Marcela Jardim

Lançado em 2015, Kingsman: Serviço Secreto trouxe um novo fôlego para os filmes de espionagem ao combinar ação estilizada, humor ácido e uma estética sofisticada. Dirigido por Matthew Vaughn, o longa subverteu clichês do gênero ao transformar um jovem marginalizado em um agente de elite, sob a tutela do carismático Harry Hart (Colin Firth). Inspirado na HQ The Secret Service, de Mark Millar, a obra se destacou pela violência coreografada e pelo tom irreverente, equilibrando homenagens aos clássicos de James Bond com uma abordagem moderna e exagerada. O roteiro dinâmico e repleto de reviravoltas, aliado às atuações cativantes, fizeram do longa uma experiência única, misturando o charme britânico com sequências de ação eletrizantes.

A trama acompanha Eggsy (Taron Egerton), um jovem problemático recrutado para uma agência de espionagem secreta chamada Kingsman. Ele é treinado por Harry Hart (Colin Firth), um agente veterano que vê potencial nele. Enquanto Eggsy passa por um rigoroso processo de seleção, um vilão bilionário, Richmond Valentine (Samuel L. Jackson), planeja lançar um plano mortal para “salvar o planeta” eliminando grande parte da população mundial por meio de sinais transmitidos via cartão SIM.

Kingsman se equilibra entre a sátira e a homenagem ao Cinema de espionagem, misturando luta de classes, feminismo, relacionamento abusivo, estereótipos e violência estilizada. Se, por um lado, exalta a nobreza e a sofisticação dos agentes britânicos, por outro, ridiculariza a fama vazia e o poder do dinheiro. Eggsy é um herói vindo da periferia, mas sua origem é retratada com preconceito: enquanto ele se destaca, seus vizinhos são caricaturas da ignorância e da grosseria. O filme traz personagens femininas fortes, como Gazelle (Sofia Boutella) e Roxy (Sophie Cookson), sem subordina-las a interesses românticos. A direção de Matthew Vaughn dá um tom de quadrinhos à violência extrema, transformando o choque em espetáculo.

O segredo para evitar o colapso dessa mistura está no equilíbrio entre opostos, refletido na escolha de elenco. Colin Firth, conhecido por papéis de realeza e cavalheirismo, interpreta um assassino letal sem perder a compostura. O vilão Valentine inverte expectativas: Samuel L. Jackson abandona sua voz marcante por uma dicção afetada, quase ingênua, que contrasta com sua periculosidade. A presença de Mark Hamill, às vésperas de reassumir Luke Skywalker, é uma piscadela ao público nerd, reforçando o jogo metalinguístico da produção.

Ainda nesse contexto de metalinguagem, assim como Thanos em Vingadores: Guerra Infinita, da Marvel Studios, Richmond Valentine em Kingsman assume o papel de um ‘messias deturpado’, decidido a salvar o mundo a partir de um sacrifício calculado. Ambos compartilham a crença de que a humanidade está condenada pelo próprio excesso e que apenas uma intervenção radical pode garantir a sobrevivência do planeta. No entanto, enquanto Thanos se apresenta como um agente do equilíbrio, eliminando metade da vida de forma aleatória, Valentine adota um critério ainda mais perverso: só os mais ricos e poderosos merecem viver. Seu plano reflete uma lógica eugenista disfarçada de pragmatismo ambiental, onde os privilegiados escapam do caos enquanto as massas se aniquilam entre si. No fundo, tanto ele quanto Thanos personificam a visão distorcida de que a salvação exige genocídio, mas Valentine escancara a hipocrisia de um mundo onde o poder sempre define quem tem direito ao futuro.

Contrariando as premissas de Valentine, a trajetória de Eggsy mostra que é sim possível manter suas origens e ser digno de ascender socialmente. O protagonista passa por diversas barreiras sociais até alcançar seu lugar no grupo de elite. Mesmo mudando seu comportamento, modos e até mesmo figurino, sua essência é o diferencial que o torna um agente talentoso e empático. Enquanto seus colegas de elite confiam no berço e na tradição, Eggsy sobreviveu a desafios reais, desenvolvendo instintos que o tornam mais adaptável e estratégico. O filme poderia cair na narrativa comum do pobre que precisa se moldar para ser aceito, mas, ao invés disso, reafirma que ele não precisa provar nada – apenas mostrar que sempre teve valor, mesmo quando o sistema insistia em ignorá-lo.

O impacto de Kingsman: Serviço Secreto foi imediato, tornando-se um sucesso de bilheteria e consolidando Matthew Vaughn como um dos diretores mais inovadores do gênero. A recepção positiva do público e da crítica garantiu sequências e até um prelúdio, tentando expandir o universo da saga. O Círculo Dourado (2017) manteve a identidade estilizada do original, mas sua história recebeu críticas por exagerar na extravagância, tornando-se menos coeso. Já King’s Man: A Origem (2021) tentou dar profundidade ao universo dos agentes secretos ao explorar as origens da organização, mas acabou dividindo opiniões, não conseguindo replicar o impacto inovador do primeiro filme.

Além da franquia, Kingsman influenciou diversas outras produções que mesclam violência estilizada e humor irreverente, reforçando a tendência de filmes de ação com identidade visual marcante e narrativa ousada. A estética visual e o uso criativo da câmera, como na icônica cena da igreja, tornaram-se referência no Cinema de ação moderno. Mesmo após uma década, o longa continua sendo um marco para o gênero, provando que a espionagem pode ser reinventada para novas gerações sem perder o carisma e a sofisticação que marcaram os clássicos.

