Esther Chahin

Às ruínas de uma vila de beleza tocante no coração da Itália, o corpo de Eve se estilhaça no chão. Os planos de Villanelle (ou Oksana) de iniciar sua nova vida pacata ao lado da mulher que ama – se é que esse é o sentimento – se desfalecem. Por consequência, o olhar da assassina russa muda e, com isso, Polastri deixa de ser intocável. Esse é o terreno que a irreverente Emerald Fennell, principal showrunner da segunda temporada de Killing Eve, deixa para Suzanne Heathcote, quem a sucede no cargo. Em 2020, Jodie Comer e Sandra Oh se juntaram à Fiona Shaw (Carolyn Martens) e Kim Bodnia (Konstantin Vasiliev) e voltaram ao elenco da produção em uma nova leva de episódios que comemora o seu quinto aniversário em 2025.

Após dois anos pensados por verdadeiros expoentes do entretenimento britânico, as expectativas para o retorno da produção estavam altas. Aqui, o principal desafio dos roteiristas da obra é explicar a imensa quantidade de mistérios herdados que surgiam exageradamente na trama, bem como desenvolver relações as quais, naquele momento, pareciam destroçadas. Villanelle havia atirado em sua assim chamada “ex-namorada”, enquanto as decisões de Carolyn e Konstantin romperam com a confiança que nutriam junto à Eve e à serial killer apaixonada por moda. Daí, surge a questão: “como suceder uma narrativa cujos pilares já não estavam mais ali?” 

Pois bem, o desafio foi aceito. No episódio Devagar Se Vai Longe, que inaugura a temporada, os quatro protagonistas tentam seguir com suas vidas das formas mais inesperadas o possível, indo desde um casamento sáfico em uma província da Espanha, até New Malden, centro cultural coreano em Londres. Porém, assim como a última operação do MI6, tais tentativas nem se aproximaram do êxito. Agora, um grupo de personalidades estreantes no enredo renovam a atmosfera da produção enquanto a grande pergunta da vez tenta ser respondida: “quem matou Kenny?”. O novo enigma é o suficiente para reunir o quarteto novamente, embora a reunião fosse pouco provável. 

O surgimento de uma nova incógnita, entretanto, não parece o caminho certo a ser seguido na nova leva de episódios de Killing Eve. Ainda que o público, realmente, anseie para descobrir quem o matou, a quantidade de mistérios iniciados, mas insatisfatoriamente resolvidos, coloca em cheque o quão apropriado é iniciar mais um deles. Se no primeiro ano, a grande investigação que movia Eve Polastri girava em torno dos Twelve (Doze, em português), agora a eterna Cristina de Grey’s Anatomy se embaralha em múltiplas dúvidas sem que nenhuma delas seja respondida. Assim, a produção caiu na armadilha para reter a atenção do público, mas, quando se deu conta, transformou a narrativa em uma amálgama de problemas. 

Porém, se engana quem pensa que a grande aposta de Heathcote para terceira temporada de foi, apenas, o assassinato de Kenny. A showrunner da vez inovou na abordagem adotada pela série até então ao humanizar os personagens principais. Nos anos anteriores, a única preocupação dos quatro protagonistas aparentava ser o bom desempenho frente aos Doze – seja obedecendo-lhes ou os investigando. Dessa vez, os serviços prestados por Villanelle passam a atormentá-la, Eve deixa de negar seus sentimentos para com a serial killer, Konstantin teme pela própria vida e, surpreendentemente, Carolyn se vê acuada em ambas esferas, pessoal e profissional. 

Embora a humanização dos personagens seja inédita na trama, desde o começo a audiência já mostrava-se envolvida com eles – em especial, com a personagem interpretada por Jodie Comer. É indiscutível que um pouco de carisma, senso de humor e estilo foram o suficiente para transformar uma assassina em série com traços de psicopatia em uma grande queridinha do público. Tal favoritismo da protagonista fez com que um enorme parênteses fosse aberto dentro da terceira temporada para explorar suas origens. Ainda que a deixa parecesse, inicialmente, desnecessária e desconexa, Heathcote obteve êxito encaixando-a na narrativa e, de bônus, prestou um bom Fan Service (serviço para os fãs, em tradução literal). 

Inclusive, quando se fala no agrado aos fãs de Killing Eve, o romance implícito, mas latente, entre Eve e Villanelle não pode ser esquecido. No terceiro ano, a temática é perfeitamente explorada dentro da narrativa. A atração recíproca entre as personagens aparece nos momentos certos para que não se torne o centro da trama, mas, ainda assim, instigue os que torcem pelo casal atípico. O clímax de tal relação ocorre logo nos primeiros episódios, quando, após um embate físico, elas se beijam pela primeira vez na série. O inesperado, e que pode desagradar parte da audiência, é que a cena pouco altera a dinâmica da dupla: Oksana volta à Barcelona e o momento só é lembrado quando Polastri é presenteada com um bolo que referencia a ocasião – o qual arremessa pela janela. 

Presente ora nos enigmas pouco respondidos, ora na paixão secreta que as protagonistas nutrem mutuamente, o implícito é o grande cerne do enredo da série. A audiência consome a produção na expectativa de que o escondido seja, finalmente, escancarado. Por sua vez, o roteiro constantemente avança em direção a satisfazer tal desejo, mas recua pouco antes. No episódio que encerra a temporada, intitulado Você Conduz ou Eu?, a tentativa frustrada de Konstantin de fugir da Europa promete revelar mais informações sobre os Doze, enquanto Eve e Villanelle, pela primeira vez juntas e sem negar os próprios sentimentos, apontam para a tão esperada união entre ambas. 

No entanto, na iminência de atender as vontades do público de uma vez por todas, Heathcote desiste completamente. É assassinada a então maior fonte de informações sobre a organização criminosa que permeou todo o enredo e, para decepção da audiência, a dupla principal segue (literalmente) caminhos opostos em uma cena comovente que encerra a temporada. Dessa forma, a obra se coloca em um local arriscado: até que ponto os que a consomem estarão dispostos a sofrer tantas rupturas de expectativa? O risco assumido pelo roteiro junto ao seu desenvolvimento pouco produtivo fadou a série ao cancelamento logo após a quarta temporada, mas o fato não reduz seu brilhantismo. A produção reuniu personagens carismáticos, mesclando humor, suspense e amor lésbico. Com toda certeza, Killing Eve deixa saudades, e um sotaque russo na cabeça também. 

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Samuel Vinícius

Para os apaixonados por produções inspiradas em grandes figuras da realeza histórica, The Great enche os olhos e alegra corações. A série retrata, em meio a grandes bocados de ficção e liberdade poética, a história de Catarina, a Grande (Elle Fanning), a imperatriz Russa que exerceu seu reinado sob algumas influências iluministas, e do Rei Peter III (Nicholas Hoult), um Czar que não tem competência alguma para comandar um império, porém, não cede seu trono à amada esposa com facilidade, mesmo em meio a tentativas de assassinato de ambas as partes. 

A série original da Hulu teve sua terceira temporada lançada em 2023 e, no Brasil, os episódios foram disponibilizados na Lionsgate+ no final de Setembro. A comédia segue com a disputa entre a vontade impetuosa de Catherine de obter um reinado um pouco mais igualitário e menos violento, ao qual a Rússia de meados de 1762 estava subjugada. Porém, percalços aparecerem e a nova Imperatriz tem que guiar seu império pensando muito bem em sua razão e coração – o que não é muito fácil, tendo em vista as várias voltas que a monarca dá sem chegar a lugar nenhum. 

São muitas as adversidades que atrapalham a personagem de Elle Fanning de chegar em seu objetivo, já que Peter continua insistindo em deixar sua marca no Império Russo. Os personagens coadjuvantes são essenciais para manter a série engraçada, emocionante e dar um alívio desse embate real que às vezes pode se mostrar um pouco massante. Tia Elizabeth (Belinda Bromilow), com sua devassidade instigante, Lady Marial (Phoebe Fox), com seu marido que mais parece um filho, e Archie (Adam Godley), com sua depravação ameaçadora, garantem uma experiência nas telinhas cheia de reviravoltas e humor.

O criador da série é o mesmo impecável roteirista da obra cinematográfica A Favorita, Tony McNamara, que em The Great não perde sua essência e, mais uma vez, transpõe problemas vividos à flor da pele nos dias de hoje para a realidade russa do século XVIII. Ele expõe a soberania do poder dos mais ricos imperialistas, que buscam conquistar seus objetivos pessoais enquanto a sociedade, subjugada por suas decisões, sofre com as facetas da desigualdade e injustiça.

A série já foi destaque em várias premiações, como Globo de Ouro e Critics Choice Awards. Das 7 indicações ao Emmy em 2022, levou uma para casa, na categoria Melhor Figurino de Época em Série pelo episódio Seven Days. Em 2023, a série vai concorrer novamente pela categoria de Melhor Figurino de Época. Dessa vez pelo episódio Choose Your Weapon, e Sharon Long, figurinista que assina o projeto, já comentou em uma entrevista concedida à revista Claudia que tem parte da responsabilidade por “mantê-los em algum lugar do século 18”, tendo em vista que McNamara – que também é showrunner da série -,  não tem interesse em “uma série de época” mas, sim, em “contar sobre um período histórico”. Possibilitando o uso mais livre da criatividade para produção dos figurinos sem perder a essência da história.

