Esther Chahin

Às ruínas de uma vila de beleza tocante no coração da Itália, o corpo de Eve se estilhaça no chão. Os planos de Villanelle (ou Oksana) de iniciar sua nova vida pacata ao lado da mulher que ama – se é que esse é o sentimento – se desfalecem. Por consequência, o olhar da assassina russa muda e, com isso, Polastri deixa de ser intocável. Esse é o terreno que a irreverente Emerald Fennell, principal showrunner da segunda temporada de Killing Eve, deixa para Suzanne Heathcote, quem a sucede no cargo. Em 2020, Jodie Comer e Sandra Oh se juntaram à Fiona Shaw (Carolyn Martens) e Kim Bodnia (Konstantin Vasiliev) e voltaram ao elenco da produção em uma nova leva de episódios que comemora o seu quinto aniversário em 2025.

Após dois anos pensados por verdadeiros expoentes do entretenimento britânico, as expectativas para o retorno da produção estavam altas. Aqui, o principal desafio dos roteiristas da obra é explicar a imensa quantidade de mistérios herdados que surgiam exageradamente na trama, bem como desenvolver relações as quais, naquele momento, pareciam destroçadas. Villanelle havia atirado em sua assim chamada “ex-namorada”, enquanto as decisões de Carolyn e Konstantin romperam com a confiança que nutriam junto à Eve e à serial killer apaixonada por moda. Daí, surge a questão: “como suceder uma narrativa cujos pilares já não estavam mais ali?” 

Pois bem, o desafio foi aceito. No episódio Devagar Se Vai Longe, que inaugura a temporada, os quatro protagonistas tentam seguir com suas vidas das formas mais inesperadas o possível, indo desde um casamento sáfico em uma província da Espanha, até New Malden, centro cultural coreano em Londres. Porém, assim como a última operação do MI6, tais tentativas nem se aproximaram do êxito. Agora, um grupo de personalidades estreantes no enredo renovam a atmosfera da produção enquanto a grande pergunta da vez tenta ser respondida: “quem matou Kenny?”. O novo enigma é o suficiente para reunir o quarteto novamente, embora a reunião fosse pouco provável. 

O surgimento de uma nova incógnita, entretanto, não parece o caminho certo a ser seguido na nova leva de episódios de Killing Eve. Ainda que o público, realmente, anseie para descobrir quem o matou, a quantidade de mistérios iniciados, mas insatisfatoriamente resolvidos, coloca em cheque o quão apropriado é iniciar mais um deles. Se no primeiro ano, a grande investigação que movia Eve Polastri girava em torno dos Twelve (Doze, em português), agora a eterna Cristina de Grey’s Anatomy se embaralha em múltiplas dúvidas sem que nenhuma delas seja respondida. Assim, a produção caiu na armadilha para reter a atenção do público, mas, quando se deu conta, transformou a narrativa em uma amálgama de problemas. 

Porém, se engana quem pensa que a grande aposta de Heathcote para terceira temporada de foi, apenas, o assassinato de Kenny. A showrunner da vez inovou na abordagem adotada pela série até então ao humanizar os personagens principais. Nos anos anteriores, a única preocupação dos quatro protagonistas aparentava ser o bom desempenho frente aos Doze – seja obedecendo-lhes ou os investigando. Dessa vez, os serviços prestados por Villanelle passam a atormentá-la, Eve deixa de negar seus sentimentos para com a serial killer, Konstantin teme pela própria vida e, surpreendentemente, Carolyn se vê acuada em ambas esferas, pessoal e profissional. 

Embora a humanização dos personagens seja inédita na trama, desde o começo a audiência já mostrava-se envolvida com eles – em especial, com a personagem interpretada por Jodie Comer. É indiscutível que um pouco de carisma, senso de humor e estilo foram o suficiente para transformar uma assassina em série com traços de psicopatia em uma grande queridinha do público. Tal favoritismo da protagonista fez com que um enorme parênteses fosse aberto dentro da terceira temporada para explorar suas origens. Ainda que a deixa parecesse, inicialmente, desnecessária e desconexa, Heathcote obteve êxito encaixando-a na narrativa e, de bônus, prestou um bom Fan Service (serviço para os fãs, em tradução literal). 

Inclusive, quando se fala no agrado aos fãs de Killing Eve, o romance implícito, mas latente, entre Eve e Villanelle não pode ser esquecido. No terceiro ano, a temática é perfeitamente explorada dentro da narrativa. A atração recíproca entre as personagens aparece nos momentos certos para que não se torne o centro da trama, mas, ainda assim, instigue os que torcem pelo casal atípico. O clímax de tal relação ocorre logo nos primeiros episódios, quando, após um embate físico, elas se beijam pela primeira vez na série. O inesperado, e que pode desagradar parte da audiência, é que a cena pouco altera a dinâmica da dupla: Oksana volta à Barcelona e o momento só é lembrado quando Polastri é presenteada com um bolo que referencia a ocasião – o qual arremessa pela janela. 

Presente ora nos enigmas pouco respondidos, ora na paixão secreta que as protagonistas nutrem mutuamente, o implícito é o grande cerne do enredo da série. A audiência consome a produção na expectativa de que o escondido seja, finalmente, escancarado. Por sua vez, o roteiro constantemente avança em direção a satisfazer tal desejo, mas recua pouco antes. No episódio que encerra a temporada, intitulado Você Conduz ou Eu?, a tentativa frustrada de Konstantin de fugir da Europa promete revelar mais informações sobre os Doze, enquanto Eve e Villanelle, pela primeira vez juntas e sem negar os próprios sentimentos, apontam para a tão esperada união entre ambas. 

No entanto, na iminência de atender as vontades do público de uma vez por todas, Heathcote desiste completamente. É assassinada a então maior fonte de informações sobre a organização criminosa que permeou todo o enredo e, para decepção da audiência, a dupla principal segue (literalmente) caminhos opostos em uma cena comovente que encerra a temporada. Dessa forma, a obra se coloca em um local arriscado: até que ponto os que a consomem estarão dispostos a sofrer tantas rupturas de expectativa? O risco assumido pelo roteiro junto ao seu desenvolvimento pouco produtivo fadou a série ao cancelamento logo após a quarta temporada, mas o fato não reduz seu brilhantismo. A produção reuniu personagens carismáticos, mesclando humor, suspense e amor lésbico. Com toda certeza, Killing Eve deixa saudades, e um sotaque russo na cabeça também. 

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Marina Iwashita Canelas

Com elenco de peso, Jessica Yu volta após seis anos desde o seu último longa-metragem com Quiz Lady, que tem como missão unir duas irmãs distantes para pagarem a dívida deixada pela mãe e salvarem o cachorro de Anne, Mr. Linguini. As atrizes Sandra Oh (Jenny) e Awkwafina (Anne) são escaladas nessa trama que dá papel à representatividade asiática, ressignificando e mostrando a força da família e do amor.

Apesar de ser uma comédia padrão que segue um estilo road-trip movie, o que nos prende desde o início é a boa atuação das personagens. Awkwafina e Oh são irmãs totalmente opostas. Enquanto a primeira repete o estereótipo que a pôs no mapa de Hollywood com Anne – que tem falas rápidas, postura curvada e olhar para baixo, sendo mais introvertida e ranzinza, além de amante desde criança do programa Can’t Stop The Quiz –, a segunda, por outro lado, atua entre o drama e a comédia com uma versatilidade em todos os níveis de atuação, dando vida à uma Jenny carismática que, apesar de ser a irmã mais velha, age como a mais nova e irresponsável. Para quem conhece a atriz pelos seus papéis mais clássicos, a mudança nítida de estilo de personagem choca pela boa atuação.

