Rafael Gomes

Em Julho de 1989, a NBC exibia o primeiro episódio de Seinfeld. No ar durante 9 anos, a série gerou um enorme impacto na Televisão e no humor, modificando como o gênero é apresentado e percebido pelos espectadores. O programa se tornou uma referência na Comédia situacional 35 anos atrás e se mantém relevante até os dias de hoje – em 2019, a Netflix pagou 500 milhões de dólares pelos direitos do programa.

Jerry Seinfeld começou sua carreira fazendo stand-up comedy em clubes nova-iorquinos, com um estilo observador e simples que chamava a atenção. Em 1981, participou do The Tonight Show Starring Johnny Carson, um dos programas mais populares dos Estados Unidos. Na ocasião, Seinfeld recebeu o aval de Carson, um gesto raro de aprovação do apresentador. O humorista, a partir desse momento, ganhou notoriedade e seguiu na carreira, realizando programas especiais como Jerry Seinfeld: Stand-up Confidential e aparições em grandes talk-shows como Tonight Show e Late Show.

A partir dessas apresentações, os executivos da NBC decidiram fazer um programa com Seinfeld. O comediante havia tido uma experiência prévia na série Benson (1979-1986), porém, foi demitido por não ser um bom ator. Por isso, Jerry Seinfeld só atuaria se fosse para fazer ele mesmo. Nessa época, o humorista fazia muitas apresentações em conjunto com seu amigo Larry David – juntos, tiveram a ideia de criar um programa sobre como um comediante cria sua piada. Originalmente, a produção seria um especial de 90 minutos, que iria contar a rotina de Jerry na busca de piadas, intercalando com cenas de shows. A NBC gostou da ideia e aprovou  um episódio piloto de uma série.

O nome da série seria The Seinfeld Chronicles. Para a produção do piloto, a NBC contratou excelentes atores: Jason Alexander como  George Constanza, e Michael Richards como Cosmo Kramer. O roteiro seria  feito por Larry David e Jerry Seinfeld – que também estaria atuando como um personagem homônimo. O episódio foi produzido,  porém, foi considerado fraco.

Mesmo com a avaliação ruim, alguns dos executivos da NBC apoiaram a ideia, por verem potencial em Jerry. O produtor Rick Ludwin foi o maior defensor da série dentro da empresa, chegando a cancelar especiais de comédia para poder produzir quatro novos episódios, com uma exigência: a série deveria ter uma personagem feminina. Assim, a atriz Julia Louis-Dreyfuss foi inserida na série,  dando vida à personagem Elaine.

Esses quatros novos episódios foram exibidos depois da reprise da série Cheers (1982-1993), que  fazia sucesso na época. Seinfeld manteve a audiência da reprise; dessa forma a NBC conseguiu financiar e encomendar mais 13 episódios – que se tornaram a segunda temporada. Durante as primeiras três temporadas, a série foi aclamada por críticos de televisão, mas não atingiu uma grande audiência. Os episódios lidavam com detalhes insignificantes do dia a dia como se perder no shopping, ficar esperando numa fila do restaurante ou não conseguir um lugar para estacionar um carro. Os atores, roteiristas e até mesmo o público, estava se habituando aos personagens. 

A série decolou a partir da quarta temporada. Com o público habituado com os personagens, Seinfeld entrou no Top 30 da Nielsen Ratings. O quarto ano de exibição é responsável por The Contest, um dos episódios mais marcantes da série. O capítulo  mostra uma aposta dos quatro protagonistas: quem conseguiria ficar mais tempo sem se masturbar. A palavra ‘masturbação’ não foi usada nenhuma vez durante o episódio, sendo substituída por outras referências. The Contest ganhou o Emmy de Melhor Roteiro em Série de Comédia em 1993. Nesse mesmo ano, a sitcom ainda foi premiada na categoria de Melhor Série de Comédia.

Seinfeld foi inspirada em experiências cotidianas de quatro amigos que vivem em Nova York. O ‘nada’ é o grande tema da série. Sem ter um assunto ou trama, a Comédia aborda o dia a dia de maneira leve e permeada de um humor cirúrgico, com situações absurdas e condenáveis. Diferentemente do que ocorria até a década de 1980, os protagonistas da série não são o que chamamos de bons cidadãos – ao contrário, eles são egoístas, exibidos, invejosos, entre outras características não muito agradáveis. Tudo que Seinfeld não queria passar era lições de moral, não importa o dano causado, o quarteto nunca aprende com a experiência.

O que faz Seinfeld ser tão especial são seus personagens. As figuras de Jerry Seinfeld – em uma versão fictícia de si mesmo –; George Constanza – como uma recriação do roteirista Larry David,  o amigo de infância, explosivo, rabugento, um cidadão difícil de lidar –; Elaine Benes – a ex-namorada que se tornou amiga –; Cosmo Kramer – seu vizinho excêntrico. Seus personagens tão icônicos são onde está a piada, as situações do dia a dia, somadas às maluquices que cada um desses personagens, geram situações extremamente engraçadas. 

Seinfeld quebrou convenções da Televisão mainstream. Ela se destacou dentre as comédias familiares e de amigos da época. As sitcoms eram centradas em um único tema ou situações cômicas restritas, enquanto Seinfeld focava em incidentes do cotidiano, como ficar numa fila de cinema, sair para jantar, comprar um terno, lidar com as amargas injustiças da vida. Esse ponto de vista apresentado na série é da filosofia do niilismo, na ideia de que a vida não tem sentido. Foi a primeira série de TV desde Monty Python’s Flying Circus (1969)  a ser denominada como pós-moderna. 

Seinfeld  revolucionou ao combinar a utilização do formato multicâmera com takes de câmera única, abrindo novos caminhos no então formato engessado dos programas de TV. Essa técnica foi usada em séries como Breaking Bad (2008) e Louie (2010). Sua principal inovação vem na linguagem e no formato que foi feito em alguns de seus episódios. Produzir um episódio de 22 minutos, em que  os personagens estão apenas esperando para sentar em uma mesa em um restaurante era algo peculiar para 1991. Utilizou-se microcenas, amarradas por piadas em mini-esquetes. O episódio The Chinese Restaurant mudou como se entendia a Comédia televisiva, levando Seinfeld para outro patamar.

A partir desse episódio, os produtores de Seinfeld investiram no que entendiam ser o futuro da TV: por meio da inclusão de dezenas de cenas em um só episódio, a narrativa adquire mais  dinamismo e velocidade – , algo que é feito por todos hoje em dia. O episódio The Betrayal, na última temporada da série, foi inspirado na peça teatral homônima, em que a história é contada de trás para a frente – algo que seria visto no cinema anos mais tarde, como, por exemplo, no filme AMNÉSIA (2000).