Inclusive, o episódio indicado ao Emmy 2023 conta com um dos vestidos mais deslumbrantes e amados pela figurinista. Sobre ele, Long comentou que “nas telas não se percebe, mas era todo bordado com bichinhos e rendados”, revelando os detalhes minuciosamente pensados para criar um figurino que expressasse a delicadeza e cuidado que a realeza teve na confecção de suas peças. Além disso, esse jantar é extremamente importante para articulação de Catherine, onde ela encontraria dois embaixadores, um dos Estados Unidos e o outro britânico, que estão em um embate pela ajuda dos russos em relação ao movimento de independência americano. Nele, vemos o desdobramento de um dos primeiros embates da protagonista em sua empreitada para exercer seu domínio a favor da nação russa.

Nesse meio tempo, alguns antagonistas ganham força, tendo em vista a constante articulação para impedir a efetividade da gestão de Catherine. É o caso do ex-Rei da Suíça, Hugo (Freddie Fox), que tem uma atuação excepcional, usando facetas de dissimulação que nos fazem amar odiá-lo. O antigo monarca está buscando refúgio na Rússia e tenta desesperadamente persuadir Peter a ajudá-lo a reconquistar seu antigo reinado. Indo sempre contra instruções diretas da Rainha em relação ao controle das forças armadas, Hugo e sua esposa Tatyana (Florence Keith-Roach) prometem ajudar a colocar fogo no parquinho durante as reviravoltas e acontecimentos que inundam a temporada.

Para abrir espaço para mais narrativas, alguns personagens também tiveram que sair de cena e, talvez, Orlo (Sacha Dhawan) tenha sido uma das perdas mais dolorosas. Ainda mais, quando o personagem se mostrou uma peça chave para encabeçar os planos de Catherine ao longo das temporadas, e a ocasionalidade que levou nosso covarde e querido conselheiro da rainha foi um tanto chocante e irônica. Tendo em vista que ele já se sentia traído pela monarca, quando ela não matou Peter, apesar de toda sua crueldade nas temporadas anteriores, e agora estava dando-o a oportunidade de desfrutar um amor. No entanto, ele seguiu com sua sede de sangue em uma perseguição ao Czar Russo que levou, literalmente, a um tiro pela culatra. 

Já Elle Fanning tem se mostrado cada vez mais perspicaz e desenvolvida na interpretação da protagonista. A imperatriz vive um momento em que demonstrar sua força no poder é essencial, pois sua racionalidade sempre é colocada à prova pelos costumes ferrenhos da antiga Rússia. Por isso, incorporar um pouco da selvageria das pessoas ao seu redor foi um incremento que a atriz trouxe à personagem com naturalidade. Os gritos de “Huzzah!” e a tranquilidade ao quebrar as tacinhas de cristal nunca foram tão automáticos, tudo para transmitir a todos que agora Catherine é a mother fucking Imperatriz da Russia.

Porém, como nem tudo pode ser perfeito, a série enfrentou alguns problemas relacionados à audiência e foi – acredite se quiser – cancelada. Como há muito se vem discutindo, os streamings mantém os dados referentes às audiências sob sete chaves e ninguém sabe como é contabilizado o número de visualizações de conteúdo. Dessa maneira, a produção não se destacou para o ranking de 10 principais séries originais da plataforma e, seguindo a ideia de gerar mais lucros para a Hulu, foi cancelada, mesmo com o seu reconhecimento aclamado pela crítica e mais de 20 indicações a prêmios importantes da televisão internacional.

Deixando milhares de pontas soltas relacionadas ao prosseguimento do reinado de Catherine, principalmente após um evento catastrófico que atingiu a Coroa e uma artimanha sem nenhum juízo promovida pelo mais impuro arcebispo da corte Archie junto a Pugachev (Nicholas Hoult) que se juntam na aplicação de um plano para pressionar a Imperatriz. Porém, apesar de parte da decorrência dos fatos serem vinculados a história, nunca se saberemos como  os criadores da série pretendiam transmitir para o público a sequência de acontecimentos, que somente eles contaram até hoje com tanta diversão, conscientização e criatividade. 

Vale destacar que, mesmo com a série cancelada, as três temporadas completas disponíveis de The Great garantem muita diversão ao telespectador. A sátira envolve a todos do começo ao fim, transpondo aspectos de subdesenvolvimento social da atualidade à realidade russa de forma impactante. Mesmo se tratando de uma produção de comédia, os momentos nos quais se destaca a desigualdade de gênero e social são marcantes e de tirar o fôlego, fazendo o público refletir sobre o real progresso de nossa sociedade.

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Enrico Souto

Muita coisa mudou nos quatro anos que separam a segunda e a terceira temporada da aclamada e assustadoramente relevante série do multiartista Donald Glover. Hoje, vivemos em um mundo pós-This Is America, em que racismo nunca foi um assunto tão comentado, simultaneamente que, divididos por uma pandemia implacável e a eclosão de protestos contra a violência policial, as tensões raciais dos nossos tempos se transformaram e, sobretudo, se amplificaram. Dentro desse contexto caótico e indubitavelmente distinto de 2018, Atlanta inverte a lógica e, para transpor a realidade às telas, aguça o que a produção tem de mais fantasioso.

Apesar disso, a série chama a atenção há tempos – desde sua estreia em 2016 – por seus comentários sobre raça, fama e indústria musical. Não foi à toa a reação estarrecida quando a adaptação de Sr. e Sra. Smith para o Prime Video foi anunciada primariamente como uma parceria entre Glover e Phoebe Waller-Bridge. Tanto o seriado da FX quanto Fleabag foram lançados no mesmo ano, popularizando de vez o fenômeno moderno que cunhou-se como dramédia. É claro que takes tão ousados chamariam a atenção da Academia de Televisão e, desde 2017, Atlanta é destaque nas principais categorias de Comédia do Emmy.

Indicada 22 vezes por suas duas primeiras temporadas, o provável momento de maior brilho da obra na premiação foi em 2018, quando o episódio mais aclamado da série, Teddy Perkins, adentrou em cinco categorias entre principais e técnicas, incluindo Melhor Direção em Série de Comédia e Melhor Edição de Som – essa, que levou para casa. O detalhe é que, ao mesmo tempo, esse episódio se distingue completamente do formato convencional da série, transportando sua linguagem excêntrica e surrealista para o contexto do terror. O terceiro ano de Atlanta é intensamente influenciado pelo feedback positivo de Teddy Perkins e decide acentuar esse experimento à décima potência, elevando-o a todo o escopo do seriado e afastando-se ainda mais das convenções de suas fases anteriores.

O choque se inicia logo no primeiro episódio. Quem esperava ser introduzido às novas aventuras do astro do rap Paper Boi (Bryan Tyree Henry) e sua turma foi surpreendido ao ser levado para um cenário totalmente novo. Three Slaps, vencedora em Melhor Fotografia em Série de Meia Hora pelo trabalho de Christian Sprenger – um repeteco de sua vitória na mesma categoria por Teddy Perkins – é uma releitura do caso real de Devonte Hart, um garoto que, ao ser afastado da mãe pelo conselho tutelar, foi levado com seus irmãos para um casal de duas mulheres brancas, que eram negligentes e cometiam inúmeros abusos contra as crianças. O terror é a âncora do episódio, nos introduzindo à perturbadora residência das cuidadoras como se explorássemos os confins de uma casa mal-assombrada.

Entretanto, se a série reproduz o desfecho trágico desta ocorrência, quando as mães atiraram seu carro para um rio de um penhasco de 30 metros, com elas e os filhos dentro, Stephen Glover, irmão de Donald e roteirista do episódio, concede uma reparação. Loquareeous (Christopher Farrar), personagem inspirado em Devonte, tira as outras crianças do porta-malas e pula para fora do carro antes do pior ocorrer, conseguindo enfim voltar para casa. Three Slaps não tem conexão alguma com a narrativa original de Atlanta, com exceção da cena final, que mostra Earn Marks (Donald Glover) acordando em um quarto de hotel, como se tudo não passasse de um sonho ruim.

Esse não é um evento à parte. Para além de uma estrutura não linear, a terceira temporada intercala sua narrativa principal com uma série de episódios com fábulas isoladas, em uma espécie de antologia completamente independente. Essa escolha gera dois efeitos. Por um lado, isso dá total liberdade editorial para que os roteiristas possam explorar os temas e circunstâncias mais estapafúrdios possíveis, criando histórias relevantes e provocantes que jamais poderiam ser feitas em outra conjuntura. Por outro, toda escolha é uma renúncia e, nesse caso, a consistência da temporada foi sacrificada.

Talvez, por isso mesmo, sua recepção não tenha sido das mais unânimes. Não só a crítica especializada, o que se reflete nas apenas três citações de Atlanta no Emmy 2022, mas também grande parte do público se viu frustrado com a nova abordagem. O tempo de tela dos nossos personagens favoritos foi cortado pela metade e parte de seu progresso foi inevitavelmente perturbado graças a tais contos ‘desconexos’ que estão longe do interesse da audiência. Porém, engana-se quem pensa que estes episódios não dialogam com a storyline principal. Cada uma dessas temáticas conecta-se intimamente com o núcleo emocional da obra, contudo, alicerçada sob pontos de vista únicos.

E é então que nos deparamos com uma das escolhas mais controversas por parte dos criadores. Graças a esse acervo de fábulas, pela primeira vez, temos episódios de Atlanta protagonizados por personagens caucasianos. Verdade seja dita, a série furou a bolha e, nesses quatro anos de hiato, passou a abarcar uma audiência cada vez mais branca. Todavia, ao invés de ignorar esse fato, a mesa de roteiristas opta por abraçar a contradição e enfrentá-la diretamente. Esses capítulos colocam um espelho à frente dessa parcela do público, obrigando-nos a sair do conforto da impessoalidade e confrontar nossas próprias hipocrisias. Afinal, como pode uma pessoa branca, que se diz antirracista, continuar se beneficiando e operando a favor de uma hierarquia racial conscientemente genocida?

