Nathalia Tetzner

Fugir da madrasta má por um princípe, encontrar a fada madrinha, perder o sapatinho de cristal e assistir a carruagem voltar a ser uma mera abóbora. A história da princesa Cinderela é um clássico que tem início, meio e um final popular entre os seres que habitam a Terra, mas amam sonhar com as estrelas: o famoso ‘felizes para sempre’. Em paralelo com a vida real, os contos de fada são construções fictícias almejadas por uma mídia cada vez mais idealista, sendo o meio responsável pela narrativa ilusionista elaborada em torno da monarquia britânica. Na série documental Harry & Meghan, a diretora Liz Garbus ajuda o duque e a duquesa de Sussex a derrubar as cortinas da fantasia criada sobre eles e a instituição.

Se nos livros a protagonista loira e de olhos azuis enfrentou obstáculos em sua caminhada romântica, Meghan Markle precisou sacrificar a sua liberdade pelo casamento com príncipe Harry e teve a sua imaginação transformada em abóbora antes mesmo dos sinos da meia-noite tocarem Afinal, Markle nunca se encaixou no padrão aristocrata da família real do Reino Unido. Mulher negra, atriz e ativista, ela foi inicialmente vista como uma oportunidade para os diversos povos da Commonwealth se sentirem representados, porém, a sua luz logo se tornou uma ameaça aos velhos costumes. Em uma jogada de mestre, o casal escolheu registrar a sua versão dos fatos por meio do streaming Netflix, uma plataforma ainda maior que os 56 países membros da organização intergovernamental.

Harry & Meghan é consequência da enorme bola de neve formada ao longo da estadia nos castelos da realeza e que, agora, finalmente está engolindo tudo e todos por onde passa. O estopim para a produção foi a entrevista para a apresentadora de televisão estadunidense Oprah Winfrey, concedida um ano após renunciarem aos cargos da coroa e na qual fazem uma sequência de revelações, incluindo a denúncia de racismo. Pela primeira vez, o casal narrou com franqueza o ambiente miserável escondido dentro dos luxuosos portões guardados por soldados, conseguindo deixar no público a ânsia por bis. Lançado no mesmo ano do falecimento da célebre Rainha Elizabeth II, o seriado não somente questiona toda a estrutura da instituição, como também marca a inversão da caça às bruxas.

Vilanizados pelas manchetes sensacionalistas, os pombinhos armam uma arapuca para os tablóides britânicos profundamente ligados aos escritórios dos membros da monarquia. Porém, do mesmo modo que a carruagem da lua de mel se desfez rapidamente, a falta de sensibilidade da montagem – tarefa destinada a 7 profissionais – em saber o momento exato para encaixar o tema, acaba mais satisfazendo e gerando conteúdo polêmico para a mídia do que qualquer outra coisa. O documentário tropeça em um certo dilema da exposição e, com isso, a legitimidade da retomada da narrativa pelos que tiveram as suas vidas pessoais exploradas perde o sentido quando a trama se desloca abruptamente para a propaganda das iniciativas de cunho social do casal. 

Em relação ao magnetismo que atrai a compaixão de quem assiste a série da Netflix, o ditado popular explica: “filho de peixe, peixinho é”. Harry traz de volta para as telas um vislumbre do olhar sensível de sua mãe e o debate sobre a atuação nociva dos paparazzi ganha força, dessa vez, com Markle como vítima dos flashes. Através do fator histórico do falecimento de Diana e de sua própria juventude estampada nas capas de jornais, ele injeta o teor de drama necessário para retratar a realidade. Os diversos momentos em que Lady Di é citada não ocorrem em vão: a obra busca unir as melhores comparações entre ela e Meghan para arrancar algumas lágrimas, sendo provavelmente o último ato coerente do casal antes de exagerarem na dose. 

Dividido em 6 episódios, Harry & Meghan parece não saber o que deseja ser no começo e, depois, encontra uma solução apenas para se perder novamente. Liz Garbus, conhecida pelos documentários indicados ao Oscar The Farm: Angola, USA (1998) e What Happened, Miss Simone (2015), experimenta de tudo na direção a fim de organizar filmagens caseiras e fotografias exclusivas. Seguindo uma ordem cronológica, ela parte do início do romance até os nascimentos dos filhos, Archie e Lilibet, mas, em meio a todo o caos, a vulnerabilidade de Meghan frente ao discurso de ódio e as incontáveis ameaças direcionadas pelas redes sociais caracteriza a cena de destaque da produção, encarregada de completar a linha de raciocínio da trama que converge para esse ponto de ruptura.

“Eu queria compartilhar uma história que eu escrevi sobre o homem que eu amo e como nós nos conhecemos. Vamos chamar isso de contos de fada moderno”. Do mesmo modo que a Cinderela enfrentou obstáculos peculiares que, se não escritos com tamanha criatividade ninguém acreditaria, as revelações apresentadas pelos duque e duquesa de Sussex são, no mínimo, chocantes. Brigas entre irmãos, conflitos na véspera do casamento e todas as outras consequências da saída da realeza são atos tão dignos de um conto de fadas moderno quanto o ‘felizes para sempre’. Harry & Meghan irrita quem deseja a perfeição cinematográfica, desperta a fúria dos tablóides e entrega o que o seu público-alvo pede: as razões pelas quais uma carruagem luxuosa se transformou em uma simples abóbora.

O post A abóbora antes da meia-noite de Harry & Meghan apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Não há medo mais apavorante do que o da solidão. Construímos nosso entendimento de mundo baseado em nossas conexões afetivas e, logo com a chegada da vida adulta, nos deparamos com a instância de trilhar um caminho tortuoso por conta própria. Nesse temor pelo desconhecido e por não pertencer, Machado, Lay e Lio – ou Tuyo, como os conhecemos juntos – encheram sua casa de gente, para não se sentirem sozinhos. Diante disso, Chegamos Sozinhos em Casa, o novo projeto artístico da banda, imerge na psique de seus integrantes, explorando o instante em que essas pessoas voltam para onde vieram, ou criam seus novos espaços, e o que sobra da gente quando, enfim, estamos sós. 

