Gustavo Alexandreli

“Amor às cegas dá casamento?” – a gente espera que sim. É com este questionamento e o coro entoado na sequência que a dupla de apresentadores e um dos casais mais amados das telinhas, Camila Queiroz e Klebber Toledo, instiga o público a acompanhar a trajetória dos candidatos à união eterna na terceira temporada do reality Casamento às Cegas Brasil, da Netflix.

Adaptada da atração estrangeira Love Is Blind, também da plataforma de streaming estadunidense, o experimento virou sucesso no Brasil desde a sua estreia, em Outubro de 2021. Dominando pautas nas redes sociais nos primeiros anos e dando visibilidade aos aventureiros no experimento, a atual temporada parece já estar sendo compreendida também pelos participantes.

Tendo como proposta inicial criar conexão e realizar o pedido de casamento antes mesmo de conhecer a aparência física do cônjuge, a intenção de Casamento às Cegas é encarar o completo desconhecido. No entanto, pouco tempo após a exibição no streaming, especulações que apontam o desmonte da dinâmica pipocaram nas redes, levantando suspeitas de quebra da proposta e evidenciando desconfiança do público.

Embora os questionamentos de possível trapaça tenham sido negados pelos participantes posteriormente, a artificialidade presente na terceira temporada salta aos olhos antes mesmo da liberação dos episódios finais. É fato que o confinamento, a exposição e a realidade imposta pelo experimento gera uma diferença no que temos como vida real.

Contudo, na atual temporada, a maioria dos participantes repete fórmulas, como abraçar a fina parede e passar conversas parecidas, independente do momento. A sensação de estar em um VT repetitivo, apenas com diferença nos rostos presentes, tornam a primeira fase do reality a mesma sensação de estar na cabine do experimento: em um espaço pequeno e com vontade de sair para gritar quando finalmente algo dá certo.

Apesar das constantes repetições nos ideias de conversa levadas nos boxes, é necessário destacar a avidez para exercer competição em busca de um parceiro. Em um ambiente controlado, é comum despertar o interesse simultâneo em uma mesma pessoa, mas a disputa partindo do acesso apenas às opiniões dos confinados e às táticas realizadas deixam todos de olhos bem abertos.

Com as garras à mostra, o resultado gera um mal-estar contínuo nos lounges de homens e mulheres no reality. Assim, elevando a proposta de encontrar um amor para uma batalha por um parceiro, as inúmeras brigas instauradas tornam Casamento às Cegas 3, ainda na fase inicial, pertencer a um nicho de realities show de proposta distinta.

Encontros e Lua de Mel

Apesar do cansaço na primeira fase e uma avidez que parece fugir da proposta de Casamento às Cegas, a essência romântica retorna nos encontros entre os recém-noivos. O ponto alto da etapa inicial fica com a emoção tomando conta dos participantes no beijo entre os decididos e na colocação da aliança. O sentimento segue quente com a ida à lua de mel. Após as aventuras amazônicas na segunda temporada, o litoral nordestino de Pipa, no Rio Grande do Norte, se mostra um local com menos possibilidades para perrengues.

No entanto, o que deveria ser apenas curtição parece ter sido retirado de uma esquete de humor grosseiro com uivos vindos dos homens ao se relacionarem sexualmente com suas parceiras, algo ainda mais vergonhoso que o repetitivo “better together” da temporada anterior. Tendo a possibilidade de retirar os sons, que trazem exposição desnecessária e uma escolha errônea do elenco masculino, a lua de mel segue com leveza – após ter que suportar uma fase dura de início.

Contudo, o castigo segue, tendo que ver – e ouvir – aquele vizinho incômodo no quarto ao lado. Embora os diversos encontros durante a viagem romântica em Pipa, pouca especulação sobre o futuro dos casais é exibido nos episódios. Desta forma, para o público, a descoberta maior se dá de volta à convivência – uma maneira de manter a expectativa futura e manter a visibilidade dada a tantos incômodos.

Ainda tendo que lidar com aquele vizinho incessantemente desagradável, de nome Valmir Reis, a maioria dos casais se mostram decididos ao casamento, algo alheio à primeira fase. Trabalho, rotina, filhos e o temido celular surgem como alívio às cabines. Em paralelo, assim como no reality De Férias Com o Ex, em que o tablet precede um movimento não tão agradável, em Casamento às Cegas, a notificação do celular pessoal vem como um estridente agudo aos ouvidos de alguns dos noivos.

Apesar dos contatos externos, inclusive de ex-participantes que buscaram redes fora das cabines, a tensão é bem superada e não se torna repetitiva, apenas dando uma prévia dos atritos dos casais. Dos mais bem resolvidos aos que sabem a existência de um passado antes do noivado, àqueles que demoram a se entender e até mesmo revelar o que trazem consigo pré-reality show, o suspense na convivência segue, porém, prendendo a atenção do espectador de maneira a acompanhar com leveza.

O ponto alto na segunda etapa é entender, de fato, o quão dispostos a prosseguir até o altar cada um está, assim dando um alívio ao ocorrido nos diálogos às cegas. Com o mundo aberto, a conexão física ocorrida em Pipa e maiores análises sobre mudanças como local de moradia e união entre famílias cada vez mais perto, acompanhar a trajetória dos casais rumo ao desfecho desprende do passado ávido das cabines.

Apesar dos dias difíceis enfrentados pelo público e por certos participantes no início do reality, Casamento às Cegas 3 possui um desfecho surpreendente: todos os casais decidiram pelo ‘sim’. Embora nenhuma desistência e um final constante de cinco picos de felicidade, o reencontro revela surpresas que denotam a parte incômoda de uma temporada finalizada, até então de maneira positiva, mas recheada de momentos pontualmente desagradáveis.

O Reencontro

Embora o encerramento positivo da terceira temporada tenha garantido o recorde de casamentos – cinco –, o real rumo dos casais reacendeu com o reencontro, realizado ao vivo. Com a desconfiança do público pautando discussões nas redes, muito foi reforçado sobre a veracidade do experimento na reunião de condomínio. Tentando salvar a imagem arranhada do que realmente é um experimento e do tamanho da imersão por parte dos participantes, o bate-papo desta temporada focou nesse aspecto. Assim sendo, os discursos se deram em respostas rasas dos participantes, bem como uma condução semelhante.

Diferentemente da boa condução de Queiroz e Toledo no reality, com discursos pertinentes, a entrevista com os participantes ao vivo foi menos instigante. Igualmente a interação com o público da internet, Amanda Souza, ex-participante da segunda temporada do experimento e responsável por essa troca, pouco questionou e não sintonizou com a profundidade de participação da web.

Para mudar o cenário de peso, as inserções de ‘prêmios’ por ciúme, por exemplo, reacendem os pontos de esquete, presentes no meio do experimento de Casamento às Cegas. A presença de ex-participantes do atual elenco retirou possíveis picuinhas, mas também de forma rasa. Apesar disso, o embate entre Ítalo e Valmir – que fez fortes revelações sobre a continuidade de sua relação – levou o público à euforia. Embora o desenrolar alheio à Netflix não tenha colocado nenhum dos dois em posição de comentar algo relativo ao reality positivamente.

No encerramento, ainda no retorno aos atos questionáveis da terceira temporada de Casamento às Cegas, um momento final poderia ter sido deixado de lado, mas culminou para mais uma brecha à desconfiança do experimento. No apagar das luzes do reencontro ao vivo, Ítalo Antonelli tomou uma atitude impressionante com uma ex-participante que, de momento, gerou alvoroço, mas não acabou bem.

Com tantos questionamentos do público e nenhum casamento restante tanto da primeira quanto da segunda temporada, a Netflix até tentou resolver essas questões no reencontro, o que passou quase despercebido. No entanto, o anúncio do spin-off Casamento às Cegas Brasil: Depois do Altar, que reunirá participantes das três edições, pode recuperar a confiança do público na veracidade de um reality com proposta insana e enfim esclarecer dúvidas cruciais que pouco foram abordadas na última reunião ao vivo.

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Gabriela Bita

Com um começo lento, mas intrigante, e um final explosivo, a terceira temporada de The Mandalorian apresenta força suficiente para, assim como as anteriores, concorrer ao Emmy de 2023. Contando com uma produção visual de tirar o fôlego, os oito novos episódios apresentam um foco diferente — mas muito bem explorado e desenvolvido — do observado anteriormente, o que pode causar um estranhamento inicial para os admiradores da história. Nessa nova fase, continuamos a ser presenteados com a fofura de Grogu e partimos com ele e seu mentor em busca da redenção do Mandaloriano nas minas de seu planeta natal.

Logo nos primeiros minutos, Grogu e Din Djarin (Pedro Pascal) estão juntos em mais uma aventura, o que causa uma leve confusão ao público, já que, no último episódio da segunda temporada, vemos o pequeno ser levado por Luke Skywalker (Mark Hamill) para aprender a ser um Jedi. É nesse ponto que o roteiro começa a pecar fortemente, pois os acontecimentos entre o final do último capítulo de 2020 e o começo do primeiro de 2023 são mostrados apenas na nova série – pouco aclamada pelos fãs – do universo de Star Wars, O Livro de Boba Fett.

Após diversas produções extras do universo intergaláctico, a história de Fett era mais do que aguardada. Afinal, qual padawan não estava ansioso para saber mais sobre o vilão que ajudou no sequestro do querido Han Solo em O Império Contra-Ataca? No entanto, assim como para o Império, a queda veio para a série desenvolvida em recordações. Poucos foram os que deram uma chance e assistiram ao reencontro de Djarin e sua criança — aparentemente os dois episódios, mesmo sendo o ponto alto da narrativa, não foram suficientes para conquistar a audiência.

Sendo assim, é inevitável a sensação de falta de contexto entre os fatos, que não é superada com os meros cinco minutos de flashbacks acrescentados em migalhas para o público durante uma simples lembrança de Grogu. No entanto, apesar do furo no roteiro de Jon Favreau, a trama segue seu rumo com Djarin buscando suas origens e uma forma de voltar a ser um Mandaloriano, enquanto, é claro, auxilia seus velhos amigos em outras questões e problemas que aparecem no meio de sua jornada.

