Laura Hirata-Vale

A vida é feita de detalhes, de instantes. Eles podem ser repletos de felicidade ou de tristeza. Trazem consigo o luto e a dor, mas também são acompanhados do amor e da alegria. O nascimento de um bebê, a morte de um parente ou o fim de um casamento são tipos de momentos-chave na história de alguém. Os erros e acertos acompanham o ser humano durante seu tempo na Terra, desde o seu início até o seu fim. Em As Pequenas Coisas da Vida (2023), vemos como Clare Pierce (Kathryn Hahn) se comporta perante suas ações passadas e presentes, e como as pequenas coisas podem virar grandes conflitos, que mudam o rumo do futuro.

Lançada originalmente no Hulu, Tiny Beautiful Things chegou ao Brasil pelo Star+ em Abril. A série foi produzida pela Hello Sunshine – fundada pela atriz Reese Whiterspoon –, e baseada no livro Pequenas delicadezas: Conselhos sobre o amor e a vida, escrito por Cheryl Strayed, em que a autora faz uma coletânea de conselhos escritos em sua coluna online, chamada Dear Sugar. Na produção audiovisual, Clare assume a função de Sugar, misturando a ficção com os acontecimentos da vida de Strayed. Na linha tênue do que é real ou não, a série constrói seu teor dramático, mostrando de pouco a pouco o porquê da personagem principal ser do jeito que é. 

Durante a narrativa, conhecemos o passado e o presente de Clare. Ao tentar montar o quebra-cabeça da história da protagonista, somos recebidos por flashbacks, que mostram brevemente os acontecimentos de sua juventude e como eles são refletidos na atualidade. Em diversas cenas, enquanto assistimos o monólogo interior-que-vira-conselhos da personagem, vemos uma troca de atrizes: Kathryn Hahn é substituída por Sarah Pidgeon, o que deixa claro que as ações presentes seriam facilmente feitas em tempos anteriores. Nesse vaivém, descobrimos os traumas e dores em relação à família de Pierce, e também os conflitos internos e externos, nos núcleos familiar e profissional.

 As brigas principais são, com certeza, entre Clare e Danny (Quentin Plair) – seu esposo –, e entre ela e Rae (Tanzyn Crawford) – sua filha. Logo no episódio piloto, entendemos que o casal está separado e que a razão da separação foi algo que a protagonista fez. De cena em cena, assistimos uma sessão de terapia de casal; uma suspeita de traição; discussões e gritos entre a família; as pazes e as razões. Cheio de momentos dolorosos e de partir o coração, a relação intrafamiliar é bem explorada, e Tiny Beautiful Things consegue apresentar – de forma nua e crua – as interações entre mãe, pai e filha. 

As Pequenas Coisas da Vida mostra, geniosamente, como é o impacto de traumas geracionais em uma família. Durante os oito episódios, Clare batalha com seus demônios internos, enquanto tenta alertar e proteger a filha dos perigos do mundo. Durante a construção da narrativa, descobrimos o que assombra cada personagem – como chances perdidas, uso de drogas e escolhas do caminho da vida. Entre informações passadas sem querer por mensagens de texto, ligações não atendidas e pacotes enviados pelo correio, cada detalhe ilumina o obscuro caminho da história e mostra como as decisões da protagonista a levaram para o instante presente.

Um dos pontos altos de As Pequenas Coisas da Vida é, sem dúvida, as atuações – sendo que duas delas foram indicadas nos Emmys 2023. Merritt Wever, que faz o papel da mãe da protagonista – Frankie Pierce –, concorre ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante em Minissérie ou Telefilme. O trabalho de Wever durante a série é intrínseco: durante as cenas, podemos ver as mudanças de emoção somente pelo olhar da atriz, com os olhos que transbordam sentimentos e inundam o coração com mais do que mil palavras podem descrever. 

Kathryn Hahn, por sua vez, foi merecidamente indicada à categoria de Melhor Atriz Principal em Minissérie ou Telefilme. Ao longo da produção, vemos e sentimos toda a dor e a confusão nas feições, falas e ações de Clare, que atinge seu auge episódio atrás de episódio. Depois de WandaVision e Glass Onion: Um Mistério Knives Out, ver Hahn sair de papéis repletos de risadas e comédia, e ir para um tão dramático e doloroso chega a ser refrescante, além de mostrar como a atriz possui a capacidade de encarar diferentes gêneros. 

Ao final, Clare Pierce faz as pazes consigo mesma e percebe que, mesmo quando tudo está dando errado, é preciso admitir erros e tentar continuar. Mesmo ao se sentir como a pior pessoa do mundo, a protagonista insiste em equívocos, mas tenta mudá-los. A escritora e sua carreira que não decolou leva outro rumo quando assume o cargo de Sugar: agora ela é reconhecida por leitores, mesmo que anonimamente. Cheia de fortes emoções, gritos e amor, As Pequenas Coisas da Vida é um retrato de conflitos, brigas e reconciliações familiares. A produção da Hello Sunshine é essencial para a história – é por causa dela que a história de Pierce consegue se firmar, afinal, a produtora de Witherspoon é referência em contar narrativas lideradas por mulheres. 

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Dante Zapparoli

A quarta temporada de What We Do in the Shadows tinha a faca e o queijo na mão, desde os colegas de quartos vampiros voltando de suas jornadas separadas que os fariam evoluírem como mortos-vivos até a apresentação de conceitos como família, amor e outras construções sociais as quais estamos acostumados – e que são estranhas para seres centenários. No entanto, o queijo foi jogado fora e a faca parece mirar em uma desvalorização ainda maior dos subplots femininos de Nadja (Natasia Demetriou) e em temáticas com contextos racistas, como com Marwa (Parisa Fakhri).

No final da terceira temporada, é exibido um cliffhanger no qual o grupo de cinco vampiros se separam em jornadas diferentes. Nos planos iniciais, Guillermo (Harvey Guillén) seguiria para Al Qolnidar juntamente com seu mestre, Nandor (Kayvan Novak), quando ele finalmente se transformaria em um sanguessuga, às margens do Rio Tigre. No entanto, por mudanças de última hora, ele acaba sendo encaixotado para Londres, juntamente com Nadja.

Já Laszlo (Matt Barry) e Colin Robinson (Mark Proksch) permanecem em Staten Island, sendo que o segundo está em uma forma diferente das apresentadas nas outras temporadas: após seu aniversário de 100 anos, Colin renasce, saindo do peito do antigo sugador de energia que morava na casa. Essas fragmentações fizeram com que as expectativas para os possíveis desentendimentos da quarta temporada ficassem altas. No entanto, como a maioria das plotlines de What We Do in the Shadows, o que realmente aconteceu foram reencontros cômicos e sem muitas implicações de que qualquer um dos conflitos anteriores seriam resolvidos.

O início da quarta temporada mostra que todas as jornadas que tomaram parte na trama passada fracassaram: a volta para casa de todos eles vêm por meio do caos e da necessidade de retornar a um lugar já conhecido. Pela primeira vez, vemos que os personagens têm o intuito de mudar as coisas ao redor deles. Algo que não era comum nos anos anteriores, em que o máximo que ocorreria durante a trama era a evolução de títulos que envolviam Guillermo indo de familiar para guarda-costas devido sua descendência Van Helsing. 

Agora, é possível ver que as falhas passadas deram um ar de esperança e de mudança para a casa: Nadja procura abrir seu próprio negócio, Nandor está em busca de uma esposa e Laszlo está disposto a se tornar um pai para Colin Robinson. Quem sobra, no final, é Memo, que acaba exercendo o papel de babá, contador e padrinho de casamento.

Um novo personagem que aparece nas confusões dos vampiros é o Djinn (Anoop Desai), invocado por Nandor, em uma tentativa de trazer à vida suas 37 esposas. O plano do vampiro setecentista é que a busca por amor, sua principal trama da terceira temporada, era inútil; ele já havia se apaixonado antes, quando ainda era vivo. No entanto, não lembrava quem era sua paixão. Então, procura nos meios mágicos uma maneira de encontrá-la novamente.

Então, uma de suas primeiras ideias é fazer com que suas esposas passem por testes para ver qual seria a melhor dentre elas – e, quando falham, ele pede para o Djinn que elas voltem a morrer. A única esposa que sobrou, que seria a pessoa perfeita para Nandor, foi Marwa. Vários outros pedidos feitos pelo sanguinário ex-saqueador eram assuntos fúteis: o maior pênis do mundo, mudar cada centímetro dela para que o agradasse e para que a moça tivesse os mesmos interesses e gostos que ele. Durante o decorrer da série, é impossível não sentir um amargor na boca ao ver como a personagem, dentre todas as personalidades femininas, é tratada.

