Davi Marcelgo 

Desde que o Cabeça de Teia surgiu, em 1962, na revista Amazing Fantasy #15, muitos autores e desenhistas assumiram o controle das histórias e tentaram, à sua maneira, trazer algum frescor no universo do herói. Porém, ainda que Peter Parker tenha saído do colégio e prometido votos de matrimônio, de alguma forma, ele voltava à estaca zero: um personagem solitário que não podia se relacionar com ninguém sem que uma tragédia acontecesse. Os fãs reclamavam em redes sociais sobre o vai e vem, pedindo por tramas que saíssem da rotina. Em Março de 2024, o pedido foi atendido. Após o retorno da linha Ultimate da Marvel Comics, chegava às bancas dos Estados Unidos a primeira edição de Ultimate Homem-Aranha, escrita por Jonathan Hickman e ilustrada por Marco Checchetto. Trazendo o protagonista mais velho, casado e com filhos, a maior diferença é que, neste universo, o Homem-Aranha não existe – pelo menos até as últimas páginas da primeira edição. 

Na trama, O Criador, uma versão malvada de Reed Richards (o Sr. Fantástico), apaga a existência de todos os heróis da história, impedindo que eles ganhem seus poderes. O Capitão América não é descongelado, a Tempestade não está com os X-Men e Parker nunca foi picado pela aranha radioativa; fator que permitiu a construção de uma família e uma vida sem grandes responsabilidades. No entanto, o Rapaz de Ferro (Tony Stark) descobre o plano do vilão, fazendo de tudo para despertar habilidades nas pessoas que vivem vidas não destinadas à elas: é ele quem entrega uma aranha para Peter Parker. 

Essa narrativa de destino (que você não escolhe) e, principalmente, de sentir que há algo faltando na vida – uma reclamação constante do protagonista durante os primeiros volumes – soa como uma experiência queer e, talvez, isso seja o máximo de diferente que a nova saga tem em comparação com o universo regular do personagem. É claro, de algum modo, o texto precisa ficar familiar para os leitores, mas se o herói como conhecemos ainda existe em outro gibi, por que este não pode abraçar, de vez, o revolucionário?

O sentimento de ter uma vida roubada faz parte do processo de aceitação de uma pessoa LGBT+, seja a infância perdida ou a adolescência tardia, com a simulação de um ‘falso eu’. No vídeo A Dupla Personalidade na Cultura Pop para seu canal no YouTube, Thiago Ora faz uma alusão da vida secreta dos super-heróis e de homens gays; ambos precisam esconder uma parte de suas existências para sobreviverem. Em um diálogo com seu tio, o protagonista diz que “…não é de hoje que eu penso que tem alguma coisa errada com a minha vida…”, em outro, Harry Osborn faz indagações sobre as consequências de viver essa vida escondida das pessoas que ama. Nesse novo título do aracnídeo, a temática é ainda mais presente, porque a vida de Parker como pai, marido e repórter só dá certo ao nunca ter tido contato com seu duo, começando a ser abalada ao despertar esse lado.  

A questão desta suposta renovação do Homem-Aranha é que ele ainda é o mesmo: branco, cis, hétero e com o sonho de ter uma família nuclear. Convenhamos, um Homem-Aranha gay ou bi, abalaria o ‘mundinho’ nerd. Embora, no Brasil, apenas seis edições tenham sido lançadas, já dá para prever – seja lendo a obra ou acompanhando as teorias de outros leitores – que os caminhos a serem seguidos caem no lugar-comum: personagens morrendo, pessoas próximas se revelando como vilãs e a dificuldade em conciliar a vida dupla. Não há uma ruptura entre Peter Parker do universo regular e Ultimate.

Na nova versão, Tio Ben está vivo e Tia May quem morreu, novamente, a Marvel cai em clichês, no entanto, os idealizadores conseguem bons frutos dessa ideia. O melhor destaque do quadrinho é a dupla veterana de jornalistas, formada por Ben Parker e  J. Jonah Jameson. Após o Clarim Diário passar por mudanças editoriais, Wilson Fisk, o Rei do Crime, assume a editoria do jornal, então, Jameson e Parker se demitem, criando sua própria empresa. Dois ‘velhos’ confortáveis em suas antigas profissões, lutando contra o sistema e investigando sobre a sujeira em Nova York é a grande novidade do gibi, só o núcleo deles dá ingredientes para uma aventura solo. 

Conhecido por enredos megalomaníacos, acompanhados de, literalmente, infográficos e muitos conceitos de ficção científica, Jonathan Hickman está com os pés no chão no primeiro arco, deixando as ideias de pirar a cabeça para a revista Universo Ultimate e os Supremos, enquanto o Aranha fica com as consequências das tramoias do Criador em uma perspectiva dos becos e ruas de Nova York. David Messina, que ilustra o número #4, compõe ótimos quadros que criam tensão. A conversa na mesa desta edição com o design em nove quadros é excelente e ver Peter, mais uma vez, aprendendo a usar os poderes é divertido.

Mesmo sem um grande fator novidade, é interessante a versão assumidamente sádica de Harry Osborn e acompanhar a dinâmica familiar de Peter Parker com sua filha, que descobre a identidade secreta do pai, causa bons risos. Outros momentos são bem sensíveis e parte da natureza urbana do aracnídeo, como o batismo do herói feito por Mary Jane ou a escolha de cores do uniforme pela filha. O início de Ultimate Homem-Aranha não é dispensável e muito menos o grande divisor de águas do herói, mas sobe em uma teia qualquer. 

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Lucas Barbosa

Cinco anos após o primeiro filme, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às altíssimas expectativas que pesavam sobre o longa-metragem que carrega a continuação da história problemática e exotérica de um dos maiores seres vilanescos do universo dos quadrinhos. Sendo a sombra de uma das melhores películas de 2019, garantindo até Oscar de melhor Ator para o Joaquim Phoenix, a continuação deixou lacunas mal resolvidas, questionamentos desnecessários sobre a história e aquele velho pensamento se uma continuação de uma obra amplamente premiada é realmente necessária.

Dentro do longa, a continuação é historicamente correta. Arthur Fleck (Joaquim Phoenix) está preso dentro do Asilo Arkham, esperando seu julgamento que o sentenciará a morte. Com o desenrolar da história, acaba conhecendo dentro do asilo a personagem interpretada pela Lady Gaga, Harleen Lee Quinzel, que é completamente apaixonada pelo protagonista, e assim a história se desenrola entre o amor dos dois.

Um destaque positivo é a Fotografia, Lawrence Sher novamente deixa o ar noir de uma Gotham City devastada pela violência e desigualdade social, que era um ponto positivo do primeiro filme, e consegue ser primoroso nas cenas que Coringa e a Harleen estavam em evidência. A trilha sonora também merece elogios. As canções interpretadas pelos protagonistas e as trilhas, feitas pela compositora Hildur Guðnadóttir, complementam e aliviam a tensão de toda a jornada do casal do filme.

Gaga e Joaquim Phoenix tentam ao máximo trazer bons momentos de atuação dentro do filme, até mesmo nas sequências de musical, onde conseguem explorar de uma ótima forma a história de amor e loucura dos dois personagens. Entretanto, mesmo com todas as qualidades dos atores, o roteiro fica apenas rodeando entre o psicótico amor entre os dois e deixa de explorar outros bons personagens que o filme introduz, como o Harvey Dent (Harry Lawtey) – o Duas Caras –, que é utilizado apenas nas cenas do julgamento do Arthur e poderia ter mais tempo de tela, mesmo em contato com o Coringa. Outra ótima atuação é de Catherine Keener, interpretando a advogada Maryanne Stewart que, acima de tudo, tentou, minimamente, dar humanidade ao protagonista.

