2020 começou chutando as portas dos eventos inéditos. No Oscar, Parasita abocanhou a estatueta mais importante da noite; no Grammy, Billie Eilish quebrou um recorde de 39 anos e se tornou a primeira mulher a ganhar o Big Four, os quatro prêmios principais, em uma mesma noite (Álbum do Ano, Gravação do Ano, Música do Ano e Artista do Ano).

E um pouco depois disso o mundo acabou.

A partir de março nos vimos num limbo temporal e espacial, onde a arte era a nossa melhor amiga, nossa única distração, nossa única oportunidade de viajar, e tudo mais que você já deve ter cansado de ler nesse ano. Sem a possibilidade de fazer shows, assistimos pequenos e grandes artistas se virarem nos 30 com lives diversas. Os nomes gigantes do mainstream perderam uma receita ou outra nesse tempo, mas é com os independentes que devemos nos preocupar. Sem dinheiro não há música, e é agora que saberemos as consequências reais disso tudo. Por enquanto, só podemos esperar que as promissoras vacinas façam o segundo semestre de 2021 seguro o suficiente para retornarmos com os shows.

Para os que tinham estrutura e condições de produzir em casa, 2020 foi mais interessante. Charli nos deu o colaborativo how i’m feeling now e Taylor surpreendeu o mundo com seu folklore e o novíssimo evermore (e dizem as línguas que a terceira irmã está vindo). No Brasil, vimos artistas como Silva, Sandy e Adriana Calcanhotto também lançarem seus projetos frutos do isolamento social.

O dia infinito que foi 2020 ainda trouxe mais uma porrada de coisas: a volta bíblica de Fiona Apple e a primeira nota 10 em uma década, da impiedosa Pitchfork; a xenofobia sofrida por Rina Sawayama ao ser considerada ‘não elegível‘ para o British Music Awards mesmo sendo britânica; o racismo sofrido por The Weeknd ao não ser indicado ao Grammy 2021 nas categorias principais; a febre de documentários de artistas (Ariana Grande, Shawn Mendes, BLACKPINK, Taylor Swift…); e tantos outros acontecimentos.

Justin Timberlake já dizia em seu The 20/20 Experience: o ontem é história e o amanhã é um mistério. Se 2021 vai ser melhor? Torcemos que sim. Por agora, você pode conferir Os Melhores Discos e EPs que salvaram o apocalíptico ano de 2020, elencados pela Editoria do Persona e por nossos colaboradores.

Raquel Dutra

Nenhum lugar foi capaz de proporcionar maior consolo e conexão em 2020 como a música. Taylor Swift talvez tenha sido a artista que mais compreendeu isso e as necessidades atípicas do ano. Mudando totalmente sua estética e sonoridade, mas nunca a sua essência, em agosto, de surpresa, ela nos presenteou com as histórias íntimas e aconchegantes de folklore, e ganhou o mundo inteiro com ele. Já rasguei elogios para o álbum aqui, então, agora, vou me contentar em coroá-lo com meu primeiro lugar. Só que, não satisfeita, a fome criativa de Swift ainda dividiu conosco a irmã mais nova, mais solta e animada do primeiro álbum, evermore, como uma forma de celebrar seu aniversário de 31 anos (que não vai repetir o nome de Taylor no meu top 5, mas vale a lembrança). Outra menção honrosa é CTV3: Cool Tape Vol.3, disco lindo do Jaden, que consegue colocar em canções a doçura do amor, as delícias de viver, a liberdade da vida e a paz de assistir um pôr-do-sol. 

Chegando nas mais alegrinhas, YHLQMDLG do Bad Bunny quase começava a tocar sozinho quando era hora da faxina ou de lembrar para o meu corpo o que era a vitamina D e a endorfina com uma caminhada pelo quarteirão.  No maior país da América Latina, o ano foi de Marcelo D2 e Assim Tocam os MEUS TAMBORES. A obra-prima do artista transcende a ideia de um registro fonográfico tradicional, concretizando um trabalho transmídia grandioso em significado, identidade e importância para a produção cultural brasileira.

De volta ao top 3, dominado pela calmaria necessária para domar a ansiedade de 2020, a serenidade, constância e charme de Lianne La Havas também me capturaram, especialmente com Green Papaya, Please Don’t Make Me Cry, Sour Flower e, claro, a majestosa Bittersweet. O esperado ALICIA também merecia um lugar nesta lista só pela sua carro-chefe, Underdog. Ela vem ao lado de delícias como So Done, Gramecery Park e A Beautiful Noise, e também das batidas mais sexys de 3 Hour Drive e Show Me Love. O hino aos ‘oprimidos’ ainda se junta à injeção de ânimo que Keys direciona aos corações, corpos e mentes cansados em Good Job; e, assim, a artista transfere todo seu calor e esperanças divinos para quem teve um ano especialmente difícil. “Você está fazendo um bom trabalho” e “Continue se prendendo ao que você ama”, ela canta em apoio aos sobreviventes do ano da pandemia, e ainda deixa um verso que é quase uma promessa para 2021: “Muito em breve você irá se erguer.” Amém, Alicia.

Discos Favoritos: 1. Taylor Swift – folklore / 2. Alicia Keys – ALICIA / 3. Lianne La Havas – Lianne La Havas / 4. Marcelo D2 – Assim Tocam MEUS TAMBORES / 5. Bad Bunny – YHLQMDLG

Elder John

Apesar das dificuldades de 2020, o rap nacional se mostrou muito presente no quesito de lançamentos, com grandes nomes da cena se destacando. Falar sobre o BK’, Djonga e Rashid é redundante, cada um no seu estilo, com assuntos importantes e a qualidade que já conhecemos.

Ainda devo ressaltar Diomedes Chinaski se colocando no mesmo patamar. Prometeu o disco do ano e trouxe um produto completo: conceito, musicalidade e relevância.

Por outro lado, no funk tivemos muitos lançamentos importantes, com o Hariel sendo um dos poucos que incorporaram a cultura dos discos. Normalmente, os artistas só lançam singles, como foi o caso do MC Paulin da Capital, um dos principais nomes do gênero que não pôde aparecer na lista.

Discos favoritos: 1. BK’ – O líder em movimento / 2. Diomedes Chinaski  – Crocodiloboy / 3. Djonga  – Histórias da Minha Área / 4. MC Hariel – Avisa que é o Funk / 5. Rashid – Tão Real

Ana Laura Ferreira

Mais do que nunca, a música embalou nossas vidas em 2020, ressignificando ou até mesmo dando significado aos difíceis momentos que enfrentamos. E, apesar da divulgação interrompida, adiamento de shows e uma grande incógnita que ainda permanece, é reconfortante saber que, mesmo assim, as trilhas sonoras não pararam. Em meio a diversos álbuns, os que, para mim, se destacam foram aqueles que trouxeram intimismo, profundidade e também alegria para a quarentena.

Queria poder citar dezenas de discos que escutei repetidamente, contudo, confesso que foi fácil decidir o top 3. No topo está o álbum surpresa mais falado dos últimos meses: folklore trouxe uma Taylor Swift mais aberta, crua e livre como nunca visto antes. Seu irmão gêmeo, evermore, ficou com o terceiro lugar por atingir o mesmo nível de perfeição que o primeiro, mas ainda não ter conquistado um espaço tão grande em meu coração quanto a sinfonia em branco e preto.

Entre os dois está After Hours, que, mesmo não sendo o número um por conta do meu gosto pessoal, é, sem dúvida alguma, o melhor álbum de 2020. Dançante, incisivo e atemporal, essa é a obra que nos lembraremos quando perguntarem sobre o ano da quarentena. E, junto ao The Weeknd, Dua Lipa e Don’t Start Now marcaram as rádios mundo afora. Entretanto, não poderia, de forma alguma, deixar passar o renascimento de Selena Gomez em Rare, mais linda e empoderada do que nunca. 

Discos favoritos: 1. Taylor Swift – folklore / 2. The Weeknd – After Hours / 3. Taylor Swift – evermore / 4. Dua Lipa – Future Nostalgia / 5. Selena Gomez – Rare

Jho Brunhara

Até então, Ellie Goulding se encontrava em uma posição desconfortável: depois do insosso Delirium (2015), a cantora perdeu o interesse dos amantes do pop, ao mesmo tempo que passou a soar genérica demais para manter o interesse do mundinho alternativo. Esse talvez seja um dos motivos que justificam Brightest Blue ter passado tão despercebido em 2020, mesmo sendo o trabalho mais coeso, íntimo e sincero da artista. A outra razão pode ser a terrível exigência da Polydor Records em favorecer os featurings ultrarradiofônicos da segunda parte do CD, em vez de divulgar o projeto em si. Agora é tarde, e de gravadoras incompetentes o mundo está cheio, Ellie infelizmente não será a primeira nem a última a passar por isso. Mesmo com essa pista de obstáculos, Goulding entregou o melhor projeto da sua carreira e se coloca de volta ao mapa: Brightest Blue transborda honestidade, melodias de encher a sala e um sinal claro de que a mente por trás do Halcyon (2012) não perdeu uma gota sequer de sua visão e talento.

O ano também foi delas: Chloe x Halle provam que o R&B e o pop podem andar lado a lado sem depender dos mesmos recursos de sempre. As irmãs apadrinhadas por Beyoncé deixaram a inocência de lado para o maravilhoso Ungodly Hour. Já Troye Sivan e Christine and the Queens brilharam com seus respectivos EPs. In A Dream é uma viagem pela mente de um Troye despido de toda a parafernália superproduzida de seus projetos anteriores, e mostra sua força como compositor. La vita nuova consolidou mais uma vez Christine como uma das vozes para se ficar atentíssimo, e a faixa-título com Caroline Polachek é uma das melhores coisas proporcionadas por 2020.

Por fim, chegamos em Georgia. A talentosíssima compositora e produtora britânica abriu o ano passado, em janeiro, com Seeking Thrills. A artista é claramente influenciada por Robyn, e talvez, nas devidas proporções, About Work The Dancefloor é uma prima muito próxima (e mais feliz) de Dancing On My Own. Regado a paixão e sintetizadores, o disco é um dos imperdíveis de 2020. Menções honrosas: o cheio de juventude Kid Krow, de Conan Gray; o genuíno SAWAYAMA, de Rina Sawayama; o flashback futurista Future Nostalgia, de Dua Lipa; e o avassalador Punisher, de Phoebe Bridgers.

Discos favoritos: 1. Ellie Goulding – Brightest Blue / 2. Troye Sivan – In A Dream (EP) / 3. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 4. Christine and the Queens – La vita nuova (EP) / 5. Georgia – Seeking Thrills

Henrique Gomes

O ano de 2020 na música e a música no ano de 2020, uma dicotomia confusa, porém gritante quando se olha em retrospecto. Se trata da divisão entre sons que te levam para um campo de paz e conforto em tempos difíceis, e sons que te mostram o caos mundial impresso em cada detalhe. Na linha dos acalantos, o disco Philadelphia, de Shabason, Krgovich & Harris, caiu como uma luva ao manusear o ambient, o new age, o R&B e o jazz para moldar um retrato minimalista e sutil do cotidiano.

Outro álbum foi o Decision Time, de Charles Webster, em que o deep house é dilacerado entre sons de trip-hop e ambient, com as mais variadas influências, seja na bossa-nova ou no blues, cada detalhe do som gera uma meditação sombria e necessária. Um disco como Alfredo, de Freddie Gibbs & The Alchemist, serviu como um devaneio ao ouvinte, em que o produtor e o rapper dialogam e executam o conceito nu e cru do hip-hop entre beats, flows e participações variadas, levando o espectador para longe dentro de suas ambiências e texturas cinemáticas, narradas sob a voz tão raivosa quanto serena do rapper de Indiana.

O outro lado da moeda são os sons experimentais, barulhentos, porém belos. Como, por exemplo, o SAWAYAMA, de Rina Sawayama, em que a cantora/produtora faz um casamento entre o nu-metal, hyperpop, dance, entre várias outras influências, enquanto discorre sobre sua identidade, soando como algo extremamente caótico e criativo dentro do pop. Para finalizar, o que há de mais fiel ao que passa pela cabeça de qualquer um durante uma desordem mundial é o disco Piorou, de Tantão e os Fita. O trio rasga todas as possibilidades de adequação à lógica ao fazer músicas completamente desordenadas e barulhentas dentro da instrumentação eletrônica e industrial. A fragmentação de frases e repetição de termos são extremamente profundas quando colocadas nesse contexto sonoro e social. Eis o som de um trauma. Deixo também minhas menções honrosas: Fontaines D.C – A Hero’s Death; The Koreatown Oddity – Little Dominiques Nosebleed; Lianne La Havas – S/T; Destroyer – Have We Met; 100 gecs – 1000 gecs and The Tree of Clues; Cícero – Cosmos; e Dehd – Flower of Devotion.

Discos Favoritos: 1. Tantão e os Fita – Piorou / 2. Freddie Gibbs & The Alchemist – Alfredo / 3.  Rina Sawayama – SAWAYAMA / 4. Charles Webster – Decision Time /  5. Shabason, Krgovich & Harris – Philadelphia

Vitor Evangelista

Já virou costume meu abrir as listas de fim de ano condecorando os trabalhos que não passaram do corte, então vamos lá. Depois de florescer, Troye Sivan se aventurou pelos sonhos. Lauv usou dos clichês para expressar com alívio sentimentos da solidão. Conan Gray saiu do ninho. E, do tédio do isolamento social, Charli XCX dedilhou inspirações fenomenais. Vocês se lembram do álbum sensual que Ariana Grande prometeu com seu lançamento de 2020? Pois bem, foi Kali Uchis quem o entregou. Sin Miedo liquidifica o lado sexy da cantora, brindando nossos ouvidos com uma parafernália de influências latinas, sem nunca deixar de lado sua assinatura classuda. la luz(Fín) já nasceu clássico.

Antes de pintar os cabelos de vermelho e se aventurar pelos sete mares, Halle teve tempo de nos hipnotizar ao lado da irmã Chloe no R&B mais possante do ano. A hora ímpia a que a dupla tanto se refere em Ungodly Hour é o melhor momento do dia. Elas são tão charmosas e inebriantes confessando um assassinato em Tipsy quanto implorando pela saída fácil de uma relação dolorosa em Don’t Make It Harder On Me. O quarteto britânico The 1975 deu adeus às estribeiras e, ao invés de lançarem um disco, o resultado final de Notes on a Conditional Form soa como uma playlist (mas sempre de muito bom gosto). Jesus Christ 2005 God Bless America e If You’re Too Shy (Let Me Know) concentram o suco do talento dos músicos. 

E não foram apenas as irmãs Bailey que merecem o Tocantins inteiro em 2020. As HAIM, instrumentalistas estudadas e artistas louváveis, liberaram Women in Music Pt. III cantando sobre namoros ruins, jornalistas mal intencionados e, o mais importante, sobre elas mesmas. O ano não nos entregou nada melhor que The Steps, música para ouvir com o fone no volume máximo e tocando bateria no ar. O pódio é reservado para a cantora com o melhor desempenho na hora de criar músicas-reflexo de sua própria alma. Phoebe Bridgers é mestre em transformar os anseios da depressão e do desconforto em canções espirituais, suas letras específicas crescem pela honestidade. Seu Punisher exorciza 2020. No fecho de I Know The End, Phoebe grita até os pulmões sangrarem, e, ao som de seu lamurio libertador, damos adeus junto dela.   