Nadja chega a abandonar o Conselho Vampírico Mundial ao recusar sua ideia de uma boate vampírica, o que faz com que ela sinta o interesse de voltar a Staten Island e montar seu próprio negócio. O problema referente a como a história dela é contada começa quando os episódios, que deveriam explorar sua maneira de lidar financeiramente e estruturalmente com o seu novo negócio, começam a ter menos espaço na trama do que os plots adjacentes. Enquanto Nadja tentava construir e achar financiamento para que a boate fosse construída, Nandor arranjava uma esposa e Laszlo cuidava de uma criança – a maneira como a narrativa seguia não era bem definida e deixavam a mulher com a menor participação dentro deles.

Então, temos as cenas dela caindo no meio das apresentações, brigando com Laszlo e perdendo as performances de Colin Robinson para a boate, comercializando demais os convidados ressuscitados momentaneamente. Tudo que ela faz parece ter um contraponto que diminui todo seu esforço. Até seu último ato é considerado falho – enquanto vemos que Laszlo, nesse caso, Jack Daytona realizou a mesma ação de forma bem sucedida com uma temporada de diferença.

Toda a apresentação desse segredo se torna interessante ao apresentar que ela, ao se aproximar e ter relações românticas e sexuais com o caçador de vampiros, acabou por ter toda sua mente apagada. Isso abriu espaço para que muitas teorizações sobre um possível envolvimento de Nandor e Guillermo surgissem. Diferente do que algumas críticas trazem, toda a tensão construída com Guide dando em cima do familiar por ser um descendente do famoso caçador de vampiros é desconfortável – principalmente quando, com o andar dos episódios, descobrimos que o sentimento não é recíproco.

O Bebê Colin Robinson, ou Garoto, foi o produto que saiu do peito do vampiro de mesmo nome – é importante ressaltar que a diferenciação de nomes acompanha o personagem por um bom tempo durante a temporada, sendo usado para separar a persona em desenvolvimento do antigo homem que, até então, estava morto. No entanto, é perceptível que há uma alta comparação entre ambos, já que deveriam – até certo ponto – serem um só.

Todo o crescimento dele é voltado para interesses que são tediosos para as pessoas ao seu redor, como Roblox, curiosidades aleatórias ou pior: musicais. Esses assuntos são as formas principais da criança vampírica mostrar que ainda existe dentro dele um vampiro de energia – mesmo que Laszlo tenha dado a si mesmo a missão de transformar essa versão de Colin Robinson em uma pessoa interessante.

A quarta temporada do seriado sofreu vários vazamentos de episódios, o que fez com que a experiência de acompanhar o lançamento fosse algo inacreditável – ninguém nunca teria certeza se os capítulos seriam assistidos em sites duvidosos por links compartilhados por perfis do X (antigo Twitter) ou pelas transmissões da Hulu. Mas isso não impediu que a série fosse indicada para prêmios, como o Emmy. 

Atualmente, a série está presente em quatro indicações diferentes: Melhor Design de Produção Para Um Programa Narrativo (Meia Hora), com o episódio The Night Market; Melhor Edição de Imagem Para Uma Série de Comédia com Uma Câmera, para o episódio Go Flip Yourself; Melhor Edição de Som Para Uma Série de Comédia ou Drama, com o episódio The Night Market; e, por fim, Melhor Figurino de Fantasia/Sci-Fi, com o episódio The Wedding – categoria a qual ganhou o Emmy de 2022.

Por mais que a temporada não tenha sido tão presente e forte como a primeira e segunda, ainda conseguiu trazer parte da essência caótica que é a existência de seres – quase – imortais. Além disso, o novo ano apresentou algo que Nandor já lidava há um tempo: a noção de que a imortalidade não é uma dádiva, mas sim parte da maldição de ser vampiro.

Ainda, essa leva de episódios conseguiu fechar com uma possível mudança de ares – que levara há uma temporada de muitas insinuações de virgindade, culpa religiosa e noções de traição e relacionamentos. E é claro que todo esse desenvolvimento de personagens não seria esquecido na sequência da série, principalmente pontos importantes como: os dois desejos restantes de Nandor, Não é? … Não é?

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Giovanna Freisinger

A quarta e última temporada de Barry responde às perguntas existenciais levantadas pela obra até então e leva a história, que parecia estar em uma rua sem saída, ao seu desfecho. Seus momentos finais a consolidam como uma das melhores produções de televisão dos anos recentes. Os fãs da série estão na torcida para que esse seja o ano em que ela finalmente conquiste o título de Melhor Série de Comédia no Emmy 2023, após três indicações nesta categoria, mas nenhuma vitória até então. O obstáculo é a concorrência pesadíssima da categoria, com Abbott Elementary, A Maravilhosa Sra. Maisel, Jury Duty, Only Murders in the Building, Ted Lasso, The Bear e Wandinha.

A premissa boba da série, sobre um assassino de aluguel que descobre uma paixão avassaladora pelo teatro, não deixa transparecer as profundidades que Bill Hader, protagonista e co-criador, é capaz de levar a narrativa nos anos seguintes. A conclusão assume um tom bem mais sombrio do que quando começou – sem clima nem para manter a música de abertura descontraída. Barry aproveita ao máximo a tragédia e a comédia de seu niilismo, orquestrando metodicamente os sentimentos infligidos na audiência para transitar, de um instante para outro, dos altos da sua natureza cômica à tensão e angústia consequentes da sua violência, sem parecer apática com o conteúdo nem comprometer seu ritmo impaciente.

Uma comédia ácida, com elementos de suspense, drama psicológico e crime, poderia facilmente se perder, mas a produção prova que revelar as nuances e contradições da vida e da condição humana, quando bem feito, pode criar algo que transcende as restrições dos gêneros narrativos. A série evoluiu ano após ano, com o estilo e o tom se tornando mais bem definidos e ambiciosos conforme progredia, caminhando em direção ao surrealismo, que acrescenta para uma experiência audiovisual ainda mais imersiva. 

A temporada anterior introduziu a linguagem mais introspectiva que a série adotou em diante. Isso aconteceu quando Hader começou a dirigir mais do que apenas alguns episódios e começamos a ter contato com as montagens surreais e minimalistas que ele aperfeiçoa nesse novo ano – ele dirige a totalidade dos oito capítulos. Podemos observar o diretor pegando gosto pela prática, desenvolvendo e aperfeiçoando o seu estilo próprio por trás das câmeras. Com razão, já recebeu, por Barry, três indicações ao Emmy nas categorias de Melhor Direção em Série de Comédia e Melhor Roteiro em Série de Comédia. Esse ano, ele concorre novamente às duas categorias, ambas pelo episódio final da série, wow. 

A liberdade tomada por Hader com as sequências experimentais é restrita ao seu comprometimento com os 30 minutos semanais. A quarta temporada pode ser considerada apressada, por vezes até atropelada, principalmente em consequência do divisivo salto temporal. No entanto, esse foi o melhor caminho para manter o passo da história e a resolução de todos os conflitos em um ritmo rápido que acompanha a urgência da narrativa. Barry é a estreia diretorial do ator e comediante e, agora que acabou, fica a ansiedade para ver o que ele planeja fazer em seguida. 

Dessa vez, a performance de Bill Hader é mais brutal do que nunca, interpretando Barry como uma bomba relógio. Com sua entrega ao personagem, o ator se provou desde o primeiro momento, foi indicado ao Emmy como Melhor Ator em Série de Comédia por todas as temporadas e ganhou em 2018 e 2019. Agora, para fechar a série com um terceiro troféu em casa, concorre com Jason Segel (Shrinking), Martin Short (Only Murders in the Building), Jason Sudeikis (Ted Lasso) e Jeremy Allen White (The Bear).

Barry desenvolveu uma marca registrada com a sua linguagem visual que prende o olhar do espectador na tela, mesmo diante de cenas violentas ou perturbadoras: uma câmera impessoal e observadora, que tende a enfatizar as reações dos personagens, independente do quão mirabolante os acontecimentos ao seu entorno sejam. Isso dá aos atores mais espaço para explorar suas performances. Grande parte do que eleva a série a algo realmente especial são as interpretações que eles entregam a essas figuras, contemplando as dualidades e conflitos internos de cada um. 