Chegamos Sozinhos em Casa é uma aposta ambiciosa por parte da Tuyo, que distingue-se de qualquer coisa que já fizeram, ainda que continue respirando a personalidade artística que os formaram até o presente. Um projeto transmidiático, construído no entorno de quase dois anos, e lançado pelo período de pelo menos um semestre. Consistindo em dois álbuns, que se unem em uma versão Deluxe de 19 faixas, lançada em conjunto com Chegamos Sozinhos em Casa – Fragmentos, uma série documental de oito episódios publicada no YouTube. Havia muita história para ser contada, e não é de se surpreender que a banda, que jamais poderia ser reduzida a um nicho musical, chamou a atenção no mundo inteiro. O ápice disso foi em setembro deste ano, quando eles receberam sua primeira indicação ao Grammy Latino, pelo Volume 1 do disco, em Melhor Álbum de Pop Contemporâneo em Língua Portuguesa.

Performances em eventos estrangeiros, reconhecimento em grandes veículos da imprensa internacional, indicações em premiações enormes; Tuyo já é pop, furou a bolha da cena independente, e agora passa a ocupar espaços que não poderia alcançar antes. Porém, ao mesmo tempo que se permitem celebrar tais conquistas, elas não são fáceis de lidar para os membros da banda. “[Eu tenho a impressão que] nenhum de nós, nem os nossos iguais, foram autorizados por alguém”, diz Lio, no primeiro episódio da série Fragmentos. “Parece que tinha uma parte da cerca que estava aberta, e a gente começou a passar”. E isso torna-se evidente quando, por exemplo, percebe-se que, na categoria em que foram indicados no Latin Grammy Awards, Lio, Lay e Machado são os únicos artistas pretos.

Devido a isso, o álbum passa, em várias ocasiões, por um lugar de questionamento e hesitação, do receio que dele surge, na necessidade de confrontar um trajeto ainda inaugural e o seu destino final. Neste caso, trata-se da individualidade, do olhar para dentro, que, para a Tuyo, também é uma vivência muito nova. Usufruir da solidão e do prazer de estar só é um privilégio e uma condição elitizada. Afinal, para quem precisa constantemente se preocupar em sobreviver, pouco espaço sobra para pensar sobre o que isso significa. Nesse sentido, Chegamos Sozinhos em Casa reflete sobre o momento em que, após muita construção, essa experiência passa a atravessá-los, e como ela os afeta, eles vindo de onde vieram.

É curioso, portanto, que um projeto que comenta tanto sobre um processo individual e particular também seja o primeiro que a banda compõe em conjunto, em um espaço compartilhado, ao invés de seus discos anteriores, em que as faixas nasciam a partir de construções mais individualizadas. O resultado disso é um processo que nasce de fora para dentro. Uma produção coletiva, mas que, por fim, se reduz a um estudo íntimo e um mergulho nas singularidades de cada uma das partes que compõem o que conhecemos como Tuyo. Cria-se um processo de desvencilhamento, para que, finalmente, eles possam se reencontrar em seu estado cru e pleno.

Posto isso, Fragmentos se torna uma ferramenta de enriquecimento desse processo. A série documental apresenta diferentes interpretações de Chegamos Sozinhos em Casa. Primeiro, sobre o conceito geral do disco e, mais tarde, sobre canções específicas. Contudo, de jeito algum eles pretendem explicar sua obra e restringi-la a apenas uma leitura. Pelo contrário, os três constroem identidades únicas, separadas uns dos outros, e trazem suas perspectivas individuais sobre o trabalho, que se chocam e entram em divergência o tempo todo. E eles estão cientes disso. Não só cientes, como também prezam por essa dissonância. 

“Tá tudo dito lá, dentro do disco. Mas às vezes as pessoas querem entender os desdobramentos das metáforas, porque hoje parece que não basta a metáfora. Ou talvez ela nunca tenha bastado.”

– Lio

Isso se comprova na tracklist quando, apesar de partirem de uma composição coletiva, várias músicas irão focar em vivências e relatos próprios de cada um dos integrantes. Vitória Vila Velha trata sobre a cidade natal de Machado e a saudades que ele guarda daquelas memórias, e O Que Você Diria Agora comenta o ressentimento e a raiva que ele construiu pelo pai. Pronta Pra Cair e Turvo versam sobre a autoestima da Lay, e como isso reverbera em sua autoimagem, ganhando camadas ainda mais profundas e multiformes em Fragmentos. Enquanto O Jeito É Ir Embora e Tem Dias abordam experiências muito pessoais de Lio sobre amor e desvencilhamento, em suas mais variadas formas.

Acompanhamos o trajeto emocional de Tuyo. Porém, o que encontra-se no final dessa estrada? Eles chegam aonde? Para quem foi definido a vida inteira por uma falta de identidade, pelo não-pertencimento, esse lugar não existe. A alternativa, nesse caso, é munir-se dessa designação, ressignificá-la e torná-la tangível. Aqui, Tuyo transforma o não-lugar em conceito, e se apropria dele como uma identidade totalmente nova. Se lhes foi negado o direito de pertencimento, o que restou a eles foi pavimentar essa estrada do zero.

Um exemplo é Fragmentos, que está na limiar de inúmeros gêneros do audiovisual. É documentário? É drama? É performance ao vivo? A série não se preocupa em definir isso, e a direção de Laís Dantas brinca o tempo todo com os formatos que dispõe. Ora ela irá usar uma proporção de câmera cinematográfica, com planos longos e contemplativos, ora ela irá explorar uma estética nostálgica de videotapes noventistas, com as imagens de bastidores. Não há limites criativos para a produção, o que torna assistí-la uma experiência envolvente e nunca monótona.