Discos favoritos: 1. Phoebe Bridgers – Punisher / 2. HAIM – Women in Music Pt. III / 3. The 1975 – Notes on a Conditional Form / 4. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 5. Kali Uchis – Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ 

Leonardo Teixeira

A música salva – em 2020, mais do que nunca. Um dos grandes assuntos musicais do ano passado foi o revival da disco music (como se a dita cuja tivesse morrido algum dia). Dentre várias versões manjadas do som imortalizado por Donna Summer, Giorgio Moroder e Nile Rodgers, dois lançamentos se destacaram. O groove sensual da britânica Jessie Ware em What’s Your Pleasure?, e a veterana Róisín Murphy, com o desafiador e aventureiro Róisín Machine. Só por essas duas, o ano já estava ganho.

Mas teve muito mais coisa boa. Dar play em Set My Heart on Fire Immediately é ouvir o som do peito atordoado de Perfume Genius se rasgar todinho, uma das experiências imperdíveis do ano. Enquanto isso, Chloe x Halle mostraram que sabem a que vieram com o seu Ungodly Hour; o homônimo de Lianne La Havas foi pura perfeição acústica; me apaixonei por Bad Bunny, o maior, mais estiloso e prolífico nome da música latina atual; e Thundercat deu o nome com o soul/funk bem-humorado e cheio de experimentações de It Is What It Is.

Experiências mais curtas também ganharam meu coração em 2020. Os EPs de Christine and the Queens, Shygirl, Tkay Maidza e Troye Sivan foram grandes vitoriosos, enquanto CORPO SEM JUÍZO, a estreia da Jup do Bairro, injetou as doses cavalares de força que tanto precisei. O mantra “All you need is love/Tenho tanto pra te dar” deu o tom de um ano que começou esperançoso, desmoronou lá pelo terceiro mês, mas fechou bem, cheio de amor por aqui.

Discos favoritos: 1. Jessie Ware – What’s Your Pleasure? / 2. Perfume Genius – Set My Heart on Fire Immediately / 3. Róisín Murphy – Róisín Machine / 4. Bad Bunny – YHLQMDLG / 5. Lianne La Havas – Lianne La Havas

Giovana Guarizo

Como uma boa selenator, eu não poderia deixar de exaltar o álbum da minha artista favorita. Depois de quatro anos, Selena Gomez finalmente lançou Rare, o qual eu não parei de ouvir o ano todo (é sério, todas as músicas do disco estão na minha retrospectiva do Spotify). Repleto de mensagens sobre autoconfiança, amor próprio e superação, foi um dos álbuns pop mais aclamados neste ano caótico. Apesar dela seguir o conceito de “raro” e ser a única a não divulgar um novo trabalho, no meu ano, ele fez sentido em momentos psicologicamente necessários. Mas, por incrível que pareça, Rare, na verdade, é o meu top 2. O top 1 só poderia ser de The Weeknd. Tudo vindo dele brilha, mas After Hours é, de longe, o melhor que ele já nos concedeu. Um CD que se difere por se inspirar nos anos 80, mas que não consegue largar o R&B atual. Sem contar que o cantor manteve um fantástico personagem desde o final de 2019, o qual perdura até agora. Uma era longa, mas que, com certeza, valeu a pena ser vivida. Abel Tesfaye trouxe o que eu precisava na sua penumbra musical. Na calada da noite, eu ouço Too Late sem parar.

Um artista que entregou tudo e se revelou ainda mais esse ano foi Joji. O eterno pink guy transferiu a autenticidade dos seus vídeos do Youtube para a música, e eu amei. O álbum Nectar reuniu 18 músicas impecáveis e que me viciaram logo de cara. Eu já não parava de ouvir o BALLADS 1, de 2018, e com o disco de 2020 tive a mesma reação. A loucura de Joji me anima e o novo CD é, sem dúvidas, uma experiência valiosa. O cantor japonês me dá altas expectativas e me deixa ansiosa para futuros projetos.

No cenário nacional, não teve como não me impactar com O líder em Movimento, do rapper BK’. A faixa Pessoas é a minha favorita, ouso dizer que a melhor do CD, e com o sample de Minha Gente de Erasmo Carlos ficou realmente difícil errar. O disco é um grito antirracista, necessário e que, definitivamente, me fez passar horas ouvindo essa aula. E, como de costume, não consegui passar o ano sem as sofrências. Dessa vez, de um jeito mais animado, com Barões da Pisadinha. Os baianos encantaram o Brasil e lançaram o DVD Novo dos Barões da Pisadinha Ao Vivo, o qual é cheio de sucessos. Foi praticamente impossível não dar ouvidos ao trabalho deles nas rádios ou no topo de qualquer plataforma de streaming. Uma dupla que tem muito pela frente e que, se depender de mim, o stream continua em 2021.

Discos favoritos: 1. The Weeknd – After Hours / 2. Selena Gomez – Rare / 3. Joji – Nectar / 4. BK’ – O líder em Movimento / 5. Barões da Pisadinha – DVD Novo dos Barões da Pisadinha Ao Vivo

Vitória Lopes Gomez

Pra sobreviver o filme de terror que foi o ano passado, só com uma boa trilha sonora, o que não faltou em 2020. Tentando organizar um pódio de álbuns, sofri por ter de deixar muitos de fora. Para começar, não consegui não coroar The 1975 em primeiro lugar, talvez por ser fã de longa data, talvez porque Notes on a Conditional Form é o álbum mais desafiador que tive o prazer de tentar entender. Passeando por gêneros e sonoridades, sem se preocupar com a coesão, a banda entrega uma bagunça, no melhor sentido: ao mostrar sua versatilidade, a cada faixa, The 1975 evoca e inspira uma emoção diferente, e torna cada play em Notes uma experiência única. O grupo inglês, ainda, foi a inspiração para o The Aces conceberem o meu segundo lugar, o Under My Influence. Misturando solos de guitarra e melodias pop dançantes como acompanhamento para retratar os problemas, as inseguranças e as belezas da juventude moderna, o álbum torna-se ainda mais pessoal ao ser cantado pela banda de mulheres LGBTQ+.

E no ano atípico (que provavelmente é a palavra mais falada em 2020), aproveitei para explorar novos gêneros, e me rendi ao folklore. Que Taylor Swift é uma força eu já sabia, mas mergulhar nas letras honestas e intensas escritas por ela me fez sentir de tudo um pouco e a ficha caiu. Quem explorou outros estilos também foi Machine Gun Kelly, de quem eu não era grande fã até ouvir seu novo trabalho, Tickets to My Downfall, que difere das produções antigas do rapper e ganha meu quarto lugar. O álbum traz letras descontraídas e outras brutalmente honestas, sempre embaladas por um divertido e estimulante pop punk, à la blink-182.

O meu quinto lugar (que só ficou nessa posição porque fiz um uni-duni-tê para elencar) vai para Cool Tape Vol. 3 do Jaden, que me fez querer dançar pela rua, me apaixonar e mudar o mundo, tudo ao mesmo tempo. Infelizmente, quarentenada em casa, tudo o que eu pude fazer foi balançar na sala ao som das batidas animadas e encarar o teto pensativa enquanto escutava o artista cantar sobre o amor. Ainda, em uma menção honrosa, lembro do EP In a Dream do Troye Sivan, que surtiu o mesmo efeito em mim. A torcida é para que, em 2021, as danças não fiquem restritas às nossas salas de estar.

Discos favoritos: 1. The 1975 – Notes on a Conditional Form  / 2. The Aces – Under My Influence / 3. Taylor Swift – folklore / 4. Machine Gun Kelly – Tickets to My Downfall / 5. Jaden – Cool Tape Vol. 3

Gabriel Gomes Santana

Há quem diga que 2020 foi o ano das trevas, mas o capeta também trouxe coisas boas. Os ‘cidadãos de bem’ que me desculpem, Power Up veio com tudo na primeira posição por ser um clássico! Sim, estou falando do disco de retorno de uma das maiores bandas de rock já existentes: AC/DC. Com treze faixas que farão você querer entrar em êxtase, os velhinhos Brian Johnson, Phil Rudd, Clif Williams, Angus e Steve Young ainda sabem como fazer uma “sonzera” como poucos! 

Na mesma pegada, James Hetfield nos relembrou o porquê de sua originalidade. O mais novo álbum, S&M2, reúne o que há de melhor entre harmonias completamente opostas: metal e música clássica. Em terceiro lugar neste ranking, Jorge e Mateus invadiram meu coração através do mais recente EP: T.E.P, mostrando que se o nosso coração estiver em paz,  não há o que se preocupar.

evermore de Taylor Swift foi essencial em 2020. Além de trazer um novo conceito artístico com o clipe willow, o álbum trouxe a confirmação que todos suspeitavam: Taylor é corinthiana. Só por isso, a artista já ganhou meu coração. Para fechar com a sensação de ser mais poderoso, esse top 5, com certeza, merece a participação de Avisa que é o Funk e do single Ilusão (Cracolândia). O MC Hariel fez um funk consciente sensacional e, por isso, encontrou espaço dentro da minha playlist de 2020. 

Discos favoritos: 1. AC/DC – Power Up / 2. Metallica – S&M2 / 3. Jorge e Mateus – T.E.P / 4. Taylor Swift – evermore / 5. MC Hariel – Avisa que é o Funk

Gabriel Leite Ferreira

Em 2020, o tempo para se dedicar a ouvir álbuns inteiros foi abundante. Afinal, passei a maior parte do ano em casa, no meu quarto. Logo no começo do ano, fui arrebatado por Fetch the Bolt Cutters, o 5º e mais aguardado disco de Fiona Apple. E ela segue ditando suas próprias regras: criou um álbum inegavelmente pop, mas com organicidade. Fetch é um organismo vivo, onde Fiona nos convida a adentrar como nunca fez antes.

Outra popstar que privilegiou o intimismo foi Charli XCX. Em um dos primeiros discos lançados durante a pandemia, ela contou com a ajuda de fãs através de chamadas pelo Zoom e construiu seu álbum mais vulnerável e mais barulhento. how i’m feeling now desvela outras camadas do som da britânica, adicionando ainda mais ruído ao pop hiperaçucarado. Piorou, novo disco do trio industrial/eletrônico Tantão e os Fita, também maximizou tendências extremas. O resultado? Um caldeirão de sons rascantes que evocam a velocidade brutal da vida mediada pelas redes sociais em meio ao caos do governo Bolsonaro. Tudo isso sem perder o groove e a irreverência. Um feito para poucos.

40º.40, estreia do rapper carioca SD9, evidencia os contrastes por vezes mortais da vida à margem da sociedade: crime e sexo, bailes funk e operações policiais, sol quente e sangue frio. Além da destreza lírica, impressiona a versatilidade do MC, que se sai muito bem tanto em canções de temática mais tradicional ao rap, como a faixa-título e Números, quanto em faixas que se aproximam do funk proibidão. Por último, uma surpresa: Guerrilla, do produtor angolano Nazar, é uma simulação da atmosfera da guerra pela independência da Angola, atravessada pela esperança de um futuro melhor. Indicado especialmente para fãs de Burial.

Discos favoritos: 1. Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters / 2. SD9 – 40º.40 / 3. Tantão e os Fita – Piorou / 4. Charli XCX – how i’m feeling now / 5. Nazar – Guerilla

Giovanne Ramos

A seleção de um top 5 de melhores discos de 2020 não foi uma tarefa fácil. Foi um ano de muitas descobertas musicais, a quarentena proporcionou isso, a música foi uma terapia e uma grande aliada para enfrentar esse ano controverso. Entre as pérolas que conheci nesse período, quero dar um destaque para Moses Sumney. Sucessor de Aromanticism de 2017, encontrei em Græ conforto e uma certa identificação entre as 20 faixas divididas em álbum duplo. Num tom existencialista, Moses dá voz – e que voz! –  às suas poesias líricas, que envolvem temas como isolamento, incertezas e angústias, embaladas numa harmonia vocal dos deuses.

Falando em harmonia dos deuses, outro destaque bastante positivo esse ano foi da dupla Chloe x Halle. Já as conhecia da série Grown-ish, mas vê-las brilhar em 2020 com um dos álbuns mais aclamados do ano foi uma surpresa incrível. Seguindo o caminho sonoro da madrinha Beyoncé, a dupla entregou em Ungodly Hour um trabalho maduro, sensual, romântico e empoderador – sem falar da estética encantadora das performances. O ano também foi espetacular para Rina Sawayama e seu álbum de estreia, SAWAYAMA. A nipo-britânica criou uma atmosfera alucinógena em 13 faixas regadas a um metal–pop, perfeito para momentos de descontração e para esquecer, por instantes, a trágica pandemia.

Fora da língua inglesa, deixei um espacinho para bajular duas das minhas artistas preferidas: LOONA e Ludmilla. Em 2018, o álbum de estreia do grupo sul-coreano figurou na minha lista de melhores discos do ano, e aqui estão de volta com o 12:00. Dois anos se passaram, mas a qualidade lírica e experimental do grupo continua. Ludmilla, conhecida pelos seus trabalhos no funk e no pop-melody, entregou o prometido e tão aguardado Numanice. O álbum de pagode, além de explorar a versatilidade da Lud como artista, ressaltou também o seu vocal em ritmos contagiosos à moda brasileira.

Discos Favoritos: 1. Moses Sumney – græ / 2. Ludmilla – Numanice / 3. Chloe x Halle – Ungodly Hour / 4. Rina Sawayama – SAWAYAMA / 5. LOONA – [12:00]

Carlos Botelho

2020 ficará marcado em nossas memórias como um dos anos mais conturbados da história recente. Porém, deixando a pandemia e seus desdobramentos caóticos a parte, foi um dos anos mais frutíferos para o cenário musical. Um dos grandes assuntos pertinentes ao tema foi, sem dúvidas, a influência da disco music nos lançamentos pop. Desta onda, destaco o excelente What’s Your Pleasure? de Jessie Ware. A cantora britânica deu uma verdadeira aula de como trabalhar referências de décadas passadas para criar o próprio universo sonoro.

Todavia, o ano não se resumiu a globos espelhados e pistas de dança. As mulheres empunhando guitarras, contrabaixos, e incorporando até latidos fizeram do rock sua plataforma criativa e reinventaram o mais transgressor dos ritmos. Fiona Apple nos presenteou com seu Fetch The Bolt Cutters, trabalho singular no qual a artista trata com crueza e verdade temas como traumas do passado, relacionamentos desastrosos e feminismo. O álbum, gravado inteiramente em sua casa, se destaca pela riqueza instrumental e pela adição de ruídos cotidianos. Não é à toa que a sinfonia doméstica de Fiona encabeçou grande parte das listas de fim de ano, um disco que já nasceu clássico.

Outro grande destaque foi o segundo álbum de estúdio da roqueira Phoebe Bridgers. Em Punisher, a artista elevou ainda mais o domínio de suas baladas apocalípticas, com letras e arranjos de complexidade milimetricamente calculados. Adrienne Lenker, do Big Thief, capturou na dobradinha songs / instrumentals o inverno da alma, em um registro marcado pela atmosfera acústica que nos transporta diretamente para uma cabana gelada de um bosque inóspito. E, por fim, as irmãs do HAIM lançaram seu terceiro e mais afiado disco até o momento, Women In Music Pt. III. Reunindo referências que transcendem ritmos e décadas, as meninas usaram toda sua bagagem musical para falar de experiências traumáticas, depressão e misoginia na indústria musical. O disco, que se tornou meu companheiro no último mês do ano, se encerra leve com Summer Girl, provando que sempre teremos um verão de amores ensolarados por vir.

