Nathália Mendes

Mindhunter te faz um convite: sente-se à mesa com os protagonistas da série para entrevistar uma lista de criminosos repulsivos. A década de 70 nos Estados Unidos foi uma máquina de serial killers, mas a onda de horror causada por Ted Bundy, O Filho do Sam e BTK também foi acompanhada pelo fascínio. Da abominação por esses homens, houve a curiosidade e necessidade de entendê-los. O que pensaram para escolher aquela vítima e matar daquela forma? Por que todas as suas ações seguem um padrão meticuloso, específico, premeditado, mas as vítimas são estranhas? A série mostra os pioneiros em fazer essas perguntas cujas respostas são indigestas, na busca por traçar perfis de assassinos – um trabalho da vida real que revolucionou a Unidade de Ciência Comportamental do FBI. E mesmo assim, sem cancelamento ou continuação, a série está há 2 anos no limbo da Netflix.

A maioria das pessoas acha impossível – e abominável – entender a mente de um assassino. “Se entendêssemos as aberrações, seríamos aberrações também” diz Bill Tench (Holt McCallany) para Holden Ford (Jonathan Groff) no primeiro episódio da série. Mas Mindhunter dispôs sua narrativa propositalmente de forma incômoda: ela quer que você se sinta provocado a compreender um serial killer e faz isso através de uma realidade impecável, da montagem à trilha sonora. Nessa estrutura, você é obrigado a emergir entre quatro grades de uma cela, cara a cara com personagens fiéis ao máximo aos assassinos na vida real, e assumindo a mesma função emblemática de um jovem John Douglas no FBI, movido pela ânsia de estudar a face mais vil que um ser humano pode ter.

Desde sua primeira temporada, Mindhunter montou uma obra de arte sobre a complexidade da mente ao criar um panorama entre a vida de seus personagens e as entrevistas com os serial killers, tendo como ponto central a forma como o pensamento subjetivo provoca comportamentos. Os agentes Bill e Holden foram inspirados no trabalho desafiador que Robert Ressler e John E. Douglas, respectivamente, tiveram em dar lógica para uma violência irracional na vida real. Através das entrevistas, eles foram capazes de catalogar perfis de criminosos para ajudar investigações futuras a identificar e encontrar um assassino em série. Tudo isso é contado em Mindhunter, mas o aspecto mais importante é a motivação que levou ambos e Ann Burguess – representada pela personagem de Dra. Wendy Carr (Anna Torv) – a ouvirem a narração das agressões cotidianamente: o magnetismo por uma violência além da imaginação. E como um ímã, a Arte sente atração em investigar o que é desconhecido.

Entender a mente de um psicopata é algo semelhante a montar um quebra-cabeças em que as peças só se encaixam pela dedução, pois uma mente tão perturbada não funciona além do efeito causa e consequência. Mas o produtor executivo de Mindhunter, David Fincher, já provou a sua aptidão e gosto pelo gênero, no mesmo caminho de Douglas. Em Se7en e Zodíaco, a perspectiva de Fincher mostra o controle que um serial killer tem sobre a situação, incluindo a força policial, mas é em Mindhunter que a característica é explicada de cabo a rabo, e pela versão do próprio assassino ao explicar seus comportamentos após uma história de trauma e violência. 

Por isso, a série deixa de mostrar coisas propositalmente – como as cenas dos crimes em si -, optando por manter-se até o final dando ao público a função de enxergar os crimes mais famosos da história através da narração de seus autores.  E isso é brilhantemente surrealista. Como se o cordeiro tentasse vestir a pele do lobo, o público deve se imaginar com os olhos de Charles Manson enquanto ele fala sobre a liderança de sua seita assassina, explicando algo que aparentemente não entende sobre si próprio. A entrevista com Manson acontece durante a segunda temporada de Mindhunter e é um jogo de roteiro complexo e cortes rápidos de edição, ambos elementos que dão fluidez e uma perspectiva realista para a cena.

Um raciocínio narcisista ao extremo faz parte da característica de um bom psicopata, e a carta na manga de Fincher é evidenciar o crescimento do mesmo traço de personalidade nos agentes que os estudam – e talvez, por querer, no público. O fato é que não há resposta para o debate “homens são naturalmente maus ou se tornam maus?”, então Mindhunter criou o contraste dos assassinos com seu personagem principal para perpetuar o questionamento. Holden é um nerd impecável que tem as camadas de sua personalidade descascadas como cebolas ao longo de sua trajetória com Bill pelos Estados Unidos. A posição que o agente toma diante de suas descobertas é uma mistura de ansiedade e egocentrismo, pois ele tem certeza absoluta de que seu papel é imprescindível para o FBI. Essa característica aparece principalmente nos métodos diferentes que Holden apresenta durante as entrevistas: a curiosidade, a proximidade facilmente adquirida, e, a mais repugnante de todas, o raciocínio em se colocar, com um conjunto de ações, no mesmo plano que os assassinos – ou melhor, em que como cordeirinho, veste a roupa de lobo.

O narcisismo de Holden aflora definitivamente na segunda temporada quando a pesquisa comportamental avança, inclusive ganhando um chefe novo que apoia o trabalho fervorosamente. Mas ainda que o agente seja o cerne do progresso, é impossível não associar a gradação de suas ações autoconfiantes com a sua proximidade ao frio e seguro Ed Kemper, o principal – e mais falante – assassino da 1ª temporada. O desempenho de Cameron Britton na pele do serial killer Edmund Kemper foi tão exuberante que o rendeu uma entre as 2 indicações ao Emmy que Mindhunter teve. Lembrando o personagem de Will Graham (Hugh Dancy) e sua conflitante afinidade com o canibal mais famoso do Cinema, Hannibal Lecter (Mads Mikkelsen), Holden começa a assumir parte de um orgulho compulsivo sobre seu trabalho, algo que mais ressalta sua ingenuidade com o mundo de fora do que de fato prova sua perspicácia.

Desde o início, Mindhunter força a aproximação com a história do mundo real, mesmo que muitos elementos da série sejam apenas ficção, mas isso foi feito de caso pensado para proporcionar uma imersão completa do público como Holden Ford. A curiosidade é aguçada logo de início, e junto com o protagonista, o espectador dá seus passos curtos por um fascínio culposo. O elenco de serial killers assustadoramente fiéis em aparência e trejeitos, um enredo afiado, e a atmosfera densa e amarelada que um bom suspense possui compõem a obra necessária para que ao assistir Mindhunter haja um querer insaciável em entender o incompreensível. No final, o limbo em que a série se encontra causa um tímido alívio por frear o questionamento que cada um assume sobre seus comportamentos.

O post Mindhunter exterioriza os monstros que vivem dentro de nós apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

O termo que significa um estado transcendental de alegria é usado para nomear uma obra que existe no nível mais profundo das dores de uma juventude autodestrutiva para nos avisar sobre algo: desde seu início, aclamado e conturbado lá em 2019, Euphoria não quer saber de nada além do radical ao construir seu caminho na companhia de jovens que lidam com muitas, muitas, mas muitas questões. A máxima se consolidou ao fim visceral daqueles 8 primeiros episódios que colocaram o drama adolescente da HBO numa evidência maior que qualquer nicho. Ali, nossas protagonistas, responsáveis por engatilhar o desenrolar dos arcos da narrativa e toda sinceridade e todos problemas que os acompanham, se encontravam num lugar perfeito de completa ausência de resolução.

A complexidade que o diretor e roteirista Sam Levinson criou ao fim do primeiro ano de Euphoria só seria compreendida mais tarde, quando os ganchos de 2019 ameaçavam se perder no meio da fenda temporal aberta pela pandemia de covid-19. Então, o criador correu para os transformar em dois episódios especiais, dedicados exclusivamente ao centro da história – Rue (Zendaya) e Jules (Hunter Schafer) -, e quando Part 1: Rue foi ao ar em dezembro de 2020, o poder da narrativa se mostraria ainda maior. Sob o título de Trouble Don’t Last Always, aconteceu o primeiro contato da produção com o mundo depois de sua estreia, e também o primeiro encontro do apreciador da série com a profundidade emocional daquela que foi o fio narrativo de tudo o que Euphoria nos apresentou.

Era, então, o momento de prestar atenção na individualidade de Rue, antes de seguir as tramas de uma história que se propõe a retratar a juventude de forma radical. E quando encontramos a personagem em Part 1: Rue, topamos com uma sobrevivente do final tempestuoso do primeiro ano de Euphoria. Abandonada por Jules, enfurecida com todos, vulnerável como nunca e machucada como sempre, a personagem é vencida pelo seu vício em drogas e tem uma recaída. A única ajuda que a teimosia envergonhada de Rue aceita é a de Ali (Colman Domingo), meio amigo e meio mentor, que estabelece uma conexão com ela no grupo de Narcóticos Anônimos. Dramático e radical o suficiente? Não para Sam Levinson, que finaliza a premissa do episódio com os dois solitários em plena véspera de Natal numa lanchonete qualquer da cidade.

O encontro desencadeia uma longa e profunda conversa que toma os 60 minutos do episódio. Adentrando a profundidade psicológica de Rue, muitas questões surgem, e a sabedoria de Ali, que já vive longe do vício há sete anos, sabe identificar todas elas, sem se preocupar em solucioná-las. O foco ali é o desabafo da personagem, e a realização da oportunidade que ela precisava para revelar seus sentimentos complexos e delicados, depois do sufocante último episódio da primeira temporada.

Esse efeito é curioso, já que a história não escapa um segundo de sua perspectiva. Rue é a narradora absoluta – mas não totalmente confiável – de todos os eventos da série, e justamente por isso, é difícil adentrar sua intimidade debaixo de toda aquela energia caótica, como batiza o próprio Ali. Mas entre as digressões de Part 1: Rue, a personagem finalmente tem a permissão de viver intensamente suas oscilações emocionais, sentir o medo que ela esconde ter de si mesma, e tentar compreender sua relação com Jules, ao mesmo tempo em que revela mais de sua própria personalidade longe de tudo o que acompanha o núcleo de Euphoria.

Os méritos da Melhor Atriz em Drama do Emmy 2020 na personagem que a fez fazer história são sempre louváveis, mas o que se destaca aqui também é, mais uma vez, o trabalho de Sam Levinson. Encarando uma base em suas experiências pessoais, o texto de Trouble Don’t Last Always se preocupa de forma quase científica com os diálogos. Tão naturalmente prolixo e propositalmente direcionado, o roteiro do episódio faz Rue e Ali pensarem sobre a vida, sobre a morte, sobre o espiritual e sobre o mundano. E em algum momento da conversa, a situação da jovem diante do mundo toca no tópico indissociável porém ainda ausente na história radical de Euphoria: revolução.

A palavra surge na conversa quando o emocional de Rue mostra suas faces mais sombrias. Ela revela sentir-se culpada pela sua própria condição, pelo que trouxe à sua família – a mãe (Nika King) e a irmã mais nova Gia (Storm Reid) -, e pelos conflitos com Jules, fazendo nascer na adolescente um sentimento de desistência e conformidade. Como alguém que já pensou sobre aqueles dilemas muitas vezes nos momentos difíceis do vício, Rue é sutilmente impaciente, mas também levemente desesperada por novas possibilidades, e ao mesmo tempo, amargamente desesperançosa. Diante da confusão sentimental de Part 1: Rue, Ali, muito provavelmente o maior revolucionário de Euphoria, responde às constatações de Rue.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

– Mas eu não estava drogada.

– As drogas mudam a pessoa que você é.

É a partir daí então que o episódio mostra de vez quem realmente é Rue e qual é a sua real situação. Em meio aos sentimentos da jovem perante ao mundo, Trouble Don’t Last Always faz isso através de Ali, que percebe a complexidade da situação e identifica os efeitos da chamada “doença do vício” na sua perspectiva de vida. Mas na história de Sam Levinson, não existem moralismos nem conclusões rasas. Ainda nas palavras de Ali, existe uma crítica direta ao imediatismo das revoluções, em meio às referências a Malcolm X e Martin Luther King que o mentor prega para a adolescente. Part 1: Rue aponta para a raiz do problema, e ainda que não exista uma solução, podemos imaginar uma transformação.

Mas antes de adentrar o espaço da Revolução de Rue, o Episódio Especial de Euphoria imagina como as coisas teriam sido se o final daquela primeira temporada fosse diferente. E se Rue e Jules seguissem seu plano de fuga e construíssem uma nova vida juntas? A primeira cena responde, naquela identidade teatral magnífica, junto das cores quentes que se tomam o lugar dos tons frios à medida em que o amor de Rue por Jules preenche o ambiente. Mas não demora muito pro sonho se perder na realidade, e quando a paixão já se diluiu no ressentimento, na culpa, tristeza e dor, o visual, elemento tão fundamental de Euphoria, materializa o temperamento da personagem principal.

É exatamente quando Rue volta ao uso de drogas que aquela essência etérea do romance e do sonho que ela vive com Jules se transforma num cenário obscuro, soturno, inóspito e repelente, mas curiosamente e fidedignamente, nunca incômodo. E então, num movimento rápido da câmera de Marcell Rév que colocou Trouble Don’t Last Always no Emmy 2021, estamos naquele momento que vai mudar muita coisa que ela pensa sobre si mesma, sobre o mundo e sobre os outros. E assim também é a Revolução de Rue em nós.

Mesmo sozinha e despedaçada, Rue ainda pulsa o desejo latente de ver as coisas sendo diferentes. Ela tenta descobrir o que fazer com isso, enquanto sente a dor dos que sabem que o mundo é um lugar terrível e percebem que todos parecem aceitar isso bem demais. Rue não quer ser parte disso. Rue não quer sequer presenciar isso. Então, a obra, que já revolucionou com a sinceridade, intensidade e profundidade com que trata seus temas, usa Part 1: Rue para revolucionar sua protagonista do jeito que pode. No caos emocional de Rue, existe um conselho ousado: Problemas não duram para sempre, é a mensagem central da voz agridoce de Euphoria naqueles 60 minutos.

