Vitória Gomez

Em Agosto de 2020, Alexei Navalny, líder da oposição russa contra Vladimir Putin, foi envenenado durante um voo para Moscou por Novichok, um composto produzido pelo governo nacional. Quase dois anos após o mal sucedido pelo ataque e uma estreia estarrecedora no Festival de Sundance 2022, o documentário joga luz no intricado e criminoso jogo político do leste europeu – ainda pré-Guerra da Ucrânia – a ponto de agraciar as morais estadunidenses: Navalny, obra que acompanha o opositor do Kremlin, recebeu aplausos ianques e uma indicação como Melhor Documentário no Oscar 2023.

Apesar da inevitável atmosfera de filme de espião, a mais de uma hora e meia de duração não é suficiente para desviar do fato que Alexey Navalny – pelo menos o retratado aqui – é um político. A produção acompanha seu protagonista desde o momento da tentativa de assassinato contra ele, através de filmagens de celulares e veículos locais – focando nos momentos de sua recuperação em Berlim e na retomada da atuação política e militante para fazer frente ao governo totalitário da Rússia -, até sua prisão em 2021, no retorno ao país. Por mais que os fatos digam por si só e a autoria do ataque seja praticamente inquestionável, Navalny se perde entre uma trama investigativa e o perfil de uma celebridade.

Na sequência de abertura, Navalny, sentado na bancada de um bar, pede ao diretor Daniel Roher que o filme em produção seja de espionagem, e não um memorial para o caso de sua morte. O político sabe fazer política: desde o início, o russo se porta como um personagem, ciente dos riscos que corre, e transforma a mídia e os holofotes em seus principais guarda-costas. Em trechos à frente das câmeras, ele mesmo afirma que, quanto maior sua plataforma e as pessoas que o vêem, mais estará seguro – no decorrer do documentário e da História, porém, seu erro é comprovado. De cara, o voto de confiança cega em Navalny é no mínimo questionável: produzido pelos Estados Unidos, a luz vermelha permanece acesa por todo o documentário.

Mesclada aos depoimentos do protagonista e de sua família – a esposa Yulia e os dois filhos do casal – e às entrevistas cara a cara com as lentes de Roher, as cenas de investigação assumem um caráter jornalístico que favorecem a condução e o tom de veracidade do longa. Aqui, o caráter e a unanimidade de Navalny enquanto figura política são questionáveis; os fatos em exposição, não. É nos momentos que coloca em cena o jornalista Christo Grozev, descobridor da teia de planos e dos capangas responsáveis diretamente pelo envenenamento, que o filme atinge seus picos positivos. 

Parte da organização Bellingcat, de jornalismo investigativo independente, o CEO do portal explicita as etapas que o levaram a desvendar o esquema para o assassinato. Em uma das cenas mais decisivas para a investigação – e para o furor com o documentário como um todo -, o jornalista e o líder da oposição de Putin, ao lado de outros membros de sua equipe, se passam por um oficial russo e fazem um telefonema para um dos envolvidos no envenenamento, questionando o porquê do ataque falhar. A resposta é uma confissão detalhada, que, algumas edições atrás, poderia ser exibida nos telões do palco do Oscar. É nos momentos de Grozev em cena que Navalny se eleva ao almejado status de thriller. 

Que as ações de Vladimir Putin no comando da Rússia são – no mais maniqueísta possível – totalitárias, a cobertura jornalística hegemônica e não hegemônica documentam. Navalny encontra sua fadiga justamente na contextualização da situação geopolítica, econômica e social sob as palavras da própria figura que batiza o filme. O envenenamento do líder é emblemático ao escancarar como uma relevante oposição russa é reprimida em prol da manutenção de Putin no poder; a prisão da figura, em mostrar como a repercussão internacional é recebida pelo Kremlin. Porém, a apropriação do cenário sob a narrativa de Alexey Navalny – diga-se de passagem, inevitável em qualquer discurso político – coloca os holofotes em um showman mais do que em sua luta democrática.

Apesar dos excertos inspiradores – como quando o advogado incita a continuidade da resistência mesmo no caso de sua morte -, a investigação vira subtexto ao passo que as lentes captam os depoimentos de Navalny. Claro, o documentário foi inspirado e acompanha a trajetória do líder político a partir de seu envenenamento – não por menos, foi nomeado com seu sobrenome -, mas, ao balancear o tempo de tela dos momentos de jornalismo investigativo e das cenas de Alexey falando diretamente para câmera, quase de igual para igual, o ‘filme de espião’ se amorna em uma entrevista perfil de uma celebridade.

No documentário, filmado secretamente, curtos e constantes trechos captam a vida do político em seus momentos de recuperação. Em seu exílio forçado em Berlim, cenas de Alexey e Yulia conversando e caminhando pela vizinhança, e dos filhos do casal testemunhando sobre o pai, declaram que a obra, realmente, não pretende tornar tudo sobre a investigação – o que melhor para os Estados Unidos do que um opositor corajoso, nobre e à altura de Putin? Aqui, tomando distância do juízo de valor sobre o atual governante russo e as atrocidades sociais e políticas cometidas no poder de uma das maiores potências bélicas mundiais, Navalny tampouco questiona a si mesmo.

A tentativa existe, mas não progride: o diretor confronta Navalny sobre seu passado, quando o opositor tendia à extrema-direita e marchou ao lado de ultranacionalistas e neonazistas – esquecendo de mencionar seu caráter xenófobo. Como pede o jornalismo, o político dá sua versão dos fatos: para ele, paradoxalmente, pouco importa quem anda ao seu lado, contanto que a caminhada seja rumo à democracia. Diante do panorama autoritário da Rússia, a resposta claramente engrandece seu mensageiro – sem cogitar que uma nova problemática surge em sua prática, ao colocar diferentes tipos de criminosos embaixo do mesmo guarda-chuva de heroísmo apresentado por Navalny.

No páreo ao título de Melhor Documentário pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, a produção investigativa concorre com All That Breathes, Vulcões: A Tragédia de Katia e Maurice Krafft, A House Made of Splinters e All the Beauty and the Bloodshed. Este último despontando como favorito ao troféu, uma vitória tornaria Navalny zebra na categoria – temáticas polêmicas anualmente são nomeadas, mas raramente levam a estatueta dourada. Com o resultado da premiação em aberto, porém, a obra ainda pode torcer: não é de agora que o Oscar ama retratos políticos – mas apenas os quais concorda com o posicionamento. Nisso, Navalny preenche os requisitos.