Discos favoritos: 1. Fiona Apple – Fetch The Bolt Cutters / 2. Phoebe Bridgers – Punisher / 3. HAIM – Women In Music Pt. III / 4. Jessie Ware – What’s Your Pleasure? / 5. Adrienne Lenker – songs e instrumentals

João Batista Signorelli

Olhar para dentro de si e buscar alguma alegria em meio ao caos foram desafios do ano de 2020, e a música, de alguma maneira, foi um reflexo para essas e outras questões. Muitos lançamentos do último ano combinaram com a solidão de estar em casa sozinho consigo mesmo: às vezes sendo só uma voz chorosa com um violão, outras com sons improvisados de panelas e latidos de cachorros no quintal. 

Fiona Apple nos presenteou com o estrondoso Fetch the Bolt Cutters, que, apesar de não ter sido gravado durante a pandemia, é uma apogeu da música “feita em casa”. Seguindo um caminho mais introspectivo, Adrianne Lenker se destaca com uma delicadíssima coleção de canções em songs. Mas o provável título de álbum do ano vai para Laura Marling com o arrebatador Song for Our Daughter, que explora questões difíceis da maternidade, e que rouba alguma lágrimas nesse caminho. 

Mas seria fácil querer resumir o ano a uma playlist de música deprê e ignorar que alguns discos nos salvaram do buraco trazendo um pouco de alegria à vida. Depois de alguns lançamentos mornos, a banda virtual mais amada da música voltou com uma inesgotável fonte de energia que é Song Machine, Season One: Strange Timez. E Jacob Collier retorna a sua megalomania pop de harmonias complexas e pirações musicais em Djesse Vol. 3. Sem esquecer de Shore, de Fleet Foxes, que fica por aqui como menção honrosa, e que é otimista da maneira mais terapêutica possível para quem sobreviveu a um ano tão turbulento. 

Discos favoritos: 1. Laura Marling – Song for Our Daughter / 2. Adrianne Lenker – songs / 3. Gorillaz – Song Machine, Season One: Strange Timez / 4. Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters / 5. Jacob Collier – Djesse Vol. 3

Marina Ferreira

2020, com todos os seus períodos de tensão e silêncio, me fez olhar com ainda mais carinho para o valor da  música brasileira. Por isso, foi fácil até demais escolher o meu top 5 de melhores do ano, misturando obras do tão distante período pré-quarentena e as produções do surto de criatividade pandêmico. Em quinto lugar, lançado em janeiro de 2020, o álbum coletivo Acorda Amor, que regravou clássicos da música nacional de forma afetiva e nas maiores vozes da nova geração, como Liniker, Xênia França, Letrux, Maria Gadú e Luedji Luna. O quarto lugar fica com o EP Baile de Máscara, de Luana Carvalho. Visitando a temática carnavalesca e prestando uma linda homenagem à sua mãe – a lendária Beth Carvalho – Luana reinventa o samba e traz versões modernas de canções atemporais. 

O terceiro lugar da lista vai para o pré-pandêmico Letrux Aos Prantos, que, na época, não sabia, mas se transformaria na perfeita trilha sonora da quarentena e do Brasil quase distópico de 2020, como nas canções Eu Estou aos Prantos e Dorme com Essa. No ano marcado pela feiura, na arte, prevaleceu a beleza, e o disco de estreia de Francisco Gil, ou somente Fran, é o perfeito exemplo de como as coisas ainda podem ser bonitas. Trazendo a Bahia, os orixás e a mistura deliciosa de seu axé acústico, raiz se firma como um dos melhores do ano, e mostra que o talento corre solto pela família Gil, levando o segundo lugar do top 5. 

Para o primeiro lugar da lista, não poderia haver outro que não Assim Tocam os MEUS TAMBORES, de Marcelo D2. Produzido inteiramente em lives da Twitch, com parcerias de outros rappers e cantores, ATOMT é o disco que melhor traduz a situação política e social do Brasil. As músicas dão voz à insegurança da pandemia, aos absurdos raciais, à revolta e à insatisfação do povo para com o governo, e à fagulha de esperança para um amanhã melhor. É um álbum político, mas também uma declaração de amor e fé. Além dos citados, deixo menções honrosas ao coletivo Replay – Acabou Chorare e Bom Mesmo é Estar Debaixo D’Água, de Luedji Luna. 

Discos Favoritos: 1. Marcelo D2 – Assim Tocam os MEUS TAMBORES / 2. Fran – raiz / 3. Letrux – Letrux Aos Prantos / 4. Luana Carvalho – Baile de Máscara / 5. Vários Intérpretes – Acorda Amor

Ana Júlia Trevisan

Cresci ouvindo grandes nomes da música nacional, e me sinto privilegiada quando um lançamento desses ícones, que me acompanham a tanto tempo, consegue me arrebatar. Por isso, não tinha como não dar o primeiríssimo lugar à Adriana Calcanhotto. Margem, Finda a Viagem chegou às plataformas digitais em novembro, já nos fazendo embarcar junto a ela. A forma como Calcanhotto guia a viagem marítima através das canções deixou o gosto de, talvez, essa ter sido a minha única grande viagem de 2020. E, se Adriana Calcanhotto nos colocou no mar, Luedji Luna mostrou que Bom Mesmo É Estar Debaixo D’Água. O novo álbum da cantora é emoção e sentimento à flor da pele do começo ao fim, tornando-se ainda mais forte com a participação da escritora Conceição Evaristo recitando um poema na faixa Ain’t Got No.

Hoje, muitos bebem da fonte daqueles que construíram a nossa MPB há 60 anos. Referenciar as maiores obras da nossa música é, quase sempre, um tiro no escuro por tamanha importância delas. Talento e respeito são as chaves principais para uma grande homenagem, e isso não faltou no Replay – Acabou Chorare. Contando com variados nomes da nova MPB, a regravação abrilhantou ainda mais músicas que tem um gosto tão atual, e, acima disso, manteve total respeito aos grandiosos Novos Baianos. Essa importância do legado é algo cotidiano na família Gil, que está aí para mostrar que “quem sai aos seus não degenera”. Além de termos os Gilsons presente no Replay e o Bem Gil no instrumental de Margem, 2020 foi o ano de Francisco Gil, neto de Gilberto, deixar sua marca na música com o álbum raiz. O disco, com a temática ancestralidade, tem canções reflexivas trazendo muito axé.

Preciso ser justa nesta lista e também citar o pop internacional. Poderia fazer um  ranking apenas com grandes lançamentos que passei horas ouvindo esse ano, como o de Lady Gaga, Jessie Ware e Miley Cyrus. Mas, merecidamente, reservei o último lugar do meu top 5 para a loirinha. 2020 foi o ano de Taylor Swift servir ao mundo do pop com dois lançamentos em apenas 5 meses. Minha menção honrosa vai para folklore, ele é, sem dúvidas, o álbum que eu esperava após o Reputation. Não que o Lover seja ruim, pelo contrário, mas o salto de eras feito por Taylor não foi nada parecido com o que eu imaginava para o futuro, me deixando à espera de algo mais monocromático como vemos  nas composições e produção de folklore.

Discos favoritos: 1. Adriana Calcanhotto – Margem, Finda a Viagem / 2. Luedji Luna – Bom Mesmo É Estar Debaixo D’Água / 3. Vários intérpretes – Replay – Acabou Chorare  / 4. Fran – raiz / 5. Taylor Swift – folklore

Egberto Santana Nunes

Perdoem o clichê, vocês já sabem. Ano pandêmico. Foi complicado, foi difícil. O que abraçar artisticamente quando o real já não está em paz com a gente? Os toques são proibidos e o mundo nos ataca. Como a música, aquilo que apenas escutamos (de certo modo o único sentido longe dos protocolos), vai nos confortar nesse apocalipse? A resposta encontrada aqui foi na criação ou afirmação de mundos, um elemento de destaque nos selecionados do meu ano musical.

BRIME!, 40º.40 e Fundamento ressignificaram, criaram e posicionaram universos através do contato com o local ou com o estrangeiro. A influência londrina acelerada do grime encontra a correria perseverante das quebradas paulistas e cariocas. Fundamento cria um universo mais localizado. Se o caldo de Febem, Fleezus, CESRV e SD9 atravessam pontes, Marabu faz uma viagem pelo baile de funk, pelas vias estreitas da periferia, onde as vozes se misturam com o grave, com o batuque do tambor de funk e o esquenta da moto. 

Depois da correria e da canseira do embalo do baile, há o respiro, a volta para casa. Vem a ligação ancestral, espiritual, leve e calma do violão de Olorum, do baiano Mateus Aleluia, ex-membro do finado grupo de afroxé Os Tincõas. E, na saída do respiro, neste mundo que aprisiona, atira e machuca, que venha o gutural e experimental eletrônico de Tantão e os Fita, em Piorou. Talvez a liberdade do grito radical atravessado pelos distorcidos eletrônicos riscados desse disco seja a sensação que mais representou o ano de todos nós. E, agora, em 2021, “vai piorar a qualquer hora”.

Discos favoritos: 1. Febem, Fleezus e CESRV – BRIME! / 2. SD9 –  40º.40 / 3. Marabu – FUNDAMENTO / 4. Mateus Aleluia – Olorum / 5. Tantão e os Fita – Piorou

Fellipe Gualberto

Nenhum álbum é melhor para iniciar a lista de obras que se destacaram em 2020 do que how I’m feeling now, que foi uma genuína experiência da quarentena e a expressão sonora do que se passou ao longo desse ano. O álbum de Charli XCX foi feito de maneira colaborativa em lives e chamadas de vídeos com os fãs, a temática é o isolamento causado pela pandemia. 

Longe dos Estados Unidos, Pabllo Vittar entregou o melhor de brasilidade do começo ao fim em 111 Deluxe. Seja abrindo espaço para artistas ainda não tão conhecidos, como em Tímida com A Travestis, ou em músicas novas, como o forró-pop de Eu Vou, Pabllo não erra em nada e consegue elevar ritmos nacionais a nível mundial. Já na Coreia do Sul, BLACKPINK lançou The Album, que passeia por diversos ritmos entregando um pop de qualidade para derrubar qualquer preconceito que alguém pode ter com produções musicais sul-coreanas.

Ainda no pop, um dos destaques do ano sem dúvida foi Future Nostalgia, Dua Lipa inicia seu álbum com uma faixa homônima que funciona como um manifesto de toda sua arte. Usando de referências aos anos 90 (que pasmem, já se foram a 3 décadas), a cantora traz de volta o que nem sabíamos que tínhamos saudade de forma sincera. Por último, o retorno de Lady Gaga com Chromatica chamou a atenção, com participações de Ariana Grande e BLACKPINK, a cantora fala sobre transtornos psicológicos, cria um universo ficcional e entrega interlúdios que te envolvem ainda mais no álbum.

Discos favoritos: 1. Dua Lipa – Future Nostalgia / 2. Pabllo Vittar – 111 DELUXE / 3. Lady Gaga – Chromatica / 4. BLACKPINK – The Album / 5. Charli XCX – how i’m feeling now

Caio Savedra

Para lançamentos musicais, sem dúvidas, 2020 foi um ano bom (e talvez apenas nesse quesito). Com a quarentena, diversos artistas tiveram seus trabalhos reduzidos a fim de evitar aglomerações como em turnês e, assim, puderam focar em lançar músicas. Um exemplo disso é Pabllo Vittar, que apenas nesse ano lançou dois álbuns (um com metade de inéditas e outro com remixes que abrasileiraram ainda mais as faixas); ou então Charli XCX, que criou e lançou um disco inteiro no que chamamos primeira temporada da quarentena. Não faltam exemplos de artistas que aproveitaram o tempo em casa para nos entregarem excelentes materiais.

Trabalhos grandiosos foram lançados, Dua Lipa, que teve sua divulgação interrompida pela pandemia, entregou um trabalho muito mais coeso que seu álbum de estreia e, sem precisar encher de fillers e músicas externas em versões exclusivas do CD (pelo menos até agora), conseguiu se estabelecer como um dos grandes nomes do ano. Kali Uchis marcou sua carreira com um manifesto em forma de álbum em espanhol através do Sin Medo, deixando seu público estadunidense se mordendo de raiva e abraçando suas origens latinas. Little Mix entregou o que viria a ser o seu último álbum com sua formação original, e que também se consolidou como um marco em sua carreira após se livrarem de Simon Cowell, que as acompanhava desde o The X Factor, em 2011.

A música, sem dúvidas, ganhou mais importância na vida de inúmeras pessoas, assim como na minha, e as principais obras que me acompanharam durante esse nada fácil ano se tornaram mais do que apenas meus álbuns preferidos lançados em 2020. Cultivo um carinho muito grande por todos os citados e pelas experiências que me proporcionaram. Menções honrosas: Lady Gaga – Chromatica, Troye Sivan – In a Dream, Ebony – Condessa e Jessie Ware –  What’s Your Pleasure?.

Discos favoritos: 1. Chloe x Halle – Ungodly Hour/ 2.  Dua Lipa – Future Nostalgia / 3. Pabllo Vittar – 111 / 4. Little Mix – Confetti / 5. Kali Uchis – Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞

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Egberto Santana Nunes

Uma marca já consolidada de Spike Lee em seus filmes é renegar a simples representatividade positiva. Ele vai além e busca sempre mostrar como o povo negro é diverso e tem seus próprios conflitos – muitas vezes originados do homem branco. Em Destacamento Blood, a temática continua presente, mas dessa vez é no Vietnã que o choque acontece, um outro campo filmado pelos Estados Unidos que também nunca foi tão bem representado.

É bem de longe um filme de guerra e muito mais sobre a guerra. A trama reúne quatro veteranos negros que lutaram no Vietnã e voltam para o país asiático para resgatar um tesouro guardado por eles e o que restou do comandante do esquadrão. Sozinhos na selva, são obrigados a enfrentar a si mesmos em busca daquilo que deixaram para trás.

O que está em jogo aqui e Lee coloca visualmente e nas próprias palavras dos personagens é o papel dos soldados negros nas guerras, ou mais especificamente, na guerra do Vietnã. Nos créditos inicias, um jogo de imagens deixa claro a intenção. Entre corpos mortos nas batalhas, o racismo policial fazia mais vítimas na terra natal dos combatentes. Martin Luther King, opositor da guerra, foi assassinado enquanto os negros lutavam na linha de frente pela América em território estrangeiro.

Dito isso, marcas foram deixadas em todos os envolvidos. Paul, personagem interpretado brilhantemente por Delroy Lindo, carrega a marca mais brutal em suas memórias. Alucina e tem pesadelos com os momentos da guerra, e transmite o preconceito com os vietnamitas a todo momento. É também a figura mais controversa e a que serve de catalisador para os conflitos. Se em Infiltrado na Klan, as imagens da supremacia branca ressoavam com os protestos em Charlottesville, a figura americana aqui está presente na ideologia do protagonista, que adentra as selvas com seus amigos vestindo o boné da campanha presidencial de Donald Trump: Make America Great Again. Mais simbólico e assustador que isso, difícil.

Mesmo Paul sendo o mais diferente dos quatro amigos, ele entende igualmente que estão voltando voluntariamente para uma terra onde antes tinham sido colocados na linha de frente para lutar por um país que nem direitos eles tinham. É ele que toma partido nos embates, se revolta e mais se conecta com a memória daquele lugar. Ao mesmo tempo, sua caracterização não deixa de demonstrar o preconceito com os vietnamitas. É o mais ambíguo, mas que conduz a história e traz dentro si as amarguras de um passado de uma américa esquecida. Sua representação não é simplesmente o nacionalista durão, mas o que muitos podem ter se tornado com o passar do trauma.