O roteiro busca trazer paradas ao longo da viagem das irmãs pelo país para Anne participar do seu programa favorito, colocando à prova a relação desfalcada e com traumas delas. Além disso, o texto conta com improvisações e piadas de mulheres asiáticas, como a fala de Jenny: “Ah, é tão difícil ser uma mulher asiática na América!”, sem pesar na trama. Isso porque as protagonistas são cômicas sobre elas mesmas, sem se levar tanto a sério, principalmente Oh com sua personagem mais dramática.

Quiz Lady ainda traz a participação de ótimos atores coadjuvantes. Jason Schwartzman, por exemplo, é o competidor determinado e egocêntrico Ron Heacock, que busca bater o recorde do programa; Tony Hale é o cômico Benjamin Franklin, dono de uma pousada temática; e Holland Taylor, a idosa vizinha de Anne que tem crush em um cara que ela acha que é ator, mas não é. Com esse elenco de peso, vemos as personagens tendo interações orgânicas e naturais, quase como se conhecessem há muito tempo.

Vindo do recente Barbie, Will Ferrell estrela como o apresentador do quiz, Terry McTeer, e tem destaque entre os coadjuvantes. Companheiro de todas as noites de Anne há muito tempo, ele é quase o apresentador do programa Jeopardy!, Alex Trebek, mas com uma energia mais ingênua, gerando uma proximidade entre apresentador e espectador. Por conta disso, Anne parece vê-lo como uma figura paterna desde sua infância traumática.

A luta de Anne na seletiva para participar do Can’t Stop The Quiz é árdua. Isso porque a personagem tem ansiedade e não gosta de interagir com outras pessoas. Jenny acaba tendo um papel central como irmã mais velha, ajudando-a a passar por essa etapa desafiadora da vida para que consigam de volta o Sr. Linguini. É nesse período também que vemos ela ficando mais responsável e crescendo na vida adulta.

Desde o início do encorajamento e proximidade das personagens, vemos as irmãs ensinando coisas uma para outra. As duas atrizes nos fazem sentir que, de fato, existem temas do passado não resolvidos entre elas, portanto, quando momentos de conversas íntimas e de reaproximação acontecem, a vida real é realmente refletida no longa.

Quiz Lady cumpre seu papel de comédia. Apesar de ser previsível, traz personagens divertidos e únicos que nos entretém durante toda a evolução pessoal que cada ator tem no seu papel. Para quem tem irmãos, o filme toca em uma parte mais sensível e pessoal de cada um, o que torna o longa realmente mais especial. Com um bom senso de humor, Jessica Yu consegue fazer de Quiz Lady um bom comfort movie.

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Victoria Silveira

Amanda (Sandra Oh) e Chris (Fivel Stewart) são mãe e filha em Umma. As duas vivem reclusas em uma propriedade sem energia elétrica e acesso a aparelhos eletrônicos , dedicando-se à produção de mel vendido com o nome de Chrissy’s Honey Bees. Por um lado, Amanda abdica da estabilidade profissional como contadora para cuidar da filha e assumir papel de educadora, além de administrar a pequena empresa; por outro, é dominada por traumas passados e sobe fortalezas físicas e emocionais – das quais Chris não é só parte integrante, mas a principal – contra o mundo. 

A matriarca é filha de sul-coreanos que migraram para os Estados Unidos. Sendo de primeira geração, o desejo de pertencer a faz querer cultivar uma vida digna e trabalhadora, porém, ao mesmo tempo, lhe causa medo e apreensão  – principalmente no que diz respeito a se desconectar culturalmente e perder valores tradicionais e ritualísticos. Já Chris, de segunda geração, trabalha com a mãe e, apesar de ter ensino básico, nunca teve perspectivas de cursar ensino superior. Somado a isso está o receio de se tornar a própria mãe (ou umma, em coreano). 

As lembranças que Amanda têm de sua infância com sua própria Umma (MeeWha Alana Lee) são ruins e perturbadoras. O futuro de Chris, então, a preocupa por dois motivos: primeiro, por representar o afastamento de tudo que ela lutou para construir no país acolhedor; segundo, e principal, por significar seu fracasso em conseguir ser uma mãe diferente de Umma. Para ela, uma mãe que ama, cuida e cria um lar não deve ser abandonada. Intrinsecamente, isto a torna super-protetora e obsessiva, privando a filha de tomar suas próprias decisões. Para Chris, as ideias de honra e orgulho no trabalho e na família são limitadoras, impedindo-a até mesmo de imaginar uma vida diferente. Tais ideias são postas à prova quando a menina recebe em mãos a ficha de inscrição para a universidade.

Este é o pontapé inicial de Umma (2022), dirigido por Iris K. Shim. O desencadeamento da dúvida, em vista das possibilidades de abandono e de um futuro melhor, leva Chris a uma crise de valores. Entende-se, portanto, que o longa-metragem se vale da narrativa para discutir questões principais: herança cultural, traumas em família, maternidade doentia e o futuro para filhos de migrantes.

Por meio de camadas de terror e drama, o público é apresentado a uma realidade inevitável na qual tradições batem de frente com as novas ideias, irrompendo conflitos geracionais. Ademais, o filme é do subgênero Sobrenatural, podendo ser reconhecido como uma ghost-story ao tratar de entidades fantasmagóricas e ritos de passagem.

A história do filme se desenrola com o repentino sucesso da empresa depois de viralizar na internet  – informação repassada às meninas por Danny (Dermot Mulroney), revendedor do mel e amigo. Na mesma época, Amanda recebe a visita de um tio distante, Mr. Kang (Tom Yi). Ele traz a notícia da morte de Umma e lhe entrega uma mala, que contém a urna funerária e objetos de cortejo.

O tio reitera as expectativas que Umma tinha com relação à manutenção da cultura coreana na futura família de Amanda e pontua a importância dos rituais pós-morte. Estes são cerimônias de passagem e homenagem; Amanda, certa vez, explicou a Chris: “Alguns coreanos acreditam que as dificuldades da vida são causadas por espíritos atormentados de seus ancestrais. Então, eles fazem ofertas para acalmar suas almas torturadas”.

A mala aterroriza Amanda, trazendo traumas e aspirações fracassadas à tona. A ideia de continuar a tradição e a cultura coreana compulsivamente envenena sua mente; os casos de tortura e violência que viveu com Umma na infância são retomados em sonhos acordados, como uma verdadeira assombração fantasmagórica. Os objetos na mala — uma tal (máscara que era usada por mulheres de diferentes gerações) e uma caixa de Música — também eram usados para tortura.

Este clima de assombração não depende somente do enredo. Para além, os elementos cinematográficos, como uma espécie de ponte, conectam o público ao mundo interior dos personagens. Desta forma, são essenciais para o ambiente e a sensação de assombração, destacando-se em certas cenas. Tanto conteúdos imagéticos quanto sonoros são incrementados por esses elementos, havendo diferença apenas nas profundidades e praticidades em cada caso. Ainda assim, de forma unânime, a inadequação, a curiosidade e a desconfiança são passadas aos espectadores através deles.

Enfoque e enquadramento

Na cena em que Chris está de bicicleta indo comprar equipamentos na loja de Danny para expandir a apicultura, ela é parada na mão-dupla por um carro dirigido por um coreano (posteriormente entendido como o tio) que, aparentemente, não fala inglês. Enquanto procura entender o homem, a menina nota uma curiosa mala no banco do passageiro.

Uma amarração na alça chama sua atenção e esta é a última coisa que consegue ver antes do carro seguir viagem subitamente. Nota-se que o enfoque dramático, marcado pelo enquadramento lento e criterioso, do elemento o torna um objeto de interesse para o espectador. E, então, também para a história que se segue.

Este é um recurso da Fotografia cuja intenção é premeditada. Perguntas como “quem é ele?”, “o que pretende?” e “o que há na mala?” são propositadamente colocadas aos espectadores. Assim, a câmera aponta uma incerteza a ser desvendada por Chris, que será importante no decorrer da trama. Para além, a própria simbologia da mala, como um objeto cerrado e que carrega algo misterioso, corrobora com o suspense proposto.