Na aventura da vez, passamos a conhecer mais a fundo a história de Mandalore e, apesar da forte presença dos amados protagonistas, os novos capítulos focam em personagens secundários, como é o caso de Bo-Katan Kryze (Katee Sackhoff), que retorna para ajudar Mando e sua espécie a retomarem seu lar. As questões pessoais de Djarin são colocadas em segundo plano na terceira temporada e dão lugar ao desenvolvimento do próprio povo Mandaloriano. Até mesmo a relação entre o tutor e Grogu — apesar de continuar divertida e carregada de sentimentalismo — está mais voltada para o ensinamento da Doutrina.

Enquanto os Mandalorianos se reúnem, a Nova República atua para manter seu domínio após a queda do Império. No terceiro episódio, O Convertido, que parece não acrescentar em nada para história, passamos por Coruscant, capital da Nova República, na qual vemos um governo regido pela hipocrisia e não menos controlador do que o anterior. Assim, duas narrativas se desenvolvem uma de cada lado do universo, o que pode parecer estranho à primeira vista, mas é muito bem trabalhado por todo o enredo. Ao final, as histórias se colidem em uma grande explosão.

É impossível negar que um dos pontos altos da série é a participação especial da cantora Lizzo e do ator Jack Black nos papéis de Duquesa e Capitão Bombardier. Juntos, a ganhadora do Grammy de 2023 e o astro de Escola de Rock formam uma dupla excêntrica e divertida que atrai toda a atenção para si. Apesar de Black se destacar mais na parte técnica da atuação, a rapper americana não fica para trás e é visível sua paixão por Grogu, tanto enquanto personagem quanto fora das câmeras, o que deixa sua adição ao elenco ainda mais interessante.

Após se banhar nas Águas Vivas, lutar contra piratas e outras criaturas, Din e seu povo partem para Mandalore, onde um velho inimigo os espera para a luta final. Depois do quinto episódio,  intitulado O Pirata, The Mandalorian ganha um ritmo mais dinâmico, no entanto, a aparição de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) — depois de todo o suspense produzido —  por pouco não se tornou um tiro no próprio pé. O fato do vilão estar vivo já havia se tornado óbvio e sua grande entrada não foi nem um pouco grandiosa, chegando apenas nos últimos minutos para ter seu final concretizado nas mãos de Bo-Katan.

Se o antagonista não teve a presença que poderia, os protagonistas mostraram o motivo de serem tão aclamados pelo público. Em uma sucessão de cenas intensas e emocionantes, vemos tutor e aprendiz serem separados duas vezes, enquanto do lado de fora, a luta entre stormtroopers e Mandalorianos no planeta-mãe destruídos acontece desenfreadamente. É aqui que toda a criatividade e habilidade de Jon Favreau atingem seu ápice e fica claro as intenções do produtor ao escrever um roteiro no qual a temporada se desenvolve gradualmente.

Ao conhecer um pouco mais da história dos Mandalorianos e acompanhar Djarin ensinando ao garoto O Caminho, ver o mais velho e sua criança lutando lado a lado gera arrepios por todo o corpo. Quando Grogu, agora mais habilidoso com a Força, e Din salvam um ao outro, temos um pai fazendo de tudo para não perder seu filho e este encarando seus medos para salvar seu pai. Apesar de não contextualizar o reencontro de ambos e não se aprofundar em suas questões pessoais, a terceira temporada de The Mandalorian finaliza o arco da história dos personagens com êxito, oficializando a relação paternal entre os dois e nos deixando esperançosos para o que as próximas aventuras irão trazer.

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Nathalia Tetzner

Succession somente existe porque os filhos de Logan Roy, dono de um conglomerado de mídia, tiveram uma infância em que os jogos de poder ultrapassaram os tabuleiros e a imaginação. Como se ditasse a parlenda brasileira Uni, duni, tê, o patriarca da família sempre brincou com as ambições de Kendall, Siobhan e Roman, mas, depois do salamê, do minguê e do sorvete colorê, o escolhido para assumir o controle da Waystar Royco nunca é batizado. Em sua terceira temporada, a série do HBO Max finalmente une os irmãos e alonga a sua aclamação com 25 indicações ao Emmy 2022, sendo a líder absoluta da noite de premiações.

Diferente da sensação mística que a poesia infantil causa, a Música tema desperta o exato teor de Drama presente no enredo. Composta por Nicholas Britell, os graves acompanhados das notas estridentes no piano ressoam a narrativa de um núcleo clássico que constantemente se funde com o urbano das ruas de Nova Iorque. Nomeado ao Oscar por outras produções e vencedor de um Emmy pela faixa-título do seriado, Britell disputa o prêmio pela Melhor Composição Musical de Série (Trilha Dramática Original) com o episódio Chiantishire, um dos mais notáveis entre os nove exibidos devido ao desenvolvimento das personagens em cena.

Figura destoante, Kendall Roy continua a carregar o peso da traição ao seu pai e, no terceiro ano de Succession, o seu crescimento é a regressão. Dissimulado e dono do mundo quando os primeiros efeitos das substâncias químicas atuam, não é preciso de muito tempo para que Jeremy Strong entregue uma atuação vívida ao cair na emboscada dos delírios e da obsessão. Em Too Much Birthday, o público enxerga toda a ganância de um homem que se desmorona com a presença estritamente profissional dos seus familiares no seu aniversário, perdendo o rumo enquanto procura um presente estampado com coelhos dado pelos seus filhos.

Como em um reflexo de sua própria criação, ‘Ken’ carece de afeto, e os netos de Logan parecem seguir a linhagem hereditária de adultos destruídos por traumas quando crianças. O showrunner do seriado, Jesse Armstrong, não só geniosamente contrapõe as figuras de pai e filho, como também prova que sabe dialogar com a atualidade. Afinal, a ascensão do Judas bilionário como uma personalidade excêntrica no Twitter fielmente representa o cenário em que poucos caracteres podem decidir o futuro da política e economia mundial. Dono de dois Emmys, ele e a sua escrita novamente competem pelo Melhor Roteiro em Drama.

Na pele de Siobhan Roy, a única herdeira mulher, Sarah Snook brilha na eterna contradição de quem age para provar o contrário. Coadjuvante da polarização principal, ela cai nas graças dos fãs na mesma intensidade que tropeça em decisões feitas com o único intuito de desmentir as ideias dos outros sobre si. ‘Shiv’ não tinha interesse em fazer um democrata presidente dos Estados Unidos até seu amante a desafiar, ou pensou em assumir a Waystar Royco até o campo de batalha a engolir; porém, ainda que as suas ações digam sobre todos, exceto ela mesma, Snook é uma verdadeira girlboss na tela do streaming.

The Disruption, episódio dirigido por Cathy Yan, traz a essência característica da ruiva mais fashionista do HBO Max, que, em mais uma tentativa de impressionar o seu pai, toma frente do caso de abuso sexual sistemático da empresa. O ápice acontece sob a trilha da banda Nirvana, comumente referenciada na indústria cultural; no entanto, a montagem de Succession alcança um ato maior que arrancou os elogios de Courtney Love: a faixa Rape Me (Me Estupre, em tradução literal) soa nos altos-falantes enquanto Siobhan discursa. Fazendo jus ao feminino vingativo de Yan, ela divulga os problemas pessoais de Kendall no maior estilo Arlequina.

Quase um figurante durante os dois primeiros anos da série, Connor Roy enfim se impõe como o filho primogênito de Logan. Seja se alterando com Kendall ao negar tirar o seu casaco ou o corrigindo durante uma tarde ensolarada e italiana, os pequenos detalhes da linguagem corporal do ator Alan Ruck são suficientes para que o público perceba a tendência agressiva de alguém tão passivo no passado. Antes morador pacato de uma mansão no deserto, o agora candidato a líder da nação estadunidense com 1% dos votos teve a difícil missão de convencer Willa Ferreyra a aceitar o casamento. 

Se ‘Con’ frequentemente exerceu a figura paterna na infância dos seus irmãos, ao desviar a atenção para a vinheta de abertura, produzida pela Picturemill, a junção entre as memórias da família Roy, filmadas em VHS, com alguns ângulos contemporâneos pontualmente revela prévias do que esperar a cada temporada. Dessa vez, o foco na sátira natural de Roman e nas tradicionais manchetes sensacionalistas da ATN News fazem sentido com os rumos de Succession, em que o caçula emerge aos olhos manipuladores do pai junto a Tom Wambsgans, marido de Siobhan e presidente da emissora do conglomerado de mídia.

Uma mensagem explícita enviada por engano e pronto: Kieran Culkin entrega expressões dignas de saudação. Sem a necessidade de se apoiar em falas complexas e em atmosferas dramáticas ao extremo, ele coloca a decepção no primeiro plano. ‘Rome’, o Gato de Botas do império Roy, é inteligente e ágil como um felino, porém, são os seus meios duvidosos que o caracterizam e auxiliam a injetar a dosagem ácida de comédia encontrada no seriado. Anteriormente, Kendall e Siobhan protagonizaram a grande Tragédia Grega, por isso, nada mais justo do que assistir mais um filho perder a sua glória diante do patriarca.

“Você não é uma pessoa de verdade”: os problemas internos enfrentados por Roman, ponto pouco abordado para além das piadas autodepreciativas, continuam uma incógnita. Depois de amadurecer o suficiente para se tornar o diretor de operações da Waystar Royco, já está mais do que na hora de Succession permitir a sua vulnerabilidade em frente às câmeras. É sua parceria com a CEO provisória Gerri Kellman que faz o show fluir, pois J. Smith-Cameron e Culkin dinamicamente dividem o frame com uma química obscena, característica natural do mundo vil desses bilionários.