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Bem recebido e premiado com o Grand Prix em Cannes, o finlandês Compartment Nº 6 passa pela 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo provando que, às vezes, a jornada é mais importante que o destino. De fato, o filme de Juho Kuosmanen, parte da Competição Novos Diretores, esbanja um nível técnico invejável para um cineasta “iniciante”, repleto de discussões interessantes e do clássico trunfo de não dizer, e sim mostrar.

Na história, acompanhamos uma jovem finlandesa (Seidi Haarla) que se distancia de um caso amoroso em Moscou, embarca em um trem e parte em busca de rochas especiais, que contam com inscrições muito antigas e enriquecedoras para seus trabalhos como historiadora. No vagão meia-dúzia, ela conhece um minerador russo (Yuriy Borisov), escroto e inconveniente, mas aos poucos amolecido pelo álcool no sangue e pela companheira de dormitório.

O roteiro de Andris Feldmanis, Livia Ulman e de Kuosmanen, baseado no livro de Rosa Liksom, investe no jogo de gato e rato que os protagonistas se metem, partindo de situações de extremo alerta (como a sequência ambientada no banheiro da locomotiva) até momentos mais sutis e divertidos (a mini-viagem que toma parte lá pelo segundo ato). Ao invés de colocar na boca dos personagens suas ações e seus passados, o brilhante texto nos mostra essas virtudes em ação, em gestos, olhares e reações.

Imagine o cruzamento ideal da ambientação da trilogia romântica de Richard Linklater com o niilismo mais classudo que o Cinema pensa em ostentar. Hytti nro 6 nos mantém na ponta dos pés, nunca revelando suas reais intenções. Devemos nos preocupar? Ou apenas aproveitar a viagem? São quase duas horas de uma jornada inquieta e extremamente viciante, o que causa um estranhamento quase que latente por baixa da primeira camada do voyeurismo.

Acompanhar tanto da intimidade dessas pessoas, dos vídeos caseiros da garota até o sono grosseiro do homem, pode ser intrusivo até demais. Porém, o diretor não força a barra ou penetra demais a psique atormentada e millennial dessa dupla do barulho. Respeitando limites e dando espaço para que seus objetos de estudo respirem, Kuosmanen é maquinista de um veículo que tem total ciência de onde quer ir. O destino vive no amanhã, ele sabe, e nós só temos o hoje. 

O frio que congela a Rússia não é o bastante para que Vadim e Laura se prendam a quaisquer definições que os estereótipos de uma estudiosa e de um estúpido poderiam carregar. A escolha da Finlândia para a corrida do Oscar 2022 possui o fleur que costuma favorecer os grandes filmes internacionais: uma história “universal” recheada de pormenores culturais específicos. A receita do sucesso é a honestidade, e, capturado pela meticulosa montagem de Jussi Rautaniemi, pela gélida fotografia de J-P Passi e pelo rústico design de produção de Kari Kankaanpää, Compartment Nº 6 é brutalmente verdadeiro.

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Vitória Lopes Gomez

Mais de uma década depois de sua primeira aparição no Universo Cinematográfico da Marvel, e ao som de Smells Like Teen Spirit, finalmente vemos Natasha Romanoff virar a Viúva Negra. Nos 11 anos desde a estreia da personagem em Homem de Ferro 2, o estúdio não aproveitou o que tinha em mãos e renegou a assassina de aluguel à coadjuvante, mas deu mais tempo (e motivo) para que a injustiçada conquistasse o público. Com a pandemia e o fechamento das salas de cinema, a enrolação da empresa adicionou mais 14 meses à espera até inevitavelmente ceder ao Disney+. Antes tarde do que nunca, Viúva Negra ainda é pouco para a despedida que a Vingadora merece.

O longa começa onde Capitão América: Guerra Civil parou: procurada internacionalmente por violar o Tratado de Sokovia, Natasha (Scarlett Johansson) está foragida, assim como os outros heróis do Team Cap. Ela até tenta se manter fora do radar, mas quando uma maleta com frascos misteriosos chega em suas mãos – e vem acompanhada de um vilão à la Soldado Invernal para recuperá-la -, ela se vê obrigada a reencontrar a irmã, Yelena (Florence Pugh), e confrontar os traumas do seu passado.

De cara, o prólogo já anima e nos joga na história onde queremos estar. A reviravolta na calma e agradável infância de Natasha (aqui, Ever Anderson) e sua irmã mais nova manda as duas de volta à Rússia, direto ao treinamento para virarem agentes secretas. Embalados por uma releitura que amplifica a mensagem do clássico da Nirvana, os perturbadores créditos iniciais são angustiantes ao saltarem da até então domesticidade para a crueldade da organização que fabrica as Viúvas Negras.

Em pouco tempo, a atmosfera tensa e sinistra que o passado da Vingadora evoca já está mais do que justificada e dá o tom ideal para Viúva Negra – só que não o segue. Corta para o presente (que é passado, na linha do tempo do MCU) e logo cai a ficha: 21 anos se foram em 15 minutos e já assistimos Natasha passar pela traumática preparação e virar a Viúva Negra que conhecemos. Se a Marvel demorou quase uma década só para acreditar que a personagem de Scarlett Johansson se sustentaria em um filme solo, talvez fosse pedir demais que a história de vida completa da agente seja destrinchada como merece.

Com o devido reconhecimento, toda a trajetória de Natasha renderia produções mais do que interessantes, seja em longas no cinema ou em séries no streaming. Infelizmente – e não só pela demora da empresa -, as migalhas do passado em Viúva Negra destroem as chances de a testemunharmos jovem, em treinamento e até tentando escapar da organização. Ainda que as agentes possam – e mereçam – produções inteiramente dedicadas a elas, a descrença da Marvel e o roteiro no tempo errado dão um ultimato para Natasha Romanoff.

Depois de sonhar alto, é melhor aceitar a desilusão e abraçar o que as duas horas seguintes de Viúva Negra têm a oferecer – afinal, essa é a despedida da Vingadora. O passado ficou para trás, mas a encomenda enviada por Yelena força a espiã a viajar a Budapeste e confrontar partes dele. Depois de anos separadas, o reencontro com a irmã mais nova é eletrizante e vai das lutas e cenas de ação aos papos emocionais com direito a drink em família.