No meio deles, a protagonista da trama desabafa sobre sua vontade de apenas desistir e o desconforto que sente vivendo no mundo que vive. Ali vai desejar um feliz Natal para as filhas pelo telefone, enquanto Rue lê uma mensagem de Jules, que diz que sente saudades junto de uma música. A canção que marca o Episódio Especial de uma produção que leva cada aspecto tão a sério não poderia ficar de fora dos sentidos criados dentro dele. E ao som de Me In 20 Years, a radicalidade de Euphoria aponta que a maior transformação de Rue é encontrar uma forma viver.

O post O Radical de Euphoria e a Revolução de Rue apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

A pandemia de coronavírus, que paralisou gravações e embaralhou a janela de lançamentos no cinema, não foi páreo para o Emmy 2020. A 72ª edição da cerimônia que premia o melhor do ‘horário nobre’ da TV vai acontecer virtualmente. Com apresentação de Jimmy Kimmel, os atores, atrizes, diretores e roteiristas participarão da festa à distância, dando seus discursos e agradecimentos do conforto de casa.

Num ano tão conturbado política e socialmente, com as pessoas presas no isolamento social, a TV foi mais importante que nunca. Além, é claro, de entreter sua audiência, as produções que disputam a estatueta dourada têm muito a dizer. E, enquanto o Oscar estipula regras e diretrizes para a inclusão de diversidade, o Emmy 2020 estabeleceu um recorde de artistas negros indicados. Fator que reafirma a maior receptibilidade da TV para com histórias ímpares e das ditas minorias. Tudo está longe do ideal, nem precisamos dizer, mas o futuro parece promissor.

É interessante de sublinhar que a cerimônia do Emmy que acontece no domingo, 20 de setembro, representa apenas uma parcela dos prêmios entregues. Existe, também, o chamado Emmy Criativo (Creative Arts Emmys), que dá atenção às categorias técnicas, como figurino, direção de arte e direção de elenco. Excepcionalmente, por conta da pandemia, o Creative Arts aconteceu ao longo da semana, e os indicados todos gravaram com antecedência discursos de agradecimento. Num ano comum e livre do coronavírus, a premiação secundária acontece na semana anterior à principal, mas não é televisionada. Além das técnicas, o Creative premia as categorias de Atuação Convidadas.

A Editoria do Persona se reuniu para criar essa postagem especial e inédita, reunindo numa lista o resumo das principais indicadas da noite. Contando com informações suculentas das séries, minisséries e telefilmes, mas com a qualidade clássica do site. Aliás, as obras com textos individuais estão assinaladas com os devidos links.

Agora só nos resta esperar a cerimônia começar e, enquanto isso, relembrar tudo do Emmy 2020 junto com o Persona.

DRAMA

The Handmaid’s Tale

O prestígio de The Handmaid’s Tale foi diluindo com o passar das temporadas. Para a série que foi coroada Melhor Drama na folga de Game of Thrones, em 2017, a produção do Hulu enfrenta um período de vacas magras. É certo que a indicação à categoria principal do Emmy 2020 denota um carinho da Academia pelo Conto da Aia, mas de migalhas que vivam os pombos.

Sem sua protagonista Elisabeth Moss nomeada, a série arrecadou 10 indicações esse ano. Em atuação se destacam as antigas vencedoras Samira Willey (Coadjuvante) e Alexis Bledel (Convidada). O queridinho Bradley Whitford, que ganhou como Guest em 2019, agora passou para a categoria de coadjuvante. A terceira temporada de The Handmaid’s Tale foi um sofrimento que só, principalmente para quem assistiu os tediosos 13 capítulos, aguardando a história finalmente começar. A espera é que o novo ano, previsto para 2021, dê um choque na trama, ou a mate de vez. – Vitor Evangelista

Stranger Things

Muito provavelmente a série mais querida e de maior audiência da Netflix, Stranger Things atrai todos os públicos, sempre movimenta a plataforma de streaming e faz barulho nas redes sociais. Neste terceiro ano, acompanhamos as crianças de Hawkins entrando na adolescência durante as férias de verão, num cenário leve e divertido que rapidamente se transforma quando as ameaças do Mundo Invertido se manifestam. Sem muita força de narrativa, a temporada foi morna e ocupou o lugar de outras de maior qualidade nesta edição do Emmy.

Entretanto, o encerramento deixou pretextos para a série ir além da cidadezinha do interior, graças aos seus problemas que se revelam cada vez maiores e mais complexos. Assim, o futuro de Stranger Things é ambicioso e as expectativas para os próximos anos são altas. Se a produção dos irmãos Duffer vai continuar captando o interesse e o engajamento do público, somente a 4ª temporada (com previsão de lançamento para o ano que vem) dirá. Enquanto isso, podemos relembrar a temporada que, de forma controversa, levou a série a competir pelo título de Melhor Drama no Emmy 2020, aqui. – Raquel Dutra

Ozark

Com o fim de Dark, Ozark é facilmente a melhor série da Netflix. Cheia de manejo e pompa, a terceira temporada foi o ápice de tudo, pelo menos até agora. Empatada com a favorita Succession, alcançando 18 indicações, Ozark germina sua jornada para uma merecida vitória num futuro não tão distante. Em 2020, o lobby da HBO pode anestesiar a série de Jason Bateman, mas a renovação do novelão para uma quarta e última temporada muito favorece Ozark.

Bateman, que ganhou um prêmio de Direção ano passado, comemorou sua terceira indicação seguida por interpretar Marty Byrde. Sua esposa em tela, Laura Linney, é uma das favoritas para levar para casa o Emmy de Atriz. A atual vencedora da categoria coadjuvante, Julia Garner, acumula um momentum perfeito para ganhar novamente. Não perca seu tempo e assista Ozark enquanto ainda não acabou, ou pelo menos, leia o texto completo sobre a brilhante 3ª temporada aqui. – Vitor Evangelista

Pose

Em um ano que completa 30 anos do lançamento de Paris is Burning, icônico documentário que retrata a vivência de gays e mulheres trans nos balls nova-iorquinos dos anos 90, Pose é ainda mais relevante. Mas não para os votantes do Emmy 2020. A série de Ryan Murphy foi esnobada, mesmo entregando uma segunda temporada impecável em todos os sentidos, recebendo uma única indicação principal (mas merecida) para Billy Porter, vencedor do ano passado.

As outras estrelas e grandes nomes do show, como MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson e Angelica Ross, foram completamente ignoradas nas categorias de atuação, e Pose também ficou sem indicação para Melhor Série de Drama. No seu lugar, entraram temporadas mixurucas, como Killing Eve e Stranger Things, mostrando que a trama sempre esteve certa: o mundo continua extremamente injusto para mulheres trans. Você pode ler mais sobre essa série essencial aqui. – Jho Brunhara

Better Call Saul

O spin-off de Breaking Bad sempre foi adorado, mas nunca recebeu um Emmy para chamar de seu. Esse ano, chegando na 5ª e penúltima temporada, a série da AMC se surpreendeu, mas de um jeito ruim.

A ausência de Rhea Seehorn em Atriz Coadjuvante já era esperada, ela ainda espera sua indicação inédita pelo papel. Todavia, a lista de Melhor Ator sem Bob Odenkirk soou quase ofensiva para o mundo da TV. Giancarlo Esposito foi o único sobrevivente do massacre, competindo em Ator Coadjuvante. Fora isso, Better Call Saul conseguiu 2 nomeações para Roteiro e uma vaga na maior categoria da noite, mesmo que a vitória esteja longe de se tornar real. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

Euphoria

A primeira temporada de Euphoria foi como um presente da HBO para seu público. Mas vale lembrar que a série vai além de maquiagens bonitas e luzes coloridas. Comandada por Sam Levinson, o drama trata de assuntos corriqueiros de séries adolescentes, como álcool, drogas e sexo. Só que no caso de Euphoria, tudo ganha mais crédito ao ser demonstrado de uma forma diferente cheia de efeitos e técnica impecáveis.

Com isso, a série foi a mais indicada nas categorias do Creatives e chegou a receber o Emmy de Melhor Música e Letra Original por All For Us, para o cantor Labrinth. Com grande surpresa, Zendaya, que interpreta a protagonista Rue, está concorrendo ao prêmio de Melhor Atriz em Série de Drama junto com Jennifer Aniston e Olivia Colman. Para saber mais sobre a história da série é só clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

The Crown

The Crown parece ajustar cada vez mais suas peças no tabuleiro de xadrez da Realeza Britânica. De caras novas pela troca de elenco, a série da Netflix cria capítulos-ensaios na terceira temporada, evoluindo suas melhores proezas. Olivia Colman abraça as mágoas da Rainha Elizabeth e faz jus ao premiado trabalho de Claire Foy. Mas o foco agora deve ir todo para a hipnotizante Helena Bonham Carter.

Deslizando com facilidade para a pele da rancorosa Princesa Margaret, a atriz pode finalmente ter um Emmy para chamar de seu. A série de Peter Morgan mantém o status de prestígio, mas se viu acuada quando não ouviu o nome de Tobias Menzies (o Duque de Edimburgo) nem o de Josh O’Connor (o Príncipe Charles) no dia do anúncio das indicações. Mas, tudo bem, acontece, e a quarta temporada chega em novembro para um vislumbre final de Colman e compania em palácios reais. Você pode ler mais sobre o ano 3 clicando aqui. – Vitor Evangelista

The Outsider

A primeira temporada de The Outsider balançou as investigações policiais no mundo sobrenatural. O suspense da HBO, baseado na obra de Stephen King, é responsável por momentos de arrepiar até o último fio do cabelo envolvendo roubos de identidade, assassinato de criancinhas e incriminação de inocentes.

Infelizmente, apenas Jason Bateman foi indicado ao Emmy 2020 por seu papel no primeiro episódio da série, mas, lendo aqui, você pode entender como grandes atuações foram injustiçadas na nova e aterrorizante série do Mestre do Terror. – Caroline Campos

Killing Eve

A terceira temporada de Killing Eve mostrou o que todos nós já sabíamos: os showrunners não tem a menor ideia do que fazer com a série. Em seu terceiro ano, a dupla de inimigas-para-amantes continua seu jogo de gato e rato, mas, enquanto Villanelle surta sobre seus objetivos de vida, Eve é jogada para o canto da sala de roteiros e recebe pouco destaque. E coitada de Sandra Oh, que esbanja talento mesmo nas eternas voltas que é forçada a dar.

Aliás, a atuação é o único pilar que ainda sustenta o show (além das belíssimas roupas de Villanelle), e foi responsável por três das quatro principais indicações ao Emmy 2020. Sandra e Jodie Comer (vencedora do ano passado) disputam Melhor Atriz em Drama, e Fiona Shaw concorre em Atriz Coadjuvante. O que é absurdo aqui, é uma temporada meia-boca roubando a vaga de títulos mais importantes em Melhor Série de Drama, como a maravilhosa Pose. Killing Eve está sangrando muito e, se seu quarto ano não for seu fim, tenho más notícias: vamos ver uma morte muito mais lenta e trágica do que os assassinatos cometidos pela vilã. – Jho Brunhara

How To Get Away With Murder

A sexta temporada de How To Get Away With Murder é desastrosa. Com um roteiro completamente mal pensado, a série dá diversas voltas sobre a mesma história, e tenta a todo custo resgatar o tom de suspense que a fez ser tão aclamada em sua origem. De quebra, os personagens do núcleo principal tomam atitudes contraditórias a cada segundo, e conseguem perder todo o seu carisma, se é que eles já tiveram algum.

Em meio a esse show de horrores, Viola Davis continua impecável na pele de Annalise Keating, fazendo jus ao Emmy de Melhor Atriz que conquistou em 2015, pelo primeiro ano da série. Infelizmente, não foi o suficiente para ganhar uma indicação na premiação deste ano. Por outro lado, a incrível Cicely Tyson, mãe de Davis na ficção, foi, mais uma vez, nomeada na categoria de Atriz Convidada em uma Série de Drama, e era uma das grandes apostas a levar a estatueta. – Vitória Silva

Orange is the New Black

A silenciosa sétima e última temporada de Orange is the New Black estreou em 2019 e Laverne Cox angariou a indicação solitária para a produção ao Emmy 2020. Pelo papel da ex-detenta Sophia Burset, Cox foi nomeada quatro vezes ao prêmio máximo da TV, mas nunca ouviu seu nome chamado ao palco.

Esse ano, no anúncio dos indicados, a atriz era uma das apresentadoras e foi surpreendida ao vivo com a notícia de sua indicação na categoria de Atriz Convidada em Drama. Era esperado que Laverne não vencesse, tanto pelo desprestígio que Orange sofre há alguns anos, quanto pelo buzz de séries mais recentes, como Succession. Todavia, sua lembrança por Sophia é um prêmio por si só, mas como seria bom vê-la premiada. Nos resta sonhar e, enquanto isso, ler mais sobre o emocionante desfecho do seriado aqui. – Vitor Evangelista

The Mandalorian

Quase ninguém previu a indicação de The Mandalorian na categoria principal do Emmy 2020. O histórico da premiação escancara o desamor por produções mais ‘sci-fi’, além de ser de uma plataforma nova, o Disney+, e figurar um protagonista que não mostra o rosto. A primeira série live-action de Star Wars transformou as fraquezas em armadura e clamou 15 nomeações.