Para isso, a banda procura no passado as inspirações e influências que os moldaram no passado, a fim de compreender o presente e vislumbrar o futuro. Toda a discografia do projeto é uma amálgama das referências que formaram a sonoridade do que é hoje sua música. A Tuyo nunca se limitou pelas restrições de um gênero musical específico. Seja folk, jazz, hip-hop, indie ou MPB, eles sempre souberam bem como apanhar os melhores elementos de cada estilo e transformá-los em um som novo, mais próximo de como se enxergam e do que almejam comunicar artisticamente. Então, misturando beats com instrumentos acústicos, Chegamos Sozinhos em Casa extrapola esse experimento estético como nunca antes.

Em diversos momentos, parece haver um exercício ativo da banda de sair da sua zona de conforto. É o caso de Sonho da Lay, um dos singles de divulgação do Volume 1. Trata-se de uma viagem cinematográfica entre os devaneios emergidos na mente de Lay, refletindo sua inquietude e vontade de desaparecer. A estrutura da faixa é de uma legítima música eletrônica, com uma construção de ambiente minuciosa no verso, para então elevar-se à uma grande catarse instrumental. É uma faixa marcante, com uma identidade própria, totalmente diferente de tudo que a Tuyo já fez, mas que ainda carrega em si a essência do trio. Já entre as referências que citam terem sido cruciais para a concepção do disco, estão Marília Mendonça, Kamasi, The Internet, Linkin Park, Kirk Franklin e outros artistas que, à primeira vista, jamais poderiam ser fundidos. 

Além disso, essas inspirações ultrapassam o plano das ideias e se manifestam nas colaborações vocais, que não eram do feitio da banda em projetos solo. Desde os versos melodiosos e envolventes de Luccas Carlos, Lenine e Drik Barbosa, os backing vocals leves, mas poderosos de Jaloo e Lucas Silveira – que também é creditado na produção do projeto –, e as rimas fortes e contundentes da lenda Kamau, até os arranjos únicos que RDD, Jonathan Ferr e Shuna (da Yoùn) oferecem, nas respectivas faixas que assinam. Todos são pessoas abertamente presentes na vida dos três integrantes, e os auxiliam a pincelar as arestas de sua Música.

Tuyo também olha para o passado de maneira mais prática. Chegamos Sozinhos em Casa versa sobre os trabalhos passados da banda, reinterpretando sua mensagem. Pra Curar, o exemplo mais explícito, recebe o nome do primeiro disco de estúdio do trio. Porém, ao contrário do que se imaginaria, a música se coloca quase como uma sátira de seu antecessor. Se o álbum de 2018 procura encontrar esperança em um ambiente de dor, compreendendo que o caminho para alcançar a cura não é fácil, a canção de 2021 se posiciona em um contexto catastrófico, de completa desilusão, e abraça essa angústia. O refrão, que repete o mantra “nenhuma dor é pra curar”, atesta o que Lio afirmou para a Rolling Stone, logo depois do lançamento do primeiro volume: “às vezes tem processo que dói e só dói, é dor pela dor mesmo”.

O movimento de revisitação proposto aqui passa, igualmente, por um território metalinguístico. Em todo episódio de Fragmentos, a banda apresenta um setlist diferente das músicas do disco, reinterpretadas e rearranjadas. O primeiro episódio chega com os dois pés na porta, entregando uma versão refrescante das principais faixas de Chegamos Sozinhos em Casa, em uma estética escancaradamente afrofuturista, bebendo do house, dance hall e EDM no melhor estilo KAYTRANADA. Outros episódios também retomam momentos anteriores da carreira da Tuyo, como no sétimo, quando eles performam as canções inolvidáveis da Simonami, projeto musical anterior que Lay, Lio e Machado fizeram parte, ou no sexto, em que o trio interpreta remixes de algumas de suas músicas, dando outra cara a elas e uma autenticidade ímpar.

Compreender o lançamento dividido em dois volumes também é fundamental para assimilar o que aspira o projeto. “O primeiro volume está condensando uma demarcação bastante territorial. A gente abre o disco falando de memória, de origem, com ‘Vitória Vila Velha’, cidade natal do Machado. E, seguimos falando sobre retornos, partidas, chegadas, reencontros… o segundo volume concentra um outro aspecto menos pragmático desses ritos contemporâneos”, comenta a banda, em entrevista para o site Nação da Música. Mesmo que ambos os volumes se oponham e inclusive se contentem sozinhos, quando se unem, alcançam a proporção exata que esse trabalho pedia.

Visto isso, em questão de temática, Chegamos Sozinhos em Casa é repleto de contrastes. O exemplar mais forte musicalmente são as duas colaborações de Jonathan Ferr no álbum. Ambas finalizam os dois volumes e são essencialmente instrumentais. Ao passo que Toda Vez Que Eu Chego Em Casa é de longe a mais longa da tracklist, introduzindo pacientemente cada um de seus elementos e transmitindo uma energia lúdica e doce, Pouco Espaço exala uma sensação constante de claustrofobia. Ela é frenética, urgente, e grita uma necessidade de se libertar, ainda que essas amarras não tenham uma definição clara.

Essa oposição também se manifesta em nível emocional. Ao relatar seu processo agridoce de amadurecimento, a Tuyo não tem medo de expor essas emoções da maneira mais sincera e verdadeira possível, seja em suas boas ou más fases. Se Tem Dias e Do Lado de Dentro compreendem uma perspectiva mais positiva, reafirmando o amor e o autoamor, e entendendo como tal amor molda nossa percepção do outro, Abismo – faixa extra da versão Deluxe –, Fracasso e Hoje Eu Quero Chorar aceitam a melancolia, se fundem à dor e a assumem como parte de si. O projeto nunca confina esses pontos de vista em ideias superficiais de bem e mal, apenas os entende como sentimentos complexos e parte de um processo que muitas vezes vai muito além da nossa compreensão.