Esse questionamento, evidentemente, não está tão distante quanto parece da jornada de nossos protagonistas. Isso porque, desta vez, nos afastamos das locações em Atlanta e os acompanhamos pela primeira turnê internacional de Paper Boi pelo – extremamente branco – continente europeu. O sentimento de constante estranhamento e deslocamento dilata-se sobre um corpo social em que Earn, Alfred – nome real de Paper Boi – e Darius (Lakeith Stanfield) se vêem em ainda menor número, e que cultiva costumes excepcionalmente racistas. Não é à toa que o ano três de Atlanta reapresenta seu microuniverso enquanto desconstrói o Sinterklaas, tradição de final de ano da Holanda, semelhante ao Natal, mas que banaliza seu próprio imaginário racista ao naturalizar o uso do blackface – que Alfred, claro, não deixaria barato.

A escolha de retratar situações bizarras através de elementos da vida real ocorre porque o surrealismo da obra atua sobre outros tons. Se uma festa nacional baseada em um arquétipo racista, ou duas mães que colocam os próprios filhos adotivos para realizar trabalho infantil, parece insano, é porque é mesmo. Porém, o insano se revela ainda mais grave pela conexão desses cenários com o presente. Diferente dos ensaios de linguagem propostos por Twin Peaks, que visavam se afastar ao máximo do que entendemos como lógico, Twin Peaks com rappers aproxima-se de suas abstrações ao replicar nossa realidade material, denunciando o absurdo inerente às violências raciais. É o afrossurealismo em sua expressão mais pura.

A diferença é que, desta vez, o surreal ganha um aspecto metalinguístico. Há algo de muito estranho nesse lugar e, agora, os personagens sabem disso também – de tal forma que passam a questionar seu próprio papel naquele universo. Fato é que os protagonistas de Atlanta nunca estiveram tão diferentes – e tão instáveis. Paper Boi, por exemplo, introduzido na série como um aspirante a rapper que, apesar de angariar um viral, continuava no tráfico para sobreviver, finalmente encontrou a popularidade, sucesso e fortuna que procurava.

Porém, os problemas antigos são substituídos por novos ainda mais conflitantes. Alfred é incapaz de se relacionar e simpatizar com sua nova onda de fãs jovens e brancos. Ele torra seu dinheiro de olhos fechados em busca de um sentido que pensa ter perdido no decorrer de sua carreira. Assombrado por um bloqueio criativo, ele sequer consegue escrever músicas mais, enquanto é obrigado a vestir roupas e frequentar espaços que nem ao menos gosta. É como se, no processo para chegar ao topo, a fama tivesse feito permuta com sua liberdade. Se seus conflitos em temporadas anteriores eram cotidianos, dessa vez são sucedidos por dilemas sobre sua posição como artista na indústria musical e as implicações que essa posição acarreta. 

O episódio New Jazz destaca esses reveses e evidencia a ambiguidade de Paper Boi. Antes representado como sisudo, aqui ele é vulnerabilizado e colocado como mártir do nosso olhar. A câmera de Hiro Murai – indicado a Melhor Direção em Série de Comédia – se recusa a tirar o foco do protagonista, mesmo que isso signifique dispersar-se de momentos que julgaríamos mais pertinentes. Os efeitos da droga que Alfred consome com Darius nos primeiros minutos são traduzidos da maneira mais sóbria possível, encaçapando o estado cíclico de inadequação que o aterroriza por toda a temporada. Ava Grey, primeira atriz trans com papel de destaque em Atlanta, faz uma ponta como Lorraine, encarnando as inquietações de Alfred e revelando-se ser, no fim, uma alegorização de sua própria mãe. 

Enquanto Paper Boi lida com sua maior crise criativa, Earn nunca esteve melhor em sua carreira. Ao passo que, na primeira temporada, ele é retratado como um falido que descobre na súbita notoriedade do primo uma oportunidade de conseguir dinheiro rápido e melhorar de vida, mas frustrado por seu jeito desajeitado e sua incrível capacidade de fazer tudo sair do planejado, nesta terceira fase o personagem nunca esteve tão seguro, realizando seu papel como agente de Alfred com frieza e objetividade. Sua felicidade passa a ser a realização do rapper, o que o faz, em consequência, perder de vista a si mesmo. Earn fica tão mergulhado no trabalho que até sua presença como ponto focal da série se esvai, fazendo com que a indicação de Donald Glover em Melhor Ator em Série de Comédia soe somente como uma nota de rodapé.

Darius parece o único que se mantém fiel à sua persona de 2016. Lakeith Stanfield preserva seu exímio trabalho em materializar a completa falta de sustentáculo na realidade do personagem, que prossegue por sua busca pelo sentido da nossa existência, batendo na trave uma vez ou outra sobre viver dentro de uma obra ficcional. A função de Darius como reagente, veia cômica e suporte continua fundamental para a narrativa, e não é por acaso que ele é introduzido juntamente ao arco emocional de Vanessa (Zazie Beetz) que, mesmo após o fim da temporada, ainda é cheia de perguntas.

Ao que tudo indicava no fechamento da segunda temporada de Atlanta, Van – a ex-namorada de Earn, com o qual compartilha uma filha e um relacionamento disfuncional – ficaria em Atlanta durante a turnê do grupo pela Europa. No entanto, sem motivo aparente, ela deixa Lottie, a filha do casal, nos EUA e surge de supetão na Holanda para acompanhá-los pela viagem. Dali em diante, a presença da personagem é como a de um fantasma, fazendo aparições pontuais de episódio em episódio, geralmente tomando alguma atitude imprudente e sumindo logo em seguida. Earn tenta convencê-la a se abrir, mas ela insiste em manter distância. Para nós, como público, ela se torna praticamente irreconhecível.

Até que chegamos a season finale, que prometia responder o que Van andou fazendo este tempo todo. Porém, ao invés, somos apresentados a Tarrare, sua nova identidade francesa. Ela agora usa uma peruca curta, fala em um forte sotaque gaulês, transa e chantageia Alexander Skarsgard ao mesmo tempo, faz baguete de arma e vira cozinheira de um restaurante de mãos humanas. O episódio nos dispara uma sucessão de eventos cada vez mais bizarros e aleatórios, incitando tendenciosamente nossa suspensão de descrença para o ralo. É fácil deixar a história neste instante, presumir que descaracterizaram Van e a transformaram em uma sociopata. Todavia, Atlanta pede para que, assim como sua melhor amiga Candace (Adriyan Rae), acreditemos no seu potencial de redenção.

O ponto de virada ocorre quando a amiga, que presenciou cada um desses absurdos – tão chocada quanto nós –, questiona Van sobre as decorrências dessa nova fase: “e a Lottie? Onde ela se encaixa nisso tudo?”. A partir disso, a personagem abandona instantâneamente o forçado sotaque e libera todo o seu sentimento reprimido. Por fim, acobertada pela impetuosa camada de delírio, jazia somente uma indagação: “eu não sei quem eu sou”. Ela conteve por tanto tempo suas próprias vontades – seja por Earn, por Lottie ou por simples aprovação dos outros –, que acabou por tolher-se de sua própria identidade. Assim como Tarrare, soldado francês que, de tanta fome, se alimentava inclusive de carne humana, Van estava faminta por propósito e, em desespero, decidiu viver todas as experiências que se privou – e todas as possibilidades de si que perdeu – de uma só vez.

Prova-se, então, que a abordagem invulgar do seriado está longe de ser uma excepcionalidade, referente apenas aos episódios antológicos, mas sim um fragmento central da trama, que altera radicalmente seu status quo. Atlanta eleva o sarrafo da ousadia, brincando e manipulando com nossas concepções de tempo e realidade. Afinal de contas, a jornada de Van no episódio final teria de fato ocorrido ou seria fruto de sua imaginação? Seria possível que ela tivesse noivado e se tornado uma agiota francesa em poucas semanas? E Lorraine, em New Jazz, era ou não real? Teria Alfred realmente se aprisionado em um loop temporal devido aos efeitos de uma droga? Nenhuma dessas respostas importa. O que importa é como esses cenários inusitados são capazes de transpor os dilemas que rondam esses personagens. 

Porque, no fim das contas, todas as firulas narrativas e experimentos malucos com linguagem se reduzem a ferramentas de estudo de personagem, manifestando o que as correntes do realismo não são capazes de comunicar: um mergulho íntimo sob as emoções humanas mais profundas e complexas. Mesmo os contos isolados e estrutura desconexa da temporada agem em prol do arco dos personagens, espelhando suas crises existenciais e o estado de perdição que a viagem pela Europa escancarou. O argumento de que o desenvolvimento dos protagonistas foi abandonado já não vale mais.

Esta terceira temporada tinha uma árdua missão e uma ambiciosa pergunta para responder: o que sobra de Atlanta sem Atlanta? Sem as locações na cidade de Geórgia e, inclusive, sem Earn, Alfred e todos os outros personagens carismáticos que tanto aprendemos a gostar? Entre confusões e fervedouros, sua terceira fase mostrou que a essência da série está no poder de sua equipe criativa em transformar ensaios eremíticos em histórias instigantes e incisivamente sensíveis. De, explorando os afetos mais mundanos e pessoais, serem capazes de incorporar sublimemente debates sociais e raciais delicados, a partir de uma consciência coletiva vital. Com sua temporada final encaminhada ainda para este ano, a verdade é que Atlanta está mais Atlanta do que nunca.

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Ana Nóbrega

“Third time’s a Charm” (em português “a terceira vez é um charme”) é um ditado estadunidense que significa que quando algo é tentado pela terceira vez, o resultado com certeza vai ser sorte. A frase exemplifica com louvor a terceira temporada da série The Umbrella Academy, que chegou à Netflix no dia 22 de junho de 2022, trazendo consigo a volta dos irmãos Hargreeves e sua luta infinita contra o fim do mundo. 