Outro ponto interessante do filme está no diálogo cultural sem saia justa. No passado, foram conquistar um território e agora estão ali com um guia e em um espaço já limpo e colonizado de outras formas. Os fast foods, bares e baladas demonstram muito bem isso – com direito à temática do Apocalypse Now. Seja pelas armas, língua ou comércio, a colonização ainda se faz presente. Lee mostra os dois lados da guerra e como ela se está presente até hoje.

Além disso, a construção dos personagens entrega personas totalmente mudadas pelo crescimento econômico. Alugam hotéis caros e se reúnem no clube. Mas quando estão juntos e ainda em um território já explorado, eles não se sustentam nesse poder aquisitivo e não são nada menos que irmãos de guerra.

Sem descontinuar a narrativa épica, há dois campos que dão uma unidade para o filme e sustenta a sua mensagem. Lee usa a jornada do grupo para o impacto dramático da obra e promove um ensaio com os recortes reais a fim de explicitar a mensagem. O flashback com a mudança de quadro é bem aproveitado, dando sentido à busca dos restos mortais e ao significado da viagem. Tudo isso relembra os motivos que os personagens se reuniram ali e o resgate que o diretor faz da história.

A mensagem de Lee costuma vir de forma tragicômica, trazendo o absurdo de forma alegórica na narrativa. Talvez aqui seja o filme que menos se sustenta numa caricatura. A direção traz um tom de suspense e ação durante o filme, por conta do ambiente de armadilhas e guerra que a selva entrega. O respiro é justamente nas partes mais convencionais, mas funcionam pela tensão do ambiente que entrega.

Os Bloods reunidos falando besteira colocam um sorriso no espectador, mas a quebra vem logo em seguida com o enfrentamento do passado. A trilha, tirada principalmente do álbum What’s Goin On de Marvin Gaye é usada também nos momentos de alegria, para relembrar a irmandade do grupo e em outros muda o tom para causar um impacto dramático. São elementos que ressignificam o cenário ao mesmo tempo que lembra constantemente a brutalidade causada pelo período.

Temos ainda a sub-trama da difícil relação de Paul com seu filho, fácil de cair para um melodrama familiar barato, mas carrega os momentos mais definidores do grupo – ainda que não chamem tanta atenção ao olhar sob um aspecto geral. A importância aqui está em um personagem que se deixa guiar por uma memória brutal e esquece da realidade.

Há poucos momentos escolhidos para falar com o público, enquanto a narrativa reconecta os dois períodos, a imagem faz questão de comunicar com os dias de hoje. É quando Lee usa da linguagem para sacudir o espectador que o longa tem seu brilho. Não somente com os cortes ou as mudança de quadro – o que por si só já tem sua vantagem, sendo muito bem usado de acordo com a narrativa. Paul chega ao seu limite de alucinações por conta do trauma com a guerra, e fala ao mesmo tempo com sua consciência e com o público, demonstrando seu amadurecimento frente às câmeras. Do outro lado, o campo é preparado para o ato final que mesmo tendo suas perdas, entrega uma conclusão engrandecedora para a causa e para os envolvidos.

Lee diz em alto e bom a sua mensagem e consegue transmitir através de paralelos visuais muito bem claros e transfigura-se em algo ainda mais potente por conta dos protestos anti-racistas nos Estados Unidos. Mais do que comentar os dia de hoje através das imagens, o fato de estar disponível na Netflix já diz muito: a internet é eterna, então a história sendo reescrita também deve ser. O poder dos recortes e dos traços reais da história dão força, e serviriam para qualquer momento do país, visto que o racismo é uma constante e não as manifestações. Spike Lee declarou que não iria pisar em um cinema até que uma vacina para a covid-19 estivesse garantida. Cabe a nós fazer como ele, ligar no streaming e ficar seguro.

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O fim da década fechou o ano do cinema com chave de ouro. 2019 apresentou inovações em cada gênero. Seja na animação, terror ou mistério, tivemos obras que reinventaram e escreveram da sua maneira história audiovisuais únicas e emocionantes. No Brasil, o cinema foi tema do Enem e alvo do governo, porém, lá fora se mostrou vivo percorrendo festivais, ganhando prêmios e alcançando a tão aguardada indicação ao Oscar. Foi difícil, mas nosso time selecionou as principais obras que marcaram cada um no ano passado.

No ramo das séries, nossa curadoria reflete a diversidade temática das produções em alta: tem cinebiografia de personalidades da literatura mundial, ficção científica, drama, comédia romântica e muito mais. Por outro lado, também apontou um dado problemático: nossa dependência em serviços de streaming.

Então, sem mais delongas, eis a curadoria Persona de Melhores Filmes e Séries de 2019:

Egberto Santana Nunes

Num ano conturbado para a política cultural nacional, a safra mostrou que nossa arte está viva e forte e respirando perfeitamente pelo mundo. O sci-fi nordestino de Bacurau foi um deles, um grande marco de 2019. O longa dirigido por Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles levou o prêmio do Júri em Cannes e arrancou elogios da crítica. A qualidade se provou quando as numerosas semanas em cartaz do filme e o boca a boca sustentaram sua campanha, em um ano extremamente difícil para o audiovisual brasileiro. Bacurau é o Brasil, é representatividade e conseguiu representar o desejo de muitos brasileiros com maestria. Fez história, arrisco dizer, com um dos últimos grandes filmes da política de incentivo da Ancine.

Por outro lado, houveram obras que foram subestimadas e mal divulgadas que possuem uma qualidade impressionante. Falo de O Fim da Viagem, O Começo de Tudo. A jornada tempestuosa e descobridora da repórter Yoko pelo Uzbequistão foi tocante e profunda para mim, justamente pelo controle da linguagem cinematográfica realizado por Kiyoshi Kurosawa. É imersão e empatia pela personagem ao extremo, de forma singela e poética. Bonita na superfície e cruel no seu fundo. Por todo o apelo simples, e a conquista de fazer o espectador mergulhar profundamente em sua personagem, O Fim da Viagem… merece o primeiro lugar.

O conflito cultural e a transformação pessoal também é palco de The Farewell. Mesmo com toda a questão étnica e de tradição envolvida, Lulu Wang constrói uma (autobiográfica) história capaz de ressoar em todos os cantos do mundo. Afinal, quando o assunto é avó, todo mundo sente, não é? Aqui, a beleza de cada quadro filmado encanta, e o impacto que Billi tem ao viajar da América para a China e presenciar sua família armando um casamento para reunir a família e ocultar a verdade da doença de sua avó diverte e emociona. Infelizmente, tanto a diretora quanto a responsável por representar Billi, Awkwafina, foram esnobadas pelo Oscar. Não nos esqueceremos.

O comentário social político de Nós também não teve palco para a Academia. Mas certamente, daqui a alguns anos, a dupla interpretação de Lupita Nyong’o para o papel principal do conto de doppelgangers de Jordan Peele vai ser lembrada e homenageada, como já é lembrada agora em outros lugares. Por fim, cabe a luta de classes de de Parasita ser reconhecida, essa sim, tanto pelos críticos quanto pela audiência. E aqui, ocupa o 5º lugar por pura preferência pessoal minha, mas não é nem um pouco desmerecido.

Menções honrosas: Fora de Série, No Coração do Mundo, Estou me Aguardando para Quando o Carnaval Chegar, Retrato de uma Jovem em Chamas e Dor e Glória.

Filmes favoritos: 1. O Fim da Viagem, O Começo de Tudo / 2.  Bacurau / 3. The Farewell/ 4. Nós / 5. Parasita

Gabriel Oliveira F. Arruda

Ninguém sabe o quanto eu gostaria de ter colocado Star Wars: A Ascensão Skywalker no topo da minha lista de melhores filmes do ano. E eu sei que, se Rian Johnson o tivesse dirigido, ele provavelmente estaria. A habilidade de Johnson em reinventar gêneros permanece intacta em Entre Facas e Segredos, um mistério intrigante e inventivo carregado de significados em cada frame, carregado por excelentes performances de um elenco estelar, um roteiro muito bem estruturado e uma direção cirúrgica de Johnson.

A Música da Minha Vida ressoou comigo de maneiras que nenhum outro filme conseguiu fazer esse ano. Os dramas familiares de Javed Khan (Viveik Khalra) regados ao som de Bruce Springsteen fizeram com que eu me emocionasse de maneiras extremamente catárticas e expressivas. Na mesma linha, Homem-Aranha: No Aranhaverso injeta nova vida no gênero de super-heróis ao focar na jornada de seu protagonista, usando uma animação peculiar e estilosa para transmitir sentimento e amadurecimento.

Por mais difícil que fosse encontrar uma sessão de Bacurau, o esforço valeu a pena. O longa de Kléber Mendonça Filho conquista ao não medir palavras quanto a sua mensagem e a sua apresentação, ressignificando a violência tarantinesca a um patamar simbólico e metatextual. Por fim, Como Treinar o Seu Dragão 3 fechou uma das melhores trilogias de animação da história do cinema de maneira brilhante, carregado por personagens amadurecidos e conscientes disso, culminando em um final gratificante para quem acompanhou a série desde o início.

Filmes favoritos: 1. Entre Facas e Segredos / 2. A Música da Minha Vida / 3. Homem-Aranha: No Aranhaverso / 4. Bacurau / 5. Como Treinar o Seu Dragão 3

Já no ramo das séries, Dickinson silenciosamente cativou meu coração com sua alma irreverente e sua rebeldia contra os padrões de época. Com estilo, glamour e uma dose de psicodelia, Alena Smith entregou uma revisão ousada da heroína-poeta lindamente interpretada por Hailee Steinfeld, que se esgueirou até o topo da minha lista de melhores do ano como os versos de uma poesia especialmente peculiar.

Em sua segunda temporada, Impulse explorou seu potencial de ficção científica sem esquecer que o seu forte está na construção do drama entre as suas personagens, entregando alguns dos momentos televisivos mais aterradores do ano, através da poderosa performance de Maddie Hasson. Euphoria, por outro lado, nos oferece o retrato selvagem de uma juventude injusta e é precisamente a sua capacidade de contar histórias pessoais através de estilos e performances apaixonantes que garantiu o lugar dela nessa lista.

Em cada uma de suas 3 temporadas lançadas esse ano, She-Ra e as Princesas do Poder conseguiu elevar ainda mais o nível de qualidade de sua animação e narrativa, culminando em uma quarta temporada explosiva e corajosa, que termina com o destino de Etheria mudando para sempre. A terceira temporada de One Day at a Time se tornou especial, não apenas por marcar a primeira vez que uma série que a Netflix cancelou vai voltar por outra emissora, mas por ser corajosa o suficiente para terminar com um gracejo para o público, por acreditar que mais uma temporada viria, apesar de tudo.

Séries favoritas: 1. Dickinson / 2. Impulse / 3. Euphoria / 4. She-Ra e as Princesas do Poder / 5. One Day at a Time

Isabella Siqueira

Nesse ano tão conturbado, filmes de comédia e animações foram um resquício de conforto; portanto, o meu filme preferido de 2019 só pode ser Toy Story 4. A geração que acompanhou desde o início as aventuras do boneco Woody não se decepcionou com o quarto filme: com ele é possível dar risada, chorar e relembrar os personagens mais queridos da nossa infância.

Mesclando comédia com terror, Brinquedo Assassino e A Morte te dá Parabéns 2 me surpreenderam esse ano. O remake de Brinquedo Assassino conserva muito bem o humor do Chucky lá de 1988. E mesmo sem inovar (o remake de Poltergeist – O Fenômeno (2015) já apresenta a ideia de unir terror e tecnologia), a volta do boneco do mal junta boas atuações de Aubrey Plaza e Mark Hamill e muda o tom do original de forma convincente. O longa A Morte te dá Parabéns 2 entrega uma boa dose de comédia e tiradas clássicas de ficção científica que justificam o filme como uma boa variação do anterior.

Nós impressiona o público com sua trama extensa e profunda, o elenco excelente e (mais uma vez) a mescla entre terror e comédia. Por fim, Minha Mãe é uma Peça 3 reafirma a qualidade do trabalho do ator principal e roteirista Paulo Gustavo em um filme que vale se assistir em família e contemplar as semelhanças entre a realidade e o longa, que homenageia a figura da mãe em todas as suas qualidades e defeitos.

Filmes favoritos: 1. Toy Story 4 / 2. Brinquedo Assassino / 3. Nós / 4. Minha Mãe é uma Peça 3 / 5. A Morte te dá Parabéns 2

Em 2019 as minhas séries preferidas revelam uma dependência ao streaming e contemplam desde a comédia romântica à ficção científica e aventura em família. A série francesa Amor Ocasional (Plan Coeur) é uma pérola escondida na Netflix. Sua segunda temporada continua entregando uma trama divertida e jovial sobre os problemas amorosos da fofa Elsa (Zita Hanrot). A amizade da desastrada mas cativante protagonista com Charlotte (Sabrina Ouazani) e Milou (Joséphine Draï) é o que mais chama atenção na trama, e o final romântico com Jules (Marc Ruchmann), apesar de clichê, é um sonho.

Além de acertar na produção estrangeira com sucessos como Vis a Vis e Dark, o serviço de streaming também entrega grande variedade de gêneros. Esse ano na minha lista também se destacaram a minissérie de drama Olhos Que Condenam e a comédia irlandesa Derry Girls, em sua segunda temporada, que exemplificam a variedade da plataforma.

Representando os gêneros sci-fi e aventura, a segunda temporada de Perdidos no Espaço (Lost in Space), reboot da série de 1965, tem bons efeitos especiais que compõem uma fotografia memorável e uma boa continuidade para a aventura da família Robinson e seu robô. Já minha única escolha da Amazon Prime Video foi a antologia romântica Modern Love. Baseada em uma coluna semanal The New York Times, a série reflete os vários tipos de amor da forma mais criativa possível com diferentes personalidades que brilham em tela.

Séries favoritas: 1. Amor Ocasional / 2. Modern Love / 3. Olhos Que Condenam / 4. Derry Girls / 5. Perdidos no Espaço

Lucas Marques

Ano após ano fica cada vez mais difícil fazer listas de filmes do ano. Não pela oferta de produções, mas pela dúvida de qual metodologia adotar.

Por exemplo: Em Trânsito, meu filme favorito de 2019, é de 2018. E eu nem mesmo assisti numa das poucas sessões comerciais brasileiras, apesar de ter visto ano passado. Acredito que o que vale mais é essa confluência entre a experiência do espectador e alguma divisão do tempo arbitrária que criamos. Oportunismo.

Dirigido pelo alemão Christopher Petzold, o filme apresenta um conjunto de personagens em uma situação de indefinição de seus destinos quando nazistas ocupam a França. Porém, não estamos falando aqui da Segunda Guerra: se trata também de um espaço e tempo indefinidos, no qual trafegam pelas ruas carros contemporâneos, mas não há celulares; as tropas nazistas trajam uniformes não menos diferentes de qualquer polícia atual, porém a forma principal de comunicação são cartas. Um filme político, mas antes de tudo um dos grandes dramas e romances dos últimos anos, sem receios de resgatar referências do cinema clássico para criar algo novo.

Mas não se deixe enganar pelo pódio de Em Trânsito: 2019 foi um ano excelente para o cinema, um dos melhores da década que se findou. Encabeçando o restante da lista está Nós, o grandioso segundo filme de terror de Jordan Peele, talvez a obra que melhor retrata nosso tempo, justamente pelas inúmeras possibilidades interpretativas que ele sustenta.

