calculista e fria, extirpando suas emoções quando há trabalho a ser feito.

Propositalmente ou não, a escolha das atrizes veteranas que se alçaram ao sucesso na juventude e cresceram sob a luz dos holofotes traduz parte da essência da produção. Após o retorno, os microfones apontados às meninas resgatadas, as páginas de jornais e as especulações sobre o que realmente aconteceu selva afora as levou a se distanciar umas das outras, das vidas pacíficas e normais que poderiam ter levado e até de seus respectivos parceiros. Crescer frente às câmeras, sob uma atenção indesejada com o único intuito de reviver e alardear os maiores traumas das sobreviventes, não estava nos planos do quarteto.

Pelo feito como Shauna, Lynskey foi nomeada na categoria Melhor Atriz em Drama no Emmy 2022, competindo com a dupla protagonista de Killing Eve, Reese Witherspoon em The Morning Show, Laura Linney em Ozark e Zendaya, por Euphoria. Na premiação, as Jaquetas Amarelas também ganharam uma menção dupla na categoria Melhor Roteiro em Drama: os showrunners Ashley Lyle e Bart Nickerson concorrem com o episódio Pilot e F Sharp, esse último com o roteirista Jonathan Lisco creditado junto do duo. O episódio Piloto também é lembrado em Melhor Direção em Drama, pelo trabalho de Karyn Kusama. 

Somando 7 indicações em 6 categorias distintas – uma que já foi entregue no primeiro final de semana do Emmy -, Yellowjackets ainda recebe uma das maiores honrarias da premiação: a estreante apareceu em Melhor Série de Drama, categoria das mais antecipadas da noite de 12 de setembro. Competindo com Better Call Saul, Euphoria, Ozark, Severance, Round 6, Stranger Things e Succession, a novata do Showtime não parece impor uma grande competição frente a algumas das veteranas de premiação. Mas as Jaquetas Amarelas já superaram situações piores.

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Mariana Nicastro

HUZZAH! A Rússia é de Catherine na segunda temporada de The Great (ou A Grande, em seu título original). Proveniente do Hulu e disponibilizada no Brasil pelo Starzplay, a série chegou de mansinho, sem muito alarde. Porém, basta uma olhadinha na premissa instigante da ascensão do poder feminino na monarquia russa do século dezoito somada a um tom satírico, divertido e muito atual para conquistar o público com um equilíbrio incrível entre Comédia e Drama, e atuações dignas de um Emmy.

Escrita, na maioria dos episódios, pelo também showrunner Tony McNamara, roteirista do futuro Cruella 2, The Great foi lançada em Maio de 2020 e explora a história – bastante representada no Cinema e na Televisão – da monarquia de Catarina II da Rússia. Na primeira temporada, Catherine (Elle Fanning), ou Catarina Segunda, nos livros de história brasileiros, foi apresentada a Peter (Nicholas Hoult), ou Pedro Terceiro, aquele que ela acreditava ser seu príncipe encantado. Vinda da Prússia, mal sabia ela que, ao pisar em solo russo, seu grande amor seria seu reino, sua corte, seu povo e o que viria a ser o seu império.

Mas não se engane! The Great não é uma série histórica e política com compromissos com a realidade, fidedigna aos fatos e personagens como a famosa The Crown. Recheada de sarcasmo, humor sórdido, palavrões e noções bem contemporâneas, e uma brutalidade que deixaria The Boys orgulhosa, a produção brinca com a temática e cria uma atmosfera bastante surreal, cheia de exageros e personagens caricatos pela corte, como o próprio Peter.

Afinal, a situação é tão absurda quanto se propõe: Catherine chega em território russo tão encantada e apaixonada como uma princesa encontrando seu príncipe. Porém, tamanha é sua decepção ao descobrir que o então Imperador, seu mais novo esposo, é um boy lixo, com a mentalidade de uma criança de dez anos e a violência de um líder cruel de um exército impiedoso. Além dele, toda a corte é formada por indivíduos que festejam todos os dias e se limitam a preocupações fúteis. Todos são brutais, práticos, alienados e mal educados, e a futura Imperatriz se vê desolada.

Entretanto, como uma boa sonhadora interminável, a protagonista se recompõe e se remodela diante dos desafios. Não demora muito para ela perceber que seu destino nunca foi se casar com Peter, e sim tomar seu trono e comandar a Rússia. Sua criada Marial (Phoebe Fox), o conselheiro Orlo (Sacha Dhawan) e o general do exército russo Velementov (Douglas Hodge), então, unem-se a Catherine em um plano de assassinar o incompetente Imperador e colocá-la no poder. Junto deles, ela conta com o apoio de seu amante Leo (Sebastian de Souza, diretamente de Skins).

Durante a primeira temporada, a estratégia da monarca sofre com altos e baixos, tudo dá certo e, no fim, dá errado. Enquanto ela cresce pessoalmente e representa uma determinação incansável, unida a suas brilhantes e inovadoras ideias, precisa lidar com os contra-ataques do seu mais novo arqui-inimigo, Peter, e seus apoiadores (a grande maioria do reino). No fim das contas, Catherine toma seu reinado, mas se descobre grávida de seu rival, perde Leo para a morte – em uma decisão política –, é traída pela amiga Marial e sofre com as densas consequências de um povo abalado e descontente.