No dia 14 de Maio de 1998, a NBC exibiu The Finale Part 2. Havia cerca de 80 milhões de espectadores estadunidenses esperando para assistirem ao último episódio de Seinfeld. O valor de 30 segundos de espaço publicitário foi mais caro que os comerciais no Super Bowl daquele ano. A recepção por parte da crítica não foi das melhores – com muitas das avaliações descrevendo o final como “mão-pesada” e “sem graça”.

Seinfeld se tornou referência para a Televisão norte-americana, e séries como Friends e Big Bang Theory não existiriam sem ela. O programa é indiscutivelmente um dos mais importantes e relevantes da história da Comédia, e se mostra rentável para os envolvidos até hoje. Até 2015, o seriado arrecadou U$3,1 bilhões com a venda dos direitos de reprise apenas nos EUA.

Mesmo após 35 anos da estreia da série e mais de 25 anos de seu último episódio, Seinfeld ainda funciona. Ainda que conte com algumas situações datadas, a essência do carisma dos personagens e as situações que eles se submetem continua intacta. A obra pavimentou tudo que vimos posteriormente em sitcoms como Duas Garotas em Apuros e How I met your Mother. Mesmo havendo episódios inteiros em que todo o plot seria encerrado com uma mensagem no celular, o cerne da série não está nessas situações e, sim, em seus personagens marcantes e únicos. Seinfeld, Elaine, George e Kramer são atemporais.

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Marina Iwashita Canelas

Se por um lado, as cidades industriais inglesas do final da década de 1970 à metade de 1980 já tivessem tido dias mais coloridos, por outro, a sua cena musical era visualmente escura, com neblina e lápis preto nos olhos. Foi em uma apresentação pouco concorrida dos Sex Pistols no Lesser Free Trade Hall, em Manchester, que os fãs ali presentes posteriormente formariam bandas do movimento post punk, como o Joy Division e The Cure. 

Oriundos de Crawley, no West Sussex, a banda The Easy Cure foi formada pela personificação gótica da época, Robert Smith, em 1976. Foi durante esse período que grandes outros grupos surgiram, como Siouxsie and the Banshees e Echo & The Bunnymen, porém a banda liderada por Smith é a única que se mantém ativa até hoje, ainda que tenha sofrido inúmeras mudanças na sua formação.

O final dos anos 1980 para a banda não foi dos mais tranquilos. Apesar de em 1987 a banda ter aterrissado nos EUA com o sucesso pop de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, The Cure queria voltar a sua origem gótica, do disco Pornography (1982). Enquanto Smith passava por uma combinação de depressão causada pela popularidade repentina da banda e a crise dos 30 – além do uso pesado de LSD –, o tecladista Lol Tolhurst passava por conturbações com o álcool e era demitido. 

O disco Disintegration veio a público há 35 anos, em maio de 1989, para infelicidade do selo Elektra, que acusou o grupo de cometer um suicídio comercial por voltarem a sonoridade gótica. Como fator surpresa, temos o disco de maior sucesso da banda, fazendo parte da lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos pela revista Rolling Stone, na 116ª posição.

O grupo britânico aborda seu momento de desintegração enquanto banda e vocalista, mas, por mais que tenha uma aura depressiva e melancólica, Disintegration fala de todos os momentos da vida. Seja para você se afogar em mágoas e depressão, para se sentir abraçado ou até se imaginar chegando no outro plano da vida com essa trilha sonora. 

Ouvir Disintegration é se sentir conectado com a sua alma, até nos momentos em que nada faz sentido. O disco te leva para um espaço onde só existe você, rodeado pela voz apaixonante de Robert Smith, o baixo carregado de Simon Gallup e os sintetizadores que Paul Thompson usa. É nesse cenário que temos um registro super emocional, onde tudo é muito cheio, carregado e superlativo. A produção transforma o momento de ouvir música em algo tão íntimo, que alcançamos uma paz anestesiante.

Por ter tanto sentimento dentro de si, o disco quase nos faz não saber como reagir em alguns momentos. Entre eles, a maior faixa de abertura para álbuns, a aclamada Plainsong, que transmite tristeza e dor, mas ainda é calmaria e amor, com seus mais de dois minutos introdutórios explorando sons de sinos e da linha do baixo. Quando passamos a ouvir os vocais de Smith, temos a sensação de que um anjo fala conosco. Suas falas possuem eco e apesar de cantar de um jeito simples, sem muitos esforços, o vocalista passa para a obra toda a sua angústia, paixão e verdade, tornando tudo muito mais real – em um determinado momento você passa a se questionar, na verdade, o que é real.

Sendo Disintegration um disco sobre ter sentimentos em excesso, Lovesong surge como a faixa mais romântica, que Robert Smith escreveu como presente de casamento para sua esposa, Mary Poole, com quem é casado desde 1988, um ano antes do registro. “Não importa a distância/Eu sempre te amarei” diz o vocalista, fazendo promessas de compromissos para sua amada. Trazendo um comparativo das diversas facetas do álbum, o grupo britânico fez uma serenata profunda pela sua letra, mas com uma melodia alegre e que transmite esperança. Quando comparado com o cover que Adele gravou para a penúltima faixa de 21, a cantora londrina traz solidão e mistério na sua versão, tanto pelo arranjo musical quanto pela forma de cantar da artista.

Outro grande hit foi a assustadora Lullaby, que traz Smith sussurrando “E não há nada que eu possa fazer quando percebo com pavor/Que o Homem-Aranha vai fazer de mim o seu jantar desta noite”. O diretor Tim Pope foi o responsável pelos clipes de Disintegration que passaram na MTV, dando mais força e visibilidade a banda na época, ajudando a consolidar o visual gótico de Smith e tornando-o um dos vocalistas mais conhecidos de todos os tempos. Para o clipe do ano do British Awards 1990, Pope disse a NME que na faixa havia “humor, mas por baixo disso há todas as obsessões psicológicas e claustrofobia de Smiffy (apelido para Smith)”.

Em 2023, The Cure foi headliner do festival Primavera Sound e trouxe a turnê Shows of a Lost World para a América Latina. Com pelo menos três horas de duração por show, dos mais de 45 anos de banda cheio de hits, o grupo cantou metade de Disintegration no setlist paulistano, que além dos citados acima também contou com a title song e Fascination Street.