Desfoque

Na cena um pouco mais adiante, Mr. Kang está na casa conversando com Amanda sobre sua vida isolada e a perda de conexão com Umma. Ele diz, em coreano: “Sua mãe está morta. Ela morreu alguns meses atrás. Eu teria vindo antes, mas te achar é quase impossível. (…) Em seu último suspiro, ela [Umma] tentou te alcançar. Como se você estivesse ao lado dela”.

Neste momento da fala, atrás do tio, a figura de Umma aparece desfocada estendendo o braço a Amanda (que agora via o tio como a câmera mostrava, como se esta fosse seus olhos e se confundisse imageticamente com sua mente, em recordação e/ou assombração). Aqui existe uma liberdade da Fotografia adotada por Shim e Matt Flannery que transmite os sentimentos da forma mais íntegra, através da captura do olhar e, logo em seguida, da expressão facial correspondente .

Depois, em uníssono com Umma, Mr. Kang repete: “Soo-Hyun, é você?”. E continua: “Foi assim que ela te chamou. (…) Os médicos disseram que ela teve um ataque de coração, mas eu sei que foi por sua culpa que ela se foi. Que tipo de filha abandona a própria mãe?”.

Amanda responde, em coreano: “E quanto a mim? Quem estava lá para cuidar de mim?”. Mr. Kang, então: “É a criança que deve obrigação aos pais, tanto na vida quanto na eternidade que a segue. (…) E agora ela está presa neste mundo como uma gwishin [aparições fantasmagóricas de mortos do folclore coreano]. A raiva de sua mãe vai crescer e crescer enquanto ela estiver nesta mala. Por isto você deve…”. Amanda o interrompe rapidamente, mandando-o sair da casa (dessa vez em inglês). O tio sai, dizendo: “Todos os dias a dor dela será veneno para você. Sua mãe sempre consegue o que quer. Você sabe o que ela é capaz de fazer”.

Luz e sombra (chiaroscuro)

Nos momentos iniciais do filme, antes mesmo da chegada do tio, Amanda dorme inquietamente por conta da chuva forte e trovoadas. As descargas elétricas a fazem relembrar as torturas que sofreu nas mãos de Umma quando criança. Na cama, Amanda abre os olhos e vê, na escuridão quase completa  —  com exceção da luz da noite que transpassa a cortina branca do quarto  — , os contornos de Umma, como se estivesse sentada em uma cadeira, encarando Amanda de frente.

Um trovão torna o quarto claro por alguns segundos, acompanhado de um barulho ensurdecedor e da revelação de que não há ninguém na cadeira no quarto de Amanda. O trabalho da Fotografia aqui é se valer do plano ponto de vista (a câmera como os olhos e mente da personagem) para revelar o terror aparente que a ghost-story, até então, pretende só levemente introduzir.

Neste momento do filme, não há grandes contextos e contornos da trama, além da insinuação de um certo trauma de infância e de razões sombrias acerca da adoção da vida sem eletricidade. Então, nesta cena, a presença de uma figura na penumbra, ainda desconhecida ou não propriamente identificada para o espectador, cumpre papel de apresentar o horror antes mesmo da dramaticidade realmente tomar conta ou poder justificar qualquer absurdo, como premonição ou trovoada antes de chuva.

Outra cena notável se dá já com a presença da mala na casa. Amanda acorda uma noite depois de ouvir a voz de Chris a chamando de longe, gritando e chorando: “Mamãe, me ajude!”. Ela, então, agarra um lampião e vai para o quintal atrás da gwishin.

Neste momento da narrativa, a assombração já possui contornos contextuais e, assim, estava sendo reiterada. A iluminação, na escuridão da noite, é inteiramente carregada pelo lampião. Sua aproximação do rosto de Amanda revela expressões de medo e raiva; o afastamento, provoca uma falta de noção dos espaços tanto para a personagem quanto para o público.

Ouve-se a voz de Umma dizendo “Soo-Hyun, é você?”. Distanciando a luz, Amanda vê, ainda que sem total claridade, o rosto mascarado no escuro. Ao redirecionar a luz, Umma é perdida de vista. Novamente, a ação é acompanhada por uma música repentina e curta, demarcando o susto junto do desandar da respiração da personagem.

Há mais uma cena noturna, mas dessa vez sem perseguições. Sentada ao lado da cama de Chris, Amanda confessa à filha suas razões para não ter falado de Umma antes: “Não queria que você a conhecesse. Meu pai disse que ela era tão radiante e divertida quando eles se casaram, na Coreia. Então, eles vieram para os Estados Unidos. (…) Depois que ele foi embora, eu era tudo que ela tinha. Tive que fazer tudo. Tive de aguentar tudo. Toda a raiva dela. Toda a maldade”.

Durante o monólogo, somente o rosto de Amanda está iluminado. Isto relembra o espectador da tal, a máscara de Umma. Desta forma, brincando com o chiaroscuro, a Fotografia torna mãe e filha a mesma pessoa, enquanto a fala reitera a distância entre elas e a promessa feita. Novamente, Shim brinca com as ideias de aproximação e afastamento.

Sons súbitos

Ainda nos momentos iniciais do filme (antes da chegada do tio), uma chuva violenta assusta Amanda. Ela se levanta da cama e chora junto das trovoadas. Chris a encontra, com o auxílio de uma vela. Esse momento vem acompanhado com os traumas de Amanda. Ouve-se sons súbitos que remetem à eletricidade, intercalados aos das trovejadas.

Para o espectador, as torturas de Umma são introduzidas por flashbacks. Estes são tanto imagéticos  – como trechos de Amanda pequena chorando presa em um armário ou das violências físicas com fios elétricos e cabos de extensão  –  quanto sonoros  – como a repetição de diálogos passados entre Amanda e Umma, marcados por choros e gritarias abafadas e de memória.

Os flashbacks são, também, acompanhados por momentos em que a mãe vaga sozinha na casa ou pela propriedade, com fenômenos sonoros notáveis – assinados pelo sound designer Marti D. Humphrey – e Fotografia minuciosa. Nesses momentos, a aparente insegurança da personagem incita desconfiança dos espectadores, que esperam pelo pior em constante estado de alerta. Isto configura uma boa ghost-story.

Sons contínuos e repetitivos

Pensando em sons contínuos e repetitivos, uma cena específica chama atenção: cena em que fortes tecladas na máquina de escrever (por Chris) e marteladas em caixas para colmeias (por Amanda) se intercalam. Como são súbitas tecladas e marteladas, o susto é instigado e a incerteza da repetição é posta ao público. Vale ressaltar que, um pouco antes dessa cena, se dá uma importante conversa entre Danny e Amanda. 

Entende-se que esses sons são representações do processo de abandono e afastamento  – inscrição para a universidade  –  e da vontade de permanência/aproximação  – construção de mais uma colméia para a pequena empresa. Assim, o recurso da analogia imagética e até mesmo sonora é muito utilizado por Shim em Umma, tornando-se uma característica intrínseca de sucesso com a cinematografia, realizada por Flannery.

Deturpação imagética

A deturpação imagética é essencial numa história de fantasmas, uma vez que conecta o mundo interior das personagens com a realidade do que se vê. A cena exemplificada mostra o momento em que, ao abrir a mala pela primeira vez, Amanda vê a boca da máscara de Umma sugar o ar. Fora do contexto de assombração seria impossível, mas é por ser um caso de externalização do estado mental aterrorizado.

Isto é, aquilo que se sente passa a ser aliado do que se vê. Sabe-se que é uma deturpação, que Umma não está realmente ali, mas o susto e o sentimento da presença é eternizado pela imagem. Esta e outras formas de assustar com o visual, quando corretamente realizadas, são capazes de tornar um filme de terror qualquer em uma produção espetacular.

Inclinação de câmera (dutch angle)

Como se dá em outros momentos do filme, a inclinação da câmera, de forma lenta e até mesmo macabra, é usada como artifício do terror e do drama. O chamado dutch angle acentua a assombração numa ghost-story, já que a mudança de eixo e a dissonância visual causam desconforto, perturbação e apontam uma suposta irregularidade no ambiente.