A segunda temporada então se inicia com uma guerra travada entre Peter e Catherine. A última, impassível, aprende da forma mais dura que precisa ser feroz se quiser ter a admiração do povo e o controle do marido derrubado. Ele, por sua vez, demonstra uma compaixão cada vez maior pela esposa ao observar seu destemor e inteligência, agora feito de prisioneiro por ela, em seu próprio castelo. 

O pé de guerra inicialmente travado entre os dois se dissolve por parte do Príncipe, conforme ele abre mão de qualquer tentativa pelo trono a favor da esposa e seu futuro filho Paul. É estranho e cômico a forma como um personagem tão odiado como ele começa a perder a compostura diante de sua Rainha e cai nas graças do público, tamanho o carisma de Nicholas Hoult. Com o passar do tempo, então, o ódio dá lugar a uma complexa amizade com benefícios. Catherine se vê dividida em detestar o marido e reconhecer mudanças progressivas em seus comportamentos e sua personalidade, enquanto aprecia sua companhia.

A linha tênue entre amar e odiar Peter é uma constante – para o telespectador, para a própria protagonista e para os amigos do ex-Imperador na Corte. Todos ora se chocam com seus atos hediondos, ora se divertem com sua maluquice e presunção. E cada vez mais há uma subversão de papéis conforme os episódios da série avançam, as conquistas da Imperatriz ficam mais evidentes e Peter melhora como pessoa, enquanto se apaixona por ela e se contenta em ser apenas o pai do futuro bebê.

Em contrapartida à comédia, os dramas vivenciados por Catherine são críveis, enfrentados com muita emoção, e criam um laço e conexão do público a ela desde a sua primeira aparição. Agora, o trono é seu e a Imperatriz precisa aprender a ser uma figura política, a lidar com a gravidez cujo pai ela destronou e a dançar conforme a música, em uma corte que tem vontades distintas daquelas que ela considera ideais. 

Assim, a força de Elle Fanning transborda das telas. A atriz equilibra com maestria a delicadeza e paixão de Catherine com sua imponência e orgulho. Ela não abre mão do trono tomado e luta por ele com unhas e dentes, mesmo que tenha que fazer escolhas difíceis no caminho. Quanto a isso, a czarina sente, ao longo da temporada, o luto pela perda de seu amado Leo e desafia os próprios sentimentos ao precisar manter-se emocionalmente firme para lidar com uma Rússia instável, louca e em guerra.

Conhecida por papéis como Mary Shelley (Mary Shelley, 2017), a princesa Aurora (Malévola, 2014) ou a doce Alice, em Super 8 (2011), Mary Elle Fanning coleciona obras incríveis em seu currículo, provando ser uma atriz maleável e uma das mais talentosas de uma nova geração de Hollywood. The Great surgiu para comprovar que o protagonismo lhe cai perfeitamente, com uma personagem que exige uma carga dramática intensa, exalando determinação e coragem, mas que também se encaixa perfeitamente nos arcos cômicos e excêntricos da produção.

Já seu parceiro de cena, Nicholas Hoult, é um show à parte com o caótico e complexo Peter. O eterno Tony de Skins (2007) e Tolkien, no longa de mesmo nome de 2019, aqui interpreta o mimado Príncipe que cresceu exposto à violência desde a infância, rejeitado pelos pais e sempre submetido aos deveres e expectativas do reinado. Juntos, os dois criaram uma dupla dinâmica em tela com uma química impecável.

Personagens excelentes não faltam em A Grande. Além dos amigos e braços-direitos da Imperatriz já mencionados, Marial, Orlo e Velementov, há Elizabeth (Belinda Bromilow), tia de Peter, mas uma grande aliada de Catherine, o enigmático e interesseiro Archie (Adam Godley), arcebispo da corte, e os melhores amigos de Peter, Grigor (Gwilym Lee) e Georgina (Charity Wakefield), que temem por suas vidas privilegiadas. 

Marial é uma coadjuvante de peso na história, com tanta coragem quanto Catherine. Nesta temporada, ela retorna à nobreza, com seus benefícios e sua alta posição ao lado da Imperatriz. Entretanto, viver como serva no palácio lhe rendeu maior consciência, responsabilidade e empatia. Georgina também tem um novo arco e cresce ao demonstrar sua inteligência e estratégia, prometendo trazer problemas para o reinado no futuro.

Protagonizado pelas figuras femininas, o roteiro de McNamara, Tami Sagher, Fiona Seres e Gretel Vella também abre ainda mais espaço para Tia Elizabeth, seus dramas e descobertas intensas sobre a perda de seu filho no passado. Ela tem ferrenhas discussões com Joanna (Gillian Anderson), a mãe de Catherine, que surge no meio da temporada para gerar discórdia e abalar ainda mais o psicológico da Rainha ao sentir que precisa mascarar seus problemas para a exigente progenitora. 