Não é à toa que a Pitchfork deu nota 10 para Disintegration, um álbum fascinante e cheio de sentimentos que abraça e conforta, mas que também pode doer e atiçar uma parte profunda que não queremos visitar. Robert Smith, com toda sua graciosidade e grandes sentimentos, transborda emoções para nós, que podemos ouvir sua obra mais desintegrada sendo a mais completa justamente por isso.

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Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Nos últimos anos, pudemos sentir uma enxurrada de influências oitentistas tomar conta de nossas vidas, indo desde o Cinema até a Moda. O estilo saudosista e a visita aos grandes clássicos do passado mostram apenas como a cultura é cíclica, se utilizando do que já foi criado para inspirar a inovação. Dentre as inúmeras referências que poderíamos coletar dessa grande nostalgia, Curtindo a Vida Adoidado (1986) é uma das mais relevantes, afinal o espírito de Ferris Bueller (Matthew Broderick) ainda se faz presente até mesmo em produções da Marvel. Completando 35 anos em 2021, o longa envelhece como vinho, ganhando cada vez mais nossa devoção.

Com um apelo à la Sessão da Tarde, Ferris Bueller’s Day Off conquistou seu lugar ao sol em meio ao grande fluxo de produções da década de 1980 por fugir, ainda que pouco, dos padrões até então estabelecidos como uma fórmula perfeita. Lançado no mesmo período que outros clássicos como Clube dos Cinco e A Garota de Rosa Shocking, o que torna a história da produção tão interessante é ser despretensiosa, transformando um dia na vida de seu protagonista numa grande aventura. Graças, é claro, a pitada cômica que Broderick brilhantemente acrescenta.

Seria fácil dizer que o grande mérito da produção está em seu elenco, que se mistura quase que com uma química mágica e sustenta a narrativa do início ao fim, prendendo nossa atenção. Mas, para além das estrelas que vemos em tela, como Jennifer Grey – mais conhecida por seu papel em Dirty Dancing –, outro ponto certeiro é a construção do roteiro do polêmico John Hughes. Dinâmico e objetivo, a história contada no longa não se preocupa em dar grandes explicações às suas excentricidades, mas sim, como seu próprio nome diz, em curtir os momentos que elas proporcionam.

Prova dessa construção é a famosa cena da parada, em que Bueller invade um carro alegórico em plena avenida e contagia a multidão cantando Twist and Shout dos Beatles. Não há muito o que explicar: ela é, por si só, um dos momentos de auge da narrativa simplesmente por sua diversão. Sem que se prenda a necessidade de seguir uma linha lógica e cronológica bem estruturada, o grande foco de Curtindo a Vida Adoidado é tornar escrachado o significado do pensamento filosófico de Carpe Diem.

O longa não foi o primeiro, e nem o último, a abordar o tema, sendo inclusive “concorrente” de outra produção lançada na mesma época e que trazia a mesma ideia: Sociedade dos Poetas Mortos (1989). Entretanto, o que faz o filme de John Hughes ser tão original nesse sentido é a forma como traz essa narrativa sem que se perca em um looping filosófico. Não são precisos incentivos ou explicações para as ações de seus protagonistas, há apenas uma necessidade latente de fazer o melhor uso possível de seu tempo, contagiando inclusive seus espectadores.

E se antes Curtindo a Vida Adoidado era divertido por si só, hoje, a experiência de ver o longa se torna ainda mais empolgante devido a sua transformação em uma caixa de easter eggs, apenas esperando para captarmos as referências. Isso pelo motivo de que frases marcantes do filme, bem como cenas inesquecíveis, não foram usadas uma, duas ou três vezes desde então, mas inúmeras, que até perdemos a conta. Seja com o Peter Parker de Tom Holland correndo entre as casas de seus vizinhos em Homem-Aranha: De Volta ao Lar, ou em Deadpool e sua cena pós-créditos que recria o final do aniversariante, o longa já ganhou o status de ícone fazendo suas ilustres aparições. 

Não só dessas menções que o filme dos anos 80 se faz presente. Ainda que muitas obras anteriores também explorassem a técnica da quebra da quarta parede, foi com Ferris Bueller que essa construção se mostrou emblemática e passou a ser mais recorrente, como em A Nova Onda do Imperador (2000) e A Grande Aposta (2015). Esse contato inclui o espectador dentro da trama, como se fossemos o confidente do personagem. Dessa forma, além de observarmos seu comportamento, temos acesso aos seus pensamentos sobre as situações em que ele se envolveu, transformando o filme em uma roda de conversa íntima entre amigos. 

O sucesso do filme gerou uma série spin-off, que começou a ser produzida em 1990. Com o nome de Ferris Bueller, nenhum dos atores originais fizeram parte desse projeto. A “menção honrosa” para a obra derivada seria, talvez, a presença de uma tímida Jennifer Aniston interpretando a irmã do protagonista. Entretanto, a atriz só viu a sorte bater-lhe à porta com Friends em 1994, uma vez que o seriado de Ferris foi cancelado contendo apenas 13 episódios. Além da falta de respaldo do público, o próprio John Hughes não aprovava que seu filme tivesse uma sequência. Obviamente, ele tinha toda a razão. 

Apesar dessa incógnita na história de Bueller, o longa de 1986 foi um acerto na vida do ator principal. Broderick não só recebeu uma indicação ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator em Comédia ou Musical por sua performance, mas também conseguiu um enorme impulso na carreira. Diferente de seus companheiros de elenco, ele fez parte de filmes de grande sucesso nos anos seguintes, como Tempo de Glória (1989) e o icônico Inspetor Bugiganga (1999). Fora que, é dono da voz original de Simba, em sua versão adulta nas três sequências animadas de Rei Leão, e do amigo de Barry Benson no filme Bee Movie. Em contraposição a isso, está o intérprete de Cameron (Alan Ruck) que, depois de Curtindo a Vida Adoidado, não fez mais algum papel relevante, ganhando destaque apenas com a chegada de Succession em 2019. 

Aliado a uma trilha sonora arrepiante, Curtindo a Vida Adoidado nos mostra a idealização de uma vida sem compromissos e responsabilidades. Com um toque jovial em meio ao cotidiano adulto (a nítida contraposição de personalidades de Ferris e Cameron), a trama dos anos 80 conclui que o divertimento acaba sendo uma dádiva. Posto que 35 anos já se passaram, a fórmula de sucesso de Hughes é impagável, bem como cenas de um desfile para dançar e gritar com toda a nossa alma.