Como Natasha descobre, ela não conseguiu matar Dreykov (Ray Winstone), o diretor do programa que treina as Viúvas, e ele continuou capturando meninas inocentes para servirem a seu dispor. Na iniciação, a tortura a qual submetia as recrutadas não era só psicológica e física, mas ele também as manipulava quimicamente para garantir sua influência. Então, Yelena, que também foi forçada ao treinamento e virou uma das maiores assassinas da organização, recorre a Natasha: os frascos enviados contém o antídoto para a subjugação química e, nas mãos certas, podem libertar as Viúvas do domínio de Dreykov.

Se a atuação já conhecida de Scarlett Johansson sempre sabe medir entre a frieza e a vulnerabilidade, a personagem de Florence Pugh se destaca. Yelena Belova é tão durona quanto a irmã mais velha, mas descontraída, teimosa e divertida, não demora para roubar a cena. Entre implicâncias e confidências, as duas são a dupla perfeita: atormentadas pelos traumas em comum e acostumadas a estarem por conta própria, encontram uma na outra momentos de fragilidade e apoio necessário para baixarem a guarda.

As irmãs, até há pouco vítimas das torturas da organização, se unem para colocar fim na manipulação de Dreykov, mas precisam de ajuda para encontrá-lo. Assim, Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), os agentes que haviam sido designados ao disfarce de pai e mãe das protagonistas, entram em jogo. A família disfuncional está reunida novamente.

Mesmo perdendo a mão em alguns momentos, como nas irritantes tentativas de tornar o Guardião Vermelho o alívio cômico, nos exagerados ‘Casos de Família’ ou nos batidos estereótipos russos, o roteiro de Eric Pearson, Ned Benson e Jac Schaeffer sabe como chegar onde quer. Quando somado à direção magnética de Cate Shortland, as interações entre personagens viram o grande destaque e, misturadas às tensas sequências de ação, criam a vibe certa para a condução da história. 

O primeiro e segundo ato envolventes, no melhor estilo filme de espião, indicam uma conclusão espetacularmente sombria – finalmente veremos a Sala Vermelha por completa! -, mas Viúva Negra não escapa da fórmula Marvel. Todo o potencial drama e suspense ao adentrarmos o centro de treinamento, assim como o plot twist com o vilão do filme, são desperdiçados com as cenas de ação espalhafatosas. Os embates em plena queda livre com aeronaves explodindo e um grande sacrifício ainda perdem para a luta inicial de Natasha e Yelena na cozinha.

Quando, finalmente, cara a cara com Dreykov, era de se esperar que os abusos sofridos pelas agentes recebessem a atenção que o tema pede. Se as protagonistas só embarcaram na missão para libertar as Viúvas, que sofrem com o mesmo que as duas sofreram na infância e ainda carregam os traumas consigo, a motivação é ofuscada pela porradaria e a sensibilidade resume o assunto a um subtexto de uma narrativa maior. A abordagem de um dos temas mais importantes acaba superficial frente ao que poderia ser, mas as espiãs continuam espalhadas e infiltradas por aí e a Marvel ainda pode fazer jus a elas.

Falando em fazer jus, em tempos em que até uniformes confortáveis e apropriados para lutas são alvo de reclamações, ainda temos que destacar a importância das mulheres contarem suas próprias histórias. Anos atrás, a intérprete da Viúva Negra só queria que a personagem fosse retratada devidamente, sem ser objetificada ou sexualizada para a apreciação do público masculino. Em Black Widow, com o protagonismo feminino à frente e por trás das câmeras, a visão de Scarlett Johansson se concretizou: olhando em retrospecto à primeira aparição de Natasha no MCU, seu filme solo arranca um suspiro de alívio.

Apesar de tudo e mesmo com as limitações que o futuro impõe – a Guerra Infinita já passou, Thanos e a rixa dos Vingadores também -, Viúva Negra não aproveita a liberdade que uma produção deslocada e isolada confere. As revelações do passado, das origens e das relações da agente são menores do que gostaríamos, mas nos aproximam da Vingadora. 

Ao final, o filme solo de Natasha é envolvente e afetuoso ao enriquecer a personagem, que é bem mais do que a assassina treinada a qual fomos introduzidos. Ainda que a despedida não tenha chegado nem perto do que ela merecia, Natasha Romanoff é mais querida depois de Viúva Negra.

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Quando o assunto é Festival, o Persona, em conjunto, clama por um único evento: o dia do Cineclube. E claro, se for em terras cariocas, a empolgação é maior ainda. Depois de 15 dias e 15 filmes, chega ao fim o Festival do Rio 2021, que com uma seleção variada de obras singulares, uniu todas as tribos e agradou até o mais cri-cri dos cinéfilos de plantão.

Da Dinamarca à Costa do Marfim, de indicados ao Oscar até esnobados injustos, um pouquinho do que há de melhor na produção cinematográfica mundial veio visitar remotamente a Cidade Maravilhosa e garantir, diariamente, um descanso fora das amarras das nossas próprias narrativas. Pela plataforma do Telecine, cada filme era disponibilizado por 24 horas e 24 horas apenas, ou seja, chegara o momento de planejar a maratona.

Figurinhas já batidas integraram o catálogo do Festival. Uma nova exibição de Druk – Mais uma Rodada é sempre bem-vinda e o atual vencedor da categoria de Melhor Filme Internacional no Oscar 2021 foi o felizardo responsável por iniciar a jornada com muito álcool e uma boa dose de Mads Mikkelsen (ou seria o contrário?). E os donos de estatuetas douradas não pararam por aí: o ácido Bela Vingança, que garantiu o prêmio em Roteiro Original para Emerald Fennell, arrancou exclamações e conquistou uma vaga entre as 15 obras. Excepcionais, sim. Mas, às vezes, poderia ter sido mais produtivo ceder espaço às produções não tão comentadas nos últimos meses.