Completamente alucinado por uma infecção de urina no episódio Retired Janitors of Idaho, a insistência para que retirassem um gato morto imaginário debaixo de sua cadeira somente demonstra o tamanho da imponência de Logan Roy, que mesmo não sendo nitidamente capaz de tomar decisões conscientes, permanece a figura mais imponente do ambiente. Em seu terceiro ano, Brian Cox fornece o melhor de uma mente manipuladora e sem escrúpulos. Sem vergonha de ser cruel e brincar com sentimentos, os olhos açucarados apenas convencem o afeto com os filhos até o momento de apunhalá-los pelas costas.

Grisalho e com a saúde instável, devido a sua idade avançada, o patriarca teimosamente mantém o punho firme à frente de um dos maiores conglomerados de mídia da ficção. Em Succession, a tensão em torno do seu futuro e de sua sucessão é agonizante; sem perceber, o público passa a ser um torcedor. Quando tentam derrubá-lo, Cox veste a carapuça da resiliência de Logan, o tornando não só imbatível nos negócios da família, mas também em cena. É assim que se prova a ótima escolha do elenco, que consegue dialogar no mesmo tom, sem sair prejudicado por uma atuação insolente.

Inicialmente tido como uma mera peça de tabuleiro, Tom Wambsgan aprendeu a arte do calculismo com a esposa Siobhan. Desde que adotou o primo invisível dos Roy, Greg Hirsch, como o seu animal de estimação, ele passou a aderir aos mesmos jogos mentais dos herdeiros. Velado, a sua iniciativa de ser o bode expiatório do acobertamento de abusos sexuais na ATN News não foi em vão, e, em uma grande reviravolta, se livra da cadeia e toma parte do lado mais forte: o da venda da Waystar Royco por Logan. Por nunca ter visto o velho reinado perder, Wambsgan é um aliado a menos de Shiv, contrária à compra. 

A verdade é que o casamento do ano foi o de Wambsgan e Hirsch, ou melhor, o de Nero e Sporus, conto romano ditado no quarto episódio, Lion in the Meadow. Metaforicamente, há similaridades entre o imperador matando a sua esposa para se casar com um escravo e o acordo feito entre os executivos. Segundo Tom, nos minutos mais desconfortáveis de Succession, ele castraria e casaria com Greg em um piscar de olhos e, de certa forma, foi isso que aconteceu. Ao levantar-se o véu, a relação dos dois é tão bizarramente construída por Matthew Macfadyen e Nicholas Braun quanto a de Roman e Gerri.

As dedicações viscerais dos atores conquistaram atenção em 2022. No Globo de Ouro, Jeremy Strong e Sarah Snook foram premiados, e no SAG Awards o prestígio veio como o Melhor Elenco da noite. Com a chegada do Emmy em Setembro, Succession quebrou o recorde de indicações em categorias de atuação, com 14 nomeações. Brian Cox e Jeremy Strong disputam a estatueta de Melhor Ator em Drama enquanto Kieran Culkin, Matthew Macfadyen e Nicholas Braun fazem a maioria entre os Coadjuvantes. Para as mulheres, Snook desponta com J. Smith-Cameron em Melhor Atriz Coadjuvante em Drama.

Na premiação das Artes Criativas do Emmy, o seriado, satisfeito com participações especiais excelentes, teve Alexander Skarsgård, Arian Moayed, James Cromwell e Adrien Brody na corrida por Melhor Ator Convidado em Drama. Também a fim de levarem a mulher e o átomo, Hope Davis, Sanaa Lathan e Harriet Walter batalharam na categoria feminina. Entretanto, não houve vencedores. Skarsgård na mente de Lukas Matsson, por sua vez, deve ser o elo entre a terceira e a quarta temporada, que já está em produção e tem na sinopse as movimentações da possível venda da Waystar Royco para o visionário da tecnologia.

Faltando pouco para a coroação principal, o prêmio mais cobiçado de Melhor Série de Drama parece ser uma realidade. É difícil explicar o motivo pelo qual o público ama odiar os bilionários mais miseráveis da Televisão – talvez seja a Música tema, que se recusa a sair da cabeça de quem escuta; talvez seja a urgência de estar ali por Kendall, que nunca teve ninguém genuinamente ao seu lado; a curiosidade de descobrir quem é Roman por trás das muralhas; ou, talvez, acompanhar Siobhan e toda a sua sagacidade. Uma coisa é certa: a terceira temporada de Succession age como Logan Roy, prendendo a todos no seu Uni, duni, tê.

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Bruno Andrade

É sempre curioso observar a forma como a violência é veiculada no Audiovisual. Historicamente, a ideia de um assassino de aluguel deprimido não é tão inovadora; na realidade, continua explorada após décadas de representação em videogames e filmes de adaptação. A bem da verdade, é algo sempre deixado nas entrelinhas dos roteiros do gênero, cujas cenas finais giram em torno das redenções platônicas e apaixonadas dos frios matadores, que se rendem ao sentimentalismo e à reivindicação das próprias condições individuais (O Justiceiro [2004], Hitman [2007], Max Payne [2008]).

Parece estar imposta, de forma silenciosa, uma condição depressiva na qual o sentido reside na incansável busca pela “justiça” – improvável, abstrata, distante e egoísta. Mas é aqui que Barry se distancia de todas essas realizações: a condição melancólica do protagonista se estabelece, desde o princípio, como o mote para suas ações, e o ato de cometer os crimes visa, na verdade, preencher seus dias para que ele não pense nos problemas que envolvem sua condição existencial.

Mais do que humanizar aquilo que a cultura dos filmes blockbuster transformou num ideal mítico, Barry sempre tentou apontar para as diversas facetas da tristeza, sentimento que perpassa todos os papéis da trama, mas que parece oculto pelo rótulo de “Comédia” – a verdade é que o humor está na linha tênue entre a tristeza e a euforia. O curioso, porém, é a premissa do personagem homônimo: deprimido e insatisfeito com a própria vida, Barry (Bill Hader) se transforma em um assassino de aluguel. Assim, em seu ano mais sombrio, o seriado inicia-se pouco tempo depois do massacre que finalizou a temporada anterior, e após romper com Fuches (Stephen Root), seu “empresário dos crimes”, o protagonista está numa fase ruim, num esquema de “assassinato por aplicativo”.

Desde o começo, Barry apostou na exploração da melancolia do protagonista, e em diversas cenas focou nas ligações com seu próprio passado, marcado pela violência. Isso porque, diferente do que se possa imaginar, não se trata somente de uma forma de ganhar a vida – e, como ex-fuzileiro, essa seria a atividade que melhor se aplica às habilidades de Barry –, mas porque, justamente, o personagem precisa encontrar um sentido para viver; a violência, de certa forma, estava ali. Com o passar do tempo, outros horizontes se tornam possíveis, porém parecem contaminados desde o início.

Transfigurado em uma figura dostoievskiana, ele começa, então, a questionar se sua essência clama somente pela violência – há espaço para a contemplação artística (através do Teatro e atuação, em seu caso) e a paz, afinal? Aos moldes do protagonista de Memórias do Subsolo (1864) – ou Raskólnikov, de Crime e Castigo (1866) –, Barry vive sob uma condenação imposta por ele próprio. Ainda assim, o enredo da terceira temporada gira em torno de uma reviravolta: agora, as famílias das vítimas do anti-herói sabem que ele é o assassino e querem matá-lo. Parte significativa da trama – em certo sentido, até mesmo aquilo que a sustenta – são esses familiares numa busca implacável pela morte de Barry. É como se, num emaranhado de situações complexas ao estilo Charlie Kaufman, o jogo virasse.

Não é por acaso que, em 2022, Barry chega aclamado no Emmy. O seriado disputa 12 categorias, somando 14 indicações, e embora com menos indicações que na temporada anterior, pela qual venceu 3 das 17 delas, segue como uma das favoritas nas principais categorias da lista: Melhor Direção em Comédia, Melhor Roteiro em Comédia, Melhor Ator em Comédia e Melhor Ator Coadjuvante em Comédia. No meio do embate entre as favoritas Ted Lasso, Hacks e Abbott Elementary, Barry também concorre na principal categoria do seu gênero, como Melhor Série de Comédia.

Além do fato das indicações jogarem luz ao episódio 710N, no qual há um plano-sequência de fôlego com Barry fugindo de motoqueiros assassinos, o Emmy 2022 também parece notar a cabeça pensante que, invariavelmente, evidenciou-se no terceiro ano da produção: Bill Hader. Duas vezes vencedor do Emmy de Melhor Ator em Comédia – as duas em que concorreu –, o ator é novamente o favorito da categoria.

Neste ano, Hader estreou na direção de Barry, e se desdobrou entre a atuação mais sombria do protagonista e a primorosa condução das diversas nuances que outros papéis precisaram realizar para acompanhar o novo ritmo ditado por ele. Sua condução é tão boa que, além da série ter sido renovada para uma quarta temporada, Bill Hader será o diretor de todos os novos episódios. Um dos exemplos mais gritantes de sua visão como comandante das escolhas narrativas do seriado está na atuação de Sarah Goldberg, que, a partir da liberdade proporcionada sob a nova direção, entrega uma Sally Reed dramática e visceral, protagonizando uma das cenas mais impactantes de toda a season 3. Sem qualquer razão factível, ela é um dos nomes esquecidos no Emmy 2022.

Talvez o que mais chame a atenção em sua ausência nas indicações seja o fato de que a cena, estrelada por Goldberg, diga bem mais do que parece dizer. Enquanto espanca o homem que tentou matá-la – após a tentativa falha de executar Barry –, o personagem de Bill Hader se levanta e assiste em um silêncio abismal a agressividade com que Sally Reed se defende. A Edição de Som, que insere e abafa o áudio à medida em que a porta do quarto onde Sally e o motoqueiro assassino estão, faz com que se tenha uma imersão angustiante. Mas o que essa sequência diz, na verdade, é que Barry – provavelmente pela primeira vez – se dá conta que falhou em proteger aqueles que ama. Em algum momento, o castigo por seus crimes chegaria.

