Davi Marcelgo

Abdicar sonhos pelo bem maior, ser incorruptível, simbolizar a honra e bondade humana. Muitos filmes de heróis, desde Superman (1978), representam protetores benevolentes que transpiram sacrifícios. Os feitos desses mitos incluem girar a Terra em sentido anti horário e alterar o tempo, parar um trem desgovernado, salvar o Natal. Dentre os chavões do subgênero há a jornada em busca do que te faz um paladino. Ser tentado a usar os poderes para o próprio benefício, encarar dilemas, matar ou não seus inimigos e por aí vai. Homem-Aranha 2 (2004) debateu as responsabilidades da vida de vigilante, nuances foram inseridas nos quadrinhos ao longo dos anos, afastando os homens que usam colã de uma noção maniqueísta. Mas o caminho de se tornar um herói pode ser apenas consequência de um objetivo muito mais nobre: o de se relacionar. 

Em 2014, uma equipe de criminosos traumatizados foi introduzida na história de Hollywood, os Guardiões da Galáxia. Diferente dos outros super-poderosos, eles não são dotados de proezas ou nobreza. São interesseiros, faziam serviços em troca de pagamento e salvaram a galáxia só porque pereceriam se não impedissem os planos de Ronan, o Acusador (Lee Pace). Depois dos eventos contra os Kree, se aproximaram do formato de uma equipe à la Vingadores. Porém, em Guardiões da Galáxia Vol. 3 (2023), terceiro e último encontro dos heróis dirigido por James Gunn, salvar a família é o mais importante, e no meio da jornada, talvez dê tempo de se tornar um herói. 

Desde o primeiro filme, a história do grupo é sobre pessoas que se esbarraram e descobrem características em comum. Criminosos renegados, com passados traumáticos e sem família, unem-se para sobreviver. Em determinado ponto, eles percebem fragmentos de qualidade um nos outros, qualidades heroicas. Coragem, inteligência, sacrifício e humildade. Quando decidem salvar o planeta Xandar, é para estarem juntos caso a empreitada falhe. Morrer ao lado de quem te aceitou e admirou sem pedir nada em troca não parece ruim. 

No volume 2, os Guardiões salvam o universo do maligno planeta Ego numa luta para resgatar Peter Quill (Chris Pratt). Rocket atravessa vários pontos do espaço pelos amigos que estão presos. Diferente do maximalismo do MCU, o clímax é mais íntimo: eles frustram os planos do vilão numa sucessiva cadeia de objetivos, na qual o mais importante é tirar os guardiões dali – o   universo terminar bem é consequência. James Gunn isola e separa seus personagens do resto da Marvel a fim de criar a própria maneira de desenvolver história e grupo. 

São vários os momentos em que isto é perceptível. Nota-se o que a direção quer mostrar, preferindo filmar uma briga e o revezamento de cuidado para com o Baby Groot (Vin Diesel) do que um tiroteio entre naves, como o carinho que o membro mais novo do grupo recebe em meio uma missão e as linhas de diálogo que aprofundam as relações. Quando ele prioriza o entendimento e aproximação do público dentro da dinâmica, é um recado da hierarquia de eventos, uma indicação ao que você deve olhar. 

Mas e a terceira parte da aventura? Na trama, são os amigos que desbravam a galáxia para salvar um dos seus. Após Adam Warlock (Will Poulter) ferir Rocket Raccoon (Bradley Cooper) em uma missão determinada pelo Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji). Diante disso, os Guardiões da Galáxia precisarão correr contra o tempo para salvar o guaxinim, ao mesmo tempo que o passado tortuoso de Rocket e todos os métodos facinorosos do cientista contra animais indefesos são revelados, fazendo a trilogia culminar em um confronto empolgante. Atos de bravuras que poderiam soar comum e genéricos são potencializados por toda carga emocional inserida em todas as interações da equipe durante toda a década. O Senhor das Estrelas (Pratt) salta de uma altura absurda para obter o único objeto capaz de salvar a vida de seu amigo. 

Gunn, que também assina o roteiro, conhece os moldes dos filmes de heróis, os clichês de mocinho e inimigo, parecidos em poderes e até trajes, como Homem-Aranha e Venom, Hulk e Abominável ou Superman e Zod, reduzidos a serem apenas uma contraparte. No último volume, o cineasta subverte o clichê e afasta Rocket de Alto Evolucionário. De parecidos, eles não tem nada. O guaxinim precisou aprender a conviver com as diferenças e imperfeições de cada guardião. Já o vilão é incapaz de reconhecer outro ser e aceitá-lo, constantemente atrás de modificar seres (humanos ou não) ao seu bel gosto e senso de perfeição. 

Pensando em arco de personagem, o menor guardião é o que tem o maior deles. Introduzido como casca-grossa, ele não tinha receio algum de puxar o gatilho e já tinha até ameaçado matar os membros de sua equipe. Ele se esquivava de perigos, como fez na luta contra Thanos em 2018 e afastava as pessoas ao seu redor. Com o volume 3, descobrimos que era tudo pelo trauma de ter perdido sua primeira família pelas mãos do torturador de animais. A frase “cansei de fugir” é um grito de liberdade. 

Quando Rocket opta por não matar seu nêmesis, mas libertar todas as criaturas presas, ele então se torna um herói. A equipe estava a salvo e o Alto Evolucionário não apresentava mais uma ameaça. Não tinha necessidade de Rocket salvar mais ninguém, exceto quando você é um herói. A resposta que ele dá, “sou um guardião da galáxia”, representa todas as características boas que ele reencontrou em si ao fazer parte da equipe. O antagonista é imperdoável. Durante grande parte do filme, somos expostos a incontáveis crueldades dele sem nenhum fio de humanização, que, ao final, a decisão de Raccoon vem como um choque para o espectador.

Fora todo o subtexto de heroísmo, ainda tem muita coisa magistral. Adam Warlock é uma ótima adição à saga: mesmo com pouquíssimos 10 minutos de tela, já é o bastante para se apaixonar pela atuação de Will Poulter. O filme também é o mais violento de todo Universo Marvel e rende algumas lágrimas durante seus 150 minutos, além de uma ótima trilha sonora, abrindo com Creep, clássico da banda Radiohead. Até as rimas visuais ganham espaço. Uma delas, ao final do filme, remete à cena do longa de 2014, “um bando de otários de pé formando uma roda”. 

E não para por aí. Guardiões da Galáxia Vol. 3, além de ter enchido os bolsos da Marvel Studios, também foi indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Por infelicidade, o blockbuster ficou de fora em outras duas categorias em que teria grandes chances de levar a estatueta para a casa, Melhor Design de Produção e Melhor Maquiagem e Cabelo.