Mesmo com a sequência da fuga do julgamento, que foi a melhor, os momentos finais deixam não apenas um sentimento de dúvida para quem assiste, como também criam uma sensação de desconexão entre as cenas desse longa e do primeiro Coringa, que é aflorado ainda com os últimos momentos do filme. É até possível distinguir em algumas partes se é Arthur ou seu alter-ego falando, entretanto, quando discorre o relacionamento com a Harleen e a percepção de que, mesmo com o julgamento, o seu futuro já está praticamente decretado, o real e a ilusão da personalidade do protagonista entram em conflito. 

Todd Phillips, em Outubro de 2024, deu uma declaração dizendo que Arthur Fleck nunca foi realmente o Coringa, ele era apenas um ícone involuntário que não queria mais toda aquela farsa, e esse é um problema que o roteiro não consegue sustentar por completo, principalmente quando o relacionamento do Arthur e da Harleen começa. A força dele é o desejo de Lee pelo vilão e, assim, o alter-ego do protagonista toma conta durante certo tempo. A cena da demissão da advogada é o ápice da imprevisibilidade e insanidade do protagonista, e no momento que ela vai embora do tribunal, é quando a personalidade do Arthur retorna, se tornando um personagem fraco, solitário e dependente de qualquer tipo de amor.

Arthur Fleck se mistura com o seu alter ego psicótico em certos momentos do filme, onde a solidão e a ruptura dos valores morais e sociais entram em colapso. O Coringa está isolado mesmo com o apoio da multidão e Arthur é solitário pelas suas próprias dificuldades que o seu próprio universo impõe. Quando ocorre essas misturas, é exatamente o momento que as necessidades emocionais dele são supridas, e as loucuras do Coringa são exploradas. O amor por Harleen aflora o delírio dele, e os diálogos com a Dra. Stewart, tentam explorar a humanidade e as fraquezas do réu.

O filme chegou às plataformas de streaming norte-americanas menos de um mês depois  de sair dos cinemas. A estimativa de prejuízo foi de US$ 200 milhões de dólares. As notas ruins nos sites de críticas e o destaque dentro do Framboesa de Ouro, com simplesmente 7 indicações, deixam uma triste realidade. Infelizmente, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às expectativas e, mesmo com decentes atuações de seu elenco, o roteiro frágil deixa diversas pontas soltas – que devem ser utilizadas para um spin-off dentro deste universo – que nunca terão soluções. Dessa forma, se consagra o longa entre uma das mais fracas continuações do universo DC Comics.

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Guilherme Moraes

Ainda que o Cinema de blockbusters não esteja tão aberto a olhar para o audiovisual e sua história como matéria prima, isso é algo essencial na construção de um filme. George Lucas idealizou Star Wars (1977) a partir das obras de samurai japonesas do meio do século XX; Tim Burton se inspirou no expressionismo alemão para dar vida a Batman (1989). Enquanto isso, na atualidade, as grandes franquias e as superproduções se sentem satisfeitas em apenas utilizar suas referências como um artifício de satisfação pessoal para o público que irá entender o significado, além de que, normalmente, eles se auto-referenciam, não explorando o que há de melhor na arte. Por sorte, Todd Phillips entendeu o quão rico pode ser vasculhar a história da linguagem e dialogar com ideias originais. Dessa forma, há cinco anos, ele escavou a filmografia de Martin Scorsese e construiu sua própria versão do Coringa.

O idealizador vai atrás de alguns dos longas mais intimistas de Scorsese: Taxi Driver (1976) e O Rei da Comédia (1982). Obras que são protagonizadas por personagens problemáticos que surgem da violência, caos, opressão e isolamento das metrópoles. Nesse sentido, o diretor pensa em Gotham como uma Nova Iorque nas décadas de 1970 e 1980, e associa tais protagonistas com o Coringa, pois compreende o palhaço como um fruto desse meio urbano conturbado, assim como Travis Bickle (Taxi Driver) e Rupert Pupkin (O Rei da Comédia).

Se olharmos para as outras representações do personagem – Jack Nicholson com toques de mafioso e o terrorista de Heath Ledger  –, vemos que existe um aspecto político por trás, mesmo que não esteja tão bem definido. Apesar de não ser um personagem politizado, existe uma essência crítica e ideológica em sua própria existência, especialmente por ser fruto do lixo de Gotham. A nova versão do vilão explora isso mais a fundo, centrada no ser e como ele se transforma em um símbolo da revolução e anarquia. O grito de violência de Arthur Fleck reverbera por toda cidade, que entende como um ato de rebeldia contra a burguesia local. Ainda que não fosse intencional, a reação popular mostra como qualquer ato de retaliação e sobrevivência é uma ação  política e revolucionária na Capital do Crime.

Pode até parecer que o longa vai para um lado heroico do vilão, que se põe frente ao sistema corrupto e desumano, mas isso não poderia estar mais errado. Os assassinatos são frios e, ao mesmo tempo, ferozes, com muita graficidade e sanguinolência, o que lembra bastante alguns filmes de crime de Scorsese, como Cassino (1995) e Os Bons Companheiros (1990). Dessa maneira, o diretor nos lembra que estamos falando sobre o Palhaço do Crime, evitando o discurso moralista de vítima da sociedade e sempre buscando uma área cinzenta. 

A DC Comics, como um todo, vem seguindo essa linhagem mais complexa em seus filmes e séries do universo Batman (ainda que Coringa não seja canônico). Os protagonistas têm uma natureza própria, como também são completamente influenciados pelo meio. Olhando para as últimas produções desse universo, é possível ver como o Coringa, o Pinguim e o Batman resolvem tudo na base da brutalidade, e isto está relacionado a barbaridade de Gotham. No entanto, eles se comportam de maneiras distintas, lidam com os seus problemas e com a violência de forma própria, pois existem diferenças gritantes em seus traços de personalidade.

O roteiro de Todd Phillips e Scott Silver opta por inserir Thomas Wayne na história e faz isso de maneira interessante, colocá-lo como uma figura problemática e mantenedora da desordem e do caos, totalmente oposto do que os filmes do morcego costumam fazer. Ademais, ele é parte da loucura de Arthur, sendo um dos maiores responsáveis pela criação do Palhaço Assassino. Todavia, o patriarca da família Wayne também é uma vítima do protagonista, pois é perseguido, assim como sua família. Contudo, se a inserção de Thomas é bem feita, a de Bruce parece apenas uma exigência do estúdio para satisfazer a cultura nerd.

A construção visual da cidade, feita pelo cenografista Mark Friedberg e do fotógrafo Lawrence Sher, são muito inspirados em Taxi Driver e After Hours (1985), com tons acinzentados de dia, que ressaltam a sujeira e a poluição, e a escuridão da noite, com pontos de iluminação muito específicos e cores saturadas e desfocadas. Assim, a metrópole se transforma em um ambiente desolador, que aliena os cidadãos e torna um lugar permissivo para o surgimento de figuras exóticas, como o protagonista.

Essa marginalidade cênica que constitui o tema principal da obra: a violência urbana. É dentro dele que surgem Coringas. Esse em questão não é formado a partir de um evento único que vai mudá-lo para sempre, mas a partir de diversos traumas ao longo da vida, até encontrar, na violência, um modo de liberdade e, na barbárie e loucura, enxergar uma versão de si mesmo que ele não se envergonha, muito pelo contrário, se orgulha.