Esse ano, Anthony Carrigan (NoHo Hank) e Henry Winkler (Gene Cousineau) disputam novamente o Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia. É a terceira indicação para ambos e Winkler levou o troféu em 2018 pela primeira temporada. Vale notar, contudo, a inexplicável insistência da Academia de Televisão em esnobar a contribuição de Sarah Goldberg (Sally Reed), desde 2019 sem a indicar, apesar de seu imenso talento e inegável impacto para o sucesso da série. 

A quarta temporada chegou para subverter expectativas, reunindo todos os temas abordados nos anos anteriores da obra de maneira mais audaciosa e definitiva. Sua abordagem mais intensa não vai ser para todos, mas as decisões ousadas, performances estelares e habilidades técnicas fazem desse encerramento uma inegável jogada de mestre. Os primeiros episódios demoram um pouco para pegar no embalo, mas, quando as coisas começam a sair dos eixos, a produção te prende e não solta mais. Barry sempre foi boa em manter a audiência na beirada do sofá e, caminhando para a sua conclusão, domina isso em seu potencial máximo. Nunca se sabe qual o próximo passo de nenhum dos personagens. 

A série rejeita as nossas tendências de simpatizar com anti-heróis. Em sua reta final, apresenta uma exploração angustiante dos danos causados por um homem violento. A essa altura, Barry já não é mais o protagonista. O drama se dá ao examinar todas as vidas que ele comprometeu, direta ou indiretamente. A escolha ousada de descentralizá-lo da narrativa tem um efeito em fazer a audiência enxergá-lo por quem ele é, assim como os outros personagens começam a fazer.

A angústia da história vem da vontade que o personagem expressa em mudar, mas nunca muda. No último episódio, ele enfim toma uma decisão que pode ser considerada uma mudança, mas já é tarde demais. Ele não é oferecido redenção, nem vingança: o roteiro não recompensa Barry de qualquer maneira. Há um argumento, desde a terceira temporada, de que o arrependimento, não importa o quão sincero, não têm valor algum sem mudanças de comportamento. O protagonista cruza todos os limites que traça para si mesmo. Ele sente culpa, mas, ainda assim, prefere cometer atos injustificáveis a sacrificar a vida que reivindica para si. 

Barry se agarra a suas boas intenções – apesar de autocentradas – para não ter que admitir para si mesmo que tem controle sobre essas situações, e os danos que causa são uma escolha egoísta e calculada. Ele é definido por suas ações e, nesse sentido, é uma resposta a todos os anti-heróis. O trope é dominado por histórias de homens que fazem coisas terríveis, só para depois serem representados como vítimas mal compreendidas de más circunstâncias. É nesse ponto que Barry escolhe seguir por outro caminho e, fazendo isso, configura uma história anti-anti-heróis, que não deixa o seu protagonista, nem a audiência, escapar das duras consequências da realidade. A série finalmente responde a sua questão central: o remorso é o suficiente para a redenção? Claro que não.

O final, apesar de imprevisível, é anticlimático – de propósito. Em seus últimos momentos, a série compõe sua última piada, ao mesmo tempo que consegue sintetizar a sua mensagem, retornando os temas que expandiu nesta temporada para onde tudo começou: a indústria do teatro, cinema e televisão. Barry sempre usou a paixão do personagem pela atuação como sua metáfora central, para tratar das mentiras que contamos a nós mesmos. A tese da série é expressa, surpreendentemente, por Fuches (Stephen Root), quando ele compreende que ninguém se torna melhor do que é por negar a verdade.  

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Henrique Marinhos e Vitória Vulcano

Na era dos charts e streamings, a validação de carreiras artísticas facilmente recai em volumes numéricos. Talento, conceitos e estratégias de divulgação se organizam como meras formalidades que devem trabalhar por recordes incansáveis de reproduções, vendas e prêmios. Selena Gomez demorou para perceber essa realidade ingrata da indústria e seus impactos no corpo e espírito – o que a fez entender a relevância de patentear o fluxo da própria história. Em My Mind & Me, primeiro documentário da cantora e atriz, ela, enfim, dá voz aos episódios pessoais e midiáticos que acompanharam sua saúde mental nos últimos seis anos.

Inicialmente projetada para ser um diário da Revival Tour, a produção começa apresentando os bastidores desse espetáculo avassalador. Em 2016, Gomez não apenas tinha a missão de promover seu segundo álbum de estúdio, como estava amarrada à pressão de abandonar a imagem de garota da Disney, associada ao extenso currículo que construiu na empresa durante a infância e adolescência. Seus suspiros entre ensaios e trocas de figurino, momentos em que ela se sente incapaz de incorporar a mágica do palco em si mesma, dão conta de materializar a angústia de quem depende da avaliação dos aplausos para existir plenamente.

Muito antes de admitir os reflexos da rotina frenética em seu bem-estar, apesar de já possuir diagnóstico de lúpus, a artista pede inúmeras desculpas à equipe responsável pelos shows e, sobretudo, ao presidente de sua gravadora. Enquanto as apresentações ao vivo rodam o mundo, a exaustão física e emocional passa a cobrar satisfações e ultrapassar as portas dos camarins. Em Agosto daquele ano, o cancelamento da turnê e o afastamento midiático da cantora para cuidar da própria saúde estampavam as manchetes de jornais e os tópicos mais comentados das redes sociais. A partir do choque, a dimensão cinematográfica de My Mind & Me substitui os holofotes por imagens de Selena Gomez em 2019, no conforto de sua casa, pronta para romper o véu entre passado e presente. 

Sob as lentes do diretor Alek Keshishian (do sucesso Na Cama com Madonna), o documentário, então, opera duas vertentes em potência máxima: a crueza das emoções de Selena Gomez e as nivelações de seu fluxo de consciência. A primeira cresce em constância durante visitas nostálgicas a Grand Prairie, no Texas, onde reside tudo que participou do crescimento da cantora, desde a casa em que nasceu desenhando pelas paredes até o reencontro com antigos vizinhos e funcionários de uma das escolas em que estudou. Já a segunda oferece uma viagem aos pensamentos da artista, intercalando à história montagens em preto e branco que mesclam visuais e reflexões íntimas narradas por ela. 

Universalmente visíveis, os passos de contemplação e introspecção que rodeiam o documentário são evocados especialmente entre as crises dolorosas causadas pelo lúpus e a espiral mental em que a cantora se aprofunda sempre que lida com a própria carreira. A mecanicidade no tratamento que as indústrias musical e midiática direcionam a seus construidores roubam a paixão da artista, que assume se sentir vista como produto constantemente. “Disse para Raquelle [sua melhor amiga] que às vezes tenho vontade de largar tudo para poder ser feliz e normal como as outras pessoas”, escancara Gomez, em certa altura. 

Os holofotes são familiares à cantora desde os sete anos de idade. E hoje, consagrada, seu reconhecimento para além de suas obras é fruto de uma trajetória ligada não só as Artes, mas também à filantropia. O que recebíamos como silêncio em 2019 traduziu-se em uma das partes mais emocionantes de Minha Mente e Eu (título da produção no Brasil), que alterna entre o revelador e o relutante. A viagem de Gomez para o Quênia, em parceria com a WE Charity, trouxe outra versão de uma personalidade que nem todos conheciam, mais centrada na ação que na divulgação.

A partir de suas experiências como figura pública, que nem sempre foram fáceis, a imagem da artista é intimamente ligada a debates de saúde mental, autoaceitação e padrões estéticos. A expressão de vulnerabilidade nesses cenários é tão natural para Selena quanto os ganchos articulados no documentário, que segue com delicadeza distinta a ternura transbordante da protagonista, mesmo sem explorar seus anos como embaixadora da UNICEF (Fundo das Nações Unidas para a Infância) e o impacto social provocado pelo lançamento de sua marca, Rare Beauty.

Gradativamente, o retorno de Gomez aos palcos após a jornada humanitária compõe um recorte sentimental e pessoal de sua apresentação de Lose You To Love Me, criticada no American Music Awards quatro edições atrás. Território conhecido pela cantora, indicada a Artista do Ano e vencedora do troféu de Melhor Artista Pop-Rock em 2016, a premiação, nas telas, carrega ares assustadores e promissores, equiparando a trajetória extensa e significativa da texana com o tamanho das angústias que encara ao se esforçar para atingir novos marcos.

Eventualmente, eu vou estar cansada de tudo isso, então eu provavelmente vou devotar a maior parte da minha vida à filantropia.