Quebrando o recorde de maior número de próteses utilizadas em um filme, o desfecho da trilogia utilizou 22.500 próteses, 500 perucas e 130 perucas faciais. Ao optar por efeitos práticos, James Gunn deixa a história ainda mais próxima das Space Opera dos anos 1970 e corrobora com o desempenho dos atores, que poderiam ser facilmente substituídos por CGI. Nas palavras do próprio diretor, a intenção era garantir a atuação de Chukwudi Iwuji. Já a direção de arte comandada por Beth Mickle é engenhosa ao ponto de fazer você pegar um foguete e ir direto para o espaço, com diferentes texturas e estéticas, desde uma base centrada num organismo vivo pegajoso a uma espaçonave feita de figuras geométricas. 

O futuro da DC no Cinema está seguro. Com James Gunn, que demonstra domínio nas adaptações em quadrinhos, todos os tiros tendem a ser certeiros. Para além de uma construção de um universo cinematográfico ansioso, ele sempre preferiu sustentar sua história e fazer o público querer sentar no banco do passageiro. Para fazer uma nova e excelente abordagem de tornar-se herói, só conhecendo o material base e amando ele. 

O título sobe em um momento de fragilidade e irmandade da equipe, condensando o que é ser um Guardião da Galáxia. Não em grandes atos épicos, mas na interação entre esses personagens disfuncionais. As grandes cenas de ação ganham riqueza graças ao sentimento compartilhado entre o público e eles. Acompanhar os Guardiões da Galáxia na trilogia, suas participações em Vingadores: Guerra Infinita e Ultimato e um especial de Natal foi uma viagem rumo às estrelas mais quentes. Foi fazer amigos, ser apresentado aos hits favoritos de uma pessoa que você nutre carinho e aprender que não é necessário ter uma ‘alma perfeita’.

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Henrique Marinhos e Henrique Rabachini

A história das HQs é datada desde o fim do século XIX, como uma evolução das tiras cômicas publicadas em jornais. Os primeiros quadrinhos eram voltados para o humor e a sátira, mas logo começaram a explorar outros gêneros como a aventura, o romance, o terror e a ficção científica. Um dos que se destacou foi o dos super-heróis, que se consolidou na década de 1930 com a criação de personagens como a dupla da DC Comics, Super-Homem e Batman, e Capitão América, pela Marvel. Esses heróis representavam os ideais de justiça, coragem e patriotismo, em um contexto de crise econômica, guerra mundial e ameaças totalitárias. Eles também refletiam as aspirações e os medos da sociedade norte-americana, que buscava escapar da realidade através da fantasia. 

No entanto, nem todos os super-heróis eram tão simples e otimistas. Na década de 1960, surgiram os X-Men, uma equipe de mutantes que traziam uma nova perspectiva para os quadrinhos. Nessa época, o mundo passava por grandes transformações, com movimentos pelos direitos civis como a luta contra o racismo e o movimento hippie, em paralelo a Guerra Fria e a corrida espacial. Sean Howe, jornalista e autor do livro Marvel Comics: The Untold Story, descreve o grupo como provavelmente o mais explicitamente político dos quadrinhos da Marvel dos anos 1960, quando a cultura pop ganhava cada vez mais influência através da Música, do Cinema, da Televisão e, claro, das HQs. Os heróis mutantes são um importante exemplo refletor de seus valores e transformações que completam seu sexagenário aniversário em 2023, propondo questionamentos e a busca por mudanças, influenciando a cultura e a política até hoje. 

Não mais vistas como figuras perfeitas e admiradas, Stan Lee e Jack Kirby criaram um grupo que luta pela sua sobrevivência e aceitação em um mundo que os teme e os odeia, representando as vozes e as lutas de quem se sente diferente, excluído e marginalizado – qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência durante a luta pelos direitos civis. Seu enredo, no entanto, não é tão complexo assim, seguindo alguns padrões da narrativa do herói. O conjunto é liderado principalmente por Professor Xavier, um telepata que acredita na coexistência pacífica entre humanos e mutantes, e Magneto, que já não seguia essa integração, sendo o grande antagonista (ao menos no princípio), representando uma explícita e não intencionada alegoria a Martin Luther King e Malcolm X que formou-se durante os anos seguintes.

A primeira aparição do grupo nos quadrinhos foi em setembro de 1963 na revista The X-Men #1, publicada pela Marvel Comics. Além de todos os conceitos sociais que definem o que é ser mutante nesse universo, eles são, básica e primordialmente, humanos que nasceram com um gene que lhes confere poderes dos mais variados, representando a próxima evolução da humanidade. Ciclope, Garota Marvel, Fera, Anjo e Homem de Gelo foram os primeiros mutantes liderados pelo Professor Xavier, fundador da Escola Xavier para Jovens Superdotados, que os ensinava a controlar seus poderes e a usá-los para o bem da humanidade. Longos anos depois, se tornaram candidatos para a HQ de edição única mais vendida da história, com cerca de oito milhões de cópias vendidas em 1991.

As animações também foram uma importante influência para os quadrinhos dos mutantes, como no caso do uniforme da personagem Mística em X-Men: Evolution, série produzida por Boyd Kirkland e Michael Wolf. Com quatro temporadas e um total de 52 episódios produzidos de 2000 a 2004, a animação consagrou-se como um dos históricos mais palpáveis da narrativa transmídia da Marvel para a época, integrando seus universos e expandindo-os para outras produções como jogos, animes e brinquedos. 

A saga reimagina os personagens como adolescentes e explora suas lutas por relacionamentos e pelo mundo com poderes mutantes, o que a torna uma produção interessante e relevante para o público jovem. Ainda que a sua construção não tenha um teor de adaptação pleno, ao menos no roteiro, fazendo com que muitas das cenas e enredos originais da série sejam vistos como infiéis aos universos originais, isso não é realmente um problema quando bem feito.

No Brasil, o desenho teve grande influência e se tornou um marco nostálgico para quem assistia TV aberta ao almoçar, mas, infelizmente, não teve a mesma popularidade em outros países, ocasionando seu cancelamento por motivos financeiros. Sobretudo, essa e outras animações dos X-Men foram uma grande influência para os primeiros filmes da franquia, como afirmou o diretor Simon Kinberg durante a CCXP 2018. 

Alguns mutantes podem passar despercebidos na sociedade, escondendo ou disfarçando seus poderes, enquanto outros têm fenótipos que os tornam facilmente reconhecíveis como pele azul, pelos, escamas, asas e caudas, por exemplo. Com isso, toda riqueza da história de X-Men se concentra nas complexidades individuais de cada personagem que a trama oferece. Longe de aspirações fúteis e infundadas, cada um é desenvolvido como uma pessoa real, marcada por nuances como abandono, discriminação, violência e trauma, consequentemente, convergindo em visões e atitudes sobre sua condição. Noturno, Fera, Mística e Anjo são exemplos de desenvolvimento da alma da obra.