Apesar do sucesso inicial, o futuro da franquia permanece incerto. Com a recepção morna das sequências, há dúvidas sobre sua capacidade de continuar inovando sem perder sua essência. Entretanto, o impacto de Kingsman: Serviço Secreto já está consolidado, e sua mistura de ação explosiva, irreverência e estética refinada garantiu seu lugar como uma das obras mais memoráveis do Cinema de espionagem contemporâneo.

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Davi Marcelgo

Em 2019, enquanto o mundo se encantava com Vingadores: Ultimato durante o verão americano, em Janeiro daquele mesmo ano, Vidro de M. Night Shyamalan chegava aos cinemas, porém com a recepção bem menos calorosa em comparação ao apogeu do MCU. Sem pirotecnia ou confrontos de seres megalomaníacos, a terceira parte da trilogia encabeçada pelo ‘novo Spielberg’ se manteve no cerne da filosofia de super-heróis e regressou às origens das histórias infantis. Distraídos pela viagem no tempo de Capitão América e equipe, o público não soube ‘dar muita corda’ ao filme, mas por quê?  

Ora, Ultimato era o assunto mais comentado e o Universo Cinematográfico Marvel já tinha seu alicerce. A resposta que parece fácil, não é. Os filmes da ‘Casa das Ideias’ foram, sim, o principal fator para o ofuscamento de outras produções de heróis na época, principalmente o da conclusão de uma história que não era uma adaptação iniciada em 2000 e esquecida nas prateleiras pelos amantes da nona Arte. Shazam! também foi afetado, estreou junto de Vingadores e não alcançou nem 400 milhões de dólares em bilheteria contra mais de dois bilhões de Ultimato. Entretanto, há outra ‘pedra no sapato’: os motivos para Vidro não ter agradado aos paladares de, até mesmo, os aficionados pelo subgênero de super-heróis. Essa resposta é um pouco mais complexa e envolve muitos nomes. 

Junto de Corpo Fechado, os X-Men ganharam seu primeiro filme também no início do século, diferente do longa protagonizado por Bruce Willis, o diretor Bryan Singer renunciou as cores salteadas e o espírito infantil dos quadrinhos dos mutantes. Ao invés do colã colorido, optou pelo couro preto a lá Matrix (1999). Não só ele como Demolidor – O Homem sem Medo (2003) beberam muito das ideias das irmãs Wachowski. O maior nome que nadou contra a tendência ‘emo vestindo preto’ foi a trilogia do ‘Teioso’ de Sam Raimi que, curiosamente, ironizou a moda em Homem-Aranha 3. Tudo bem, eram outros tempos, o público desse tipo de filme ainda não tinha se consolidado e, para retorno financeiro, apostar em abordagens semelhantes do contexto Hollywoodiano era o caminho seguro.

Christopher Nolan e Zack Snyder também têm certa culpa na escalada do Cinema de heróis se afastar cada vez mais da sua origem colorida e infantil. O vencedor do Oscar com sua trilogia do Cavaleiro das Trevas (2005-2012) preferiu ser um thriller policial, deu um uniforme tático ao ‘Morcegão’ e jogou fora qualquer aspecto circense do Coringa. Snyder, que já tinha dirigido o ‘sombrio’ Watchmen (2009), fez de tudo para ser um diferencial no mercado e, em oposição à Marvel, dirigiu O Homem de Aço (2013) e Batman vs Superman: A Origem da Justiça (2016). O ex-publicitário, para não soar juvenil, emendou filosofia, religião e frases densas para soar sério, o tiro saiu pela culatra e acabou sendo púbere ao não conseguir lidar com tantas questões. O subgênero, tanto no cinema quanto fora dele, ficou mais sisudo: de gibi, passou-se a chamar rebuscadamente de graphic novel.

Não há problema algum em querer ser sério, ter uma abordagem mais ‘adulta’ e se afastar da estética quadrinho (até a própria indústria das comics fez isso com Frank Miller e Alan Moore quando escreveram Demolidor e Watchmen, respectivamente, na década de 1980). A Marvel nos cinemas, por mais que se aproximasse de uma abordagem mais espalhafatosa, cheia de ‘piadinhas’, segurava (e muito) o freio. Tudo era programado, uniformes comedidos e pouco criativos visualmente, diga-se de passagem, o clímax de Vingadores: Ultimato, que seguiu na paleta acinzentada dos irmãos Russo, poderia ter ‘despirocado’ e ser uma explosão de cores.

No começo da ‘empreitada’, até houve uma certa vontade de algo antiquado por parte de Joss Whedon em Vingadores (2012), porém nada que fosse a caricatura de uma história infantil. Em suas 20 e tantas histórias, a Marvel se preocupou com a saga e não com uma linguagem ‘quadrinesca’. Seria exagero dizer que o filme de Shyamalan foi uma borboleta colorida da ficção pré-MCU, até porque o uniforme de David Dunn é uma capa de chuva verde-escura. Contudo, seria petulância dizer que não transborda a alma de gibi em seus 106 minutos de duração. O ponto é que Unbreakable (no original), Fragmentado (2016) e Vidro (2019) não são filmes de heróis de histórias em quadrinhos, mas sobre elas. 