A série acerta no tom exagerado e se leva pouquíssimo a sério diante do caos que é a corte de Catherine. Há referências extremamente divertidas, como ao surgimento do drink Moscow Mule e de montanhas-russas. E, é claro, The Great tem um olhar de século vinte e um, com uma protagonista muito à frente de seu tempo, progressista, que luta pelos direitos femininos e preza pelo bem de todos no reino, com grandes mudanças e incentivo a educação e liberdade de expressão. Até mesmo Voltaire retorna à trama com participações pontuais. 

Quanto a detalhes técnicos, os episódios são longos e têm mais de quarenta minutos; contudo, os acontecimentos se desenrolam de forma rápida e objetiva. O tempo passa depressa na série e rixas políticas que se resolveriam normalmente em décadas, se solucionam felizmente em poucas horas. Já a ambientação se resume majoritariamente ao castelo e seus grandes aposentos, luxuosos e cobertos de ouro, ainda que tenham cenas no campo, na praia e na floresta. Os cenários e o visual são atrativos, com cômodos exuberantes do palácio e seu entorno, assim como seus belos e marcantes figurinos de época.

Com tantas qualidades e destaques, principalmente no quesito atuações, era de se esperar The Great sendo reconhecida em premiações. Fanning foi indicada merecidamente ao Emmy 2022 na categoria Melhor Atriz em Série de Comédia, enquanto Hoult foi nomeado à categoria de Melhor Ator em Série de Comédia. Diante da dedicação impecável e desempenho absurdo de ambos os artistas, o troféu é mais do que justo. 

A protagonista concorre com as talentosíssimas atrizes Rachel Brosnahan (The Marvelous Mrs. Maisel), Quinta Brunson (Abbott Elementary), Kaley Cuoco (The Flight Attendant), Issa Rae (Insecure) e Jean Smart (Hacks). Já o intérprete do ex-Imperador disputa com nomes de peso como os comediantes Jason Sudeikis, com a nomeadíssima – e também prevista para levar Melhor Série de Comédia –, Ted Lasso, Donald Glover (Atlanta) e Bill Hader (Barry), e os queridíssimos Martin Short e Steve Martin, de Only Murders in The Building.

O fato é que não faltam atores e atrizes indicados que deem vida a seus personagens com mais do que veracidade e paixão, a exemplo de Hacks, do HBO Max, com a contemplada Jean Smart, ou de Ted Lasso, da Apple TV, que ganhou o público e a crítica. Porém, The Great não fica para trás nesse quesito, tratando-se de um dos maiores – senão o maior – papel de Fanning até agora, dando-lhe grandes chances de coroar a Imperatriz, desta vez pelo prestígio de sua intérprete. 

O brilhantismo da obra do Hulu se estende a todos os aspectos e, felizmente, a mais uma temporada, confirmada em Janeiro deste ano. Sua abordagem cômica dá uma leveza ao gênero, como acontece em Bridgerton (2020). Mas aqui, a luta pelo poder feminino e o anseio da monarca revolucionária em ver seu país brilhar gera discussões mais políticas e dramáticas. Uma série cuja história se inspira no século dezoito nunca foi tão atual, com desafios tão contemporâneos para uma mulher na política, um espaço que continua majoritariamente dominado por homens. O universo ainda carece da elegância, estratégia, inteligência e paixão que apenas governos de Catarinas são capazes de proporcionar ao mundo.

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Nathalia Tetzner

Succession somente existe porque os filhos de Logan Roy, dono de um conglomerado de mídia, tiveram uma infância em que os jogos de poder ultrapassaram os tabuleiros e a imaginação. Como se ditasse a parlenda brasileira Uni, duni, tê, o patriarca da família sempre brincou com as ambições de Kendall, Siobhan e Roman, mas, depois do salamê, do minguê e do sorvete colorê, o escolhido para assumir o controle da Waystar Royco nunca é batizado. Em sua terceira temporada, a série do HBO Max finalmente une os irmãos e alonga a sua aclamação com 25 indicações ao Emmy 2022, sendo a líder absoluta da noite de premiações.

Diferente da sensação mística que a poesia infantil causa, a Música tema desperta o exato teor de Drama presente no enredo. Composta por Nicholas Britell, os graves acompanhados das notas estridentes no piano ressoam a narrativa de um núcleo clássico que constantemente se funde com o urbano das ruas de Nova Iorque. Nomeado ao Oscar por outras produções e vencedor de um Emmy pela faixa-título do seriado, Britell disputa o prêmio pela Melhor Composição Musical de Série (Trilha Dramática Original) com o episódio Chiantishire, um dos mais notáveis entre os nove exibidos devido ao desenvolvimento das personagens em cena.

Figura destoante, Kendall Roy continua a carregar o peso da traição ao seu pai e, no terceiro ano de Succession, o seu crescimento é a regressão. Dissimulado e dono do mundo quando os primeiros efeitos das substâncias químicas atuam, não é preciso de muito tempo para que Jeremy Strong entregue uma atuação vívida ao cair na emboscada dos delírios e da obsessão. Em Too Much Birthday, o público enxerga toda a ganância de um homem que se desmorona com a presença estritamente profissional dos seus familiares no seu aniversário, perdendo o rumo enquanto procura um presente estampado com coelhos dado pelos seus filhos.