Nas duas primeiras temporadas, Sally Reed foi a personificação da cultura egocêntrica de Hollywood, na qual prevalece o estilo “faça-você-mesmo” e as formas rasas de se compreender os dilemas sociais – a típica personagem das Comédias que faz tudo pela fama. Como se tivesse saído de um best-seller de auto-ajuda, Reed dizia frases prontas e se colocava à frente de situações apenas para benefício próprio. O amadurecimento da personagem demonstra o poder que uma boa direção e uma atuação primorosa podem ter ao conceber uma catarse tão estarrecedora quanto a que assistimos. Não somente na cena já citada, mas em uma espécie de insatisfação carregada por ela durante toda a temporada, deixando bem mais evidente o Drama do que a Comédia em si. 

O que Bill Hader conseguiu observar e representar nos episódios dirigidos por ele foi a condição desses personagens coadjuvantes, que tem suas vidas marcadas negativamente pelos relacionamentos com Barry. Sally Reed, por exemplo, se vê vítima de um relacionamento abusivo com o protagonista bem antes do momento em que quase é assassinada por um criminoso que, a princípio, não chegaria a ela se não fosse pelo namorado. Hader, por sua vez, transforma Barry num indivíduo que oscila entre o maníaco frenético e o depressivo existencialista.

A verdade é que há pouco espaço para piadas na terceira temporada, e o grande mérito talvez seja, pela primeira vez, a condução da série para um caminho no qual paramos de sentir empatia com o assassino frio que o protagonista sempre foi. Neste ano, Barry se estabeleceu através de uma forte sensação de contenção. Nós não vemos o estado do homem que Reed espanca com um taco, nem sabemos qual é o animal misterioso que está devorando os amigos de NoHo Hank (Anthony Carrigan) na cela ao lado da sua. É um ano marcado pelos fantasmas da vida de Barry, e isso se reflete na direção fotográfica, que projeta os episódios com um tom mais escuro em comparação aos anos anteriores. 

Próximo ao final, quando parece que Barry vai realmente morrer, ele vê Sally Reed e Gene Cousineau (interpretado por Henry Winkler, indicado novamente na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Comédia, a qual venceu pela primeira temporada de Barry) numa praia repleta por suas antigas vítimas – uma espécie de representação do “bardo”. Embora ele e esses dois personagens não estejam mortos como os demais, o dano que Barry causou em suas vidas parece mais irreparável do que ele realmente acredita. O fim da temporada sintetiza isso: enquanto Reed foge de seu horizonte, tudo o que ele quer é o perdão de Cousineau por ter matado sua esposa – algo que ele, efetivamente, não tem.

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Guilherme Veiga

Pensar na revolta das máquinas é naturalmente evocar elementos da Skynet, passando pelos andróides da saga Alien, a destruição estroboscópica da Família Mitchell e chegando nas ficções de Interstellar e 2001 – Uma Odisséia no Espaço. Por mais que essas produções de certa forma tratem também da condição humana, comum de toda boa ficção científica, muitas vezes a vilania da história está voltada aos seres formados por compostos eletrônicos. Em Love, Death + Robots, a carcaça metálica e (às vezes não tão) bem polida, reflete uma humanidade vilã, que, por falta de disputa na cadeia alimentar do poder, arranja um jeito de se voltar contra si própria.

Chegando a Netflix a princípio como uma prima animada de Black Mirror, a obra entrou de mansinho e bagunçou a ordem das coisas, a começar pela sua estrutura. Fora da fórmula de 8 a 13 episódios da empresa, o primeiro volume nos entregava 18, e muito antes da Quibi fracassar, a leva de histórias oferecia algo que não passava dos 20 minutos. O formato de antologia para animação também inovou, por mais que isso já existisse, só que menos difundido. Graças a ela, produtos como Star Wars: Visions, The Boys: Diabolical, e What If… puderam sonhar com um futuro.

Porém, logo a ideia se consolidou e virou uma jóia da locadora vermelha, ultrapassando e muito – tanto em aceitação como em qualidade – o espelho preto da Tudum. Criada por Tim Miller (Deadpool) em parceria com David Fincher (Seven, Garota Exemplar) a antologia partiu da premissa de adaptar os quadrinhos da Heavy Metal ao mesmo tempo que funcionava como portfólio para vários estúdios de animação (Miller, por exemplo, tem o seu próprio, o Blur Studios). A ideia deu tão certo que a série foi renovada para a segunda temporada, que apesar de não manter a obra à altura, é satisfatória e também garantiu mais um ano. Por isso, nessa terceira leva de episódios, assim como os três robôs que deram início a essa jornada recheada de amor, mortes e robôs, foi preciso revisitar a obra para entender sua caminhada, acertos e erros.

Isso já pode ser percebido logo nos primeiros minutos do novo ano de Amor, Morte & Robôs. Os mais desavisados e que tem em mente o conceito de antologia certamente estranham ao ver os três simpáticos robôs de personalidades excêntricas, os responsáveis pelo início de tudo, novamente em tela. Comparadas a primeira temporada, as novas andanças dos robôs não deixam de ser mais do mesmo. Sua versão inicial talvez ainda seja melhor, porém isso mostra que o bom filho, depois de desviar de sua essência no segundo ano, está voltando para casa. 

O trio de robôs se prova uma ótima solução de roteiro, assinado por John Scalzi, pois mesmo com histórias desconexas, é através deles que o tom da temporada é dado. Mesmo que não se leve nem um pouco a sério (o que rende piadas ótimas, principalmente envolvendo os gatos), ver aqueles pedaços de lata extremamente sarcásticos caçoando da nossa espécie e tentando entender o que aconteceu nos coloca com essa mesma dúvida. Fica a cargo do restante dos episódios não de dar as respostas mastigadas, mas sim de soltar pequenas fagulhas que estimulem os questionamentos do espectador.

Outros que retornam para o Volume 3 são os estúdios de animação. Sem deixar de lado seu caráter experimental, a obra usa dos anos anteriores para filtrar quais estúdios melhor desempenharam seu trabalho. Para esse ano, a Blur, empresa que mais assina capítulos, como A Era do Gelo, no primeiro volume, e O Gigante Afogado, do segundo, volta para o excelente Viagem Ruim. Já os espanhóis da Pinkman.TV, depois de entregarem o frenético e ótimo A Testemunha, retornam para criar Jibaro, a maior obra-prima da antologia.

Viagem Ruim, aliás, é quando Fincher arregaça as mangas e sai da cadeira de produtor para dirigir o conto, e é aqui que fica muito claro a diferença que os anos ímpares têm para o segundo. A série provou que sabe entregar Animação de encher os olhos, logo no primeiro segundo de cada play. Agora, é em como tratar essas histórias que está a alma de LD+R, e o diretor, como um ótimo contador de narrativas, dá ao conto de Neal Asher um toque próprio para a já difundida mitologia de monstros marinhos, ao mesmo tempo que crava a ganância e ambição humana com discussão central dos episódios.

A terceira leva de capítulos configura uma temporada que prefere atenuar o amor e os robôs para focar na morte. Claro que a tecnologia ainda é muito presente, mas a série se mostra extremamente inteligente ao desmistificar a ideia pseudo-romantizada de que a derrocada humana só se dará através de inovações. Nós somos nossa principal ameaça por natureza, e a série, prolongando a batida afirmação de Einstein, frisa que não importa se tal ameaça será com bombas nucleares ou paus e pedras, enquanto existirmos, ela sempre existirá.

Essa discussão consegue passear de forma extremamente competente pela miscelânea de gêneros e formatos já característicos da obra. Desde a história com toques lovecraftianos de Sepultados na Caverna, passando pelo resultado da fusão entre Exterminador do Futuro e Stuart Little que é Os Ratos de Mason, todas as narrativas, mesmo que com seus antagonistas bem estabelecidos, sabem conduzir o texto para escancarar ao espectador como, mesmo com tais perigos, é preciso redobrar o cuidado com nós mesmos.

Por mais que a produção tenha dado um passo para trás para replicar elementos que funcionaram ou são difíceis de fugir, a originalidade ainda dita o show. O fato de manter a média de episódios do segundo ano, contando com apenas um conto a mais que o volume anterior e tendo a metade do primeiro, é possível perceber uma curadoria mais cuidadosa por parte dos criadores. Não sendo contínua, a obra tem alguns episódios abaixo que precisam se calcar única e exclusivamente no gosto pessoal de quem assiste, como Matança em Grupo e Enxame. Em um panorama geral, a régua ainda está bem alta.

Entre os pontos altos, é possível citar a jornada psicodélica e minimalista por uma das luas de Júpiter em O Mesmo Pulso da Máquina, as histórias de pescador recontadas por Fincher, em Viagem Ruim, e a curiosa e divertida aventura de 7 minutos ininterruptos de destruição de um planeta Terra, confeccionada em diorama e que entrega um apocalipse zumbi de botar muitas obras do gênero no chinelo, em Noite dos Minimortos. 

O terceiro ano de Love, Death + Robots carrega 6 Emmys Criativos conquistados nos últimos volumes, o que já a desponta como favorita em suas categorias. Na 74ª edição da premiação, uma das mais importantes da TV estadunidense, a antologia figura nas categorias de Melhor Programa Curto de Animação, pelo episódio O Fazendeiro, em que disputa com as novatas Star Wars: Visions e The Boys Presents: Diabolical, e Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Meia-Hora) e Animação, por Sepultados na Caverna e disputa com nomes como Arcane e Ted Lasso. Além de já ter presenteado a categoria de Realização Individual Excepcional em Animação para o diretor Alberto Mielgo, a mente por trás do já vencedor do Emmy, A Testemunha, após ele ser responsável pela maior obra-prima da antologia, O Fazendeiro.