A trama, dirigida por Steve Blackman, não trouxe nenhuma novidade no que se trata de enredo. Mesmo apresentando novos personagens e informações, o objetivo continua o mesmo: salvar o mundo de um fim iminente. Porém, o grupo não demonstra tanto ânimo em realizar essa tarefa, fator que causa abalo em alguns laços familiares, mas que também cria relações inesperadas.

Depois de voltar do passado, os integrantes da Umbrella Academy acreditam que finalmente podem descansar. Porém, nem tudo é o que parece. A família descobre que o  mundo em que eles cresceram não existe, e que seu pai, Sir Reginald Hargreeves (Colm Feore), ainda está vivo e adotou outras crianças. Como mostrado no final da segunda temporada de The Umbrella Academy, a Sparrow Academy substituiu o lugar da Umbrella Academy e, agora, o grupo de heróis originais está vivendo em uma realidade em que eles não existem da forma como são.

Quando a terceira temporada de The Umbrella Academy foi anunciada, o público ficou ansioso para conhecer os personagens que constituiriam a Sparrow Academy. Quem leu os gibis ficou intrigado com a ideia de conhecer o grupo de heróis, que mal foi apresentado nas HQs. No entanto, como toda a série com muitos personagens na trama principal, não é possível se apegar muito aos membros da Sparrow, até porque, alguns deles são tão rasos quanto uma piscina de criança.

Mas o que falta de profundidade na academia vizinha é encontrado em boa quantidade nos primeiros Hargreeves. Para acompanhar a trajetória do ator Elliot Page, que dá vida a Viktor Hargreeves, o seu personagem passa por uma transição, deixando a identidade de Vanya para trás, e assumindo quem ele sempre foi. A mudança do número sete é feita de forma natural e leve, o que causou certo agrado. A transição de Viktor é abordada com responsabilidade, não sendo nenhum problema para essa família disfuncional.

Allison (Emmy Raver-Lampman) também ganha protagonismo nessa temporada. Dessa vez, ela está presente para expressar um sentimento que deveria ser comum entre os irmãos: o cansaço de quem precisa salvar o mundo pela terceira vez. Depois de perder a guarda da filha e o seu grande amor – que ficou preso em um passado ao qual ela não pertence —, a ex-atriz finalmente solta as rédeas de seu autocontrole. Vivendo em um mundo onde sua filha nunca existiu, Allison Hargreeves desmonta como alguém que cansou de passar a vida toda sendo forte.

Para além disso, a relação familiar da Umbrella Academy se torna cada vez mais real conforme o mundo chega ao fim — pela terceira vez. Diego (David Castañeda) se encontra em um beco sem saída de paternidade, tendo que criar um filho inesperado com Lila (Ritu Arya); Luther (Tom Hopper) finalmente segue em frente de sua paixão incestuosa por Allison e encontra uma nova forma de amor; Klaus (Robert Sheehan) explora a relação problemática com o pai, Reginald Hargreeves, enquanto tenta descobrir mais sobre a sua mãe biológica; e Cinco (Aidan Gallagher) falha miseravelmente em tentar tirar umas férias de ‘salvar o planeta’.

Apesar do roteiro desenvolver um pouco mais da história de cada protagonista, ainda continua preso no mesmo modus operandi. Isso faz com que a trama se torne repetitiva e, em alguns momentos, um pouco previsível. A falha principal é tentar aprofundar a personalidade dos integrantes da Umbrella Academy e não saber equilibrar isso com o decorrer da trama. Por esse motivo, o público acaba a temporada cheio de suposições e perguntas que não foram respondidas. 

Mas a produção ainda consegue se safar de grandes furos de roteiro, como os que foram vistos na quarta temporada de Stranger Things, lançada um mês antes. As duas séries contam com um grande elenco e uma história cheia de personagens, porém, The Umbrella Academy consegue se livrar do sentimento de pressa. Ou seja, apesar do enredo repetitivo e dos diversos personagens, a história criada por Gerard Way e o brasileiro Gabriel Bá, apresenta certa fluidez e deixa o espectador ansioso por mais – mas não do mesmo. 

Para acertar nas próximas temporadas, The Umbrella Academy precisa fugir da trama do fim do mundo e começar a investir em pontos diferentes. Com o final apresentado no último episódio, os produtores precisam encontrar saídas para certos problemas, como o envelhecimento de Aidan Gallagher — isso porque a terceira temporada se passa apenas 28 dias após o fim da primeira, e o intérprete de Cinco já aparenta estar bem mais velho. Sem contar a existência do Hotel Oblivion em outra dimensão, a descendência alien de Reginald e o surgimento dos poderes da Umbrella, que são exemplos que permanecem sem explicação. 

Com a faca e o queijo na mão, tudo que a equipe de produção precisa é inovar no que vem por aí. Como o gibi de Umbrella Academy ainda não tem uma atualização, afinal a terceira HQ, de 12 de junho de 2019, foi a última a ser publicada além do spin-off focado na vida de Klaus, os roteiristas precisam encontrar uma forma de guiar a história sem seguir o mesmo caminho pela quarta vez. Além disso, o desenrolar do terceiro ano abre porta para diversas possibilidades e enredos que fogem do ciclo infinito de ‘tentar sair da caverna do dragão’.

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Jamily Rigonatto

Em 2018, as primeiras fotos das gravações de Titãs foram divulgadas e a impressão inicial deixou a sensação que a produção viria com data de validade. A série live-action propôs mostrar uma nova face do famoso grupo de super-heróis e os desvincular da imagem juvenil e imatura das animações. Abandonando o formato cômico e desaforado de algumas franquias do DC Universe, como é o caso de Esquadrão Suicida e Aves de Rapina, Titans planejava se ancorar em um tom mais agressivo e noturno. Agora, a obra audiovisual chega ao seu (improvável) terceiro ano com um enredo repleto de pontas soltas e decepções. 

Com Greg Walker como produtor, os treze episódios da terceira temporada, que passaram a ser parte do catálogo do HBO Max nos Estados Unidos, finalmente chegaram ao Brasil pela Netflix, quatro meses depois da estreia oficial. No novo ponto da narrativa, os personagens mudam de cenário e abandonam a progressista e tecnológica cidade de São Francisco, para adentrar a atmosfera insana e desorganizada de Gotham. Em uma investida ousada e arriscada, a direção escolhe referenciar uma das histórias em quadrinhos mais aclamadas pelos fãs da DC Comics: o livro de 1988, Batman: Morte em Família.    

Depois de cair em uma armadilha projetada pela mente cheia de devaneios do infame Coringa, Jason Todd (Curran Walters) passa dos limites e enfrenta o vilão em uma batalha letal. O fim trágico do jovem aflora sentimentos de vingança em Bruce Wayne (Iain Glen), que acaba cedendo a seus impulsos e traindo suas convicções. Afundado em meio a própria contradição, o Homem-Morcego vai embora e deixa para trás uma vilania descontrolada, colocando Gotham em um perigo maior que o de costume, em pouco tempo. Assim, movidos pela dor de perder um amigo e pelo instinto de salvar o dia, os Titãs deixam sua sede em direção à cidade do crime.

Para a surpresa dos heróis, o responsável pela onda de violência é ninguém menos que Capuz Vermelho, a versão destemida de Jason. Após ser afetado pela droga sem medo e ressuscitar com a ajuda de Jonathan Crane/Espantalho (Vincent Kartheiser), o menino prodígio retorna sob o pseudônimo e os dois começam a trabalhar em conjunto. Em um movimento pouco satisfatório, a série introduz um antagonista fraco e o personagem acaba sendo bastante limitado pelas ordens e planos de Crane. Dessa forma, o arco de Todd fica concentrado nas questões psicológicas e morais, colocando-o em uma corda bamba entre o bem e o mal em boa parte dos episódios. 

Entre as particularidades que sustentam o roteiro, é colocado em evidência um ponto anteriormente abordado em outras temporadas: os Titãs não são o Batman. Na tentativa de reafirmar a distância entre as atitudes dos heróis e as de Wayne, a história traz um Dick Grayson/Asa Noturna (Brenton Thwaites) ainda apegado demais ao seu passado como Robin. Assim, o vigilante não precisa sequer de tempo de tela para ser semelhante a um fantasma assombrando a narrativa por mais tempo que deveria. Entretanto, o sucesso que os Titãs alcançam ao impedir o colapso da cidade contrariando o que o Cavaleiro das Trevas faria, causa esperanças de que essa seja uma espécie de emancipação dos personagens e que a presença – física ou não – do herói seja reduzida na próxima temporada.

Outro aspecto do enredo são as problemáticas dos Titãs, exploradas de uma forma individualizada. Contrariando a ideia dos anos iniciais e a necessidade de fazer tudo em equipe, eles passam boa parte da trama separados e encaram questões mais particulares. Essa forma de conduzir a série abre um grande leque de informações, muitas vezes mal abordadas. Ao acompanhar os múltiplos caminhos da narrativa, qualquer resquício de linearidade é perdido. Além disso, o pouco tempo para investir nos arcos acaba resultando em furos de roteiro e trazendo desenvolvimentos que não chegam a lugar algum. 