Noturno, além de ser um mutante, é um católico devoto que busca aceitar sua aparência como uma dádiva divina, mesmo que se pareça com demônio com pele azul, cauda, orelhas pontudas e três dedos em cada mão e pé. Por muito tempo, desejou ter os poderes de Mística, que apesar de compartilhar uma aparência sobre-humana com ele, pode assumir a identidade de qualquer pessoa ou animal. Ela já foi uma X-Men e também aliada de Magneto, além de uma mercenária e terrorista independente, sendo, sobretudo, uma sobrevivente.

Por outro lado, Fera e Anjo nem sempre foram assim. Enquanto Fera tenta inibir seu gene X a partir de uma solução experimental fracassada que o transformou em uma criatura peluda e azulada, com garras e presas, Anjo adquiriu seus poderes ao longo de sua puberdade. No início do filme X-Men: O Confronto Final (2006), dirigido por Brett Ratner, o mutante tenta arrancar suas asas no banheiro para esconder sua mutação quando criança. Seu pai o flagra e ele, chorando, se desculpa.

No começo dos anos 2000, a Fox, que havia comprado os direitos cinematográficos dos mutantes após uma quase falência da Marvel, deu início à trilogia de filmes dos X-Men. O desenvolvimento do primeiro longa teve início em 1989 e o lançamento ocorreu em 2000, lucrando 296,3 milhões de dólares mundialmente e se tornando a oitava maior bilheteria mundial do ano. Dirigido por Bryan Singer, o longa trouxe uma alçada mais séria para os mutantes, fugindo das roupas coloridas e assumindo roupas pretas de couro. Singer traça diversos paralelos entre os mutantes e a homossexualidade. Uma das cenas mais óbvias nesse ponto acontece em X-Men 2 (2003), quando o personagem Homem de Gelo, ao revelar para seus pais que é um mutante, escuta de sua mãe a frase: “Você tentou não ser um mutante?”.

O segundo filme dos X-Men trouxe uma simples adaptação de um dos arcos mais aclamados dos heróis nos quadrinhos, Deus Ama, o Homem Mata, introduzindo o vilão William Stryker, que tem como objetivo o genocidio de todos os mutantes. Outra renomada história adaptação foi a saga Dias de um Futuro Esquecido, em que é apresentado um futuro distópico no qual mutantes são caçados e exterminados, precisando dar um jeito de voltar ao passado para impedir que esse futuro aconteça.

É inegável que os filmes dos X-Men foram um tremendo sucesso, responsáveis por consagrar diversos atores nos papéis de mutantes como Wolverine, interpretado por Hugh Jackman, Professor Xavier (Patrick Stewart) e Magneto (Ian McKellen). O enorme sucesso foi, sem dúvidas, a chama que deu origem a um renascimento dos longas-metragens de quadrinhos e super-heróis que pode ser vista até hoje. A produção de 2000 foi responsável por dar abertura a discussões sobre o longa do Homem Aranha (2002) com Tobey Maguire no papel do herói, além de abrir espaço para o Quarteto Fantástico (2005) e trilhar o caminho para Homem de Ferro (2008), que marca o início de um universo cinematográfico de mais de 35 filmes e séries de heróis da Marvel e posteriormente da Disney, em 2009.

Embora os X-Men tenham rendido um bom dinheiro para a Fox e trazido uma revolução no mercado cinematográfico de super-heróis, é necessário apontar que a franquia dos mutantes terminou de uma maneira que não agradou os fãs e nem o público geral. O último filme, Os Novos Mutantes, foi gravado em 2017 e só foi lançado em 2020, depois de anos de adiamentos e até rumores de cancelamento. O longa ficou no meio de um momento conturbado dentro do estúdio, comprado pela Disney, que se apropriou dos personagens e já possui outros lançamentos com os mutantes em desenvolvimento.

O primeiro filme dos mutantes sob controle da Disney, Deadpool 3, teve suas gravações pausadas devido à greve de atores e roteiristas que afligiu Hollywood e irá trazer uma das duplas mais amadas dos quadrinhos, Deadpool e Wolverine de volta às telonas. Com Hugh Jackman reprisando o icônico papel de Wolverine e Ryan Reynolds novamente como Deadpool, que promete entregar uma história mais fiel à sua fonte, não cometendo os erros da obra de 2009, X-Men – Origens: Wolverine cometeu ao adaptar esses mesmos personagens. Além disso, o terceiro filme da trilogia provavelmente será o responsável por trazer uma ligação entre o universo dos X-Men da Fox e o universo de Vingadores da Disney, consagrando a cena pós crédito de The Marvels. 

O pouco que se sabe sobre Deadpool 3 se deve a fotos vazadas dos bastidores e, mesmo sem nenhum detalhe do enredo, é perceptível a principal diferença entre Fox e Disney: os uniformes. As adaptações da primeira tentavam trazer um tom mais sério, já a Disney, acostumada em adaptar personagens bem estranhos dos quadrinhos, irá trazer pela primeira vez um uniforme fiel para o personagem de Hugh Jackman, uma verdadeira vitória para os fãs que esperaram 20 anos de adaptações live-action dos X-Men e não tiveram uma adaptação fiel dos uniformes coloridos e únicos dos quadrinhos. Agora, nos resta esperar e ver se os mutantes serão realmente bem tratados em sua nova casa.

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Davi Marcelgo 

“Aqui é a nave Estadista de refugiados asgardianos. Estamos sob ataque. Repito: estamos sob ataque. Os motores morreram, o suporte de vida está falhando. Solicitando ajuda de qualquer nave próxima. Estamos a 22 pontos de salto de Asgard. Os tripulantes são famílias asgardianas. Há poucos soldados aqui. Esta não é uma nave de guerra. Repito: esta não é uma nave de guerra”. Afastada da trilha épica ou das costumeiras músicas oitentistas hiper-animadas, a abertura de Vingadores: Guerra Infinita (2018) pede por socorro. Mal sabíamos que, depois de 2h30 de exibição, nós é que iríamos implorar por socorro.

Lançada ao longo de 11 anos pela Marvel Studios, a “Saga do Infinito” é um conjunto de 23 filmes conectados (desconsiderando Viúva Negra [2021]). Nela, acompanhamos a formação dos Vingadores e seus encontros com as joias do infinito, que culminam em Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato (2019), ambos dirigidos pelos Irmãos Russo, em que os heróis enfrentam sua maior ameaça: Thanos, o titã louco. 

Devido a toda sua estruturação através da década, havia muitas promessas em torno do longa, das expectativas dos fãs ao marketing. O evento do ano não poderia ser só mais um filme de herói, ele deveria ser um divisor de águas; e, de fato, conseguiu elevar o subgênero, sustentando-se como uma obra singular e que ressoa além de aplausos e gritos na sala de cinema. Muito se deve às batalhas criativas e icônicas em Titã, o planeta de Thanos, e à grande catarse de Thor (Chris Hemsworth) nas terras de Wakanda. No entanto, o que garante o mergulho ao épico sideral é o protagonista, ou melhor, vilão.