Durante muito tempo, os quadrinhos da Marvel e DC Comics foram destinados ao público infantil com tramas sem muita elaboração, dotados de ‘verborragia’ incessante, mesmo assim esbanjava criatividade para fazer crianças desejarem vestir capa e máscara. O roteiro escrito por M. Night Shyamalan está longe de ser desprovido de requinte, ele aproveita os detalhes inerentes às décadas de 1960 e 1980 nas HQs e faz um pastiche coerente com a proposta. 

Há três elementos bem definitivos dos quadrinhos que estão presentes na trindade: nome, cores e a infância. O nome do protagonista David Dunn é inspirado em muitos personagens que também possuem nome e sobrenome com a mesma inicial, recurso chamado de aliteração. São eles: Reed Richard, Bruce Banner, Peter Parker, Susan Storm, Stephen Strange, Lois Lane e Matt Murdock, a lista é longa. Stan Lee, co-criador de muitos desses personagens, já revelou em entrevista que o real motivo para isso era só sua fraca memória. Porém, a figura de linguagem também pode ser utilizada para criar ritmo e é utilizada na educação infantil. Para as crianças, memorizar palavras com sons parecidos também é mais fácil. 

As cores de Dunn e Elijah Price (Samuel L. Jackson) são secundárias e se complementam, não no sentido de cores complementares, mas sim na dinâmica das HQs. Muitos vilões têm como cor o verde e o roxo, associadas ao nojo, ganância e veneno, características más. O Homem-Aranha tem uma vasta lista de antagonistas com fantasias dessas tonalidades: Duende Verde, Mysterio, Lagarto, Abutre, Escorpião e Homem-Areia. Claro que, na época, havia uma questão envolvendo as limitações de impressão, bem como se trata de  um detalhe narrativo. Tanto que são cores em oposição às primárias que os heróis usam, como o azul e vermelho.  

São poucos heróis que usam tons de roxos, o maior exemplo é a Ravena dos Jovens Titãs, ela tem relações com um lado sombrio, portanto foge do comum em protagonistas de quadrinhos. Já o verde é mais presente em célebres: Lanterna Verde, Hulk e Arqueiro Verde. Tudo isso está presente em filmes das lendas, porém, mais como uma repetição do material original do que realmente uma escolha pensada para contar o que quer ser contado. Shyamalan busca, em páginas de nanquim, a forma da sua trilogia. David Dunn usa verde e o vilão Sr.Vidro (Samuel L. Jackson) veste roxo, eles estão conectados por lados opostos de uma balança, o indestrutível e o frágil. Então, é cabível que eles utilizem as cores vistas em uniformes.  

Já os personagens interpretados por James McAvoy (Kevin Wendell, suas outras personalidades e a Fera), são contornados pelo amarelo, tanto na calça utilizada por ele quanto nos pôsteres de divulgação de Vidro. Dá para atribuir muitos significados a ela: perigo por representar uma ameaça física a Dunn ou por ser a cor da conscientização à saúde mental e, até mesmo, o amarelo ser complementar ao roxo. Os inimigos aliados vestem cores que rimam. 

Os três personagens usam suas cores até em roupas que não são os seus uniformes. Em grande parte da obra, eles vestem peças do hospital psiquiátrico em que foram presos e os tons correspondem aos protagonistas. Parece uma ideia retirada direto da série de TV dos Power Rangers, lembrando quando Jason usava ‘regatinha’ vermelha em todo canto. 

Se nas ‘revistinhas’ as crianças eram influenciadas pelos personagens, nestes filmes, quem são influenciados por elas e pela infância, ou ausência dela, são os protagonistas. Vidro retoma a ideia perdida de que heróis são para crianças. A motivação do Sr. Vidro é criar um grande confronto no ponto mais alto da cidade para provar que sobrehumanos existem e que as histórias que ele cresceu lendo existem de verdade. David Dunn é motivado e se torna herói pela aproximação com o filho, que, mais velho, passa a ser o ‘nerd da cadeira’ dele. As personalidades de Kevin Wendell aparecem depois da morte do pai e os frequentes abusos da mãe, são elas que o protegem. No caso de Elijah, os personagens de gibi são sua proteção num mundo perigoso para ele, em que uma simples brincadeira é motivo dos seus ossos serem moídos. 

Fragmentado (2016) é um suspense que se disfarça de filme de ‘super-vilão’ em seus últimos minutos, quando a Fera desperta e M. Night Shyamalan o grava de costas, na altura do ombro, como se estivesse filmando o Hulk. Como também nas cenas de demonstração de força que abrem um abismo em comparação à capacidade física das reféns de Kevin Wendell. Porém, o ‘pulo do gato’ está na conexão entre um filme e outro. Só dá para saber que o thriller é uma sequência do longa de 2000 quando David Dunn aparece na última cena. 

Revisitando, nota-se que o diretor faz alguns elos, seja na própria apresentação da força da Fera, que está à altura de Dunn, ou na cena final de Kevin, que aparece conversando em frente a um espelho – a primeira cena de Corpo Fechado, introduzindo Elijah, é filmada através de um reflexo. Enquanto a Marvel enchia de menções e aparições, Shyamalan foi mais sutil. 

A vilã de Vidro, Dra. Ellie Staple (Sarah Paulson) faz parte de uma organização que apaga da existência pessoas com habilidades especiais. Foi isso que muitos idealizadores acabaram por fazer ao longo dos 20 anos de ‘boom’ do subgênero: apagaram as origens do mundo da invenção das crianças, histórias feitas para elas terem alter-egos. 