A junção de vídeos amadores, depoimentos, cenas de bastidores, apresentações musicais e relatos de pessoas próximas tece uma obra fluída e dinâmica, surpreendendo com momentos de comoção e ponderação. O contraste – proposital ou não – entre os momentos de glória e sofrimento são reforçados por simples transições do passado de Selena Gomez, entre sua imagem pública e, até então, privada. 

Retratando do mundano ao artístico, My Mind & Me integra a onda atual de documentários sobre celebridades em destaque íntimo e máximo, garantindo uma indicação a Melhor Roteiro em Programa de Não Ficção no Emmy 2023. Na categoria, além de 100 Foot Wave e The U.S. and the Holocaust, o longa disputa com Moonage Daydream, odisseia focada em David Bowie, e Dear Mama, minissérie sobre Tupac Shakur e sua mãe.

Apesar da recente fama de esnobada pela Academia, a atriz tem longo histórico no Oscar da televisão desde sua participação em Os Feiticeiros de Waverly Place, programa nomeado duas vezes como Melhor Série Infantil, até as nomeações mais recentes em Melhor Série Culinária com Selena + Chef, da HBO Max. Ela concorre, ainda, a um troféu de Melhor Elenco por Only Murders in the Building, série em que é protagonista e produtora executiva.

Aos poucos, a mesma cantora que desafia todas as expectativas midiáticas e dos ‘selenators’, nome dado aos membros de seu fandom, se reconhece como sua maior adversária na busca por harmonia com a própria mente. Suas confidências nem sempre são acolhidas ou respeitadas por sua equipe ou seus amigos, no entanto, ela não se desvia da vontade de usar sua voz para transmitir uma mensagem de esperança. Afinal, não é necessariamente melancólico falar sobre saúde mental e é plenamente possível encontrar um caminho de equilíbrio – embora não seja simples.

Com a produção de Stephanie Meurer (Com Amor, Lizzo), Michelle An (Billie Eilish: The World’s a Little Blurry) e John Janick (Olivia Rodrigo: driving home 2 u), My Mind & Me se firma como a disposição poderosa de toda a sensibilidade à flor da pele que sustenta Selena Gomez. A artista, que tanto inspirou fãs a renovarem a bondade no mundo e desfazerem os nós da vaidade, agora reúne os próprios fantasmas para se reconciliar com sua identidade. Em frente ao espelho da vida, ela não quer perfeição nem apostar alto em suposições, somente se permitir sentir, na alma, as contradições de sua humanidade. 

Continuarei lutando, mas estou feliz. Estou em paz. Estou brava. Estou triste. Estou segura. Estou cheia de dúvidas. Sou um trabalho em andamento. Sou o bastante. Sou Selena.

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Gabriela Bita

Inglaterra, 1761. Rainha Charlotte: Uma História Bridgerton se inicia no momento em que uma jovem chega da Alemanha para se casar com o príncipe George III (Corey Mylchreest). Após ser examinada dos pés à cabeça pela princesa-viúva e futura sogra, Charlotte (India Amarteifio) começa a sentir a pressão que a aguarda em seu novo posto. A aristocrata precisa unir todas as suas forças para cumprir o papel para o qual foi preparada desde o berço, o que não deveria ser algo complicado, afinal, quem não gostaria de ser a rainha da maravilhosa corte inglesa? 

Desenvolvida por Shonda Rhimes, a minissérie do universo de Bridgerton conta a história da querida rainha Charlotte. Após duas temporadas de sucesso, engana-se quem pensa que os únicos que chamaram a atenção do público foram os casais principais das tramas envolvendo a família Bridgerton. Com aparições marcantes, a monarca conquistou o público com sua extravagância, gosto por arranjar casamentos e estar por dentro das fofocas da corte, tanto que ganhou seu próprio espaço na Netflix, após duas temporadas da série principal.

Com figurinos exuberantes e uma trilha sonora — produzida pela Sony Masterworks — certeira, o roteiro de Rhimes desenvolve com excelência a história da amada rainha. Além da forte narrativa, todo o visual da produção é mais do que agradável aos olhos, sendo até mais belo e cativante do que o da série da qual esta se deriva. É difícil se decepcionar com toda a ambientação criada: o espetáculo faz jus a rainha que encomendou pavões para o casamento em seu palácio. 

A abordagem de temas como racismo e machismo ocorre de maneira pontual e explícita. Em quase todos os episódios, observa-se que há uma preocupação em retratar tais questões na sociedade da época, associando a presença de Charlotte (agora na realeza) e sua importância para a mudança ocorrer efetivamente na corte. Outro ponto positivo para Rhimes no spin-off, já que é sua primeira adaptação do universo de Julia Quinn, a roteirista deixou a desejar na abordagem de tais pautas, perdendo a abertura que a série, por si só, produz.

Curiosamente, a história da monarca inglesa não foi inspirada por um livro específico de Quinn. O que ocorreu foi exatamente ao contrário. Somente após o lançamento da série, a nova novela da autora foi escrita e tornou-se disponível para os fãs. Rainha Charlotte: A história de amor que veio antes dos Bridgertons e que mudou a alta sociedade consolida a parceria entre a escritora e a roteirista, que agora dividem também as páginas dos romances de época aclamados por muitos. 

Nesse ponto, o sucesso da franquia já se tornou claro, mas esperamos que haja um ponto final em vista para a saga, ainda mais tendo consciência do histórico de temporadas infinitas produzidas por Rhimes em suas séries. No entanto, em Queen Charlotte, todas as questões são muito bem elaboradas e resolvidas ao longo dos seis episódios, o que não torna necessário uma continuação com foco no casal principal, por mais que eles sejam lindos em frente às câmeras.

Não é possível falar da minissérie sem comentar sobre o elenco. Dando vida a jovem rainha que não suporta seu Lulu da Pomerânia, India Amarteifio encarna a personagem com maestria e, junto com Corey Mylchreest, o jovem George, exala uma química perfeita entre um rei e uma rainha cuja paixão foi à primeira vista. Mylchreest não fica para trás de Amarteifio ao interpretar seu parceiro. A angústia de um monarca com uma condição de saúde que o debilita encenada pelo ator transpassa a tela e emociona em diversos momentos.

Além dos protagonistas, outros personagens também roubam a cena. A jovem Lady Danbury (Arsema Thomas) traz consigo questões sobre o papel da mulher na sociedade e a importância do autoconhecimento. O paralelo traçado entre o passado e o futuro da jovem Agatha lutando por seu lugar e descobrindo quem ela é por si só acrescenta um tom reflexivo para a série e demonstra a habilidade de Rhimes em trabalhar a profundidade de seus personagens secundários.

Ainda sobre figuras não principais, Brimsley (Sam Clemmett) e Reynolds (Freddie Dennis), os fiéis mordomos de suas majestades, seriam mais do que perfeitos para uma possível segunda temporada. Em Joias da Coroa, último episódio da série, chega a ser difícil segurar as lágrimas com as cenas nas quais ambos dividem a tela. A partir disso, é de se esperar que o público cativado pelos serviçais de George e Charlotte façam com que a história dos dois não seja esquecida, assim como ocorreu com a protagonista da minissérie.

O episódio que finaliza a série demonstra sua bela execução não só pela emoção causada nos telespectadores, mas também, por suas duas nomeações ao Emmy de 2023. Joias da Coroa marca presença entre os indicados por Melhor Figurino de Época em Série e Melhor Cabelo de Época. As equipes responsáveis pelas caracterizações exuberantes contam com a presença de Lyn Elizabeth Paolo, Laura Frecon, Jovana Gospavic e Alex Locke, na produção e supervisão dos figurinos, enquanto Nic Collins e Giorgio Galliero lideram a produção dos volumosos e característicos penteados.

Apesar dos protagonistas não terem sido indicados em nenhuma categoria, Julie Andrews, que dá voz a Lady Whistledown na narração da produção, acumulou sua terceira nomeação na categoria de Melhor Performance de Voz. O episódio responsável pela presença da atriz na disputa é o segundo da minissérie, denominado Lua de Mel ou Lua de Fel. Das quinze indicações de Bridgerton nos Emmys de 2021 e 2022, Andrews disputou a mesma categoria em ambos os anos, mas infelizmente não levou a estatueta para casa. Torcemos para que três seja o número da sorte e que a série — indicada em três categorias, com a atriz concorrendo pela terceira vez em 2023 — seja a vencedora.