O contraste nasce não só na ambiguidade do sentir, mas também na necessidade de se diferenciar do outro. Lio aborda isso mais assertivamente no quarto episódio de Fragmentos: “Parece que, não importa o que a gente tava escrevendo, a gente tava falando sobre isso. Sobre a vontade de desenhar na gente um contraste entre nós e o que acontecia ao nosso redor”. O apogeu disso é Turvo, provavelmente a peça de maior impacto de Chegamos Sozinhos em Casa. O ‘turvo’ do título parece se referir ao momento em que você cria uma dependência tão grande sobre quem te rodeia, que o limite entre o ‘ego’ e o ‘outro’ se confunde, ao ponto de que encontrar o ‘eu’ ali torna-se quase inconcebível. Dessa forma, a faixa – e todo o álbum, em certa medida – retrata o desespero para, nesse cenário, se localizar em si e encontrar autossuficiência.

Chegamos Sozinhos em Casa é sobre várias coisas, e delimitar seus significados é uma tarefa impossível. A própria Tuyo não conseguiu, ainda menos uma crítica como essa. Contudo, no fim das contas, esse é o atestado da grandiosidade do projeto. O trabalho que a banda construiu é mutável, se molda ao prisma de quem ouve e se imortaliza no coração de quem o sente. E isso também afeta a percepção de quem deu vida à obra. Fragmentos narra várias situações em que algum dos três membros tiveram uma epifania sobre o sentido íntimo de uma canção, geralmente despertado por um elemento externo. É o caso de Lay com Turvo, quando uma amiga traz à tona a questão da solidão da mulher negra, alterando completamente a ótica com que ela enxergava a música. E, agora, com essa perspectiva sendo exposta em tela, alterando a nossa também.

Um tópico que sempre foi reforçado pela banda, desde o anúncio do Volume 1, foi a busca por democratizar a sua linguagem e expressão artística. De tornar acessível temáticas densas e difíceis, sem que elas percam sua dimensão e profundidade. E pode-se dizer que, nesse projeto, ela a alcançou. Desta vez, eles partem de uma premissa resoluta – discutir crise de identidade, e o amadurecimento que vêm com a fase adulta – ao mesmo tempo que é hermética e tridimensional. Não abandona seus floreios e lírica poética, mas sempre trata seus temas com firmeza e ternura. A Tuyo já conquistou o coração dos ouvidos que passou, e sua mensagem se expandirá cada vez mais e mais, com a validação de uma premiação internacional – já conhecida pelo histórico problemático de suas decisões – ou não.

De todo modo, pode-se dizer que Chegamos Sozinhos em Casa procura beleza na solidão. Entende que amadurecer implica que certos laços sejam desatados, para que espaços novos sejam abertos. Que é necessária a construção de um espaço particular, para que possamos nos entender como indivíduo único, dotado de autoestima, que se ama e que se basta. Mas também compreende a importância de quem nos acompanha para que esse processo de autoconhecimento ocorra – de quem segura nossas pontas até que possamos levantar voo sozinhos. Para a construção de um vínculo saudável, distinguir-se do outro é primordial, pois é apenas se encontrando que podemos encontrar a quem nos cerca. E é assim que Lio parafraseia Machado, na frase que sintetiza o núcleo emocional do disco: “Eu acredito que a casa onde a gente chegou foi um no outro”.

O post Ao fim de Chegamos Sozinhos em Casa, Tuyo encontra lar no outro apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Silva

No dia 18 de agosto de 1992, o cineasta Woody Allen convocou uma coletiva de imprensa no saguão do The Plaza Hotel, em Nova York, para confirmar que estava tendo um romance com a jovem Soon-Yi Previn. Para quem esse nome possa soar desconhecido, a coreana é a filha adotiva da atriz Mia Farrow, que também era namorada de Allen até o ocorrido. Esse fator quase transposto de uma novela de Walcyr Carrasco foi apenas o estopim de uma batalha que perdura anos, e é retratada na série documental Allen contra Farrow. 

A produção da HBO, dirigida por Kirby Dick e Amy Ziering, parte desse princípio para apresentar uma narrativa por vezes ressoada na mídia, já atravessando milhares de versões e reviravoltas. Voltando um pouco mais na linha do tempo, o primeiro episódio começa apresentando o início do relacionamento entre Mia e Woody, que resultou em um aspecto quase conjugal, em que o aclamado diretor aceita adotar uma filha junto à ela, mas que ficaria sob total responsabilidade da atriz. Assim, Mia, que já era mãe de sete, encontra a pequena Dylan, uma garotinha perfeita para realizar as tais idealizações de seu futuro “pai”. 

O desenrolar da trama passa a se tornar um verdadeiro pesadelo. Diversas fontes próximas à família se juntam aos relatos de Mia e Dylan para retratar a obsessiva relação do pai com a filha, e os breves indícios de um perfil perverso do amável diretor. Mas a tendência que a narrativa segue é brevemente interrompida por uma nova revelação, nem tão surpreendente para quem já tem acompanhado a história aqui do lado de fora, em que Mia encontra fotos sensuais da filha Soon-Yi no apartamento do seu até então namorado.

Junto ao fio condutor tecido pela família ao longo dos quatro episódios, somam-se os olhares de críticos e admiradores da obra de Allen. Daqueles que conseguem formular claramente a adoração pelo diretor, pela forma como ele retrata a Grande Maçã estadunidense, pela identificação com seu jeito desengonçado e humanizador, e pelo jeito que expressa suas personagens mulheres – sim, claro, as mulheres! 

E em sua própria obra também emergem evidências do seu comportamento questionável, como pela insistente representação de relacionamentos entre um homem mais velho e uma mulher jovem, o tal personagem masculino da relação por muitas vezes sendo ele próprio – mas isso também só pode ser um fruto do acaso -, como exemplificado na sua aclamada produção Manhattan. 

Como se ter um caso com a sua enteada de 21 anos já não dissesse muito sobre o caráter do nova iorquino, a revelação que segue consegue ser ainda mais tenebrosa: o suposto abuso sexual de Woody Allen a sua filha Dylan Farrow, quando esta tinha 7 anos de idade. E aqui deixo como suposto pelo caso nunca ter resultado em uma investigação policial de fato, mas o desenrolar deste capítulo tenebroso fica para o minutos desenvolvidos na própria produção. 