Como em um reflexo de sua própria criação, ‘Ken’ carece de afeto, e os netos de Logan parecem seguir a linhagem hereditária de adultos destruídos por traumas quando crianças. O showrunner do seriado, Jesse Armstrong, não só geniosamente contrapõe as figuras de pai e filho, como também prova que sabe dialogar com a atualidade. Afinal, a ascensão do Judas bilionário como uma personalidade excêntrica no Twitter fielmente representa o cenário em que poucos caracteres podem decidir o futuro da política e economia mundial. Dono de dois Emmys, ele e a sua escrita novamente competem pelo Melhor Roteiro em Drama.

Na pele de Siobhan Roy, a única herdeira mulher, Sarah Snook brilha na eterna contradição de quem age para provar o contrário. Coadjuvante da polarização principal, ela cai nas graças dos fãs na mesma intensidade que tropeça em decisões feitas com o único intuito de desmentir as ideias dos outros sobre si. ‘Shiv’ não tinha interesse em fazer um democrata presidente dos Estados Unidos até seu amante a desafiar, ou pensou em assumir a Waystar Royco até o campo de batalha a engolir; porém, ainda que as suas ações digam sobre todos, exceto ela mesma, Snook é uma verdadeira girlboss na tela do streaming.

The Disruption, episódio dirigido por Cathy Yan, traz a essência característica da ruiva mais fashionista do HBO Max, que, em mais uma tentativa de impressionar o seu pai, toma frente do caso de abuso sexual sistemático da empresa. O ápice acontece sob a trilha da banda Nirvana, comumente referenciada na indústria cultural; no entanto, a montagem de Succession alcança um ato maior que arrancou os elogios de Courtney Love: a faixa Rape Me (Me Estupre, em tradução literal) soa nos altos-falantes enquanto Siobhan discursa. Fazendo jus ao feminino vingativo de Yan, ela divulga os problemas pessoais de Kendall no maior estilo Arlequina.

Quase um figurante durante os dois primeiros anos da série, Connor Roy enfim se impõe como o filho primogênito de Logan. Seja se alterando com Kendall ao negar tirar o seu casaco ou o corrigindo durante uma tarde ensolarada e italiana, os pequenos detalhes da linguagem corporal do ator Alan Ruck são suficientes para que o público perceba a tendência agressiva de alguém tão passivo no passado. Antes morador pacato de uma mansão no deserto, o agora candidato a líder da nação estadunidense com 1% dos votos teve a difícil missão de convencer Willa Ferreyra a aceitar o casamento. 

Se ‘Con’ frequentemente exerceu a figura paterna na infância dos seus irmãos, ao desviar a atenção para a vinheta de abertura, produzida pela Picturemill, a junção entre as memórias da família Roy, filmadas em VHS, com alguns ângulos contemporâneos pontualmente revela prévias do que esperar a cada temporada. Dessa vez, o foco na sátira natural de Roman e nas tradicionais manchetes sensacionalistas da ATN News fazem sentido com os rumos de Succession, em que o caçula emerge aos olhos manipuladores do pai junto a Tom Wambsgans, marido de Siobhan e presidente da emissora do conglomerado de mídia.

Uma mensagem explícita enviada por engano e pronto: Kieran Culkin entrega expressões dignas de saudação. Sem a necessidade de se apoiar em falas complexas e em atmosferas dramáticas ao extremo, ele coloca a decepção no primeiro plano. ‘Rome’, o Gato de Botas do império Roy, é inteligente e ágil como um felino, porém, são os seus meios duvidosos que o caracterizam e auxiliam a injetar a dosagem ácida de comédia encontrada no seriado. Anteriormente, Kendall e Siobhan protagonizaram a grande Tragédia Grega, por isso, nada mais justo do que assistir mais um filho perder a sua glória diante do patriarca.

“Você não é uma pessoa de verdade”: os problemas internos enfrentados por Roman, ponto pouco abordado para além das piadas autodepreciativas, continuam uma incógnita. Depois de amadurecer o suficiente para se tornar o diretor de operações da Waystar Royco, já está mais do que na hora de Succession permitir a sua vulnerabilidade em frente às câmeras. É sua parceria com a CEO provisória Gerri Kellman que faz o show fluir, pois J. Smith-Cameron e Culkin dinamicamente dividem o frame com uma química obscena, característica natural do mundo vil desses bilionários.

Completamente alucinado por uma infecção de urina no episódio Retired Janitors of Idaho, a insistência para que retirassem um gato morto imaginário debaixo de sua cadeira somente demonstra o tamanho da imponência de Logan Roy, que mesmo não sendo nitidamente capaz de tomar decisões conscientes, permanece a figura mais imponente do ambiente. Em seu terceiro ano, Brian Cox fornece o melhor de uma mente manipuladora e sem escrúpulos. Sem vergonha de ser cruel e brincar com sentimentos, os olhos açucarados apenas convencem o afeto com os filhos até o momento de apunhalá-los pelas costas.

Grisalho e com a saúde instável, devido a sua idade avançada, o patriarca teimosamente mantém o punho firme à frente de um dos maiores conglomerados de mídia da ficção. Em Succession, a tensão em torno do seu futuro e de sua sucessão é agonizante; sem perceber, o público passa a ser um torcedor. Quando tentam derrubá-lo, Cox veste a carapuça da resiliência de Logan, o tornando não só imbatível nos negócios da família, mas também em cena. É assim que se prova a ótima escolha do elenco, que consegue dialogar no mesmo tom, sem sair prejudicado por uma atuação insolente.