Nós possui uma sofisticada mistura de gêneros cinematográficos e um subtexto sobre luta de classes, assim como outros dois grandes destaques do ano: Bacurau, de Kléber Mendonça Filho, e Parasita, de Bong Joon-ho. Filmes em que a metáfora é parte integrante de seus mundos e não criados a partir dela.

Completam a lista Dor e Glória – o filme que mais cresceu no meu conceito -, O Farol, Her Smell – uma das obras mais subestimadas do período -, O Irlandês, Toy Story 4, Um Elefante Sentado Quieto, História de Um Casamento, John Wick 3 e High Life. Uncut Gems é fabuloso também, mas esperarei entrar propriamente nos streamings para colocar em alguma lista.

Filmes favoritos: 1. Em Trânsito / 2. Nós / 3. Bacurau / 4. Parasita / 5. Dor e Glória

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Egberto Santana Nunes

Em uma remota ilha isolada no norte da Inglaterra do século XX, um jovem é contratado para ser zelador de um grandioso e obscuro Farol. Em meio à agitada e vazia água do mar, sua única companhia durante a estadia é o chefe, o dono e cuidador da casa de luz. A simplicidade da trama escrita e dirigida por Robert Eggers é palco para uma agoniante história de horror cujo mote central é a relação tensa e hipnotizante dos dois faroleiros obsessivos pelo alucinógeno Farol. Este é o segundo longa do diretor do aclamado A Bruxa, um dos pilares do “novo horror”.

Mesmo esnobado pelo Oscar, reconhecido apenas na categoria de melhor fotografia, o longa vem colecionando prêmios por onde passa e aumentando seu hype. Começou cedo, na estreia mundial de Cannes, levando o prêmio de Melhor Filme da Fipresci – Federação Internacional de Críticos de Cinema. No Independent Spirti Film Awards, abarcou cinco indicações, sendo elas melhor diretor, ator  e ator coadjuvante, fotografia e montagem. 

O seu “hype” também vem do intérprete do protagonista, o dispensa-apresentações-novo-Batman Robert Pattinson, na pele do ex-lenhador e agora zelador em busca de grana Ephraim Winslow. A escolha da DC/Warner para viver o novo homem morcego fez com que os fãs de quadrinhos entrassem em pânico, mas a crítica abriu os olhos. Depois do fenômeno pop da saga Crepúsculo, Pattinson pôde escolher trabalhos mais autorais e independentes, sendo O Farol um desses, caracterizado por uma narrativa de um espaço só, filmado com película de 35 milímetros, preto e branco granulado e na proporção de tela 1.19:1.

Se por um lado temos um queridinho de Hollywood, na outra trincheira é Willem Dafoe que dá as caras. O grande favorito da crítica e das premiações (esteve no Oscar em 2018, por O Portal da Eternidade e 2019 com Projeto Flórida, porém, saiu de mãos vazias), é Thomas Wake, o único permitido a ter contato com o Farol, enquanto Winslow limpa a estadia dos dois e repõe o carvão para energizar o local. 

Entre tantas tentativas de definir um gênero este filme, talvez a mais cabível seja um “filme de ator”. A sensação é dos dois estarem no limite de cada um, fazendo o máximo que o roteiro pede, do possível ao impensável. Compramos cada bebida, briga, discussão e alucinação performada pelos dois astros.

Dafoe está sujo, fedido, enquanto Pattinson cresce (ou decai) durante as 4 semanas de serviço no Farol, ficando exatamente igual à peça que ele desprezava e temia: sujo, fedido e agora, lunático. Crítico do método do ator, Pattinson incorpora apenas quando as luzes estão ligadas, porém admite em entrevistas que os extremos do personagem foram alcançados também fora dos palcos. Dafoe, por exemplo, comentou ter ficado receoso que seu parceiro vomitasse realmente em cima dele durante algumas cenas. Houve até ingestão de lama.

A sintonia dos dois cria uma potência única no filme e a força motriz que resta como antagonista é o poder da natureza. Se em muitos momentos do filme, a lembrança que temos é a da masculinidade na sua mais pitoresca forma, a tempestade incontrolável chega para atormentar e destruir o ambiente, impactando diretamente no clímax de cada personagem – assim como da própria história. 

A escolha pela estética bicolor casa perfeitamente com a atmosfera do cenário, densa e imersiva. É a filmagem de um conto único, tirado de um novo mundo. Ao mesmo tempo que entramos na história, optar pelo aspecto da proporção de tela 4:3 é chamar atenção para o próprio aparato escolhido: o cinema. Eggers consegue, com maestria, referenciar os clássicos que servem como inspiração, ao mesmo tempo que constrói algo novo e imersivo. 

No texto – escrito em parceira com seu irmão Max -, Eggers também apela para velhos clichês, mas dentro do controle de sua atmosfera, levam outros tons. A diversidade de gêneros se encontra aqui: não é de se esperar piadas de peido, brigas de bêbados, quebras de clímax com efeito humorístico numa proposta de terror. Há uma certa aproximação entre o efeito cômico e o horror situacional do ambiente. A sensação é o riso de nervoso, de desconforto e do inacreditável.

A câmera carece de cortes, apenas em momentos onde a intenção é transmitir a imaginação para as telas, e quando isso acontece, há uma explosão de todos os elementos técnicos ao pico do clímax: som, cortes rápidos, iluminação e a própria ação dos personagens. É uma linguagem visual que toma conta de todos os detalhes. De resto, o diretor se preocupa em caminhar tranquilamente pelo ambiente, concentrando quase todos os takes num plano conjunto dos dois, iluminados pela lamparina no centro da mesa – quando não está focando o rosto como um retrato dos atores. O  horror também é alcançado na edição de som, incômoda tanto para os personagens quanto para o espectador. A ausência de silêncio, juntamente com a fotografia, culmina no efeito claustrofóbico presente durante o filme. 

A iluminação é controlada, e a impressão de estarmos assistindo um captação documental e não uma mera ficção é certeira. A sombra engrandece e anima os personagens. Seu aspecto gótico e o natural uso de luzez e sombram lembram clássicos do expressionismo alemão, como a obra inaugural O Gabinete do Dr. Galigari – se O Farol não tivesse tido um bom orçamento, caberia fácil no rol de obras dessa escola. 

E se você estava desanimado com a falta de presença nacional nos longas indicados ao Oscar, o objeto dessa crítica preenche o papel, mesmo que indiretamente. A RT Features, produtora brasileira chefiada pelo carioca Rodrigo Teixeira é quem produz o filme. Em seu currículo, “apenas” A Vida Invisível (também premiado em Cannes) e Me Chame Pelo Seu Nome, só para citar alguns. Na produção do filme, se tornou amigo de Eggers, sendo um dos primeiros a ler o roteiro e dar todo o aval e confiança, é o que o próprio conta em entrevista no podcast Cinema na Varanda.

Em O Farol, o público se torna tão obsessivo quanto o protagonista na busca do que há por trás da fortaleza mística do título, cuja revelação culmina num final catártico e surreal. Os respiros são dados pelos conflitos do cotidiano dos dois trabalhadores. Então, temos a loucura e a contação de histórias de pescadores. O texto responde nossas mais singelas perguntas pela boca dos personagens. A ideia é de sermos o terceiro empregado contratado, conhecendo nossos similares. É uma construção de história cheia de significados e momentos que não se preocupa em explicá-los, mas sim em causar sensações. A dificuldade em saber o que é real ou não é constante, mas todas as pistas estão lá. Cabe ao público interpretar e discutir.

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Egberto Santana Nunes

Depois de meses trilhando festivais e colecionando prêmios pelo mundo, Kléber Mendonça Filho e Juliano Dornelles desembarcam no Brasil, país onde nasceu, cresceu e se inspira Bacurau, o mais novo longa-metragem dos recifenses, em parceria com Sônia Braga (Aquarius, 2016) e Emilie Lesclaux na produção. O Persona esteve na cabine e coletiva de imprensa em São Paulo, nessa última terça, 20, e atesta sucesso e expectativa do maior nome do cinema nacional contemporâneo.

A jornada começou em maio, no festival de Cannes, principal mostra de cinema do ano. Concorrendo na seleção oficial, Bacurau levou o prêmio do júri, equivalente ao terceiro lugar na competição. Depois veio Munique, na categoria Melhor Filme Internacional. Competiu em Lima, Sydyney, Suiça. O último destaque foi na abertura de Gramado, principal festival brasileiro. E onde passa, arranca palmas da platéia.

Não foi à toa essa conquista. A ideia traçada aqui é calcada no conflito de resistência e subjugação, um conto encontrado em diversas culturas. A diferenças está no personagem e na região de nossa história: um povoado do sertão nordestino. Há anos deixado às margens e sofrendo nas mãos de grandes coronéis. Em Bacurau, nome da região protagonista da história (e um pássaro na vida real), o estopim dessa guerra é dado logo após a morte da matriarca do lugar, e em seguida, o sumiço da cidadezinha do mapa. Os moradores são testemunhas de estranhos acontecimentos e se unem em prol da resistência.

Se o Brasil tem de muito na história contada, a fonte bebida por KMF e Juliano é de certo americanizada. Desde a ambientação, concentrada nos aspectos do western de Sam Peckinpah, até na sinistra direção e construção do horror, trazidas pelos clássicos do mestre John Carpenter. Glauber Rocha, como sempre, há de estar presente, o sertão no cinema é fruto do seu trabalho, porém, o olhar nordestino aqui traz uma distopia poderosa sobre nosso país, capaz de ser entendida e identificada em qualquer marca do tempo.

Tem quem diga que Bacurau é um protesto contra o governo atual, desejosos por mais uma manifestação tão poderosa quanto à dos cartazes do Impeachment da ex-presidente Dilma Roussef. KMF já disse, em resposta: “Nosso protesto será exibir um filme foda sobre o Brasil”. E, de fato, é. Mas nunca centrado apenas na nossa ideia atual de país. Bacurau está sendo feito há anos. No início da coletiva, o diretor já comenta que são quase 10 anos de realização. De lá para cá, muita coisa mudou. Porém, a história de Bacurau, o povão em guerra contra o estrangeiro, vem se repetindo há bastante tempo.

Os problemas também não são nada novos. As alegorias da trama poderiam ser identificáveis em qualquer momento de nossa história, o quê muda agora é que os personagens são cada vez mais reais. O Brasil de Bacurau é preto, pobre, retinto, como sempre foi. Seu inimigo? O gringo (no western nacional, o oponente nunca será o índio). Vilanizado na figura potente de Michael, interpretado por Udo Kier (ator alemão conhecido por trabalhos com John Carpenter e Lars Von Trier), misterioso líder do grupo inimigo na história. Nesse núcleo se concentra a camada de ficção científica do texto, com pequenos elementos sugestivos de um futuro distante na história, mas também muito próximo de nossa realidade.

Entre tantas cenas violentas durante o longa, Udo protagoniza as mais ferozes e a mais significativa ao lado de Sônia Braga, que faz Domingas, a médica da região. A entrada da musa do nosso cinema não poderia ter sido melhor realizada. Ela surta com o enterro de Camelita, mas é ela quem assume a postura de cuidadora de Bacurau, seja no sentido de saúde ou de bem estar.

Sônia foi quem mais falou durante a coletiva, esbanjava risadas, sorrisos e uma simpatia enorme por todos ali presentes. A atriz de Dona Flor e seus dois maridos, sucesso de público (não de bilheteria, como diz a própria) por anos, ressaltou a sua fala da coletiva de Gramado: “Domingas, minha personagem, eu dediquei a Marielle e eu quero saber sim: quem mandou matar Marielle?” Ex-deputada pelo PSOL, Marielle Franco foi executada no Rio de Janeiro em 14 de março de 2018 e seu assassinato segue sem resposta.

Nem só de Sônia vive Bacurau.  É em Silvero Perereira, LGBT, negro e cearense, que temos a figura de Lunga. Um anti-herói exilado de Bacurau, prefere sustentar seu passado tenso no isolamento. Com sua chegada, a trama e o gênero do longa mudam e nascem grandes cenas de ação dignas do faroeste americano. Já Acácio (Thomas Aquino), toma as rédeas da cidade, mas é perseguido por memórias criminosas e arrependimentos. Os dois pegam em armas e mudam a história do povoado.

Aqui, o diálogo pouco importa, a ação impacta e comove, e se você desconhece as falas, sugiro que vá procurar no povoado mais próximo. Temos que destacar também a presença de Tereza, par de Acácio e filho de Plínio, patriarca e professor da cidade. A relação e papel dos dois aqui está no outro lado do discurso, o do amor, educação e cultura na resistência. Não se incomodam com a violência, mas estão apoiando outro lado da mesma moeda.

E se a ação incomoda, é no som que ela se sustenta. Kléber e Juliano inclusive enviaram flyers para as redes de cinema aumentarem o som nas sessões, para uma melhor imersão na experiência. É impossível dormir em Bacurau, você é acordado a cada segundo. O Som ao Redor (2012) traz o dito elemento no título, Bacurau traz em seu espaço.

“É um som de filme de ação brasileiro, que talvez ainda não tivesse sido feito”, comentou o diretor na coletiva, cuja inspiração técnica vem de obras americanas dos anos 70. E desde os tiros, até as minuciosas inserções da MPB ali presente, ou a clássica Night de John Carpenter, assustam e emocionam quem assiste, além de marcar a assinatura do “Mendonçaverso” (nas palavras emprestas de um dos jornalistas ali presente).

Kléber também aumenta sua obsessão por zoom, trazida de sua pequena grande filmografia. A câmera raramente se fixa em um ponto, e carrega todo o ambiente e personagem, navegando pelo terreno e aproximando o foco da sua atenção para algum ponto da tela, seja um furo, a chegada ou saída de um personagem. Tal estilo cria um filme de gênero completamente único na sua concepção, texto, formato e mensagem.

Política e mensagem

Não faltaram questionamentos sobre a crítica ao governo Bolsonaro na coletiva. E também não ficou de fora cutucadas e pinceladas ao nosso momento atual do país. Muitos queriam saber como o presidente reagiria ao filme. Kléber foi enfático: “A gente não tem jurisdição para saber o que o presidente vai achar do filme” E Juliano seguia na mesma linha: “Eu acho extremamente legítimo e justo que as pessoas digam que Bacurau é premonitório. Agora, querer que a gente faça previsões aí eu já não acho justo.”

A situação do cinema nacional também foi bastante discutida. Emilie Lesclaux, produtora do filme, comenta que no cenário atual não seria possível nem a captação de recursos, pois órgãos responsáveis pela realização do filme como a Petrobras, já nem estão lançando mais editais de cinema e patrocínio culturais. Emilie também ressaltou o filtro aos filmes com personagens LGBTs, o quê também impediria o nascimento do filme.

Logo em seguida, Thardelly Lima (o prefeito Tony Jr no filme) lembra do caso recente do edital do Banco do Brasil, que perguntava se o produto cultural teria “cenas de nudez ou de sexo explícito”, se “a obra faz referência a crimes, drogas, prostituição” e se “tem cunho religioso ou político”. Spoiler? Bacurau assinalaria X em todas as opções.

Sobre o assunto, Kléber foi bastante claro: “Na Constituição de 1988 diz que não há censura.Não há censura. Não há censura.” E Sônia, seguiu na dianteira e interpelou: “Censura nunca mais, gente!”