O que faz Guerra Infinita continuar tão especial, depois de meia década, é a forma como o filme brinca com a “tragédia-catarse-tragédia”, partindo da sua abertura para firmar o que está em jogo no mundo dos super-heróis e o motivo pelo qual, desta vez, o confronto é diferente. Quando um vilão é apresentado ao público, é importante que ele cause algum sentimento: raiva, ódio, nojo e, às vezes, até simpatia – o que não pode acontecer é o espectador ficar apático. Ainda mais quando o antagonista é o maior do universo, com sua mitologia construída ao longo de 10 anos. Thanos (Josh Brolin) deveria causar pânico, porém fez mais do que isso: tremeu todas as poltronas apenas na introdução.

Após o pedido de resgate, é revelado que parte da população de Asgard morreu, Thor está nas mãos do rival (literalmente) e os seguidores de Thanos cultivam-o como um deus (é interessante como a direção prefere filmar os corpos esparramados pelo chão enquanto Fauce de Ébano (Tom Vaughan-Lawlor) discursa; é uma forma do filme tomar sua posição no tabuleiro e apresentar a voracidade dos inimigos). Depois disso, o titã enfrenta Hulk (Mark Ruffalo) e, exatamente nesse trecho, se revela como o tal – Vingadores: Guerra Infinita prefere mostrar ao invés de falar, assim, o público teme Thanos por seus atos e não pelo que falam deles.

Thor não demonstrava ter o poder digno de um deus, e só foi assumir a persona em Thor: Ragnarok (2017), quando, ao perder seu martelo, mostrou que seu poder era bem maior do que todos imaginávamos, além de toda construção do embate final, que corrobora com a máxima ao som de Immigrant Song. Junto a ele, Hulk se destaca entre os companheiros de equipe. Ao contrário do príncipe asgardiano, o Gigante Esmeralda possui feitos grandes em sua trajetória no MCU: a entrada triunfal em Vingadores (2012), que precisou criar um leviatã para ser um desafio ao tamanho do herói; o surto e embate em Vingadores: Era de Ultron (2015); e até seu primeiro filme, de 2008. Definindo e unindo os pilares de poder do universo, quem poderia se opor a eles?

Em menos de cinco minutos de filme, Thanos derruba Hulk facilmente. Embora tenha a joia do poder em mãos, ele não a usa para lutar contra o Verdão. Thor, já debilitado, é preso por um feitiço de Ébano e não consegue se mover. Heimdall (Idris Elba) é morto apunhalado por uma lâmina. De cara, dois vingadores mais fortes não possuem chance alguma contra os invasores, e um guerreiro asgardiano poderoso morre sem mais nem menos. 

É importante lembrar que existem raras exceções em que a Marvel mata seus personagens – como Yondu (Michael Rooker), em Guardiões da Galáxia Vol. 2 (2017) -, então ninguém esperava essa ousadia. Loki (Tom Hiddleston), amado pelo público desde sua primeira aparição em Thor (2011), foi um dos grandes acertos do estúdio em sua primeira fase, colocando o ator britânico como vilão da primeira reunião da equipe e encantando o público com seu carisma. No terceiro filme do Deus do trovão, Loki teve um arco de redenção, salvou Asgard, fez as pazes com o irmão e o reconheceu como o rei. Neste ponto da história, era mais do que esperado o encontro do feiticeiro com os Vingadores, lutando lado a lado. 

O que ninguém previa é que nem a esperançosa história de Loki sobreviveria ao rastro de sangue de Thanos: o herdeiro de Jotunheim é enforcado de forma cruel – não só para os padrões da Marvel -, com direito ao som de seu pescoço quebrando. “Desta vez sem ressurreições”, adverte o grande vilão da saga. Trata-se do filme avisando que, embora Loki tenha “morrido outras duas vezes”, desta vez é definitivo. Deixando um saldo de mortes importantes dentro do MCU, com números altos, a abertura de Guerra Infinita crava o destino de uma saga em seus dez minutos iniciais.

Diferente de outros blockbusters, que colocam o fanservice acima do roteiro, o terceiro filme dos mais poderosos da Terra usa (e não usa) do recurso para desenvolver os arcos das personagens. A história de Thor é trágica, pois todos de sua família morreram, seu companheiro de guerra, o martelo Mjölnir  é despedaçado, ele perde um olho, descobre que a meia-irmã é uma déspota e que seu pai é um genocida. 

No meio de tantas perdas, há uma única coisa que pode ser trazida de volta: uma arma. O asgardiano atravessa o espaço sideral em missão suicida para aquecer o coração de uma estrela morta somente para ter uma arma que possa matar Thanos – o propósito honra o nome da equipe: Thor quer vingança. Mas, para além da revanche ou da venda de bonecos, essa é uma maneira do Deus do Trovão se conectar com o passado e ceifar o destino cruel que tanto o tirou, representado por Thanos, com o pouco que resta de suas lembranças. 

A catarse de Thor em Wakanda é divina porque recupera o fôlego do público e fecha as feridas do herói. Inconscientemente nos afeiçoamos a ele, e ver sua jornada com respaldo positivo é uma ascensão mútua. A excelente montagem de Jeffrey Ford e Matthew Schmidt, alternando os desafios do Trovão e de seus membros de equipe lutando na Terra, alimenta a chama para purificar o que apavora o público desde seu primeiro minuto.

Ver o Hulk dando a volta por cima, ganhando uma luta contra o Obsidiano do Sacrifício seria no mínimo recompensador, porém o alter ego Bruce Banner continua até o último minuto do filme, e o brutamontes não dá mais as caras, porque existe uma construção. Doutor Estranho (Benedict Cumberbatch) poderia usar a joia do tempo contra Thanos e criar fanservices dignos de uma página dupla de história em quadrinhos, mas a equipe criativa prefere guardar essa peça como parte de um plano maior para o endgame e, ao fazer isso, permite que o mago supremo demonstre os poderes que aprendeu durante os dois anos entre o seu filme solo e Guerra Infinita. 

São peças e fagulhas de desenvolvimento que enriquecem cada núcleo, que mais tarde irão se encontrar para (tentar) impedir o titã. É uma noção inteligente de saber quais brinquedos usar e como brincar, não uma grande máquina de apelo emotivo com referências da “edição 700 de X personagem”, mas de uma equipe criativa que se importa com a história que está contando (em especial Stephen McFeely e Christopher Markus, os roteiristas do longa). A abertura do ‘arrasa quarteirões’ mexe com os sentimentos do público, apresenta seu antagonista e fomenta desenvolvimentos para o resto da trama com maestria. Se não bastasse isso, ainda tem o cliffhanger : vilão vencendo no fim, virada na fórmula do MCU e grandiosas cenas catárticas. Sem dúvidas, cinco anos depois, é possível continuar afirmando que Vingadores: Guerra Infinita é uma das seis joias do infinito da Marvel.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

É até um pouco difícil acreditar que demorou mais de uma década para que a Marvel introduzisse uma personagem obcecada com seu próprio universo. Diferente de Kate Bishop (Hailee Steinfeld), que viveu o sonho de encontrar seu herói e assumir seu manto em Gavião Arqueiro, Kamala Khan (Iman Vellani) precisa aprender a se virar sem a ajuda de nenhum dos Vingadores que passou a vida admirando, nem mesmo de seu ídolo, Carol Danvers. Mas isso não significa que Ms. Marvel esteja sozinha, já que seus verdadeiros super-poderes são a família e a comunidade.