O longa em si é muito musicado e dançante, o que serve cada vez mais para reforçar a excentricidade do protagonista. A cena que mais chama atenção nesse sentido, é a dança na escada, já vestido como o Palhaço do Crime, pronto para assumir de vez esse lado no programa do Murray. Portanto, é um filme que se passa, em grande parte, na mente de Arthur Fleck. De maneira parecida com O Rei da Comédia, nós não somos meros voyeurs de sua jornada, pois não estamos vendo de uma visão privilegiada, mas sim, dentro de sua cabeça, acompanhando seus delírios de perto.

A cena de dança no banheiro, combinada com a trilha sonora de Hildur Guðnadóttir é fundamental na transição de Arthur Fleck para o Coringa. As notas são melódicas e tristes, evidenciando a transformação. No entanto, ao invés de idealizar o ato, elas transformam em algo triste. A interpretação de Joaquin Phoenix eleva a loucura de seu personagem, que dança de maneira leve e com um olhar vago, como se estivesse nas nuvens, porém, Lawrence Sher faz questão de mostrar onde ele realmente está: em um banheiro sujo de Gotham. No que seria o momento de glória de Arthur, a compositora faz questão de destacar a tragicidade, enquanto o fotógrafo se encarrega de ilustrar que o indivíduo é apenas mais uma criatura excêntrica, criada da podridão.

Em um filme de personagem, é esperado que ele seja dependente da atuação do ator principal e é isso o que acontece. Os trejeitos de Joaquin Phoenix são fundamentais para compreender a transição de Arthur Fleck para o Coringa. Apesar de ser muito inspirado em Rupert Pupkin de O Rei da Comédia, Phoenix opta por uma atuação menos performática e mais expressiva. A loucura e a psicopatia são manifestadas por baixo de uma fisionomia triste e cansada. No entanto, a cada assassinato, a melancolia vai dando espaço para traços que estavam inicialmente escondidos. 

Apesar das qualidades, o longa sofreu com o seu legado. Parecido com o que aconteceu com Tropa de Elite (2007), Coringa foi compreendido por muitas pessoas como uma idealização do vilão. Sempre existiu um caráter anarquista e anti-sistêmico no personagem, mas depois da obra de Todd Phillips, os chamados incels o alçaram à condição de herói dos oprimidos. Nesse contexto, o diretor decidiu fazer um segundo filme para explicar o primeiro e desmistificar o personagem central, assim como fez José Padilha com o Capitão Nascimento.

As polêmicas acerca da obra não são atoa, afinal, Coringa é muito inspirado no Cinema de Martin Scorsese, diretor que, até hoje, é reconhecido por sua filmografia controversa. Todavia, a película não é apenas o que os incels enxergam nela, existe muito valor, principalmente por não ter medo de suas discordâncias. A fita consegue se aprofundar na essência de um personagem que era tratado como um vilão caótico, mas que agora, começa a ganhar outras roupagens. As análises acerca do Coringa, vão além da interpretação de Joaquin Phoenix, chegando ao de Heath Ledger e Jack Nicholson. Todd Phillips, não apenas bebe de fontes diferentes do que os filmes de heróis da atualidade, como também escolhe um caminho mais interessante, nos presenteando com um blockbuster preocupado com a sua forma.

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Amábile Zioli

Como superar o insuperável? É uma questão que Joaquim dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson levaram muito a sério ao dirigirem Através do Aranhaverso. Homem-Aranha no Aranhaverso (2018) aumentou os padrões de produção no mundo dos heróis e estabeleceu metas inalcançáveis para sua sequência, que chegaria aos cinemas apenas em Junho de 2023. 

O segundo filme da confirmada trilogia segue Miles Morales e Gwen Stacy na contínua busca e descoberta do multiverso, cada vez mais amplo e, paradoxalmente, desconhecido. Nessa jornada, a história dos protagonistas recebe mais aprofundamento e, mesmo com mais de 280 Homens-Aranhas no universo cinematográfico, o foco no desenvolvimento de cada personagem não foi deixado de lado.

A trinca de diretores conseguiu um dos maiores feitos da indústria audiovisual: fazer com que a continuação seja melhor do que seu antecessor. Com uma animação tão complexa e mais fiel aos quadrinhos do que nunca, a obra te deixa imerso em sua vastidão de cores e formas. Cada cena possui uma paleta diferente, cada universo tem um tom específico e todo personagem tem um contorno que o diferencia de todas as outras centenas de pessoas-aranhas.

Nisso, Gwen Stacy se destaca. Sua Terra, 65, é tomada pelos tons pastéis e frios, imergida em um visual melancólico e sensível, o que combina perfeitamente com o momento que a Mulher-Aranha vive. Entre segredos, solidão e culpa pelos acontecimentos canônicos de ser uma aranha, a jovem ainda precisa lidar com a falta de seu melhor amigo, que está há muitos universos de distância.

O roteiro, elaborado pelo mesmo trio responsável por Homem-Aranha no Aranhaverso, Phil Lord, Christopher Miller e Dave Callaham, também não deixa a desejar, e muito se deve ao novo vilão apresentado. Mancha é um dos vários destaques da trama: após o primeiro ato do filme, ele deixa de ser o “vilãozinho da vez” ao se tornar um ser ultradimensional, sem quebrar o repertório de vilões fantásticos já derrotados em trilogias anteriores. 

Miguel O’Hara, o Homem-Aranha 2099, também soube transmitir medo e tensão em cada aparição na tela de cinema. O teioso foi um dos pontos altos da película, que, juntamente com um visual único e uma trilha sonora original e característica, consagrou-se como o vilão coadjuvante, mas muito memorável.

Quando dito que Homem-Aranha: Através do Aranhaverso dá um salto de quase um universo de distância de seu antecessor, é impossível não responsabilizar as composições incomparáveis de Daniel Pemberton. O que já era um ponto de destaque no primeiro longa, Metro Boomin ajudou para que ficasse ainda melhor: cada melodia se mostrou perfeitamente pensada para todo acontecimento. A capacidade de encaixar o som com o movimento e a animação surreal tornou a experiência minuciosamente cativante para qualquer um que estivesse assistindo.

Indo contra o comum pensamento de que animações são produtos voltados apenas ao público infantil, Através do Aranhaverso traz, em um ambiente acolhedor e familiar, a confirmação de que o filme animado tem tanto potencial quanto qualquer live-action. É claro que o desenho ímpar do longa é seu diferencial: sem a possibilidade de brincar com as cores e tons, expressões faciais e corporais, e estilizações de design, grande parte de seu valor excepcional seria perdido em atuações simplórias e em uma fotografia mediana.

Essa perda de valor tem sido observada com frequência no Cinema norte-americano. A onda de live-actions incentivada pela Disney fez com que diversos clássicos perdessem suas particularidades ao serem trazidos para o mundo real. É o caso de Rei Leão, que, com uma computação gráfica fraca, não sustenta o mesmo apelo emocional proporcionado pelo original de 1994, vivo em cores e emoções. 

Através do Aranhaverso não se preocupa em não emocionar, afinal, só a narrativa de Miles em busca de mudar a trajetória canônica de sua vida já é o suficiente para encontrar empatia em qualquer espectador. A comoção é levada até o último minuto, quando, ao usar a ferramenta de cliffhanger explorada em Guerra Infinita, deixa até o mais desinteressado com o sentimento de quero mais.

O lançamento de Homem-Aranha: Além do Aranhaverso, terceiro e último filme da trilogia, estava previsto para Março de 2024, mas foi adiado por tempo indeterminado por conta da greve dos roteiristas, que, apesar de já ter acabado, afetou o início das produções. A excepcionalidade do desenvolvimento da saga do Aranhaverso nos leva a acreditar que seu fechamento não decepcionará: personagens bem explorados, uma narrativa envolvente e a animação característica transformam a história em um produto único.