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Júlia Paes de Arruda

Que a história de Karatê Kid é um marco da cultura dos anos 80, ninguém tem como negar. Dois anos depois do sucesso do primeiro filme, John G. Avildsen lança a continuação da aventura de Daniel LaRusso e seu sensei Miyagi, com um toque mais íntimo e mais carismático. Completando 35 anos, Karatê Kid II – A Hora da Verdade Continua é uma referência para muitos adolescentes e, particularmente, o mais especial de toda a série. 

O filme de 1986 começa retomando os acontecimentos do seu antecessor, desde o encontro de Daniel (Ralph Macchio) e Miyagi (Pat Morita) até o torneio de karatê em que o jovem derrotou Johnny (William Zabka) com o famoso golpe da garça. A nova produção também incluiu cenas descartadas da obra de 1984, mostrando o pós-campeonato em que Kreese (Martin Kove) se revolta com a vitória de LaRusso. Seis meses depois da competição, senhor Miyagi recebe uma carta sobre o estado de saúde de seu pai. Preocupado, arruma as malas para uma viagem à Okinawa. Daniel, tentando fugir de uma mudança para Fresno, o acompanha em busca de histórias sobre seu sensei e da aldeia em que vivia. 

Dessa vez, Karatê Kid II deixa um pouco de lado a relação de mestre-aluno e demonstra o lado pai e filho do relacionamento de Daniel e Miyagi. Abrindo sua intimidade, o sensei conta seus motivos de ter deixado Okinawa, acusado injustamente de ofender a honra de seu melhor amigo Sato (Danny Kamekona). Além disso, detalhes sobre sua infância na comunidade e sua ancestralidade são revelados, bem como a apresentação do grande amor da juventude, Yukie (Nobu McCarthy). 

A vida de LaRusso se torna segundo plano, mais como um complemento dos acontecimentos em Okinawa. A luta marcial ainda se faz presente já que, historicamente, a ilha foi o berço do karatê. Porém, os golpes acabam se tornando coadjuvantes. Permanecendo na jornada do herói, Miyagi continua a utilizar métodos lúdicos como bases para práticas de combate. Fora as estratégias de enceramento de carro e de pintura de cerca, é adicionado a técnica do tambor, o segredo de todo karatê Miyagi-doo. O den-den daiko é tradicionalmente japonês, muito usado em cerimônias religiosas e como brinquedo para as crianças. Assim como no primeiro filme, é o ataque vital para a vitória do garoto de Nova Jersey numa nova disputa. 

Daniel agora vive um amor de verão com Kumiko (Tamlyn Tomita), sobrinha de Yukie. De maneira muito inocente e espontânea, a conexão dos dois é tão inevitável que até mesmo uma cerimônia de chá foi realizada. Para compor ainda mais o romantismo das cenas, músicas calmas, fortemente associadas a rituais japoneses, conduzem uma carga teatral. Aliás, é impossível deixar de citar a obra prima que Peter Cetera compôs especialmente para, no original, The Karate Kid Part II. Um dos fundadores da banda Chicago, conhecida pelas letras poéticas, canta Glory of Love com emoção, essencial para desabrochar todo esse sentimento apaixonante. 

Recentemente, Karatê Kid voltou à moda com a chegada de Cobra Kai. A série, originalmente lançada pelo YouTube e posteriormente comprada pela Netflix, narra os fatos na visão de Johnny depois de mais de 30 anos dos acontecimentos do primeiro filme. A sensação nostálgica é fatal, carregada de easter-eggs e lembranças implacáveis para os mais aficionados. Contudo, é na sua terceira temporada que os eventos do segundo filme se chocam com o universo atual. 

No seriado, Daniel embarca a uma moderna Okinawa em busca de certa paz, e, quem sabe, respostas para seus sufocos. Lá, ele reencontra Kumiko, agora uma bailarina viajada e consagrada na carreira. Inclusive, é com ela que a memória de Pat Morita, falecido em 2005, se torna tocante. Lendo cartas que Miyagi havia enviado a Yukie, Daniel se emociona com as palavras de seu querido sensei, como se elas nunca tivessem sido desgastadas. É quase uma sensação de onipresença e o próprio público consegue sentir essa experiência, uma homenagem mais que comovente. 

Além de Kumiko, LaRusso reencontra o vilão de Karatê Kid II, Chozen (Yuji Okumoto). Violento, playboy e ignorante, o rapaz se acha o dono da razão por causa da herança de sua família. Já em 2021, ele parece ter deixado para trás o passado entre os caratecas, mesmo com uma pitada de rancor pairando no ar. Diferentemente do primeiro contato, Daniel aprende lições valiosas com o colega, imprescindíveis para sua volta aos Estados Unidos. 

Envolvente e apaixonante, Karatê Kid II – A Hora da Verdade Continua é o ápice da série Karatê Kid. Sendo o maior sucesso da franquia, mantém o frescor do primeiro filme, mas se torna infinitamente melhor que o terceiro. De volta às suas raízes, conseguimos destrinchar a personalidade de Miyagi e o quanto ela é primordial para estabelecer a face de Daniel LaRusso. Mesmo com sequências divertidas que nem todo mundo gosta e outras nem tão fiéis, a segunda parte continua a ser um ícone independentemente de 35 anos terem se passado. 

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Caroline Campos

O ano era 1986 e os Titãs estavam irados. O Brasil começava a limpar os pulmões da fuligem dos militares e respirar o ar fresco da democracia quando, em 25 de junho, Cabeça Dinossauro saiu do escuro dos esgotos para fazer barulho na cena musical brasileira e enterrar os fósseis caretas remanescentes dos anos de chumbo. Com 13 faixas, o terceiro álbum da banda que contava com Arnaldo Antunes, Nando Reis, Paulo Miklos, Branco Mello, Tony Bellotto, Sérgio Britto, Charles Gavin e Marcelo Fromer foi uma experiência verdadeiramente punk rock que gritou na cara do sistema capitalista e das instituições hipócritas daquela terra sem lei dos anos 80.

Depois de dois discos que não foram muito bem recebidos pelo público e da prisão de Tony Bellotto e Arnaldo Antunes por porte de heroína, o octeto estava desacreditado da própria carreira. Mal eles sabiam que, quando gravassem Cabeça Dinossauro, iriam atingir principalmente uma juventude descrente e sem perspectiva que passava pela crise econômica deixada de herança pelos militares. Tanto foi que o álbum se tornou o primeiro disco de ouro dos Titãs, batendo a marca de 250 mil cópias vendidas em um ano.