A complexidade e perfeição de Jibaro

Se Love, Death + Robots se destaca quando sabe contar uma história, o último episódio do terceiro ano, Jibaro, que garantiu uma das passagens da série para o Emmy, é uma verdadeira aula no assunto. Antes mesmo do capítulo em questão, Mielgo já provara sua competência ao integrar o departamento de animação de Homem-Aranha no Aranhaverso e, recentemente, pelo Oscar de Melhor Curta de Animação por The Windshield Wiper. A tradução do curioso termo que dá nome ao episódio varia dependendo da localidade, indo desde “selvagem”, em Cuba, até “fazendeiro”, em Porto Rico. A última opção é a mais aceitável, pois a ambientação indica uma floresta porto-riquenha e até mesmo a adaptação do título para o Brasil ficou como Fazendeiro.

Usando de um plot simples, porém extremamente inventivo, o curta, bebendo principalmente do mito grego de Ulisses e as sereias, conta a história de um colonizador espanhol surdo, que, após o encontro com uma criatura mitológica que enlouquece quem escuta seu canto, desperta a paixão dela, justamente por não ser afetado. Ao adaptar esse conceito, a produção consegue exaltar seu maior trunfo: as entrelinhas de seu subtexto.

Sem nenhuma palavra, o segmento, assim como as sereias, hipnotiza através de sua beleza e traz para a trama discussões que vão desde o genocídio de povos originários pelos espanhóis, na época de colonização, até relacionamentos tóxicos. O próprio idealizador diz que a obra se trata de uma relação entre dois predadores. Mais uma vez, assim como na maioria dos outros episódios, a mensagem está em torno da ambição e ganância humana. Aqui, porém, a série consegue subvertê-la em uma história poeticamente melancólica e, ao mesmo tempo, maravilhosa.

O design artístico de Jibaro precisou de 117 pessoas para suprir a complexidade que as técnicas de animação exigiam. Por conta disso, Mielgo exala um domínio no que está fazendo e dirige o segmento se aproveitando de elementos, como uma câmera mais subjetiva, montagem frenética e mesclada com uma música acelerada. Driblando os empecilhos que o método escolhido pode trazer, a produção consegue montar um gigantesco espetáculo sensorial e entregar o melhor episódio de toda a série.

Após uma ótima estreia e um segundo ano que não supriu expectativas, o terceiro volume da coletânea soube analisar sua própria jornada para, mesmo não abandonando sua originalidade e caráter experimental, entender quais são suas fundações. Em função disso, aqui, Love, Death + Robots entrega seu ano mais maduro e regular. Longe disso ser no sentido pejorativo, pois, em uma obra tão grandiosa em qualidade, buscar a estabilidade e fugir dos altos e baixos é uma ótima estratégia. E nesse melhor de três, todos ganhamos.

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Ana Nóbrega

“Third time’s a Charm” (em português “a terceira vez é um charme”) é um ditado estadunidense que significa que quando algo é tentado pela terceira vez, o resultado com certeza vai ser sorte. A frase exemplifica com louvor a terceira temporada da série The Umbrella Academy, que chegou à Netflix no dia 22 de junho de 2022, trazendo consigo a volta dos irmãos Hargreeves e sua luta infinita contra o fim do mundo. 

A trama, dirigida por Steve Blackman, não trouxe nenhuma novidade no que se trata de enredo. Mesmo apresentando novos personagens e informações, o objetivo continua o mesmo: salvar o mundo de um fim iminente. Porém, o grupo não demonstra tanto ânimo em realizar essa tarefa, fator que causa abalo em alguns laços familiares, mas que também cria relações inesperadas.

Depois de voltar do passado, os integrantes da Umbrella Academy acreditam que finalmente podem descansar. Porém, nem tudo é o que parece. A família descobre que o  mundo em que eles cresceram não existe, e que seu pai, Sir Reginald Hargreeves (Colm Feore), ainda está vivo e adotou outras crianças. Como mostrado no final da segunda temporada de The Umbrella Academy, a Sparrow Academy substituiu o lugar da Umbrella Academy e, agora, o grupo de heróis originais está vivendo em uma realidade em que eles não existem da forma como são.

Quando a terceira temporada de The Umbrella Academy foi anunciada, o público ficou ansioso para conhecer os personagens que constituiriam a Sparrow Academy. Quem leu os gibis ficou intrigado com a ideia de conhecer o grupo de heróis, que mal foi apresentado nas HQs. No entanto, como toda a série com muitos personagens na trama principal, não é possível se apegar muito aos membros da Sparrow, até porque, alguns deles são tão rasos quanto uma piscina de criança.

Mas o que falta de profundidade na academia vizinha é encontrado em boa quantidade nos primeiros Hargreeves. Para acompanhar a trajetória do ator Elliot Page, que dá vida a Viktor Hargreeves, o seu personagem passa por uma transição, deixando a identidade de Vanya para trás, e assumindo quem ele sempre foi. A mudança do número sete é feita de forma natural e leve, o que causou certo agrado. A transição de Viktor é abordada com responsabilidade, não sendo nenhum problema para essa família disfuncional.

Allison (Emmy Raver-Lampman) também ganha protagonismo nessa temporada. Dessa vez, ela está presente para expressar um sentimento que deveria ser comum entre os irmãos: o cansaço de quem precisa salvar o mundo pela terceira vez. Depois de perder a guarda da filha e o seu grande amor – que ficou preso em um passado ao qual ela não pertence —, a ex-atriz finalmente solta as rédeas de seu autocontrole. Vivendo em um mundo onde sua filha nunca existiu, Allison Hargreeves desmonta como alguém que cansou de passar a vida toda sendo forte.

Para além disso, a relação familiar da Umbrella Academy se torna cada vez mais real conforme o mundo chega ao fim — pela terceira vez. Diego (David Castañeda) se encontra em um beco sem saída de paternidade, tendo que criar um filho inesperado com Lila (Ritu Arya); Luther (Tom Hopper) finalmente segue em frente de sua paixão incestuosa por Allison e encontra uma nova forma de amor; Klaus (Robert Sheehan) explora a relação problemática com o pai, Reginald Hargreeves, enquanto tenta descobrir mais sobre a sua mãe biológica; e Cinco (Aidan Gallagher) falha miseravelmente em tentar tirar umas férias de ‘salvar o planeta’.

Apesar do roteiro desenvolver um pouco mais da história de cada protagonista, ainda continua preso no mesmo modus operandi. Isso faz com que a trama se torne repetitiva e, em alguns momentos, um pouco previsível. A falha principal é tentar aprofundar a personalidade dos integrantes da Umbrella Academy e não saber equilibrar isso com o decorrer da trama. Por esse motivo, o público acaba a temporada cheio de suposições e perguntas que não foram respondidas. 

Mas a produção ainda consegue se safar de grandes furos de roteiro, como os que foram vistos na quarta temporada de Stranger Things, lançada um mês antes. As duas séries contam com um grande elenco e uma história cheia de personagens, porém, The Umbrella Academy consegue se livrar do sentimento de pressa. Ou seja, apesar do enredo repetitivo e dos diversos personagens, a história criada por Gerard Way e o brasileiro Gabriel Bá, apresenta certa fluidez e deixa o espectador ansioso por mais – mas não do mesmo. 

Para acertar nas próximas temporadas, The Umbrella Academy precisa fugir da trama do fim do mundo e começar a investir em pontos diferentes. Com o final apresentado no último episódio, os produtores precisam encontrar saídas para certos problemas, como o envelhecimento de Aidan Gallagher — isso porque a terceira temporada se passa apenas 28 dias após o fim da primeira, e o intérprete de Cinco já aparenta estar bem mais velho. Sem contar a existência do Hotel Oblivion em outra dimensão, a descendência alien de Reginald e o surgimento dos poderes da Umbrella, que são exemplos que permanecem sem explicação. 

Com a faca e o queijo na mão, tudo que a equipe de produção precisa é inovar no que vem por aí. Como o gibi de Umbrella Academy ainda não tem uma atualização, afinal a terceira HQ, de 12 de junho de 2019, foi a última a ser publicada além do spin-off focado na vida de Klaus, os roteiristas precisam encontrar uma forma de guiar a história sem seguir o mesmo caminho pela quarta vez. Além disso, o desenrolar do terceiro ano abre porta para diversas possibilidades e enredos que fogem do ciclo infinito de ‘tentar sair da caverna do dragão’.

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Vitor Tenca

Em abril de 1989, Miguel Ângel Félix Gallardo era preso por agentes de uma força tarefa montada há anos (a Drug Enforcement Administration) em sua própria casa, em Guadalajara, surpreendentemente sem que uma única bala fosse disparada. Enfim chegava o momento do jefe de jefes passar o bastão para seu rebanho do tráfico internacional – mas, como estamos falando do homem mais poderoso do México, claramente essa troca de postos não poderia ser exatamente amistosa. 

A terceira e última temporada de Narcos: México recebe não somente a gigantesca tarefa de finalizar o arco da própria série, como também carrega o peso de fechar o universo das drogas com chave de ouro. Seguindo o caminho pavimentado pelos narcotraficantes mais famosos e procurados do mundo, o ano final do spin-off de Narcos escora suas narrativa em rostos conhecidos como a família Arellano, os carismáticos sinaloenses e o “senhor dos céus” Amado Fuentes Carillo, enquanto faz questão de apresentar novas figuras e trajetórias que complementam o universo não-tão-fictício da produção da Netflix.

A cada dois episódios, as mentes, ângulos e cabeças que comandam as histórias por trás do emaranhado de cartéis mexicanos são rotacionadas, dando espaço ao brilhantismo das direções de Andrés Baiz, Wagner Moura, Alejandra Márquez, Luis Ortega e Amat Escalante. Ainda assim, a pluralidade de visões artísticas não livra o terceiro ano de seu principal desafio a ser enfrentado: manter o interesse em uma história que acaba de perder seu principal personagem – um obstáculo muito bem conhecido pelos fãs do universo de Narcos. 