Além do banho que deu nas categorias do Creative Emmy (os prêmios técnicos), a produção indicou Giancarlo Esposito à Melhor Ator Convidado numa Série de Drama. Acostumado a interpretar vilões, na galáxia muito, muito distante não seria diferente, na pele de Moff Gideon. Esposito chega prestigiado ao Emmy 2020, nomeado também na categoria de Ator Coadjuvante, por Better Call Saul. O texto completo sobre The Mandalorian pode ser lido aqui. – Vitor Evangelista

Succession

Succession venceu em 2019 a importante categoria de Roteiro em Drama. Num momento onde os votantes ainda estavam intoxicados pela fumaça dos dragões de Daenerys, a série de Jessie Armstrong já mostrou que não estava para brincadeira.

Em 2020, competindo pelo ano 2, a série empata com Ozark como Drama mais indicado: foram 18 nomeações. Com quase todo o elenco carimbando as categorias de atuação, além de acenos em Direção e Roteiro, Succession é a franca favorita ao troféu mais importante da noite. Quem sabe agora, com o burburinho do Emmy, o público finalmente dê atenção a essa preciosidade do horário nobre. – Vitor Evangelista

The Morning Show

Acumulando 8 indicações ao Emmy no seu primeiro ano, The Morning Show traz as problematizações de um programa matinal estadunidense após polêmicas envolvendo um dos âncoras. A produção do streaming da Apple consegue mostrar uma Jennifer Aniston diferente da que se conhece em Friends, aqui vemos uma mulher poderosa e ambiciosa, mas também com problemas profundos e uma vida complicada. Essa atuação rendeu a indicação de Aniston ao Emmy de Melhor Atriz em Série Dramática. 

A série também concorre em Melhor Ator com Steve Carell como Mitch Kessler e duas indicações na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, com Billy Crudup favorito à estatueta. Mesmo que tenha sido uma temporada bagunçada e com alguns episódio bem tediosos, o final conseguiu chocar qualquer um, prometendo uma segunda temporada do mesmo nível. Se você quer descobrir como abuso de poder e outros assuntos foram retratados nessa série, pode clicar aqui. – Ana Beatriz Diogo Rodrigues

Westworld

Prometendo se livrar da amarras dos parques temáticos, o novo ano de Westworld desapontou semana após semana. Os longos oito capítulos pareceram durar mais e, ao fim da 3ª temporada, a sensação era de potencial desperdiçado e fogo de palha do material promocional e das promessas dos criadores Lisa Joy e Jonathan Nolan.

A Academia de TV fez certo ao desprezar a nova leva de episódios. Apenas Jeffrey Wright e Thandie Newton competem, ambos nas categorias de Coadjuvante. Newton, aliás, venceu em 2018, pelo deslumbrante segundo ano. Em 2020, a megaprodução futurista da HBO foi ofuscada, e deve acordar na segunda-feira sem prêmio nenhum chegando pelo correio. Leia mais detalhes sobre Westworld 3 nesse link. – Vitor Evangelista

Big Little Lies

Big Little Lies é um caso e tanto. A primeira temporada foi o fenômeno de 2017, fazendo a limpa na categoria de Série Limitada em toda premiação que concorreu. Baseada no livro de Liane Moriarty, a produção esgotou o material fonte e, depois do sucesso, resolveu encomendar outra leva de capítulos.

Passando para a categoria de Drama, o ano 2 teve uma recepção mais apática que o esperado. A entrada de Meryl Streep no elenco esquentou o dramalhão já fervoroso de antes, e o arco de Laura Dern fez valer a renovação. No Emmy 2020, apenas as duas marcam presença nas indicações. Uma vitória é improvável, tanto pela divisão de votos, quanto pelo balde de água fria que Big Little Lies despejou na cabeça do público. Você pode ler mais sobre a série aqui. – Vitor Evangelista

This Is Us

Nenhuma série consegue retratar as dores e as delícias da vida com a sensibilidade e beleza de This Is Us. Depois de três anos emocionando, construindo laços com sua audiência através de roteiros deliciosos e muito bem pensados e marcando presença entre as categorias principais do Emmy, a produção da NBC já cansou de provar sua qualidade. E ainda bem, porque, assim os danos provocados pela queda de nível que a série apresentou em sua quarta temporada não são tão graves.

E isso não foi só o público que notou. A Academia Televisiva também não gostou muito do que foi apresentado no último ano e castigou a trama, mantendo-a apenas na categoria de Melhor Ator com o brilhante Sterling K. Brown, que também foi indicado nos últimos três anos e venceu o prêmio em 2017. A genialidade do ator é tamanha que ele muda da água para o vinho e também é indicado, como aconteceu este ano pelo seu trabalho como coadjuvante na comédia The Marvelous Mrs. Maisel. Entretanto, sua parceira no Drama, Susan Kelechi Watson, permanece sendo esnobada e até hoje não foi reconhecida pela sua incrível e amada Beth Pearson na categoria de Melhor Coadjuvante. Ron Cephas Jones venceu em Convidado em Drama, pela segunda vez. Enquanto torcemos pelo nosso Randall e esperamos por dias melhores ao lado da família Pearson, podemos relembrar os anos anteriores de This Is Us e os pontos altos da quarta temporada aqui. – Raquel Dutra

Black Mirror

Black Mirror não vive de padrões. As ótimas primeiras temporadas (originais do Channel 4) foram ofuscadas pela compra da Netflix, que comanda a minissérie a partir dali. Depois de vencer a categoria de Filme para a TV 3 anos seguidos, a criação de Charlie Brooker levou uma rasteira da Academia de Televisão.

As vitórias de San Junipero, USS Callister e Bandersnatch criaram um padrão que os votantes não queriam que continuasse. A regra de submissão de telefilme foi mudada, agora sendo necessário uma duração de ao menos 75 minutos, matando qualquer chance de indicar Smithereens com seus 71. Sem ter lugar pra competir, Andrew Scott se enfiou em Convidado de Drama.  Era a chance do Emmy premiar o ator, depois do assalto à mão armada do ano passado, por Fleabag. – Vitor Evangelista

COMÉDIA

Brooklyn Nine-Nine

E mais um ano Brooklyn Nine-Nine é menosprezada pela Academia de TV. A sitcom recebeu uma indicação técnica na categoria Melhor Coordenação de Acrobacias e, pela quarta vez, o destaque fica com Andre Braugher, indicado a Melhor Ator Coadjuvante de Comédia por sua performance como Raymond Holt. 

Brooklyn Nine-Nine prepara a próxima temporada no momento em que a violência policial é pauta dos protestos antirracistas nos EUA. O próprio intérprete do Capitão Holt (policial negro e gay) acredita que a série deva adotar um tom ainda mais crítico e menos fantasioso acerca dessa instituição polêmica. O personagem de Braugher se destacou nas últimas temporadas pelo seu lado mais cômico e descontraído, mas o ator concorre com outros nomes de destaque como Daniel Levy (Schitt’s Creek) e o vencedor de 2019 Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel). Confira a crítica completa do 7º ano aqui. – Maria Carolina Gonzalez

The Marvelous Mrs. Maisel

Comandada pela incrível Amy Sherman-Palladino (Gilmore Girls), The Marvelous Mrs. Maisel é cativante desde a primeira cena exibida lá em 2017. A terceira temporada, que estreou ano passado, ainda conquista e estabelece a série como uma das melhores comédias atuais. Além dos diálogos, rápidos e impressionantes, e a construção impecável dos anos 60, a terceira temporada contou com participações que roubam a cena em muitos momentos.

Já veterana do Emmy em anos anteriores, The Marvelous Mrs. Maisel continua uma forte candidata na premiação. Como uma das favoritas da premiação, a série está presente em vinte categorias. Entre elas constam: Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz, na qual Rachel Brosnahan, interpretando a carismática Midge, merece ganhar por cada piada contada. As atuações brilhantes e o roteiro ágil ainda são discutidos aqui. – Isabella Siqueira 

Insecure

Insecure é a joia rara do catálogo da HBO. Além de ostentar a melhor trilha sonora da TV, a comédia é genial nas tramas, abordagens e no discurso que passa ao público. Issa Rae é a estrela do momento e todo seu ecossistema da produção tem todo o espaço para crescer e ser aclamado.

Se você gosta de SZA, de Chloe x Halle e de série boa, assista Insecure. Já morri de amores nesse texto e, se depois de ler, você não estiver convencido a dar uma chance à série, eu não sei mais o que fazer. – Vitor Evangelista

O Método Kominsky

Com apenas duas temporadas, O Método Kominsky já é uma figura garantida nas premiações. A célebre dramédia, que tem Michael Douglas e Alan Arkin como protagonistas, se revigora nesse novo ano trazendo arcos dramáticos mais bem construídos e desenvolvidos. Sem a necessidade de apresentar as características que moldam as personagens, o roteiro se dedica cada vez mais às preocupações e vivências da senilidade.

Fugindo do formato comumente adotado pelo criador Chuck Lorre – de The Big Bang Theory – a série, que acumula 3 indicações, se aventura pelos conflitos da paternidade e da velhice de forma mais trágica do que havíamos acompanhando anteriormente. Mantendo o padrão de qualidade e de comédia que nos cativou, o segundo ano de O Método Kominsky se apoia no desenvolvimento de relações mais maduras para entregar quase toda a sua potencialidade. Porém, a série insiste em cometer o erro da temporada passada e não aproveita tudo o que poderia de seus coadjuvantes. Você pode conferir a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Modern Love

O amor tem muitas faces. Em Modern Love, exploramos algumas delas em histórias sensíveis, frustrantes, inesperadas, acolhedoras, e até meio bizarras – tudo o que o amor pode ser. Com grandes nomes da atuação, a série da Amazon foi inspirada em histórias verdadeiras retiradas de uma coluna do jornal The New York Times. A qualidade das histórias varia de episódio para episódio, mas a obra possui um charme inegável. Dev Patel foi indicado ao Emmy 2020 pelo seu papel no segundo relato, uma escolha mais que certa, de um desenvolvedor de um aplicativo de relacionamentos que perdeu o seu próprio.

Entretanto, teríamos ficado ainda mais satisfeitos se Anne Hathaway, com seu papel delicado e emocionante como uma mulher com bipolaridade, tivesse conquistado uma indicação. A atriz está estonteante, mesmo no pouco tempo de tela que o episódio permite. A série é um retrato encantador sobre o amor em suas diferentes formas, com idas e vindas, recomeços e aceitações. Para quem quer esquentar o coração das dores da pandemia, Modern Love é uma boa pedida. – Caroline Campos

Disque Amiga para Matar

Disque Amiga Para Matar foi uma singela tentativa da Netflix que deu certo. Com a tímida indicação de Applegate pelo ano 1, agora em 2020 a produção abocanhou vagas para suas protagonistas e entrou na corrida de Melhor Comédia.

Divertida, incômoda às vezes, mas cheia de garra e paixão, Dead To Me (o título original) já anunciou uma terceira e última temporada para o futuro próximo. Pode ser que passe batida pelo Emmy, mas já ganhou o prestígio que merece em nossos corações. Leia mais sobre a loucura de 20 episódios nesse texto aqui. – Vitor Evangelista

The Good Place

A Netflix é responsável pela distribuição de grandes séries americanas ao redor do mundo, e entre elas está The Good Place. Originalmente exibida pela NBC, a sitcom foi encerrada em sua quarta temporada, fechando um ciclo bem delimitado e pensado em todos os seus detalhes. Tendo como plano de fundo a grande questão filosófica do que acontece quando morremos, a série recria a jornada do herói de maneira astuta e muito divertida.

Em sua quarta temporada, acompanhamos personagens mais maduros e desenvolvidos, entregues a sua verdade e que, consequentemente, dão uma continuidade mais gostosa para a narrativa. Consertando erros dos anos anteriores, o encerramento não perde tempo e usufrui de seus 13 episódios de forma a construir um cuidadoso final para todos os seus arcos, sejam eles primários ou não. Indicada a seis diferentes categorias no Emmy 2020, incluindo Melhor Comédia, você pode ler a crítica completa de The Good Place aqui. – Ana Laura Ferreira

Glow

Glow é uma das séries mais subestimadas do catálogo da Netflix. A falta de divulgação e um certo desprestígio do público auxiliam a solidificar a imagem de uma comédia ‘menor’. O que, em momento algum, é verdadeiro ou justificável.

Betty Gilpin acumula 3 indicações em 3 temporadas e, mesmo que sua vitória em Coadjuvante de Comédia seja improvável, o pequeno amor da Academia pela série pode alavancar sua posição no futuro. Glow está renovada para um quarto e último ano, e você pode ler mais sobre a produção de Jenji Kohan (criadora de OITNB) nesse texto. – Vitor Evangelista

Ramy

Se tem alguém que pode surpreender no Emmy 2020, esse alguém é Ramy Youssef. Criador, roteirista, diretor e estrela de sua semi-autobiografia, Ramy, o astro conseguiu duas nomeações pela segunda temporada. Bom lembrar que Youssef já nos pegou de surpresa quando venceu o Globo de Ouro, no início do ano, pela estreia dessa comédia do Hulu em parceria com a A24.

Na temporada 2, ele contracena com o suprassumo do cinema, Mahershala Ali, que interpreta a figura religiosa que guia o desastrado e desatencioso Ramy pela vida adulta. A série une religião e liberdade e, mesmo que nunca pareça mergulhar à fundo nos temas que apresenta, é uma boa porta de entrada para discussões futuras. Ali escolheu o episódio Little Omar para representá-lo em Ator Coadjuvante e Ramy submeteu na categoria principal a finale, Are You Naked in Front of Your Sheikh, além de ter sido indicado por dirigir Miakhalifa.mov. Não estranhe se o jovem talento vencer um dos troféus que concorre. – Vitor Evangelista

What We Do in the Shadows

A volta dos excêntricos e bizarros vampiros de Staten Island rendeu oito indicações ao Emmy 2020 – batendo de frente com grandes nomes da Netflix, NBC e HBO. Uma das comédias mais bem escritas da televisão atual, What We Do in the Shadows com certeza não merece uma estaca de madeira no coração durante a premiação. O estilo “documentário de ficção” faz o espectador gargalhar ainda mais em sua segunda temporada, com grandes momentos de Nadja, Nandor, Laszlo e Colin Robinson – sem esquecer, claro, de Guillermo, o “serviçal” que todos nós queríamos.