Mesmo que o Brasil já estivesse sob comando de José Sarney, Cabeça Dinossauro enfrentou obstáculos significativos por conta do teor de suas letras. A censura, que demorou muito para se descolar das entranhas institucionais, foi bater na porta da banda e tentar munir o lançamento do disco – tarde demais, já que o público havia mergulhado de cabeça na agressividade descontrolada dos paulistanos. O marketing reverso foi tão eficaz que os shows passaram a ficar lotados, as rádios optaram por pagar as multas estabelecidas pelas canções proibidas e os Titãs entraram definitivamente no quarteto sagrado do rock nacional.

A produção do registro ficou, pela primeira vez, a cargo de Liminha, ex-baixista dos Mutantes. O músico foi peça fundamental para traçar com precisão a sonoridade desejada pela banda, e não demorou muito para ser apadrinhado como o nono membro do grupo. Liminha laçou toda aquela confusão rebelde e converteu no que se tornou o Cabeça Dinossauro, que equilibra a própria raiva e o descontrole em uma coesão musical polêmica e deliciosa.

Os quase 39 minutos de som não deixam ninguém escapar; sobra para a polícia, para a Igreja, para as leis e até para os que não fazem nada. Toda aquela revolta, muito bem justificada no contexto em que o disco foi lançado, contagiou os que estavam de saco cheio do sistema e, literalmente, quebrou as casas de show por onde os oito marmanjos passaram destilando um caos hipnotizante.

Para quem esperava um pop família quando colocou a bolacha para rodar pela primeira vez, escutar Cabeça Dinossauro, a faixa de abertura que intitula o álbum, deve ter sido um choque e tanto. A percussão de Liminha e os três versos – cabeça dinossauro, pança de mamute, espírito de porco –, praticamente vomitados por Branco Mello, dão início a um manifesto sonoramente selvagem contrário à barbárie do capitalismo. Tirem as crianças da sala, pois o som titânico só estava começando.

A temática do disco é clara: estamos insatisfeitos e queremos berrar. Apesar de Aa uu manter a qualidade de sua antecessora, ela é mais passível de se dar uma bela respirada e aproveitar os vocais carismáticos de Sérgio Britto bradando sobre uma espécie de sujeito-máquina. O clipe da faixa ganhou uma exibição no Fantástico, que foi responsável por popularizá-la a ponto de virar até trilha sonora de novela da Globo.

No entanto, seguindo em frente, é preciso garantir que aquela tal respirada seja bem longa, pois o folêgo desaparece durante as canções seguintes. A que melhor exemplifica essa insanidade transgressora do momento é A face do destruidor, que levou embora o pulmão de Paulo Miklos. Localizada entre Porrada, de Arnaldo Antunes, e Estado violência, escrita por Charles Gavin, os 38 segundos da música beiram o incompreensível e com certeza geraram muito bate-cabeça nos shows do grupo oitentista.

Igreja e Polícia podem dividir o crédito quando se trata de polêmica. Enquanto a primeira, criação de Nando Reis, fazia um Arnaldo Antunes cristão e ofendido deixar os palcos pela crítica à religiosidade fingida, a anarquista Polícia de Tony Bellotto rememorava a arbitrariedade policial e a opressão exagerada ainda marcante no Brasil de Sarney. Hoje, essa canção é quase um hino contra os agentes da lei, que seguem deixando um rastro de sangue preto e pobre pelo caminho de suas botas.

Apesar das duas composições darem o que falar, é Bichos escrotos que rouba a cena underground. Com Miklos novamente nos vocais e Antunes, Reis e Britto nas entrelinhas, a faixa que datava 1982 já havia sido proibida de entrar em discos anteriores dos Titãs. Devidamente gravada e parte de Cabeça Dinossauro, foi a demanda absurda do público que fez as rádios pagarem a multa para tocá-la. Logo, um sonoro vão se fuder! ecoava na casa da família tradicional brasileira. De longe, a canção mais satisfatória do disco.

Depois de tanta porradaria, é até engraçado ouvir Família na voz melódica de Nando Reis. Beirando o reggae, a letra do cotidiano é o oposto do primitivismo impresso nas suas antecessoras. Ao lado da inconformada Tô cansado, que fechou o lado A do vinil, é a parte mais light dentre tanto nervosismo cantado. Claro que isso não influencia em absolutamente nada na qualidade do conceito de Cabeça Dinossauro – todo mundo que berra demais precisa parar para tomar um gole d’água. O álbum encontra seu lugar melhor ainda nas suas gravações mais tranquilas.

Assim como Bichos escrotos, Homem primata é, até hoje, um dos maiores sucessos do grupo. O capitalismo selvagem da selva de pedra paulistana ganhou um ritmo com guitarras marcantes e outro vocal de Britto. A letra, também engavetada, teve participação de Ciro Pessoa, que integrou a banda até 1983 e, infelizmente, faleceu depois de contrair covid-19 em 2020. Dívidas e O que, as duas com o dedo unânime de Arnaldo Antunes, finalizam os quarenta minutos de ira explosiva de uma das bandas mais importantes do nosso rock. A experiência acaba; a revolta, nem tanto.

Cabeça Dinossauro veio para chutar as portas da indústria musical brasileira e meter porrada nos dinossauros autoritários e vazios que se rastejavam pelo país. Como todo disco que entra para a história, sua atemporalidade é impressionante, principalmente se lembrarmos que os bichos escrotos decidiram sair dos esgotos de vez em 2018. Além disso, o disco de 1986 poderia ser facilmente trilha sonora do espectro político atual – tragicômico, eu sei. Independente, uma coisa é fato: putos da vida, os Titãs lançaram um clássico.

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Bruno Andrade

Nos círculos literários, os autores são geralmente mensurados por seus romances. O tempo demandado, a prosa, a estética, o intuito, tudo isso é levado em consideração. Mas diferente dos romances — e parafraseando Julio Cortázar —, os contos não vencem por pontos, e sim por nocaute. Mesmo sem nunca ter escrito um romance, Jorge Luis Borges figura na lista dos maiores escritores de todos os tempos. Falecido em 14 de junho de 1986, a morte do autor completa 35 anos.

Borges nasceu em 24 de agosto de 1899 — fato que permitiu ao escritor classificar-se como “um homem do século 19” —, em Buenos Aires. Antes de aprender o espanhol, foi alfabetizado em inglês. Começou sua carreira como poeta, publicando seu primeiro livro, Fervor de Buenos Aires, em 1923. Depois publicou ensaios e, mais tarde, em 1935, publicou sua primeira coleção de contos, História universal da infâmia. A obra que daria projeção internacional ao autor seria publicada em 1944, cujo nome não poderia ser mais apropriado: Ficções.