A trilogia de M. Night Shyamalan é uma reflexão sobre o gênero, a mídia e os arquétipos. Ela se distancia do que estava sendo feito no Cinema de heróis antes, depois e agora. O público ficou acostumado com a estética Nolan-Snyder e com os enlatados do MCU que, no piloto automático, esqueceu de pensar um pouco mais em toda unidade de Vidro. O filme é a conclusão perfeita para uma trilogia e um manifesto apaixonado por gibis. Para aqueles que ainda não viram ou não revisitaram desde 2019, vale abrir de novo a janela, agora com menos alvoroço por joias do infinito, referências e histórias “grandes demais para mentes pequenas”. 

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Nathan Sampaio

Há 10 anos, os filmes de super-heróis eram muito nichados, em um período em que apenas fãs de quadrinhos, crianças e alguns poucos curiosos se interessavam por essas adaptações. Poucos eram os longas que furavam a bolha, como Superman – O Filme (1978), Batman (1989) e Homem-Aranha (2002). Porém, tudo mudou em abril de 2012, pois Os Vingadores (The Avengers) chegava aos cinemas mundiais, representando o que seria o princípio de uma era. 

O projeto surgiu com uma ideia desafiadora e ousada: a Marvel Studios propôs a realização de um longa-metragem para cada herói, para que, no final, pudesse uni-los em um grandioso filme crossover. Essa prática era raramente vista no Cinema e, por isso, era um risco apostar nesta vertente. Felizmente, os realizadores, Avi Arad, Kevin Feige e Jon Favreau, acreditaram no potencial do projeto e o fizeram, após os cinco filmes precursores, Homem de Ferro, O Incrível Hulk, Homem de Ferro 2, Thor e Capitão América: O Primeiro Vingador.

No enredo de Os Vingadores, Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) precisam unir forças para impedir que Loki (Tom Hiddleston), irmão de Thor, invada o planeta Terra e domine a humanidade. Porém, essa não será uma tarefa fácil, já que nenhum deles trabalhou em uma super equipe antes. Além disso, o vilão possui artefatos cósmicos chamados “joias do infinito”, as quais irão dificultar – e muito – a vida dos protagonistas. 

A trama é básica, e, talvez por isso, seja tão efetiva. Afinal, o filme não perde tempo com um enredo complexo e que teria chances de prejudicar o projeto, mas os realizadores apostaram em uma história segura, uma aventura clássica de heróis, o que foi muito bem executado. Mesmo possuindo um roteiro simples, Os Vingadores  é divertido, cativante e empolgante, e isso torna-o encantador.

Os personagens são outro elemento muito forte do longa, ajudando-o a alcançar outro patamar de qualidade. Todos são muito diversos, com características únicas e modos de agir diferentes: a união deles é perfeita, pois todos têm uma função importante na trama e ninguém está nela sem razão. Steve Rogers é o líder nato do grupo, Natasha Romanoff, a espiã que consegue extrair informações do vilão, Bruce Banner e Tony Stark são a inteligência, Thor e Gavião Arqueiro possuem conhecimento do vilão e do seu plano. Logo, percebe-se a importância e a excelente utilização de todos os heróis.

É impossível elogiar os personagens sem comentar de seus intérpretes, já que todos os atores se encaixaram perfeitamente nos papéis, e por isso seus rostos se tornaram tão conhecidos. Chris Evans mostra um personagem bem idealista, mesmo fora de seu tempo. Scarlett Johansson e Jeremy Renner constroem um mistério em volta de seus passados e uma ótima dinâmica entre si, enquanto Chris Hemsworth e Mark Ruffalo representam personas mais sérias, mas que se desconstroem em eventuais piadas. Por fim, Robert Downey Jr. é sarcástico, debochado e desconfiado de toda a situação. 

Quando os atores contracenam, o filme brilha pelos conflitos de ideias, comentários sarcásticos, críticas ao próprio universo e pela dinâmica invejável entre eles. É interessante assistir Os Vingadores e observar o quanto os heróis cresceram ao longo dos anos e as suas relações mudaram, demonstrando, assim, o avanço da gigante história criada pela Marvel.

O vilão também é excelente: Loki é ameaçador, perigoso e tem uma presença muito forte em tela. Porém, ainda assim, ele consegue ser cativante, sendo sarcástico, irônico e muito carismático. Muitos desses méritos vem de seu intérprete, Tom Hiddleston, que se entregou ao papel e o adora fazer, tornando seu personagem um dos mais queridos da franquia. 

É interessante evidenciar que a maioria desses heróis não estavam inseridos no imaginário popular, diferente de Superman e Batman, personagens que já eram parte da cultura pop há décadas. Dos Vingadores fundadores, apenas Hulk era conhecido, devido ao seu seriado para TV nos anos 70 e 80. Isso tornava a tarefa de realizar o longa ainda mais desafiadora – afinal era necessário vender um grupo de heróis totalmente anônimos, algo que eles conseguiram com muito êxito. 

Os méritos de Os Vingadores não residem em sua história, até porque esta é recheada de clichês. Os pontos altos do filme estão na união dos personagens e no visível carisma, que provém tanto dos atores quanto do universo construído. Logo, o que era mais desafiador e arriscado na proposta inicial se tornou o ponto mais forte da produção: a preparação dos personagens e a construção do mundo. Isso porque todos os protagonistas foram muito bem trabalhados em suas respectivas histórias solo, e todos os itens importantes para a trama já estavam estabelecidos, fazendo com que o enredo fosse mais ágil e focado no que importava: a interação e conflito entre eles. 