Eis uma guerra instaurada: os relatos da jovem Dylan contra a clemência de Allen por sua inocência. Mas este não se atreve a tentar contrapor os argumentos de uma criança, jogando toda a carga do ocorrido nas costas de Mia, como uma suposta manipuladora por ter ciúmes da relação do ex-namorado com Soon-Yi (que, mais uma vez, era sua filha). A mídia compra essa versão, os fãs também, e a comunidade hollywoodiana mais ainda. Allen não é investigado, muito menos linchado pela sociedade. Ele permanece desfrutando da sua liberdade, enquanto levemente sustenta um relacionamento saudável com sua ex-enteada e uma acusação de abuso infantil. 

Fato é que ninguém é capaz de duvidar de um senhor indefeso e aparentemente dócil como Allen, muito menos alguém dono de produções tão potentes e que conversam tanto com diferentes tipos de público. E assim a história se discorre, Mia se torna incapaz de continuar atuando em solo estadunidense, ao passo que Allen tem o amor da opinião pública e os demais prazeres que um homem branco e bem sucedido é capaz de gozar vivendo em sociedade. 

Esse retrato permanece não apenas por minutos, como se passam na série, mas por anos. A acusação se deu em 1992, e, desde então, Woody Allen já teve 8 indicações e 1 vitória no Oscar, 3 indicações e 1 vitória no Globo de Ouro, e 26 filmes lançados. Isso não parece soar nem um pouco como alguém sofrendo as consequências de qualquer ato que seja. 

Há quem afirme que a produção escuta apenas um lado da história, e de fato é o que acontece, mas não pela falta de tentativas em se contatar o outro, como assim é reforçado ao final de cada episódio. Ao mesmo tempo, é interessante observar como não há evidências suficientes no mundo quando o assunto em questão é a condenação de um homem poderoso. Não bastam os depoimentos e traumas revirados por uma criança de 7 anos, nem os relatos de pessoas próximas, muito menos a opinião de profissionais, ou as milhares de falas e posicionamentos machistas e repugnantes de Allen, que ele nem se esforça em disfarçar em suas entrevistas ou nas conversas gravadas ao telefone.

Allen contra Farrow é sim uma produção parcial, mas foca no olhar de uma jovem que teve sua voz calada por mais de 20 anos e viu suas relações familiares e amorosas serem massacradas por um rolo compressor, enquanto assistia o seu abusador andar em tapetes vermelhos e receber homenagens como se fosse o homem mais genial do universo. A mesma jovem que só pôde observar o início da queda do mesmo há pouco tempo, e muito longe de ser o fim. 

E é mais do que simbólico que essa derrocada tenha se discorrido com a crescente onda do Me Too, em que foi necessário unir forças de centenas de mulheres para derrubar um dos maiores magnatas de Hollywood. Ou seja, Dylan Farrow sozinha jamais será capaz de realizar o mesmo com a monstruosidade do seu pai. Tal fato é concretizado na fala da psicóloga Anna Salter durante a produção: “O público é muito severo com criminosos sexuais, contanto que eles estejam longe e não tenham carisma”. 

Conteste pelas contradições presentes na história ou pela falta de evidências. Mas se apenas provas fossem realmente suficientes Johnny Depp não estaria ainda atuando em filmes, Roman Polanski não estaria ganhando prêmios, Marilyn Manson não estaria participando de álbuns de grandes rappers, e a lista é longa. Allen contra Farrow é um retrato escancarado de uma sociedade misógina que elege ídolos medíocres, e depois teme ao vê-los se revelarem verdadeiros monstros.  Afinal, quem acreditaria que Woody Allen faria isso?

Não é sobre separar o artista da obra ou qualquer outra discussão incabível aqui, é sobre condenar e reconhecer os verdadeiros culpados. Enquanto vemos mulheres serem culpabilizadas por muito menos, uma quantidade infinita de panos são passados para dezenas de predadores sexuais ou homens de caráter questionável. Não é apenas sobre Allen ou Spacey ou quem quer que seja o nome da vez, o buraco sempre foi bem mais embaixo.

Mesmo com a divisão de opiniões e as aguardadas críticas vindas do cineasta, Allen contra Farrow garantiu 7 indicações no Emmy 2021. Entre elas, Kirby Dick e Amy Ziering se garantiram em Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção pelo Episódio 3, que também concorre em Roteiro em Programa de Não-Ficção. A produção ainda tem grandes chances de sair vitoriosa por Melhor Série Documental ou de Não-Ficção contra nomes como Faz de Conta que NY é uma Cidade, American Masters, City So Real e Secrets of the Whales.

Se o fim de Woody Allen no meio cinematográfico está próximo, só o tempo irá dizer. Além das inúmeras desaprovações ao próprio documentário da HBO, ele ainda conta com uma legião de defensores em Hollywood. Mas não podemos esperar muito de uma sociedade que é conivente até com um homem que assumiu abertamente ter tido relações sexuais com uma jovem de 13 anos. E não podemos mesmo: daqui a dez dias, o próximo filme de Allen irá abrir o Festival Internacional de Cinema de San Sebastián.

O post Allen contra Farrow e os ídolos que criamos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ma Ferreira

Em 2012, o empresário Marcos Matsunaga foi morto e esquartejado por sua esposa, Elize Matsunaga. O crime recebeu muito apelo midiático na época e ficou conhecido como Caso Yoki, por conta da empresa alimentícia coordenada por Marcos, que também era herdeiro. Na série investigativa Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime, da Netflix, Elize fala pela primeira vez à uma reportagem a sua versão dos fatos. A produção entrevista amigos do casal, jornalistas que acompanharam o desenrolar das investigações e do julgamento, os advogados, o promotor e o delegado do caso. 

A série documental narra, ao longo de quatro capítulos, todas as nuances que envolvem o crime, deixando alguns questionamentos ao telespectador. Não há na série a pretensão de refazer o julgamento de Elize, mas sim revisitar os acontecimentos, mostrando como era o relacionamento do casal, quais as hipóteses relacionadas ao assassinato, as contradições apresentadas à época do julgamento e como a narrativa foi abordada pela mídia. A família de Marcos aparece por meio de gravações dos relatos feitos no julgamento, não contribuindo com a produção de Gustavo Mello.