Inicialmente tido como uma mera peça de tabuleiro, Tom Wambsgan aprendeu a arte do calculismo com a esposa Siobhan. Desde que adotou o primo invisível dos Roy, Greg Hirsch, como o seu animal de estimação, ele passou a aderir aos mesmos jogos mentais dos herdeiros. Velado, a sua iniciativa de ser o bode expiatório do acobertamento de abusos sexuais na ATN News não foi em vão, e, em uma grande reviravolta, se livra da cadeia e toma parte do lado mais forte: o da venda da Waystar Royco por Logan. Por nunca ter visto o velho reinado perder, Wambsgan é um aliado a menos de Shiv, contrária à compra. 

A verdade é que o casamento do ano foi o de Wambsgan e Hirsch, ou melhor, o de Nero e Sporus, conto romano ditado no quarto episódio, Lion in the Meadow. Metaforicamente, há similaridades entre o imperador matando a sua esposa para se casar com um escravo e o acordo feito entre os executivos. Segundo Tom, nos minutos mais desconfortáveis de Succession, ele castraria e casaria com Greg em um piscar de olhos e, de certa forma, foi isso que aconteceu. Ao levantar-se o véu, a relação dos dois é tão bizarramente construída por Matthew Macfadyen e Nicholas Braun quanto a de Roman e Gerri.

As dedicações viscerais dos atores conquistaram atenção em 2022. No Globo de Ouro, Jeremy Strong e Sarah Snook foram premiados, e no SAG Awards o prestígio veio como o Melhor Elenco da noite. Com a chegada do Emmy em Setembro, Succession quebrou o recorde de indicações em categorias de atuação, com 14 nomeações. Brian Cox e Jeremy Strong disputam a estatueta de Melhor Ator em Drama enquanto Kieran Culkin, Matthew Macfadyen e Nicholas Braun fazem a maioria entre os Coadjuvantes. Para as mulheres, Snook desponta com J. Smith-Cameron em Melhor Atriz Coadjuvante em Drama.

Na premiação das Artes Criativas do Emmy, o seriado, satisfeito com participações especiais excelentes, teve Alexander Skarsgård, Arian Moayed, James Cromwell e Adrien Brody na corrida por Melhor Ator Convidado em Drama. Também a fim de levarem a mulher e o átomo, Hope Davis, Sanaa Lathan e Harriet Walter batalharam na categoria feminina. Entretanto, não houve vencedores. Skarsgård na mente de Lukas Matsson, por sua vez, deve ser o elo entre a terceira e a quarta temporada, que já está em produção e tem na sinopse as movimentações da possível venda da Waystar Royco para o visionário da tecnologia.

Faltando pouco para a coroação principal, o prêmio mais cobiçado de Melhor Série de Drama parece ser uma realidade. É difícil explicar o motivo pelo qual o público ama odiar os bilionários mais miseráveis da Televisão – talvez seja a Música tema, que se recusa a sair da cabeça de quem escuta; talvez seja a urgência de estar ali por Kendall, que nunca teve ninguém genuinamente ao seu lado; a curiosidade de descobrir quem é Roman por trás das muralhas; ou, talvez, acompanhar Siobhan e toda a sua sagacidade. Uma coisa é certa: a terceira temporada de Succession age como Logan Roy, prendendo a todos no seu Uni, duni, tê.

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Nathália Mendes

Lá pela 3ª temporada, Queer Eye já fazia mais do mesmo: replicava sua receita de sucesso, espalhando o valor do autocuidado com alegria e empatia. Mas se em time que está ganhando não se mexe (sim, o contexto merece uma piada do meio futebolístico heteronormativo), uma pandemia de coronavírus desafiou o reality da Netflix a fazer ainda mais pelo amor próprio dos outros. E foi assim, abraçando a fragilidade de seus participantes recém vacinados, que Antoni Porowski, Bobby Berk, Karamo Brown, Jonathan Van Ness e Tan France entregaram uma 6ª temporada para se engasgar de tanto chorar.

Na edição anterior, cinco gays bateram nas portas de estranhos num momento crucial, pois foi ao ar quando o mundo enfrentava o crescimento de casos de Covid-19 sem saber o que fazer. Antes disso, ainda, a nova temporada já havia iniciado suas gravações, e os Fabulosos estavam em Austin, no Texas. Como se um dos estados mais conservadores dos Estados Unidos não fosse suficiente, a série foi interrompida pela pandemia em março de 2020. Pronto. Estava nas mãos de Queer Eye o poder de ajudar pessoas completamente transformadas por uma das maiores emergências de saúde da humanidade – e assim o fizeram, bem longe de hospitais e prontos socorros. 