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Jamily Rigonatto

Uma caneta estoura manchando as mãos de um garoto, o tom de azul cintila e deixa no ar aquela típica reação envergonhada acompanhada de um sorrisinho de canto. É essa a cena que dá o tom de toda a narrativa carregada por Heartstopper: coisas sobre as quais não se tem controle e deixam marcas difíceis de tirar. O garoto é Nick Nelson, interesse romântico de Charlie Spring, e os dois formam o tipo de casal que nunca daria certo. Um jogador de rugby popular e um jovem doce e sensível? Impossível. Mas na 1ª temporada da série lançada em 2022 pela Netflix, o inesperado é dono de um protagonismo apaixonante. 

Contrariando a maior parte das narrativas LGBTQIA+ do mercado, a obra – inspirada nas HQs de Alice Oseman – escolhe retratar os conflitos com a sexualidade e os momentos de autodescoberta com a leveza de uma brisa que carrega as folhas soltas no outono. Não é como se os enredos que deixam a violência e as retaliações em foco estejam errados – infelizmente, eles são muito fidedignos. No entanto, a produção nos guia por outro caminho; um em que jovens queer têm o direito de sonhar com um romance clichê na adolescência.     

Os meninos estudam juntos no colégio de Truham, onde apenas garotos podem se matricular. Charlie (Joe Locke) teve sua sexualidade exposta um tempo antes para toda a escola e vive com as inseguranças que o bullying garantiu que fizessem parte de sua vida. Enquanto isso, Nick (Kit Connor) é o tipo popular que na verdade nunca estabeleceu laços verdadeiramente sinceros. Talvez essas palavras transmitam um sentimento contrário ao de imprevisibilidade, já que é o tipo de fórmula usada em filmes há muito tempo. No entanto, quando se trata de um espaço distante da heteronormatividade, até mesmo as receitas prontas ganham uma infinidade de sabores novos.        

Por puro acaso do destino, os personagens são colocados para sentar juntos durante uma das aulas e, de maneira rápida e silenciosa, seus cumprimentos passam a ser cada vez mais sinceros e conectados. Desde essas interações, fica no ar como o ato de sentir chega com suavidade e sem segundas intenções. Até mesmo as inseguranças e medos repousam sobre uma ideia de intimismo e prioridade pautada em primeiro lugar pela conexão com o próprio ser. 

Apesar de buscar a sensibilidade como plano de fundo – algo reforçado pela estética colorida e os elementos animados que retomam as ilustrações dos quadrinhos –, a narrativa não deixa de expor o quão violento é viver em um mundo de pensamentos retrógrados. Assim, aos poucos o exterior passa a invadir o desenvolvimento da relação dos protagonistas e criar questionamentos e muita pressão social. 

Em tons pastéis, inseguranças são desenhadas em Nick, Charlie e até mesmo no ciclo de pessoas que os acompanha: Tao Xu (William Gao), Elle Argent (Yasmin Finney) e Isaac Henderson (Tobie Donovan). O núcleo secundário se mostra afetado pelo medo de ver o amigo machucado ao mesmo tempo em que estabelece uma espécie de conforto para as situações controversas presentes na trama. 

Neles também é possível ver uma gama de representatividades e conflitos que se apoiam por construções de sexualidade e gênero, e as consequências de um contexto que sempre espera pela cisheteronormatividade. Seja nos comentários de canto sobre a transgeneridade de Elle ou nas dúvidas sobre a sexualidade de Tao, que mesmo sendo um homem hétero não performa os comportamentos esperados, a farpa que fura a bolha de amizade e aceitação fica sempre à espreita. 

Não é como se o fato da obra ir para o streaming não tivesse um pequeno impacto no roteiro – também assinado por Alice Oseman. Exemplos disso são a inserção de Imogen Heaney (Rhea Norwood) e sua tentativa de trazer um conflito típico em histórias sobre adolescentes ou na construção de um Nick menos obstinado que em sua versão gráfica. O movimento deixa claro: para o audiovisual, as coisas buscam ser mais difíceis que o habitual. 

O preceito não se aplica mal, mas é genuinamente desnecessário, já que, mesmo nas histórias mais doces, a vivência LGBTQIA+ é forçada a se ancorar na resistência. Rotas alternativas em busca de empecilhos são uma perda de tempo quando a própria ideia de ser de verdade perante a sociedade já é uma grande jornada cercada de explicações, invalidação e exigências.

Ainda assim, Heartstopper preza por ser um abraço caloroso e o acolhimento dos pais dos protagonistas prova isso. As presenças da sempre deslumbrante Olivia Colman como a compreensiva Sarah Nelson, e dos preocupados Jane (Georgina Rich) e Julio Spring (Joseph Balderrama) transformam o apoio em um personagem de peso, capaz de iluminar a atmosfera e fazer quem assiste ficar com os olhos cheios d’água. 

Talvez seja isso que faça Heartstopper ser tão encantadora: os personagens secundários são bem desenvolvidos e essenciais para o equilíbrio da trama. Até quem tem falas tímidas consegue contribuir para a completude da produção, como é o caso da irmã de cara fechada e coração aberto que sempre protege Charlie, Tori (Jenny Walser). Assim, cada acontecimento ganha estabilidade na força dos laços que já existiam ou estão apenas começando. 

A série não é sobre um casal, mas sobre todo o contexto de pessoas em volta dando suporte às descobertas e receios, enquanto expõem com maturidade suas próprias inquietações. O relacionamento de Tara Jones (Corinna Brown) e Darcy Olsson (Kizzy Edgell), o ciúmes aparentemente irracional de Tao e até a discrição de Isaac performam papéis de ação e reação. 

O efeito não fica preso aos coadjuvantes, mas se estende também aos antagonistas, Ben Hope (Sebastian Croft) e Harry Greene (Cormac Hyde-Corrin). Cada abuso e atitude perversa deixa marcas e isso reitera a ideia de que a consequência de toda atitude existe e é palpável a níveis diversos – nesse caso, como um alarde para a temática da saúde mental quando se trata de minorias sociais. 

Com vulnerabilidade sincera, Alice Oseman e o diretor Euros Lyn nos oferecem uma história brilhante. Sem esconder as dificuldades de ser LGBT, e até mesmo as de ser humano, Heartstopper vive uma verdadeira jornada em busca do amor, seja do próprio, das amizades, da família ou do romântico. Além de trazer um enredo apaixonante, a versão audiovisual cumpre muito bem seu papel de se adaptar às telas sem perder a essência. Muitas vezes, os personagens realmente parecem ter saído diretamente do papel.

Para aqueles que viam os adolescentes se apaixonando na televisão e nos cinemas, mas nunca se imaginaram vivendo o mesmo porque seus sentimentos não eram aceitos, a 1ª temporada da série é um alento esperado por muitos anos. Em um mundo voraz, sentir frio na barriga junto dos protagonistas nos lembra que, a passos lentos, a comunidade queer conquista espaço todos os dias, inclusive quando se tratam das inocências de um bom clichê em uniformes pomposos. 

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Ana Cegatti

Por que estamos lutando por um pedaço de torta se a torta está podre?

 – Alison Bechdel

O desastre de Chernobyl, a guerra Irã-Iraque e o corte mullet foram alguns episódios hediondos que fizeram dos anos 1980 um período inesquecível para o mundo. No entanto, o posto de maior atrocidade da década foi designado à Alison Bechdel, cartunista estadunidense que ousou ganhar as páginas dos jornais com tirinhas sobre uma ameaça maior do que qualquer explosão nuclear: lésbicas. Em uma singela homenagem, a editora Todavia publica uma coletânea, traduzida por Carol Bensimon, das principais histórias da série Perigosas Sapatas, cuja essência está em um grupo de amigas lésbicas praticando atos tenebrosos tais como trabalhar e lavar a louça. No fim, elas são perigosas para quem?