Enquanto Cavaleiro da Lua tentou fazer de conta que se passava em uma realidade separada do MCU (616 ou 199999?), a nova produção da Casa das Ideias dispensa qualquer negação de interconectividade. Kamala é por si só uma stan da Marvel, herdando dos quadrinhos não só a adoração, mas também a vontade de ser parte desse celebrado (e até mesmo cansado) cânone. Ao invés de escrever fanfictions, ela cria vídeos elaborados baseados nas histórias que nós já conhecemos e faz cosplays caseiros de sua super-heroína favorita. A série, desenvolvida por Bisha K. Ali (Loki, Sex Education), tem a difícil tarefa de traçar a origem da personagem juntamente com seu lugar no panteão de semideuses do qual ela agora faz parte.

Na transição de meios, Ms. Marvel preserva muito do charme original de sua primeira tiragem, escrita por G. Willow Wilson e ilustrada por Adrian Alphona, mas acaba tropeçando na hora de condensar sua narrativa no formato de seis capítulos que se tornou padrão no Disney+. A necessidade de encaixar rapidamente a personagem na sinopse de As Marvels (2023) prejudica o ritmo da narrativa, que faria bom uso de mais alguns episódios para desenvolver seus antagonistas e sua relação com Kamala, principalmente por conta do quão apegados ficamos ao carisma gigantado de Iman Vellani.

Não seria muito exagero dizer que Kamala Khan é o Peter Parker de sua geração. Criada em 2013, a personagem logo conquistou os leitores da editora não apenas por conta de sua pegada bem humorada e personagens cativantes, mas por refletir os problemas da geração Z através de suas aventuras heróicas, contadas pelo olhar da primeira heroína muçulmana do selo. Nas HQs, sua polimorfia reflete as inseguranças de uma adolescente que não se encaixa em nenhum lugar e que, inicialmente, permite que ela pegue emprestado a pele de um de seus maiores ícones: a Capitã Marvel. Com o tempo, no entanto, ela aprende a ser sua própria heroína e assume a alcunha da nova Ms. Marvel.

Também não seria tão exagerado assim dizer que Iman Vellani é a Kamala Khan de sua geração. O entusiasmo da atriz estreante é palpável não apenas nas cenas em que ela se empolga com a possibilidade de ser parente do Deus do Trovão, mas também em todas as entrevistas e aparições feitas para promover a série. Ela prova que simplesmente nasceu para interpretar a adolescente de origem paquistanesa, e se revela um dos maiores trunfos de casting da Marvel em mais de uma década. Carismática e com uma atuação sincera e vulnerável, Iman poderia carregar tranquilamente as quase seis horas de duração da série.

Mas, é muito bom que não precise fazer isso. As maiores qualidades da série interagem no elenco secundário de Ms. Marvel, formando um dos núcleos mais engajantes da Fase 4 do estúdio: Nova Jérsei. Pois é, entre todos os mundos abertos recentemente pela franquia, não há lugar no universo (ou no multiverso) mais interessante do que a comunidade muçulmana e o cotidiano da família Khan apresentados pela produção. Particularmente durante os primeiros episódios, dirigidos pelo duo Adil & Bilall (Bad Boys Para Sempre, Batgirl) e Meera Menon (For All Mankind), fica até difícil tirar os olhos da tela para não perder o estilo gráfico da obra, que puxa de Scott Pilgrim Contra o Mundo e Homem-Aranha no Aranhaverso as ferramentas para trazer os quadrinhos à vida de uma maneira que nunca vimos antes no MCU.

Demora pouco para que os Khan se tornem nossa família favorita do MCU: é muito fácil se identificar com os problemas geracionais que Kamala tem com sua mãe, Muneeba (Zenobia Shroff) e seu pai, Yusuf (Mohan Kapur), além do repertório fácil e gracejante com seu irmão mais velho, Aamir (Saagar Shaikh). O tom de sitcom permanece ao longo dos primeiros episódios, Generation Why e Crushed, intercalando a comédia com momentos sinceros e até mesmo cotidianos, entre as personagens que fundamentam relacionamentos e o espaço em que eles se dão. A trilha sonora da compositora Laura Karpman também executa um duplo trabalho, intercalando os sons urbanos de Nova Jérsei com faixas pop do continente asiático, encontrando sinergia na performance energética de Vellani.

Além da família de Kamala, também conhecemos seus melhores amigos Bruno (Matt Lintz) e Nakia (Yasmeen Fletcher). Os espaços que frequentam, pessoas que gostam, suas opiniões sobre o mundo, super-heróis e mais, contribuem para a criação de um dos cenários mais críveis da Marvel nos últimos anos, sendo por si só uma resposta às críticas feitas ao uso excessivo de tela verde nas produções do estúdio. A celebração dos Vingadores à lá Comic-Con que acontece ao final do primeiro episódio é um baú de referências,  rivalizando com o Vazio adentrado por Loki em Journey Into Mystery, e nos oferecendo, ainda, um vislumbre dos novos poderes de sua protagonista.

Seja pela contínua negação dos Inumanos no cânone do MCU, graças à desastrosa série de 2017, ou para melhor ajustar a personagem ao seu futuro filme ao lado de Brie Larson e Teyonah Parris, os poderes e a origem de Kamala mudam drasticamente na série, às vezes para bem e outras para mal. Ao invés de serem um reflexo dos conflitos internos da protagonista, eles agora fazem parte do mistério que ela tem de desvendar sobre si mesma. Embora adaptações sejam necessárias para trazer super-heróis das páginas para as telas e poderes de polimorfia em especial sejam complicados de se replicar no audiovisual (veja, por exemplo, qualquer filme do Quarteto Fantástico), havemos de nos questionar se tais mudanças seriam plausíveis para personagens de maior peso que precisam de muitos efeitos especiais: aceitaríamos um Homem-Aranha que não solta teias? Um Thor que não invoca trovões?

Além de estética, a mudança nos poderes da Ms. Marvel informa a direção da trama e como se diferencia das HQs, interligando sua jornada de autoconhecimento e aceitação com a busca pelo passado perdido da própria família para curar os traumas que persistem nas gerações de Khans. No terceiro episódio, Destined, Kamala toma conhecimento dos Clandestinos, seres extradimensionais buscando por uma maneira de voltar para casa, e de quebra descobre ser descendente deles. Embora a associação aos djinn do folclóre pré-islâmico seja por si só problemática devido à repetição de estereótipos orientalistas, a introdução do grupo evidencia o tema central da série e o paralelo com a assimilação cultural de famílias imigrantes.