Os Vingadores também ajudou a moldar uma história que viria a durar mais de 10 anos, sem expectativa de acabar. Muitos dos elementos presentes aqui retornaram na franquia, como a relação conflituosa entre Homem de Ferro e Capitão América, que culminaria em Capitão América: Guerra Civil; a dinâmica entre Thor e Loki, que voltaria a ser explorada em Thor: O Mundo Sombrio e Thor: Ragnarok; e o mais importante de todos: as joias do infinito. Delas, resultaram dois épicos filmes, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, fechando todo um arco iniciado em 2012.

A estrutura de Os Vingadores funcionou tão bem que passou a ser repetida em todos os longas da Marvel Studios, formando, assim, o que se conhece hoje como Marvel Cinematic Universe, o MCU O uso desse universo compartilhado é o que torna o estúdio um dos mais renomados atualmente – afinal, a empresa montou uma história gigantesca, envolvendo centenas de personagens, tudo em um único mundo, complexo e muito vivo. 

Outros estúdios também tentaram aplicar esse mesmo conceito, objetivando o mesmo prestígio e sucesso da Marvel, como o InvocaVerso e o Monsterverse, ambos pertencentes a Warner Brothers. Há ainda o Dark Universe, tentativa da Universal de criar um mundo com diversos monstros da Literatura clássica, o qual fracassou no primeiro longa. Nota-se que Os Vingadores foram os responsáveis por criar essa tendência de universos compartilhados no Cinema, algo que se reflete até hoje em diversos projetos. Porém, o longa-metragem também foi responsável por popularizar os super heróis nas telonas e na cultura pop.

Antes de Os Vingadores, apenas alguns filmes de heróis alcançaram a fama, e, muitas vezes, isso ocorria porque esta já vinha junto com o personagem, por sua popularidade em quadrinhos ou animações. O longa, porém, alçou heróis desconhecidos do grande público ao estrelato, e hoje, 10 anos depois do seu lançamento, todos fazem parte do imaginário popular, podendo ser até mais populares do que os heróis clássicos, como Superman ou Mulher-Maravilha. 

Após o imenso sucesso da obra, diversos estúdios buscaram ter seus próprios heróis. A Warner Brothers criou seu mal estruturado universo compartilhado com os personagens da DC Comics, o Amazon Prime Video investiu na desconhecida HQ The Boys e a Netflix lançou séries como O Legado de Júpiter e The Umbrella Academy, entre outras produções. 

Pode-se dizer que, atualmente, a indústria cinematográfica vive a era dos heróis, na qual a maioria dos filmes lançados nas salas de cinema são voltados a essa temática. O frenesi não se aplica apenas aos estúdios, já que a busca do público também está voltada para essa vertente, tornando assim, as histórias de super-heróis as mais lucrativas nos dias de hoje. Os Vingadores é um filme icônico, seja pela catarse ao ver o crossover entre vários heróis da Marvel Comics ou por sua qualidade invejável e cativante. Todas as qualidades e acertos do longa ainda repercutem, criando tendências na indústria cinematográfica e projetando o MCU para lugares cada vez maiores na indústria do entretenimento. 

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Vitória Lopes Gomez

“Tempo, espaço e realidade são mais do que caminhos lineares. São um prisma de possibilidades sem fim, onde uma única escolha pode ramificar-se em realidades infinitas, criando mundos alternativos daquele que você conhece”, narra o Vigia (Jeffrey Wright) ao começo de cada episódio de What If…?. Assim, em sua primeira animação para o streaming, a Marvel revisita mais de 10 anos de produções do estúdio e se arrisca a questionar: “e se momentos cruciais do universo cinematográfico tivessem acontecido só um pouquinho diferente?”. É ponderando a questão e suas implicações que a série antológica explora possibilidades e realidades alternativas, mas só para deixar a pergunta maior sem resposta. E se a Marvel resolvesse mesmo arriscar?

Devidamente introduzidos às inúmeras chances do multiverso desde Loki, que abriu as portas do tal prisma de possibilidades, What If…? usa cada um de seus nove capítulos para distorcer o que já é conhecido. Começando pelo começo, o primeiro episódio imagina o que teria acontecido se Steve Rogers não tivesse se tornado o Capitão América. E se… a Capitã Carter fosse a Primeira Vingadora? coloca a agente Peggy Carter (Hayley Atwell) para tomar o soro do supersoldado, e o grande mocinho dos Vingadores vira coadjuvante para a nova heroína. A temporada já se inicia audaciosa, afinal, os eventos originais que inspiraram a narrativa acontecem em Capitão América: O Primeiro Vingador e a mudança proposta ecoaria em todo o universo da Marvel, já que o surgimento do herói é o pontapé da ordem cronológica dos filmes.

Só que What If…? não vai tão longe: ao longo dos 30 minutos de cada episódio, um arco se inicia e, à princípio, se encerra, sem explorar muito o que vem depois. Nisso, a liberdade que o formato antológico concede favorece as histórias soltas e a série não precisa se preocupar em destrinchar os eventos que seguem. Ainda que estejam inseridos na mesma linha do tempo, os capítulos, aparentemente desconexos um do outro, se desenvolvem em diferentes estilos e agradam gostos diferentes, assim como o estúdio tem feito nos cinemas, e o descontentamento com um não precisa se repetir em outro. No de Peggy, porém, a série já indica o terreno seguro que continuará a seguir. 