Já renovada para mais um ano, seu humor desaforado e secular conquistou a Academia, rendendo seis indicações a mais do que no ano anterior. Baseada no filme homônimo de 2014, a série também foi escrita por Taika Waititi e Jemaine Clement, provando que seus roteiristas não perderam a mão desde o longa – visto que a obra possui 3 indicações por Roteiro no Emmy 2020. Se nossos imortais vão levar o prêmio, fica o mistério. Mas você pode ler mais sobre essa temporada aqui. – Caroline Campos

Schitt’s Creek

É uma pena que quase ninguém assista e exalte Schitt’s Creek. O hit canadense ganhou atenção da Academia ano passado, logo que a série aterrissou despretensiosamente no catálogo americano da Netflix. De lá pra cá, a comédia exibiu sua sexta e última temporada, e chega na corrida como favorita ao prêmio.

O humor pontiagudo e caloroso é o que mais engrandece a criação de Eugene e Daniel Levy, pai e filho tanto dentro, quanto fora das telas. A chuva que desaba no final de Schitt’s Creek é mais que simples manifestação da natureza, é, acima de tudo, um agradecimento pela existência de uma comédia tão pura e tão sentimental. Você pode matar a curiosidade sobre a futura vencedora do Emmy 2020 aqui. – Vitor Evangelista

The Politician

Do mesmo criador de Glee, The Politician foi uma das séries mais aguardadas de 2019, por prometer trazer todas as divergências e disputas do meio político para uma esfera mais simples. Usando como cenário as eleições para a presidência do corpo estudantil, somos apresentados ao ambicioso Payton Hobart (Ben Platt) que está disposto a tudo para vencer essa corrida. Seus conflitos, que parecem irrelevantes em um primeiro momento, ganham grandes proporções ao contextualizar o cenário político norte-americano em um núcleo pequeno, mas bem desenvolvido.

O dinamismo criado nesse micro campo é sustentado por um elenco capaz de nos prender a tela. Ainda com uma estética bem demarcada, a paleta em tons de laranja e verde – que remetem ao Estado da Califórnia, onde a 1ª temporada se passa – contrasta com as cores azuis acinzentadas do último episódio e da segunda temporada, que já aborda a temática sob um viés mais maduro e geopolítico. Mesmo com a solitária indicação de Bette Midler na categoria de Convidada, The Politician é uma das dramédias de melhor desenvolvimento de 2020. – Ana Laura Ferreira

Modern Family

A última temporada de Modern Family foi exibida no meio da pandemia. Além disso, o catálogo nacional de 3 streamings disponibilizou a comédia da ABC, transformando-a na febre do isolamento social. O público descobre agora a produção que venceu por 5 anos consecutivos Melhor Comédia no Emmy, entre 2010 a 2014.

O melodramático 11º ano recebeu indicações apenas para Direção em Comédia, pelo último capítulo da série, e uma nomeação póstuma de Fred Willard, em Ator Convidado. Para a produção que rendeu 6 Emmys para o elenco principal (Phil, Claire e Cam ganharam duas vezes cada), essa despedida esquecida da Academia é tão triste quanto o desfecho dessa família muito moderna. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

MINISSÉRIE

Watchmen

Watchmen tem tudo para ser a grande vencedora do Emmy 2020. O roteiro de Damon Lindelof conseguiu ressignificar a famosa HQ em uma minissérie de nove episódios, trazendo a narrativa para a forte temática racial dos dias atuais. Unido a uma direção e produção magníficas, se originou a melhor série de super-heróis já feita.

O resultado de todo esse trabalho se observa nas suas 26 indicações ao Oscar da Televisão. Regina King e Jeremy Irons são favoritos a levar os prêmios de Melhor Ator e Atriz em Minissérie, assim como Jean Smart é na categoria de Atriz Coadjuvante. A disputa fica mais séria em Ator Coadjuvante, com Yahya Abdul-Mateen II, Jovan Adepo e Louis Gossett Jr. concorrendo, o que pode levar a uma divisão de votos. As categorias de Roteiro e Direção, pelo episódio This Extraordinary Being, também já estão no papo. Para desvendar outros significados e questionamentos dessa grandiosa produção, acesse aqui. – Vitória Silva

Nada Ortodoxa

Presente em oito categorias no Emmy 2020, Nada Ortodoxa não foi uma grande estreia da Netflix, contudo, é uma das obras mais encantadoras da plataforma. Baseada numa história real, a jovem Esty Shapiro (Shira Haas) embarca numa jornada de autoconhecimento após fugir de uma prisão em que esteve desde seu nascimento.

Entre flashbacks e cenas atuais, a produção não exagera no drama e trabalha com muito respeito as nuances do extremismo religioso. Com uma narrativa envolvente que toma o cuidado de não demonizar seus personagens, Nada Ortodoxa merece destaque. Mais sobre a minissérie e suas particularidades, você pode ler aqui. – Isabella Siqueira

Normal People

Normal People traz o romance na sua forma mais intrínseca e realista possível. Sem relações idealizadas, o namoro de Connell (Paul Mescal) e Marianne (Daisy Edgar-Jones) esbarra nos mesmo desencontros que enfrentamos na vida real. A narrativa do livro de Sally Rooney foi adaptada para a tela de modo simples e apaixonante. 

A atuação impecável de Paul Mescal rendeu ao irlandês uma indicação ao Emmy 2020, na categoria de Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, mas a magnífica Daisy Edgar-Jones foi deixada de lado na premiação. A série também concorre por Melhor Elenco, Direção e Melhor Roteiro. Você pode ler mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

Unbelievable

A primeira das 5 minisséries a ser exibida, Unbelievable pode estar fraca na memória dos votantes do Emmy, mas isso em momento algum diminui sua força narrativa. A produção da Netflix revisita uma vítima desacreditada de estupro, e as negligências da polícia da época.

Entram em cena duas detetives fodonas (essas da foto), que fazem o necessário para resolver o crime. Toni Collette pode ganhar na categoria de Atriz Coadjuvante, mas na corrida principal Unbelievable parece ter ficado para trás. Você pode entender mais sobre a minissérie nesse texto. – Vitor Evangelista

Hollywood

Todo o glamour da boêmia Hollywood dos anos 50 ganha uma nova perspectiva social na minissérie de Ryan Murphy. Emotiva e esperançosa, Hollywood não poupa licenças poéticas para pôr em prática uma justiça histórica que ainda não vimos nas premiações. Trazendo para as telas bem fotografadas da série a discussão do apagamento de importantes artistas por conta de sua raça, o drama não dispensa alfinetadas remetendo à manifestação #OscarsSoWhite.

Acumulando diversas indicações, a produção, que trabalha com o imaginário hollywoodiano, se apoia em um elenco bem escalado e potente, capaz de nos fazer relevar as inúmeras facilitações do roteiro. Tendo em seu ponto mais forte a direção de arte, somos rapidamente ambientados naquela que seria a Era de Ouro do cinema. Jim Parsons e Dylan McDermott concorrem ao prêmio de Ator Coadjuvante. Vale lembrar que a série ainda faz uma justa homenagem à atriz Hattie McDaniel, primeira mulher negra a receber um Oscar. Você pode ler a crítica completa aqui. – Ana Laura Ferreira

Mrs. America

Se não fosse pela grandiosidade e impacto de Watchmen, Mrs. America com certeza seria a favorita para o título de Melhor Minissérie do Emmy 2020. A produção da FX abocanhou 10 indicações com sua reconstituição do cenário político e social dos Estados Unidos na década de 70, marcado pela efervescência do movimento feminista, que se articulava para a aprovação da Emenda dos Direitos Iguais, e pela resposta contundente dos movimentos conservadores da época.

Importantes feministas norte-americanas foram mencionadas pela Academia Televisiva na hora de escolher as indicadas à Melhor Atriz Coadjuvante do Emmy 2020, como a deputada Shirley Chisholm, vivida pela atriz Uzo Aduba; a líder Bella Abzug da veterana Margo Martindale; e a polêmica Betty Friedan, interpretada por Tracey Ullman. Contudo, para Melhor Atriz, quem representa a minissérie é a majestosa Cate Blanchett, na pele da líder conservadora Phyllis Schlafly. Além das atuações e caracterizações excepcionais, dos roteiros robustos e das informações históricas perfeitamente combinadas com o entretenimento que a série proporciona, o que mais surpreende em Mrs. America é sua atemporalidade. E você pode entender mais sobre esse aspecto clicando aqui. – Raquel Dutra

Self Made

Self Made, inspirada na vida e legado de Madame C. J. Walker, é uma bagunça sem tamanho. Não fosse o carisma imensurável da protagonista Octavia Spencer, a minissérie da Netflix cairia no merecido esquecimento.

Recheada de atuações robóticas, viradas imbecis na trama e uma gastura em finalizar a trajetória da primeira mulher negra a ficar milionária por conta própria, Self Made se daria muito melhor como um telefilme de 90 minutos. Você pode ler mais aqui. – Vitor Evangelista

Little Fires Everywhere

Seguindo o caminho de outras aclamadas séries da produtora Hello Sunshine, como Big Little Lies, Pequenos Incêndios por Toda Parte concorre em cinco categorias, incluindo Melhor Minissérie. Ao trazer como tema central a maternidade e as relações raciais no ‘pacífico’ bairro de Shaker Heights, a construção das personagens é o que mais encanta. Profundas e multifacetadas, as protagonistas dividem opiniões ao expor todos os seus lados, sejam eles bons ou ruins.

Sem reduzir suas personagens a meras mães, a narrativa se constrói em meio às rachaduras da maternidade, seus vieses e a sua perspectiva mais obscura. O drama, carregado de simbolismos, utiliza da arte, em especial da fotografia, para criar um ambiente ao mesmo tempo crível e poético. A crítica completa de Little Fires Everywhere pode ser lida aqui. – Ana Laura Ferreira

I Know This Much Is True

Assista I Know This Much is True por sua conta e risco. A produção, dirigida e roteirizada por Derek Cianfrance, é um desafio preciso de ser encarado. O famoso livro de Wally Lamb, que se centra na vida dos irmãos Birdsey, foi revitalizado da melhor forma possível, com uma narrativa devastadora e poética sobre reconstrução.

Apesar da grandiosidade da obra não ter sido reconhecida pela Academia de Televisão, o protagonista Mark Ruffalo recebeu seu devido prestígio. Indicado à Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV, esta pode ser a noite que ele irá levar seu segundo Emmy da carreira. Leia mais sobre a minissérie aqui. – Vitória Silva

FILME PARA A TV

American Son

Como a própria Netflix denomina, American Son é um evento. Lançado no ano passado, o suspense de Kenny Leon, indicado a Melhor Filme Para a TV no Emmy 2020, se desenrola a partir do desaparecimento do filho adolescente de um casal inter-racial. No cenário de uma delegacia, o filme aborda racismo e violência policial, discussões que tardiamente tornaram-se tema principal neste ano, depois de um levante de apoio mundial ao movimento #BlackLivesMatter.

No papel principal, Kerry Washington (mais uma vez!) se entrega a dor e preocupação de sua personagem, protagonizando cenas longas com picos de tensão que sustentam uma atmosfera de profunda aflição durante os 90 minutos do filme. Com pouco movimento, American Son escancara privilégios e nos aprisiona em realidades cotidianas e universais, que são atravessadas por todo terror que as estruturas racistas provocam. – Raquel Dutra

Bad Education

Bad Education tinha, a princípio, um lançamento cinematográfico planejado. Vendido em festivais de cinema, a produção acabou indo parar nas telas da HBO, sendo elegível apenas para o Emmy. Baseado num caso verídico, a trama ronda a persona de Frank Tassone, um diretor envolvido no maior desvio de dinheiro escolar na história dos Estados Unidos.

Hugh Jackman, oxigenando a imagem de Wolverine, assume o papel principal, acompanhado de um elenco que vive à altura da emissora. O telefilme angariou indicações para Jackman em Ator Principal, além de uma na categoria Melhor Filme Para a TV, que venceu, como foi anunciado no sábado, dia 19. Má Educação, o título nacional, discute com propriedade a linha tênue entre culpa e infortúnio, e sua performance principal funciona em perfeita sintonia com a canalhice do filme. – Vitor Evangelista 

El Camino – A Breaking Bad Movie

El Camino, a continuação direta de uma das séries mais celebradas do século XXI, vem contar uma história que na visão de muitos parecia desnecessária ante ao final irretocável de Breaking Bad. Porém, Vince Gilligan conseguiu construir um drama à altura de sua obra-prima. Dessa vez, focado totalmente na psique de Jesse Pinkman, explorando os diversos traumas acumulados pelo personagem durante as cinco temporadas que viveu ao lado do químico Walter White.