A relação entre Estelar (Anna Diop) e Estrela Negra (Damaris Lewis), por exemplo, fica em uma posição em que é trabalhada, mas termina sem um bom desfecho. Apesar das atuações das atrizes serem muito cativantes e construírem figuras carismáticas, as irmãs, que prometiam grandes contraposições e uma forte rivalidade, acabaram reduzidas a picuinhas e imaturidade. Ainda, a necessidade de impedir o andamento dos planos do Espantalho joga para escanteio as dificuldades entre as duas. O namoro de Komand’r e Conner Kent (Joshua Orpin) também poderia não ter sido retratado nesse momento: fora a falta de química que rodeia as cenas protagonizadas pelos dois, o Superboy tem obstáculos com a utilização de seus poderes, grandes demais para darem espaço ao relacionamento.

Entre os significativos acertos da terceira temporada de Titãs, está a introdução de Barbara Gordon. Em seu novo desenvolvimento para a televisão, Barbara, vivida por Savannah Welch, aparece usando a cadeira de rodas e ocupando o lugar do pai, o Comissário Jim Gordon, como comandante do departamento policial de Gotham. A intérprete faz um trabalho excelente e remonta a personagem com toda a inteligência e perspicácia que ela merece. Outra boa escolha da direção foi resgatar das HQs o relacionamento dela com Dick: as interações entre os dois geram cenas ótimas e trazem à tona as desconfianças que a Comissária carrega em relação às motivações dos super-heróis.

Como era de se esperar, o potencial de Gar Logan (Ryan Potter), o Mutano, é desperdiçado novamente. O personagem, um dos Titãs mais importantes dentro do universo da DC, na série, ganha um ar de alívio cômico que o faz parecer mais com um enfeite simpático. Em três temporadas, o desenvolvimento dos seus poderes é tão sutil e lento que chega a ser medíocre, nos fazendo duvidar da sua relevância para a narrativa. Dessa forma, em muitos momentos, o herói parece estar ali apenas como um apoio para os outros, alguém que aparece em ocasiões oportunas.

Infelizmente, Rachel (Teagan Croft), ou Ravena, como é mais conhecida, não fica em uma posição tão melhor, com pouquíssimas cenas durante a temporada. A heroína teve um grande enfoque no primeiro ano da produção e provocou diversas expectativas diante das inúmeras possibilidades permitidas por seus poderes. Entretanto, o roteiro de Titãs parece prezar pela conveniência de ter muitas cenas de ação, baseadas em lutas corpo a corpo, e faz com que a extensão da magia de Rachel seja pouco explorada. Ao menos, os sentimentos entre Ravena e Gar não passaram despercebidos e, agora, vemos um desdobramento mais estável da relação dos dois. 

Quanto ao Espantalho, este perdeu muito da personalidade desprezível, dando lugar a um vilão absolutamente previsível. Usando do velho suspense dos amadores que alertam os heróis antes de agir, a série perdeu a oportunidade de colocá-lo como um adversário brutal, que daria origem a frames de ação fascinantes e entregaria a chance que os Titãs precisam para realmente se destacarem. Em alguns momentos, as adaptações feitas para o personagem parecem atribuir elementos característicos de outros antagonistas, como os enigmas do próprio Coringa, para moldá-lo, algo semelhante ao que aconteceu com o Exterminador no ano anterior da produção.

Por outro lado, entre tantos personagens pouco aproveitados, temos Jay Lycurgo interpretando Tim Drake. Esbanjando personalidade, esperteza, eficiência e nenhuma arrogância, o ator conseguiu conceber a melhor figura da terceira temporada. Com uma história carregada de adversidades, Drake traz leveza, sem abandonar a profundidade, e é exatamente o sopro de ar fresco que a série precisava. 

Uma das gratas surpresas da temporada, porém, é a melhora nos efeitos especiais: as cenas, antes extremamente artificiais, agora aparecem com mais naturalidade e são bem mais convincentes. Os cenários também ganham sua parcela de realismo e compõem o ar sombrio e pesado de Gotham com exatidão. Com a falta de luminosidade e a presença de muitas construções acinzentadas e destruídas, a atmosfera da cidade passa as sensações de angústia e apreensão necessárias. Além disso, a fotografia em tons frios, dirigida por Boris Mojsovski, completa o retrato obscuro da trama. 

Mesmo passando por altos e baixos – mais baixos que altos – o terceiro ano de Titãs conseguiu ser o melhor da produção até o momento. A quarta temporada já recebeu sua confirmação e levanta expectativas quanto aos próximos passos que irá tomar. O retorno de Tim Drake como o novo Robin é um dos momentos mais aguardados pelo público, assim como (espera-se) Barbara Gordon assumindo a identidade de Oráculo e a divisão do foco da série entre São Francisco e Gotham, para acompanhar o movimento de todos os heróis. 

Ao fim, Titãs é o tipo de produção que tem bons personagens, bons vilões, bons flashbacks e elementos suficientes para construir uma história incrível. Todavia, seu erro está na energia que desperdiça tentando segurar mais do que pode. Uma narrativa mais objetiva, em que todos os heróis tivessem tempo o bastante para ganharem desenvolvimentos com começo, meio e fim, traria resultados mais eficazes e completos. Ainda assim, vale a pena dar uma chance e assistir a trama. Para quem espera algo que adapta bem os quadrinhos originais, porém, essa com certeza não é a série que cumpre os requisitos.

Titãs ainda parece ter medo de ousar em criar um roteiro verdadeiramente marcante. Enquanto isso, joga fora um enredo heróico por possibilidades medianas. A próxima temporada precisará de muitos ajustes e um trabalho atento para resolver os contratempos amontoados até agora, mas não é exatamente um trabalho impossível. Nos resta esperar que os produtores da série percebam o grande potencial que têm em mãos e, finalmente, encontrem a dose de equilíbrio entre melancolia, dinamismo e heroísmo. 

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Guilherme Veiga

Feche as cortinas, esconda as cabeças de alho e cubra os crucifixos. Os vampiros mais excêntricos de Staten Island pedem permissão para entrar em sua casa mais uma vez. Depois de uma grande aceitação da crítica, que rendeu oito indicações ao Emmy no segundo ano, a série retorna para dar continuidade à trama, além de expandir o universo criado em 2014 por Taika Waititi e Jemaine Clement com o filme homônimo.

Em um período de indecisão quanto ao gênero de comédia na TV com os fins de grandes produções como Modern Family e The Good Place, e de queridinhas da crítica que vão de Fleabag à Schitt’s Creek, WWDITS figura na forma de um respiro para o segmento, ao lado de novas surpresas dessa entressafra como, por exemplo, Ted Lasso. Sendo uma das poucas que ainda funciona no formato de falso-documentário, a obra prova que tal escopo ainda está estabelecido no mercado, além de se consolidar como uma das melhores comédias da atualidade.

A ideia surgiu em 2005, mesmo ano da versão americana de The Office, que revolucionou o formato. Porém, as brilhantes mentes de Taika e Jemaine — que atuam como produtores, roteiristas e diretores do programa — vão além. Se o dia a dia da Dunder Mifflin arranca risos de um ambiente monótono que até então nunca poderia ser imaginado, o documentário vampiresco tira sarro de todo um braço literário que se firmou ao longo de décadas e que era difícil de pensar algo fora da curva. Para isso, Taika conta com seu dom de produzir sátiras de universos intocáveis (o que lhe rendeu o Oscar de Roteiro Adaptado por Jojo Rabbit), fazendo com que cada obra sua seja esse ponto fora da curva. E, com as duas versões de What We Do in the Shadows, isso não é diferente.

Diferente do que diz a cativante música de abertura, os vampiros vêm para o terceiro ano mais vivos do que nunca e um pouco mais inseridos nesse mundo. Os anos anteriores trabalharam muito bem o choque de realidade entre os dois mundos. Agora, eles já têm certa familiaridade com tal realidade, e a piada, muitas vezes, está no estranhamento que nos causa ao ver eles realizando atividades banais, incluindo malhar, pedir para o amigo flertar no seu lugar ou apostar em uma máquina caça-níquel temática de The Big Bang Theory. 

A trama começa pouco depois dos eventos do final da segunda temporada. Guillermo (Harvey Guillén) aceita sua sina após o massacre do conselho vampírico e tenta se emplacar como guarda costas dos vampiros. Já Nandor, o Implacável (Kayvan Novak), e Nadja (Natasia Demetriou), no melhor estilo de “se não tem tu, vai tu mesmo”, sobram na diretoria do burocrático conselho, enquanto Lazlo (Matt Berry) liga o foda-se para a liturgia do cargo e vai viver uma amizade inesperada com o Colin Robinson de Mark Proksch (The Office, Better Call Saul). O terceiro ano ainda conta com a participação secundária de Kristen Schaal (The Last Man On Earth, BoJack Horseman) como A Guia que veio de brinde com o conselho, além da volta de Doug Jones (A Forma da Água, O Labirinto do Fauno) como O Barão (ou o que restou dele).

Definitivamente mais pop, a série opta por expandir o cosmo do qual caçoa, ampliando ainda mais o universo vampiresco e inserindo outras criaturas fantasiosas na trama, zoando com lobisomens, gárgulas e sereias. Além dessa expansão, a produção busca satirizar — e ao mesmo tempo homenagear — o audiovisual como um todo. Os 10 episódios são uma metralhadora de referências, que vão desde um episódio inteiro baseado em Onze Homens e um Segredo até cenas em homenagem a obra-mor do imaginário vampírico, vulgo a do jogo de baseball em Crepúsculo.

Mas não pense que a série se trata de apenas um amálgama de easter eggs, como foram os besteiróis mais duvidosos dos anos 2000. Pelo contrário, e isso é mérito total do roteiro. Tudo é muito bem encaixado para que as piadas sejam mais afiadas que uma estaca de madeira. E isso nos dá momentos ímpares, dentre eles a menção direta à The Office vinda pontualmente por um ex-ator do show ou até mesmo uma piada sobre peido que se encaixa totalmente com o arco de Colin Robinson (dá vontade né, Adam Sandler?).