Com a nova Primeira Vingadora assumindo o escudo, as consequências poderiam ser incontáveis, mas os resultados finais não são tão ousados quanto prometem. Steve (Josh Keaton) é quem assume a armadura rústica do Homem de Ferro, Bucky (Sebastian Stan) não morre e, consequentemente, não vira o Soldado Invernal, tampouco assassina Howard Stark (Dominic Cooper). A longo prazo, a Guerra Civil que dividiu os Vingadores não aconteceria. Antes disso, talvez nem o Homem de Ferro de Tony Stark existisse, Visão não seria criado e Wanda não chegaria ao ponto de ajudar a abrir o multiverso, o que possibilitou What If…? em primeiro lugar. A série provoca e suscita a imaginação quanto ao futuro só para, já na primeira temporada, minar muitas das possibilidades que cria, usando do discurso repetido de “todos os caminhos levam ao mesmo final”, que o Doutor Estranho comprovou.

Apesar de influenciar o gigantesco universo em comum da Marvel, a série criada por Ashley C. Bradley não corre o risco de arriscar o que a empresa já construiu até aqui e, mesmo assim, segue pelo caminho cauteloso. A temporada aproveita da (aparente) liberdade de não ter uma grande responsabilidade em mãos para, amparada pelas infinitas possibilidades do multiverso, divagar em divertidas aleatoriedades. No segundo episódio, por exemplo, a produção se pergunta o que teria acontecido se Yondu (Michael Rooker) tivesse capturado T’Challa (Chadwick Boseman), e o Príncipe de Wakanda se tornasse o Senhor das Estrelas, ao invés de Peter Quill (Brian T. Delaney). 

Se, por um lado, a linha do tempo é alternativa o suficiente para não arruinar 10 anos de trabalhos cinematográficos, por outro, a série traça paralelos claros com o MCU. What If…? referencia os filmes, recria situações, refaz cenas e diálogos para se encaixarem no novo contexto, e até provoca para uma possível continuação de cada capítulo, como a Marvel sabe bem fazer. No segundo, a sequência do Senhor das Estrelas passeando pelo espaço com o toca fitas em mãos é idêntica a de Guardiões da Galáxia, mas é T’Challa quem a protagoniza. Para não deixar pontas soltas, Quill também faz sua aparição, alheio ao que poderia ter se tornado enquanto trabalha em uma lanchonete.

Como viajar pelo multiverso não é tão simples assim, o desenho animado foi essencial para garantir que os cenários improváveis saiam do papel. Assim como o roteiro da série, porém, o estilo das animações não é chamativo e nada marcante, quando tudo ao nível do estúdio promete ser. Segundo o chefe de desenvolvimento visual da Marvel Studios, Ryan Meinerding, a escolha pela técnica 3D do cel shading foi empregada para refletir os filmes e se inspirar em ilustradores americanos clássicos, em uma homenagem aos quadrinhos. Mais uma vez, a tentativa de se associar aos live-actions do MCU e de não fazer de What If…? algo completamente original e fora da caixa, como a proposta permitiria, desperdiça o potencial da série.

A dublagem também não é novidade e faz o máximo para manter a produção na zona de conforto: com exceção de alguns personagens, como o Homem de Ferro (Mick Wingert), a Capitã Marvel (Alexandra Daniels), a Viúva Negra (Lake Bell), o Homem-Aranha (Hudson Thames) e o Capitão América, os atores dos longas reprisam seus papéis e dão voz às suas versões animadas. Só que poucos deles têm a chance de trabalharem com algo diferente do que fazem à frente das câmeras, já que os heróis mantêm suas personalidades, jeitos e maneirismos até na realidade alternativa. T’Challa e o Vigia são alguns dos únicos que ganham novas facetas.

Participando de dois episódios da temporada, Chadwick Boseman, o intérprete do Pantera Negra falecido em 2020, conseguiu dar uma cara diferente para seu personagem em um deles, quando assume o posto de Senhor das Estrelas. Apesar de manter a essência nobre do vigilante de Wakanda, o ator pode brincar e sair do molde dos filmes, no que foi sua última participação na Marvel. Já o Vigia, dublado por Jeffrey Wright, estreia no universo do estúdio como o narrador onipresente de What If…? e é a única novidade real da série. Assim como nos quadrinhos, ele assiste os acontecimentos sem poder interferir e nos guia através dos desdobramentos do multiverso. Na dublagem brasileira, a maioria dos intérpretes originais também retornam com a versão animada de seus personagens.

Outra vantagem do desenho, que tenta corrigir a falta de personalidade da técnica empregada, são os diferentes gêneros e estilos escolhidos para cada episódio. Enquanto E se… o Doutor Estranho Perdesse o Coração e não as Mãos?, em que Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) perde sua amada ao invés do controle das mãos, entrega uma aura sombria e tensa, em E se… Zumbis?, assistimos aos acontecimentos de Vingadores: Guerra Infinita e Homem Formiga e a Vespa se desdobrarem em um apocalipse zumbi. O capítulo reúne novamente os heróis do MCU, desde o Homem-Aranha até Gamora (Cynthia McWilliams) e Okoye (Danai Gurira), para enfrentarem a ameaça juntos, no que é um dos episódios mais divertidos da temporada. Já em E se…  O Mundo Perdesse Seus Heróis Mais Corajosos?, presenciamos Nick Fury (Samuel L. Jackson) falhar em formar os Vingadores, ao longo de 30 minutos cheios de ação e espionagem.