A cena acima é um exemplo disso. Neste momento da história, a casa é assombrada pela chegada da mala. Isso é demonstrado ao público, primeiramente, pela inclinação da câmera; depois, pelo enfoque no rosto assustado de Amanda. Afinal, o movimento de câmera se alia à atuação para instigar dramaticidade, que consolidam Umma no gênero das ghost-stories: “Por si só, o movimento da câmera é inútil. Mas quando você o combina com a atuação dos atores e todas as informações que você já deu ao público, pode ser muito poderoso. (…) O movimento da câmera é como pontuação na escrita (…). A frase faz a maior parte do trabalho, mas a pontuação ajuda a guiá-la na direção certa”, segundo Simon Cade, criador do canal DSLRguide.

Quando perguntada em entrevista para o The Beat, Iris K. Shim afirmou ter se envolvido na escrita para o filme sabendo que seria algo pessoal, buscando pôr em questão sua própria identidade como filha de migrantes. As raízes coreanas, principalmente no que diz respeito às tradições e rituais, passaram despercebidas por ela durante muitos anos – e este é o caso de Chris. Assim, a conversação com as próprias matizes do Terror é outra forma de voltar-se às origens e se conectar.

Não é por pouco, então, que a cinematografia de Umma foi recheada de pequenas homenagens ao cânone. A deturpação imagética, por exemplo, é chave para quase todos os filmes que tratam do horror; o enfoque, por sua vez, é essencial para a criação da subjetividade e vulnerabilidade das personagens. Afinal, a volta ao tradicional também é passível de inovação – e é isso que Matt Flannery e Marti D. Humphrey fazem aqui, respectivamente, através da Fotografia e Som.

No final das contas, a cinematografia de Umma é excelente justamente por valer-se de todas as estratégias usadas em filmes de terror. Isto é, o som e a imagem são exacerbados e assustam tanto quanto a história retratada. Embora boa parte do público tenha enxergado esse excesso como algo ruim ou muito canônico, na verdade, não passa de uma homenagem ao gênero e às suas diversas formas de confecção.

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Thuani Barbosa

Se você está procurando algo fofo e divertido, mas que tenha sua pitada de realidade e lição de vida, Red: Crescer é uma Fera é o filme certo. Mantendo uma estética focada nos anos 2000, a era dos tamagotchis e boy bands, a animação esbanja fofura, musicalidade e tradição. Lançado em março de 2022, o longa animado faz parte do conjunto de produções da Pixar com a Disney, assim como Luca, Soul e Viva: A Vida é uma Festa. 

O filme, originalmente chamado de Turning Red, é comandado pela diretora e roteirista Domee Shi, responsável pelo curta-metragem Bao, que lhe rendeu um Oscar na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, em 2019. Já Red é sua estreia em longas na Pixar, cujo lançamento deveria acontecer nos cinemas, mas, devido à pandemia e ao crescimento dos catálogos de streaming, chegou diretamente no Disney+. A produção também foi o primeiro longa-metragem do estúdio a ser dirigido unicamente por uma mulher.

A trama se inicia apresentando a protagonista Meilin Lee (voz original de Rosalie Chiang e dublada por Nina Medeiros na versão brasileira), uma pré-adolescente canadense com descendência chinesa, espontânea, animada e extremamente amável. Mei tem fortes laços com sua família, principalmente sua mãe (voz original de Sandra Oh e dublada por Flávia Alessandra), e ambas cuidam do templo da família, dedicado aos ancestrais e aos pandas vermelhos, em Toronto. Ming se mostra uma mãe controladora e extremamente preocupada com o futuro de sua filha, deixando-a pressionada à perfeição, limitando o tempo de Mei-Mei às tarefas e filtrando as amizades da garota.

Entretanto, suas amigas Miriam (Ava Morse), Priya (Maitreyi Ramakrishnan) e Abby (Hyein Park) são parte fundamental da história. Simpáticas, excêntricas e fofas, elas possuem suas próprias paixões e estilos, como toda adolescente comum, mas são unidas pelo amor Philia. Após sua primeira transformação em panda vermelho, frustrada com a fera que a habita, Mei-Mei se descontrola e encontra no amor pelas amigas seu lugar de paz e tranquilidade. Contudo, o grupo das meninas se mantém firme não somente pelo poder da amizade, mas também pela boy band 4*TOWN.

As letras da banda 4*TOWN foram compostas pelos ícones do pop atual Billie Eilish e Finneas O’Connell, recém ganhadores do Oscar de Melhor Canção Original pela música No Time To Die. Os irmãos escreveram canções especialmente para o filme: Nobody Like U, o hit de maior sucesso, U Know What’s Up, uma canção de empoderamento, e 1 True Love, com uma letra mais romântica e melodiosa. Todas são cantadas pelos rapazes talentosíssimos: Robaire (Jordan Fisher), Aaron Z. (Josh Levi), Aaron T. (Topher Ngo), Jesse (o próprio Finneas O’Connell) e Tae Young (Grayson Villanueva). O papel do quinteto na trama está diretamente ligado ao amadurecimento das garotas, sua liberdade de expressar os sentimentos e admiração por seus ídolos, mesmo que questionados pelos pais. 

Outro ponto de destaque para a animação é a diversidade facilmente encontrada em várias cenas e personagens, como no zelador muçulmano da escola, ou em Priya, que possui descendência indiana e recebe, por parte da direção, importância para com sua cultura e ancestralidade, atitude demonstrada em outras produções, como a já citada Viva, em que a atenção aos detalhes foi vista com a montagem dos altares e representações culturais. Tais qualidades foram colocadas a prova com a dublagem nacional, e com certeza reprovaram, pois a atenção que os produtores tiveram ao escolher dubladores que contemplassem a nacionalidade de seus personagens não tiveram qualquer consideração na versão brasileira.

Os gráficos utilizados também foram muito criticados pelos internautas, uma vez que a postura anterior da Pixar foi produzir filmes mais clássicos e com traços mais robustos, como a franquia Toy Story. Já a Disney, parceira nas criações, tem um lado mais versátil, focando em momentos diferentes.  Portanto, a crítica dos fãs veio da fofurização do desenho, julgando que o estilo Pixar se aproxima mais de gráficos como os de Raya e o Último Dragão, que são menos caricatos, corroborando a ideia de inversão dos papéis entre as produtoras. Mas, a reclamação do público não está totalmente  correta, uma vez que ela ignora a versatilidade da produtora.

Ao fim, a história mergulha em vulnerabilidade, mostrando o quanto cada pessoa tem suas feridas e como elas podem afetar gerações, reafirmando a frase dita no início: “Honrar os seus pais parece ótimo, mas se não tomar cuidado pode acabar não honrando a si mesmo”. Red: Crescer é uma Fera apresenta um diálogo atual sobre o amadurecimento e pressão social e familiar, e ainda assim consegue manter a graciosidade de uma menininha de 13 anos, com toda a sua espontaneidade e paixões. O longa animado deixa uma mensagem de liberdade, pois Meilin libertou sua fera interior e a deixou guiá-la. E você, vai abraçar a sua fera?

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Larissa Vieira

Há quem diga que se tornou modinha falar mal de Grey’s Anatomy. O drama médico da ABC, sem dúvida alguma, tem seu charme encantador que agrada grande parte do público, e ao mesmo tempo, afasta outra boa parte dele. Lançada em 2005, a produção vencedora do Globo de Ouro caminhou por 17 e longas temporadas nos últimos 16 anos, que foram como uma montanha-russa, ou melhor dizendo, um carrossel, para os fãs e espectadores da série. 