O título do livro já demanda interpretações. Sabe-se que, em literatura, a ficção não é sinônimo de mentira. Trata-se de um relato pessoal, muitas vezes realista, sobre determinados temas e assuntos que só expressam verdade dentro do texto. Portanto, desde o início, Borges anuncia que o livro não é um relato fidedigno, mas uma alusão à forma literária. A grandiosidade dos contos de Jorge Luis Borges está justamente na habilidade de transformar em fantástico — através dos gêneros narrativos — aquilo que nos passa despercebido. A ficção em Borges está fantasiada de veracidade.

A obra de Jorge Luis Borges é, atualmente, publicada pela editora Companhia das Letras, e os livros Ficções e O Aleph (outro livro importante em sua carreira) foram traduzidos por Davi Arrigucci Jr.. O livro é constituído por 16 contos, conhecidos pela profundidade filosófica, e divididos em duas partes. A primeira, O jardim de veredas que se bifurcam, foi publicada isoladamente em 1941. A segunda, Artifícios, era inédita até a publicação da coletânea em 1944. Os contos, embora distintos, oferecem certa coesão nos temas: espelhos, labirintos, memória, eternidade e o tempo. A perplexidade de Borges diante das ficções do imposto mundo real pode ser identificada logo no primeiro prólogo (Borges era conhecido por seus prólogos e chegou a publicar uma coletânea deles; Ficções possui dois), no qual escreve: “Desvario trabalhoso e empobrecedor o de compor vastos livros; o de espraiar em quinhentas páginas uma ideia cuja perfeita exposição oral cabe em poucos minutos”.

O argentino é considerado por muitos um autor pós-moderno, e, embora não se tenha clareza, uma das problemáticas da pós-modernidade é a suposição de que não existem novidades. Há certa sensação de que tudo foi criado, e, portanto, não há mais obras originais. Nesse ponto de vista, Jorge Luis Borges se aproveita da banal realidade cotidiana e enxerga nela o mítico, acrescentando à rotina características fantásticas. Entre as muitas realidades míticas presentes nos contos borgianos, Tlön, Uqbar, Orbis Tertius — primeiro conto da coletânea — questiona se algo realmente existe sem que alguém o perceba. No conto, Tlön é um mundo imaginário — encontrado por Borges em uma enciclopédia —, onde os habitantes reconhecem apenas o que é visível e negam qualquer realidade oculta. Mais do que um princípio religioso, o conto discute a percepção, pois, na obra do autor, a realidade possui uma essência onírica. 

Adolfo Bioy Casares, escritor e amigo de Borges, escreve no prólogo de Antologia da Literatura Fantástica (1940) — coletânea de contos fantásticos feita em colaboração com Silvina Ocampo e com o próprio Borges — que ele “criou um novo gênero literário, que partilha do ensaio e da ficção”. Desde suas primeiras publicações, o escritor impôs o desconcerto e a dúvida, nos fazendo questionar se a obra recém-lida é realmente uma ficção ou um ensaio literário. 

À moda de Hemingway, os contos de Ficções tem precisão milimétrica, como se fossem encaixados peça por peça. Em A Biblioteca de Babel, o autor apresenta um paradoxo. A linguagem é um instrumento universal, mas não pode resumir todas as experiências da vida, que, muitas vezes, dependem exclusivamente de nossas interpretações. A biblioteca nada mais é do que o universo, dado que, no conto, o mundo é concebido através dela. Os bibliotecários buscam alguém que consiga compreender todas as obras presentes na biblioteca, o que poderíamos enxergar como um deus. Se analisarmos pela teoria do filósofo Umberto Eco — que, inclusive, criou um personagem em O nome da rosa (1980) chamado Jorge de Burgos, em homenagem a Borges —, lembramos de seu conceito de obra aberta. Tendo como horizonte o Finnegans Wake, de James Joyce, Eco diz que a obra de arte contemporânea é aberta a interpretações, e seu conceito remete justamente à noção de infinitude do texto literário. A experiência literária está refém das experiências pessoais do leitor, e não pode conceber uma interpretação exata.

Em 1961, Borges venceu com Samuel Beckett o Prêmio Formentor de las Letras pela publicação de Ficções. Para o autor, esse foi o momento decisivo para sua fama internacional. Fato é que sua influência na literatura é inegável, criando, para alguns críticos, um momento de ruptura — um “antes e depois” de sua obra. O escritor chileno Roberto Bolaño disse, em entrevista, que seus livros derivam de “uma dívida eterna com Jorge Luis Borges e Julio Cortázar”. Para Gabriel García Marquez, vencedor do Prêmio Nobel de Literatura, a obra do autor o intimidava pela sua genialidade. O norte-americano David Foster Wallace também foi influenciado por Borges e chegou a resenhar para o The New York Times sua biografia. 

Outro grande admirador da obra borgiana foi o crítico norte-americano Harold Bloom, e escreveu que, no trabalho do argentino, “a perda foi sempre a ênfase criativa […]: só se pode perder aquilo que nunca se teve, é esse o refrão que se encontra ao longo de toda a sua obra”. Esse comentário faz alusão a cegueira de Borges — um dos fatores cruciais para entender a dimensão de seus contos —, que ocorreu gradualmente em decorrência de uma doença hereditária. Aos 55 anos já estava completamente cego, e as obras publicadas após a cegueira foram narradas pelo autor e transcritas pela mãe ou pela esposa, María Kodama. Em entrevista concedida a Roberto d’Ávila para a TV brasileira, um ano antes de morrer, Borges diz que ficar cego “é incômodo, mas sendo gradual não é trágico”. Na ocasião, o escritor completa dizendo que nasceu ficando cego, e perdeu completamente a visão quando aprendeu a enxergar.

Muitas vezes, os leitores se perdem no encanto dos temas abordados por Jorge Luis Borges, e deixa-se passar que sua prosa é considerada uma das melhores do século XX — mérito defensável através do tradutor. Como o autor aponta nos dois prólogos do livro, o foco está na maneira de narrar e em suas formas. Borges anuncia que O jardim de veredas que se bifurcam é um conto policial, bem como em Exame da obra de Herbert Quain encontram-se notas sobre um livro imaginário. Essa transição entre gêneros, muitas vezes dentro do mesmo conto, demonstra a maestria do autor.

Com mais de 75 anos desde sua publicação, Ficções ainda cativa e estimula diversos leitores por sua dimensão filosófica e construção concisa. A obra do autor — que chegou a influenciar Michel Foucault, conforme o próprio escreveu no prefácio de As palavras e as coisas (1966) — continua despertando curiosidade e estranheza. Borges apontou para os caminhos que se bifurcam, e nos ensinou a questionar todas as possibilidades — ele foi todos, e nenhum.