Para que o roteiro funcione, é necessário uma entrega por parte do elenco. E, nessa temporada, os cinco personagens principais estão em seu auge. Todos abraçaram totalmente o ridículo que a premissa propõe. Por isso, What We Do in the Shadows ousou em alterar o status quo que vinha dando certo nos anos anteriores e bagunçar totalmente a dinâmica do grupo. Gizmo está mais independente em seu arco de personagem. O sexualmente pomposo e extravagante casal Nadja e Lazlo (a.k.a. Jackie Daytona) está um pouco afastado: ela cuida dos trâmites do conselho vampírico ao lado de Nandor, enquanto ele beira o bromance ao ajudar Colin Robinson na sua busca por origens.

A série, que ficou famosa por suas participações especiais — Tilda Swinton na primeira temporada e Mark Hammil na segunda são algumas das caras conhecidas —, dessa vez, economiza em nomes. Dentre eles, Donal Logue no papel de… Donal Logue, que se apaixonou pela mitologia dos vampiros após atuar em Blade, e David Cross (Arrested Development), que está irreconhecível como Dominicas, o Terrível. Mas, sinceramente, a sinergia dos atores principais e o cuidado com o roteiro fazem com que as participações sejam apenas uma cereja em um delicioso bolo molhado com sangue.

O formato do streaming definitivamente ajudou What We Do in the Shadows. Enquanto as sitcoms da Era de Ouro da comédia na TV precisavam rebolar para entregar algo na média de 22 episódios, a leva de 10 capítulos auxilia muito o programa. Com isso, a história é mais fácil de ser desenvolvida, e um dos trunfos da série —  que é o contato deles com a vida mundana — não se desgasta, além das tramas secundárias convergirem facilmente a um ponto comum da principal.

Outro fator que a beneficia é o tempo em que vivemos. Gravada em Toronto durante a pandemia de covid-19, a produção decidiu não abordá-la em seu terceiro ano (diferente da temporada final de Brooklyn Nine-Nine por exemplo). Por mais anacrônico que isso soe, tal decisão se prova acertada. Além de funcionar como uma perfeita válvula de escape, mostrar personagens que estão se acostumando com nosso mundo, ao mesmo tempo em que nós mesmos estamos nos adaptando novamente a essa realidade, ressalta a inteligência e o timing da escrita, e catapulta a identificação que estamos nutrindo com seres tão diferentes.

Em um universo grande de sitcoms, é fácil ficar na mediocridade e se acomodar no segmento. E é exatamente esse o diferencial de What We Do in the Shadows: ela faz questão de bagunçar a ordem das coisas. O ridículo é o que rege o programa. Ela não está nem um pouco interessada em se levar a sério, até porque as únicas pessoas que a levam a sério são os próprios vampiros. Isso dá margem para que se possa brincar com absolutamente tudo, o que pode ser visto, por exemplo, no último episódio, que gira em torno de um clichê das séries de comédia: as despedidas. Os mais desavisados, que não tem conhecimento da já encomendada quarta temporada, passam metade dele achando que aquilo é um decente e precoce series finale.

A trama é a que talvez mais se aproxima da loucura de Community. Porém, o show de Dan Harmon não negava seu caráter totalmente experimental e caótico para a época, enquanto aqui há mais noção do que está sendo feito, e mais sutileza na forma de como é feito. A série do FX apresenta mais consciência ao homenagear o audiovisual, ao mesmo tempo que brinca com ele. Provavelmente, Abed adoraria What We Do in the Shadows.

As sitcoms que a inspiraram andaram para que WWDITS pudesse voar, é fato. Porém, a cada ano do show, é mais evidente que ela definitivamente — e ironicamente —  merece seu lugar ao sol. Não por reinventar a comédia ou por revolucionar a TV, mas por não ter vergonha de ser ela mesma: ridícula, inteligente e atraente do jeito que é. Mas, em um momento de escassez do gênero, é notável sua contribuição ao mostrar que, assim como o rock de Elvis, o segmento não morreu, no máximo ele está escondido no porão de algum vampiro.

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Laís David

Com centenas de lançamentos por mês, é cada vez mais fatigante encontrar uma série adolescente interessante na Netflix. De clichês entediantes até os cancelamentos iminentes, a plataforma luta para conversar com esse público da maneira correta. Um dos maiores acertos dos últimos anos, no entanto, foi a excelentíssima Sex Education. Com sua despretensiosa narrativa teen e complexa gama de personagens, a obra conseguiu conquistar seu espaço na lista de melhores produções do streaming e, em 2021, entrega sua terceira temporada com ainda mais encanto.

Se as duas primeiras temporadas de Sex Education representam a introdução ao universo divertidíssimo de Otis (Asa Butterfield), Maeve (Emma Mackey) e Eric (Ncuti Gatwa), a terceira dá espaço a todos os outros personagens de forma igualitária e conexa. O início do primeiro episódio nos traz de volta ao infame colégio de Moordale, agora conhecido nacionalmente como Escola do Sexo. A célebre clínica sexual de Otis e Maeve e o inquietante surto de clamídia na escola causaram um escândalo midiático, que, como sempre, desagradou os superiores do local.

É aí que o problema começa: na tentativa de reverter a reputação da instituição, os investidores de Moordale resolvem demitir o irascível Michael Groff (Alistair Petrie) e contratam uma nova diretora para substituí-lo. Apresentada inicialmente como uma líder feminista e intuitiva, Hope Haddon (Jemima Kirke) tenta convencer os jovens a se renderem a regras milenares com sua personalidade jovial e leviana.

Em poucos momentos, já é possível enxergar as verdadeiras cores da diretora. Hope se revela uma mulher racista, homofóbica e preconceituosa. Seja ao assumir que Adam Groff (Connor Swindells) era o líder estudantil apenas por ser branco ou ao reprimir a individualidade dos alunos do colégio, as microagressões de Hope nos fazem até sentir falta do carrasco Michael Groff. Quem diria que Sex Education conseguiria captar as nuances problemáticas do feminismo branco de forma tão simples?

A terceira temporada de Sex Education também introduziu Cal, a primeira personagem não-binárie da série. Cal (Dua Saleh) é artística, liberal e independente. Seu romance com Jackson Marchetti (Kedar Williams-Stirling) trata de dúvidas importantes sobre pronomes, gênero e orientação sexual de maneira leve e delicada. É raro encontrar representações tão justas e respeitosas na mídia, e a série acertou em cheio. Outro momento enternecedor da temporada é a cena íntima entre Maeve e Isaac (George Robinson): narrativas que retratam pessoas com deficiência como sexualmente ativas são quase inexistentes, e a equipe de roteiristas repara esse histórico com cuidado e compostura.

O impacto do abuso sexual em Aimee (Aimee Lou Wood) também é formosamente trabalhado ao longo dos oito episódios. Longe de reduzir a personagem a seu agressor ou apagar o problema de sua existência, Sex Education dialoga com as consequências psicológicas de um assédio e também prova que, no final do dia, Aimee é muito mais do que seu trauma.

Os episódios também serviram para desenrolar excelentes tramas que não tinham tanto espaço no passado. O verdadeiro destaque da temporada vai para Ruby (Mimi Keene), que desconstrói o arquétipo de Queen Bee da melhor forma possível. Sua perversidade unilateral nunca a representou por completo; pelo contrário, sua identidade fascinante finalmente teve tempo de ser desenvolvida. Impossível não se emocionar ao ver a jovem se declarar para Otis, para, então, ser rejeitada. 

Se Eric foi o grande destaque das primeiras duas temporadas, aqui ele fica de escanteio. No entanto, sua narrativa não deixa de ser cativante: a viagem familiar de sua família até a Nigéria reflete muito bem sua necessidade de liberdade, atributo que seu atual relacionamento não tem nada. A dualidade entre a recente descoberta da bissexualidade de Adam e a extensa experiência e aceitação de Eric como homem homossexual é deslumbrante, e, ao mesmo tempo, desastrosa.

A série também não se reduz a tramas adolescentes, e isso a eleva a um outro patamar. Os dilemas da gravidez de risco de Jean (Gillian Anderson) ou a independência recente de Maureen Groff (Samantha Spiro) encantam tanto quanto qualquer problema dos estudantes de Moordale. Gillian é excepcional e rouba todas as cenas – por aqui, fingimos que seu recente prêmio Emmy de Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Drama foi também pela sua impecável atuação como a matriarca e terapeuta sexual de Sex Education.

O que deixa a desejar é a necessidade persistente do romance intragável de Otis e Maeve. O casal até era interessante nas primeiras temporadas, mas agora ele é nada mais que o resultado da narrativa incessante que os colocou ali. Os anos 2000 já se foram, e ninguém mais espera por um relacionamento de idas e vindas como Ross e Rachel ou Lorelai e Luke: a dualidade de Otis e Ruby, por exemplo, entretém muito mais do que o relacionamento maçante do jovem com Maeve.

O que mais encanta em Sex Education é a graciosidade em seus personagens. Se afastando da dicotomia entre pessoas bons e ruins, ela trata dos piores assuntos da forma mais humana possível. A desestigmatização de diversas pautas identitárias não soa como um plot device involuntário, mas sim uma narrativa natural e coesa.

Depois de três excelentes temporadas, ficou claro que Sex Education é uma das melhores produções originais da Netflix. Sexualmente positiva e insanamente irreverente, a série se equilibra entre o humor e o drama e entrega um excelente produto final: um excerto fantástico e agridoce do melhor que uma série adolescente tem a oferecer.