Antes de interromper as gravações, a série conta a história de Terri White em seu primeiro episódio, Um momento decisivo. A dançarina de meia idade, extremamente sulista e carismática, abre a temporada com uma narrativa semelhante às demais já contadas no reality, até que a Covid-19 chega. Um ano de tristeza e medo a envolveu, mudando até seu relacionamento com o cabelo natural – que teve tempo de crescer longe dos holofotes, e a transformou numa mulher introvertida pela tristeza da perda. Quando os Fabulosos a encontram novamente, em maio de 2021, seu pai, James White, havia falecido.

É interessante notar que James havia sido parte da alegorização texana construída pela série logo de cara. Perdê-lo trouxe à tona a dor que, de certa forma, a sociedade experenciava desde o começo da pandemia. Diferente do animado reencontro com os participantes que normalmente acontece, Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan voltam até o restaurante da família de Terri muito amuados. Não há outra cena em toda Queer Eye que se compare a essa, pois, ainda que o programa tenha influenciado diretamente a vida da heroína no período de isolamento, no final o saldo não era positivo. 

Completando a tragédia, o The Daily Beast realizou uma pesquisa mais profunda sobre os White logo após o lançamento dos episódios. Não precisou de muito para descobrir rumores de casos de homofobia e racismo no restaurante da família, o Broken Spoke. Segundo o portal, as críticas do local no site Yelp contém acusações de discriminação e relatos de que as aulas de dança são acompanhas de comentários ofensivos. Sem surpresas, os desafios para uma temporada em um estado conservador foram turbinados por uma crise de saúde mundial, mas tudo bem: os momentos mais emocionantes e compensadores estavam por vir.

Após o retorno, as gravações aconteceram com vacina no braço dos norte-americanos. De diferentes formas, o arco de todas as narrativas se baseou na família, seja qual fosse sua composição, ou nos desafios que a pandemia de coronavírus haviam trazido para suas vidas. Seja com os formandos do Colégio Navarro ganhando um espetacular baile de formatura presencial, depois de tanto tempo vendo os colegas por uma tela de computador, ou assistindo a Dra. Jereka Thomas lutar contra a desigualdade social e trazendo as comunidades pretas e pobres para dentro da área da saúde, o aguaceiro do espectador está garantido. 

Já Reggie Devore sofreu com a interrupção de sua carreira em ascensão na Música. Infelizmente, a história do rapper pertence a realidade de grande parte da população: sem trabalho, devido ao isolamento social, ele ainda precisava garantir a segurança da família. Isso não só o desmotivou completamente, mas diminuiu o brilho com que produzia e cantava. Essas sequelas específicas da pandemia, completamente pessoais para cada indivíduo, nunca foram abordadas por uma série, e Queer Eye o fez de forma respeitosa e empática. Não por acaso, a edição foi a mais intensa e emocionante para os próprios apresentadores.

Próxima da dor de Terri e Todd, a heroína Angel Flores, uma atleta de levantamento de peso transsexual, experenciava um tipo diferente de luto: aquele que rasga a alma quando se pertence à comunidade queer e o próprio pai não compreende sua verdadeira versão. Isso não foi suficiente para que Queer Eye levasse para casa mais prêmios no Emmy Criativo, cerimônia que aconteceu separada da principal, nos dias 3 e 4 de setembro. Seu episódio Angel ganha asas foi o escolhido para ser submetido nas categorias do Emmy 2022. As indicações vieram em Melhor Direção para Aaron Krummel; Melhor Design de Produção para Thomas Rouse e Josh Smith; e Melhor Montagem para Nova Taylor e Sean Gil, mas não venceu em nenhuma.

O reality não leva outras categorias da premiação desde 2019, quando venceu Direção e Montagem pela 3ª temporada, mesmo tendo sido indicada em todos os outros anos. Aparentemente, a série escolhe submeter episódios com heróis LGBTQIA+, sendo incongruente, pois, nem sempre suas histórias compartilham o brilhantismo da temporada. Angel é incrível, sendo a primeira mulher trans no show, perpassando o caminho sofrido da saudade de um pai que era tudo em sua vida, e ganhando a reaproximação com a ajuda de Karamo. No entanto, seu capítulo não tinha a característica que precisava para ganhar.

A fragilidade do ser humano a nível extremamente pessoal após uma emergência de saúde é a verdadeira protagonista da 6ª edição. O que Sarah, Jereka e Reggie viveram e fizeram em meio à pandemia merecia atenção para além de seus episódios, como poderia ter sido com o Emmy deste ano. Mesmo assim, os erros de Queer Eye são poucos – entre continuar insistindo na transformação de pessoas dotadas de preconceitos e não submeter os capítulos certos -, e a série fez um trabalho único. Afinal, não é pra qualquer um tornar as dificuldades do outro em algo mais leve de ser superado, tudo feito junto de momentos divertidamente prazerosos e botas de cowboy.

A experiência foi diferente dessa vez. Nem só de poses, botas neon e casas super decoradas vive Queer Eye. A combinação de elementos que aquecem o coração e fazem o estômago doer de rir é o que torna a série um conforto, sim, mas há muito mais ali do que só isso. A série aceitou o desafio de recuperar o amor de quem sofria com sequelas quase invisíveis da pandemia. Mais do que isso, a 6ª edição contou ao mundo sobre situações realmente difíceis de pessoas atormentadas por monstros da vida real, ou por estruturas e estigmas sociais que esmagam vidas.