O roteiro é bem inventivo, colocando um Pinkman traumatizado tentando por fim encontrar a liberdade de seus demônios, enquanto os mostra de perto. Aaron Paul (infelizmente não indicado ao Emmy) encarna novamente o papel, e sem o peso que o ator traz na performance, certamente o longa sofreria bastante. El Camino consegue somar à nostalgia de Breaking Bad, e mostra que Vince Gilligan ainda tem algumas coisas para dizer sobre Jesse, e faz isso com a mesma maestria de sempre. Leia a crítica completa da obra indicada ao Emmy de Melhor Filme Para a TV aqui. – Gabriel Soldeira

Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. The Reverend

A ausência de indicações para Ellie Kemper e Jane Krakowski denota um defeito no Emmy: a falta de uma categoria à parte para as atuações em telefilme. O evento interativo da série Unbreakable Kimmy Schmidt só conseguiu se enfiar em dois bolões: o de Melhor Filme para a TV e o de Ator Coadjuvante, em mais uma nomeação de Tituss Burgess.

Num mundo ideal, tanto a protagonista quanto Krakowski estariam no páreo, e poderiam muito bem vencer. Mas, na realidade em que vivemos, o que resta é dar play em Kimmy vs. The Reverend e brincar com todas as possibilidades. Leia mais aqui. – Vitor Evangelista

O post RESUMÃO: Séries indicadas ao Emmy 2020 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Silva

A realidade nunca foi tão assustadora. A pandemia do Covid-19, unida à diversas tragédias recorrentes no nosso dia-a-dia, tornou até o hábito de assistir o noticiário algo doloroso. Diante desse cenário, filmes e séries viraram uma espécie de refúgio, especialmente aqueles com conteúdo animador, que possa nos revitalizar em meio à tanta tristeza. Se é isso que você procura no momento, I Know This Much Is True não é para você.

Baseada no romance de 1998 de Wally Lamb, a minissérie segue a vida de dois irmãos gêmeos, Dominick e Thomas Birdsey, ambos interpretados por Mark Ruffalo. Um deles, nascido no dia 31 de dezembro de 1949, e o outro, em 1 de janeiro de 1950. Dois anos diferentes, devido a um intervalo de seis minutos. Uma pequena fração de tempo capaz de gerar um abismo de divergências entre eles.

Muitas narrativas que se propõe a retratar a vida de irmãos utilizam a temática batida do bom contra o mau, criando alguma espécie de rivalidade familiar. Mas em I Know This Much Is True a história é diferente. Por mais extremos que os gêmeos Birdsey possam ser um do outro, eles se complementam. Dominick é um homem de forte temperamento, arrogante e egoísta na maior parte do tempo. Mas boa parte da sua personalidade se altera (ou se força à isso) na presença de Thomas, que sofre de esquizofrenia paranoide. Pacífico e calmo, ele precisa se ancorar na força e inteligência do gêmeo para se proteger de si mesmo.

A trama se inicia no ano de 1990. Em uma biblioteca, Thomas decide decepar a sua própria mão com uma faca, em nome de um sacrifício feito à Deus para salvar o mundo de todo o mal. O ocorrido leva à sua internação forçada em um hospício, e Dominick inicia uma batalha para salvar seu irmão daquele lugar, que é quase uma verdadeira prisão. Em paralelo, ele também busca resgatar suas origens através de um manuscrito deixado por seu avô, a fim de desvendar a identidade do seu pai.

Os episódios tem seu início com flashbacks da infância e adolescência dos Birdsey. Narrados em primeira pessoa por Dominick, como se eles estivesse lendo o seu próprio manuscrito, conseguimos acompanhar a evolução do relacionamento de ambos. Uma relação que, no início, contava com diversos momentos de raiva dele sobre o seu irmão, sempre responsável por mostrar seus erros e fazê-lo se sentir culpado. O crescimento da doença de Thomas também é notável, com cenas agonizantes e muito bem executadas por Philip Ettinger, que interpreta os irmãos em sua fase jovem adulta, e é um grande admirador de Ruffalo. 

Em contraste, o presente da trama mostra um Dominick capaz de mover montanhas por seu irmão, deixando de dar atenção até para os seus relacionamentos e questões pessoais por Thomas. Com o passar dos episódios e das viagens ao passado, é notório que todo esse anseio é motivado por um sentimento de culpa. A culpa por sempre ter julgado suas atitudes estranhas, por ter tentado se afastar diversas vezes, por não ter aproveitado os poucos momentos de sanidade existente nele. O mínimo que pode fazer agora é dar a vida pelo irmão gêmeo.

Deixando de fora da narrativa as particularidades sórdidas da vivência de Thomas no hospício, Dominick acaba por ser o grande protagonista de I Know This Much Is True. Na jornada para resgatar seu irmão e alguns fantasmas do passado, somos imersos em cada ponta do seu cotidiano, que não é nada fácil. Sua vida é uma coleção de desastres: o falecimento de sua mãe, um padrasto abusivo, o casamento terminado de forma trágica, e vários acidentes deploráveis são alguns dos episódios a que somos levados. 

E o diretor e roteirista, Derek Cianfrance, não poupa os detalhes sobre nenhum deles. Sentimos a angústia e frustração de Birdsey em cada momento, ao passo que suas sessões de terapia com a Dra. Patel (Archie Panjabi) passam a ser as nossas também. Quando se chega à metade dessa minissérie de seis capítulos já não há mais esperança, sabemos que nada de bom está por vir.

I Know This Much Is True é também um marco sobre o talento de Mark Ruffalo. O ator, que estamos tão acostumados a ver por trás das camadas de CGI do Incrível Hulk, tem a produção como a prova do que ele é capaz. Ruffalo consegue incorporar com maestria cada trejeito que diferencia os irmãos Birdsey, desde o andar até a entonação na fala de cada um, o que nos leva a esquecer que ele está contracenando com ele mesmo. 

Diferente da minissérie, Mark não foi deixado de lado na edição do Emmy 2020, e garantiu uma indicação à Melhor Ator em Minissérie ou Filme Para a TV. Ele ainda é uma das grandes apostas a levar o prêmio, encarando nessa disputa os grandiosos Paul Mescal, de Normal People, e Jeremy Irons, da sua parceira de emissora, Watchmen. Infelizmente, a composição e cuidado de Cianfrance na produção dos episódios não foram suficientes para garantir uma nomeação, mas a beleza de sua execução e planejamento veio para comprovar, mais uma vez, que a HBO não brinca em serviço.

I Know This Much Is True não foi feita para ser maratonada. Os longos 60 minutos de cada episódio, retratando a sequência de acontecimentos trágicos que assolam a vida dos gêmeos, são difíceis de digerir, e é preciso muito esforço para se atrever a continuar. A trama funciona quase como um terror psicológico, com os tons mórbidos e a câmera que segue as cenas lentamente, alternando para planos fechados que dão um ar de suspense e desconforto, em que se espera sempre que o pior pode aparecer. 

Esse sentimento é o mesmo compartilhado pelo protagonista. Em certo momento de sua vida, Dominick passa a crer que há uma maldição em sua família, como a única forma de justificar todos os horrores que perseguem os Birdsey. Os manuscritos de seu avô só reforçam essa tese para ele, e para nós também. O desgaste diante de todos os acontecimentos de sua vida miserável fazem o pintor de casas não se esforçar nem um pouco para mudar a realidade a qual ele está destinado, salvar seu irmão é a única coisa que o motiva. E a forma como a série desconstrói toda essa teoria determinista, após se esforçar tanto para a tornar verdadeira, é monumental.

I Know This Much Is True é, antes de tudo, uma história sobre redenção. Sobre aprender a encarar e lidar com seus próprios demônios, salvar a si mesmo antes de mais ninguém. A evolução de Dominick ao longo da narrativa alcança todos esses ensinamentos, e o final feliz, que já nem imaginávamos que poderia existir, surge de forma acalentadora e poética.

A ideia de trazer para a tela uma trama rodeada apenas por acontecimentos trágicos é extremamente corajosa. A vida dos irmãos Birdsey nos leva ao âmago da miséria humana, ter que afrontar seus problemas não é uma experiência nem um pouco atrativa, mas muito necessária. Somos dilacerados diversas vezes ao longo de cada episódio. Ao final, sofremos com Dominick, e respiramos aliviados com ele também. Há dois meninos perdidos em uma floresta, e um deles foi salvo.

“Da destruição vem a renovação”

O post I Know This Much Is True é uma ferida necessária apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Victória Rangel

Depois de 11 anos contando a história de três famílias ligadas pelo magnata dos armários Jay Pritchett (Ed O’Neill), Modern Family chega a seu fim. Criada por Steven Levitan e Christopher Lloyd, a obra de comédia da ABC surgiu em associação com a Twentieth Century Fox Television e está nos streamings da Globoplay, Amazon Prime e Netflix (exceto pela última temporada, da qual vamos falar agora). 

De 2009 até 2020, a série narrou o cotidiano de Jay e de seus filhos Claire (casada com Phil e mãe de Luke, Alex, Haley) e Mitchell (casado com Cam e pai de Lilly). Frutos do segundo casamento de Jay, também fazem parte da família a colombiana Gloria (Sofia Vergara) e seu filho Manny. São 11 anos acompanhando a passagem das crianças à vida adulta e a chegada de novos membros à família e, entre os dilemas familiares, podemos dizer que o mais tocante nessa série de conforto é ver as personagens crescerem conforme a gente também cresce do outro lado da tela.

Agora, em 2020, Modern Family não se despede apenas de seus fãs, mas também dá adeus a um importante membro do elenco, Fred Willard. O ator que interpretou o pai de Phil faleceu no dia 15 de março, aos 86 anos, de causas naturais. Vale acentuar que nem certos sinais físicos do seu envelhecimento foram suficientes para atrapalhar seu incrível trabalho como o amável Frank Dunphy – um dos responsáveis pelo característico otimismo de seu filho Phil. A atuação de Willard no 11º episódio da temporada, entitulado Legacy, rendeu-lhe uma indicação póstuma no Emmy 2020 por Melhor Ator Convidado, categoria onde concorrem outros grandes nomes como Brad Pitt e Eddie Murphy (Saturday Night Live). 

Não à toa, Modern Family também foi a Melhor Série de Comédia do Emmy por cinco anos consecutivos (!!!). Mas neste ano, o show concorre apenas por Melhor Direção para Gail Mancuso. A indicação, feita pelo último episódio, o Finale (Part 2), é justa para essa despedida em que a emoção dos atores parece transcender a ficção.

Dividido em 2 partes cheias de carinho, o encerramento ilustra, finalmente, quais serão os próximos passos de cada personagem da série, enfocando o crescimento das crianças (já não tão mais crianças assim). Aqui, vemos os pais amadurecerem conforme seus filhos se aprontam para sair de casa, ou para retornar, e temos um relance de como poderá ser o futuro dos jovens personagens. É de se esperar, contudo, que alguns dos espectadores se decepcionem com os destinos de Luke, Haley e até de Alex, a gênia da família, para quem se esperava um futuro brilhante. 

Não apenas no de número 18, mas ao longo de toda a 11ª temporada, os episódios em formato de fábula, com mensagens importantes ao final da história, continuam deixando sua marca. Para isso, contudo, os roteiristas apostam no reaproveitamento de piadas já vistas anteriormente, o que pode parecer cansativo e talvez não tire muitas risadas de quem acompanha a série. 

Visto em produções de comédia anteriores, como Friends e How I Met Your Mother, esse recurso parece quase inevitável a uma série cômica de longa duração. Por essa razão, é de se questionar se Modern Family terminaria de forma mais original caso se estendesse por apenas 8 ou 9 anos. 

Assim como nos anos anteriores, a 11ª temporada, por sua vez, não deixa faltarem aqueles elementos característicos: seus textos que se aplicam a diversos cotidianos familiares da realidade, a ilustração de problemas que podem, sim, ser resolvidos em casa e as citações atemporais ilustradas pelas personagens icônicas. 

É em um desses momentos, inclusive, que fica gravada a célebre frase de Cam, de que Meryl Streep seria a escolha perfeita até para interpretar o Batman – curioso que essa discussão nem foi levantada nesse ano pandêmico, com o anúncio de Robert Pattinson para o papel do novo Batman. O compartilhamento dessas frases é muito recorrente, inclusive, em diversas redes sociais como o Facebook e o Instagram, denotando a aplicação do cotidiano nas telas a muitas famílias reais de espectadores. 

Além do humor não tão inédito, seu forte tom de despedida torna a última temporada um pouco distinta das anteriores. Modern Family se despede quase silenciosamente, depois de ter feito muito barulho em sua jornada. 

Por isso, se você ainda não assistiu, dê uma chance para esse trabalho divertido e sensível. E, se você já acompanha, saiba que não está sozinho. Adeus, família moderna. Obrigada pelo aprendizado!

O post A última temporada de Modern Family emociona mais do que faz rir apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Milena Pessi

Se você está já terminou de assistir as seis temporadas de Grace and Frankie e não vê a hora da próxima ser lançada, O Método Kominsky é uma ótima opção pra matar a saudade dessa vibe cômica. Mas cuidado, as chances de se apaixonar pela série são muito grandes. Criada em 2019 por Chuck Lorre, nome que assina os grandes sucessos Two And A Half Men e The Big Bang Theory, Kominsky conta a história de amizade entre Sandy Kominsky e Norman Newlander. Encarando os desafios e os questionamentos da terceira idade, como crises existenciais, o medo da morte, a perda de amigos e pessoas amadas, doenças inesperadas e questionamentos sobre a vida. 

Após quase 50 anos longe da televisão, a grande estrela de Hollywood Michael Douglas faz sua volta triunfante em O Método Kominsky. E ainda num papel que lhe rendeu um Globo De Ouro de Melhor Ator em Série de Comédia em 2019. Douglas  interpreta Sandy, um ator com uma carreira estagnada e até em decadência. Sandy, sem grandes feitos no currículo recente, abre uma escola de atuação, junto com sua filha Mindy (Sarah Baker) em Los Angeles. Isso com o objetivo de treinar novos talentos que sonham em se tornarem grandes nomes do cinema. Ele é um homem da terceira idade que após três divórcios está aprendendo a amar novamente, e que apesar de encontrar muitos problemas por causa de sua idade, encara a vida com muito bom humor. 