Ao longo de 40 anos, as tirinhas de Bechdel alugaram um espaço significativo tanto nas folhas impressas, quanto nas cabeças conservadoras que engoliram em seco os aperitivos da autora. Esta, por sua vez, também é o nome por trás de Fun Home, uma autobiografia vencedora do prêmio Eisner e adaptada aos palcos da Broadway. Apesar dessas conquistas memoráveis, o legado de Alison Bechdel não começa em estatuetas nem termina quando as cortinas do teatro se fecham. Enquanto a maioria das pessoas encantava-se com HQs sobre homens mascarados com um bíceps relativamente grande, Bechdel era vista como figura materna, ou melhor, como uma heroína sem capa por garotas lésbicas.

Sabe-se que, em tempos recentes, a cultura pop está tentando abraçar a letra L, seja mostrando beijos homoafetivos de suma irrelevância, como em Star Wars, ou esbanjando lésbicas brancas de batom em histórias medíocres. Héteros, gays ou bissexuais podem até tentar, mas nunca entenderão, de fato, o sentimento tão vazio quanto intenso de ver uma paixão se esvaindo pela inevitável priorização de um homem e o medo instintivo de ficar sozinha e ser, consequentemente, esquecida. 

Apesar de parecer óbvio, é preciso reiterar que não há ninguém melhor para retratar uma mulher lésbica do que uma mulher lésbica. Dessa forma, Alison Bechdel honra a própria realidade e coloca nada além de puro amor em cada uma das personagens, talvez com um propósito empático de resgatar um amor que nunca recebeu. A autora transforma as protagonistas Mo, Toni, Harriet, Clarice, Louis, Ginger e Sparrow em companhias propositalmente imperfeitas diante da solidão imposta à mulher lésbica, que não tem o luxo de errar, ou melhor, ser bagunçada e perigosa.

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As personagens de O Essencial de Perigosas Sapatas são verdadeiras agentes do caos. Embora não soltem teia pela mão ou saibam voar, elas são capazes de algo ainda mais impressionante: beijar mulheres. De fato, não é um superpoder, mas é um ato revolucionário cuja desenvoltura é atravessada por um eterno conflito entre o pessoal e o político. É nesse caminho contrastante e tortuoso pelo qual a protagonista Mo investiga suas facetas e as expõe de forma íntima e genuína, de tal modo que os rabiscos e as palavras parecem ganhar vida a fim de acolher as leitoras lésbicas em uma forma da obra de dizer: “eu te entendo”.

No imaginário tradicional, o significado de revolução jamais recairia sobre uma mulher de óculos redondos desesperada por atos carnais. Além disso, o que as pessoas veriam de tão inspirador nessa mesma mulher cujo nome poderia ser facilmente dado a um animal de estimação? Mo não nasceu para cumprir um propósito divino de emancipação lésbica, ou seja, ela não é uma figura inalcançável ou idealizada. Aliás, a graça está na possibilidade de encontrá-la fora das páginas, seja na famosa Vila Madalena ou em algum bar de esquina interiorano. Afinal, existem muitas Mos mundo afora esperando por uma chance de serem vistas, ouvidas e lidas. 

O grande desafio de Mo em Perigosas Sapatas não envolve um ato descomunal físico ou político, mas pessoal. A protagonista faz questão de expressar sua intelectualidade e consegue articular explicações para qualquer evento geopolítico. No entanto, ela se desespera ao perceber que seu pragmatismo não passa de uma cortina de fumaça para um medo colossal do incontrolável: ter sentimentos. Assim, sua jornada é pautada pelo conflito entre conhecimento e ingenuidade, de tal modo que, eventualmente, a militante abaixa a guarda e consegue perceber o quão belo é se deixar levar pelo inexplicável.

Do começo ao fim, o grupo protagonista não cede à imparcialidade patética da esfera sociopolítica. Verdade seja dita: é um mundo muito pequeno para as palavras “lésbica” e “imparcial” coexistirem. Querendo ou não, o lema feminista dos anos 1960, “o pessoal é político”, é uma aberração que nunca deixou de assombrar o indivíduo cujo rótulo só pode ser um: frouxo. Em suma, a autenticidade carregada por cada uma das personagens faz da obra uma bagunça linda demais para ser arrumada.

Diante de representações miseráveis da letra L na cultura pop, Perigosas Sapatas é um respiro, ainda que sua complexa doçura deixe qualquer um sem ar. Aliás, a obra reitera que ser doce não é usar esmalte ou andar de salto, isto é, Bechdel coloca uma lupa em mulheres cujos cabelos das axilas são mais longos que os da cabeça. Em suma, incluir a desfeminilidade, assim como a interseccionalidade, é um soco no estômago para quem acredita que postar “girl power” nas redes sociais enquanto divide quarto com racista e coleciona acusações de assédio é empoderador. 

A lesbiandade não é um conto de fadas e seria um erro retratá-la como tal. O fato é: há traições, medos e incertezas na narrativa cuja aliança com a realidade é um acerto de Alison Bechdel. Esta, em nenhum momento, abandona a verdade, de tal modo que as protagonistas da HQ estão despidas de filtros e se entrelaçam com cenários nos quais elas encaram suas interioridades e amadurecem. Em outras palavras, além das batalhas travadas com a conjuntura patriarcal e heteronormativa, as protagonistas enfrentam conflitos internos, mas não o fazem sozinhas. 

Perigosas Sapatas é, sobretudo, um grito melódico o qual cumpre um nobre dever de espantar o maior medo de qualquer garota lésbica: a solidão. A obra de Bechdel é um lar que acolhe corações ansiosos por uma chance de disparar sem temor e expulsa mentes heterossexuais frustradas, as quais têm a pachorra de dizer que queriam ter nascido lésbicas. Diga-se de passagem: a obra é capaz de convencer qualquer um a dar o nome de “Mo” para o animal de estimação. No fim, ser lésbica é acordar todo dia com um impulso de sentir tudo o que há para sentir e ser perigosa é deixar o Sol entrar em um ambiente que ama o frio – e ser revolucionária é ser os dois.

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Vitória Lopes Gomez

Mais de uma década depois de sua primeira aparição no Universo Cinematográfico da Marvel, e ao som de Smells Like Teen Spirit, finalmente vemos Natasha Romanoff virar a Viúva Negra. Nos 11 anos desde a estreia da personagem em Homem de Ferro 2, o estúdio não aproveitou o que tinha em mãos e renegou a assassina de aluguel à coadjuvante, mas deu mais tempo (e motivo) para que a injustiçada conquistasse o público. Com a pandemia e o fechamento das salas de cinema, a enrolação da empresa adicionou mais 14 meses à espera até inevitavelmente ceder ao Disney+. Antes tarde do que nunca, Viúva Negra ainda é pouco para a despedida que a Vingadora merece.

O longa começa onde Capitão América: Guerra Civil parou: procurada internacionalmente por violar o Tratado de Sokovia, Natasha (Scarlett Johansson) está foragida, assim como os outros heróis do Team Cap. Ela até tenta se manter fora do radar, mas quando uma maleta com frascos misteriosos chega em suas mãos – e vem acompanhada de um vilão à la Soldado Invernal para recuperá-la -, ela se vê obrigada a reencontrar a irmã, Yelena (Florence Pugh), e confrontar os traumas do seu passado.