Pincelando temas dolorosos e desconfortáveis da melhor forma que o Cinema consegue fazer, não faltou sensibilidade para discutir o que de mais horrendo a sociedade já produziu e encarar nossos demônios como espécie humana. Quo Vadis, Aida? e Caros Camaradas! miram no histórico, Slalom – Até o Limite e Ainda Há Tempo desenham o atual. Das mais variadas formas, esta edição do Festival do Rio coloca o espectador frente a frente com o espelho e exige reflexão; exige autoconsciência.

É óbvio que, no meio de tudo isso, sobra espaço para o cômico, o lúdico e até para o fantástico. No entanto, não se engane – como toda forma de expressão, o Cinema é um produto de seu tempo, dialogando com seu tempo e, muitas vezes, questionando na mesma medida. Por baixo do prédio ficcional de Edifício Gagarine ou das histórias arrebatadoras de Noite de Reis, há sempre uma lente que foca no que somos ou no que deveríamos ser.

Depois de uma cobertura completa da leva de filmes 2021, a Editoria do Persona embaralha os papéis e comenta obra por obra, loucura por loucura, apresentada na fresquíssima edição do Festival do Rio. Para quem já está com saudades das narrativas diárias, os textos abaixo revivem parte do caos latente proporcionado durante esses últimos 15 dias pelo maior festival de Cinema da América Latina.

Druk – Mais uma Rodada (Druk, Thomas Vinterberg)

O atual vencedor do Oscar de Melhor Filme Internacional não poderia ser uma escolha melhor para inaugurar o Festival do Rio 2021. O longa de Thomas Vinterberg, que representou a Dinamarca na premiação e ainda marcou presença na categoria de Melhor Direção, traz uma mensagem arrebatadora – e regada a muito álcool – sobre celebrar e aproveitar a vida. E faz isso se centrando em um grupo de amigos que vivem uma espécie de crise da meia-idade, desmotivados em relação ao seu trabalho e suas vidas pessoais igualmente. Assim, o quarteto formado pelos professores Martin (Mads Mikkelsen), Tommy (Thomas Bo Larsen), Nikolaj (Magnus Millang) e Peter (Lars Ranthe) encontra no álcool uma espécie de refúgio para essa monotonia, a partir da teoria do psiquiatra norueguês Finn Skårderud, de que o ser humano nasce com um déficit de 0,05% do composto no sangue. 

O que poderia seguir para uma comédia escrachada à la Se Beber, Não Case sobre homens quarentões que decidem viver a vida inconsequentemente, é magistralmente conduzida para um drama bem-humorado e reflexivo. Sem se apoiar em discursos moralistas, Druk – Mais uma Rodada é capaz de mostrar as devidas consequências do excesso de álcool, mas não abandona o fato de que ele é um refúgio revitalizador para a cansativa rotina da vida adulta. O papel de Mikkelsen é o grande fio condutor da narrativa, em que apesar da vida boêmia trazer um pouco de brilho para sua personalidade até no meio profissional, ela não apaga as fragilidades de seu casamento. 

A obra de Vinterberg se encerra com a mesma força de seu início, mostrando a beleza de curtir momentos cercado de boas amizades, segurando um devido drink na mão. O triunfo dessa deliciosa experiência foi tanto que já está confirmado para ganhar um remake em terras estadunidenses, que não conseguem ver um filme bem sucedido que não possam chamar de seu. Além de sua narrativa, Druk carrega uma homenagem à filha do cineasta, que iria estrelar a produção, mas faleceu em um acidente de carro em 2019. O triste estado de luto do diretor não sobrepôs o teor do filme com um pessimismo amargurado, fazendo jus à bela memória de Ida Vinterberg. – Vitória Silva

Caros Camaradas! – Trabalhadores em Luta (Dorogie Tovarishchi, Andrey Konchalovskiy)

Se o Festival do Rio escolheu a alegria bêbada e pungente de Druk para iniciar os 15 dias de exibição, Caros Camaradas! foi uma decisão e tanto para suceder o dinamarquês. O longa de Andrei Konchalovsky, antigo co-roteirista de Andrei Tarkovsky, sabe a história que quer contar e, por mais dolorosa que seja, não se desvia dela em momento algum.

Seja pela proporção 1:33 ou pela fotografia em preto-e-branco, a obra russa explora a jornada desesperada da personagem de Yuliya Vysotskaya para tentar encontrar sua filha, uma das possíveis vítimas da força policial que reprimiu violentamente os protestos dos trabalhadores de Novocherkassk, em 1962. A escolha do diretor em centralizar a devota mãe stalinista em seu processo de redescoberta dos próprios ideais dá o gás que a narrativa precisa para não se tornar vazia e, com jogos emocionais perfeitamente construídos, Konchalovsky é irrefutavelmente bem-sucedido. – Caroline Campos

Slalom – Até o Limite (Slalom, Charlène Favier)

Uma das cenas mais típicas do terror é quando o monstro se aproxima por trás, e a vítima o vê pelo reflexo do espelho a sua frente. A construção desse cenário é usada em Slalom – Até o Limite, o terceiro filme do Festival do Rio, em um momento de grande tensão. O monstro, dessa vez, não tem nada de sobrenatural. O medo da protagonista, de apenas 15 anos, vem do seu abusador e violento treinador.

É nas montanhas de Bourg Saint Maurice que se passa a história de Lyz (Noée Abita), tão gelada quanto a neve que a cerca. Pelos olhos da diretora francesa Charlène Favier, Slalom narra a sombria jornada da jovem atleta que foi abandonada pela mãe e assombrada pelos abusos psicológicos e físicos do seu técnico, Fred (Jérémie Renier).

Sem diminuir a força dos acontecimentos, o filme é verdadeiro e agressivo em todos os seus 92 minutos. Com iluminação fria e uma trilha sonora muitas vezes silenciosa, Slalom escancara a realidade de tantas meninas que convivem nos meios esportivos. O longa é um tapa na cara para acordar quem ainda não entende a gravidade do estupro e da violência contra a mulher – que, nesse caso, é apenas uma criança. – Mariana Chagas

O Mauritano (The Mauritanian, Kevin Macdonald)

A obra que marcou presença no Globo de Ouro 2021, e foi tristemente esnobada no Oscar, teve seu devido lugar ocupado no Festival do Rio 2021. O Mauritano ilustra a história real de Mohamedou Ould Slahi, interpretado por Tahar Rahim, acusado de recrutar terroristas para o atentado do 11 de setembro. Sob o contexto da chamada guerra ao terror do governo do presidente George W. Bush, o engenheiro mauritano é levado à base de Guantánamo, onde permaneceu por mais de 14 anos.