Nos próximos capítulos, Seeing Red e Time and Again, viajamos junto de Kamala e sua mãe até o Paquistão, onde conhecemos Sana (Samina Ahmed), mãe de Muneeba e nomeada em homenagem à editora Sana Amanat, co-criadora da personagem, que também serve de produtora executiva do seriado. Dirigidos por Sharmeen Obaid-Chinoy, diretora paquistanesa conhecida por seu trabalho em produções documentais, esses episódios são parte vital da narrativa, pois fazem a ponte entre os dois mundos de Kamala, mas acabaram espremidos na duração cada vez mais limitante de episódios.

Justo quando estamos nos acostumando com o cenário suburbano de Nova Jérsei e a comunidade que cerca a jovem aspirante à heroína, somos jogados em um avião para Karachi, lar da outra metade de sua família. Lá, Ms. Marvel se debruça mais fortemente na procura da identidade cultural e nos traumas coloniais que persistem sobre os habitantes do sul asiático. Além de uma chocante recriação da Partição da Índia, também acompanhamos diversos diálogos iluminantes e dolorosos entre as três gerações de mulheres da família Khan.

Nos quadrinhos, o retorno da jovem ao país de origem de seus antepassados representa um período de introspecção após os eventos traumáticos da segunda Guerra Civil entre os heróis da editora. A transição no seriado ocorre de maneira mais mecânica e truncada, servindo primeiro como exposição à trama dos braceletes misteriosos que acordam os poderes da heroína do que aos conflitos e dúvidas internas da personagem. Enquanto em uma das narrativas a peregrinação ensina à Kamala que o lugar onde está não resolve os problemas, na outra ela descobre propósito.

Em uma série recheada de aspectos da cultura muçulmana da Ásia Meridional e detalhes, grandes ou pequenos, meticulosamente retratados, a recriação da Partição no penúltimo capítulo é, talvez, o mais ambicioso deles. Com um retrato visceral de um evento histórico pouco discutido no Ocidente, testemunhamos junto de Kamala o caos generalizado e os traumas decorrentes do fim do domínio colonial na Índia. Também acompanhamos a breve, mas tocante, história de amor entre Aisha e Hasan (interpretados respectivamente por Mehwish Hayat e Fawad Khan, astros de Bollywood), que termina tragicamente quando Najma (Nimra Bucha) aparece para reaver o bracelete. Enquanto desfalece, Aisha encara sua futura bisneta e repete o mesmo mantra gravado no artefato: “O que você procura, procura você”.

É nessa ponte tão instável entre passado e futuro que Ms. Marvel encontra sua razão de existir, dando à sua protagonista as ferramentas para remendar não só o tecido da realidade, mas também os rasgos entre mães e filhas. A sequência de episódios falha em desenvolver as motivações de seus antagonistas para além do básico, terminando abruptamente numa deixa apressada ao final da temporada. Apesar de vital para os temas desenvolvidos pela série, a viagem até Karachi é curta e objetiva demais para que nós nos apeguemos aos seus novos personagens, por mais que a ligação deles com a jornada de Kamala seja significativa.

Com a volta de Adil & Bilall na direção, o último episódio (intitulado No Normal, em homenagem ao primeiro volume das HQs que a inspiraram) retorna à Nova Jérsei para resolver as tensões entre Kamala e Kamran, o último dos Clandestinos na Terra e recipiente de poderes luminosos semelhantes aos da heroína. A dupla de diretores volta para retomar as melhores qualidades de Ms. Marvel em um capítulo explosivo que aponta seu olhar para a experiência imigrante na América, e joga os punhos gigantados de Kamala nas armas do Departamento de Controle de Danos, a agência obscura introduzida em Homem-Aranha: De Volta ao Lar, dedicada à conter as atividades dos super-heróis que pipocam pelos EUA. Não é uma analogia particularmente sutil ao tratamento do governo americano para com as comunidades muçulmanas, mas também não precisa ser, considerando a cruel realidade que a série busca retratar. Se a América não passa de uma caricatura vilanesca de si mesma, o que resta para a arte senão responder à altura?

É muito bom que a finale de Ms. Marvel não seja definido nem pelo visual de seus poderes ou sobre qualquer rótulo aplicado à sua origem, mas sim pelas verdadeiras qualidades que a produção emplacou: o carisma de Iman Vellani e a relação de Kamala com sua comunidade, amigos e até inimigos. A emoção de vê-la usando o icônico uniforme ou recebendo sua alcunha super-heróica não vem apenas de referências aos quadrinhos, mas de uma significação estabelecida na própria série. O que seria rotineiro é transformado em algo mais ao sabermos que aquelas roupas foram costuradas por sua mãe, que o significado de sua identidade secreta vai além de uma simples referência à sua super-heroína favorita.

Ao final do dia, Ms. Marvel é, assim como as histórias em quadrinhos que a inspiraram, a lenda de uma garota comum de Nova Jérsei descobrindo o próprio heroísmo e o lugar a que pertence. Mais do que tudo, é uma história sobre como o verdadeiro significado de comunidade está ao nosso redor: nas pessoas que amamos e protegemos, nos sacrifícios que somos obrigados a fazer pelo futuro, e os mantos que escolhemos usar para sermos nós mesmos. O que você busca está te buscando é a inscrição que adorna o bracelete de Kamala – um foreshadowing tanto da viagem no tempo, que possibilita que ela salve sua avó, quanto dos temas centrais da produção.

Está mais do que na hora de Kevin Feige e a Marvel Studios aprenderem a fazer televisão ao invés de filmes divididos em seis ou nove partes. Pela própria natureza contínua e interconectada do MCU, o número reduzido de episódios, geralmente associado a minisséries, representa um impedimento ao invés de uma vantagem. Somos introduzidos a personagens fascinantes e narrativas com muito potencial apenas para nos despedirmos após algumas semanas, sem saber quando iremos revê-los. Com o anúncio da volta de Charlie Cox no papel de Matt Murdock para um revival de Demolidor com 18 episódios, tomara que as futuras produções do estúdio voltadas para o streaming passem a ter espaço para deixar público e personagens respirando de vez em quando.

Uma das mais famosas frases associadas com a personagem de Kamala Khan vêm de Ms. Marvel #5 (2014). Enquanto monta seu icônico traje, ela recorda o pilar central de todos os quadrinhos: “Bom não é algo que se é. É algo que se faz”. Na série, o ditado vem do imã da mesquita que a família Khan frequenta, Sheikh Abdullah (Laith Nakli), durante uma breve conversa com Kamala, na qual ele a aconselha a olhar não para aqueles que duvidam da nova super-heroína de Jérsei, mas sim no bem que foi capaz de fazer e naqueles que salvou. Em seus melhores momentos, Ms. Marvel usa esse conselho como guia, nos fazendo vibrar pela mais nova estrela do MCU e por tudo aquilo que a rodeia.