Durante 8 episódios, What If…? levanta as perguntas certas e seu maior erro é justamente respondê-las. Ao final do oitavo e penúltimo capítulo, Ultron (Ross Marquand) vence a disputa pelo corpo do Visão, conquista as seis Joias do Infinito e ameaça a paz através do multiverso, como Aquele Que Permanece (Jonathan Majors, em Loki) havia avisado. A partir daí, tudo o que aconteceu até ali na temporada é retomado exatamente da onde parou: nem o Vigia conseguiu derrotar a Inteligência Artificial e, quebrando sua regra número 1 de não interferir, recruta os protagonistas de cada episódio no momento seguinte ao que cada um se encerrou. Juntos, eles formam os Guardiões do Multiverso e partem para a batalha. 

Já What If…?, a partir do momento que revela que os episódios antológicos estão, na verdade, conectados entre si e construíram juntos o caminho para o grand finale da temporada, esvazia sua própria proposta. A série certamente não foi feita para as salas de cinema, mas não passa do medíocre e joga fora as oportunidades de sua premissa. Ao final, a sinopse sonha mais alto do que a empresa permite e a produção se contenta em apenas reforçar e reaplicar a fórmula Marvel ao longo da temporada. 

Se isso acontecesse só nos episódios, porém, até seria perdoável, já que cada um deles têm começo, meio e fim e funciona de forma independente, com espaço para imaginar dentro de sua própria meia hora de duração. Só que não o fazem o suficiente e, até em uma realidade alternativa, a conclusão é a mesma: após o recrutamento dos Maiores Heróis do Universo, o grupo ruma a batalha, perde, se reúne novamente e, depois de um confronto final, triunfa. Nada de novo através do multiverso da Marvel. 

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Vitor Evangelista

Alguns anos atrás, quando as tramoias de Frank Underwood não chocavam tanto quanto as de Donald Trump, percebemos que a modernidade não deve nada aos roteiros de Hollywood. São muitos os fatores que colocam 2020 num radar dramático e narrativo para a ficção se esbaldar. No contexto da pandemia e das eleições norte-americanas, Charlie Brooker e Annabel Jones decidiram que não liberariam uma temporada nova de Black Mirror no momento, mas eles fizeram melhor: optaram por lançar um especial de comédia recapitulando o ano. Eis que surge 2020 Nunca Mais.

É fato que a tradução do ‘especial de comédia da Netflix’ reduz um pouco a carga de sua mensagem. No original, Death to 2020 exprime com mais exatidão o caráter emergencial e execrador do filme. O que, a princípio, já levanta a maior questão de todas: 2020 realmente demandava uma retrospectiva cômica tão cedo assim? Não existe resposta certa. O roteiro, escrito por muita gente, categoriza os acontecimentos do ano e segue numa linha do tempo simples, onde quem é acostumado à Retrospectiva da Globo pode estranhar o pessimismo dos entrevistados, mas, certamente, estará acostumado ao formato adotado.

E, então, somos apresentados às figuras fictícias que nos guiarão ao longo dos 12 meses do ano. Samuel L. Jackson é um jornalista da paródia do NYT e tem as referências pop mais afiadas do filme, chegando no auge criativo de Brooker e companhia quando compara o status de popstar de Greta Thunberg à Billie Eilish. Na verdade, 2020 Nunca Mais pouco se esforça na hora de temperar seu texto com acidez e sarcasmo. Nesses tempos de notícias falsas, com presidentes pedindo para que supremacistas brancos deem um passo para trás, e outros ainda duvidando da eficácia da vacina, a ficção não tira riso fácil de ninguém.

O que já tinha sido colocado a teste quando Borat voltou 14 anos depois. Em 2006, o personagem de Sacha Baron Cohen conseguia fazer rir pelo absurdo e por revelar camadas nojentas de quem entrevistava. Agora, em 2020, acompanhado da formidável Maria Bakalova, Cohen não atira tão alto quanto no passado. Já virou rotina encontrar o abominável no canal de notícias ao invés da Netflix. Não à toa, a personagem de Diane Morgan, a cidadã comum, satiriza esse fato, chegando a interpretar a eleição de Joe Biden como o final de temporada da América. “Eu me surpreendi quando o país continuou indo em frente”, ela condecora em seu sotaque britânico. 

Qualquer tirada sacana ou ridicularização da estupidez cai por terra, sem qualquer peso cômico ou mesmo de estranhamento. Hugh Grant interpreta um historiador que jura de pé junto que os Caminhantes Brancos fazem parte da História americana, e Cristin Milioti personifica sua própria versão da Karen, a Kathy. Os atores se estendem em longos diálogos, com cenas de reconstituição visual e muita noção do ridículo, mas nada se sustenta como peça de comédia ou mesmo como partes de um filme. O Saturday Night Live faz isso desde 1975 e mesmo eles tem ciência do quão complicado é concorrer com os absurdos do mundo real. 

Usando o roteiro copiado e colado da realidade, e sem necessidade de inventar firulas espaciais ou uma Miley Cyrus Alexa, Charlie Brooker segue o caminho mais fácil que poderia seguir: ele envelopa as loucuras do ano num agasalho de sua marca maior, a do espelho preto. 2020 Nunca Mais em momento algum se identifica como algo derivado de Black Mirror, mas tampouco se afasta desse guarda-chuva. Dessa vez, não tem vergonha na cara de tentar soar original ou escrever tramas cheias de ganchos e viradas, nem o mínimo esforço para sair do senso comum, e não há nada mais ‘Black Mirror’ que isso.