Quando uma temporada acaba, os protagonistas mais incríveis parecem ter se tornado velhos conhecidos, e, com muita admiração, o desejo de que estejam felizes inunda o coração. Não é o desejo da produção de que você ame seus apresentadores, mas de que os heróis da vida real sejam verdadeiros protagonistas, bem como o amor próprio seja tratado com seriedade e importância. No final, Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan, transformam também cada espectador. Ainda bem que a sétima temporada já está sendo filmada.

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Lavínia Battoni Ferreira

Após o sucesso da primeira temporada, Bridgerton tem seu segundo ano focado em Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey), o primogênito, que decide encontrar uma viscondessa. Ao longo dos oito episódios, é possível acompanhar a trajetória do personagem desde o seu passado até o que virá a se tornar seu futuro. Sem apelação com cenas explícitas, a estreia rendeu para o público, mesmo com algumas ressalvas. A sucessão foi de agrado da crítica, não surpreendendo por mais duas indicações ao Emmy para sua coleção.

Assim como em O Visconde Que Me Amava, foi possível rir, se emocionar, se apegar e desgostar de alguns personagens. Fugindo um pouco do livro, a série trouxe diferenciais para a história. O feito dividiu a opinião de alguns fãs, já que a primeira temporada acabou sendo fiel a O Duque e Eu, mas, por outro lado, também recebeu críticas pela quantidade de cenas explícitas nos episódios. Com personalidades e acontecimentos diferentes, algumas figuras não se tornaram tão queridas como nas páginas. Isso faz o público acreditar que daqui para frente a tendência seja apenas usar o nome dos livros e dos personagens, ainda levando em consideração que a terceira obra foi totalmente ignorada pelo streaming da Netflix ao anunciar a terceira leva sobre Colin Bridgerton.

Bridgerton também estreou duas novas personagens extremamente importantes para toda a história. A atriz Charithra Chandran deu um show durante toda a temporada e recebeu muitos elogios no papel de Edwina Sharma. Além dela, Simone Ashley, depois do papel em Sex Education, se tornou a grande queridinha ao interpretar a irmã mais velha de Edwina, Kate Sharma. Entretanto, mesmo com os diversos elogios, nenhum ator foi indicado ao Emmy, premiação que reconhece os melhores da TV. Para mais, as demais figuras continuam presentes, com exceção do amado Duque de Hastings (Regé-Jean Page), o qual teve seu arco totalmente finalizado na primeira temporada. O ator disse em abril do ano passado que não voltaria para a série, e recentemente reforçou isso através do seu Instagram. Phoebe Dynevor, a mais nova Duquesa, fez aparições em alguns episódios, e é perceptível que a tendência seja apenas essa.

A narrativa não deixa a desejar. Deixando de ser apenas mais um romance de época, a trama trata do triângulo amoroso entre duas irmãs e um dos homens mais influentes da Inglaterra do século XIX. Com direito a muito fofoca, especulação e flashbacks, o telespectador fica esperançoso para que finalmente todos descubram quem é Lady Whistledown, já que, na finale da primeira temporada, é revelado ao público quem está por trás da fofoqueira mais amada e odiada da cidade. 

Em paralelo, no último episódio do segundo ano, é apresentado o grande plot: Eloise (Claudia Jessie) descobre que sua melhor amiga está por trás do folhetim que espalhou seu grande segredo. Lady Whistledown sem dúvidas foi um grande destaque dos capítulos, tanto nas mãos de Nicola Coughlan quanto na voz de Julie Andrews, que, pelo papel, concorreu ao Emmy de Melhor Performance de Voz pelo capítulo Um Grande Libertino. Não restam dúvidas que o trabalho da intérprete com sua voz foi excepcional, criando uma identidade própria para a personagem.

Ainda sobre Eloise Bridgerton, nesse ponto da história a figura mostra sua personalidade forte ao engajar em temas sociais, fugindo totalmente do rumo que se esperava de uma dama de 1800. Talvez seja por isso que a quinta irmã receba um carinho tão grande do público. Assim como ela, Kate expressa fortemente sua vontade de não casar todas as vezes que insistem em perguntar para a garota como ela ainda não arrumou um marido. Por conta disso, e de que em certo momento houve uma interação entre as duas sobre o assunto, se esperava maior desenvolvimento nessa amizade, que infelizmente não aconteceu. O que cabe agora é esperar para ver se esse sonho realmente vai se concretizar.

No segundo ano de Bridgerton destaca-se também a trilha sonora nas redes sociais. Sucessos como Material Girl, da Madonna, Diamonds, da Rihanna e Wrecking Ball, da Miley Cyrus, compuseram a incrível playlist da série. Assim como foi feito na primeira temporada, as canções foram regravadas em sua versão instrumental, deixando apenas a melodia ao som de uma orquestra. Nem mesmo Harry Styles escapou, e Sign of The Times tocou em um dos momentos mais marcantes e polêmicos: o grande casamento. Porém, para a tristeza de muitos, a série não entrou para a categoria musical do Emmy neste ano.