Desde suas primeiras temporadas, a obra de estreia de Shonda Rhimes carrega com si uma fórmula de sucesso: casos médicos aleatórios e bizarros, muitos romances, drama, sexo pelos corredores do hospital e claro, muita morte. É de se esperar, no entanto, que uma produção habituada em um cenário hospitalar carregue a temática morte, mas em Grey’s Anatomy a fórmula tende a matar mais médicos do que pacientes. 

Estrelada por Ellen Pompeo, que carrega a trama nas costas durante todos esses anos, a produção ainda é recheada com grandes nomes da televisão estadunidense, como a brilhante Sandra Oh, Patrick Dempsey, Kate Walsh e outras renomadas estrelas, que construíram sua vida dentro das paredes do hospital. Além disso, com tantas temporadas no ar, ela ainda contou com ilustres participantes especiais como Sarah Paulson, Elisabeth Moss, Millie Bobby Brown e Mandy Moore, que trouxeram aquele ar de brilhantismo para o drama da ABC. 

Nos últimos anos, no entanto, Shonda Rhimes abandonou a produção, depois de assinar um contrato com a Netflix, e o lugar de showrunner passou para a até então amada escritora das primeiras temporadas: Krista Vernoff. Em 2017, portanto, os fãs deram um respiro de alívio ao ver a responsável por brilhantes episódios estar de volta, já que a série, desde a morte terrível, ou nem tanto, do brilhantíssimo doutor (porém não tão bom marido e irmão) Derek Shepherd, vinha caindo em qualidade. 

Como uma luz no fim do túnel, Krista retornou com aquele detalhe único presente nas primeiras temporadas, que preenche o coração dos fãs nostálgicos. A crescente esperançosa, no entanto, foi decaindo, para aquela parte dos espectadores fiéis que ainda sentia falta da magia inicial, mas principalmente, com o final da 16ª temporada e a quebra nos anos de evolução de Alex Karev (Justin Chambers). A desconstrução do maior crescimento pessoal dentro da série decepcionou a todos que tinham a certeza de que o pediatra jamais deixaria a amada esposa pela ex que o abandonou, 10 temporada antes.

A produção, ainda, não mais trazia a similaridade com os anos iniciais, e também não parecia saber criar mais aqueles dramas enrolados, porém interessantes, que marcaram a identidade da série. Mas, em 2020, para a surpresa não só da produtora, mas também dos fãs, Grey’s Anatomy teve que saber criar esses laços conturbados, que já estavam frágeis, carregando com si um grande fardo: a pandemia da covid-19. Era impossível que uma série médica tão popularizada e renomada não abordasse as temáticas perturbadas que a medicina viveu no ano de isolamento, e eles tiveram que saber lidar com isso.

Com alguns atrasos no outono estadunidense, Grey’s Anatomy retornou com a pandemia como seu foco principal, mas mesmo assim, fechando alguns dramas abertos na season finale anterior. O primeiro episódio, então, foi mais um de seus crossovers com a série de spin-off Station 19, que também divide a opinião do público. Apesar de mostrar os momentos iniciais da dúvida e do caos vivido em abril de 2020, o episódio se encerrou com a maior trama que seria abordada no ano:  a imbatível Meredith Grey à beira da morte por conta do vírus letal.

Com esse plot, para a surpresa dos fãs, a temporada conseguiu algo que nunca foi imaginado: trazer de volta Patrick Dempsey à produção. O ator se afastou depois de dez cansativos e polêmicos anos no drama médico, mas por conta da importância da abordagem da pandemia e todas suas medidas de segurança, Derek Shepherd decidiu retornar para dar visibilidade à elas. A audiência da série, então, disparou logo em seu segundo episódio, afinal, quem tinha se desligado na 11ª temporada estava ansioso para ver a química poderosa de Pompeo e Dempsey. 

Mas para a alegria dos fãs e nem tanto dos produtores, aquilo que caminhava para ser sua última temporada foi ganhando cada vez mais a audiência no horário nobre da quinta-feira na ABC, fazendo com que a emissora buscasse, mais uma vez, a renovação para o programa. Mesmo assim, o roteiro seguiu de pé e não trouxe só um médico de volta, mas sim todos aqueles mortos “injustiçadamente” nos anos anteriores. 

A cada episódio, portanto, a audiência aguardava ansiosamente saber qual rosto falecido retornaria à metafórica praia em que Meredith Grey beirava à morte devido ao coronavírus. Com isso, a produção trouxe, de surpresa, George O’Malley (T.R. Knight), Mark Sloan (Eric Dane), a adorada e admirada Lexie Grey (Chyler Leigh) e até April Kepner (Sarah Drew), porém essa, felizmente, retorna ao mundo real. O beira mar silencioso e rochoso, “comandado” em partes por Derek Shepherd, ou melhor, o Derek Shepherd da consciência de Meredith, serviu como o meio para que ela, ou o vírus, escolhesse qual caminho a médica vencedora de prêmios seguiria.

Vivendo anos de glória depois de muito tempo, Grey’s Anatomy se tornou mais uma vez o foco da mídia e do público, principalmente por estar sabendo usar bem parte de sua fórmula, que foi fortalecida pelo sentimento nostálgico dos fãs. Mas o drama médico estava vivendo muito drama e pouco médico. Mesmo com a covid-19 e todas as suas dolorosas complicações sendo o foco secundário da temporada, os fãs clamavam por grandes casos bizarros, aleatórios e em partes divertidos, que preenchiam a série em seu início. 

Além disso, a temporada escolheu usar de forma infeliz outra parte de sua fórmula, que estava inutilizada há 6 anos: a morte de um de seus médicos. Depois de toda uma construção de um romance entre a protagonista e o jovem e brilhante aspirante a atendente italiano, Andrew Deluca (Giacomo Gianniotti) morreu de forma decepcionante e desnecessária. Para uma frustração ainda maior do público, todos os acontecimentos que levaram a sua morte, construídos nas temporadas anteriores de Grey’s Anatomy, aconteceram do episódio crossover do spin-off, estressando aqueles que não acompanham o drama dos bombeiros.

Mas com isso, o 16º ano da série já tinha trazido todos os seus elementos perfeitos e ideais para finalizar sua história ali, em um número ímpar de temporadas: teria drama, a volta de personagens clássicos como sempre foi pedido, morte de médicos amados e, mesmo decadente, muita medicina, já que retratava o mundo hospitalar atuante num ano em que ele foi tão importante como de 2020. Infelizmente, a emissora admirou os números de audiência e resolveu pagar, por mais um ano, o salário mais alto da televisão norte-americana para Ellen Pompeo.

A renovação, no entanto, não desagradou só parte do público, mas também atores, que preferiram seguir novos caminhos depois de longos anos na produção, como Jesse Williams e Greg Germann. Com a defasagem de atores e dramas médicos, Grey’s Anatomy e Krista Vernoff terão que aprender, mais uma vez, a se renovar e agradar a parte fiel do público em seu 17º ano. 

Mesmo assim, a produção já perdeu a oportunidade de finalizar sua história como sempre foi pedido pelos fãs, com a volta dos amados personagens mortos, que agora, de fato, já tiveram sua história finalizada e poderão viver em paz na praia dos falecidos. Com isso, a fórmula Grey’s Anatomy terá que ser usada mais brilhantemente do que nunca, por que se não, diferente do ano atípico da pandemia, a produção voltará a perder seus números de audiência. 

Basta o sucesso da ABC, então, saber voltar a criar os ganchos dramáticos, os sexos fervorosos nos corredores do hospital. E, principalmente, pesquisar e trazer novamente aqueles casos bizarros da medicina para manter os fãs nostálgicos. Isso porque, hoje em dia, são eles que carregam a série nas costas, junto dos atores que ainda não desistiram dela. 

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Nathalia Franqlin

Invincible chegou em março no Amazon Prime Video, despertando curiosidade e gerando polêmicas dentro do mundo nerd. Mas, afinal, a série é, realmente, tudo isso? Baseada nas HQs de mesmo nome de Robert Kirkman, Invencível é originalmente uma criação em quadrinhos de 2003. Ela foi incluída no catálogo da Amazon, que agora, aparentemente, segue apostando na nova onda de desconstrução de super-heróis iniciada no ano retrasado por The Boys – que, inclusive, também se baseia em HQs lançadas na longínqua década de 2000. 