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Gabriela Bita

Com um começo lento, mas intrigante, e um final explosivo, a terceira temporada de The Mandalorian apresenta força suficiente para, assim como as anteriores, concorrer ao Emmy de 2023. Contando com uma produção visual de tirar o fôlego, os oito novos episódios apresentam um foco diferente — mas muito bem explorado e desenvolvido — do observado anteriormente, o que pode causar um estranhamento inicial para os admiradores da história. Nessa nova fase, continuamos a ser presenteados com a fofura de Grogu e partimos com ele e seu mentor em busca da redenção do Mandaloriano nas minas de seu planeta natal.

Logo nos primeiros minutos, Grogu e Din Djarin (Pedro Pascal) estão juntos em mais uma aventura, o que causa uma leve confusão ao público, já que, no último episódio da segunda temporada, vemos o pequeno ser levado por Luke Skywalker (Mark Hamill) para aprender a ser um Jedi. É nesse ponto que o roteiro começa a pecar fortemente, pois os acontecimentos entre o final do último capítulo de 2020 e o começo do primeiro de 2023 são mostrados apenas na nova série – pouco aclamada pelos fãs – do universo de Star Wars, O Livro de Boba Fett.

Após diversas produções extras do universo intergaláctico, a história de Fett era mais do que aguardada. Afinal, qual padawan não estava ansioso para saber mais sobre o vilão que ajudou no sequestro do querido Han Solo em O Império Contra-Ataca? No entanto, assim como para o Império, a queda veio para a série desenvolvida em recordações. Poucos foram os que deram uma chance e assistiram ao reencontro de Djarin e sua criança — aparentemente os dois episódios, mesmo sendo o ponto alto da narrativa, não foram suficientes para conquistar a audiência.

Sendo assim, é inevitável a sensação de falta de contexto entre os fatos, que não é superada com os meros cinco minutos de flashbacks acrescentados em migalhas para o público durante uma simples lembrança de Grogu. No entanto, apesar do furo no roteiro de Jon Favreau, a trama segue seu rumo com Djarin buscando suas origens e uma forma de voltar a ser um Mandaloriano, enquanto, é claro, auxilia seus velhos amigos em outras questões e problemas que aparecem no meio de sua jornada.

Na aventura da vez, passamos a conhecer mais a fundo a história de Mandalore e, apesar da forte presença dos amados protagonistas, os novos capítulos focam em personagens secundários, como é o caso de Bo-Katan Kryze (Katee Sackhoff), que retorna para ajudar Mando e sua espécie a retomarem seu lar. As questões pessoais de Djarin são colocadas em segundo plano na terceira temporada e dão lugar ao desenvolvimento do próprio povo Mandaloriano. Até mesmo a relação entre o tutor e Grogu — apesar de continuar divertida e carregada de sentimentalismo — está mais voltada para o ensinamento da Doutrina.

Enquanto os Mandalorianos se reúnem, a Nova República atua para manter seu domínio após a queda do Império. No terceiro episódio, O Convertido, que parece não acrescentar em nada para história, passamos por Coruscant, capital da Nova República, na qual vemos um governo regido pela hipocrisia e não menos controlador do que o anterior. Assim, duas narrativas se desenvolvem uma de cada lado do universo, o que pode parecer estranho à primeira vista, mas é muito bem trabalhado por todo o enredo. Ao final, as histórias se colidem em uma grande explosão.

É impossível negar que um dos pontos altos da série é a participação especial da cantora Lizzo e do ator Jack Black nos papéis de Duquesa e Capitão Bombardier. Juntos, a ganhadora do Grammy de 2023 e o astro de Escola de Rock formam uma dupla excêntrica e divertida que atrai toda a atenção para si. Apesar de Black se destacar mais na parte técnica da atuação, a rapper americana não fica para trás e é visível sua paixão por Grogu, tanto enquanto personagem quanto fora das câmeras, o que deixa sua adição ao elenco ainda mais interessante.

Após se banhar nas Águas Vivas, lutar contra piratas e outras criaturas, Din e seu povo partem para Mandalore, onde um velho inimigo os espera para a luta final. Depois do quinto episódio,  intitulado O Pirata, The Mandalorian ganha um ritmo mais dinâmico, no entanto, a aparição de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) — depois de todo o suspense produzido —  por pouco não se tornou um tiro no próprio pé. O fato do vilão estar vivo já havia se tornado óbvio e sua grande entrada não foi nem um pouco grandiosa, chegando apenas nos últimos minutos para ter seu final concretizado nas mãos de Bo-Katan.

Se o antagonista não teve a presença que poderia, os protagonistas mostraram o motivo de serem tão aclamados pelo público. Em uma sucessão de cenas intensas e emocionantes, vemos tutor e aprendiz serem separados duas vezes, enquanto do lado de fora, a luta entre stormtroopers e Mandalorianos no planeta-mãe destruídos acontece desenfreadamente. É aqui que toda a criatividade e habilidade de Jon Favreau atingem seu ápice e fica claro as intenções do produtor ao escrever um roteiro no qual a temporada se desenvolve gradualmente.

Ao conhecer um pouco mais da história dos Mandalorianos e acompanhar Djarin ensinando ao garoto O Caminho, ver o mais velho e sua criança lutando lado a lado gera arrepios por todo o corpo. Quando Grogu, agora mais habilidoso com a Força, e Din salvam um ao outro, temos um pai fazendo de tudo para não perder seu filho e este encarando seus medos para salvar seu pai. Apesar de não contextualizar o reencontro de ambos e não se aprofundar em suas questões pessoais, a terceira temporada de The Mandalorian finaliza o arco da história dos personagens com êxito, oficializando a relação paternal entre os dois e nos deixando esperançosos para o que as próximas aventuras irão trazer.

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Jamily Rigonatto

Trazer figuras importantes diretamente do cenário político-social norte-americano para os holofotes dos palcos do audiovisual tem sido uma estratégia explorada pelos roteiristas e diretores da indústria cinematográfica. Seguindo a linha de produções como Mrs. América e Gaslit, The First Lady escolhe retratar os eventos de três presidências dos Estados Unidos pelo outro lado da moeda. Na antologia lançada em 2022 pela emissora Showtime, a Casa Branca abre os portões para visitas com anfitriãs que não poderiam ser mais ilustres. 

Eleanor Roosevelt, Betty Ford e Michelle Obama são as damas que nos convidam a adentrar os bastidores de suas vidas. Em um novo ponto de vista, as personagens se eximem do peso de serem traduzidas pela simplicidade de existir como coadjuvantes da história estadunidense. Assim, no enredo assinado por Aaron Cooley, mostrar pouco dos governos de Franklin Roosevelt, Gerald Ford e Barack Obama, mas muito das perspectivas de suas esposas, é o maior propósito.

Com produção executiva da também protagonista Viola Davis, a narrativa aborda uma linha temporal múltipla com variações entre as épocas em que cada uma das primeiras-damas vive dentro do universo dos governantes. O foco é mostrar o contraste das personalidades, buscando respaldo em flashbacks curtos das juventudes das personagens. Além disso, há a inserção de elementos opressores, com o intuito de demonstrar o embate entre a força de seus ideais e a pressão social que as impacta, diante da importância da representação que exercem.

Apesar da nobreza no intuito de A Primeira-Dama (como a obra chegou no Brasil), não é necessário nem meio episódio para mostrar que algo está fora do lugar. Começando pelo destaque de Michelle Obama (Viola Davis) e a percepção de que pensar como quem tem o jogo ganho é a receita certa para perder. Ao longo da progressão da série, a ideia de misturar a força de uma figura tão conhecida e marcada por uma presença de tamanha singularidade como a de Michelle, a grandeza proporcionalmente original da ganhadora do Oscar, parece incompatível. 

Mesmo com a atriz envolta por uma forte caracterização e um visível estudo dos trejeitos da ex-primeira-dama, ainda não conseguimos vê-la nas telas. Fica para o telespectador o resultado frustrante de algo teoricamente perfeito ruindo bem em frente às câmeras. A qualidade da atuação de Davis é inegável, mas seu grande empecilho é o frescor da memória da senhorita Obama nas nossas memórias – afinal, 2017 foi ontem. Dessa forma, assistir as cenas deixa para trás a sensação de comer um doce queimado, mesmo com todo o açúcar, o fundo continua amargo. 