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Mariana Chagas

Sair da casa dos pais não é fácil. Apesar de muitos jovens crescerem sonhando com a tão desejada liberdade, ela vem com obstáculos que nos fazem ter vontade de correr de volta para nossa cidade natal constantemente. A verdade é que não importa o quanto planejamos e tentamos manter uma estabilidade, em algum momento tudo desmorona. E é nesse momento de muita confusão que a irmã mais velha dos Johnson se encontra.

Zoey cresceu sendo mimada pelo pai, obedecida pelos caçulas e popular na escola. Acompanhamos a personagem de Yara Shahidi durante as temporadas iniciais de black-ish sendo um grande destaque da história. Passando de uma adolescente dramática para uma jovem mais dramática ainda, quando entra na faculdade a menina tem um brusco choque de realidade.

Acostumada a ter tudo de mão beijada e ser sempre queridinha, é assustador quando a universitária percebe que terá de lutar não apenas para conquistar sucesso, mas até mesmo para fazer amigos. Aos trancos e barrancos, unida a um grupo de pessoas tão perdidas quanto ela, Zoey vai descobrindo mais sobre a vida e, principalmente, sobre si mesmo.

A série foi criada pelos especialistas em sitcoms: Kenya Barris, criador de black-ish, e Larry Wilmore, creditado em roteiros de The Office e Um Maluco no Pedaço. Ambos arriscaram desviar da comédia do programa original para seguir um caminho diferente. Quebrando a quarta parede, os episódios são cheios de comentários sarcásticos e uma quantidade não-saudável de reclamações da protagonista para a câmera.

A verdade é que o crescimento fácil de Zoey a transformou em tão egocêntrica que fica difícil da menina conseguir enxergar o outro. Ela falha não com um ou dois, mas os três namorados que tem. Muito se diz que pessoas mal resolvidas machucam pessoas que sabem o que querem, e isso define cada relacionamento que a estudante viveu.

Cash Mooney foi o primeiro e talvez maior amor da jovem. O personagem, que ganha vida pela atuação de Da’Vinchi, surgiu na vida de Zoey em uma situação tirada de fanfic: para se manter no time de basquete, precisava de ajuda com os estudos. Sutilmente os sentimentos de ambos foram mudando, mas a meta do atleta de seguir jogando pelo país se manteve.

Dividida entre seguir o menino ou continuar na faculdade, a estudante recebe uma visita que vem para auxiliar: Rainbow. A mamãe, papel da talentosa Tracee Ellis Ross, lembra a filha de suas metas originais e a importância de se escolher acima de qualquer garoto. Quando o namoro finalmente acaba, Zoey passa por um ritual de passagem para qualquer pessoa: seu primeiro coração partido.

Assim como toda recente solteira, a menina promete focar nos estudos e ficar longe de qualquer romance por um tempo. Mas como o universo ama desafiar sua palavra, as coisas esquentam com Luca (Luka Hall) e a dupla vive o mais lindo friends to lovers. Como não ser #TeamZuca?

Parceiro de Zoey nos estudos de moda, Luca é um verdadeiro artista: talentoso, misterioso e sempre chapado. O ator dá vida ao seu personagem carregando extrema naturalidade, de forma a ser difícil lembrar que o estudante da Cal U, infelizmente, não existe na vida real.

A faculdade onde a mágica acontece é, também, fictícia. A California University of Liberal Arts é gravada nos estúdios Walt Disney em Burbank, que foi fechada temporariamente por conta da pandemia. “Existem diversos protocolos e, infelizmente, L.A. não está realmente fazendo um trabalho ótimo com o covid, em geral”, comentou Yara sobre o porquê do programa precisar ter um tempo em hiatus.

Além do amor romântico, a caloura também não é lá uma ótima amiga também. Quando descobre que Nomi (Emily Arlook) está grávida, seus julgamentos sobressaem o apoio emocional que sua colega precisava. Ao ver o namorado de Jazz saindo escondido, esconde o segredo da personagem de Chloe Bailey. 

Apesar da lista enorme de vezes em que falhou com as pessoas ao seu redor, Zoey se esforça o dobro para melhorar a situação. No fundo, não há maldade nenhuma por trás dos seus erros, apenas a mais pura ingenuidade e um tanto de individualismo. 

As gêmeas que estão com a universitária no caminho ao diploma são Sky e Jazz Foster. Multifuncionais, Halle Bailey e Chloe Bailey também cantam a música de abertura. As irmãs, além de ótimas atrizes, têm entrado muito bem na indústria musical. Com os álbuns The Kids Are Alright e Ungodly Hour, a dupla já coleciona 5 merecidas indicações no Grammy.

Agora, as personagens de Francia Raisa e Emily Arlook são controversas. Ana Torres é uma latina republicana que já causou muito alvoroço no grupo – imagina ter coragem de dizer que pessoas conservadoras sofrem tanta opressão quanto pessoas negras – e constantemente faz comentários de caráter duvidoso. Nomi é uma garota bissexual que terminou com seu namorado por… Bom, por ele ser bissexual. Continuo tentando entender.

A discussão a respeito da comunidade LGBTQIA+, porém, não se limita na personagem que é uma péssima representatividade da letra B da sigla. Vivek (Jordan Buhat), o traficante de drogas no grupo, vive uma noite de festa onde beija um garoto e leva seus amigos à loucura. O desrespeito que Aaron (Trevor Jackson) e Douglas (Diggy Simmons) tratam o menino após saber do acontecimento leva a um dos episódios mais intensos.

Know Yourself, da terceira temporada, aborda homofobia e sua ligação com a masculinidade tóxica. O episódio recebeu a primeira e única indicação da sitcom ao Emmy. Concorrendo na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), o cineasta Mark Doering-Powell, que já é reconhecido por seu trabalho em Todo Mundo Odeia o Chris, agora representa grown-ish na competição.

Com cada temporada se passando durante um ano universitário, na terceira Zoey já é oficialmente uma veterana e legalmente adulta. “Sabe como você nunca quer chegar em uma festa sóbria? Na vida adulta, você nunca quer chegar despreparada. Nem sóbria”, é como a personagem inicia a nova etapa de sua vida.

Depois de ignorar todos os seus problemas e viajar para Londres em busca de seu emprego dos sonhos, a Johnson volta e precisa arrumar a bagunça deixada. Dividida entre os sentimentos que tem pelo ex e por Aaron, ela se sente mais perdida do que nunca.

Mas com o apoio que tem de suas amigas desde o primeiro episódio, ela segue sua jornada. Juntos, o grupo encara todos os monstros da Geração Z – do cancelamento na internet até a depressão. Nenhum dos personagens é perfeito. Pelo contrário, todos erram, nos irritam e são completamente humanos.

Na cena final da temporada 3, os estudantes da Cal U se unem em um protesto contra o racismo na faculdade que é majoritariamente branca. E lutando para encontrar sua identidade sendo mulher e negra, Zoey não poderia ser de outro jeito. 

A protagonista é daquelas que ocasionalmente te faz querer jogar o computador longe, mas também te envolve em seus dramas e problemas juvenis. No fundo, saber que até mesmo a prodígio da família preta mais querida e bem sucedida das sitcoms se encontra em crise, é estranhamente tranquilizante. Sair da casa dos nossos pais não é fácil. Nem mesmo para Zoey Johnson.

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Vitor Evangelista

A terceira temporada de O Método Kominsky, sucesso moderado da Netflix, recebeu a função de finalizar sua curta rodagem pela TV, além de lidar com a saída prematura de um dos protagonistas do elenco. Quando foi noticiado que o boa praça Alan Arkin não retornaria para o papel do pungente Norman, o seriado criado por Chuck Lorre pareceu ter recebido um golpe inesperado. Sem rodeios, é esclarecido que o vovô morreu e que seu melhor amigo, o cafajeste Sandy Kominsky, vai precisar lidar com o luto cru.

Longe de ser uma produção pretensiosa, The Kominsky Method sempre se prostrou como uma série extremamente falocêntrica. São os homens os protagonistas, os criadores, os produtores, as estrelas. Colocando a lupa em problemas da velhice a partir da visão cômica do homem-máquina das comédias de situação, as duas primeiras temporadas do show, com oito episódios cada, configuraram-se como um bate-volta dos atores principais, dando e recebendo insultos carinhosos.

Vencedora de dois grandes prêmios do Globo de Ouro em 2019, faltava um tempero que transformasse esse método em algo particular e singular. As curtas maratonas ao redor do lançamento eram sucintas o bastante para que, depois da exibição em um primeiro fim de semana, o espectador já esquecesse de sua existência até o ano seguinte. O que pode parecer estranho para quem vê listas de indicados das relevantes premiações da TV, e, entre grandes nomes (The Marvelous Mrs. Maisel, black-ish, Pen15 e Hacks), esteja também presente O Método Kominsky.

A explicação mais plausível é o mel de Chuck Lorre, um exímio trabalhador da rede americana, que tem passado décadas e mais décadas abastecendo a programação semanal de canais como a CBS com minas de ouro. Two and a Half Men rendeu um falatório por doze anos, assim como The Big Bang Theory (essa segunda ainda catapultou Jim Parsons, indicado ao Emmy 2020 por Hollywood, e Kaley Cuoco, presente na lista de Atriz em Comédia de 2021). Além desses dois fenômenos, Lorre tem em seu currículo: B Positive, Young Sheldon, Mom e Mike & Molly.

Fato é que a terceira temporada de O Método Kominsky, mais modesta e quieta que suas antecessoras, garantiu seis nomeações ao Emmy 2021. Em adição às menções em Casting e Mixagem de Som, os 6 episódios apareceram na lista principal de Melhor Série de Comédia. Sem qualquer chance de vitória, a lembrança se assemelha a um gesto de despedida. Sentimento que circula no final da série, cavando em temas de perdas, solidão e do que está por vir daqui para a frente.