Em Invincible, a história gira ao redor da vida do protagonista Mark Grayson (Steven Yeun). O adolescente, filho de um dos guardiões globais mais importantes do mundo, Omni-Man (J. K. Simmons), está terminando o Ensino Médio e começando a descobrir seus poderes tais quais os do seu pai – que, nesse universo, é uma paródia do Super-Homem. Ele começa uma vida atrapalhada tentando equilibrar suas responsabilidades como super-herói e deveres como um adolescente comum com escola, amigos e namorada, mas, é claro, ele leva tudo muito mal e acaba entrando no mesmo dilema do Homem-Aranha de que “com grandes poderes vêm grandes responsabilidades”. Isso gera bastante empatia pelo personagem que parece tão perdido quanto qualquer um de seus fãs.

O primeiro episódio, Já Estava Na Hora, passa ao espectador uma impressão de déjà vu trazendo muitas referências de tudo que o público nerd já viu previamente no mundo dos super-heróis. Para quem já faz parte desse contexto, cada minuto da animação te deixa com uma sensação de “já vi isso antes”. Esse é o episódio de ambientação – ele apresenta os personagens, as equipes e o universo no geral. Há aqui muitas referências escancaradas à Liga da Justiça, The Boys, Watchmen, Os Jovens Vingadores, etc. O próprio Mark parece uma versão em desenho do Homem-Aranha playboy de Tom Holland. Tudo isso, é claro, para no último minuto fechar a cena com um plot perturbador.

Um dos grandes problemas de roteiro de Invincible são as referências que não param no primeiro episódio. Depois de construir e ambientar todo o enredo com várias paródias, achar a voz própria é um trabalho árduo que a equipe da série tardou em conseguir. Por causa disso, a impressão que ficamos durante a maior parte do programa é que ele é apenas um Frankenstein de tudo já deu certo no universo nerd dentro do audiovisual, algo sem personalidade, que até funciona bem como um programa para distrair a cabeça, mas que não chega a ser uma obra marcante para o meio. Pessoalmente, assistindo aos primeiros capítulos, não saiu da minha cabeça a ideia de que eles foram escritos em uma mesa com vários executivos munidos de algoritmos para ver o que daria mais dinheiro.

Outro grande problema com o roteiro é a falta de ritmo. Novamente, parece que a equipe de roteiristas estava sem rumo. Invincible tenta fazer tudo de uma vez: contextualizar, apresentar personagem, criar conflitos individuais, discutir o problema principal e acrescentar plots que ficam como pontas soltas na história. O espectador sai de maneira brusca de uma cena graficamente violenta de luta para os problemas de romance do protagonista e discussões bobas que tentam, sem sucesso, recriar o trabalho memorável de Sam Raimi em Homem-Aranha 2. Isso contribui bastante para que a personagem Amber Beetz (Zazie Beetz) seja odiada pela maioria dos fãs – o que é uma pena, porque ela poderia ter sido bem mais aproveitada, uma figura  com muito potencial desperdiçado. Por ser a primeira temporada, tentativas e erros ainda são perdoáveis, ainda mais porque no último episódio, A Verdade, parece que os roteiristas finalmente encontraram o tom da série.

Mas não apenas de erros vive Invencível. Algo que acertaram muito foi na escalação de elenco. Quem assistiu na língua original com certeza ficou satisfeito com as atuações no geral. Segue aqui algumas menções honrosas para Zazie Beetz como Amber Beetz, Sandra Oh como Debbie Grayson, Jason Mantzoukas como Rex Splode e Kevin Michael como os Irmãos Mauler.

Referente a qualidade da animação, existem alguns pontos a serem levantados. A priori, a primeira coisa que lembramos é de X-Men Evolution, o traço e estilo da animação são muito parecidos. Dá a impressão de que essa é realmente uma série feita para os que acompanharam quando criança os X-Men na hora do almoço e, agora que já estamos todos adultos, nada mais coerente do que uma série no mesmo estilo, mas com classificação indicativa para maiores de 18 anos. Contudo a qualidade varia bastante dependendo do momento da obra, em cenas de luta, por exemplo, a violência ficou extremamente gráfica, a velocidade de frames por segundo aumenta e o espectador se choca com sangue, tripas e ossos para todos os lados – algo que é interessante de ser explorado no momento em decorrência da liberdade que a animação entrega. 

Mas, em cenas de diálogo, a qualidade é baixíssima para os padrões Amazon Prime Video. Isso aumenta ainda mais o desgaste da obra pela falta de ritmo, com esse vácuo de continuidade entregado desperta em quem assiste o desejo de interromper o programa. Realmente não existe um porquê da animação parecer tão ruim às vezes, já que ela é naturalmente mais barata de ser produzida apenas por ser um desenho animado, e, se o motivo não pode ser financeiro, a impressão que fica é de descaso do estúdio. Por causa disso, ainda permanece a dúvida de até que ponto a qualidade do desenho foi propositalmente baixa, se foi apenas por saudosismo ou se foi mais por avareza com a produção.

Outro detalhe interessante é sobre a duração dos episódios. Cada parte tem em média 45 minutos, o que é bastante para uma animação mesmo que seja uma série em uma plataforma de streaming. Isso deixa o programa ainda mais cansativo para o fã e, para complicar tudo, ainda existe uma regra interna de que o nome do protagonista nunca é dito – sempre que alguém vai dizê-lo, a cena é cortada para outra sem conexão nenhuma com a anterior. E dessa forma, acaba que fica fatigante para o espectador segurar quase uma hora em cada episódio que trata de vários assuntos e abre muitos parênteses que não dá conta de fechar. Voltamos novamente aos problemas de roteiro como se fosse um looping. 

Mas se Invincible tem realmente tantos problemas, como a obra conseguiu ser tão popular? Creio que quem não assistiu ainda pode estar se perguntando isso nessa altura do texto. Um dos motivos é que ela tem algo que estávamos querendo ver há muito tempo nesse universo nerd: a verossimilhança da violência com a realidade. Não no ponto de crítica social – isso Coringa já fez há um tempinho –, falo do literal mesmo, violência por definição. Quando um personagem se machuca, ele fica comprometido por tempo proporcional, quando um prédio cai em uma avenida movimentada durante a luta, pessoas se ferem, já que ninguém consegue mágicamente escapar de vidro e aço caindo do céu como chuva. Isso é novidade e foi muito bem aceito pelo público como um elemento marcante da série.

Outro motivo é que a obra foi escrita para ser popular. Invincible pega o embalo de The Boys de uma maneira que já foi até sugerida como uma nova versão da série-irmã. A desconstrução de super-heróis é um tema que está valendo a pena investir agora, pois no mundo dos quadrinhos ela já está saturada há anos desde Alan Moore com Watchmen. Mas, no streaming, esse assunto ainda se mantém como novidade, o que é bem lucrativo para as empresas. Pensando em Watchmen, Invincible não perde a oportunidade de ter seu próprio Rorschach na figura de Damien Darkblood – um outro personagem vítima do roteiro e que teve o potencial desperdiçado. 

Uma boa notícia para os fãs é que ainda há esperança! Invencível já foi confirmada até a terceira temporada, então ainda há tempo para salvar a história e aproveitar melhor outros personagens potencialmente marcantes para a série. Esperamos que ela possa, no próximo ano, finalmente sair da sombra de outros programas, algo que, se o enredo seguir pela mesma linha dos quadrinhos, não será muito difícil. O máximo que pode acontecer é a série ficar carregada pelo Omni-Man – o que se for bem escrito não haverá problemas.