O filme leva na brincadeira os terrores do ano, mas encontra em maio seu momento mais poderoso e com vigor. Na hora de falar sobre George Floyd e o movimento Black Lives Matter, a direção de Al Campbell e Alice Mathias é terna e resiliente, fazendo brilhar os personagens de Samuel L. Jackson e Leslie Jones (uma terapeuta que está de saco cheio), reiterando que as figuras negras de 2020 Nunca Mais são os únicos seres pensantes desse microuniverso. De resto, o elenco é estelar mas demasiado estressante. Kumail Nanjiani é irritante, Joe Keery é burro e Lisa Kudrow dá nos nervos. São estereótipos que assistimos e acompanhamos diariamente na mídia, e revê-los em suas versões banais é mais problemático do que benéfico.

Isso pois 2020 Nunca Mais é uma piada interna. Seus 70 minutos esbanjam a babaquice de quem sabe que está certo e vê, por esse meio e formato, a maneira mais certeira de escrachar a outra parcela da população. Parcela essa que pode assistir ao especial e não enxergar para além do véu do sarcasmo, como muitas vezes vemos acontecer no mundo real. As Karens abraçam esse princípio, e ser chamado de racista ou fascista não pesa os ouvidos que recebe as palavras. O filme é emergencial, apressado e empunha a má fé, rir de assuntos do gênero de forma tão imediata não é só errado, como também é deselegante. Mas, vejam o lado bom, pelo menos não teve Black Mirror este ano.

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Vitor Evangelista

O segundo capítulo da saga do Homem-Aranha veio cedo demais. Menos de três meses depois da avalanche Vingadores: Ultimato, a Marvel trazer de volta o Cabeça de Teia é uma jogada arriscada. Sim, podemos combinar que não dependia só deles, a parceria com a Sony exigia um filme do Teioso no catálogo neste verão americano. 

É amargo o gosto que fica na boca depois de assistir o épico contra Thanos e absorver suas consequências para a franquia, lembrando que logo menos Peter Parker e cia iam voltar a se balançar por teias na Europa. Com isso estabelecido, Longe de Casa aceita a posição de epílogo da Saga do Infinito e semeia pistas para as futuras estações da Marvel nos cinemas.

Assim como no quarto capítulo dos Vingadores, a trama de Longe de Casa é melhor aproveitada se mantida em segredo. Quaisquer pontos de viradas e aparições surpresas enchem os olhos e enriquecem ainda mais essa mitologia tão vasta e frutífera que a Marvel constrói desde seu Homem de Ferro, que completou onze anos de lançamento.

Peter Parker precisa lidar com a morte de Tony Stark e com a volta dos que morreram no estalo de Guerra Infinita ao mesmo tempo que a classe decide viajar à Europa para um projeto de ciências. Em meio a isso, Peter (Tom Holland, que ainda convence como um adolescente) maquina maneiras de declarar seu amor para sua paixonite, a misteriosa MJ (Zendaya, sem palavras, assistam Euphoria da HBO).

A dinâmica dos atores interpretando jovens de dezesseis anos se sustenta. Embalados pelo não-casal principal, a sagacidade de Ned (Jacob Batalon), mesmo que por vezes fora de tom, cria sorrisos no canto da bochecha de quem acompanha as mais de duas horas de filme. O motorista Happy (Jon Favreau) também atua como ponte de humor junto ao seu interesse na, agora empresária do sobrinho, Tia May (Marisa Tomei).

O personagem imprime diversas facetas. Originalmente um vilão dos quadrinhos, a nova encarnação de Quentin Beck é dúbia, charmosa e, o mais importante, incômoda. Não se assiste tranquilo longas sequências de interação entre Mystério e Aranha sem a pulga atrás da orelha começar a coçar. A inocência de Tom Holland ao interpretar Parker transporta o público para dentro da ação, ninguém quer ver o garoto quebrando a cara.

Uma figura como Mystério instiga aqueles já confortáveis com as previsíveis viradas em filmes de herói. Muito disso se deve ao brilhante trabalho de Gyllenhaal. O ator equaciona a megalomania necessária para viver um personagem que solta raios verdes e usa um aquário vazio como capacete. O visual de Beck ao lado de uma sequência de mirabolantes ilusões já fazem valer o filme.

A direção ainda é de Jon Watts, que conseguiu revitalizar uma franquia já explorada com o primeiro Homem-Aranha, De Volta ao Lar. O diretor ilumina muito bem suas locações europeias e viabiliza a criação de um espetáculo à parte. Adendo a fotografia, os efeitos espaciais para a criação dos vilões Elementais enchem a tela e os olhos e firmam Longe de Casa como um dos filmes mais vistosos (e bregas, no melhor sentido colagem de gibi) do Universo Cinematográfico da Marvel.

O roteiro de Chris McKenna e Erik Sommers ainda encontra espaço para discutir a modernidade, a pós-verdade dos jornais e o papel da opinião pública. Essa nova safra de longas do Aranha se mostra necessária num tempo em que filmes de herói não costumam debater tão diretamente temas humanos e inerentes a nós. Aqui, as metáforas intergalácticas e raças alienígenas descansam, para que as problemáticas do mundo na Terra sejam estudadas

Homem-Aranha: Longe de Casa pode ser visto como um reflexo de si mesmo. Assim como na trama de viagem de verão, o filme serve como uma ida as férias da Marvel. A leveza com que Parker enxerga o mundo propicia um refrescante estado de latência dos grandes vilões e sagas da Casa de Ideias. Por mais que grandes problemas baterão à porta logo logo, não tem nada de errado em se divertir após o fim desse grande ciclo. E suas duas cenas pós-créditos transmitem muito bem o baque do futuro.

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