Porém, não foram somente momentos difíceis durante a conversa com os jornalistas. O elenco ressaltou a importância que teve Palheiras, cidadezinha onde o filme foi gravado, com a presença dos moradores como figurantes e pequenas pontas como atores. Sônia comentou que mantém contato diário com o pessoal de lá, e na hora soltou a notícia da conclusão da reforma da estrada que levava o elenco até o local, e todos sorriram pela boa novidade. Hoje (22), inclusive, será feita uma sessão na cidade, que fica no Sertão do Seridó, no Rio Grande do Norte.

Bárbara Coen comentou que no final das gravações, a comunidade entregou o poema para a equipe. “Foi um momento muito bonito e me fez pensar na complexidade daquele engajamento.” Juliano ressaltou o nível de comprometimento e adesão da comunidade. “A gente falava sobre a história, e além deles entenderam a história, eles conheciam a história. Aí acabou.”

Entre tantas críticas, elogios e debates, o clima é de sucesso e esperança. A expectativa é na escolha brasileira para a representação no Oscar 2020. A lista já saiu, e Bacurau está em boa companhia: “A Vida Invisível de Eurídice Gusmão”, de Karim Aïnouz segue no páreo na disputa. O longa foi vencedor na categoria Um Certo Olhar, também no Festival de Cannes.  A esperança é que o governo federal não interfira na escolha final, e dessa forma, ajudando no caminho do Brasil para a estatueta de ouro.

Prêmios e debates fizeram de Bacurau o longa nacional mais bem comentado no ano. O boca a boca foi essencial, tivemos até memes. E vivemos a época mais difícil para a classe artística. A safra, pelo contrário, segue firme e forte. KMF e Juliano fazem um clássico instantâneo que ficará para sempre na memória do nosso cinema puro e brasileiro.

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Egberto Santana Nunes

O rótulo de drama teen foi só fachada para Euphoria, série da HBO que teve seu último episódio transmitido no domingo (04). O subgênero fez o marketing e chamou atenção de um Conselho de pais dos EUA, que pediram pelo cancelamento da produção, antes mesmo de sua estreia. O motivo? “Conteúdo adulto extremamente gráfico – sexo, violência, profanação e uso de drogas – aos adolescentes e pré-adolescentes” e de acordo com o grupo, o programa estava comercializando “internacionalmente esse conteúdo para crianças”. E de fato, tem muito disso, mas também tem muito mais.

Criada por Sam Levinson, a inspiração vem de uma produção israelita de mesmo nome, adaptada livremente com suas memórias adolescentes sobre ansiedade e dependência. A trama segue um grupo de estudantes de uma escola localizada no subúrbio dos Estados Unidos (a localidade exata nunca é revelada), a East Highland, entre o fundamental e ensino médio, enquanto eles vivenciam problemáticas envolvendo drogas, sexos, relacionamentos e outras obsessões.

O meio das redes sociais também se coloca como personagem nesse mundo, com todas as suas causas e consequências. Com exceção do oitavo, cada um dos episódios anteriores se concentra na origem de um personagem, enquanto todas as outras subtramas se desenvolvem.

Somos guiados o tempo todo pela voz de Rue, a narradora onisciente da série, interpretada brilhantemente pela Zendaya (essa mesma atriz pop da Disney e agora a MJ da Marvel Estúdios). E é nesse ponto onde Euphoria deixa claro desde o começo que sabe que é um show, está contando uma narrativa sobre adolescentes problemáticos pelo ponto de vista de um deles e a liberdade toma conta do cenário. A qualquer momento uma sequência dramática pode ser cortada, Rue questiona algum comportamento ou confessa para o público, e cenas totalmente desconexas, mas não tanto – sejam zoons em cenas de filmes pornô ou uma aula sobre fotos de pintos –  tomam conta daquele espaço e alinham com o diálogo.

E, falando nela, nada mais correto do que pegar a criança mais viciada, recém recuperada da overdose e falsificadora de assinatura no narcóticos anônimos para ser interpretada por um fenômeno teen. Para Zendaya, foi um cargo que encaixou nela enquanto não achava mais nada, queria algo diferente e se sentia desmotivada. Já para Sam Levinson, o criador da série, a atriz sempre esteve em sua mente, desde a primeira amostragem para HBO, Rue tinha nascido para Zendaya. E concordamos com ele.

O núcleo familiar da protagonista se concentra na relação carinhosa e amigável com Gia (a brilhante Storm Reid, da também forte e poderosa When They See Us) e as intensas brigas e discussões com sua mãe, Leslie (Nina King). As três entregam os momentos mais emocionantes e dramáticos, amadurecendo e desenvolvendo cada uma. Longe dos flashes e das festas, nesse ambiente familiar há as primeiras consequências de problemas e destruição causados pelo uso das drogas. E Rue não tem nenhuma intenção de parar o uso após a reabilitação.

Tudo muda quando ela encontra um novo vício, Jules (magnífica estreia de Hunter Schafer), recém chegada na cidade por conta do divórcio de sua mãe. Mesmo sendo amiga de Kat (a brasileira estilosa Barbie Ferreira), ela tem poucos amigos e preenche suas noites saindo com caras de encontros em aplicativos, geralmente casados e com famílias. Jules não tem o privilégio de sair às claras, e aí temos mais um acerto na diversidade dos personagens: ela é trans. E não, seu arco não gira em torno de sua sexualidade, e isso é poucas vezes dito em voz alta. E a comunidade LGBTQ adorou. Sim, representatividade importa.

De fato, o destaque está mesmo em Hunter. A modelo e ativista trans encontrou o trabalho vendo o anúncio no Instagram. Logo na sua apresentação, ela entrega uma excelente performance de conflito e ali, em poucas palavras e muita ação, já conhecemos e nos apaixonamos por sua personagem. Ela é colorida, vívida, intensa, mexe com as cores da série, e mesmo assim complexa e profunda, por conta de seu passado que é pincelado aos poucos. Após essa sequência de conflito do primeiro episódio, as duas rapidamente viram melhores amigas e iniciam um convívio diário bastante dependente e conflituoso. 

É nesse primeiro atrito de Jules que também nasce o vilão ou o antagonista da nossa dupla. Nate Jacobs (Jacob Elordi, o Noah da Barraca do Beijo), é o famoso “hétero topper” e, para usar mais palavras da moda, ele exala “masculinidade tóxica”. Alto, branco, másculo e popular. O quarterback do time de futebol americano da escola. Sua personalidade é clássica, trata mal as mulheres, ama e protege sua namorada, e enche a cara nas festas. Rue logo o detesta pelo seu comportamento de bullying e alto status. Com Jules, ele também não hesita e logo provoca e intimida, porém, a relação entre os dois vai aumentando e apresentando as verdadeiras intenções conforme o decorrer da série.

Talvez aí se encontra o seu único erro. Em cada episódio, conhecemos os personagens, eles vão se desenvolvendo e sua origem é apresentada pela voz e visão da Rue. Assim, podemos compreender suas ações e desejos. Porém, quando os olhos se voltam ao Nate, o texto o vilaniza excessivamente trazendo facetas irreais ou perversas demais até para alguém com comportamentos odiosos normais. Enquanto o compromisso de trazer um pouco da realidade é alcançado em alguns pontos, ela se esquece desse fator ao fantasiar demais em cima de um antagonista, colocando até falas que só poderiam sair de um seriado na boca do mesmo. Podendo até mesmo cair no erro de pensar “ele tem seus motivos”, o quê nunca é o certo.

O acerto de Euphoria está em traçar as problemáticas da juventude atual à sua maneira. São clichês, mas que aqui recebem um tratamento refinado e único. Pornografia, masculinidade tóxica, abuso sexual, identidade, relacionamento abusivo, e vício em drogas são alguns dos temas discutidos, e todos bem gráficos na tela. O quê fez a série se tornar “polêmica”, mostrando algo para alguns chocantes, e para outros, partes de suas vidas. Para Zendaya, não há nada chocante, a não ser que você não conheça essa realidade (aí explica os pais quererem acabar com a produção).

Todos esses elementos são filtrados pelo uso excessivo das mídias sociais, algo tão presente nos dias de hoje, tornando impossível uma produção com as mesmas temáticas ser feita dessa forma no passado. Nossas diferentes relações pessoais com o uso das redes passa pela trama de todos os personagens, como cada um encara isso offline, o olhar de fora da tela, a diferença quando se está desligado e suas consequências.

A divulgação da série foi extremamente consciente em relação aos recentes gatilhos nas produções audiovisuais. Em seu Instagram, antes da estreia, Zendaya alertou aos seguidores sobre o conteúdo forte, e nos episódios há avisos próprios antes do início de cada um, e no encerramento, uma letreiro indica o acesso a um site com ajuda para pessoas que sofram dos vícios representados.

A consciência esteve nos bastidores também. Uma consequência do movimento Me Too, que denunciou diversas personalidades de Hollywood por conta de assédio, as cenas de sexo foram todas acompanhadas por aconselhadores, para certificar que o elenco estava confortável e seguro sobre a cena.

A produção técnica não falha nem um pouco e beira o espetáculo. Há um forte uso de cores frias e fortes, abusando do azul e do verde. Em conexão com a narrativa, somos hipnotizados e tomados por um cenário alucinógeno nos momentos do uso de drogas. É luz e sombra na sua melhor função.

Além disso, a direção evita muitos cortes, e opta por caminhar pelo cenário, quando esse está sempre mudando. A trilha sonora é bem diversificada, atenta aos ouvidos do público, e as canções são delicadamente escolhidas e mescladas perfeitamentes nas performances.

Euphoria foi muito diminuído e comparado durante toda sua exibição. Skins (2007), Kids (1995) e até mesmo Trainspotting (1996), entre outras produções retrataram à juventude da sua época da sua maneira. Porém, em 2019 não temos mais como romantizar os abusos e os vícios, e sem nunca forçar e soar didático, o voice-over da Rue grita os problemas de seguir uma vida como a do elenco.

Para a realização desse show, a HBO esteve em parceria com a A24 (Corra!, Hereditário, Lady Bird). As duas, juntamente com toda a equipe extramamente talentosa, trouxeram algo único para TV. Na primeira temporada, recordes de audiência garantiram uma sequência e assim como as produções mencionadas, entrou para a história. Enquanto você ainda não confere o resultado, vale a conferida na excelente trilha sonora que embala as noites dos estudantes de East Highland:

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O clichê é inevitável: junho é o mês da entrada de grandes blockbusters e os filmes para crianças. Tá chegando as férias, o capitalismo fala mais alto. Tivemos desde as animações que a gente só descobre nos trailers antes das sessões até live-actions e sequências mais esperadas do ano. No entanto, a nossa seleção cinéfila cavou mais a fundo e trouxe os grandes eventos do streaming e da TV, inclusive produções que não tiveram tanto alarde, mas foram os destaques de junho desse mês no cineclube do Persona. Confira!

Egberto Santana, Gabriel Oliveira F. Arruda, Mariana Godoy

Fora de Série (Olivia Wilde, 2019)

O primeiro trabalho na direção de Olivia Wilde te joga no pequeno mundo das duas garotas mais inteligentes (Kaitlyn Dever de Beautiful Boy e Beanie Feldstein de Lady Bird numa química perfeita) do colégio no último dia antes da formatura, com o único desejo de curtir tudo aquilo que elas deixaram de fazer por conta dos estudos. O resultado? Uma dos filmes mais aclamados do ano até agora.

Fora de série (ou no original que faz jus às personagens, Booksmart) inova o gênero coming of age ao dar representatividade sem se ater ao clichê de girar a história do personagem na questão da sua orientação sexual ou gênero, e isso vale para até os coadjuvantes. A sintonia e interação genuína entre os personagens te faz acreditar e se identificar com as situações, nessa que é com certeza um dos melhores feitos do gênero desde o já datado Superbad.

A direção de Wilde não falha e entrega diversas sequências memoráveis, críticas e divertidas. A seleção de músicas faz jus ao clima e momento vivido pelos personagens, e incrementa ainda mais a imersão na obra. Com certeza, um dos melhores de 2019. – Egberto Santana Nunes

Turma da Mônica: Laços (Daniel Rezende, 2019)

Arriscado, no mínimo, é a palavra para descer a ideia de adaptar os clássicos quadrinhos da Turma da Mônica para as telonas. Histórias essas que estiveram presentes na infância de quase todos os brasileiros.

Porém, o elenco amistoso e íntimo escolhido por Daniel Rezende foi capaz de lotar as salas de cinema de jovens, crianças e adultos, que se emocionaram e enxergaram ali personagens que os acompanharam durante anos. A experiência não poderia ter sido mais satisfatória.

As cores encantam e o mundo criado é exatamente aquele que estamos acostumados a enxergar como Bairro do Limoeiro. As refêrencia são rápidas e pontuais e não saturam nem esgotam, o prato cheio tá na clássica relação entre os quatro protagonistas, entre brincadeiras e discussões, o senso de construção, aprendizado e amadurecimento está aí, como se realmente fossem velhos amigos.

O roteiro é bem amarrado e atrativo e não deixa pontas soltas (nem nos cabelos), porém a economia de texto e o apego com a obra original da graphic novel de mesmo nome de Vitor e Lu Cafaggi reduziu a momentos onde a direção falha, fixando a câmera em um mesmo plano que poderiam ser ocupados por piadas ou sequências maiores. Tudo isso não tira o mérito do sucesso do longa, com uma uma sequência já garantida pelo mesmo diretor e que com certeza tem chances de repetir o mesmo impacto. – Egberto Santana Nunes

MIB: Homens Preto – Internacional (2019, F. Gary Gray)

MIB: Homens de Preto – Internacional é um filme complicado de se falar sobre. Por um lado, o longa de F. Gary Gray (Straight Outta Compton: A História do N.W.A., Velozes e Furiosos 8) replica habilmente a estética e a vibe da franquia, mas falha terrivelmente na hora de expandir o universo de MIB para além dos Estados Unidos.

Apesar de contar com performances comprometidas de Tessa Thompson e Chris Hemsworth (que já haviam nos dado um gosto de sua parceria cômica em Thor: Ragnarok) e Kumail Nanjiani na voz do adorável Pawny, ambas as personagens são obrigadas a se arrastar através de um roteiro previsível que horas quer ser MIB e horas sonha em ser uma versão genérica de Kingsman. Apesar do filme reproduzir fielmente a estética dos anteriores, é difícil sentir que estamos realmente seu universo, afora algumas aparições de personagens recorrentes. Liam Neeson participa ativamente da trama, mas recebe tão pouco para trabalhar que dá até dó, assim como Emma Thompson no papel recorrente de Agente O.

O longa parece até ter esquecido do humor característico da franquia, marcado pelo uso do silêncio que deixava a audiência se aprofundar em cada uma das piadas ao mesmo tempo que a deixava respirar antes da próxima. Aqui, a maioria das piadas é entregue no diálogo, deixando os atores carregados e quase sem nenhuma oportunidade de aprofundar seus já rasos personagens. Os paralelos com a imigração também foram completamente deixados de fora e o filme parece não reconhecer (como seus antecessores reconheceram) as críticas a serem feitas nesse tema.