“Ela vivia uma vida de princesa” 

A Promotoria, advogados de acusação e amigos contaram a narrativa da Cinderela. Elize teria uma vida maravilhosa após o casamento, sendo muito amada e tendo tudo o que queria. O casal compartilhava de viagens, caças de animais como cervídeos, porte de diversos tipos de armas, uma coleção luxuosa de vinhos e por aí caminhavam seus gostos excêntricos. Nesta visão dos fatos, ela teria agido por ganância e medo de perder uma vida de “princesa”, e por isso teria cometido tal absurdo.

“Eu tirei você do lixo”

Na versão apresentada por Elize, o marido era controlador e agressivo, fazendo com que vivesse sob constantes ameaças à sua integridade física. Ela havia descoberto uma traição por meio de um detetive contratado, estava magoada e temia pelo futuro de sua filha. Em uma discussão acalorada, ela haveria efetuado o disparo com um dos revólveres que tinham em casa. Depois, como um meio de se livrar do corpo, esquartejou-o e separou o mesmo em sacos que posteriormente distribuiu em uma estrada que levava a cidade de Cotia, São Paulo.

Por meio dessas narrativas principais, se desenvolvem relatos e falas dos entrevistados que alimentam alguns preconceitos, visões extremamente machistas e grandes julgamentos morais. Salienta-se que as interpretações dos entrevistados buscam fazer com que quem assiste procure fazer a sua reflexão sobre o que é narrado e principalmente repensar o caso com sua própria perspectiva. Apesar da narrativa aqui realizar entrevistas com os relacionados ao evento, como faz O Caso Evandro, não espere dessa produção a mesma responsabilidade ao contar esse enredo.

Alguns temas importantes são levantados aqui, como os ataques machistas que Elize sofre da imprensa, da família Matsunaga e mesmo da Promotoria por ser uma ex-garota de programa. Dentro dessa visão, seu caráter é julgado e ela é primeiramente condenada pela mídia. O caso envolve um grande empresário, e nesse sentido, julgava-se que Marcos fosse muito melhor como pessoa do que a esposa, devido a toda a educação e criação familiar que recebeu durante sua vida.

A série, com direção de Eliza Capai, acerta em mostrar algumas questões como a misoginia judicial e o tratamento diferenciado que a investigação têm por se tratar de um assassinato de uma pessoa de grandes posses. Entretanto, talvez para a infelicidade desta produção, recentemente tivemos o lançamento de O Caso Evandro, que aborda de maneira mais aprofundada e respeitosa um caso criminal brasileiro famoso. Os graves erros de Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime são as escolhas de falas, o que faz com que alguns dos envolvidos fiquem com ar de personagens caricatos e até mesmo com um tom cômico, o que não deveria ocorrer neste tipo de narrativa. 

Algumas perguntas, respondidas tanto por Elize como pelos amigos de Marcos, com meias respostas, demonstraram a compulsão do empresário por pornografia, podendo até levar o espectador a pensar que ele teria se envolvido com crimes sexuais, o que não foi investigado e julgado neste caso, não sendo uma pauta necessária à série. O tom de mistério a alguns discursos poderia ter sido apenas retirado na edição final, focando em aspectos de discussão relevantes, como os preconceitos e a violência contra a mulher.

Inicialmente, a abordagem da narrativa tenta justificar o ato cometido por Elize, como sendo ou matar ou esperar ser morta, quando alguns outros relatos da narrativa levam a outros caminhos. É certo que a produção tem a intenção de fazer quem assiste repensar sobre todos os eventos, mas tentar explicar as motivações que levam uma pessoa ao assassinato não deveria ser um dos caminhos, afinal, elas não diminuem a gravidado do ato. A série é interessante para os que gostam do gênero, mas deve-se ir com poucas expectativas e ter um olhar crítico acerca das escolhas narrativas e de debate aqui apresentadas.

Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime narra a história da Cinderela que teve seu castelo incendiado pela violência psicológica e física de seu casamento. A todo momento a série brinca com essa perspectiva, apresentando elementos dos contos de fadas, como por exemplo, cenas com Elize em uma floresta, trilha sonora como se fosse de uma caixinha de música antiga. É irresponsável na forma como traz as pautas feministas na problematização e na justificativa de algumas ações. E ao se focar nisso, esquece de trazer a problemática principal, a ocorrência de um homicídio de forma responsável, tentando assim justificar o injustificável.

O post Elize Matsunaga: Era Uma Vez Um Crime e a tentativa de justificar um homicídio apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ma Ferreira

Em abril de 1992, na cidade de Guaratuba, no Paraná, desapareceu o menino Evandro Ramos Caetano de apenas 6 anos. Na última vez que ele foi visto, disse que buscaria seu mini game em casa e voltaria para a escola onde a mãe trabalhava, mas nunca mais voltou. Dias depois, alguns lenhadores encontram seu corpo em um matagal. O cadáver estava sem o couro cabeludo, sem as mãos e os dedos dos pés, com o ventre aberto, sem as vísceras e em avançado processo de decomposição.

Após esse bárbaro crime é que se desenvolve a trama apresentada na nova série original do Globoplay, O Caso Evandro. A narrativa é cheia de reviravoltas, infortúnios e grandes erros que foram cometidos na investigação do que foi o mais longo julgamento nacional. Com um clima de conspiração e mistério, somos convidados a participar de uma viagem no tempo para entender o pensamento da época de ocorrência do assassinato e como as informações eram apresentadas na investigação e na mídia.

Na década de 1990, houve um grande desaparecimento de crianças no Paraná. Meses antes do desaparecimento de Evandro, outra criança de semelhantes características físicas, cabelo loiro e olhos claros, Leandro Bossi, de 8 anos, também havia sido raptado. Até hoje não se sabe o paradeiro do garoto e muito se especula sobre as reais ligações entre esse incidente com o que houve com Evandro. As famílias tinham condições sociais diferentes e isso influenciou nas buscas e investigações de ambas as crianças.