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Larissa Vieira 

A Netflix entrou para a lista de animações para o público infantil com mensagens reflexivas para o público adulto. A Caminho da Lua (Over the Moon) chega para encantar as crianças com luzes, personagens engraçados e um enredo divertido enquanto leva os telespectadores mais velhos a um mundo de reflexão. Lançado em outubro de 2020, a animação musical acompanha a trajetória de Fei Fei, uma criança chinesa que sofre com a perda da mãe. Anos mais tarde, quando seu pai, Ba Ba, decide começar uma nova família, a agora pré-adolescente aflige-se com esse novo cenário e decide recorrer até a deusa da Lua, Chang’e.  

O mito de Chang’e foi contado à protagonista desde criança pela sua mãe: segundo a lenda, Chang’e e Hou Yi eram o retrato de casal perfeito e salvadores da colheita, já que, na terra, havia 10 Sóis que queimavam as plantações, fazendo com que as pessoas morressem de fome; Hou Yi então, para salvar a pátria, atirou em 9 desses Sóis com um arco e flecha. Como recompensa, ele recebeu um elixir de imortalidade para dividir com sua amada, porém, durante um assalto, ela acabou tomando todo o frasco, o que a levou até a Lua. Portanto, em busca de provar para o pai que o mito é real e honrar a história de sua mãe, Fei Fei decide ir até a Lua! 

A trajetória do filme caminha por dois diferentes cenários: de um ponto de vista, Fei Fei, seu coelho de estimação, Pulinho e Chin, seu futuro irmão vivem uma aventura divertida na Lua. Já por outro, vemos a jovem, com muito pesar, passar pelos 5 estágios do luto: negação e isolamento, raiva, barganha, depressão e aceitação.

A construção de uma deusa popstar e a surpresa de Fei Fei

Assim que chega na Lua, Fei Fei encontra um cenário diferente do que imaginava; bem colorido e com Chang’e sendo uma diva pop para os “moradores” locais. A deusa então age como superior e quando encontra a protagonista pela primeira vez, decide que quer um presente da Terra, que seria sua única maneira de encontrar Hou Yi na Lua. É então que, destemida a fazer de tudo para provar que Chang’e é real, Fei Fei se isola até de seu fiel escudeiro, Pulinho, e do futuro irmão, e enfrenta as mais difíceis aventuras na Lua. 

São nesses momentos em que a Netflix mostra os momentos mais frágeis de uma pré-adolescente em luto. Sua determinação para conseguir o que quer soa, algumas vezes, como egoísta, principalmente para o público infantil que não entende o que se passa com a garota. Um sentimento de ambição exagerado cresce cada vez mais dentro da personagem, assim como sua frustração por não conseguir o que quer, evidenciando as fragilidades de Fei Fei.

A raiva, barganhas e a depressão construídas em um cenário infantil

A Caminho da Lua usou dos recursos já conhecidos em obras, como Divertida Mente (Pixar), para tornar a animação leve e colorida para o público infantil. Durante os momentos mais difíceis do luto de Fei Fei, os alívios cômicos são gradativamente inseridos. A história vai tornando-se sombria e triste, enquanto Pulinho e um novo personagem, Gobi, crescem, desconstruindo o cenário “muito abominável” para o público infantil.

A fotografia do filme também se transforma para cada vez menos colorida, quantas mais frustrações foram surgindo, até o momento em que o mundo colorido e divertido se torna totalmente preto e sombrio. Neste instante, Fei Fei se isola totalmente e enfrenta seu período de maior tristeza, a depressão; “isolada” na Lua, o vazio torna impossível a protagonista atingir seu objetivo. A produção, então, é inteligente ao mostrar que não só Fei Fei enfrenta a depressão, já que o mesmo acontece com Chang’e, que não recebe seu presente, também não atinge seu objetivo. 

Então, Over the Moon passa sua mensagem: até “deuses” passam por seus momentos de fragilidade e são capazes de entender a dor do outro, de modo que ninguém é herói de ninguém, e sim, cada um é seu próprio herói. Não só com vestimentas, mas também com o cenário, a produção desconstrói a imagem de deusa popstar de Chang’e e à eleva ao nível de Fei Fei, passando, de maneira sútil, sua principal mensagem às crianças, e aos adultos – principalmente.  

Assim, o mundo se torna colorido novamente, construindo o cenário ideal para as crianças que veem como um “ela conseguiu!” e para os adultos que entendem que Fei Fei precisou passar por esses momentos para chegar ao último estágio do luto: a superação. As luzes coloridas e a Lua como um espaço divertido e animador do início são reconstruídos, fazendo com que a fotografia do filme se torne muito mais agradável de se ver novamente. 

A representatividade asiática na produção norte-americana

A Caminho da Lua é dirigido pelo vencedor do Oscar de Melhor Curta de Animação em 2018, Glen Keane, renomado criador das famosas princesas da Disney, A Pequena Sereia, A Bela e a Fera e Aladdin. O ilustrador, norte-americano, tomou a frente da produção ao lado de Gennie Rim, produtora asiática, conhecida pela série Trash Truck (Zé Coleta) e Peilin Chou, que trabalhou em Kung Fu Panda 3. Gennie e Peilin foram responsáveis por trazer a cultura chinesa para dentro da produção e Gennie já revelou em entrevistas ter uma similaridade com a história de Fei Fei. Já o roteiro foi escrito pela norte-americana Audrey Wells, que trabalhou em outras grandes obras como O Ódio que Você Semeia. 

Enquanto Over the Moon ainda desaponta na representatividade, o elenco de dubladores originais é composto inteiramente por asiáticos e descendentes, contando com nomes reconhecidos como Ken Jeong (Gobi), Cathy Ang (Fei Fei), Sandra Oh (Sra. Zong) e a vencedora do Grammy de Melhor Álbum de Musical Teatral por Hamilton, Phillipa Soo, que dá a voz a Chang’e. 

A dublagem brasileira é composta pelos conhecidos Sylvia Salustti, no papel da deusa, Michelle Giudice no papel de Fei Fei e Glauco Marques como a criatura Gobi. Na versão brasileira ainda, a canção principal do filme, Rocket To The Moon (Vou Voar), é interpretada brilhantemente pela cantora Priscilla Alcântara e a versão ganhou até um clipe. 

A Caminho da Lua consegue vencer Soul?

A produção concorre ao Oscar 2021 de Melhor Animação, ao lado de Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica, Shaun, o Carneiro, o Filme: A Fazenda Contra-Ataca, Soul e Wolfwalkers. A similaridade dos indicados é que eles também tiveram uma construção de narrativa similar à produção da Netflix. Os longas foram produzidos para o público infantil enquanto buscam passar uma mensagem maior ao público adulto. 

Favorito pelo público, Soul dispara na frente da disputa por toda sua popularidade, logo seguido por Dois Irmãos, com mérito total da Disney. Porém, A Caminho da Lua aprofunda mais no tema da morte, enquanto Soul traz uma mensagem sobre a vida. A produção ainda é vista como mais restrita pelo público por trazer em destaque a cultura chinesa, cenário não tão conhecido na lista dos vencedores de Melhor Animação da Academia, que premia as produções da Disney, na maioria das vezes. 

Mesmo que a animação não leve o prêmio para casa, ela merece um destaque maior, já que consegue reproduzir toda sua narrativa do luto de maneira leve e divertida e, principalmente, bem construída. O cenário chinês da obra também foi muito bem criado, o que dá destaque à produção. Ao pé da letra, A Caminho da Lua é um filme sobre uma menina teimosa que decide ir à Lua e encontrar sua deusa, enquanto de fato mostra um realismo na dor do luto e todas suas fases. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Após uma estreia surpreendente em 2018, a série da BBC America, co-produzida pela AMC e exibida no Brasil pelo Globoplay retorna para mais uma temporada sangrenta, maníaca, chic e deliciosamente obsessiva.

Você sabe desovar um corpo?