Sua dupla dinâmica é Alan Arkin. Ator e diretor norte americano, ele é conhecido por Argo e por interpretar o amoroso avô de Olive em Little Miss Sunshine (papel que lhe rendeu um Oscar de Melhor Ator Coadjuvante em 2006). Arkin foi a escolha certa de Chuck Lorre para contracenar com Michael Douglas em sua nova série da Netflix, principalmente pela química dos vovôs. Arkin vive o renomado e bem-sucedido produtor de cinema Norman Newlander, que é obrigado a encarar um dos acontecimentos mais tristes de sua vida: a perda do seu grande amor para o câncer, a sua esposa Eileen (Susan Sullivan). Então a amizade e o apoio que recebe de seu amigo, e cliente, Sandy o fortalece para continuar. 

A primeira temporada de O Método Kominsky nos mostra Norman aprendendo a viver um novo capítulo de sua vida: aquele no qual sua esposa não faz parte. Além de dar introdução à relação problemática que cultiva com sua filha Phoebe (Lisa Edelstein), viciada em drogas por mais de vinte anos, fora isso o homem lida com o reencontro a antiga namorada Madelyn (Jane Seymour). O personagem de Michael Douglas, por sua vez, encontra, após três casamentos falhos, uma nova chance de amar com Lisa (Nancy Travis), uma de suas alunas de teatro. Sandy ainda bate de frente com dificuldades financeiras por ser um ator sem muito sucesso, e lida com problemas que um corpo de 74 anos apresenta.  

Na segunda temporada da série de Chuck Lorre, o personagem com grande destaque é Norman e as relações que está criando tanto com sua nova namorada quanto com sua filha. É lindo assistir o personagem de Alan Arkin, que antes pensava não ser possível se apaixonar por outra pessoa após a morte de Eileen, aprendendo a amar novamente com Madelyn e a perdoar Phoebe após tantos anos. Enquanto isso, Sandy é apresentado ao novo integrante da família: Martin, seu genro que possui quase a sua idade. No começo, ele fica meio receoso com o fato de Mindy estar namorando um homem bem mais velho, mas após o conhecê-lo, surge ali uma amizade inesperada.

Apesar de já possuir um elenco principal de muito peso, O Método Kominsky recebeu, em seu segundo ano, muitas participações especiais que deram um charme a mais para série. Allison Janney, atriz de Mom,  vivendo si mesma, convidada de Mindy, para dar uma aula sobre atuação na escola de Sandy. Paul Reiser, o já citado novo namorado de Mindy, além de Haley Joel Osment, o menino de O Sexto Sentido, como Robbie, neto de Norman, e sua irmã Emily Osment (a Lilly de Hannah Montana), interpretando uma das alunas de teatro de Kominsky. Também bateu o ponto Kathleen Turner, parceira de Michael Douglas em diversos filmes, que retoma sua parceria na série de Chuck Lorre no papel da ex-mulher de Sandy e mãe de Mindy.

O Método Kominsky possui atuações impecáveis, participações pra lá de especiais, um texto muito inteligente regado à ironia e muito bom humor, marca registrada de Chuck Lorre. Mesmo com dois personagens principais marcantes e uma história interessante, continua sendo uma das séries mais esnobadas da Netflix e do Emmy. Em 2019, recebeu apenas duas indicações: Melhor Ator em Comédia para Michael Douglas e Ator Coadjuvante para Alan Arkin, não ganhando nenhuma das duas. Em 2020, competindo pelo segundo ano da série, não houve muita diferença. Com Kominsky indicado à Melhor Série de Comédia e nas mesmas duas categorias de atuação do ano anterior. Mesmo com sua alta qualidade, infelizmente, a chance da série receber algum dos prêmios é muito pequena.

Prêmios a parte, a química existente entre Michael Douglas e Alan Arkin é surreal. Sempre que estão contracenando, parece que assistimos mais um dia na vida de Sandy e Norman, enfrentando as dificuldades de serem pessoas na terceira idade, e não uma cena ensaiada, com os diálogos preparados por uma grande equipe. A história é interessante, com textos astutos cheio de sarcasmo, humor e referências, personagens bem estruturados e reflexões importantes. Mas o que a diferencia das outras séries é a inexplicável troca entre os dois personagens, fazendo ser impossível assistir apenas um episódio, a maratona é indispensável aqui. Independente de ganhar ou não um Emmy esse ano, O Método Kominsky é a série da Netflix que vale a pena ser assistida.  

O post A química entre seus protagonistas é o que incendeia O Método Kominsky apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Jho Brunhara

“Você achou que os vampiros de Crepúsculo eram diferentões? Espere até conhecer as figuras de O Que Fazemos nas Sombras. As trapalhadas dessa turma vão fazer você rir até o sol nascer!” Essa poderia ser a chamada de What We Do in the Shadows se fosse um filme da sessão da tarde, e acredite, existem momentos dignos do lendário programa da Rede Globo. Aliás, a série da FX é na verdade um spin-off do longa de mesmo nome, lançado em 2014. O filme, criado, escrito, dirigido e atuado por Jemaine Clement e Taika Waititi é tão genial quanto seu desmembramento para TV. 

No filme, o falso-documentário acompanha a vida de Viago, Vladislav, Deacon e Petyr, quatro vampiros que moram juntos em uma casa na cidade de Wellington, Nova Zelândia. Já na série, Jemaine e Taika abandonaram o elenco para focar apenas na produção executiva, roteiro e direção. A brilhante dupla agora escreve sobre as histórias de quatro criaturas que moram em Staten Island, Nova Iorque. Apesar das novas caras, as personalidades não perdem para os residentes da Oceania, e os dramas e trapalhadas são tão divertidos quanto dos camaradas neozelandeses. 

Nandor, o Implacável (Kayvan Novak) é o vampiro mais velho do grupo. Com 758 anos de experiência e auto-proclamado o líder do bando, é ele quem mais interage com seu familiar, Guillermo (Harvey Guillén). Familiars são como serviçais na série, humanos que fizeram um trato com algum vampiro para servi-lo por um período de tempo até que sejam também transformados, e assim recebam a graça da vida eterna. 

O grupo também é formado pelo casal Nadja (Natasia Demetriou) e Laszlo Cravensworth (Matt Berry). Nadja tem por volta de 600 anos de idade, e foi ela quem transformou Laszlo em seu amante eterno (literalmente), cerca de 300 anos atrás. Para fechar o time, vampiro de energia Colin Robinson (Mark Proksch) é um ponto fora da curva na mitologia vampiresca do audiovisual. Colin, diferentemente de seus colegas de casa, não se alimenta de sangue, e sim da energia de humanos e até mesmo de outros vampiros, por conversas fiadas. 

A segunda temporada, que acabou em junho desse ano, recebeu oito indicações ao Emmy Awards 2020, sendo quatro dessas na premiação principal. Como uma das fortes concorrentes para a categoria de Melhor Série de Comédia e três episódios indicados em Melhor Roteiro em Série de Comédia, a genialidade da trama faz jus às nomeações 

What We Do in the Shadows sabe ser boba quando necessário e tirar aquele riso gratuito do público, como o escorregão de uma personagem. Mas também sabe ser extremamente inteligente, com piadas sutis sobre o racismo nos Estados Unidos e autorreferências ao tema vampiresco. Aliás, em um ano que estamos debatendo tanto a importância da presença de atores não-brancos na TV e no cinema, Shadows mostra que de vampiros pálidos o audiovisual já está cheio. 

Kayvan, que interpreta Nandor, é descendente de iranianos. Natasia, que dá vida à Nadja, tem pai cíprio. E Harvey é hispânico, tema recorrente a sua personagem, Guillermo. Taika Waititi, produtor da série, é descendente de maoris e já deu a palavra em um discurso: “o grande sonho é ir tirando aos poucos os papéis de pessoas brancas”. Sarcasmo a parte, sabemos muito bem que esse é um cenário quase impossível para Hollywood. 

A mente fantástica de Taika garantiu à ele um Oscar de Melhor Roteiro Adaptado por Jojo Rabbit em 2020, e assegura para What We Do in the Shadows o posto de uma das melhores comédias para se assistir atualmente. O segundo ano da série continua brincando com o humor absurdo, ao inserir nossas queridas criaturas amadas em situações mundanas. Após o gancho da primeira temporada, quando Guillermo se descobre descendente de Abraham Van Helsing, o famosíssimo caçador de vampiros e arqui-inimigo do Conde Drácula, os novos episódios continuam o dilema de seguir seu destino ou proteger seus amigos. 

Enquanto não toma a decisão, Gizmo permanece sendo uma das melhores personagens, sempre colocando ou livrando o grupo de enrascadas. Maltratado por Nandor, porém igualmente amado, o familiar acaba cuidando também de Laszlo e Nadja. Nandor também é apaixonante. Apesar de seus ataques de pelanca e seu tamanho, o ex-líder do reino de Al-Quolanudar deixa escapar sua vulnerabilidade e fofura quando abaixa a guarda. 

Nadja e Laszlo continuam sendo o melhor casal de vampiros da TV. O par não perde a oportunidade de soltar uma piadinha sexual, e mesmo com seus leves conflitos, a química dos dois é tão boa que até esquecemos que são apenas atores. Aliás, essa é uma constante em What We Do in the Shadows: é fácil esquecer, ainda mais nesse modelo de mockumentary e encaradas de câmera, que aquelas personagens cativantes não existem na vida real. Bom, pensando bem, até que é um alívio que não existam, né? 

O quinto elemento é ele: Colin Robinson. Você talvez conheça esse rosto se já assistiu The Office, e talvez também conheça um Colin Robinson da vida real. No segundo ano da série, o vampiro que enfraquece suas vítimas de chatice ainda é um dos adendos mais legais de WWDITS. Seu monólogo sobre trollagem online não poderia ser mais cirúrgico, e por mais que seu objetivo na série seja entediar suas comidas, é um dos que mais diverte o espectador. 

Mark Proksch não foi o único rostinho conhecido nessa temporada. Craig Robinson (Darryl em The Office, Doug Judy em Brooklyn Nine-Nine) brilhou como sempre, ao lado da maravilhosa Abigail Savage (Gina Murphy em Orange Is The New Black). Quem voltou da primeira temporada também foi Simon, interpretado pelo incrível Nick Kroll (Big Mouth), em mais peripécias com o chapéu amaldiçoado de Laszlo. E claro, também tivemos o lendário Mark Hamill (Star Wars), fã declarado do universo de Shadows. 

A segunda temporada de What We Do in the Shadows também explorou mais a mitologia da série, com novas criaturas: zumbis, fantasmas e bruxas. Um dos pontos altíssimos desse ano (pois aqui só temos pontos altos) foi o episódio Ghosts, quando Nadja usa seus poderes para invocar os espíritos dos três sugadores de sangue da casa, para descobrir seus assuntos mal resolvidos. Aliás, esse é um dos roteiros que foram indicados ao Emmy, junto aos episódios Collaboration, a briga entre Guillermo e Nandor, e On The Run, a fuga de Laszlo. 

Apesar de empilhar cadáveres em todos os capítulos, esguichar sangue à torto e direito, e tratar de criaturas da escuridão, WWDITS é uma comédia divertida e leve para se assistir até mesmo antes de dormir. E se podemos encontrar tamanho alívio e conforto nas entidades do sobrenatural, como também mostra a encantadora Ghosts (BBC), a realidade já é suficientemente assustadora. 

O gancho final do segundo ano de What We Do in the Shadows é uma mensagem clara de como se faz televisão: de nada adianta uma série eterna que não faz seus sacrifícios. Não sabemos onde todo aquele sangue derramado irá nos levar, mas com certeza vamos rir no caminho. E o que vamos fazer nas sombras? Essa é fácil, ligar alguma tela e assistir à terceira temporada.

O post Até Van Helsing assistiria What We Do in the Shadows apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Henrique Gomes

Watchmen é a série de quadrinhos definitiva. Criada por Alan Moore e Dave Gibbons, a HQ se baseia na problematização da realidade, em que cidadãos vestem máscaras e combatem o crime por conta própria. Temas como a salvação da humanidade, as fraquezas dos homens e a existência de um deus entre nós são abordados. Cada detalhe e cada referência na construção desse mundo é um reflexo da nossa sociedade como um todo. Os quadrinhos já faziam com maestria essa discussão política e social, e a minissérie de 2019 resgata e revigora isso.

Publicada entre 1986 e 1987, a história se passa numa realidade paralela de um século XX distópico, em um mundo onde os vigilantes mascarados foram popularizados, tendo em foco o grupo dos Crimebusters. Ele é constituído por Rorschach, Coruja, Silk Spectre, Comediante, Ozymandias e Dr. Manhattan, sendo esse último o único a ter poderes de fato – dentre eles, a onipotência, onisciência e onipresença – devido a um acidente nuclear. Estes seriam os representantes da segunda leva de vigilantes, em que a primeira foi nos anos 50, com os Minutemen.

Considerando a ausência de poderes sobre-humanos de todos os outros, os questionamentos em voga são sobre a índole de tais heróis, sobre o quão egoístas são seus atos, e o quão genuíno é o sacrifício para a salvação. A humanidade deles é o fardo que leva à proibição da presença de mascarados. Isso não impede que eles ajam pelas sombras, mas não por bondade, afinal, são humanos. E sim, por desgosto, como Rorschach, ou pela cegueira do ego, como Ozymandias.