Ao final de cada um dos três primeiros MIB, éramos deixados com a sensação de que a humanidade era muito menor do que imaginávamos no grande esquema cósmico do universo e que é um milagre nós termos chegados até aqui. Se você busca um exemplo de como Internacional se esqueceu do espírito da franquia, saiba que ele apenas acaba, sem reflexão nenhuma. Não precisa nem de neuralizador: você não vai se lembrar de MIB: Homens de Preto – Internacional por tempo suficiente para se incomodar. – Gabriel Oliveira F. Arruda

X-Men – Fênix Negra (Simon Kinberg, 2019)

A nova estreia da Marvel Entertainment, Fênix Negra, traz o desfecho de quase 20 anos de história dos mutantes, desde a estreia de X-Men em 2000. É o último filme de super-heróis distribuído pela 20th Century Fox e é perceptível a influência negativa da Disney nas mudanças. Este é o primeiro filme dirigido por Simon Kinberg, que está envolvido com a franquia como produtor e roteirista desde o início.  – Mariana Godoy

Séries e minisséries

Chernobyl (2019, Craig Mazin)

Depois do fim de Game of Thrones, a HBO preparou mais um enorme sucesso para os órfãos do grande evento televisivo dos últimos anos.  Chernobly tomou a boca do povos nas redes sociais, bateu recordes e deu luz à um trágico acidente nuclear que causou inúmeras mortes e tem, literalmente, seus rastros até hoje nos arredores da cidade que dá nome ao crime. Jared Harris, Stellan Skarsgård e Emily Watson dão vida os heróis por trás do maior desastre ambiental da humanidade.

Dramatizado para as telinhas por Craig Mazin (Se Beber Não Case II, III e Super Herói: O Filme) e Johan Renck (dirigiu curtas do David Bowie e alguns episódios de Breaking Bad), o mega hit junta um trabalho perfeito de química do elenco com uma ambientação suja e pesada da União Soviética pós-explosão da usina. A trilha sonora ambiente arrastada e forte entrega um clima de horror constante, único sentimento descritível para os acontecimentos relatados.

Já sabemos o fim da jornada, mas os ganchos em cada fim prendem a audiência em acompanhar os esforços que o trio de protagonistas fazem para corrigir a incompetência dos poderosos. De fato, a produção americana faz um retrato de erros do governo comunista, e conseguiu irritar a gestão de Putin, mas não tinha como ser diferente. O grande destaque televisivo de junho definitivamente não poderia ficar de fora da nossa lista. – Egberto Santana Nunes

Olhos que Condenam (2019, Ava Duvernay)

Depois do premiado documentário 13ª Emenda, a Netflix traz de volta a aclamada diretora Ava Duvernay para adaptar uma das histórias mais assombrosas do conflito racial americano: a acusação falsa de estupro de uma garota branca no Central Park que levou cinco jovens negros do Harlem para a prisão em 1989.

A minissérie é divida em 4 episódios. Cada um deles é responsável por dramatizar parte dos acontecimentos, com a devida tomada de liberdade criativa. Porém, mais do que isso, é notável e explícito o paralelo com o sistema americano de hoje. Somos convidados a enxergar como funciona cada passo do encarceramento, desde o interrogatório até a saída e a tentativa de sobreviver após os anos como um penitenciário.

A direção escura – principalmente na prisão –  e emocional de Duvernay, além do retrato cruel e vívido dos acontecimentos torna a experiência dolorosa e difícil de ser assistida. Por se tratar de uma narrativa que propaga a dor e retratar o negro apenas na sofrência, não foram poucos o relatos de pessoas que não conseguiram terminar os episódios. Porém, ela já foi a série mais assistida no catálogo da plataforma de estreaming com duas semanas no ar, abrindo caminho para indicações de prêmios e da persistência na discussão, que já levou resultados reais. – Egberto Santana Nunes

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Mesmo com cortes na cultura, educação, nossa agência do audiovisual parada, o Brasil saiu vitorioso no mês passado. Bom, ao menos lá fora. O festival mais importante do cinema, a 79ª edição de Cannes, homenageou Agnés Varda na capa e ocorreu entre os dias 14 e 25 e premiou e muito o cinema nacional.

Todo mundo esperava por um protesto (e até teve!) à altura do de 2016, quando o elenco de Aquarius levantou cartazes denunciando a situação de impeachment que acontecia no Brasil, com a ex-presidente do Brasil, Dilma Rousseff. Esse ano, Kléber já anunciava: Bacurau é o protesto e fala sobre o Brasil. Surpreendeu e agradou, levando o prêmio do Júri e dividindo a honraria com o francês “Les Miserables”. Fazendo companhia, A Vida Invísivel de Eurídice Gusmão, de Karim Aïnouz levou venceu a Mostra Um Certo Olhar, paralela à oficial, com filmes mais experimentais.

Nos bastidores, a RT Features, importante produtora brasileira, lançou 3 títulos, entre eles o já mencionado de Aïnouz, o psicóligoco thriller estrelado por Robert Pattison e Willem Dafoe, The Lighthouse e Port Authority, drama queer da nova iorquina Danielle Lessovitz.

Enquanto o caos aqui ainda reina, podemos afirmar: nosso cinema ainda vive! Sem mais delongas, seguimos com nossa tradicional seleção de destaques do mês na sétima arte, dessa vez com adição de duas séries de TV que se despediram em maio, confiram!

Ana Laura Ferreira, Egberto Santana Nunes, Gabriel Soldeira, Jho Brunhara, Vitor Evangelista

Pokémon: Detetive Pikachu (2019, Rob Letterman)

A primeira investida live-action da saga Pokémon chegou aos cinemas carregada de fofura e uma dose de nostalgia. Com Ryan Reynolds como voz do icônico Pikachu e Justice Smith como seu parceiro por acidente, Tim Goodman, o longa aposta em um roteiro menor e enxuto.

Ao investigar a morte de seu pai, Tim encontra Pikachu no apartamento que morava na infância, e descobre que os dois trabalhavam juntos como parceiros em investigações criminais. A partir daí o filme se desenrola sobre plot twists de vilões e um humor comentado a la Deadpool – censurado, é claro.

Detetive Pikachu diverte, mas se explica demais. Claro que é um filme direcionado para crianças, mas em alguns momentos a classificação indicativa cai para cinco anos. Tudo tem que ser repassado, todas as informações são relembradas a todo momento e o potencial de fazer um live-action que agrade tanto os fãs mais novos e os mais antigos se perde.

Apesar de todas as frustrações, vale o entretenimento. Alguns Pokémon são fofos, e o mundo fantástico criado no longa que une humanos aos parentes do Pikachu resgata o sonho de todas as crianças. Mas vá sabendo que algumas cenas poderiam estar também em Dora, A Aventureira.  – Jho Brunhara

Godzilla II: Rei dos Monstros (2019, Michael Dougherty)

Godzilla é um ícone pop incontestável. Criado para metaforizar ataques nucleares e a radiação do Oriente, Gojira ganha seu segundo filme do universo compartilhado dos Kaijus (os Grandes Titãs, monstrões).

Com um extenso e mal aproveitado elenco, o filme não se sustenta em ponta alguma. Enquanto o núcleo humano é antipático e cheio de firulas de roteiro, Rei dos Monstros faz pouquíssimo uso do que poderia ser sua salvação: a treta de Titãs.

As lutas são bem fotografadas e iluminadas, mas não compensam a investida de duas horas. Vera Farmiga e Sally Hawkins não têm quase nenhum material para trabalhar; Charles Dance é raso como uma piscina infantil e Milly Bobby Brown ainda não desabrochou. Pode esperar tranquilo o torrent. – Vitor Evangelista

A Gente Se Vê Ontem (2019, Stefon Bristol)

É bem triste que o único longa de viagem no tempo protagonizado por pessoas negras tenha como principal acontecimento e causa a salvação de um dos personagens de ser morto pela polícia. É gritar por mais escritores e diretores negros produzindo. Mas, ao mesmo tempo, é bom ter essa ideia, esperta e genial, trazida para as telinhas.

Na produção original da Netflix produzida por Spikee Lee, C.J. Walker (Eden Duncan-Smith) e Sebastian Thomas (Dante Crichlow) são dois amigos prodígios que estão montando uma pequena máquina do tempo para a feira de ciência, quando na volta de uma festa, o irmão de CJ, Calvin Walker (Astro) é confundindo com um ladrão e morto por um oficial. A partir daí, eles enxergam como uma oportunidade de testar o empreendimento e mudar o passado.

O que se segue são sequências de viagens, entre falhas e aprendizado. A dinâmica entre os amigos é bem desenvolvida, porém nas poucas horas do longa, as viagens cansam e se esgotam, terminando em um final nada memorável e incerto. No entanto, esses defeitos não sobressaem o objetivo principal da obra: discutir os efeitos que a violência policial tem na população negra jovem.

A curta duração também age de bom feito, sendo assim, atinge todos os públicos e acaba sendo uma boa pedida para quem se perde no catálogo de mesmice da Netflix. Uma boa direção, que não explora além do suficiente e entrega a mensagem da maneira correta. – Egberto Santana Nunes

Cemitério Maldito (2019, Kevin Kölsch, Dennis Widmyer)

Depois de 30 anos mais uma adaptação de “O Cemitério” de Stephen King foi lançada. O livro é ótimo e muito sombrio, faz incríveis leituras sobre luto e como lidar com a finitude da vida. A adaptação de 1989 é um tanto limitada, talvez devido a algumas atuações ruins ou à falta de sensibilidade do roteiro e direção que causa falta de empatia com aquela família e não um real senso de perigo quanto a ameaça do filme, porém não é de toda ruim, tendo sido elevada a um clássico pelos cults de plantão. Mas o que os diretores Kevin Kolsch e Dennis Widmyer conseguiriam trazer de novo para essa história. (?)

Bem, o filme tem momentos bem tensos e um senso de urgência nos instantes críticos. Mesmo anunciando o que vai acontecer ele ainda o faz de uma forma que incomoda quando o fato realmente acontece na sua frente. E faz uma mudança muito acertada quanto ao antagonismo, que no livro funciona muito, mas no filme de 89 é complicado. A mudança da personificação do mal e de como ela afeta e ataca os personagens fez a história cair muito melhor numa tela de cinema.

As atuações são eficazes, você sente muito mais peso nas ações dos personagens e se importa muito mais com o que acontece a eles (destaque para Jeté Laurence e John Lithgow). Por mais que o arco da mãe não tenha ficado bem resolvido é muito útil ao terror. Os diretores usam cenas meio jogadas com alucinações no meio do segundo ato que mesmo assim te fazem se segurar na cadeira. E por mais que tenha problemas, o arco é bem utilizado pelo antagonismo no terceiro ato. É importante destacar que as crianças mascaradas que foram muito usadas nas publicidades do filme são totalmente sem propósito e na história servem apenas como um artifício barato e injustificado.

É uma adaptação muito mais fiel ao clima do livro que necessariamente tudo o que acontece nele, tendo mudanças significativas no enredo, o que é compreensível quando se trata de adaptações para o cinema. Porém, talvez não tenha trabalhado ao máximo o material fonte como Stanley Kubrick fez com “O Iluminado” de 1980, que mesmo com muitas mudanças (tendo conseguido até o ódio de Stephen) o verdadeiro terror do livro foi totalmente exposto nas telas.

Cemitério Maldito é um mergulho um pouco mais intenso na obra original de Stephen King, mas mesmo tendo pontos positivos quanto a atmosfera e atuação, é mais um filme de terror esquecível e mediano na lista imensa de adaptações do autor. Dá pra passar o tempo, mas não traz nem de longe o pessimismo e o peso dramático do livro que King quase não publicou. – Gabriel Soldeira

Nosso Último Verão (2019, William Bindley)

Mais uma vez, a Netflix aposta em um filme adolescente que poderia facilmente estar na Sessão da Tarde. Simples, Nosso Último Verão tenta seguir os passos de A Barraca do Beijo e Para Todos os Garotos que Já Amei, mas dessa vez o plano não foi tão bem executado. O roteiro fraco, que tenta acompanha várias histórias simultaneamente, se perde ao nunca se aprofundar em alguma.

O excesso de personagens, que não ganham o devido tempo de tela, faz com que o filme se torne superficial e um pouco entediante por consequência. Com grandes estrelas teen do momento como KJ Appa de Riverdale, Tyler Posey de Teen Wolf e Maia Mitchell de The Fosters no elenco, o longa desperdiça todo o potencial dos atores. Outro grande problema aqui é o desenrolar da trama, que parece se dar apenas por obra do acaso, sem nenhuma consequência para as ações dos personagens.

Sem muitos pontos positivos para serem destacados, Nosso Último Verão cumpre sua proposta de apresentar diversas histórias de verão, mas, assim como aconteceu com Sierra Burgess é uma Loser, tem tudo para ser rapidamente esquecido. – Ana Laura Ferreira

Meu Eterno Talvez (2019, Nahnatchka Khan)

Essa é mais uma comédia romântica que entra para o catálogo da Netflix. Porém, diferente das que já estamos acostumadas, Meu Eterno Talvez traz novos elementos que complementam o clichê do filme. Com uma trama coesa, que se desenvolve rápido mas sem atropelos e com personagens carismáticos, o filme é uma das melhores produções originais do mês.

O elenco, quase que inteiramente composto por atores asiáticos, e o humor do filme lembram o sucesso Podres de Ricos (2018). Mas, neste caso, o grande destaque cômico fica por conta de Keanu Reeves, que interpreta ele mesmo no filme, ou pelo menos uma versão excêntrica de si mesmo. Mostrando que o John Wick também tem talento para a comédia, ele é responsável pelos momentos mais engraçados.

O roteiro simples ajuda o longa que consegue desenvolver bem os personagens e suas relações em pouco tempo. Sem excessos ou desperdícios, Meu Eterno Talvez peca um pouco nas incríveis coincidências que desencadeiam os acontecimentos do filme, mas ainda assim ele cumpre bem o que promete sem nunca perder seu característico humor sarcástico. – Ana Laura Ferreira

Veep – 7ª Temporada (2012 – 2019, Armando Ianucci)

Faltam palavras para descrever a genialidade pessimista de Veep, mas vamos lá. Após um hiatus maior (por conta do câncer da protagonista), a comédia chefe da HBO se despediu em um ano menor mas vigoroso e irreverente como sempre.

Enquanto Selina Meyer (Julia Louis-Dreyfus) luta para recuperar o cargo maior do EUA, sua trupe lida com todos os pepinos e abóboras que a ex-Veep coloca em seu caminho. Todo o elenco brilha. Não há sequer um ator ali no meio que não esteja no auge das personagens.

O Emmy, sem dúvida, voltará para as mãos da recordista Dreyfus e de Armando Ianucci, o criador do seriado. Não me surpreenderia se a brilhante Anna Chlumski também saísse premiada por sua hilária Amy Brookheimer. As piadas continuam ácidas e depreciativas, rápidas e cheias de camadas. Ninguém sai ileso.

Até mais, Veep. E obrigado por tudo. – Vitor Evangelista

The Big Bang Theory – 12ª Temporada (2007 – 2019, Chuck Lorre e Bill Prady)

Maio foi mês de chororô e despedidas. Game of Thrones se foi, Gotham e Veep também. E também chegou a hora da sitcom mais assistida da TV americana, The Big Bang Theory.

Uma das comédias mais longas da TV, a história dos cientistas da Califórnia cresceu pra se tornar uma celebração da cultura nerd. Sempre referenciando o que reverberava aqui no mundo real, Leonard (Johnny Galecki), Sheldon (Jim Parsons), Penny (Kaley Cuoco) e companhia alongaram sua estadia na rede CBS, visto que a ideia inicial eram apenas dez temporadas.

O décimo segundo ano não foi bom. Cheio de tramas paralelas e que atrasavam o passo narrativo dos amigos e suas esposas, Big Bang parecia acanhado e acovardado de entregar o que os fãs esperaram por tantos anos. O plot do Prêmio Nobel de Sheldon e Amy (Mayim Bialik) era cada vez mais escanteado ou repuxado para dar lugar a releituras de conflitos passados, como a relação Howard (Simon Helberg) e Raj (Kunal Nayyar) ou a amizade de Penny, Amy e Bernadette (Melissa Rauch).