O ponto mais forte da presença de Michelle na produção está em suas interações com o abismo social criado pela racialidade e o peso de ser a primeira mulher negra a ocupar o lugar de primeira-dama. Testemunhar o medo, as ameaças e a segregação espalhada por todos os espaços nos quais ela adentrava faz com que seja possível sentir o desconforto de chegar como quem invade uma festa na surdina. O grande alívio é ver a figura resistindo ao enfrentar o presidente e o mundo pelo direito de continuar inteira em um país construído pelo genocídio do povo preto. Nos diálogos com o marido, interpretado por O-T Fagbenle, fica constatado que não há poder suficiente no mundo para comprar autenticidade.

A introdução das perspectivas de Eleanor Roosevelt (Gillian Anderson) pode ter sido outra pedra no caminho do desenvolvimento da Família Obama. Quando Franklin chega ao governo, a atmosfera estadunidense performa um verdadeiro apocalipse, já que sua primeira presidência sucede a quebra da bolsa de valores de Nova York em 1929. Esse momento caótico acaba tornando os problemas de Eleanor mais comoventes em comparação aos das outras protagonistas. O forte enfoque nas atitudes da personagem em relação ao meio social e em suas frequentes afirmações pela defesa da população em maior vulnerabilidade tiram o ar caricato e atribuem um aspecto sensivelmente humanizado. 

Por isso, quando há transições entre os frames de Eleanor e Michelle, os contrastes se tornam ainda mais visíveis e incômodos. As narrativas não cumprem o papel de diferenciar as épocas sem sacrificar a uniformidade da história, fazendo com que até mesmo a Fotografia, comandada por Amir Mokri, perca em termos de continuidade. Essas rupturas também são evidenciadas pela presença das jovens primeiras-damas, viajar por tantos planos temporais tira, desnecessariamente, o ritmo da passagem dos 10 episódios da obra. 

Ainda com a capacidade de identificação e empatia atribuída a Lady Roosevelt, a direção – responsabilidade de Ellen Burstyn – não consegue exprimir todo o potencial de Gillian. Assim, a representação é satisfatória, porém, fica aprisionada a uma monotonia tibia. Mostrando a falha de escolher tantos focos e não dar a devida atenção a nenhum deles, cada episódio de The First Lady se emaranha em mais labirintos que não levam a lugar algum. 

Depois de tantos desacertos, Betty Ford (Michelle Pfeiffer) chega com a altivez de uma rainha. A primeira-dama do sucessor de Richard Nixon ganhou a interpretação de mais destaque na produção. Construída como uma mulher real do tipo que expõe suas fraquezas e vantagens, Pfeiffer conseguiu criar uma ligação sincera entre a ficção e a realidade. Muito desse feito pode ter sido ocasionado pela pouca pressão e liberdade na composição de Betty, que além de ser a menos popular entre as três personalidades, é também a menos explorada pela espetacularização midiática.  

Mesmo tendo tudo para ser o tipo de série que aparece todos os anos como uma das favoritas do Oscar, The First Lady se perdeu nos cálculos. Entre tantos cenários bem feitos e investimento em caracterizações, a narrativa tenta agarrar mais do que consegue. Esses pequenos deslizes se tornam grandes quando falamos de uma primeira temporada, e acabam sendo os detalhes que distanciam uma obra digna de ocupar a presidência de um enredo esquecível. 

Na premiação do Emmy 2022, a Academia de Televisão não deixou os pormenores passarem despercebidos e acabou indicando a série em apenas 3 categorias técnicas. Nas primeiras noites da premiação, ocorridas nos dias 3 e 4 de setembro deste ano, The First Lady concorria por Melhor Figurino de Época e Melhor Maquiagem de Época e/ou de Personagem (Não-Prostética) pelo episódio Vaso Rachado. A produção também estava no páreo pela estatueta de Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, pelo episódio Gangorra. Mesmo com a caracterização tendo sido um dos aspectos mais marcantes das cenas do trabalho audiovisual, não foi o suficiente para superar a pompa de Bridgeton ou a sensualidade de Pam & Tommy.

Não é como se sentar e assistir The First Lady fosse uma completa perda de tempo: ver mulheres que conseguem espaço para suas vozes ecoarem é sempre, de uma maneira ou de outra, um deleite. A infelicidade fica no desperdício ilustrado de tanto potencial, presenciar o sucesso de uma produção tão bem intencionada descendo pelo ralo parece injusto. Mas no fim, vale a pena dar uma chance para os pontos de vista de quem foi secundarizada a vida toda. 

As primeiras-damas não representam todas as mulheres do mundo, seus privilégios as tornaram parte de algo à parte. Ainda assim, nos mais luxuosos corredores da Casa Branca, moram as essências do machismo e da misoginia. Eleanor, Betty e Michelle só nos mostram que os maridos e seus status de poder são verdadeiros acessórios de incentivo a uma sociedade de exclusão. Já não é segredo para ninguém que passou da hora daquela faixa presidencial ganhar uma dona.

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Vitória Gomez

“O que você acha que realmente aconteceu lá?”. Filmada de costas e sem nunca mostrar seu rosto, uma menina corre ofegante por entre as árvores de uma floresta gelada. O silêncio do cenário é preenchido somente por sua respiração pesada, e o sangue que pinga de sua carne colore o chão coberto de neve. Gritos alheios passam a ser ouvidos: o motivo da fuga vem logo atrás da garota sem identidade. Até que ela, também, para. Presa em uma armadilha, seu corpo empalado chegou ao destino final. Enquanto os adolescentes de Euphoria ensaiavam para o início de mais uma temporada de substâncias sintéticas, figurinos coloridos e pele à mostra, as jovens de Yellowjackets estavam abandonadas à selvageria.

A produção do Showtime opera em duas linhas do tempo. Em 1996, o avião que leva as Yellowjackets à glória no campeonato nacional de futebol cai e deixa as integrantes do time, pequenas estrelas do esporte na cidade, vivendo sozinhas na selva canadense por meses. 25 anos depois, as quatro sobreviventes (a princípio) empurram suas vidas separadamente, todas mantendo o combinado de não tocarem no assunto do que aconteceu naquele tempo. Quando uma jornalista investigativa começa a cavar o passado e um dos personagens que saiu de lá vivo morre inesperadamente, as protagonistas não têm escolha a não ser se reunirem.

Queda de avião seguida de sobrevivência certamente não é um cenário inédito na TV, no Cinema e tampouco na Literatura. Troque o grupo de meninos de O Senhor das Moscas (1954) por garotas adolescentes e intensifique o mistério sobrenatural de Lost para alcançar um terror viciante. Os showrunners Ashley Lyle e Bart Nickerson, veteranos de séries como The Originals e Narcos, certamente reconheceram as narrativas passadas e suas potenciais referências. Seja o ineditismo impossível ou não em Hollywood, Yellowjackets soube apostar em seu grande trunfo: ao invés de retratar passo a passo dos dias das meninas na selva, narrativa batida e há muito explorada, a produção escolhe olhar para suas personagens.

O roteiro, com uma generosa lista de creditados por episódio, avança a narrativa e une suas protagonistas, mas são elas o grande foco e a força central da primeira temporada. Ao passo que os anos 1990 retratam as garotas e seus sonhos adolescentes, bem como seus embates (antes e depois da queda) e o desmantelamento de cada uma dessas expectativas dia após dia, a casa dos quarenta representa a soma dos acontecimentos e mostra o que o quarteto se tornou. Na vulnerabilidade de corpo e mente humana, Yellowjackets encontra seu ápice: mesclando os dois recortes temporais, a nostalgia e o terror do que aconteceu no passado fornecem a base para o que Shauna, Misty, Nathalie e Taissa são e fazem no presente, driblando todos os clichês os quais a trama poderia recorrer.

O que realmente aconteceu ‘lá’ se desenrola ao longo dos 10 capítulos do ano de estreia da produção, em um ritmo angustiante e tenso. Yellowjackets faz melhor do que entregar um filme de horas de duração, com três atos bem marcados e definidos, mas tampouco se adequa ao formato de uma narrativa fechada a cada capítulo, com começo, meio e fim didáticos. Se a alternância entre linhas do tempo também não é novidade no Audiovisual, a série se aproveitou do seu lançamento semanal para não colocar todas as suas cartas na mesa, mas prender o espectador com os próprios mistérios que coloca em seu caminho. As mulheres que conhecemos em 2021, por exemplo, não são as mesmas garotas que iniciaram o Piloto. Os comportamentos do quarteto adulto encontram semelhanças às imagens de suas respectivas figuras juvenis, mas o que as levou até lá só nos resta descobrir – e parcialmente, já que a obra foi planejada para ganhar mais temporadas.