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Júlia Paes de Arruda

Brooklyn, 1986. Lionel Richie e Madonna bombavam nas rádios com seus grandes sucessos. Ronald Reagan era presidente dos Estados Unidos. Todos ainda estavam angustiados com a passagem do Cometa Halley. É nesse cenário que John Hughes aposta suas fichas em A Garota de Rosa Shocking, após o grande sucesso de Gatinhas e Gatões. Completando 35 anos, o filme continua a encantar pela fórmula carro-chefe do produtor, mesmo que seu método de trabalho seja muito duvidoso.

Sendo um dos primórdios dos clichês adolescentes, a história gira em torno de Andie (Molly Ringwald), uma jovem pobre que tem uma paixão por Blane (Andrew McCarthy), o garoto popular e rico da escola. Quando ele a convida para sair, os dois entram num relacionamento reprovado por seus amigos, principalmente por causa das diferenças sociais do casal. Inclusive, um dos mais próximos de Blane, Steff (James Spader), afirma que “se você se amarra em brega, não traz pro nosso grupo não” ao ver o melhor amigo se apaixonando pela “cafona”. A personagem de Molly é esforçada, independente, talentosa e esperta. Mas no fundo, como toda garota padrão dos filmes do gênero, sonha em encontrar seu príncipe encantado para acompanhá-la no emblemático baile de formatura. O conselho de amiga que eu dou para ela é CORRE!

É estranho notar que Andie não é estúpida o suficiente para se rebaixar e cair nos braços do típico nice guy Steff, até porque, como ela mesma diz, tem um bom gosto. Contudo, é inocente o bastante para se encantar por Blane, o cara lindo e nada carismático que, na verdade, parece mais o Sam Claflin em Branca de Neve e o Caçador – estando ali para preencher espaço. E, ainda por cima, tem o amigo stalker Duckie (Jon Cryer) que se iguala a uma pedra no sapato sem a dose sombria e extrema de Joe Goldberg. Pelo menos, seu papel serviu como alívio cômico.

John Hughes, grande nome dos filmes oitentistas, mantém a mesma fórmula da rivalidade entre populares e esquecidos, apoiada principalmente na diferença de classes sociais. Um dos seus maiores sucessos, O Clube do Cinco, maximiza essa rixa através dos estereótipos dos personagens: a patricinha e o atleta versus o nerd e os esquisitos.

Em A Garota de Rosa Shocking, esse antagonismo deriva da condição dos protagonistas. Andie se desdobra entre casa-escola-trabalho para se sustentar junto com seu pai, um homem deprimido e insatisfeito com o abandono da esposa. Blane é o cara que vive embaixo das asas dos pais ricos, cansado e desgostoso com a sua vida. Isso é bem nítido na própria caracterização dos personagens: enquanto ele veste roupas sob medida, ela reforma trajes e usa sapatos de segunda mão. A situação dela é mais evidente ainda na cena em que vai comprar um vestido de formatura e a vendedora a olha de cima a baixo, bem no estilo Uma Linda Mulher. 

Por causa disso, a relação entre Andie e Blane é rasa, sem química e nitidamente forçada. Isso é mais explícito nas cenas de beijo entre os atores, que não transmitem o sentimento que o momento permitia. Então, o que poderia se tornar marcante para o filme, acaba sendo constrangedor e esquisito. Essa sensação também é consequência da falta de encanto de Andrew McCarthy, o qual viveu um personagem que encontra em Andie um motivo para se afastar da monotonia que é sua vida. Por isso, a trama precisa se sustentar num triângulo amoroso. Ainda mais porque Duckie e Blane possuem personalidades totalmente opostas que chamam a atenção de Andie, mesmo que de modos diferentes.

Duckie é aquele tipo de pessoa que estabelece uma relação de amor e ódio com o público. Ao mesmo tempo que é irritante e infantil, é dono das cenas mais engraçadas do filme. A devoção por Andie é o que o prende à história, mas ele teria certo destaque de qualquer forma com suas frases autênticas e espontâneas, sem falar da performance dramática de Try a Little Tenderness. Imprevisivelmente, acaba se tornando o mais sensato do trio. Seu amadurecimento é implícito, mas perceptível. Mesmo aborrecido com o amor não correspondido, Duckie defende a amiga e aceita que ela ama Blane, mesmo ele tendo “um nome desses”.

É irônico pensar que o filme foi lançado nas vésperas do Dia Internacional da Mulher já que John Hughes tem um método de trabalho controverso em relação a performances femininas. Os primeiros minutos de A Garota de Rosa Shocking são de Andie se vestindo. Em um dos frames, a câmera acompanha a garota colocando uma meia calça. Em outro, o foco está na personagem abotoando uma saia por trás, deixando à mostra uma parte da sua lingerie. É perturbador pensar que essas cenas seriam necessárias para compor a caracterização da garota, ainda mais por se tratar de uma adolescente de apenas 18 anos.

A definição de Iona (Annie Potts) também é uma questão relevante, ainda que subliminar, sobre o olhar masculino tanto do roteiro de John Hughes quanto da direção de Howard Deutch. Iona é a dona da loja de discos onde Andie trabalha e, apesar de ser independente, ela sempre é mostrada com roupas escuras e cabelos bem diferentões, dando aquele ar de esquisita presente em muitos filmes do gênero. Chega a ser incômodo aos olhos quando ela aparece com o seu vestido de formatura rosa bebê.

No decorrer da narrativa, Iona se mostra muito instável no quesito de relacionamentos, transitando entre encontros ruins e pretendentes diferentes. Seu passado é também mencionado, deixando lúcido que até com homens casados ela se envolveu. O ponto é que, segundo o que o enredo dá a entender, a mulher não se sente plenamente feliz e completa com seu negócio, necessitando de um homem que a satisfaça. É isso que Hughes e Deutch entregam para o público.

Não é a primeira vez que o produtor é criticado por sua visão misógina. A própria Molly Ringwald escreveu sobre a cena de assédio em O Clube do Cinco, na qual sua personagem Claire é tocada de forma inapropriada – mesmo que o público não veja – quando seu parceiro de cena Bender (Judd Nelson) fica embaixo da mesa em que ela está sentada e espia por baixo da saia da jovem. Ela cita, ainda, uma situação em Gatinhas e Gatões, a qual Caroline (Haviland Morris) acorda de ressaca com alguém que ela não conhece e que dá a entender que ambos tiveram uma relação sexual. Não tem como negar as problemáticas envolvidas com o legado dos clássicos oitentistas.