A morte de Norman (Arkin) é a abertura do novo ano, e seu funeral se transforma, como o esperado, em um espelho doloroso para Sandy (Douglas) olhar para além das piadas autodepreciativas. Cabe a sua filha Mandy (a injustiçada Sarah Baker) e o namorido Martin (Paul Reiser) ficarem de olho no idoso. Michael Douglas está ainda mais à vontade no papel, já que ele interpreta uma pequena autoparódia, e essas derradeiras horas finais do show não representam desafio algum ao Homem-Formiga original da Marvel.

O intérprete submeteu The round toes, of the high shoes, o quarto episódio da temporada, como sua “fita” na categoria de Melhor Ator em Comédia. Nessa meia hora, Sandy lida com a chegada de Morgan Freeman na cena, que aparece para palestrar em sua turma do curso de atuação. No capítulo em questão, os dois veteranos tem uma troca calorosa e dinâmica, dominada com maestria pelas nuances de voz e gesticulação, fazendo valer a aparição de Freeman na lista de Melhor Ator Convidado em Comédia, interpretando uma versão menos séria de si mesmo. 

A última das indicações grandes de O Método Kominsky repousa na figura do Melhor Ator Coadjuvante Paul Reiser e seu flatulento, mas fofinho, Martin, o também senhor de idade e futuro marido da filha de Sandy. O ano dois já se encarregou da intriga entre os velhos e a eterna “medição de pica” que no fim não deu em nada. Dessa vez, a direção, que passa pelas mãos do próprio Lorre, de Andy Tennant e de Beth McCarthy-Miller, se mostra mais preocupada em dar a sensação de conclusão para os diversos problemas de Sandy, e Martin passa de pedra no sapato para uma agradável companhia de cena.

Sua escolha de enviar You only give me your funny paper, episódio 2 da temporada, para os votantes da Academia, demonstra com primazia a vibração menos caótica do personagem, um dos únicos da série que se desprendem do olho do furacão e da porrada de diagnósticos médicos e bebidas de bar que povoam o roteiro. É óbvio que competir com Ted Lasso apequena ainda mais O Método Kominsky, mas, mais uma vez, só a lembrança bota um sorriso no rosto dos fãs que acompanharam essa festa da salsicha desde 2018.

The Kominsky Method não economiza nas lágrimas e nas tragédias em seu terceiro e último ano. Chuck Lorre dá vazão ao talento dos homens velhos que decide privilegiar, mas o faz com uma afeição que reflete seu amor pelo meio televisivo. O capítulo final, The Fundamental Things Apply, ensaia trinta minutos de sonhos concretizados, de ficções abestalhadas e de um reconhecimento que muito provavelmente não se concretizará em 19 de setembro, mas só de ser assistido em tela, já justifica o papel fantasioso da Arte.

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Victória Rangel

Cobra Kai está de volta como um presente de ano novo para seus fãs! Lançada pela Netflix em janeiro de 2021, a terceira temporada da série baseada no filme Karatê Kid (1984) traz de volta importantes personagens do passado. E, se você, como eu, não se lembrou de alguns detalhes da série, não se preocupe! A gente tem um texto especial aqui no site e a Netflix também oferece um breve resumo da segunda temporada antes da próxima começar.

Tudo começa de onde parou: Miguel (Xolo Marieña) está no hospital, Johnny Lawrence (William Zabka) bebendo, desolado e à procura de encrenca (exatamente como no começo da primeira temporada). O esquema original da série permanece igual. Flashbacks com cenas originais das sequência Karatê Kid, referências divertidas sobre outros filmes e programas de TV e a finalização dos episódios com mensagens motivacionais, a fórmula de Cobra Kai é a mesma.

O que vem de novo é a história de sensei Kreese. Com cenas de sua experiência lutando pelos EUA na Guerra do Vietnã, tudo indica que existe um elemento motivador que transformou John Kreese (Martin Kove), um jovem soldado, no sensei vilão que ele é hoje. É nesse momento, também, que entendemos a razão de seu dojô se chamar Cobra Kai. Vale pontuar, ainda, que a guerra é representada pelo ponto de vista norte-americano, o que nos fornece a imagem parcial de vietnamitas como inimigos inescrupulosos.

Outro passado que ressaltamos é o de senhor Miyagi. Daniel (Ralph Macchio), para lidar com um grande problema de sua empresa (a concessionária LaRusso), vai ao Japão. Em Okinawa, terra natal de seu sensei, reencontra figuras importantes que conheceu quando visitou a ilha pela primeira vez, em 1985. Dentre elas, estão Kumiko, uma bailarina por quem se Daniel se apaixonou quando jovem, e Chozen, um inimigo carateca com quem lutou nos anos 80. Agora, LaRusso aprende com eles duas lições que serão imprescindíveis para entender a linha narrativa dessa temporada de Cobra Kai: que a defesa tem muitas formas, e que se espalhar o bem pelo mundo, “ele voltará para você”.

Johnny Lawrence, por sua vez, continua em sua busca para tentar se reerguer na vida. É importante lembrar que, nas primeiras temporadas, o sensei representou uma importante figura paterna para seu aluno Miguel e, agora, tenta ajudar a custear uma cirurgia necessária ao adolescente. Para isso, participa de entrevistas de empregos (daquelas famosas que começam bem e dão comicamente errado no final) e até recorre à família de seu padrasto, a quem detesta. Nessa empreitada, acaba deixando seu filho biológico, Robby (Tanner Buchanan), de lado, e o menino segue desaparecido desde o acidente na escola.

Johnny é uma personagem engraçada e cheia de falhas que ajuda a dar certo dinamismo à série. Na terceira temporada, o sensei é introduzido ao mundo do flerte online – todos nos lembramos bem das dificuldades de Johnny com computadores e a internet. E ele permanece o mesmo, chegando a colocar uma pergunta típica de muitas avós internautas da nossa geração: “Quanto tempo demora para uma mensagem chegar no Facebook?”.

Lembram daquela jovem loira que ficava com Johnny e acabou namorando Daniel no fim do primeiro filme, em 1984? Ali (Elizabeth Shue), uma das motivações para a inimizade entre Lawrence e LaRusso, também reaparece. Sua presença, agora como uma mulher independente e recém-divorciada, nos faz imaginar como seria a vida de Johnny a seu lado, caso os dois ficassem juntos afinal.

Robby continua fugindo após ter sido responsável por empurrar Miguel na icônica luta que finalizou a segunda temporada – aquela iniciada por Tory, a namorada de Miguel e aluna de sensei Kreese, que via em Sam uma inimiga dos dojôs e da vida amorosa. Cabe aqui comentar que a personagem de Tory, interpretada por Peyton Roi List, é quase que afetada demais. Veja bem, a gente sabe que ela é uma das vilãs da produção, mas talvez isso poderia ser colocado em uma atuação mais sutil.

Falando em atuações, a de Jacob Bertrand, que interpreta Hawk, por outro lado, é de tirar o chapéu. O aluno do Cobra Kai vai se tornando um vilão inveterado, que até lidera um grupo de bullies que usam o caratê para intimidar seus alvos – e é curioso lembrar de quem era o jovem era no começo da produção, antes de assumir seu cabelo moicano e mudar de apelido.

Essa temporada de Cobra Kai tem de tudo, até perseguição de carro! Tem também muitas cenas de luta e cortes de cena bem precisos. Um exemplo desse último se dá quando Kreese insinua amputar o dedo de um oponente na guerra e, na sequência, Miguel aparece cortando uma salsicha, provocando certa inquietação em quem está do outro lado da tela. Outro detalhe que merece atenção é a clássica trilha sonora dos anos 80, que continua seguindo a linha da primeira e da segunda temporadas. Mötley Crüe, W.A.S.P. e The Moody Blues compõem a sonoplastia, junto a outros diversos artistas de rock, heavy metal e pop.

Um dos pontos que garantem o humor da série são suas referências a outros elementos do audiovisual norte-americano. Por conta da luta que colocou Miguel em coma, a escola organiza um conselho para sugerir a proibição da prática do caratê na cidade. É nessa hora que Daniel, um dos muitos pais presentes na reunião, se opõe e rebate a ideia, sugerindo que aquela situação se assemelhava a um Footloose do caratê. Outra menção divertida se dá quando os rivais reencontram sua namorada da juventude, e Johnny e Daniel são comparados a Friends e Seinfeld, duas sitcoms sobre um grupo de amigos de Nova York.

A ideia de gerações mais jovens ensinando às mais velhas que existe preconceito em palavras usadas corriqueiramente também continua presente. Como quando Lawrence chama um grupo de asiáticos de “os chinas” e é corrigido por um de seus alunos, que o ensina sobre o teor inapropriado do termo. Na hora de fazer bullying (uma prática recorrente em todos os episódios), contudo, muitas personagens ainda recorrem a velhas e inconvenientes piadas machistas.

Talvez porque a empolgação inicial já não é a mesma, ou porque é tanto alto e baixo ao longo da história, fica um pouco difícil de maratonar essa temporada. Afinal, agora surgem 3 dojôs rivais e as personagens são muitas. Em certos momentos, a gente até pensa “ué, cadê tal pessoa?”, e ela provavelmente voltará somente no próximo ou daqui a dois ou três episódios.

Mas não desanime, viu? Independente de qualquer crítica, os 10 episódios valem a pena só pelo final da temporada! Reviravoltas emocionantes de arrepiar nos fazem querer sair lutando caratê pela sala, e nós aprendemos que o inimigo do nosso inimigo é, na verdade, nosso amigo. Cobra Kai deixa a promessa de continuar e trazer, consigo, um possível grande torneio de karatê.

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