Sem nenhuma acusação formal do governo estadunidense contra ele, a advogada Nancy Hollander (Jodie Foster) e sua assistente Teri Duncan (Shailene Woodley) assumem seu caso, tendo no lado oposto o advogado militar Stuart Couch (Benedict Cumberbatch). A produção dirigida por Kevin Macdonald se baseia no livro autobiográfico do Mauritano de fora das telas, O Diário de Guantánamo, e evidencia as deficiências do sistema prisional estadunidense e de sua política anti-terrorismo, que acaba por evidenciar preconceitos e ferir a liberdade daqueles que não identificam como seus. 

O Mauritano navega por flashbacks um tanto confusos da vida de Mohamedou e das agonizantes torturas que ele passou para confessar o que o governo estadunidense queria ouvir. O peso da história é brilhantemente sustentado pela atuação de Rahim, trazendo a luz da resiliência para o personagem que interpreta, que é apenas um dos diversos rostos injustamente aprisionados por um sistema que corre atrás de presas fáceis. – Vitória Silva

Edifício Gagarine (Gagarine, Fanny Liatard e Jérémy Trouilh)

A imaginação é capaz de qualquer coisa, e é nela que Youri (Alséni Bathily) se agarra. Em Edifício Gagarine, 5º filme do Festival do Rio 2021, Fanny Liatard e Jérémy Trouilh contam uma história em camadas: uma homenagem semi-documental, um longa-de-amadurecimento, um drama de denúncia social, e uma ficção científica fantasiosa situada nos subúrbios de Paris. Youri, um menino de 16 anos residente do conjunto habitacional Gagarine, decide iniciar um movimento para impedir a demolição do prédio. 

No processo, ele e seu amigo Houssam (Jamil McCraven) conhecem Diana (Lyna Khoudri), e os três se unem para lutar contra o tempo para salvar o edifício de virar escombros. Liatard e Trouilh parecem contar diferentes histórias em uma mesma narrativa, quase como um sonho que conecta suas cenas, ainda que elas pareçam emanar energias completamente diferentes. Sempre que o longa parece estar indo para algum lugar, ele muda de direção com a força de um foguete, e nos sentimentos ligeiramente perdidos por alguns momentos, como se flutuássemos no espaço.

Festivais são o lugar perfeito para experimentações, e aqui, elas funcionam. Gagarine parece refletir exatamente o que se passa na mente de Youri, muitas ideias e uma grande motivação, mas propósitos tão singulares que se apresentam de forma confusa. Quanto mais adentramos na narrativa, mais a imaginação e a realidade se misturam, e a deslumbrante sequência final faz compensar os caminhos que o filme utiliza para chegar até lá. – Jho Brunhara

Quo Vadis, Aida? (Idem, Jasmila Zbanic)

Exibido no sexto dia do Festival do Rio 2021, o bósnio Quo Vadis, Aida? revisita os acontecimentos que culminaram no Massacre de Srebrenica. A cada nova omissão da Organização das Nações Unidas, que mediou conflitos durante a Guerra da Bósnia, a esperança se esvaindo é quase tangível. 

É com a protagonista Aida – mãe, cidadã de Srebenica e tradutora da ONU – que acompanhamos a escalada do conflito e das negligências que levaram ao genocídio de mais de oito mil bósnio-muçulmanos. Em uma performance agonizante, que potencializa o desespero perante o desastre iminente, a veterana Jasna Duricic exala a angústia de cumprir suas funções como mediadora enquanto tenta a todo custo proteger sua família e comunidade. 

A cada minuto das quase duas horas e meia de duração, que não ficam arrastadas graças à condução da diretora Jasmila Zbanic, a agonia e a impotência aumentam. Quo Vadis, Aida? é potente, forte e pesado ao reconstruir o acontecimento histórico, ainda mais quando o maior massacre na Europa desde a Segunda Guerra Mundial ainda é negado por governantes e parte da população. – Vitória Lopes Gomez

De Volta à Itália (Made in Italy, James D’Arcy)

Em De Volta à Itália, um dos filmes mais fracos exibidos no Festival do Rio 2021, temos aquele velho clichê retratado exaustivamente no Cinema. Robert (Liam Neeson) e Jack (Micheál Richardson) são pai e filho que mantêm uma relação conturbada após a morte da matriarca. Robert tornou-se ausente, e Jack nutre um desprezo pelo pai, focando em seu sucesso pessoal. 

Na trama — que gira em torno de memória e reconciliação —, há uma velha casa italiana, onde uma longínqua e harmoniosa família vivia, mas que após a perda familiar foi desabitada e entregue aos insetos. Jack trabalha em uma galeria de artes em Londres, e pretende comprá-la com a venda da antiga casa na Itália. Robert é um pintor que passa por uma espécie de bloqueio criativo, e volta à Itália com o filho para fazer os devidos reparos e colocar a casa à venda. O roteiro do longa parece deixar implícito que, mesmo não se entendendo, ambos partilham gostos semelhantes. A casa abandonada é uma possível metáfora à relação dos dois, mas o filme não convence.

Mesmo ecoando em um pano de fundo verdadeiro — Liam Neeson e Micheál Richardson são pai e filho na vida real —, James D’Arcy, diretor e roteirista, não explora e nem parece se preocupar com boas atuações. O longa tem um enredo previsível, e como ponto positivo tem as belas imagens da Toscana — e é isso. – Bruno Andrade

Dias Melhores (Shaonian De Ni, Derek Tsang)

Um dos grandes destaques do Festival do Rio, Dias Melhores marcou o oitavo dia de exibição do festival, inaugurando discussões importantes sobre bullying e as consequências advindas dele. Não à toa, o longa também foi indicado à categoria de Melhor Filme Internacional no Oscar 2021, ano no qual a cerimônia foi censurada pelo governo chinês – descontente com as críticas feitas por outros indicados quanto ao clima de tensão entre China e Hong Kong.