Bridgerton carrega um grande histórico de indicações no Oscar da TV, mesmo com apenas duas temporadas. Em 2021, a produção foi indicada a 12 categorias, mas venceu apenas uma: Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, pelo episódio A Arte de Desfalecer. Em 2022, no entanto, a obra recebeu três indicações: Melhor Figurino de Época, para Danny Glicker, Jessica Fasman e Adam Girardet, Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, para Erika Okvist, Jenny Rhodes-McLean e Sim Camps, e Melhor Performance de Voz, para Julie Andrews, por Um Grande Libertino, respectivamente. A série levou para casa o prêmio técnico de Melhor Penteado, graças ao episódio O Visconde Que Me Amava.

Por mais que o Emmy não tenha sido entregue para Julie Andrews em 2021 e 2022, que ficou para Chadwick Boseman e sua interpretação de T’Challa em What If…?, é inegável a expectativa que se teve para as edições da premiação. Quanto aos figurinos da série, ainda que se tenha contradições quanto a imprecisão dos trajes da época, o trabalho feito entre a fusão de referências do período com as modernas resulta em uma grande admiração pelo trabalho. Porém, tal admiração não garantiu que Bridgerton levasse todos os prêmios aos quais foi indicado nas noite do Creative Emmy Awards.

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Gustavo Alexandreli

A primeira temporada de O Livro de Boba Fett estreou no catálogo do Disney+ em 29 de dezembro de 2021. Chegando já na virada do ano, a produção marcou não somente o novo ciclo, como também a primeira das apostas para as séries do universo Star Wars em 2022. No semestre inicial, a saga apresentada pela franquia no streaming foi a de Obi-Wan Kenobi, com o protagonista homônimo interpretado por Ewan McGregor. Já em setembro será a vez de Andor, cujo personagem principal será novamente protagonizado por Diego Luna. A coincidência entre ambas produções é que todas trazem a história de uma figura com passagem em histórias anteriores.

Obi-Wan Kenobi teve sua primeira aparição em 1977, em Uma Nova Esperança, e possui relação ainda mais identificada com o público por conta do tempo. A presença de Cassian Andor é mais recente: chegou em 2016 em Rogue One para fechar uma ponta solta da história, aberta entre os capítulos III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV, filme que deu início à saga. Por fim, no caso de Boba Fett, o caçador de recompensas apareceu pela primeira vez  em 1980, em O Império Contra-Ataca. Na série homônima do vilão, a franquia Star Wars, que obteve extremo sucesso com The Mandalorian (2019), apresenta a volta de Fett (Temuera Morrison). A sua trajetória é feita na cidade arenosa de Tatooine, trazendo à tona peças conhecidas, como o palácio de Jabba e também a sua nave, agora com um formato diferente do usual.

Na primeira aparição de Boba nos filmes, ele trabalhou para Jabba The Hutt, inclusive participando no sequestro de Han Solo e Leia. Em The Book of Boba Fett, porém, o personagem chega ao local com novos propósitos e uma trajetória de pacificidade bastante longa. Dividida em sete episódios, a obra entrega ao público as devidas explicações sobre como o agora piedoso vilão sobreviveu às ameaças enfrentadas no poço de Sarlacc e outras das suas aventuras. O retorno, no entanto, se deu na segunda temporada de The Mandalorian. Na ocasião, Boba buscava por outra peça chave de sua história: seu traje

Apesar disso, a série que carrega o nome daquele que deveria ser o personagem principal acaba escorregando entre flashbacks e misturas com a trajetória do que viveu o mandaloriano. A produção anterior, que se tornou um fenômeno, anda mais perto do que deveria. Embora não haja um grande brilhantismo individual, O Livro de Boba Fett possui lampejos de boas produções. Por definição, é uma série com a essência Star Wars, porém comum.

A essência de The Book of Boba Fett pode ser traduzida nas indicações ao Emmy que a série recebeu. Das surpreendentes quatro categorias indicadas, todas em aspectos técnicos, inicialmente vale o destaque para Melhor Coordenação de Acrobacias em Série de Drama, Limitada ou Antologia ou Telefilme, para JJ Dashnaw, e também para Melhores Efeitos Visuais em uma Temporada ou Telefilme. Nesses dois aspectos, de fato, não há decepções. A produção saiu como a vencedora na categoria que premia os melhores efeitos durante a temporada. Já na primeira, quem levou a melhor foi Stranger Things, recebendo 5 estatuetas no total. No entanto, também vale ressaltar que a série de Boba Fett chegou ao Oscar da TV com vinte indicações a menos que a saga do Mandaloriano – recordista do ano em que participou.

Produzida por Jon Favreau e Dave Filoni, O Livro de Boba Fett não possui um roteiro ruim, porém deixa a desejar na narrativa do próprio vilão. Por conta disso, assim como fazem as premiações, é melhor ressaltar a técnica. Sob o comando de Ludwig Göransson, a trilha sonora é um show à parte. Desde a entrega na música tema e a passagem do capítulo de estreia, Um Estranho Numa Terra Estranha, é possível ter a certeza que esse será um dos pontos altos da série. No Emmy 2022, o capítulo 6, Do Deserto Vem Um Estranho, é quem carregou a indicação como Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama, apesar do prêmio ter ficado com o Disney+, na franquia vizinha. Cavaleiro da Lua, da Marvel Studios, saiu vencedora.

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