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Júlia Paes de Arruda

Ainda que as expectativas fossem altas, Cavaleiro da Lua não parecia ser algo próspero no primeiro momento. Comparado a outras obras do catálogo, a mais recente série do Disney+ seria mais uma com pouco potencial atrativo ao olhar – especialmente por ser a primeira produção da Marvel depois do épico Homem-Aranha: Sem Volta para Casa. Entretanto, figurinos belíssimos, atuações incríveis e cenários mágicos propiciaram que o roteiro de Jeremy Slater se tornasse uma das obras mais fascinantes do estúdio.

Lançada no final de março, Moon Knight foge do padrão de outras produções de Kevin Feige. Em momento algum, o blip é mencionado, deixando de lado todo o enredo da cansativa linha temporal dos heróis mais poderosos do mundo. Aliás, estar longe deste universo possibilitou maior liberdade criativa à série, já que, depois da mitologia nórdica e greco-romana, chegou a vez do MCU explorar as divindades egípcias. A direção de Mohamed Diab, nascido em Ismaília, no Egito, foi fundamental para que o resultado não caísse nos estereótipos da sua cultura, caracterizando cenários e costumes autênticos.  

Adaptando os quadrinhos de mesmo nome, Moon Knight nos apresenta, a princípio, o protagonista Steven Grant. Diferentemente das HQs, Steven é um funcionário do museu de Londres, trabalhando veementemente para se destacar na seção egípcia. Atrapalhado e inseguro, ele não possui a pose de um herói como conhecemos. Nos primeiros episódios, tudo se mostra confuso e tedioso, bem como o comportamento de seu ilustre personagem. Com o desenrolar da narrativa, seu amadurecimento é impressionante, tornando-se uma personalidade cada vez mais admirável e querida.

É óbvio que nada disso poderia acontecer sem a atuação exemplar de Oscar Isaac (X-Men: Apocalipse e Star Wars: O Despertar da Força). O guatemalteco encarna com muito fôlego seu papel, o qual possui transtorno dissociativo de personalidade. Assim, somos muito bem servidos com um Steven Grant e um Marc Spector impecáveis. Marc é o oposto de Steven: sendo um ex-mercenário, ele é meticuloso, calculista e extremamente frio. Gestos, expressões e até mesmo os sotaques entre os avatares do deus Khonshu transitam nas cenas com muita naturalidade, como se realmente estivéssemos cara a cara com dois atores de performances diferentes. 

A atuação de Ethan Hawke também não é desmerecida. O ator, que debutou sua entrada no MCU interpretando Arthur Harrow, já foi indicado quatro vezes ao Oscar, sendo duas vezes como roteirista na categoria de Melhor Roteiro Adaptado por Antes do Pôr-do-Sol (2004) e Antes da Meia-Noite (2013). Em Cavaleiro da Lua, Hawke constrói um personagem de muitas camadas, líder de um culto fervorosamente devoto à deusa Ammit. Por não haver um vilão específico nos quadrinhos, incorporou-se aspectos de outros antagonistas que também possuíam aspirações morais realistas, como foi o caso de Killmonger e o próprio Thanos. Sendo assim, ele consegue cativar o público do início ao fim, passando cada nuance com maestria.  

Não dá para deixar de mencionar a magnífica evolução de Layla El-Faouly, interpretada por May Calamawy. A atriz, de ascendência egípcia e palestina, concebe uma figura fascinante, largando seu status simplista de esposa do Marc para a primeira heroína de origem árabe do universo da Marvel. Fora de seu belíssimo traje, Layla é destemida e inteligente, não deixando de transparecer suas emoções e de medir esforços para lutar por seus objetivos – originando o pacote completo para um avatar de um deus.

O grande pecado de Cavaleiro da Lua, além de ter sido ofuscada por outras novidades da Marvel, é tentar incorporar uma história de longas horas, em poucos minutos. Quando o ápice acontece, no quinto episódio, O Manicômio, o enredo se encerra com lutas rápidas e insatisfatórias, que poderiam facilmente ser melhor equilibradas com uma extensão de capítulos. Além disso, não foi uma boa ideia soltar o final do seriado no mesmo dia do tão esperado lançamento de Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, encobrindo o desempenho da produção com o público. 

Na verdade, o CGI de Cavaleiro da Lua também é um grande elefante (ou hipopótamo) na sala. Enquanto temos uma elegante performance do cineasta egípcio Karim El Hakim como Khonshu (acompanhado da brilhante dublagem de F. Murray Abraham), a definição de Ammit acaba se tornando cômica. Ainda que a cena de seu despertar seja atraente, não faltou comparações com nossa Cuca nas redes sociais. Esse assunto ficou ainda mais evidente depois do lançamento do trailer de She-Hulk, em que a Marvel sofreu diversas críticas a sua computação gráfica, comparando a super heroína com outra personagem verde icônica. 

Apesar disso, não há como negar que a fotografia do seriado seja deslumbrante. No terceiro episódio, O Tipo Amigável, Khonshu – considerado o protetor dos viajantes noturnos -, surge com um mapa estelar incrível para guiar seu avatar. O diretor responsável, Gregory Middleton, cria uma paisagem magnífica, incorporando tons de roxo e azul, que possivelmente só seriam vistos em um cenário ideal de observação astronômica. Esse capítulo acaba sendo um dos melhores de Cavaleiro da Lua apenas por essa cena que, pessoalmente, é uma das mais lindas que o estúdio já nos apresentou.

Mesmo com certas ressalvas, Cavaleiro da Lua é uma das séries originais do Disney+ mais bem estruturadas e instigantes. Com um enredo primoroso e muito bem alimentado, não há dúvidas que a obra trouxe um toque de elegância no extenso cardápio do universo Marvel. Ainda que não haja indícios – até o momento – de ligação de Marc Spector e Steven Grant (ou, quem sabe, Jake Lockley) com o MCU, os poucos episódios valem “a luz que banha a noite e faz o sol adormecer”. 

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Vitória Lopes Gomez

Mais de uma década depois de sua primeira aparição no Universo Cinematográfico da Marvel, e ao som de Smells Like Teen Spirit, finalmente vemos Natasha Romanoff virar a Viúva Negra. Nos 11 anos desde a estreia da personagem em Homem de Ferro 2, o estúdio não aproveitou o que tinha em mãos e renegou a assassina de aluguel à coadjuvante, mas deu mais tempo (e motivo) para que a injustiçada conquistasse o público. Com a pandemia e o fechamento das salas de cinema, a enrolação da empresa adicionou mais 14 meses à espera até inevitavelmente ceder ao Disney+. Antes tarde do que nunca, Viúva Negra ainda é pouco para a despedida que a Vingadora merece.