Yellowjackets sabe de seu ponto alto e o elenco brilha em suas duas frentes. Shauna (Sophie Nélisse, quando jovem), Taissa (Jasmin Savoy Brown), Natalie (Sophie Thatcher), Misty (Sammi Hanratty), Jackie (Ella Purnell), Lottie (Courtney Eaton), Van (Liv Hewson) e outras das atletas do time de futebol que saíram intactas da queda se unem em um elenco misturado de protagonistas e coadjuvantes, todas quebrando um pouco mais a cada sinal da ineficácia do resgate. Também, crescem e se fortalecem um pouco mais: viver na selva não é mais paliativo, mas a condição atual – e incerta – das meninas dali para frente. Se elas pretendiam viver esperando o momento do retorno à sociedade, a esperança se vai junto da inocência. O que cresce é o espírito de sobrevivência.

Espírito esse que, sem restrições, vai fazer o que for preciso para sair daquela floresta vivo. A semelhança entre as personagens jovens e suas versões mais maduras vai além da seleção certeira por parte da direção de elenco de Junie Lowry Johnson e Libby Goldstein. A incontestável escolha das atrizes rendeu à obra uma indicação ao Emmy 2022 em Melhor Direção de Elenco em Série de Drama, mas a transformação das personagens, de suas versões antes para depois da selva, também transparece nos paralelos do que nunca mudou.

Enquanto o cerne competitivo e decidido de uma jovem Taissa se mantinha firme até quando colocava em risco a vida de suas colegas, o amadurecimento não a diferenciou. Interpretada por Tawny Cypress, a sua respectiva adulta não hesita em tomar suas decisões de cabeça quente e ergue-se como a voz da razão. Afinal, ela é a sobrevivente que mais chegou perto de retomar a vida planejada antes do acidente. Tai se mostra impassível, mas por trás da fachada de forte e bem-sucedida, foi uma das que mais ganhou assombros dos seus dias no relento, transparecidos nas feições e nos olhos assustados de Cypress.

Já Misty nunca deixou de ser calculista e estratégica. Desde o primeiro momento, a assistente do treinador das Yellowjackets sabia de seus pontos fortes e o que a diferenciava na selva – ela, porém, se deixava levar em sua busca pelo pertencimento. A versão 25 anos mais velha vivida por Christina Ricci é uma das que menos parece ter se transformado e acumulado traumas entre as duas linhas do tempo, e, se a temporada tivesse heróis e vilões, Misty seria justamente a anti-heroína. Nas mãos da atriz veterana, a personagem, completamente lunática e perigosa, ganha um timing cômico e apreciável por sua lealdade e companheirismo – digna de uma indicação no Oscar da TV como Melhor Atriz Coadjuvante em Drama pelo papel.

A questão é que, em Yellowjackets, não há heróis ou vilões. Cada uma das quatro protagonistas fez o que foi preciso para sobreviver e, justamente por isso, são mostradas em suas versões de meia idade. A série não se limita a delinear quantas foram as garotas que saíram com vida da floresta e deixa seus mistérios à cargo do próprio desenrolar do primeiro ano, que o faz mais do que o suficiente para suscitar ainda mais questionamentos e ganchos para uma sequência. Mais do que solucionar as perguntas em seu caminho, as ‘Jaquetas Amarelas’ criam ainda mais incógnitas.

Graças as intérpretes, o fantástico quarteto adulto se equilibra, em uma dinâmica que mascara as diferenças provocadas pela selva e acentua a conexão já existente um dia. Sem uma explicação plausível para isso, o núcleo de 2021 parece encontrar sua união em Shauna. Desde quando era vivida profundamente por Sophie Nélisse até seu amadurecimento para Melanie Lynskey, a personagem é talvez a mais intrigante de todas. Jovem e adulta guardam seus segredos sombrios firmemente sob uma fachada tranquila, delicada e indefesa. Longe disso, a estrela de Yellowjackets, primeira sobrevivente apresentada no piloto, também se mostra calculista e fria, extirpando suas emoções quando há trabalho a ser feito.

Propositalmente ou não, a escolha das atrizes veteranas que se alçaram ao sucesso na juventude e cresceram sob a luz dos holofotes traduz parte da essência da produção. Após o retorno, os microfones apontados às meninas resgatadas, as páginas de jornais e as especulações sobre o que realmente aconteceu selva afora as levou a se distanciar umas das outras, das vidas pacíficas e normais que poderiam ter levado e até de seus respectivos parceiros. Crescer frente às câmeras, sob uma atenção indesejada com o único intuito de reviver e alardear os maiores traumas das sobreviventes, não estava nos planos do quarteto.

Pelo feito como Shauna, Lynskey foi nomeada na categoria Melhor Atriz em Drama no Emmy 2022, competindo com a dupla protagonista de Killing Eve, Reese Witherspoon em The Morning Show, Laura Linney em Ozark e Zendaya, por Euphoria. Na premiação, as Jaquetas Amarelas também ganharam uma menção dupla na categoria Melhor Roteiro em Drama: os showrunners Ashley Lyle e Bart Nickerson concorrem com o episódio Pilot e F Sharp, esse último com o roteirista Jonathan Lisco creditado junto do duo. O episódio Piloto também é lembrado em Melhor Direção em Drama, pelo trabalho de Karyn Kusama. 

Somando 7 indicações em 6 categorias distintas – uma que já foi entregue no primeiro final de semana do Emmy -, Yellowjackets ainda recebe uma das maiores honrarias da premiação: a estreante apareceu em Melhor Série de Drama, categoria das mais antecipadas da noite de 12 de setembro. Competindo com Better Call Saul, Euphoria, Ozark, Severance, Round 6, Stranger Things e Succession, a novata do Showtime não parece impor uma grande competição frente a algumas das veteranas de premiação. Mas as Jaquetas Amarelas já superaram situações piores.

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Nathália Mendes

Lá pela 3ª temporada, Queer Eye já fazia mais do mesmo: replicava sua receita de sucesso, espalhando o valor do autocuidado com alegria e empatia. Mas se em time que está ganhando não se mexe (sim, o contexto merece uma piada do meio futebolístico heteronormativo), uma pandemia de coronavírus desafiou o reality da Netflix a fazer ainda mais pelo amor próprio dos outros. E foi assim, abraçando a fragilidade de seus participantes recém vacinados, que Antoni Porowski, Bobby Berk, Karamo Brown, Jonathan Van Ness e Tan France entregaram uma 6ª temporada para se engasgar de tanto chorar.

Na edição anterior, cinco gays bateram nas portas de estranhos num momento crucial, pois foi ao ar quando o mundo enfrentava o crescimento de casos de Covid-19 sem saber o que fazer. Antes disso, ainda, a nova temporada já havia iniciado suas gravações, e os Fabulosos estavam em Austin, no Texas. Como se um dos estados mais conservadores dos Estados Unidos não fosse suficiente, a série foi interrompida pela pandemia em março de 2020. Pronto. Estava nas mãos de Queer Eye o poder de ajudar pessoas completamente transformadas por uma das maiores emergências de saúde da humanidade – e assim o fizeram, bem longe de hospitais e prontos socorros. 

Antes de interromper as gravações, a série conta a história de Terri White em seu primeiro episódio, Um momento decisivo. A dançarina de meia idade, extremamente sulista e carismática, abre a temporada com uma narrativa semelhante às demais já contadas no reality, até que a Covid-19 chega. Um ano de tristeza e medo a envolveu, mudando até seu relacionamento com o cabelo natural – que teve tempo de crescer longe dos holofotes, e a transformou numa mulher introvertida pela tristeza da perda. Quando os Fabulosos a encontram novamente, em maio de 2021, seu pai, James White, havia falecido.

É interessante notar que James havia sido parte da alegorização texana construída pela série logo de cara. Perdê-lo trouxe à tona a dor que, de certa forma, a sociedade experenciava desde o começo da pandemia. Diferente do animado reencontro com os participantes que normalmente acontece, Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan voltam até o restaurante da família de Terri muito amuados. Não há outra cena em toda Queer Eye que se compare a essa, pois, ainda que o programa tenha influenciado diretamente a vida da heroína no período de isolamento, no final o saldo não era positivo. 

Completando a tragédia, o The Daily Beast realizou uma pesquisa mais profunda sobre os White logo após o lançamento dos episódios. Não precisou de muito para descobrir rumores de casos de homofobia e racismo no restaurante da família, o Broken Spoke. Segundo o portal, as críticas do local no site Yelp contém acusações de discriminação e relatos de que as aulas de dança são acompanhas de comentários ofensivos. Sem surpresas, os desafios para uma temporada em um estado conservador foram turbinados por uma crise de saúde mundial, mas tudo bem: os momentos mais emocionantes e compensadores estavam por vir.