Meses após, sete pessoas confessaram o crime dizendo que o menino Evandro havia sido morto para ser usado como oferenda em um ritual satânico. Entre os acusados estavam a esposa e a filha do prefeito da cidade, Celina e Beatriz Abagge, que foram apontadas como as principais mandantes do trabalho. O pai de santo Osvaldo Marcineiro teria realizado a morte da criança para trazer prosperidade aos negócios da família Abagge.

A narrativa da acusação era a de um ritual de magia negra. A alegação era de que crianças estavam sendo raptadas para serem sacrificadas em prol de riqueza e poder a políticos da época. A maneira como eram citadas e apresentadas as questões ligadas às religiões de matriz africana só causou maiores ações violentas da população da região. Até hoje, existem muitos ataques a terreiros com esta mesma visão deturpada de ser algo ligado ao satânico, ponto que a série discute exemplarmente.

A mídia viu a possibilidade de explorar o caso, auxiliando na acusação dos sete, apresentando grande desconhecimento e mesmo preconceitos para com as religiões de matriz africana, julgando as principais suspeitas de envolvimento como bruxas. Por outro lado, havia uma grande pressão em relação ao trabalho da polícia e a uma resposta breve sobre o que havia ocorrido com as crianças. Neste processo de busca de respostas imediatas, muito se errou e muito se inventou.

Durante o processo, várias falhas foram levantadas e reviravoltas no processo ocorrem. Foram vários julgamentos, páginas e páginas dos autos dos processos, provas perdidas e novos exames solicitados. Essa trama diabólica envolve uma investigação particular do tio de Evandro, Diógenes Caetano. Ele se tornou a principal referência para as equipes que investigaram o caso (Polícia Civil, Grupo Tigre, Polícia Militar, Grupo Águia) e fomentou várias conspirações com relação a família Abagge, que era sua rival política e pessoal.

Ao final da série, um novo material é apresentado: as fitas. Convidados a ouvir as gravações, os acusados, a Promotoria e a Defensoria, reagiram ao conteúdo dos áudios. Neste momento de O Caso Evandro, têm-se a problemática clara da tortura sob a qual passaram os suspeitos para confessarem o crime e a história absurda. O que fica nítido é que o caso ainda pode ter mais novidades e que nada do que se sabe sobre ele realmente auxiliou a solucioná-lo.

A produção é muito bem dirigida por Michelle Chevrand e Aly Muritiba. O trabalho com a temática é cuidadoso, com a pesquisa base que veio do Podcast Projeto Humanos, sob a coordenação de Ivan Mizanzuk. O cuidado narrativo aos detalhes, a cronologia de informações que eram divulgadas à época, bem como a maneira que eram exploradas na mídia foram problematizadas. Outras questões que atravessavam a narrativa principal, como a tortura e a intolerância religiosa com relação à Umbanda, foram analisadas e debatidas com especialistas para um melhor entendimento do público sobre a questão.

A problemática das investigações brasileiras no sentido de recursos e falta de alguns conhecimentos à época também é discutida, bem como a punição e a definição de culpados que é dada pela mídia antes mesmo de um julgamento judicial. Há um cuidado especial em dialogar com os envolvidos, que aparecem e contam a sua maneira as informações que não constam dos autos dos processos, por serem seus relatos de vida. A série documental O Caso Evandro é um marco no fazer narrativo policial de produções nacionais.

Ao final da série, tem-se a promessa de uma próxima série documental focada no Caso dos Emasculados de Altamira, que ainda se encontra em pesquisa por Ivan Mizanzuk. Caso semelhante ao de Evandro quanto a maneira com que a polícia e a mídia o abordaram, bem como na ideia de uma seita satânica que usava crianças. 

O Caso Evandro é uma importante reflexão para pensarmos em como atualmente o sistema judicial tem sido falho e a mídia muitas vezes faz o papel de juiz. Um exemplo recente é o Caso Lázaro, que teve um final execrável, não dando ao acusado sua chance de ser julgado e condenado. O erro é grave por privar as famílias das vítimas da verdade. Evandro e outras pessoas ainda esperam por justiça.

O post O Caso Evandro é um marco na narrativa de crimes reais brasileiros apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Júlia Paes de Arruda

Medo, insegurança, tristeza, pressão estética, ansiedade, tensão. Todos esses sentimentos foram os combustíveis para que a bomba interna de Demi Lovato chegasse ao seu limite em 24 de julho de 2018. Três anos depois, a cantora abre seu coração de uma forma honesta, sensível, comovente e corajosa à respeito daquela noite que, milagrosamente, foi sobrevivente. 

O documentário Demi Lovato: Dancing With The Devil, disponível no YouTube, é dirigido por Michael D. Rather e conta a história do antes e depois da overdose pelo ponto de vista de Demi. Depoimentos de amigos, familiares e da equipe da artista são adicionados para construir arcos complementares à memória da cantora. Dessa forma, os relatos tornam-se mais verídicos e mais maleáveis de fazer o público entender o que aconteceu de fato. 

Cada episódio aborda um tópico específico e, além de um aviso de conteúdo delicado, a descrição de cada vídeo nos informa meios de pedir ajuda, ainda que seja em território estadunidense. A sacada de Demi, aqui, é extremamente importante e grandiosa. Disponibilizar seu documentário numa plataforma gratuita e de alcance imensurável é indefinidamente significativo, não só pela visão lucrativa (algo que, creio eu, Demi não se importe), mas que possibilita uma apreciação e uma ligação ainda maior com os sentimentos da cantora.

No primeiro episódio, pessoalmente o mais tocante, Demi convida o público a entender sua situação antes da quase fatídica noite. A princípio, ela comenta que sua ardilosa habilidade em mentir possibilitou que escondesse suas emoções das pessoas a sua volta e que, de alguma forma, isso se estourou no dia da sua overdose. Retomando seu passado, a cantora conta sobre o relacionamento com seu pai, algo que a afetou de diversas maneiras. Os problemas dele com a bipolaridade, alcoolismo e violência doméstica foram os pontos cruciais que a fizeram perceber que “fazia mais mal do que bem tê-lo na minha vida” e, por isso, cortou qualquer relação de parentesco.