Com tudo isso em vista, o bilionário e herói aposentado Adrian Veidt, vulgo Ozymandias, passa anos conspirando contra heróis e planejando um falso ataque alienígena, para que o mundo se unifique para combatê-lo em solidariedade e evitar o holocausto nuclear. Tal evento resulta em uma sociedade, de fato unificada, porém com milhões de inocentes mortos. Essa atitude insana gera a repulsa de seus antigos companheiros vigilantes, principalmente de Rorschach, que passa anos destrinchando tal conspiração e planejando  contá-la para o mundo, colocando secretamente seu diário para ser publicado num jornal, pouco antes de ser vaporizado por Dr. Manhattan. Este, que abandona a Terra avisando Veidt de que o seu plano não deu certo no futuro, pois “nada nunca acaba”. É assim que a trama de Watchmen se encerra, até então.

A ideia de levar esse universo para as telas – depois do péssimo filme de 2009, dirigido por Zack Snyder – soou perigosa para os fãs, principalmente com o anúncio de que seria uma continuação. Considerando a grandeza dos quadrinhos e a profundidade que permeia toda a história, a continuidade dessa mitologia visa seguir a lógica das consequências, assim como na realidade de fato. E é aí que o roteiro acerta.

Produzida pela HBO, a minissérie traduz completamente a linguagem da graphic novel para o audiovisual, pegando cada ponta do que torna aquele universo tão real. Ao invés de retratar uma caricatura dos anos 80, com os traumas e conflitos daquela época, ela retrata uma caricatura do mundo em 2019 e as consequências da HQ dentro disso. Se antes o tema fazia referência à Guerra Fria, hoje, ele faz à discussão racial dos dias atuais. O roteiro ainda é assinado por Damon Lindelof, mente por trás de Lost e The Leftovers. Com o discurso de ódio, o racismo e o fascismo se tornando tendências políticas, nunca uma história se fez tão urgente para ser recapitulada. Watchmen fala do agora, tanto da ficção, quanto da realidade.

34 anos após os eventos da HQ, a trama se discorre em Tulsa, Oklahoma. Um grupo de supremacistas brancos ascende e trava uma guerra contra as minorias e a política dos EUA de reparação histórica dos danos causados pela discriminação racial. Ele ficou conhecido como A Sétima Cavalaria, e baseia seus discursos nos escritos deixados por Rorschach antes de morrer, usando da imagem do vigilante para a identidade das máscaras que vestem. Do outro lado do fronte, estão os policiais, que usam máscaras e agem anonimamente – feito vigilantes –  em nome das forças do governo. Dentre os agentes, temos o chefe de polícia misterioso, Judd Crawford (Don Johnson), e a detetive Angela Abar, que age sob o codinome de Sister Night, sendo ela o foco da trama como um todo.

Angela é interpretada magistralmente por Regina King, principalmente por sintetizar tudo que Watchmen representa. Uma mulher negra, desconcertada com sua história, tão ciente quanto manipulada, tão frágil quanto forte. A todo momento ela desconstrói o arquétipo de herói, que, desde a origem, nos quadrinhos, é problematizado. Nos diversos clímax que permeiam a série, Regina te pega desprevenido, agindo de forma egoísta quando pensa que deve ser heroica, conformada quando pensa estar chocada, ela é o principal pilar da narrativa por definição. O exemplo mais claro está nas cenas que retratam sua relação com o marido Cal (Yahya Abdul-Mateen II), e seu relacionamento com Dr. Manhattan.

Além da grande protagonista, a trama tem múltiplos núcleos de personagens, e em momento algum o roteiro falha ao apresentá-los. Como com Looking Glass (Tim Blake Nelson), um dos vigilantes que possui sua motivação em decorrência do ataque da lula gigante em 85, uma representação viva do trauma que o “heroísmo” de Ozymandias gerou. E também com Laurie Blake (Jean Smart), que retorna à narrativa de Watchmen sem o nome de Silk Spectre, e sim como uma agente do FBI e, ironicamente, membro da força-tarefa anti-vigilantes.

Dos arcos paralelos de personagens que mais intrigam e acrescentam na série, o maior deles é o de Adrian Veidt, interpretado perfeitamente por Jeremy Irons. Após os eventos da HQ, o herói aposentado enlouquece com o fato de que ele salvou o mundo do holocausto nuclear, e ninguém sabe. Enquanto o homem existir, por mais que seja um herói, o seu ego vai torná-lo contra qualquer princípio ético e moral. À vista disso, ele se isola no que parece ser um castelo na Europa, porém enlouquece mais ainda com tamanha monotonia da paz eterna. E seu arco se desenrola na sua fuga do que seria o “Jardim do Éden”, e na grande falha daquele que é conhecido como o homem mais inteligente do mundo: a humanidade.

A presença do Dr. Manhattan traz pontos culminantes e complexos, mas bem executados, não só pela edição, como também pelo roteiro e atuação de Yahya Abdul-Mateen II. Alguns questionamentos filosóficos se encontram na busca dos personagens pelo controle dos poderes quase que divinos dele, no fato de ser um grande prisioneiro do destino que ele prevê, mas agir de forma um tanto questionável para um semi-deus. Ele acaba como mais uma das personalidades com a moral envenenada pelo mesmo mal que cerca todos os outros componentes: um pingo de humanidade.

Além das interpretações impecáveis do elenco, a série acerta em manter e ressignificar o conceito do que é Watchmen. Cria-se uma imersão em cada detalhe da atmosfera tão realista e absurda desse universo, como nas cenas em que os poderes do Dr. Manhattan são retratados como ponto-chave da trama. E também no episódio This Extraordinary Being, que conta a origem do Hooded Justice, um personagem quase que irrelevante na história original, mas que casa perfeitamente com a proposta ousada de relacionar as discussões raciais do mundo atual com a narrativa criada há 34 anos. Os roteiristas foram tão ousados quanto Alan Moore e Dave Gibbons em 1986, sem medo de destrinchar completamente a história e, por isso, manter a obra com sua originalidade.

O resultado disso tudo se mostra no fato de que a produção é uma das grandes apostas ao Emmy 2020, liderando a lista de indicados. Das 26 indicações que recebeu, se encontra nas principais categorias, como a de Melhor Minissérie, Ator e Atriz para Jeremy Irons e Regina King, Atriz Coadjuvante para Jean Smart, e três nomeações por Melhor Ator Coadjuvante para Yahya Abdul-Mateen II, Jovan Adepo e Louis Gossett Jr. O já citado episódio This Extraordinary Being concorre como Melhor Roteiro e Direção, sendo o mais marcante de toda a trama, tanto pela proeza técnica, quanto pelo simbolismo que carrega. Nada além do merecido.

Em cenas como a que a frase “é difícil ser um homem branco nos Estados Unidos” é ressoada, a caricatura escancarada de uma realidade tão absurda em que vivemos faz dessa série um marco da televisão americana. Trazendo absolutamente tudo que há de mais urgente na nossa sociedade como um debate global, em rede aberta. Mais uma vez, Watchmen não é sobre heróis, é sobre o agora. É sobre os meros mortais do agora.

O final apressado visou uma conclusão generalizada para a história como um todo, sem se aprofundar muito no destino dos personagens que foram tão desenvolvidos e marcantes desde o início. Mas, ainda assim, a série fecha seu arco com a mesma qualidade de como começou. Uma continuação direta não seria a melhor opção, considerando que existem muitas outras tramas dentro desse universo, talvez um novo caminho seja mais empolgante. Afinal, os ovos precisam ser quebrados.

O post Watchmen é um testemunho atemporal apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitor Evangelista

As séries americanas de comédia passaram por uma bela repaginada nos últimos anos. O consagrado formato de sitcom (comédia de situação) cedeu espaço para produções menos derivadas, e histórias diferentes foram sendo contadas na telinha. Isso, é claro, se refletiu nas premiações. Se, no começo da década, a tradicional Modern Family era aposta certa no bolão, com o passar dos anos outras abordagens receberam o devido destaque e ganharam os holofotes. Olhando apenas para o Emmy dos últimos cinco anos, o grupo de vencedores denota a diversidade.

Veep, a sátira política da HBO, ganhou o caneco 3 anos seguidos, depois da avalanche da família moderna cansar os votantes. Em sua pausa, The Marvelous Mrs. Maisel roubou a atenção. A comédia de uma hora da Amazon perdeu o posto ano passado para outra produção do Prime Video: Fleabag. Singular e dolorosa, a criação de Phoebe Waller-Bridge surpreendeu no Emmy 2019 quando fez a rapa, de surpresa. Chegamos então a 2020, ano caótico tanto nas artes quanto fora delas. Mas nem uma pandemia parou a cerimônia do Oscar da TV. E, após longos anos, assistiremos uma sitcom ‘simples’ e alegre ser aclamada e aplaudida. Está na hora de você conhecer Schitt’s Creek.

O seriado foi produzido pela pequena rede aberta CBC e transmitido pela Pop TV, emissora de TV fechada canadense. Schitt’s Creek sempre viveu na sarjeta, pouco assistida e menos ainda comentada, mas cresceu no boca a boca. A primeira temporada estreou em 2015 e a sexta, o ano final, se encerrou em abril de 2020. A série chamou atenção dos americanos quando foi adicionada no catálogo da Netflix de lá, e virou clássico cult instantâneo. De leva, recebeu 4 indicações surpresas ao Emmy 2019, incluindo Série, Ator e Atriz. Esse ano, o burburinho era maior e Schitt’s Creek estourou a boca do balão no anúncio dos indicados: foram 15 nomeações.

A trama da série é simples. Uma família extremamente rica perde toda a fortuna e acaba indo morar na única posse que o governo lhes permite manter, uma cidade no meio do nada, comprada pelo pai na década de 90, como uma piada no aniversário do filho. Em inglês, existe o trocadilho do nome do local, Schitt’s, se assemelhar a Shit, que significa merda. Localizada no fim do mundo, essa comunidade demora a se adequar às esquisitices dos Rose, e vice-versa. Criada por Eugene Levy e seu filho Daniel Levy (e também protagonizada pela dupla), Schitt’s Creek é uma fábula sobre o amor e sobre o destino.

As seis temporadas brincam com o jeito mimado e egoísta da família que pena para vestir a alcunha da pobreza. O patriarca Johnny Rose (Eugene Levy) é um magnata fracassado, que montou e perdeu um império de videocassete, e a mãe Moira Rose (Catherine O’Hara) é uma atriz iludida. Juntos, eles criaram Alexis (Annie Murphy), avoada e inconsequente, e David (Daniel Levy), que só olha pro próprio umbigo. Os curtos episódios desconstroem as noções e clichês dos desmiolados ex-ricaços, tanto deles dentro das telas, quanto nossos, do lado de fora do monitor.

Johnny Rose é a bondade em pessoa. Generoso e caridoso, o personagem de Eugene Levy é o farol de bom senso da família, e o ator-criador usa de seu carisma infinito para conquistar a nação. Seu papel na trama funciona perfeitamente por contrabalancear algumas forças sobrenaturais da comédia: sua esposa e seu nêmesis/melhor amigo Roland. Interpretado por Chris Elliott, o prefeito da cidade é o bobo do bem. Cheio de tiradas idiotas e uma nojeira comum nos clichês de comédia, Roland foge do ordinário quando demonstra uma benevolência, semelhante à de Johnny, mas em energias opostas. Os homens se complementam, por mais que nunca admitam.

Mas a luz que ilumina Schitt’s Creek é toda energizada em Catherine O’Hara. Velha conhecida de Levy, ela interpreta a personagem mais excêntrica e memorável do Emmy 2020. Moira Rose é delicada, astuta e arisca. Moira Rose é uma clássico instantâneo, um vinho saboroso e uma atriz de renome. E O’Hara pesca todas as deixas e cria suas próprias, seja na entonação que escolhe para se comunicar (be-be), na coleção de perucas enganchadas no quarto ou nas vezes que grita o nome dos filhos.

O’Hara venceu o TCA 2020 na categoria de Comédia e chega como favorita ao Emmy de Atriz Principal. Um lembrete interessante é que ano passado foi Phoebe Waller-Bridge quem saiu vitoriosa no Television Critics Association. Catherine concorre com a antiga campeã Rachel Brosnahan, de Mrs. Maisel, e com a brilhante Issa Rae, de Insecure. A parceria entre Levy e O’Hara não é de hoje, eles possuem bom histórico nos prêmios pois, juntos, faturaram estatuetas de roteiro para especial de variedades, em 1982, por SCTV Network. 

Se Eugene Levy já é um ator consagrado na indústria, seu filho Daniel é a grande pérola escondida da série. Irônico em demasia e cheio de peculiaridades, David Rose é um coringa em qualquer baralho. A interpretação de Dan Levy acentua as qualidades do personagem, principalmente ao lado da irmã Alexis e do companheiro Patrick (Noah Reid). O romance LGBT começou na terceira temporada, num contexto da rede aberta canadense, algo inédito para a grade televisiva de lá. Não obstante em colocar protagonismo no casal de homens, Schitt’s Creek em momento algum se preocupa em rotular suas figuras.

Patrick e David vivem sua vida sem pressões ou julgamentos. Schitt’s Creek, o lugar fictício, é uma terra mágica, sem homofobia ou discriminação. Distante dos preconceitos e males do mundo real, a história se cerca de amor, e seus personagens transbordam compaixão. Stevie Budd (Emily Hampshire) passa por uma porção de relacionamentos, mas nunca tem a obrigação de levantar bandeiras. A personagem, que se veste com roupas tipicamente masculinas, é interpretada por uma atriz pansexual. Já Dan Levy é gay, assumido desde os 18 anos, e na vida real parece encontrar o mesmo carinho que provém de sua família da série.