Mas o final compensa, ou pelo menos adoça. A series finale abraça aqueles que persistiram e assistiram aos duzentos e setenta e nove capítulos entoando a clássica abertura na cabeça. Foi uma baita jornada. – Vitor Evangelista

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Adriano Arrigo, Egberto Santana, Gabriel Leite e Leonardo Santana

A sua mãe gosta dele. A comunidade LGBT+ ama dele. Assim como a família real britânica e a cantora Lady Gaga. Elton John é um monstro da cultura pop, com três dezenas de discos lançados e uma elogiada cinebiografia saindo do forno. Rocketman (Dexter Fletcher, 2019) já é considerado o primeiro filme de um grande estúdio a retratar o sexo entre dois homens de forma natural e explícita, exigência feita por Elton pessoalmente. Fica a dica de uma discografia que, apesar dos altos e baixos, é brilhante.

Os registros que deixamos abaixo são também recomendações pessoais do Persona. Maio foi um mês de trabalhos muito grandes para seus respectivos públicos e tem música para muitos gostos e tribos. Aproveitem!

Flying Lotus – Flamagra

música eletrônica

Com uma discografia até o momento impecável, Flying Lotus lança Flagrama, um dos discos mais intrigante e criativos até esse momento do ano.

Desta vez, o americano conta com parcerias inéditas e inusitadas, como Little Dragon, Solange e David Lynch. Com este último, produziu uma das músicas mais interessante do disco, Fire is Coming.

Aliás, o disco todo possui momentos surpreendentes devido sua grande rotatividade de texturas sonoras. As 27 faixas – que mais parecem uma só – permitem, sem excessos, formar um mosaico (que, inclusive, pode se ver na capa do disco) que ora flertam com a calmaria, ora com o caos. (AA)

Jair Naves – Rente

rock, folk

“Qualquer busca por empatia / a essa altura é ingenuidade / eu me defendo esperando o pior”: essas são as primeiras palavras cantadas por Jair Naves em Rente, seu 3º disco cheio e, de modo peculiar, uma obra conceitual. As canções variam entre a fúria e a impotência e, apesar de ser fácil identificar o objeto delas (“Palanque para o horror / o dia em que o mal triunfou / saúdem o torturador”, versa a pesada “Alívio Cômico / Palanque”), é difícil tirar uma conclusão logo de cara.

Naves é um dos letristas mais talentosos da nossa música – e é ainda jovem. Ele surgiu no underground em 2000 com a banda Ludovic, conhecida pelos shows caóticos e pelos versos ácidos sobre relacionamentos e autopiedade. Sua estreia solo, o EP Araguari, veio 10 anos depois. Dali em diante ele se consolidou como um intérprete de canções densas sobre o amor, o desamor e as armadilhas kafkianas que a vida nos aplica. Por isso sua obra sempre se voltou para o interior. Rente quebra um pouco essa subjetividade ao lidar mais diretamente com as questões sociais e políticas que afligem nós, brasileiros, dia após dia.

Rente é conceitual por convergir a esfera pessoal e a pública a todo momento. A supracitada “Alívio Cômico / Palanque” cita indiretamente o homônimo de Naves ao mesmo tempo em que dispara “Quão forte é o instinto que me faz sobreviver? / Eu ainda existo, não me deixa esquecer”. Na faixa-título, uma dinâmica parecida: “Aproveitando o ensejo / Eu despejo todo o peso que carrego comigo” descamba para “Síndrome do poder pequeno / informação como envenenamento”.

O fato de Jair estar morando fora do país talvez explique a linguagem cifrada que ele escolheu para o novo disco. Vem daí também a impotência, traduzida ora de maneira catártica (“Deus Não Compactua”, “Lampejos de Lucidez”, “O.H.R.E.U.C.S”), ora de maneira contemplativa (“Gira”, “Escalas”). Independentemente disso, todos os arranjos tem homogeneidade e fluidez. Mesmo os momentos mais complexos se resolvem, mérito da entrosadíssima banda (um show provavelmente imperdível!). Em suma, um dos grandes discos do ano, desde já. (GF)

Jamila Woods – LEGACY! LEGACY!

soul, r&b

Excelência negra é um termo que surgiu online para descrever um sujeito que, por suas realizações, honra a comunidade negra. Os artistas e pensadores homenageados em cada uma das faixas do novo disco da americana Jamila Woods, LEGACY! LEGACY!, são facilmente incluídos nesse panteão. Mais madura do que nunca, a cantora de Chicago toma para si o legado desses nomes para guiar um caminho feito de puro orgulho.

Os discursos de Woods são complexos e ganham mais nuances a cada audição. É um disco rico. Mas mesmo a superfície revela a mensagem primordial: a pressão para ser excelente em um mundo de mediocridade branca pode fazer mal. As ramificações dessa percepção rendem elementos como raiva, crítica social e bem-estar, que vão dando cor e textura ao todo.

Não ficando pra trás, a produção preza pelo casamento entre a crueza (complementada pela voz à Erykah Badu da intérprete) e o acessível. Não é um registro para todos, mas todo mundo deveria ouvir. (LS)

Tyler, the Creator – IGOR

rap, hip-hop, soul

Em seu quinto álbum de estúdio, Tyler marca um passo consistente e bem sucedido ao tirar a máscara e mostrar mais um fruto de seu amadurecimento. IGOR é Tyler Okhoma sendo autêntico, livre e fazendo o que sabe de melhor do jeito que ele quer. Não custa nada dizer: o mais diferente e único de sua carreira até o momento.

Apesar de delimitar um diferencial para seu novo projeto, as 12 faixas marcam uma construção de mundo e personagem extremamente bem envolvida entre as transições. E dessa vez, nada de psicopata, hospício ou versos problemáticos, aqui temos uma completa seleção de love songs descrevendo desde a primeira vista da paixão até o fim da relação amorosa. Tudo isso no embalo de uma melodia suave atrás de baterias e vocais distorcidos, com colaborações que vão desde Playboi Carti, Solange, até os já parças Pharrel Williams e Kanye West.

Como o próprio disse e os fãs insistem em contradizer, não é um álbum de rap – e nas poucas rimas, Tyler demonstra que não perdeu o fôlego – nem é nenhum de seus antecessores. É apenas IGOR, então ouça e experience-o como tal. (ES)

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Egberto Santana Nunes, Jho Brunhara, Leonardo Santana Teixeira, Natália Santos e Rafaela Martuscelli

Abril foi um mês marcante para a cultura pop. A chegada do quarto capítulo dos heróis da Marvel, a estreia modesta de Shazam e o fim de Game of Thrones foram destaques aqui. O Persona cavou mais fundo e fez uma seleção do melhor que chegou no mês da Páscoa, passando pela Netflix, Amazon Prime Video e o cinema nacional. Confira.

Guava Island (2019, Hiro Murai)

Ou a arte como instrumento de revolução

Em junho de 2018, uma foto de Rihanna com Donald Glover, na ilha de Havana, em Cuba, ambos sob trajes “desajeitados”, surgiu na internet e os fãs foram à loucura com a nova parceria. Logo se descobriu que era um set de um filme, porém os detalhes da obra foram mantidos em segredo apenas dias antes da estreia. A produção de pouco menos de uma hora foi ao ar no show de Childish Gambino (alter ego musical de Glover) no Coachella, e logo depois disponibilizado na Amazon Prime.  

Para além da união entre os dois artistas, Guava Island é um pequeno musical político sobre disputa de classes e opressão. Na trama, Deni (Glover) prepara um festival para libertar o povo da Ilha de Guava, que trabalha diariamente para Red, líder local.

This is America é refeito aqui, ao som de máquinas de uma fábrica, e Summertime Magic, dentre outras composições de Gambino, aparecem para dar tom na relação com a personagem de Rihanna, Kofi. Celebração, amor e crítica, cada momento tem sua música, quer você entenda como parte da trama, ou como pequenos clipes do rapper.

Inspirado por Cidade de Deus e produzido pela mesma banca de Atlanta, a equipe conseguiu entreter um tema político-social através de uma câmera persecutória e cambaleante junto duma cinematografia colorida e viva. Tudo isso narrado como uma história de ninar, na voz de Riri, e com sons tocados pelos próprios nativos do local de gravação, afro-cubanos de Havana.  

Seja no discurso ou na técnica, Guava Island já nasceu destaque do ano. Obrigatório. – Egberto Santana Nunes

De Pernas pro Ar 3 (2019, Júlia Rezende)

Pela terceira vez, a empresária da franquia de sucesso Sex Delícia volta às telas dos cinema brasileiros. Depois de rodar o mundo e expandir a sua marca, Alice (Ingrid Guimarães) enfrenta um momento delicado: o embate entre sua vida empresarial versus o distanciamento de sua família.

Em meio a uma crise existencial, Alice opta por deixar a liderança dos negócios com sua mãe Marion (Denise Weinberg) e volta para a vida pacata de esposa do João (Bruno Garcia) e mãe dos filhos Paulinho (Eduardo Mello) e Clarinha (Duda Batista). Entretanto, o que Alice não esperava era o aparecimento de Lorena (Samya Pascotto), uma jovem empreendedora capaz de causar um grande alvoroço no mercado de sexy shop com o seu novo produto.

Desde o primeiro filme da franquia, é perceptível uma certa preocupação em enfatizar questões sobre o mundo feminino, principalmente o prazer e a liberdade sexual feminina, temas chave do enredo. O terceiro capítulo, dessa vez, vai além das situações visíveis. Ainda temos a mulher empresária, que tem sido tradicional dos últimos lançamos da Globo Filmes, entretanto agora o leque de debate estende-se às consequências das escolhas de Alice. O longa navega por temáticas já vivenciadas nas telas como a presença feminina no mercado de trabalho e crise conjugal ao mesmo tempo em que se aventura ao refletir sobre envelhecimento e competitividade feminina.

Com a estreia de “Vingadores: Ultimato”, duas semanas após o lançamento de “De Pernas para o Ar 3”, o nacional perdeu cerca de 300 salas de exibição, uma vez que a nova estreia da Marvel ocupou 80% das salas de cinema no Brasil.

Mesmo com mais de um milhão de espectadores antes do corte de salas, o filme de Ingrid Guimarães sofreu com o domínio da produção norte-americana que aproveitou a ausência da política de “cota de tela”, ainda não assinada por Jair Bolsonaro na época de lançamento de ambos os filmes. Essa política consiste em uma forma de afirmar que discriminando o número de dias que toda sala de cinema comercial é obrigada a exibir filmes brasileiros de longa-metragem.

O governo brasileiro resolveu voltar a interferir numa verdadeira luta entre Davi e Golias, e restabeleceu a política de “cota de tela” para as salas de exibição de cinema nacionais. Por conta de um “vácuo” na lei que obriga os cinemas a exibirem um percentual de filmes locais, blockbusters estrangeiros tomaram conta dos espaços disponíveis – caso de “Vingadores: Ultimato”, que ocupou mais de 80% das salas em sua estreia no País, no fim de abril. – Natália Santos

Alguém Especial (2019, Jennifer Kaytin Robinson)

Outra aposta da Netflix em tramas jovens, Alguém Especial é mais um de seus filmes que retrata sobre questões amorosas. Aqui, Jenny, interpretada por Gina Rodriguez, é uma jornalista musical que acaba de terminar um longo relacionamento e conta com suas duas melhores amigas para procurar maneiras de deixar a tristeza de lado e superar essa grande perda.

Apesar do clichê romântico, o filme não decepciona. Ele tem tudo que precisa para te manter entretido por algumas horas, fazer você desejar por um amor e quem sabe até derramar algumas lágrimas. O desenvolvimento de Jenny é incrível, assim como sua personagem, forte e enérgica. Ouso dizer que podemos usá-la como inspiração, já que em nenhum momento trocou sua carreira e seus sonhos por nenhuma paixão, por mais que parecesse que ela seria para a vida inteira.

Não diria que é um imperdível, mas se estiver procurando por algo na Netflix para passar um tempo e se distrair, segue a dica que vale a pena! – Rafaela Martuscelli

O Mau Exemplo de Cameron Post (2018, Desiree Akhavan)

Lançado em território brasileiro apenas no mês passado, O Mau Exemplo de Cameron Post é a adaptação do livro homônimo. A história que se passa em 1993, conta sobre Cameron Post (Chloë Grace Moretz), que é flagrada pelo namorado transando com uma menina. Cam é mandada pela família para um acampamento de cura-gay, chamado God’s Promise.

Lá, como no longa Boy Erased: Uma Verdade Anulada — que também chegou no Brasil apenas esse ano — , Post precisa enfrentar a terapia de conversão, pensamentos arcaicos e preconceituosos dos religiosos que conduzem o acampamento, e encontrar em si sua própria verdade.

Diferentemente de Boy Erased, que é extremamente melancólico e sério chegando até mesmo a ser chato, O Mau Exemplo de Cameron Post aposta em uma linha mais descontraída, que funciona por partes. A certa leveza em tratar de um tema tão problemático permite deixar o espectador mais confortável. Porém, falta coragem de ousar e impôr o que difere o longa de todos os outros de temática LGBT+ e conversão sexual.

O roteiro é reflexivo, a amizade construída é muito bonita, e existem pequenos momentos em que o filme parece crescer, mas de resto é morno e previsível. A falta de uma conexão criada entre o espectador e as personagens gera pouca chance de comoção, e as existentes são chochas.

Cameron Post é o longa perfeito para assistir em uma tarde chuvosa em que se reserva o dia para maratonar filmes, e começar por ele. Gostaria que não fosse tão esquecível quanto é. Está na hora do cinema LGBT+ contar as histórias como o cinema negro vem abordando: de forma crua e verdadeira, sem medo de não ser tão facilmente digerível pelo público geral.  —  Jho Brunhara

Homecoming: A Film by Beyoncé (2019, Beyoncé, Ed Burke)

Mais que cantora, Beyoncé é um gigante cultural. Mais de 20 anos de carreira, incontáveis hits e influência enorme no mercado fonográfico são elementos associados à artista, considerada por muitos (incluindo esse que vos fala) o meio ícone de sua geração. Ela condensou, na edição de 2018 do festival Coachella, todo esse poder em duas apresentações impecáveis e cheias de significado. Por sua vez, Homecoming revela os processos emocionais e políticos por trás das performances.

Ainda que circundando o universo pessoal da cantora — o puerpério depois de dar luz a gêmeos, principalmente, assim como o perfeccionismo —, o longa é mais sobre nós do que sobre ela. Com ‘nós’ me refiro à juventude negra, público maior de Beyoncé e objeto da homenagem prestada aqui.

Dividida em alguns blocos musicais e outros contemplativos, que revelam bastidores do show, o roteiro encontra guia em frases de pensadores negros. O catálogo de Bey se entrelaça com esses momentos de reflexão, levando a um entendimento mais amplo da importância da discografia da artista sob a perspectiva da música da diáspora africana.

A direção é controlada e ciente de onde quer chegar, assim como tudo que Beyoncé realiza. Mas a experiência não perde espontaneidade, já que a importância das narrativas contadas aqui pertencem a um plano social muito maior que a figura da artista. Registro essencial para qualquer interessado por fenômenos culturais, o documentário é um estudo apaixonado da cultura negra no século XXI. – Leonardo Santana Teixeira

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