Sem que apareça muitas vezes para matar as saudades de quem assistiu a série até aqui, Miguel Ángel (Diego Luna) faz questão de concretizar as profecias que já havia lançado sobre nós. “Agora vão ver o que acontece quando a jaula abre e todos os animais ficam livres. Vocês vão sentir saudades de mim”. E, assim, como um roteiro escrito a base de drogas e sangue, vemos La Federación se desmantelar – cada praça trabalhando independentemente para assegurar as melhores rotas, o melhor produto e o acesso aos maiores figurões do governo. 

Seguindo essa lógica, quem sai dois passos à frente na corrida pelo cartel mais influente na era pós-patron são os Arellano Félix. Benjamín (Alfonso Dosal) possui todas as características e virtudes para se tornar o mais próximo que temos de Escobar: um vilão temível por sua crueldade, mas que amamos por seu protagonismo e sentimos dó por suas questões familiares. No entanto, acompanhamos o início da trajetória sinuosa que a narcomami Dina Arellano (Mayra Hermosillo) percorre para mostrar que, quando se lida com um cartel, não há espaço para brincar de empresário.

Um dos principais charmes de séries baseadas em fatos é a mescla de filmagem entre o real e a ficção, e a terceira temporada de Narcos: México explora precisamente o recurso “documental” para causar ainda mais imersão em quem assiste. A intervenção mais chocante ocorre quando somos bombardeados com o atentado ao cardeal Juan Jesús Posadas em meio às loucuras de Ramón e Chapito (interpretados brilhantemente por Manuel Masalva e Alejandro Edda). É esse o momento em que percebemos o virar de chaves nas relações político-econômicas entre líderes do governo e a família Arellano.

E isso só significa uma coisa para Sinaloa: o momento de mudar os rumos de sua história chegou. O cartel passa por mudanças significativas no novo ano: Azul (Fermín Martínez) foi uma vítima das constantes brigas com os Arellano; Güero até tenta, mas perde seu espaço de poder; e ainda contamos com a agradável volta de Don Neto. Sendo assim, uma liderança inesperada toma conta do poder com a dupla El Chapo e o recém-apresentado Mayo (Alberto Guerra), que nos mostram como os sinaloenses são, para além de soldados, empresários sanguinários plenamente capazes de desestabilizar o império de Benjamín. 

Enquanto isso, as engrenagens que fazem o mundo das drogas rodar passavam por uma mudança de comando no início dos anos 90, e seu novo dono se chamava Amado Fuentes Carillo, ou, como preferia ser chamado, El señor de los cielos. Contando com sua característica figura persuasiva, inteligente e cada vez mais respeitada, Amado transita entre se tornar o narcotraficante mais bem sucedido em toda história e lidar com crises existenciais e problemas familiares, à procura do que nenhum outro chefão do crime conseguiu perceber: a hora de sair do “jogo”. José Maria Yazpik dá vida ao antagonista principal da nova temporada de forma magistral, construindo uma trajetória ainda mais profunda para um personagem que possuía carisma e bagagem o suficiente para estampar uma referência para a série.

Para quem acompanhou a temporada anterior de perto, a junção de três míseras letras não soa nada bem para os ouvidos da população mexicana: PRI. O Partido Revolucionário Institucional foi o responsável por aproximar ainda mais as relações entre o tão sonhado liberalismo econômico e os EUA, que, sob um pano de fundo de globalização do narcotráfico (o seriado, que antes se passava nos anos 80, viaja para a década seguinte e aterrissa na década de 90), inicia as tratativas para o NAFTA. No entanto, é claro que os países ao Norte do globo não faziam uma política de boa vizinhança, mas, sim, colocavam o nariz onde não eram chamados. 

No entanto, ao passo que assistimos a série, ficamos desnorteados quanto à dúvida lançada acima: a terceira fase de Narcos: México se dá bem com o desafio de substituir Félix Gallardo? Muito longe de entregar uma temporada ruim, as mãos que comandam o seriado parecem simplesmente tentar demais. Ao abordar diversas narrativas diferentes, um constante sentimento de anticlímax paira no ar – assim que uma história em desenvolvimento é cortada para a de outro núcleo totalmente oposto –, deixando o telespectador sem tempo algum de se sentir investido em um único personagem. 

E, no meio desse turbilhão de protagonistas, a mais desapontante para os fãs de Narcos é a trajetória do agente da DEA, Walt Breslin (Scoot McNairy). Diferentemente de Kiki Camarena, Walt é um personagem ficcional baseado em vários agentes da Operación Leyenda, que poderia ser apontado em qualquer direção neste terceiro ano. No entanto, vemos um homem tanto viciado como preso no ciclo sem fim de chances desperdiçadas e fracassos. Ao longo dos 10 episódios, seus feitos traduzem a realidade do que o termo “guerra às drogas” representa na vida real.  

Na contramão do agente Breslin, a novata Andrea Nuñez (Luisa Rubino) é a jornalista responsável por dar voz à primeira narradora em off, sobrepondo a visão policialesca da DEA e inserindo um elemento fundamental: o quarto poder. Em um país onde a corrupção conecta desde policiais de Chihuahua até o presidente do país, a única forma de fazer justiça ao povo mexicano é por meio das audaciosas e valentes reportagens de La Voz. Ao fim, com a descoberta sobre o escândalo Rebollo, a personagem nos mostra que nem sempre os bonzinhos se dão mal. 

Adicionando ainda mais história para a trama geral, Victor Tapia (Luis Gerardo Méndez) traz um grande ponto de interrogação com seu plot confuso, por mais que seja verdadeiro. Mostrando outro aspecto do impacto da guerra às drogas, vemos um homem obcecado por combater sozinho os altos níveis de feminicídio e estupro em Juarez. Porém, ao fim da temporada, é extremamente difícil conectar sua passagem e esforço (independente de sua desconfiada relação com Jayme Kuykendall) com o que Narcos tenta fazer – falar de narcotraficantes sanguinários.

Infelizmente, não haverá uma quarta temporada da série, visto que a própria Netflix já vê o trabalho como finalizado. Mas, não há (tantos) motivos para tristeza para os amantes do universo das drogas: a produtora já confirmou que haverá uma nova série limitada intitulada Griselda, da mesma equipe criativa de Narcos. Como um todo, Narcos: México entrega um bom desfecho para os fãs – sejam os mais nostálgicos por Pablo Escobar, ou mesmo os impressionados com Miguel Ângel –, porém, a terceira temporada ainda passou longe daquilo que o telespectador esperava como uma despedida.

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Jamily Rigonatto

Em 2018, as primeiras fotos das gravações de Titãs foram divulgadas e a impressão inicial deixou a sensação que a produção viria com data de validade. A série live-action propôs mostrar uma nova face do famoso grupo de super-heróis e os desvincular da imagem juvenil e imatura das animações. Abandonando o formato cômico e desaforado de algumas franquias do DC Universe, como é o caso de Esquadrão Suicida e Aves de Rapina, Titans planejava se ancorar em um tom mais agressivo e noturno. Agora, a obra audiovisual chega ao seu (improvável) terceiro ano com um enredo repleto de pontas soltas e decepções. 

Com Greg Walker como produtor, os treze episódios da terceira temporada, que passaram a ser parte do catálogo do HBO Max nos Estados Unidos, finalmente chegaram ao Brasil pela Netflix, quatro meses depois da estreia oficial. No novo ponto da narrativa, os personagens mudam de cenário e abandonam a progressista e tecnológica cidade de São Francisco, para adentrar a atmosfera insana e desorganizada de Gotham. Em uma investida ousada e arriscada, a direção escolhe referenciar uma das histórias em quadrinhos mais aclamadas pelos fãs da DC Comics: o livro de 1988, Batman: Morte em Família.    

Depois de cair em uma armadilha projetada pela mente cheia de devaneios do infame Coringa, Jason Todd (Curran Walters) passa dos limites e enfrenta o vilão em uma batalha letal. O fim trágico do jovem aflora sentimentos de vingança em Bruce Wayne (Iain Glen), que acaba cedendo a seus impulsos e traindo suas convicções. Afundado em meio a própria contradição, o Homem-Morcego vai embora e deixa para trás uma vilania descontrolada, colocando Gotham em um perigo maior que o de costume, em pouco tempo. Assim, movidos pela dor de perder um amigo e pelo instinto de salvar o dia, os Titãs deixam sua sede em direção à cidade do crime.

Para a surpresa dos heróis, o responsável pela onda de violência é ninguém menos que Capuz Vermelho, a versão destemida de Jason. Após ser afetado pela droga sem medo e ressuscitar com a ajuda de Jonathan Crane/Espantalho (Vincent Kartheiser), o menino prodígio retorna sob o pseudônimo e os dois começam a trabalhar em conjunto. Em um movimento pouco satisfatório, a série introduz um antagonista fraco e o personagem acaba sendo bastante limitado pelas ordens e planos de Crane. Dessa forma, o arco de Todd fica concentrado nas questões psicológicas e morais, colocando-o em uma corda bamba entre o bem e o mal em boa parte dos episódios. 

Entre as particularidades que sustentam o roteiro, é colocado em evidência um ponto anteriormente abordado em outras temporadas: os Titãs não são o Batman. Na tentativa de reafirmar a distância entre as atitudes dos heróis e as de Wayne, a história traz um Dick Grayson/Asa Noturna (Brenton Thwaites) ainda apegado demais ao seu passado como Robin. Assim, o vigilante não precisa sequer de tempo de tela para ser semelhante a um fantasma assombrando a narrativa por mais tempo que deveria. Entretanto, o sucesso que os Titãs alcançam ao impedir o colapso da cidade contrariando o que o Cavaleiro das Trevas faria, causa esperanças de que essa seja uma espécie de emancipação dos personagens e que a presença – física ou não – do herói seja reduzida na próxima temporada.