O par de vaso de David é Alexis. A personagem veste a carapuça da patricinha fútil mas é quem mais evoluiu na trama. Os 80 episódios analisam as ações de Alexis sob o microscópio da vida, ela erra, se frustra, chora e levanta a cabeça. No quesito desenvolvimento, a filha é quem mais enriqueceu Schitt’s Creek. Algo semelhante pode ser enxergado na já citada Modern Family, dessa vez sobre Haley Dunphy (Sarah Hyland). A garota, que batalhou para ser levada a sério tanto pessoal quanto profissionalmente, é quem recebe com graça o título de melhor construção e desfecho. Talvez os rótulos de futilidade e burrice sejam inerentes a uma conclusão primorosa, o certo é que tanto Haley quanto Alexis dão adeus às séries muito mais maduras que antes.

A comédia da Pop TV sai na frente em algumas categorias do Emmy 2020. Tanto Melhor Comédia, quanto Melhor Atriz parecem estar no papo. Catherine O’Hara submeteu o capítulo The Incident, onde Moira se atrapalha numa live de rede social. Na disputa de Melhor Ator, Eugene Levy concorre pelo emocionante e tocante The Pitch, ponto de virada tanto para o personagem quanto para a série. Todavia, ele pode ser surpreendido pela zebra Ramy Youssef, astro de Ramy, que já venceu o Globo de Ouro.

Em Ator Coadjuvante, Dan Levy é favorito, mas pode encontrar dificuldades com Mahershala Ali, também de Ramy, e o veterano Tony Shalhoub, que faz Mrs. Maisel. O Levy filho submeteu o final da série, Happy Ending. O episódio de sua irmã na ficção é The Presidential Suite, um desfecho amargo e incômodo para um relacionamento de Alexis. Annie Murphy provavelmente não fechará o quarteto vitorioso de Schitt’s Creek, isso pela força do furacão Alex Borstein, que já ganhou nos últimos dois anos por Maisel e deve gritar tri no domingo.

A series finale, Happy Ending, foi indicada pelo roteiro de Dan Levy e pela direção do próprio ao lado de Andrew Cividino. A submissão de Alexis, The Presidential Suite também está na categoria de Roteiro, com créditos à David West Read. Nas técnicas, Schitt’s Creek concorre por Elenco, Figurino, Edição e Penteado, entre outras, a maioria para o episódio 14, que encerra a série. A temporada final aumentou o número de capítulos para, além de estender a trama, finalizar com propriedade e dimensão a jornada dessa querida família.

Existe quase que um consenso ‘negativo’ rondando seriados mais simples em sua formação e desenvolvimento. Na enxurrada de comédias autorais e mirabolantes, Schitt’s Creek pode ser taxada de boba ou leviana, erro grotesco de quem nunca entrou em contato com as belezuras e a mágica desse lugar no meio do nada, com nome de merda e habitado por pessoas de bom coração.

Premiar Schitt’s Creek num ano tão conturbado no mundo real, cheio de tragédias e medo, é uma atitude louvável, e que recompensa o final feliz, pelo menos no mundo da ficção. Não sabemos o porquê das coisas acontecerem, só que elas acontecem. E pela existência de algo tão singelo, tão singular e tão bondoso como essa série, só podemos ser gratos.

O post De boba, Schitt’s Creek não tem nada apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Raquel Dutra

“Deus esperava demais de mim” responde decididamente Esther Shapiro (Shira Haas) ao ser perguntada sobre o porquê de repentinamente ter deixado sua comunidade judaica ultra-ortodoxa situada em Nova Iorque, evento que inicia Nada Ortodoxa, da Netflix. Apresentando o passado e o presente da jovem que com apenas 19 anos encarava um casamento arranjado e frustrado com Yanky Shapiro (Amit Rahav), a narrativa explora sua profunda sensação de não-pertencimento diante da comunidade onde cresceu e sua conflituosa jornada em busca da sua liberdade.

O pretexto da série já é poderoso por si só, mas o desenrolar dele se revela ainda mais: sem retratar uma quebra com a religião de forma rasa, Nada Ortodoxa (Unorthodox, no título original) escancara as dificuldades externas e os conflitos internos que sua protagonista precisa enfrentar para se tornar dona de seus próprios caminhos. Nessa direção, embora Esty (como é carinhosamente apelidada) não esclareça e diferencie no momento em que verbaliza o motivo de sua partida, ao decorrer dos 4 episódios, a personagem entende a situação e direciona o rumo da narrativa a um lugar interessante e não óbvio em obras que tratam das problemáticas de religiões conservadoras e repressivas. Em alguns casos, como o dela, o problema não é Deus ou a espiritualidade, mas o que religiosos fazem em nome dele e dela, a partir da legitimação da religião. 

Acima de tudo, a minissérie é uma imersão cultural. Gravada principalmente em iídiche, Nada Ortodoxa é carregada de simbologias, rituais e costumes da comunidade Satmar, uma das maiores dinastias judaicas do mundo. Esta a qual Esty pertence foi estabelecida em Williamsburg, na cidade de Nova Iorque, depois da Segunda Guerra Mundial por sobreviventes do Holocausto. Extremamente marcados pelos horrores provocados pelo nazismo, a obediência que o povo tem aos preceitos da religião que a série retrata é permeada pelo medo e pelos traumas, fazendo com que o povo viva sem qualquer contato com o restante da sociedade. 

Essa composição recai ainda sobre outra construção que fundamenta a trama de Nada Ortodoxa e o drama de Esty: a frieza da comunidade. Embora sejam mostrados com riqueza de detalhes, seus retratos não apresentam qualquer relação profunda com o espiritual, elemento fundamental em qualquer religião. Concentrando-se nas questões dogmáticas, os momentos protagonizados pelos Satmar são mecânicos e demonstram uma insensibilidade generalizada para com situação de Esty. E é aqui que reside a maior crítica à série. Segundo membros da religião e até mesmo alguns que deixaram comunidades judaicas ultra-ortodoxas assim como a protagonista, a situação delicada de Esther jamais seria tratada daquela forma na vida real.

Assim, tendo essas nuances em vista, algo que cabe à nós, indivíduos de fora de ambientes culturais já tão estigmatizados social e historicamente, é o cuidado. Antes de tomar conclusões externas, é necessário sempre termos em mente de o que estamos assistindo é uma perspectiva, um recorte. Por isso, críticas sobre a situação não devem de forma alguma se estruturar superficialmente somente sobre a trama. Especialmente quando direcionadas às mulheres que por vontade própria acatam estes preceitos e sentem-se confortáveis vivendo dentro deles. 

Voltando à narrativa, é no berço de todos os traumas que assombram sua comunidade que a protagonista busca sua nova vida: Berlim, na Alemanha. Frequentemente confrontada por memórias do Holocausto, cenários da Segunda Guerra Mundial, lembranças do nazismo e pelo estilo de vida do jovem moderno que até então ela desconhecia totalmente, a escolha deste cenário obriga Esty a admitir e enfrentar seus demônios. 

Além dessa chave interessante para a trama, a escolha pela cidade se dá por mais uma razão: é onde sua mãe, que também deixou a comunidade, vive atualmente. Leah Mandelbaum (Alex Reid) abandonou Williamsburg e um casamento infeliz com o pai de Esty, acometido pelo alcoolismo. Depois de tentar reconstruir sua vida junto da filha e ser barrada pelo movimento Satmar, Leah buscou abrigo em Berlim.

Devagar, Nada Ortodoxa inicia um aprofundamento na relação da jovem com sua mãe, que desde o início foi mínima e distante, intermediada pelos outros membros religiosos de sua família. Em um dado momento da história, depois de muitas dificuldades na cidade alemã, a jovem busca como último recurso a ajuda da mãe. Ambas cientes de que construir uma relação não seria fácil, se revestem de compreensão e apoio mútuo. Nesta altura da série, Esty se transforma na jovem de 19 anos que ela é, se despindo da esposa compulsória que ela tentava ser. Ali é que mora um dos pontos mais tocantes da narrativa, que infelizmente não encontra espaço entre os apenas 4 episódios para ser devidamente aproveitado. 

O roteiro de Anna Winger e Alexa Karolinski trabalha com três contextos diferentes: Esty em Berlim, no “presente”; seu passado, antes de fugir; e a comunidade em Nova Iorque debatendo sua fuga e o que farão diante da situação. Com coesão e dosando flashbacks com os momentos atuais, uma curiosidade pelo passado vai sendo criada, assim como pelo que Esty fará no presente. 

Existe ainda um outro elemento que, aliviando a densidade emocional da trama por um lado, tensiona ainda mais por outro. É o suspense que o texto cria, estruturado na personagem de Moishe (Jeff Wilbusch), primo de Yanky que embarca junto para Berlim em busca de Esty. Sua figura inescrupulosa e caótica é totalmente imprevisível, e supera cada vez mais os limites que imaginamos para até onde ele pode ir para cumprir a “missão” que lhe foi dada.

É nele também que estão retratados os privilégios masculinos dentro de uma sociedade profundamente patriarcal. A fuga de Esty é motivo para escandalizar a todos, enquanto Moishe, subvertendo vários preceitos e morais do judaísmo ultra-ortodoxo, não é encarado com a mesma firmeza. Inclusive, passar por cima desses dogmas é algo que o próprio líder religioso faz, permitindo que essas transgressões, junto da personalidade problemática de Moishe, sejam usadas para localizar Esty. Alcoolismo, vício em jogos, frequentes visitas a casas de prostituição… nenhuma dessas violações da moral judaica causam tanta revolta quanto Esty se retirar da religião, e desde que ele traga a jovem de volta, o rabino garante que “Deus o perdoará”.

Entre muitas emoções, um sentimento é permanente e irresistível: a esperança que Esty tenha o melhor final possível, construído junto da interpretação da brilhante Shira Haas. Ela convence e constrói sentimentos com o público em todos os momentos: desde a jovem amedrontada se preparando para o casamento, passando pela noiva que tenta se animar ainda receosa e pela esposa infeliz, até chegar na Esty que se permite entender e tentar se encaixar numa sociedade completamente diferente de tudo o que ela conhece.

A construção da protagonista é poderosa pelas nuances que carrega. Mesmo com uma certa distância cultural, alguns aspectos das vivências da personagem podem ser encontradas nas mulheres a nossa volta que tiveram suas vidas, relações e aspirações sufocadas pelas estruturas patriarcais. Lembramos de pelo menos quatro mulheres que conhecemos quando Esty, num momento de desespero, reconhece com uma dor abissal que está sozinha, sem educação formal e sem dinheiro (levantando uma questão muito importante sobre mulheres que permanecem em ambientes violentos e/ou repressivos por dependência financeira). Reconhecemos com pesar que o silêncio das mulheres enquanto os homens discutem entre si, inclusive sobre o destino e paradeiro de Esty, também é universalmente fidedigno à realidade, assim como a reação silenciosa e dolorosa da jovem a um possível estupro.

A atriz por trás da profunda Esty chamou a atenção da Academia Televisiva. Surpreendendo a todos, a jovem israelense teve sua interpretação merecidamente agraciada com a indicação de Melhor Atriz em Minissérie no Emmy 2020, concorrendo pelo título ao lado das brilhantes veteranas Regina King, Octavia Spencer e Kerry Washington. 

Embora já fascinante o suficiente, não foi só a atuação de Shira que colocou Nada Ortodoxa sob os holofotes do Emmy. O roteiro do primeiro episódio, escrito por Anna Winger, concorre pelo Melhor Roteiro em Minissérie e a diretora Maria Schrader marca presença entre os indicados a Melhor Direção em Minissérie. O drama da Netflix também foi indicado a Melhor Minissérie, ao lado de grandes produções como Mrs. America, Unbelievable, Pequenos Incêndios Por Toda Parte e a queridinha para o título, Watchmen.

O que motiva Esty a tomar as rédeas da própria vida é um verso do Talmud, uma coletânea de livros sagrados ao judaísmo. Atribuída ao profeta Hillel, considerado “o menos sentencioso e o mais tolerante” dentre os sábios judeus, a frase “Se não for eu, então quem será? Se não for agora, então quando será?” foi verbalizada em um momento de determinação, quando ele decide ir atrás do que sente ser sua verdadeira vocação. Diferente da interpretação corriqueira que os judeus ortodoxos dão aos versos, Esty os trás para a própria realidade – que curiosamente muito se assemelha a do profeta -, questionando-se: se não eu mesma, quem fará por mim? Se não for agora, quando? 

Isso é uma analogia ao que Esty faz durante toda a história. A jovem, que é a alma e o corpo da minissérie, vai entendendo quem ela é e de que forma sua espiritualidade constitui uma parte importante da sua identidade. Se distanciando da religião sem se abster totalmente da sua fé, encontra nela um refúgio que reafirma um pedaço pequeno e profundo da sua essência, em meio a um cenário hostil, desconhecido e gerador de ainda mais conflitos. Aí é que ela encontra a chave para seguir seu caminho: fazer tudo à sua maneira, respeitando seu passado e reformulando seu presente.

Assim como Shira, adoraríamos uma segunda temporada de Nada Ortodoxa para conhecermos mais alguns personagens e permanecer na companhia de Esty por mais tempo. Algumas pontas soltas foram deixadas, mas o ponto principal é finalizado com sucesso, graças à sabedoria e coragem da personagem que abalam algumas concepções nossas e nos provocam a sair de algumas caixinhas.

Por fim, Nada Ortodoxa estabelece um exercício para o espectador também, pois diante dos conflitos de Esty precisamos olhar com calma e entender a complexidade de sociedades religiosas. Assim, enquanto reconstruímos algumas noções de religião, espiritualidade, modernidade e refletimos cuidadosa e respeitosamente sobre a condição de mulheres em religiões conservadoras, celebramos e permanecemos ao lado de todos que das mais diversas formas reivindicam o direito de decidirem sobre suas próprias vidas.

O post Nada Ortodoxa é reconstrução e celebração apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.