Demi define a morte de seu pai como complicada, ainda mais porque ele acabou do modo que ela mais temia: sozinho. Em seu álbum Confident (2015), a artista compôs Father como forma de homenageá-lo e, até mesmo, declarou: “Eu espero que o céu tenha te dado uma segunda chance”. Aqui, vemos uma característica extremamente admirável em Demi: seu poder de perdão. Eu digo admirável, mas acho melhor definir como destemida. Creio que depois de toda a dor, conflito e angústia com a qual viveu por tanto tempo, perdoar é o ato de mais pura bravura, algo que, particularmente, seria difícil de engolir. 

O momento de mais tensão e, provavelmente, o mais enojante (e você sabe o porquê) de todo o documentário é quando Demi assume que foi estuprada naquela mesma noite. O traficante que havia ido à sua casa aproveitou da oportunidade dela estar alterada, praticamente desmaiada, e a abusou. Já no hospital, a artista afirma que havia sido consensual. Porém, depois de vários flashes daquele momento virem a sua memória, ela mesma começou a se dar conta de tudo o que aconteceu. Sua coragem não fica restrita apenas a essa declaração, mas também ao recriar aquela situação no clipe de Dancing With The Devil. Não tenho palavras suficientes que possam definir sua atitude como pessoa, mas principalmente, como mulher.

“Sinto que decisões foram tomadas por mim mais do que eu decidi por mim mesma”.

Demi nunca deixou de falar sobre seus transtornos alimentares, entre eles a compulsão e a bulimia. Grande parte desse trauma veio junto com suas participações em concursos que eram resumidos na beleza e no talento de suas participantes. Com o passar do tempo, sua autoestima foi extremamente danificada. A antiga equipe da cantora a sujeitava em controle e restrição de comida tão rígidos que, durante 8 anos da vida, ela não podia apreciar um digno bolo de aniversário. Somente bolos de melancia eram permitidos por serem menos calóricos e com poucos índices glicêmicos. Somado a isso, dietas rigorosas e excesso de exercícios desandaram ainda mais a estabilidade emocional da artista. 

Nas gravações da turnê Tell Me You Love Me, ela assumiu que as roupas deveriam ser feitas para encobrir o fato de ter engordado. Porém, ela fala enraivecida que “tudo parece tão bom no desenho já que a modelo tem 2 metros, pesa 50kg e tem uma cintura de 15 cm”. A diversidade de corpos na moda ainda é um tabu e a câmera de Rather consegue comprovar esse tópico ao mostrar os desenhos dos estilistas em comparação às roupas no próprio corpo da cantora. Aliado ao sentimento imposto pela mídia de se tornar um ícone, Demi nunca conseguiu se recompor por completo dessa ferida que, mesmo com grandes picos de amor próprio, ainda insiste em abrir.

Tudo parecia estar encaminhado. Após anos sem se apresentar, Demi foi convidada a se apresentar no Grammy 2020 com sua canção de pedido de ajuda, Anyone. Ali foi seu momento de redenção e de libertação. De maneira sensível, sua voz chega a um outro nível. Ganha força, poder e autonomia de expressar com franqueza tudo que estava estagnado por muito tempo. Isso se mostrou ainda mais verídico com a sua apresentação no Super Bowl cantando o hino nacional estadunidense. 

Ela também havia ficado noiva do ator Max Ehrich, mesmo com pouco tempo de relacionamento. Com a chegada da pandemia, os dois passaram a viver em quarentena juntos. Contudo, não demorou muito para a relação do casal terminasse. Juntos por cerca de 4 meses, a cantora afirmou que tudo acabou se acelerando com o ano atípico de 2020. Ela não declara que essa experiência foi jogada fora, mas que possibilitou olhar para si mesma e viver do modo mais autêntico possível antes de se aplicar um rótulo.

Demi admite que suas opções de tratamento não podem ser taxadas como eficazes para todo mundo. Entretanto, depois de uma vida de restrições e extremos, essa foi a maneira que ela encontrou para manter seu equilíbrio, ainda tendo sua válvula de escape. Como disse a própria mãe, Dianna De La Garza, “a sobriedade precisa ser escolha sua, de mais ninguém. Se for a escolha de outra pessoa, não dura”. Infelizmente, esse sentimento é verdadeiro. Não se pode ajudar uma pessoa que não quer ser ajudada. 

A premissa de Dancing With The Devil, além de expor as emoções da artista, serviu como forma de limpar o nome da ex-coreógrafa Dani Vitale, que foi alvo de diversas críticas e ameaças das batatas podres da cultura de fãs. Inclusive, Demi pede desculpas publicamente por ter demorado tanto tempo para que a versão de Dani fosse contada. Tudo que aconteceu naquela noite foi difícil de ser assimilado e, com a terapia e a reabilitação, ela precisou de um prazo maior para poder abrir seu coração.

São inúmeras lições que se pode tirar do documentário Dancing With The Devil. Pessoalmente, a mais valiosa é sobre costurar as feridas da maneira mais cirúrgica possível, sendo sincera consigo mesma e com as pessoas à sua volta. Falar sobre seus sentimentos não é ruim, ‘feminino’ e muito menos vergonhoso. Demi finaliza seu desabafo com mudanças. “Não viverei mais para os outros ou suas manchetes ou seus tweets”, afirma iniciando sua arte de recomeçar. 

Se você precisa de suporte, é possível buscar ajuda. Você não está sozinho. O Centro de Valorização da Vida (CVV) promove apoio emocional gratuitamente, sob total sigilo, pelo telefone 188, e-mail e chat 24 horas por dia, todos os dias. 

Se você é dependente químico, não tenha medo de pedir ajuda. Os Alcoólicos Anônimos Online atendem todos os dias das 20h às 22h. Você é importante, suficiente e não merece passar por isso. 

O post A arte de recomeçar de Demi Lovato é mais que uma conversa sincera apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.