O longa começa onde Capitão América: Guerra Civil parou: procurada internacionalmente por violar o Tratado de Sokovia, Natasha (Scarlett Johansson) está foragida, assim como os outros heróis do Team Cap. Ela até tenta se manter fora do radar, mas quando uma maleta com frascos misteriosos chega em suas mãos – e vem acompanhada de um vilão à la Soldado Invernal para recuperá-la -, ela se vê obrigada a reencontrar a irmã, Yelena (Florence Pugh), e confrontar os traumas do seu passado.

De cara, o prólogo já anima e nos joga na história onde queremos estar. A reviravolta na calma e agradável infância de Natasha (aqui, Ever Anderson) e sua irmã mais nova manda as duas de volta à Rússia, direto ao treinamento para virarem agentes secretas. Embalados por uma releitura que amplifica a mensagem do clássico da Nirvana, os perturbadores créditos iniciais são angustiantes ao saltarem da até então domesticidade para a crueldade da organização que fabrica as Viúvas Negras.

Em pouco tempo, a atmosfera tensa e sinistra que o passado da Vingadora evoca já está mais do que justificada e dá o tom ideal para Viúva Negra – só que não o segue. Corta para o presente (que é passado, na linha do tempo do MCU) e logo cai a ficha: 21 anos se foram em 15 minutos e já assistimos Natasha passar pela traumática preparação e virar a Viúva Negra que conhecemos. Se a Marvel demorou quase uma década só para acreditar que a personagem de Scarlett Johansson se sustentaria em um filme solo, talvez fosse pedir demais que a história de vida completa da agente seja destrinchada como merece.

Com o devido reconhecimento, toda a trajetória de Natasha renderia produções mais do que interessantes, seja em longas no cinema ou em séries no streaming. Infelizmente – e não só pela demora da empresa -, as migalhas do passado em Viúva Negra destroem as chances de a testemunharmos jovem, em treinamento e até tentando escapar da organização. Ainda que as agentes possam – e mereçam – produções inteiramente dedicadas a elas, a descrença da Marvel e o roteiro no tempo errado dão um ultimato para Natasha Romanoff.

Depois de sonhar alto, é melhor aceitar a desilusão e abraçar o que as duas horas seguintes de Viúva Negra têm a oferecer – afinal, essa é a despedida da Vingadora. O passado ficou para trás, mas a encomenda enviada por Yelena força a espiã a viajar a Budapeste e confrontar partes dele. Depois de anos separadas, o reencontro com a irmã mais nova é eletrizante e vai das lutas e cenas de ação aos papos emocionais com direito a drink em família.

Como Natasha descobre, ela não conseguiu matar Dreykov (Ray Winstone), o diretor do programa que treina as Viúvas, e ele continuou capturando meninas inocentes para servirem a seu dispor. Na iniciação, a tortura a qual submetia as recrutadas não era só psicológica e física, mas ele também as manipulava quimicamente para garantir sua influência. Então, Yelena, que também foi forçada ao treinamento e virou uma das maiores assassinas da organização, recorre a Natasha: os frascos enviados contém o antídoto para a subjugação química e, nas mãos certas, podem libertar as Viúvas do domínio de Dreykov.

Se a atuação já conhecida de Scarlett Johansson sempre sabe medir entre a frieza e a vulnerabilidade, a personagem de Florence Pugh se destaca. Yelena Belova é tão durona quanto a irmã mais velha, mas descontraída, teimosa e divertida, não demora para roubar a cena. Entre implicâncias e confidências, as duas são a dupla perfeita: atormentadas pelos traumas em comum e acostumadas a estarem por conta própria, encontram uma na outra momentos de fragilidade e apoio necessário para baixarem a guarda.

As irmãs, até há pouco vítimas das torturas da organização, se unem para colocar fim na manipulação de Dreykov, mas precisam de ajuda para encontrá-lo. Assim, Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), os agentes que haviam sido designados ao disfarce de pai e mãe das protagonistas, entram em jogo. A família disfuncional está reunida novamente.

Mesmo perdendo a mão em alguns momentos, como nas irritantes tentativas de tornar o Guardião Vermelho o alívio cômico, nos exagerados ‘Casos de Família’ ou nos batidos estereótipos russos, o roteiro de Eric Pearson, Ned Benson e Jac Schaeffer sabe como chegar onde quer. Quando somado à direção magnética de Cate Shortland, as interações entre personagens viram o grande destaque e, misturadas às tensas sequências de ação, criam a vibe certa para a condução da história. 

O primeiro e segundo ato envolventes, no melhor estilo filme de espião, indicam uma conclusão espetacularmente sombria – finalmente veremos a Sala Vermelha por completa! -, mas Viúva Negra não escapa da fórmula Marvel. Todo o potencial drama e suspense ao adentrarmos o centro de treinamento, assim como o plot twist com o vilão do filme, são desperdiçados com as cenas de ação espalhafatosas. Os embates em plena queda livre com aeronaves explodindo e um grande sacrifício ainda perdem para a luta inicial de Natasha e Yelena na cozinha.

Quando, finalmente, cara a cara com Dreykov, era de se esperar que os abusos sofridos pelas agentes recebessem a atenção que o tema pede. Se as protagonistas só embarcaram na missão para libertar as Viúvas, que sofrem com o mesmo que as duas sofreram na infância e ainda carregam os traumas consigo, a motivação é ofuscada pela porradaria e a sensibilidade resume o assunto a um subtexto de uma narrativa maior. A abordagem de um dos temas mais importantes acaba superficial frente ao que poderia ser, mas as espiãs continuam espalhadas e infiltradas por aí e a Marvel ainda pode fazer jus a elas.

Falando em fazer jus, em tempos em que até uniformes confortáveis e apropriados para lutas são alvo de reclamações, ainda temos que destacar a importância das mulheres contarem suas próprias histórias. Anos atrás, a intérprete da Viúva Negra só queria que a personagem fosse retratada devidamente, sem ser objetificada ou sexualizada para a apreciação do público masculino. Em Black Widow, com o protagonismo feminino à frente e por trás das câmeras, a visão de Scarlett Johansson se concretizou: olhando em retrospecto à primeira aparição de Natasha no MCU, seu filme solo arranca um suspiro de alívio.

Apesar de tudo e mesmo com as limitações que o futuro impõe – a Guerra Infinita já passou, Thanos e a rixa dos Vingadores também -, Viúva Negra não aproveita a liberdade que uma produção deslocada e isolada confere. As revelações do passado, das origens e das relações da agente são menores do que gostaríamos, mas nos aproximam da Vingadora. 

Ao final, o filme solo de Natasha é envolvente e afetuoso ao enriquecer a personagem, que é bem mais do que a assassina treinada a qual fomos introduzidos. Ainda que a despedida não tenha chegado nem perto do que ela merecia, Natasha Romanoff é mais querida depois de Viúva Negra.

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