Após o retorno, as gravações aconteceram com vacina no braço dos norte-americanos. De diferentes formas, o arco de todas as narrativas se baseou na família, seja qual fosse sua composição, ou nos desafios que a pandemia de coronavírus haviam trazido para suas vidas. Seja com os formandos do Colégio Navarro ganhando um espetacular baile de formatura presencial, depois de tanto tempo vendo os colegas por uma tela de computador, ou assistindo a Dra. Jereka Thomas lutar contra a desigualdade social e trazendo as comunidades pretas e pobres para dentro da área da saúde, o aguaceiro do espectador está garantido. 

Já Reggie Devore sofreu com a interrupção de sua carreira em ascensão na Música. Infelizmente, a história do rapper pertence a realidade de grande parte da população: sem trabalho, devido ao isolamento social, ele ainda precisava garantir a segurança da família. Isso não só o desmotivou completamente, mas diminuiu o brilho com que produzia e cantava. Essas sequelas específicas da pandemia, completamente pessoais para cada indivíduo, nunca foram abordadas por uma série, e Queer Eye o fez de forma respeitosa e empática. Não por acaso, a edição foi a mais intensa e emocionante para os próprios apresentadores.

Próxima da dor de Terri e Todd, a heroína Angel Flores, uma atleta de levantamento de peso transsexual, experenciava um tipo diferente de luto: aquele que rasga a alma quando se pertence à comunidade queer e o próprio pai não compreende sua verdadeira versão. Isso não foi suficiente para que Queer Eye levasse para casa mais prêmios no Emmy Criativo, cerimônia que aconteceu separada da principal, nos dias 3 e 4 de setembro. Seu episódio Angel ganha asas foi o escolhido para ser submetido nas categorias do Emmy 2022. As indicações vieram em Melhor Direção para Aaron Krummel; Melhor Design de Produção para Thomas Rouse e Josh Smith; e Melhor Montagem para Nova Taylor e Sean Gil, mas não venceu em nenhuma.

O reality não leva outras categorias da premiação desde 2019, quando venceu Direção e Montagem pela 3ª temporada, mesmo tendo sido indicada em todos os outros anos. Aparentemente, a série escolhe submeter episódios com heróis LGBTQIA+, sendo incongruente, pois, nem sempre suas histórias compartilham o brilhantismo da temporada. Angel é incrível, sendo a primeira mulher trans no show, perpassando o caminho sofrido da saudade de um pai que era tudo em sua vida, e ganhando a reaproximação com a ajuda de Karamo. No entanto, seu capítulo não tinha a característica que precisava para ganhar.

A fragilidade do ser humano a nível extremamente pessoal após uma emergência de saúde é a verdadeira protagonista da 6ª edição. O que Sarah, Jereka e Reggie viveram e fizeram em meio à pandemia merecia atenção para além de seus episódios, como poderia ter sido com o Emmy deste ano. Mesmo assim, os erros de Queer Eye são poucos – entre continuar insistindo na transformação de pessoas dotadas de preconceitos e não submeter os capítulos certos -, e a série fez um trabalho único. Afinal, não é pra qualquer um tornar as dificuldades do outro em algo mais leve de ser superado, tudo feito junto de momentos divertidamente prazerosos e botas de cowboy.

A experiência foi diferente dessa vez. Nem só de poses, botas neon e casas super decoradas vive Queer Eye. A combinação de elementos que aquecem o coração e fazem o estômago doer de rir é o que torna a série um conforto, sim, mas há muito mais ali do que só isso. A série aceitou o desafio de recuperar o amor de quem sofria com sequelas quase invisíveis da pandemia. Mais do que isso, a 6ª edição contou ao mundo sobre situações realmente difíceis de pessoas atormentadas por monstros da vida real, ou por estruturas e estigmas sociais que esmagam vidas.

Quando uma temporada acaba, os protagonistas mais incríveis parecem ter se tornado velhos conhecidos, e, com muita admiração, o desejo de que estejam felizes inunda o coração. Não é o desejo da produção de que você ame seus apresentadores, mas de que os heróis da vida real sejam verdadeiros protagonistas, bem como o amor próprio seja tratado com seriedade e importância. No final, Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan, transformam também cada espectador. Ainda bem que a sétima temporada já está sendo filmada.

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Gustavo Alexandreli

A primeira temporada de O Livro de Boba Fett estreou no catálogo do Disney+ em 29 de dezembro de 2021. Chegando já na virada do ano, a produção marcou não somente o novo ciclo, como também a primeira das apostas para as séries do universo Star Wars em 2022. No semestre inicial, a saga apresentada pela franquia no streaming foi a de Obi-Wan Kenobi, com o protagonista homônimo interpretado por Ewan McGregor. Já em setembro será a vez de Andor, cujo personagem principal será novamente protagonizado por Diego Luna. A coincidência entre ambas produções é que todas trazem a história de uma figura com passagem em histórias anteriores.

Obi-Wan Kenobi teve sua primeira aparição em 1977, em Uma Nova Esperança, e possui relação ainda mais identificada com o público por conta do tempo. A presença de Cassian Andor é mais recente: chegou em 2016 em Rogue One para fechar uma ponta solta da história, aberta entre os capítulos III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV, filme que deu início à saga. Por fim, no caso de Boba Fett, o caçador de recompensas apareceu pela primeira vez  em 1980, em O Império Contra-Ataca. Na série homônima do vilão, a franquia Star Wars, que obteve extremo sucesso com The Mandalorian (2019), apresenta a volta de Fett (Temuera Morrison). A sua trajetória é feita na cidade arenosa de Tatooine, trazendo à tona peças conhecidas, como o palácio de Jabba e também a sua nave, agora com um formato diferente do usual.

Na primeira aparição de Boba nos filmes, ele trabalhou para Jabba The Hutt, inclusive participando no sequestro de Han Solo e Leia. Em The Book of Boba Fett, porém, o personagem chega ao local com novos propósitos e uma trajetória de pacificidade bastante longa. Dividida em sete episódios, a obra entrega ao público as devidas explicações sobre como o agora piedoso vilão sobreviveu às ameaças enfrentadas no poço de Sarlacc e outras das suas aventuras. O retorno, no entanto, se deu na segunda temporada de The Mandalorian. Na ocasião, Boba buscava por outra peça chave de sua história: seu traje

Apesar disso, a série que carrega o nome daquele que deveria ser o personagem principal acaba escorregando entre flashbacks e misturas com a trajetória do que viveu o mandaloriano. A produção anterior, que se tornou um fenômeno, anda mais perto do que deveria. Embora não haja um grande brilhantismo individual, O Livro de Boba Fett possui lampejos de boas produções. Por definição, é uma série com a essência Star Wars, porém comum.

A essência de The Book of Boba Fett pode ser traduzida nas indicações ao Emmy que a série recebeu. Das surpreendentes quatro categorias indicadas, todas em aspectos técnicos, inicialmente vale o destaque para Melhor Coordenação de Acrobacias em Série de Drama, Limitada ou Antologia ou Telefilme, para JJ Dashnaw, e também para Melhores Efeitos Visuais em uma Temporada ou Telefilme. Nesses dois aspectos, de fato, não há decepções. A produção saiu como a vencedora na categoria que premia os melhores efeitos durante a temporada. Já na primeira, quem levou a melhor foi Stranger Things, recebendo 5 estatuetas no total. No entanto, também vale ressaltar que a série de Boba Fett chegou ao Oscar da TV com vinte indicações a menos que a saga do Mandaloriano – recordista do ano em que participou.

Produzida por Jon Favreau e Dave Filoni, O Livro de Boba Fett não possui um roteiro ruim, porém deixa a desejar na narrativa do próprio vilão. Por conta disso, assim como fazem as premiações, é melhor ressaltar a técnica. Sob o comando de Ludwig Göransson, a trilha sonora é um show à parte. Desde a entrega na música tema e a passagem do capítulo de estreia, Um Estranho Numa Terra Estranha, é possível ter a certeza que esse será um dos pontos altos da série. No Emmy 2022, o capítulo 6, Do Deserto Vem Um Estranho, é quem carregou a indicação como Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama, apesar do prêmio ter ficado com o Disney+, na franquia vizinha. Cavaleiro da Lua, da Marvel Studios, saiu vencedora.

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