O drama policial dirigido por Derek Tsang é uma adaptação do romance In His Youth, In Her Beauty, de Jiu Yuexi, e conta a história de Chen Nian (Dongyu Zhou), uma estudante exemplar que após o suicídio de sua melhor amiga, vítima de bullying, torna-se novo alvo dos colegas de classe. Entre uma série de abusos sofridos por Niam, a protagonista conhece por puro acaso Xiao Bei (Jackson Yee), dando início a uma relação nada provável de amor, cumplicidade e proteção em meio à hostilidade da cidade de Hong Kong. E apesar de, a princípio, o romance aparentar ser o foco narrativo, ele na realidade toma plano secundário.

O longa vai muito além da relação entre Niam e Bei, explorando as pressões do método avaliativo escolar chinês, o Gaokao, que determina a ascensão social de um grupo que vive à margem da sociedade, junto a pressões diárias como o bullying, a solidão, a desigualdade social e a violência urbana. Dias Melhores é um filme indigesto, porém real, com temas sérios que ainda devem ser discutidos. – Ayra Mori

Bela Vingança (Promising Young Woman, Emerald Fennell)

Pela primeira vez em 13 anos, o Oscar de Melhor Roteiro Original foi para uma mulher. Sendo a única da categoria, concorrendo com outros 4 homens, a atriz, diretora e roteirista Emerald Fennell fez história. Contrastando com o avanço que sua vitória representa para a comunidade feminina, seu filme conta a bruta e violenta verdade do que é ser mulher em uma sociedade que normaliza a nossa violência com tanta banalidade que assusta.   

Bela Vingança é viciante do início ao fim. Com a trágica morte de sua melhor amiga, vitima de estupro na faculdade, Cassandra passa o resto de sua vida procurando por justiça. O que parece impossível, em um mundo onde um garoto pode agir como um garoto já que, claro, ela estava bêbada. A ira que consome a protagonista é o combustível que a leva a sair todas as noites, se fingir de embriagada e ser levada para casa com um “cara legal” que tenta abusar da sua falsa fragilidade.

A fotografia colorida se destoa da narrativa obscura do longa de forma quase irônica. O filme não perturba pela trilha sonora ou pelos cenários, mas pela sua forma pura de retratar a realidade. Viver na pele de uma mulher é assustador, e Bela Vingança apresenta isso com a maior autenticidade possível. – Mariana Chagas

A Boa Esposa (La Bonne Épouse, Martin Provost)

O machismo é infelizmente muito comum nos dias de hoje, mas esse cenário era ainda mais radical nos anos 1960. Nesse ambiente sexista é que se passa A Boa Esposa, de Martin Provost. O longa conta a história de Paulette Van der Beck (Juliette Binoche), que, junto com o marido (François Berléand), dirige uma escola para formar donas de casa submissas. Todos os preconceitos e estereótipos parecem corretos em sua cabeça, até o esposo falecer e Paulette se deparar com a situação econômica crítica do colégio.

Essa trama se desenvolve de modo previsível, mas com boas interpretações. As atuações de Juliette Binoche e de Yolande Moreau em suas personagens caricatas, servem o máximo de humor que o longa conseguiu oferecer. Em segundo plano, estão as alunas da escola, que foram pouco exploradas na narrativa, mas ainda assim apresentam a realidade de jovens oprimidas descobrindo sua sexualidade. Desse modo, A Boa Esposa se desenvolve entre altos e baixos como um filme pouco audacioso e original. Mas apesar disso, Provost produziu um longa que entretém se visto de forma despretensiosa. – Gabriel Gatti

DNA (ADN, Maïwenn)

Maïwenn é uma cineasta francesa que adora falar de memória e herança em sua carreira. Vencedora do Prêmio do Júri em Cannes 2011 por Polisse, a diretora estava com passagem comprada para a cidade no ano passado, mas a pandemia acabou cancelando o Festival e relegando seu belíssimo DNA apenas à Seleção Oficial do evento.

Como o próprio título entrega, DNA discute a herança e a família de Neige, interpretada pela própria diretora, que também assina o roteiro. Após a morte do avô, o clã se quebra e a jovem mulher busca nas raízes argelinas um propósito para seguir em frente. Cheio de insinuações poéticas, o longa-metragem carimba o Festival do Rio com poesia, dor, e muita cautela. – Vitor Evangelista

Ainda Há Tempo (Falling, Viggo Mortensen)

Chegando ao Brasil no Festival do Rio 2021, Ainda Há Tempo é a estreia de Viggo Mortensen na cadeira de diretor, em uma história inspirada na vida real do cineasta. Produzido, roteirizado, estrelado e dirigido pelo Aragorn de Senhor dos Anéis, o longa coloca John (Mortensen), um homem gay, aos cuidados de seu pai Willis (Lance Henriksen), conservador, machista e homofóbico, que passa a apresentar sinais de demência e precisa de assistência.

Diferente de outros longas que trabalham a sensibilidade da condição, como Meu Pai e Para Sempre Alice, o tratamento da doença e de suas implicações no cotidiano, como a falta de filtro do pai, é ofuscado pelas arrogâncias e preconceitos de Willis, que tenta a todo custo ofender o filho, prestativo e paciente. Seja pela falta da vivência e das dores da comunidade LGBTQIA+, seja pelo complexo de salvador do filho, a narrativa é sufocante e dolorida ao colocar o peso da bondade ilimitada em John e no espectador, que o acompanha tentar manter a calma e engolir as ofensas inaceitáveis do pai, odioso e desagradável antes mesmo de qualquer diagnóstico.

Ainda assim, o drama e as relações no presente e no passado, com flashbacks da infância do protagonista, são bem trabalhados e densos. Com participação da tocante Laura Linney como irmã de John, as reuniões familiares são difíceis de digerir pela carga emocional. Ao final, apesar de mirar no complexo e esperançoso (como o título indica), Ainda Há Tempo é mais dolorido e desconfortável do que reflexivo, ainda mais para quem entende na vida real o peso de ofensas como a de Willis. – Vitória Lopes Gomez

A Candidata Perfeita (The Perfect Candidate, Haifaa Al-Mansour)

A Arábia Saudita é um dos países com a maior desigualdade entre gêneros do mundo. Lá, as mulheres são proibidas de sair do território nacional sem a permissão de seu guardião masculino, e até 2018 eram proibidas até mesmo de dirigir. As práticas culturais são representadas em A Candidata Perfeita, filme que consegue equilibrar as questões do país na figura de sua protagonista.