Ao final do oitavo episódio de sua primeira temporada, Killing Eve havia feito algo surpreendente: a série, comandada pela atriz e roteirista britânica Phoebe Waller-Bridge (Fleabag, Broadchurch), havia aumentado sua audiência consecutivamente, episódio a episódio, culminando em um final de temporada assistido por 86% pessoas a mais do que sua premiere, algo que não havia sido feito por mais de uma década.

A série, baseada nos romances de espionagem do britânico Luke Jennings, narra a caçada da funcionária do MI5 Eve Polastri (Sandra Oh) pela assassina internacional conhecida apenas como Villanelle (Jodie Comer) e como a obsessão de uma pela outra nasce e cresce ao longo de seu prolongado jogo de gato e rato.

Desde então a série foi indicada ao Emmy pela performance de Sandra Oh e pelo roteiro de Waller-Bridge, ganhando um Globo de Ouro e 3 prêmios BAFTA por Melhor Série Dramática, Melhor Atriz (Jodie Comer) e Melhor Atriz Coadjuvante (Fiona Shaw).

Em sua segunda temporada, Killing Eve alcança outro feito impressionante: ela consegue dobrar a dosagem do que havia dado certo na temporada anterior ao mesmo tempo em que explora destemidamente novas direções, com um dos roteiros mais ousados e bem acabados da televisão moderna.

Se a primeira temporada de Killing Eve é a intro de seu álbum, tensionando os instrumentos e arrumando o palco para o grande solo entre suas duas protagonistas, a segunda é quando o resto da banda começa a tocar e você percebe que as coisas não vão ser mais as mesmas.

É fácil fazer analogias musicais quando se fala em Killing Eve, já que a série possui um excelente senso de ritmo aliado à narrativa; a trilha sonora, parte tirada do primeiro álbum da banda Unloved, Guilty of Love, parte criada especialmente para a série, é feita e editada para ressoar perfeitamente com as personagens de Oh e Comer, ao ponto de que o conflito entre as duas em cena é indistinguível do som enervante de Unloved.

Seja durante a emblemática Xpectations, que toca durante os créditos de cada episódio, seja em When a Woman is Around, que serve de background para o primeiro assassinato de Villanelle que presenciamos, Killing Eve usa cada oportunidade que tem para estabelecer sua música como um motif narrativo, nos lembrando quem são essas personagens e qual o conflito que elas travam.

Momentos de desespero

O maior triunfo de Killing Eve talvez seja sua recusa em assumir um padrão ou cunhar uma fórmula: apesar do sucesso crítico e popular, Waller-Bridge deixou o papel de showrunner da segunda temporada para Emerald Fennell, uma amiga próxima e conhecida por seu papel na série britânica Call the Midwife (2013-2017).

Fennell traz seu próprio charme a série, jogando as personagens em uma espiral de ações e consequências que às vezes parece não ter fim.

“Não podemos trapacear e pular um ano para que todo mundo volte a ser sexy e ótimo novamente. Se você é esfaqueada, mesmo se você for a Villanelle, você precisa achar uma maneira de escapar. Eu quero saber como você se limpa, como é ser uma mulher vulnerável, uma mulher que até aquele ponto nunca deixou que nada ficasse em seu caminho.” – Emerald Fennell para o The Hollywood Reporter.

Seguindo diretamente o final da primeira temporada, nos encontramos com uma Eve emocionalmente fragilizada e perturbada por seu último encontro com Villanelle. As primeiras cenas dela vagando por Paris, falando ao telefone com sua chefe, Carolyn (Fiona Shaw), e comprando um saco de doces que come mecanicamente fazem um ótimo trabalho em estabelecer o estado mental da personagem e nos dar um gostinho do arco pelo qual ela irá passar ao longo dos próximos 8 episódios. Fica difícil dizer qual possibilidade assusta mais Eve: a de Villanelle ter sobrevivido ou a de Eve ter realmente matado ela.

Villanelle, em contrapartida, está sã e… bem, ainda não salva, pelo menos por enquanto. Ela rasteja pelas vielas da Cidade Luz tomando estratégias cada vez mais arriscadas para se manter viva enquanto tenta bolar um plano para se aproximar de Eve. Diferente do que alguém possa ter esperado ao testemunhar o seu esfaqueamento ao final da temporada anterior, a obsessão dela por sua nêmesis parece ter só aumentado com a facada em seu abdômen.

O respeito e admiração que uma tem pela outra são essenciais na representação da relação opositiva delas ao longo tempo, tanto nos momentos em que as duas estão na mesma sala quanto naqueles em que estão a milhares de quilômetros de distância, e tanto Oh como Comer trazem o seu melhor para a tela, vendendo a intimidade e a peculiaridade dessa relação instantaneamente.

Apesar da série seguir por uma nova direção e tomar novos ares, não há nenhuma dúvida de que continua sendo a mesma série que nos cativou no ano passado: todo o garbo e a elegância de suas protagonistas que se traduz no figurino, no jogo de câmeras e na fotografia espetacular da série não procuram competir com a sua carga humorística, já que Killing Eve nunca perde a oportunidade de rir de si mesma e, mais do que isso, convida o espectador para rir junto.

Desse jeito, a série te mantém atento em praticamente toda as cenas, te fazendo se agarrar a cada palavra dita e a cada expressão feita, fazendo com que um episódio de 45 minutos passe com a velocidade de um de 20. Não é só um espetáculo de storytelling, mas também um exemplo de como se estruturar habilmente uma narrativa dentro de um único episódio e ao longo de uma temporada inteira.

Você é minha

As atuações continuam ser de um nível singularmente acima de qualquer outra coisa na televisão. O jogo entre Eve e Villanelle permanece em sua melhor forma nas atuações belíssimas de Oh e Comer, mas também se revelam por meio de personagens secundários inéditos, como os novos parceiros de Eve na caçada por Villanelle, Jess (Nina Sosanya) e Hugo (Edward Bluemel), que revelam novos aspectos da crescente obsessão entre as duas e meios pelos quais Villanelle irá tentar manipular Eve.

Enquanto isso, Fiona Shaw e Kim Bodnia (ambos indicados ao BAFTA pela série) continuam dando um show à parte no papel de mentores das protagonistas; a elegante, impetuosa e duvidosa agente Carolyn Martens e o antigo contratante de Villanelle, Konstantin. Não é um trabalho fácil ter que partilhar a cena com tantas performances de peso, mas tanto Shaw como Bodnia se provam mais do que a altura da tarefa.

Tudo isso encaminha a temporada para um desfecho explosivo que subverte as expectativas ao mesmo tempo que entrega momentos ansiosamente aguardados pelos espectadores. Ver Killing Eve até agora foi, citando Stephen King, “o raro prazer de ver um elenco e uma produção que fazem tudo – cada coisinha – absolutamente certo”. É uma sinfonia de sangue, humor e paixão que te deixa hipnotizado até que a última nota desapareça no ar.

Sorry Baby x

Você pode ter notado a quantidade de vezes que eu usei a palavra “obsessão” até agora. Em circunstâncias normais, eu me desculparia pela minha falta de imaginação, mas realmente não há melhor jeito de se descrever a sensação de se ver Killing Eve, semana a semana, e se deparar com uma das melhores coisas já feitas na televisão.

A própria série sabe que estamos obcecados com ela: foi um dos grandes pontos da campanha de marketing da segunda temporada; “Sua obsessão retornou” foi uma das principais mensagens repetidas ao longo de sua publicidade. Só posso voltar a afirmar, como Allison P. Davis colocou habilmente em um artigo para o The Cut, “nenhuma série de TV importa, exceto Killing Eve”.

“Eu penso em você o tempo todo. Eu penso no que você está vestindo, no que você está fazendo e com quem você está fazendo. Eu penso nos amigos que você tem, eu penso no que você come antes de ir trabalhar, no shampoo que você usa, no que aconteceu com a sua família. Eu penso nos seus olhos e na sua boca e no que você sente quando mata alguém. Eu penso no que você comeu no café da manhã. Eu só quero saber tudo.” 

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