De cara, o prólogo já anima e nos joga na história onde queremos estar. A reviravolta na calma e agradável infância de Natasha (aqui, Ever Anderson) e sua irmã mais nova manda as duas de volta à Rússia, direto ao treinamento para virarem agentes secretas. Embalados por uma releitura que amplifica a mensagem do clássico da Nirvana, os perturbadores créditos iniciais são angustiantes ao saltarem da até então domesticidade para a crueldade da organização que fabrica as Viúvas Negras.

Em pouco tempo, a atmosfera tensa e sinistra que o passado da Vingadora evoca já está mais do que justificada e dá o tom ideal para Viúva Negra – só que não o segue. Corta para o presente (que é passado, na linha do tempo do MCU) e logo cai a ficha: 21 anos se foram em 15 minutos e já assistimos Natasha passar pela traumática preparação e virar a Viúva Negra que conhecemos. Se a Marvel demorou quase uma década só para acreditar que a personagem de Scarlett Johansson se sustentaria em um filme solo, talvez fosse pedir demais que a história de vida completa da agente seja destrinchada como merece.

Com o devido reconhecimento, toda a trajetória de Natasha renderia produções mais do que interessantes, seja em longas no cinema ou em séries no streaming. Infelizmente – e não só pela demora da empresa -, as migalhas do passado em Viúva Negra destroem as chances de a testemunharmos jovem, em treinamento e até tentando escapar da organização. Ainda que as agentes possam – e mereçam – produções inteiramente dedicadas a elas, a descrença da Marvel e o roteiro no tempo errado dão um ultimato para Natasha Romanoff.

Depois de sonhar alto, é melhor aceitar a desilusão e abraçar o que as duas horas seguintes de Viúva Negra têm a oferecer – afinal, essa é a despedida da Vingadora. O passado ficou para trás, mas a encomenda enviada por Yelena força a espiã a viajar a Budapeste e confrontar partes dele. Depois de anos separadas, o reencontro com a irmã mais nova é eletrizante e vai das lutas e cenas de ação aos papos emocionais com direito a drink em família.

Como Natasha descobre, ela não conseguiu matar Dreykov (Ray Winstone), o diretor do programa que treina as Viúvas, e ele continuou capturando meninas inocentes para servirem a seu dispor. Na iniciação, a tortura a qual submetia as recrutadas não era só psicológica e física, mas ele também as manipulava quimicamente para garantir sua influência. Então, Yelena, que também foi forçada ao treinamento e virou uma das maiores assassinas da organização, recorre a Natasha: os frascos enviados contém o antídoto para a subjugação química e, nas mãos certas, podem libertar as Viúvas do domínio de Dreykov.

Se a atuação já conhecida de Scarlett Johansson sempre sabe medir entre a frieza e a vulnerabilidade, a personagem de Florence Pugh se destaca. Yelena Belova é tão durona quanto a irmã mais velha, mas descontraída, teimosa e divertida, não demora para roubar a cena. Entre implicâncias e confidências, as duas são a dupla perfeita: atormentadas pelos traumas em comum e acostumadas a estarem por conta própria, encontram uma na outra momentos de fragilidade e apoio necessário para baixarem a guarda.

As irmãs, até há pouco vítimas das torturas da organização, se unem para colocar fim na manipulação de Dreykov, mas precisam de ajuda para encontrá-lo. Assim, Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), os agentes que haviam sido designados ao disfarce de pai e mãe das protagonistas, entram em jogo. A família disfuncional está reunida novamente.

Mesmo perdendo a mão em alguns momentos, como nas irritantes tentativas de tornar o Guardião Vermelho o alívio cômico, nos exagerados ‘Casos de Família’ ou nos batidos estereótipos russos, o roteiro de Eric Pearson, Ned Benson e Jac Schaeffer sabe como chegar onde quer. Quando somado à direção magnética de Cate Shortland, as interações entre personagens viram o grande destaque e, misturadas às tensas sequências de ação, criam a vibe certa para a condução da história. 

O primeiro e segundo ato envolventes, no melhor estilo filme de espião, indicam uma conclusão espetacularmente sombria – finalmente veremos a Sala Vermelha por completa! -, mas Viúva Negra não escapa da fórmula Marvel. Todo o potencial drama e suspense ao adentrarmos o centro de treinamento, assim como o plot twist com o vilão do filme, são desperdiçados com as cenas de ação espalhafatosas. Os embates em plena queda livre com aeronaves explodindo e um grande sacrifício ainda perdem para a luta inicial de Natasha e Yelena na cozinha.

Quando, finalmente, cara a cara com Dreykov, era de se esperar que os abusos sofridos pelas agentes recebessem a atenção que o tema pede. Se as protagonistas só embarcaram na missão para libertar as Viúvas, que sofrem com o mesmo que as duas sofreram na infância e ainda carregam os traumas consigo, a motivação é ofuscada pela porradaria e a sensibilidade resume o assunto a um subtexto de uma narrativa maior. A abordagem de um dos temas mais importantes acaba superficial frente ao que poderia ser, mas as espiãs continuam espalhadas e infiltradas por aí e a Marvel ainda pode fazer jus a elas.

Falando em fazer jus, em tempos em que até uniformes confortáveis e apropriados para lutas são alvo de reclamações, ainda temos que destacar a importância das mulheres contarem suas próprias histórias. Anos atrás, a intérprete da Viúva Negra só queria que a personagem fosse retratada devidamente, sem ser objetificada ou sexualizada para a apreciação do público masculino. Em Black Widow, com o protagonismo feminino à frente e por trás das câmeras, a visão de Scarlett Johansson se concretizou: olhando em retrospecto à primeira aparição de Natasha no MCU, seu filme solo arranca um suspiro de alívio.

Apesar de tudo e mesmo com as limitações que o futuro impõe – a Guerra Infinita já passou, Thanos e a rixa dos Vingadores também -, Viúva Negra não aproveita a liberdade que uma produção deslocada e isolada confere. As revelações do passado, das origens e das relações da agente são menores do que gostaríamos, mas nos aproximam da Vingadora. 

Ao final, o filme solo de Natasha é envolvente e afetuoso ao enriquecer a personagem, que é bem mais do que a assassina treinada a qual fomos introduzidos. Ainda que a despedida não tenha chegado nem perto do que ela merecia, Natasha Romanoff é mais querida depois de Viúva Negra.

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Jordana A. Pironti

Já se perguntou por que o anjo caído decidiu começar uma revolução no Paraíso que o levou a ser castigado e a comandar o Inferno pela eternidade? A segunda parte da 5ª temporada de Lucifer, série da Netflix desenvolvida por Tom Kapinos e comandada por Joe Henderson, coloca o Diabo à frente de seus problemas com seu pai, Deus (Dennis Haysbert), e mostra que na verdade a família celestial é tão desconfigurada e problemática como qualquer outra.

A 5ª temporada aflorou o romance entre o Diabo (Tom Ellis) e a Detetive Decker (Lauren German), mas não por muito tempo. Os novos episódios, embalados por uma trilha sonora carregada de rock alternativo, retomam a briga entre Lucifer, seu irmão gêmeo invejoso Miguel, e Amenidial (D. B. Woodside). Ao que os três estão prestes a encerrar a vida um do outro em meio ao cenário congelado da delegacia de Los Angeles, uma luz branca forte aparece e então Deus, pela primeira vez na série, pisa na Terra.