Outro aspecto do enredo são as problemáticas dos Titãs, exploradas de uma forma individualizada. Contrariando a ideia dos anos iniciais e a necessidade de fazer tudo em equipe, eles passam boa parte da trama separados e encaram questões mais particulares. Essa forma de conduzir a série abre um grande leque de informações, muitas vezes mal abordadas. Ao acompanhar os múltiplos caminhos da narrativa, qualquer resquício de linearidade é perdido. Além disso, o pouco tempo para investir nos arcos acaba resultando em furos de roteiro e trazendo desenvolvimentos que não chegam a lugar algum. 

A relação entre Estelar (Anna Diop) e Estrela Negra (Damaris Lewis), por exemplo, fica em uma posição em que é trabalhada, mas termina sem um bom desfecho. Apesar das atuações das atrizes serem muito cativantes e construírem figuras carismáticas, as irmãs, que prometiam grandes contraposições e uma forte rivalidade, acabaram reduzidas a picuinhas e imaturidade. Ainda, a necessidade de impedir o andamento dos planos do Espantalho joga para escanteio as dificuldades entre as duas. O namoro de Komand’r e Conner Kent (Joshua Orpin) também poderia não ter sido retratado nesse momento: fora a falta de química que rodeia as cenas protagonizadas pelos dois, o Superboy tem obstáculos com a utilização de seus poderes, grandes demais para darem espaço ao relacionamento.

Entre os significativos acertos da terceira temporada de Titãs, está a introdução de Barbara Gordon. Em seu novo desenvolvimento para a televisão, Barbara, vivida por Savannah Welch, aparece usando a cadeira de rodas e ocupando o lugar do pai, o Comissário Jim Gordon, como comandante do departamento policial de Gotham. A intérprete faz um trabalho excelente e remonta a personagem com toda a inteligência e perspicácia que ela merece. Outra boa escolha da direção foi resgatar das HQs o relacionamento dela com Dick: as interações entre os dois geram cenas ótimas e trazem à tona as desconfianças que a Comissária carrega em relação às motivações dos super-heróis.

Como era de se esperar, o potencial de Gar Logan (Ryan Potter), o Mutano, é desperdiçado novamente. O personagem, um dos Titãs mais importantes dentro do universo da DC, na série, ganha um ar de alívio cômico que o faz parecer mais com um enfeite simpático. Em três temporadas, o desenvolvimento dos seus poderes é tão sutil e lento que chega a ser medíocre, nos fazendo duvidar da sua relevância para a narrativa. Dessa forma, em muitos momentos, o herói parece estar ali apenas como um apoio para os outros, alguém que aparece em ocasiões oportunas.

Infelizmente, Rachel (Teagan Croft), ou Ravena, como é mais conhecida, não fica em uma posição tão melhor, com pouquíssimas cenas durante a temporada. A heroína teve um grande enfoque no primeiro ano da produção e provocou diversas expectativas diante das inúmeras possibilidades permitidas por seus poderes. Entretanto, o roteiro de Titãs parece prezar pela conveniência de ter muitas cenas de ação, baseadas em lutas corpo a corpo, e faz com que a extensão da magia de Rachel seja pouco explorada. Ao menos, os sentimentos entre Ravena e Gar não passaram despercebidos e, agora, vemos um desdobramento mais estável da relação dos dois. 

Quanto ao Espantalho, este perdeu muito da personalidade desprezível, dando lugar a um vilão absolutamente previsível. Usando do velho suspense dos amadores que alertam os heróis antes de agir, a série perdeu a oportunidade de colocá-lo como um adversário brutal, que daria origem a frames de ação fascinantes e entregaria a chance que os Titãs precisam para realmente se destacarem. Em alguns momentos, as adaptações feitas para o personagem parecem atribuir elementos característicos de outros antagonistas, como os enigmas do próprio Coringa, para moldá-lo, algo semelhante ao que aconteceu com o Exterminador no ano anterior da produção.

Por outro lado, entre tantos personagens pouco aproveitados, temos Jay Lycurgo interpretando Tim Drake. Esbanjando personalidade, esperteza, eficiência e nenhuma arrogância, o ator conseguiu conceber a melhor figura da terceira temporada. Com uma história carregada de adversidades, Drake traz leveza, sem abandonar a profundidade, e é exatamente o sopro de ar fresco que a série precisava. 

Uma das gratas surpresas da temporada, porém, é a melhora nos efeitos especiais: as cenas, antes extremamente artificiais, agora aparecem com mais naturalidade e são bem mais convincentes. Os cenários também ganham sua parcela de realismo e compõem o ar sombrio e pesado de Gotham com exatidão. Com a falta de luminosidade e a presença de muitas construções acinzentadas e destruídas, a atmosfera da cidade passa as sensações de angústia e apreensão necessárias. Além disso, a fotografia em tons frios, dirigida por Boris Mojsovski, completa o retrato obscuro da trama. 

Mesmo passando por altos e baixos – mais baixos que altos – o terceiro ano de Titãs conseguiu ser o melhor da produção até o momento. A quarta temporada já recebeu sua confirmação e levanta expectativas quanto aos próximos passos que irá tomar. O retorno de Tim Drake como o novo Robin é um dos momentos mais aguardados pelo público, assim como (espera-se) Barbara Gordon assumindo a identidade de Oráculo e a divisão do foco da série entre São Francisco e Gotham, para acompanhar o movimento de todos os heróis. 

Ao fim, Titãs é o tipo de produção que tem bons personagens, bons vilões, bons flashbacks e elementos suficientes para construir uma história incrível. Todavia, seu erro está na energia que desperdiça tentando segurar mais do que pode. Uma narrativa mais objetiva, em que todos os heróis tivessem tempo o bastante para ganharem desenvolvimentos com começo, meio e fim, traria resultados mais eficazes e completos. Ainda assim, vale a pena dar uma chance e assistir a trama. Para quem espera algo que adapta bem os quadrinhos originais, porém, essa com certeza não é a série que cumpre os requisitos.

Titãs ainda parece ter medo de ousar em criar um roteiro verdadeiramente marcante. Enquanto isso, joga fora um enredo heróico por possibilidades medianas. A próxima temporada precisará de muitos ajustes e um trabalho atento para resolver os contratempos amontoados até agora, mas não é exatamente um trabalho impossível. Nos resta esperar que os produtores da série percebam o grande potencial que têm em mãos e, finalmente, encontrem a dose de equilíbrio entre melancolia, dinamismo e heroísmo. 

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Guilherme Veiga

Feche as cortinas, esconda as cabeças de alho e cubra os crucifixos. Os vampiros mais excêntricos de Staten Island pedem permissão para entrar em sua casa mais uma vez. Depois de uma grande aceitação da crítica, que rendeu oito indicações ao Emmy no segundo ano, a série retorna para dar continuidade à trama, além de expandir o universo criado em 2014 por Taika Waititi e Jemaine Clement com o filme homônimo.

Em um período de indecisão quanto ao gênero de comédia na TV com os fins de grandes produções como Modern Family e The Good Place, e de queridinhas da crítica que vão de Fleabag à Schitt’s Creek, WWDITS figura na forma de um respiro para o segmento, ao lado de novas surpresas dessa entressafra como, por exemplo, Ted Lasso. Sendo uma das poucas que ainda funciona no formato de falso-documentário, a obra prova que tal escopo ainda está estabelecido no mercado, além de se consolidar como uma das melhores comédias da atualidade.

A ideia surgiu em 2005, mesmo ano da versão americana de The Office, que revolucionou o formato. Porém, as brilhantes mentes de Taika e Jemaine — que atuam como produtores, roteiristas e diretores do programa — vão além. Se o dia a dia da Dunder Mifflin arranca risos de um ambiente monótono que até então nunca poderia ser imaginado, o documentário vampiresco tira sarro de todo um braço literário que se firmou ao longo de décadas e que era difícil de pensar algo fora da curva. Para isso, Taika conta com seu dom de produzir sátiras de universos intocáveis (o que lhe rendeu o Oscar de Roteiro Adaptado por Jojo Rabbit), fazendo com que cada obra sua seja esse ponto fora da curva. E, com as duas versões de What We Do in the Shadows, isso não é diferente.

Diferente do que diz a cativante música de abertura, os vampiros vêm para o terceiro ano mais vivos do que nunca e um pouco mais inseridos nesse mundo. Os anos anteriores trabalharam muito bem o choque de realidade entre os dois mundos. Agora, eles já têm certa familiaridade com tal realidade, e a piada, muitas vezes, está no estranhamento que nos causa ao ver eles realizando atividades banais, incluindo malhar, pedir para o amigo flertar no seu lugar ou apostar em uma máquina caça-níquel temática de The Big Bang Theory. 

A trama começa pouco depois dos eventos do final da segunda temporada. Guillermo (Harvey Guillén) aceita sua sina após o massacre do conselho vampírico e tenta se emplacar como guarda costas dos vampiros. Já Nandor, o Implacável (Kayvan Novak), e Nadja (Natasia Demetriou), no melhor estilo de “se não tem tu, vai tu mesmo”, sobram na diretoria do burocrático conselho, enquanto Lazlo (Matt Berry) liga o foda-se para a liturgia do cargo e vai viver uma amizade inesperada com o Colin Robinson de Mark Proksch (The Office, Better Call Saul). O terceiro ano ainda conta com a participação secundária de Kristen Schaal (The Last Man On Earth, BoJack Horseman) como A Guia que veio de brinde com o conselho, além da volta de Doug Jones (A Forma da Água, O Labirinto do Fauno) como O Barão (ou o que restou dele).

Definitivamente mais pop, a série opta por expandir o cosmo do qual caçoa, ampliando ainda mais o universo vampiresco e inserindo outras criaturas fantasiosas na trama, zoando com lobisomens, gárgulas e sereias. Além dessa expansão, a produção busca satirizar — e ao mesmo tempo homenagear — o audiovisual como um todo. Os 10 episódios são uma metralhadora de referências, que vão desde um episódio inteiro baseado em Onze Homens e um Segredo até cenas em homenagem a obra-mor do imaginário vampírico, vulgo a do jogo de baseball em Crepúsculo.