Todo o sexismo é refletido no longa que foi exibido no décimo terceiro dia do Festival do Rio. Maryam é uma médica que se candidata à eleição na Secretaria Municipal e tem suas ambições voltadas para melhorias do hospital em que trabalha. É reflexivo assistir a construção de sua luta por um bem-estar coletivo sendo desgastada por seu gênero. Mesmo sem lutas feministas, vemos a importância da pauta que deixa marcas indiretas durante todo o roteiro.

A diretora Haifaa Al-Mansour consegue delimitar sua narrativa, deixando aberto a seu espectador os questionamentos sobre o funcionamento de todo um país. É na sutileza específica de um acontecimento que brota as percepções sobre um sistema maior. A Candidata Perfeita trabalha com expectativas que caso fossem concretizadas seriam irreais, sendo assim, seu maior acerto está na simplicidade por trás das personagens. – Ana Júlia Trevisan

Verão de 85 (Été 85, François Ozon)

Quem estava esperando um romance ensolarado foi surpreendido com um crime sendo confessado no início. Verão de 85 é um longa sobre Alexis, um adolescente de 16 anos que vive em Normandia e é aficionado em literatura com temas mórbidos. É após seu barco virar no mar que o garoto conhece David, um charmoso rapaz de 18 anos, que o resgata. Os flertes rapidamente se transformam numa paixão, mas já sabemos que o final não é feliz.

O calor da primeira paixão adolescente aquece até evaporar. Dá sensação de liberdade, passando pelas descobertas da juventude e chegando nas desilusões que explodem em confusão e revolta. Verão de 85 oferece um romance completo, com a jornada tendo seu começo, meio e trágico fim. David morre num acidente de moto sob o qual terceiros derramam uma parcela de culpa em Alexis.

Após seu clímax, um clima bucólico se instala no filme. O verão é substituído por um tempo frio que paira à sombra do luto. A dor e angústia consome cada veia de Alexis que protagoniza cenas fortes e intensas. O suspense do longa se sustenta pela escrita do garoto que é incentivado a transformar seus sentimentos em história. Verão de 85 caminha por sentimentos extremos, ficando em sua mente durante as quatro estações. – Ana Júlia Trevisan

Noite de Reis (La Nuit Des Rois, Philippe Lacôte)

Não existiria maneira melhor de encerrar o Festival do Rio 2021 do que através da majestosidade de Noite de Reis. A obra-prima de Philippe Lacôte se esbalda no realismo fantástico para ornamentar seu filme, que se solta das progressões narrativas tradicionais para emergir uma outra dimensão da habilidade de se contar histórias — dentro de si mesma e também fora, reais e imaginadas, belas e violentas, numa capacidade metalinguística e paradoxal raríssima de se ver.

O epicentro de todas as esferas de Noite de Reis é Roman (Bakary Koné, numa estreia fascinante), um jovem recém-chegado a uma prisão totalmente regida pelos próprios prisioneiros, liderados pela figura do dangôro representada por Barba Negra (Steve Tientcheu). O líder vê no novato a chance de retomar uma tradição do lugar como seu último feito em vida, que deve se findar em breve por determinação de outra regra local que diz que o dangôro deve cumprir um rito de suicídio quando doente. Sob o fenômeno da Lua de Sangue, então, Roman deve entreter os detentos durante toda a noite contando histórias e também se preocupar com as decorrências da sua participação no ritual. Ao mesmo tempo, o mandato de Barba Negra é encerrado e o conflito para decidir o próximo dangôro é intensificado.

O nó narrativo de Noite de Reis é tudo, menos um problema nas mãos do diretor e roteirista que mergulha profundamente na(s) história(s) que quer contar. Valendo-se de uma fundação mítica para construir uma mensagem política, o filme é como um balé bruto que dança com precisão pela beleza e poder da tradição oral e pela dureza da história recente da Costa do Marfim. Assim, o transe da Noite de Reis ultrapassa a tela e atinge o que está além de si mesmo, nos lembrando o porquê nos reunimos para celebrar o Cinema. – Raquel Dutra 

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Gabriel Gatti

A Revolução Russa de 1917 ocorreu em dois levantes, sendo o primeiro em fevereiro, no qual os revolucionários lutaram contra a monarquia do czar Nicolau II. O segundo, que aconteceu em outubro, começou a implantar os ideais socialistas. Porém, o sonho da igualdade foi muito mais conturbado do que as massas russas poderiam imaginar. O aumento do preço dos produtos do dia a dia e a redução do salário fez com que milhares de trabalhadores fossem às ruas de Novocherkassk, no dia 2 de junho de 1962. É justamente a história desse protesto que Andrei Konchalovsky conta no filme Caros Camaradas!, presente no Festival do Rio 2021.

Konchalovsky percorreu um longo percurso antes de produzir Caros Camaradas!. Sua exitosa carreira no Cinema se iniciou como co-roteirista do consagrado Andrei Tarkovsky, para os filmes A Infância de Ivan e Andrei Rublev. Já como diretor, Konchalovsky ganhou inúmeros prêmios, incluindo o Leão de Prata de Melhor Diretor no Festival de Veneza pelo longa Paraíso, de 2016, primeiro trabalho em conjunto com a atriz Yuliya Vysotskaya. 

Para o desenvolvimento de Caros Camaradas!, Konchalovsky buscou um formato que chegasse mais próximo do estilo dos filmes soviéticos. Para isso, o cineasta gravou o longa na proporção 1:33 do quadro cinematográfico, pois, segundo ele, esse é um “formato especial porque, ao contrário do Cinema moderno, permite ver o céu”. A coloração em branco-e-preto se deu pelo fato do diretor desejar produzir um documento e não havia espaço para as cores nessa ideia. Por apresentar esse potencial cinematográfico, Dear Comrades! foi submetido pela Rússia para o Oscar de 2021, mas não chegou a ser nomeado para a premiação.

Todo esse cuidado na produção foi fundamental para contar a história de Lyuda (Yuliya Vysotskaya), uma executiva e devota do Partido Comunista, que lutou na Segunda Guerra Mundial pela ideologia de Stalin. Seu apoio cego ao Estado faz com que qualquer sentimento anti-soviético a incomode. Mas, sua visão de mundo começa a mudar após presenciar a greve dos trabalhadores em Novocherkassk, na qual os revolucionários foram baleados por ordem do governo, pelo exército e pela KGB. A manifestação resultou em vinte e quatro pessoas mortas e dezenas de feridos.