A psicologia explica que boa parte dos traumas de uma pessoa são decorrentes do tratamento que receberam dos seus pais, e com o Rei do Inferno não foi diferente. Lucifer Morningstar amadureceu muito ao decorrer das temporadas, demonstrando mais autonomia e responsabilidade por suas ações e conhecendo melhor as emoções dele e das pessoas que ama. Mas o grande feito dessa nova parte foi mostrar com ênfase os motivos familiares das inseguranças profundas dele, que são metaforizadas em um comportamento narcisista e autodepreciativo.

Quando Deus tenta uma reconciliação e reaproximação da família, Lucifer, que costumava não reconhecer suas feridas e a justificar os motivos de suas falhas no comportamento dos outros, reage evidenciando os traumas familiares antigos e reativando esses comportamentos. Como consequência, ele passa a duvidar novamente se é merecedor do amor da Detetive.

A série sempre nos leva pelas viagens psicológicas de autoconhecimento do Rei do Inferno, baseadas em sua visão irônica e auto destrutiva, com um leve toque de personalidade intensa. Mas a apresentação de Deus, o ser mais poderoso do universo, como uma figura de pai controlar e ao mesmo tempo negligente, traz o olhar fora do convencional que qualifica Lucifer. 

Caindo em inúmeras contradições, Deus, carregado de frases vagas e indiretas, justifica sua postura distante e fria pela vontade de proporcionar aos filhos livre escolha. No entanto, ele constantemente controla e julga os comportamentos deles, depositando altas expectativas, situação muito bem ironizada no episódio musical em que Lucifer canta e dança com seus colegas de trabalho, durante momentos extremamente delicados, e contra sua vontade.

Lucifer não se entrega ao esperado maniqueísmo de histórias de bem e mal. O andar das temporadas traz constantes quebras de perspectiva, sendo a grande virada de chave relativizar a maldade intrínseca e a bondade absoluta. As pessoas com quem o Diabo se relaciona na vida terrena são capazes de enxergar o melhor nele, isso o impulsiona a crescer e, consequentemente, reconhecer e evidenciar os erros de seu pai, desmistificando a perfeição angelical.

É surpreendente o grande sucesso da série em se conectar com o público. A humanização do divino foi capaz de criar uma conexão inesperada entre o personagem principal, o Diabo, e o telespectador. Acompanhar o crescimento psicológico de Lucifer coloca quem assiste em posição de análise, não apenas sobre os próprios comportamentos mas também sobre a humanidade, evidenciando que nem tudo é preto e branco. Muitas vezes, a realidade pode ser pintada em cinquenta tons de cinza. 

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Carol Dalla Vecchia e Mateus Conte

A década de 60 no Brasil foi tortuosa. Naquela época, o país vivia uma crise política sem precedentes: a posse e repentina renúncia de Jânio Quadros abalava as bases democráticas da nação. Enquanto isso, a mil quilômetros do centro do planalto vazio, um ex-repórter policial iniciava uma das suas criações mais memoráveis.

Começos raramente são pomposos. Não foi diferente com o interiorano Mauricio Araújo de Sousa, convidado pela conhecida Cooperativa Agrícola de Cotia para desenvolver uma nova obra dos quadrinhos: os caipiras Zezinho e Hiroshi. Hiro, como é conhecido, representava os funcionários e familiares da CooperCotia, formada quase exclusivamente por isseis e nisseis. Dois anos depois, surgia o hoje famoso Chico Bento. Ou seja, ainda que Francisco Antônio Bento tenha surgido apenas em 1963, sua turma nasceu há exatos 60 anos. 

Ao contrário dos outros dois personagens, ele falava o linguajar típico da roça, talvez a variante diatópica mais comum do nosso português, e rapidamente conquistou a identificação daquele público. Mauricio, cujos personagens figuravam apenas em páginas de jornais, retratava sempre o ambiente urbano em suas criações. No entanto, esse era o momento do quadrinista retomar suas próprias origens em Santa Isabel, Mogi das Cruzes e a bauruense Rua Araújo Leite, já conhecida de muitos de nós.

Não foi apenas o cenário do Chico Bento que foi inspirado na infância do cartunista, mas também todas as suas temáticas: uma das principais é a valorização da família, representada por seus pais Nhô Bento e a Dona Cotinha. Ambos são muito trabalhadores e exigentes com a educação de seu filho. Outro ponto importante é a preservação do meio ambiente: mesmo que ele pesque, cace e roube goiabas do Nhô Lau, tudo é feito visando a subsistência. Temas como pesca predatória e desmatamento, por exemplo, são sempre abordados de forma negativa.

Por fim, o último ponto fulcral da obra caipira de Mauricio é a religiosidade da Vila Abobrinha e do próprio Chico, com destaque para o sacerdote católico Padre Lino. O frade, que por suas vestes e tonsura aparenta ser franciscano, é o principal símbolo religioso dentro das histórias. Juntamente com os pais de Chico, Pe. Lino representa a figura paterna da infância, isto é, a personagem procura estabelecer às crianças o que é correto e o que é errado, construindo os conceitos morais de cada um deles.

Este conceito é um retrato fiel do que entendemos por Brasil profundo. Uma família simples, habitantes da zona rural, onde o pai trabalha na roça e a mãe é dona-de-casa; o filho frequenta a escola com seus amigos e namoradinha, mas não antes de passar por um bom caminho a pé. No final da semana, todos se encontram na igreja da vila.

Vale dizer que a religiosidade é o que coordena as demais áreas da revista: os personagens agem segundo seus princípios; e estes, por sua vez, são formados pelos ensinamentos do padre Lino. Como de costume na roça daquela época, o sacerdote também representa uma autoridade cultural na Vila Abobrinha: isto é perceptível nas histórias onde Frei Lino faz as vezes de professor de canto no coral litúrgico das crianças.

Além do Padre Lino, não raramente o próprio Deus aparece nas histórias. Quando isso acontece, ele sempre assume um papel protetor e que, ainda que por vezes pareça rigoroso, busca apenas trazer ensinamentos aos personagens. Do mesmo modo, o Diabo também teve algumas participações nos gibis: porém, de forma diametralmente oposta, ele pretende causar a doença, a desesperança e a morte. E, quando isso acontece, comumente há batalhas entre Deus e o demônio.

Porém, vale ressaltar que não foi apenas o catolicismo a figurar nas páginas das revistinhas do Chico. Em 1985, a história O Rezador apresentou a idosa negra Nhá Belarmina, uma benzedeira que se denominava como Preta Véia. Nela, a senhora ensina a Chico Bento todo o seu conhecimento sobre rezas e benzimentos que ela havia recebido de seus antepassados, continuando a tradição oral de sua cultura.

Curioso em descobrir se aquelas preces tinham efeito, Chico resolve testá-las invocando o sobrenatural para amarrar o amor de sua namorada Rosinha. A reza, porém, funciona de forma exagerada e Rosinha age como se estivesse em hipnose. Resolvida a situação, a maior lição de Chico foi entender que todo o poder obtido deve ser usado com sabedoria e responsabilidade.

Esta história demonstra que, embora o catolicismo tenha presença constante nas histórias da Vila Abobrinha, ainda há espaço para outras religiões e para aprender valores importantes com elas. Nobu Chinen, doutor em Ciências da Comunicação, explicou no artigo científico A religiosidade afro-brasileira nos quadrinhos que no momento da publicação dessa história do Chico Bento, as religiões de matriz africana eram sempre representadas de forma negativa, “capazes de interferir na realidade cotidiana, normalmente em benefício de interesses pessoais nem sempre louváveis ou como forma de obter poderes sobre-humanos”.

Porém, podemos dizer que se valer dos princípios religiosos para ensinar valores morais às crianças saiu de moda na Mauricio de Sousa Produções. Talvez em nome do ecumenismo, a cada era que se passa menos vemos este tipo de história nos gibis: comum na editora Abril, raro na editora Globo e praticamente inexistente na editora Panini, onde a turminha é publicada até hoje.