Ainda assim, depois de 35 anos, A Garota de Rosa Shocking é um marco para os mais aficionados por clichês adolescentes. Sua dose de comédia e romance somado ao clima dos anos 80 é digna de um espaço na lista de filmes estilo Sessão da Tarde, que já traz um ar de nostalgia por si só. Além disso, Andie é uma personagem ícone que merece reconhecimento por sua personalidade marcante e empoderada, mesmo que seu vestido rosa não fosse usado nas quartas-feiras.

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Vitória Silva

Sábado, dia 24 de março, 1984

Há pouco mais de 36 anos, cinco adolescentes foram convocados para um sábado de detenção na escola. Entre eles, uma patricinha, um atleta, um nerd, uma esquisitona e um rebelde. Cinco jovens com cinco personalidades totalmente distintas, e mais coisas em comum do que eles poderiam imaginar.

O filme que conta essa história foi lançado somente em 1985, 35 anos atrás, e assinado pelo diretor e roteirista John Hughes. Dono de outras grandes produções oitentistas, como Gatinhas e Gatões e Curtindo a Vida Adoidado, o legado do cineasta se consolidou, de fato, com O Clube dos Cinco, que se tornou um clássico cult anos depois.

Claire (Molly Ringwald), Andrew (Emilio Estevez), Brian (Anthony Michael Hall), Allison (Ally Sheedy) e John (Judd Nelson). Todos destinados a cumprir um castigo escolar devido às suas atitudes. Além de passar o sábado na biblioteca da escola, eles tinham como principal punição escrever uma redação que refletisse sobre seus comportamentos individuais, com o tema: quem vocês pensam que são? E esse é o gancho que amarra The Breakfast Club do início ao final.

As personalidades e trejeitos de cada um dos cinco não foram escolhidos à toa, já que representam os estereótipos mais presentes em tramas adolescentes, e bem característicos da época. Ao colocar estudantes totalmente distintos em um filme de quase um cenário só, Hughes não buscou criar nenhuma narrativa extraordinária, e sim, uma produção baseada no diálogo e interações entre os personagens. O resultado disso é uma série de reflexões existenciais acerca da juventude. 

A trama é ambientada majoritariamente na biblioteca do colégio, onde eles tem que passar as horas de sua detenção em silêncio, apenas escrevendo a redação. A presença de John Bender é a grande responsável por movimentar a história. As provocações do valentão com cada um dos personagens instiga o diálogo entre eles e, aos poucos, vemos suas carcaças se desfazendo. Ao final do filme, o nerd e o atleta não possuem muitas diferenças para além de suas roupas e acessórios. 

O ambiente escolar é como uma selva. Ao adentrar aquele espaço, você já tem seu destino traçado apenas pela forma que anda, fala ou se veste. As famosas tribos se formam a partir de pessoas que encontram gostos em comum, ou que se forçam a encontrar. E é assim que a selvageria se inicia. De um lado, as patricinhas e os atletas, com boas condições financeiras, boas roupas e muitas festas. Do outro, os nerds e os esquisitões, aqueles que se recusam a entrar nos padrões estabelecidos, ou apenas não se encaixam mesmo, e acabam sendo deixados de lado.

O roteiro de Hughes estoura todas essas bolhas. De nada adiantam as aparências de cada um nos corredores da escola se, em suas casas, os problemas paternais que sofrem são os mesmos. A pressão para ignorar suas questões pessoais, a fim de não fugir do personagem a que eles mesmos se destinaram, cria jovens superficiais, em que a única preocupação é manter a sua reputação. 

O comportamento do Sr. Vernon (Paul Gleason), responsável por fiscalizar a detenção, é símbolo da dificuldade de se romper com os padrões que lhes são impostos. Como Brian Johnson afirma na redação “Você nos vê como você nos quer ver”. E essa máxima influencia não só o comportamento dos estudantes, mas também o de diversas autoridades no meio escolar, que tem como única resposta a punição para aqueles que não se enquadram no sistema estabelecido.

O Clube dos Cinco é uma narrativa sobre as pessoas que mostramos ser, para esconder quem realmente somos. Assim é colocado em uma de suas frases mais memoráveis “Somos todos bem bizarros, alguns de nós são apenas melhores em esconder isso”.  Por mais que falar sobre reputação escolar pareça um pouco batido nos dias atuais, é um roteiro que se encaixa perfeitamente quando vamos para o mundo das redes sociais. Hoje, os corredores da escola se ampliaram para o feed do Instagram. Talvez seja isso que o faça ser um filme tão aclamado e querido até mesmo pelos millennials, que se enxergam nas fraquezas de cada um dos membros do clube. 

No entanto, a trama não se mantém com um teor tão atemporal assim. Uma narrativa que tem como enfoque apenas dizer como os populares sofrem os mesmos problemas que os esquisitões acabou se tornando um tanto rasa, ainda mais em uma realidade que olha cada vez com mais seriedade para os problemas da juventude. Produções como Euphoria e Sex Education tem uma abordagem muito mais profunda e precisa quando se trata das questões adolescentes nos dias atuais, envolvendo não só as pressões escolares mas também as psicológicas. E, com todo respeito, dão uma aula em qualquer filme do Hughes. 

E este é somente um dos motivos para se dizer que O Clube dos Cinco envelheceu como leite. O comportamento completamente abusivo de John com Claire, que rendeu uma cena quase explícita de assédio, é algo que não cabe hoje em dia. Convenhamos, a temática do bad boy que vive às custas de perturbar os outros, e ainda consegue conquistar a mocinha, já se tornou mais que ultrapassada. 

O filme também possui uma contradição irreparável. Após uma longa narrativa que trata sobre a importância de ser quem você é, o destino da personagem Allison é, nada mais nada menos, que mudar toda a sua aparência para conquistar o atleta Andrew Clark. Algo que apenas evidencia um pensamento machista da época, que não foi possível de ser ofuscado nas entrelinhas do roteiro.

Não fosse por isso, O Clube dos Cinco talvez ainda se mantivesse como um clássico intocável, digno de atravessar gerações com seus ensinamentos. Nesse caso específico, um remake do filme pode ser algo bem defensável, a fim de adequar a obra para as questões da atualidade.

Talvez O Clube dos Cinco tenha ficado pequeno demais para a diversidade que nos abrange nos dias atuais. Mas, de certa forma, John Hughes precisou andar para que muitas tramas adolescentes pudessem correr. De nada seriam os filmes e séries que buscam se aprofundar no interior dos adolescentes se esses cinco jovens não tivessem se reunido naquele sábado de detenção. Cada um de nós continua sendo um nerd, um atleta, uma esquisitona, uma patricinha e um rebelde. 

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