A aflição de Lyuda diante da chacina só aumenta ao se deparar com a ideia de que sua filha poderia estar entre os manifestantes. A busca pela filha desaparecida, Svetka (Yuliya Burova), e a descoberta do modo com que o governo estava lidando com os corpos dos manifestantes faz com que a devota do Partido Comunista reflita sobre seus ideais e sobre sua realidade.

Esse confronto ideológico pelo qual Lyuda passa é o que torna a obra enriquecedora. A dualidade de ideias permanece forte ao longo de toda a trajetória da protagonista. Konchalovsky conseguiu ressaltar esse conflito principalmente nas cenas de procura pela filha perdida, em que mesmo desesperada com a situação, Lyuda segue cantarolando as canções patrióticas do universo soviético. 

Toda essa situação foi engrandecida com a atuação de Yuliya Vysotskaya que, majestosamente, guia o telespectador pela angústia na vida da personagem. Ademais, a cautela de Konchalovsky foi essencial para as sequências de assassinatos massivos. Para isso, o diretor adotou um plano fixo de filmagem, isto é, sem que a câmera estivesse na mão. Desse modo, o cineasta desenvolveu uma narrativa sóbria sobre uma sequência brutal.

Mas apesar dessa dualidade ideológica presente na trama, Konchalovsky reitera que Caros Camaradas! – Trabalhadores em Luta não trata sobre ser contra ou a favor do estado soviético e, sim, sobre violência psicológica a qual as massas estavam subordinadas. Desse modo, o diretor contribui para a produção cinematográfica russa contemporânea, trazendo essa reflexão ao telespectador.

É importante ressaltar a importância da URSS nos primórdios da indústria cinematográfica. Lenin acreditava no Cinema como uma ferramenta de conscientização das massas, o que deu força para que a primeira escola de Cinema do mundo surgisse na União Soviética, o Instituto de Cinematografia Estatal da União Soviética, em 1919. Nesse momento, grandes cineastas ganham destaque, como Lev Kuleshov, um dos pioneiros no país, e Serguei Eisenstein, famoso por fazer filmes ressaltando o poder do proletariado.

Com essa herança cultural, Konchalovsky se destaca como um dos principais diretores russos da atualidade. Seu talento para a produção de Dorogie Tovarishchi, título original, fez jus aos pioneiros do Cinema soviético, mas sem abrir mão da liberdade crítica, que foi o ponto fraco no sonho comunista.

Foi justamente a falta de liberdade que fez com que o massacre de Novocherkassk se apagasse da memória coletiva. No dia seguinte ao derramamento de sangue, o governo promoveu um baile a céu aberto para a população. Apagando pouco a pouco os rastros de um evento cruel que assombra a história da URSS. O ato de Konchalovsky trazer esse ocorrido em Caros Camaradas! reforça a importância do exercício de relembrar o passado para não cometer os mesmos erros no presente.

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Vitor Evangelista

A estreia de Pavel Ganin na direção vem para esclarecer algo: os vídeos ASMR são insuportáveis, independente do idioma. O filme debate outras questões, é claro, mas como alguém que detesta esse tipo de conteúdo, é bom dizer logo de cara. Parte da Competição Novos Diretores, na 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Gatilho (Триггер) foi disponibilizado de graça na plataforma do Spcine Play, em parceria com o Looke. 

O filme russo se centra na esquisita relação entre uma youtuber e um fã. Ela, Ksenia, faz vídeos nesse estilo ASMR para a plataforma, com um público fiel e muitas câmeras e microfones para gravar esse fetiche sonoro e sensorial. Interpretada por Elena Chekmazova, a mulher carrega um trauma no peito, algo do passado que causa impedimento na hora de criar laços com os demais. 

Ele, Philip, trabalha com áudio num estúdio de gravação, e é fascinado pelo canal de Ksenia. Logo de cara já marcando um encontro com a mulher, o personagem de Alexei Maslodudov é tão silencioso e misterioso quanto sua ‘cara-metade’. Gatilho se beneficia da falta de estribeiras de sua dupla de desajustados, que não se sente acanhada na hora de questionar um ao outro. 

Ao passo que essa língua ácida e mente aberta muito beneficia a agilidade da trama, o roteiro assinado pelo diretor não gosta de falar muito. Encontramos um texto seco e, na mesma medida, frio, o que inevitavelmente transfere essas características aos seus protagonistas. Gatilho se comporta como um papagaio tagarela para os estereótipos do cinema russo, exaustando esse viés distante e nada acalorado da nação.

É claro que o filme não possui obrigação alguma de sorrir e aquecer sua paleta de cores, assinada por Ivan Solomatin, mas a insistência na apatia é zona de conforto para a arte do leste europeu. Se, aqui no Brasil, nos incomodamos com representações caricatas que variam entre a favela e o sertão, talvez em Moscou eles pensem o mesmo. O controle criativo de Pavel Ganin pode ter sido o fator alienador na hora de construir a misancene, visto que seu nome aparece nos créditos da produção e também da montagem.

Para explicitar esse fetiche do toque à distância, o filme abusa da claridade que cega. Todavia, por mais branca que for a composição visual, ela entra em contraste direto com a escuridão e a tristeza que os personagens carregam. Eles dizem muito um ao outro, mas guardam para si o dobro disso. O choque térmico de expectativas de Philip e Ksenia é o que causa o medo em Gatilho. O filme pode até começar com um ar de suspense mundano, uma possível trama de feminicídio ou loucura, mas o pulo do gato de Pavel Ganin é contar uma história de quebra de expectativa e coração partido.

As cenas de intimidade desse casal edipiano são escritas e filmadas para fugir do ordinário. Gatilho é, nada mais nada menos, do que um vídeo pornográficos de roupas. Os toques que excitam o fator ASMR da obra são mais sensuais que qualquer contato carnal entre quatro paredes, e o diretor tem total ciência disso. Afinal de contas, ele não possuía motivo algum para realizar uma obra clichê ou esquecível. Com isso em mente, o Gatilho de Pavel Ganin sussurra para seu público que a rejeição amorosa é pior que qualquer filme de terror. 

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