Voltemos a onde partimos: nos anos 60, frente a um país em contínua instabilidade financeira, política e econômica, Mauricio se valeu da cosmovisão religiosa para formar personagens verdadeiramente humanos, colaborando para a preservação do imaginário de várias gerações e provendo a milhões de crianças tudo o que elas mais precisam: alegria e esperança.

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Ana Laura Ferreira

“Diana de Themyscira, filha de Hippolitya, Rainha das Amazonas”. Mas e se ela fosse mais do que isso? O que aconteceria se ela saísse definitivamente do santuário destas guerreiras gregas e se mudasse para o “reino dos homens”? Mesmo tendo provado um gostinho dessa adaptação da heroína à um novo cotidiano em Mulher Maravilha (2017), Patty Jenkins torna a trazer Gal Gadot no papel da matadora de deuses, mas dessa fez de forma muito mais habituada, orgânica e organizada em Mulher Maravilha 1984.

Ambientada, assim como o nome diz, na nostálgica década de 80, acompanhamos agora a jornada de Diana Prince já acostumada com as diferenças entre sua realidade e a nossa. Seguindo por um caminho muito mais direto e coeso, o longa se apoia na excelente atuação de Pedro Pascal – de Game Of Thrones e Narcos – para introduzir um vilão que é ao mesmo tempo complexo e caricato. Essa dualidade enriquece a narrativa que entende a importância de adaptar os personagens originais dos quadrinhos para a nova mídia, mas não os deixa perder sua essência.

O coeso desenvolvimento da relação entre o personagem de Pascal, o ganancioso Maxwell Lord, e Diana Prince consertou o que foi, para muitos, o maior erro do filme de origem dessa heroína. Com um terceiro ato falho, resolvido de forma abrupta com a inserção de um nada discreto Deus Ex Machina, o antecessor de Mulher Maravilha 1984 aprendeu com suas falhas e entregou um roteiro preocupado muito mais com a construção de seus personagens do que apenas com a pancadaria. Isso não significa que a elaboração desse novo capítulo seja perfeita. 

Longe disso, o longa estende seu primeiro ato mais do que o necessário, desenvolvendo uma cansativa e interminável apresentação de personagens que atrasa o engate nessa história. Já quando o filme finalmente entra nos trilhos não há o que o pare. O arco bem delimitado abre caminho para que possamos entender as motivações de cada personagem e nos envolver profundamente com eles. É claro que todos ali têm algo a perder, e esse elo criado entre obra e espectador gera uma tensão gostosa de se acompanhar, que rende várias remexidas na cadeira.

E ainda que nos preocupemos com todos e desejemos saber toda a construção de cada um daqueles em tela, é óbvio que alguns teriam mais destaque do que outros. Roubando as cenas o, já mencionado, Max Lord é a grande amarração da trama. Porém, na tentativa de complementar uma história que já era mais do que suficiente, temos a introdução de mais um anti-herói: Dra. Barbara Minerva, a Mulher-Leopardo.

Trato dela como uma anti-heroína e não como vilã, como aparece nos quadrinhos, pois durante o filme conseguimos perceber suas motivações e, mesmo que nada justifique seus atos, é possível até compreendê-la. O grande trunfo, contudo, foi descartado sem mais nem menos como um simples adorno a essa composição repleta de pontas soltas e decorativas. O potencial dessa personagem não é nunca atingido, tornando ela, que poderia ser a maior estrela do filme, mero detalhe em meio aos desfechos.

Assim como qualquer boa produção que se passa na década mais colorida que já vivemos, Mulher Maravilha 1984 se debruça em cima da estética oitentista sem medo do excêntrico. E mesmo que às vezes pareça uma ambientação um pouco caricata, não podemos negar que todos os seus elementos são válidos. As cores vívidas e alegres contrastam com com temas pesados tratados de forma simples e óbvia.

Entre eles está o assédio. As dezenas de importunações que as personagens de Diana e Bárbara sofrem durante todo o filme são ora explícitas e ora sutis. O balanço entre essas duas exposições pode passar despercebido aos olhares masculinos, mas toda mulher que assistir ao filme vai captar e entender cada um daqueles momentos, vividos na pele por todas nós. O abuso explícito e velado incomoda por ser tão real quanto cotidiano.

Outra qualidade gigantesca do filme são suas cenas de luta perfeitamente coreografadas. Belas e dinâmicas, o balé dançado pelas personagens ajuda na criação de uma atmosfera quadrinesca aos melhores moldes da saga escrita por George Perez. E talvez seja pela presença de Pedro Pascal, ou talvez pela coreografia contrastada ao brilho do laço da verdade, mas é impossível assistir as cenas de luta de MM84 sem se lembrar de Kingsman: O Círculo Dourado (2017), mesmo que o filme da heroína seja absurdamente mais leve do que seus comparativo.

Forte, poderosa, líder e imponente, a Mulher Maravilha se tornou um símbolo de empoderamento e feminismo para milhões de mulheres ao redor do mundo. A heroína, fundadora da Liga da Justiça, se destacou aos olhos de todos por ser a personificação do poder feminino. Entretanto, a princesa das amazonas não vem atingindo sua plenitude como a guerreira mais badass da DC. A confortável muleta masculina que é Steve Trevor retorna em MM84 e, ao se aliar a uma tentativa de tornar o filme o mais leve possível para o público, nos priva de ter acesso a Diana gladiadora, a matadora de deuses, a amazona que conhecemos das HQs.

E apesar da promessa da diretora, Patty Jenkins, de explorar mais o universo mitológico da protagonista, o filme apenas apresenta um curto e descartável fanservice sobre as guerreiras gregas em seu início. O decorrer do longa, por outro lado, é recheado de cenas feitas simplesmente para dar volume a ele. Uso como exemplo as diversas passagens em que vemos Trevor fascinado com as maravilhas do “novo mundo”, sendo essa apenas uma réplica exata do mesmo fascínio demonstrado por Diana quando ela chega ao “mundo dos homens” no filme anterior.

Porém, grande parte dos defeitos do longa podem ser justificados pela alta expectativa criada em torno de Mulher Maravilha 1984. Lançado com mais de seis meses de atraso, o segundo filme da DC no ano veio comprometido a ser um complemento a Aves de Rapina na era das super-heroínas no universo da companhia. Os lances foram altos, mas nem todos atingidos dando ao filme, que tinha o potencial de ser tão magnífico quanto Aquaman (2018), apenas um pequeno gostinho de suas possibilidades.

Mulher Maravilha 1984 vem como um suspiro de alívio em meio aos cancelamentos e atrasos nos cinemas. Engraçado, cativante e belíssimo, o longa consegue cumprir com sua proposta narrativa, mesmo que para isso deixe de lado importantes pontos a serem explorados. Mas nem mesmo se houvesse uma enorme catástrofe em seu roteiro poderíamos negar a importância da presença de Gal Gadot e Patty Jenkins em meio as personalidades masculinas que prevalecem no universo dos super-heróis e na indústria cinematográfica.

Acima de tudo significativo, entramos em contato com uma Diana Prince mais humana, sincera e vulnerável do que nunca. Conhecemos um lado mundano da heroína que nos faz compreender o carinho inconsciente e apego que temos a personagem. A Mulher Maravilha símbolo está presente, assim como a Mulher Maravilha indivíduo e a Mulher Maravilha mulher, e em meio às inúmeras facetas, nunca foi tão fácil nos identificarmos na semideusa. 

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