Mas não pense que a série se trata de apenas um amálgama de easter eggs, como foram os besteiróis mais duvidosos dos anos 2000. Pelo contrário, e isso é mérito total do roteiro. Tudo é muito bem encaixado para que as piadas sejam mais afiadas que uma estaca de madeira. E isso nos dá momentos ímpares, dentre eles a menção direta à The Office vinda pontualmente por um ex-ator do show ou até mesmo uma piada sobre peido que se encaixa totalmente com o arco de Colin Robinson (dá vontade né, Adam Sandler?).

Para que o roteiro funcione, é necessário uma entrega por parte do elenco. E, nessa temporada, os cinco personagens principais estão em seu auge. Todos abraçaram totalmente o ridículo que a premissa propõe. Por isso, What We Do in the Shadows ousou em alterar o status quo que vinha dando certo nos anos anteriores e bagunçar totalmente a dinâmica do grupo. Gizmo está mais independente em seu arco de personagem. O sexualmente pomposo e extravagante casal Nadja e Lazlo (a.k.a. Jackie Daytona) está um pouco afastado: ela cuida dos trâmites do conselho vampírico ao lado de Nandor, enquanto ele beira o bromance ao ajudar Colin Robinson na sua busca por origens.

A série, que ficou famosa por suas participações especiais — Tilda Swinton na primeira temporada e Mark Hammil na segunda são algumas das caras conhecidas —, dessa vez, economiza em nomes. Dentre eles, Donal Logue no papel de… Donal Logue, que se apaixonou pela mitologia dos vampiros após atuar em Blade, e David Cross (Arrested Development), que está irreconhecível como Dominicas, o Terrível. Mas, sinceramente, a sinergia dos atores principais e o cuidado com o roteiro fazem com que as participações sejam apenas uma cereja em um delicioso bolo molhado com sangue.

O formato do streaming definitivamente ajudou What We Do in the Shadows. Enquanto as sitcoms da Era de Ouro da comédia na TV precisavam rebolar para entregar algo na média de 22 episódios, a leva de 10 capítulos auxilia muito o programa. Com isso, a história é mais fácil de ser desenvolvida, e um dos trunfos da série —  que é o contato deles com a vida mundana — não se desgasta, além das tramas secundárias convergirem facilmente a um ponto comum da principal.

Outro fator que a beneficia é o tempo em que vivemos. Gravada em Toronto durante a pandemia de covid-19, a produção decidiu não abordá-la em seu terceiro ano (diferente da temporada final de Brooklyn Nine-Nine por exemplo). Por mais anacrônico que isso soe, tal decisão se prova acertada. Além de funcionar como uma perfeita válvula de escape, mostrar personagens que estão se acostumando com nosso mundo, ao mesmo tempo em que nós mesmos estamos nos adaptando novamente a essa realidade, ressalta a inteligência e o timing da escrita, e catapulta a identificação que estamos nutrindo com seres tão diferentes.

Em um universo grande de sitcoms, é fácil ficar na mediocridade e se acomodar no segmento. E é exatamente esse o diferencial de What We Do in the Shadows: ela faz questão de bagunçar a ordem das coisas. O ridículo é o que rege o programa. Ela não está nem um pouco interessada em se levar a sério, até porque as únicas pessoas que a levam a sério são os próprios vampiros. Isso dá margem para que se possa brincar com absolutamente tudo, o que pode ser visto, por exemplo, no último episódio, que gira em torno de um clichê das séries de comédia: as despedidas. Os mais desavisados, que não tem conhecimento da já encomendada quarta temporada, passam metade dele achando que aquilo é um decente e precoce series finale.

A trama é a que talvez mais se aproxima da loucura de Community. Porém, o show de Dan Harmon não negava seu caráter totalmente experimental e caótico para a época, enquanto aqui há mais noção do que está sendo feito, e mais sutileza na forma de como é feito. A série do FX apresenta mais consciência ao homenagear o audiovisual, ao mesmo tempo que brinca com ele. Provavelmente, Abed adoraria What We Do in the Shadows.

As sitcoms que a inspiraram andaram para que WWDITS pudesse voar, é fato. Porém, a cada ano do show, é mais evidente que ela definitivamente — e ironicamente —  merece seu lugar ao sol. Não por reinventar a comédia ou por revolucionar a TV, mas por não ter vergonha de ser ela mesma: ridícula, inteligente e atraente do jeito que é. Mas, em um momento de escassez do gênero, é notável sua contribuição ao mostrar que, assim como o rock de Elvis, o segmento não morreu, no máximo ele está escondido no porão de algum vampiro.

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Laís David

Com centenas de lançamentos por mês, é cada vez mais fatigante encontrar uma série adolescente interessante na Netflix. De clichês entediantes até os cancelamentos iminentes, a plataforma luta para conversar com esse público da maneira correta. Um dos maiores acertos dos últimos anos, no entanto, foi a excelentíssima Sex Education. Com sua despretensiosa narrativa teen e complexa gama de personagens, a obra conseguiu conquistar seu espaço na lista de melhores produções do streaming e, em 2021, entrega sua terceira temporada com ainda mais encanto.

Se as duas primeiras temporadas de Sex Education representam a introdução ao universo divertidíssimo de Otis (Asa Butterfield), Maeve (Emma Mackey) e Eric (Ncuti Gatwa), a terceira dá espaço a todos os outros personagens de forma igualitária e conexa. O início do primeiro episódio nos traz de volta ao infame colégio de Moordale, agora conhecido nacionalmente como Escola do Sexo. A célebre clínica sexual de Otis e Maeve e o inquietante surto de clamídia na escola causaram um escândalo midiático, que, como sempre, desagradou os superiores do local.

É aí que o problema começa: na tentativa de reverter a reputação da instituição, os investidores de Moordale resolvem demitir o irascível Michael Groff (Alistair Petrie) e contratam uma nova diretora para substituí-lo. Apresentada inicialmente como uma líder feminista e intuitiva, Hope Haddon (Jemima Kirke) tenta convencer os jovens a se renderem a regras milenares com sua personalidade jovial e leviana.

Em poucos momentos, já é possível enxergar as verdadeiras cores da diretora. Hope se revela uma mulher racista, homofóbica e preconceituosa. Seja ao assumir que Adam Groff (Connor Swindells) era o líder estudantil apenas por ser branco ou ao reprimir a individualidade dos alunos do colégio, as microagressões de Hope nos fazem até sentir falta do carrasco Michael Groff. Quem diria que Sex Education conseguiria captar as nuances problemáticas do feminismo branco de forma tão simples?

A terceira temporada de Sex Education também introduziu Cal, a primeira personagem não-binárie da série. Cal (Dua Saleh) é artística, liberal e independente. Seu romance com Jackson Marchetti (Kedar Williams-Stirling) trata de dúvidas importantes sobre pronomes, gênero e orientação sexual de maneira leve e delicada. É raro encontrar representações tão justas e respeitosas na mídia, e a série acertou em cheio. Outro momento enternecedor da temporada é a cena íntima entre Maeve e Isaac (George Robinson): narrativas que retratam pessoas com deficiência como sexualmente ativas são quase inexistentes, e a equipe de roteiristas repara esse histórico com cuidado e compostura.

O impacto do abuso sexual em Aimee (Aimee Lou Wood) também é formosamente trabalhado ao longo dos oito episódios. Longe de reduzir a personagem a seu agressor ou apagar o problema de sua existência, Sex Education dialoga com as consequências psicológicas de um assédio e também prova que, no final do dia, Aimee é muito mais do que seu trauma.

Os episódios também serviram para desenrolar excelentes tramas que não tinham tanto espaço no passado. O verdadeiro destaque da temporada vai para Ruby (Mimi Keene), que desconstrói o arquétipo de Queen Bee da melhor forma possível. Sua perversidade unilateral nunca a representou por completo; pelo contrário, sua identidade fascinante finalmente teve tempo de ser desenvolvida. Impossível não se emocionar ao ver a jovem se declarar para Otis, para, então, ser rejeitada. 

Se Eric foi o grande destaque das primeiras duas temporadas, aqui ele fica de escanteio. No entanto, sua narrativa não deixa de ser cativante: a viagem familiar de sua família até a Nigéria reflete muito bem sua necessidade de liberdade, atributo que seu atual relacionamento não tem nada. A dualidade entre a recente descoberta da bissexualidade de Adam e a extensa experiência e aceitação de Eric como homem homossexual é deslumbrante, e, ao mesmo tempo, desastrosa.

A série também não se reduz a tramas adolescentes, e isso a eleva a um outro patamar. Os dilemas da gravidez de risco de Jean (Gillian Anderson) ou a independência recente de Maureen Groff (Samantha Spiro) encantam tanto quanto qualquer problema dos estudantes de Moordale. Gillian é excepcional e rouba todas as cenas – por aqui, fingimos que seu recente prêmio Emmy de Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Drama foi também pela sua impecável atuação como a matriarca e terapeuta sexual de Sex Education.

O que deixa a desejar é a necessidade persistente do romance intragável de Otis e Maeve. O casal até era interessante nas primeiras temporadas, mas agora ele é nada mais que o resultado da narrativa incessante que os colocou ali. Os anos 2000 já se foram, e ninguém mais espera por um relacionamento de idas e vindas como Ross e Rachel ou Lorelai e Luke: a dualidade de Otis e Ruby, por exemplo, entretém muito mais do que o relacionamento maçante do jovem com Maeve.

O que mais encanta em Sex Education é a graciosidade em seus personagens. Se afastando da dicotomia entre pessoas bons e ruins, ela trata dos piores assuntos da forma mais humana possível. A desestigmatização de diversas pautas identitárias não soa como um plot device involuntário, mas sim uma narrativa natural e coesa.

Depois de três excelentes temporadas, ficou claro que Sex Education é uma das melhores produções originais da Netflix. Sexualmente positiva e insanamente irreverente, a série se equilibra entre o humor e o drama e entrega um excelente produto final: um excerto fantástico e agridoce do melhor que uma série adolescente tem a oferecer.

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