Dando sequência ao novo formato do querido Nota Musical, a Editoria do Persona se reúne novamente para trazer suas impressões sobre os mais empolgantes – e outros nem tanto – lançamentos do mês. Despedindo-se do último palíndromo (22/02/2022) da década, Fevereiro foi uma montanha-russa de sentimentos. Em curtos 28 dias suando de calor, chegamos até a assistir de longe uma guerra ser declarada. No dia 23 de fevereiro, o mundo também deu adeus à Paulinha Abelha, vocalista da banda de forró tecnobrega Calcinha Preta. Presente no ambiente da Música nacional desde 1996, o ritmo sônico do grupo ecoa pelos mais diversos sons brasileiros.

Enfim, iniciando, de fato, a apuração dos personers sobre a Música na segunda edição do Nota Musical de 2022, fevereiro foi a vez dos namorados. Com a celebração do Valentine’s Day em boa parte do mundo, o amor foi destaque nos lançamentos do mês. E apesar de, em terras tupiniquins, o dia ser comemorado somente em 12 de julho, nunca é cedo demais para celebrar um sentimento que torna as coisas tão mais lindas, assunto que Andrea Bocelli entende bem. Na data, o tenor italiano reuniu suas canções mais apaixonadas na coletânea Andrea Bocelli: Mis Canciones de Amor, implorando por beijos quentes e se derramando na pieguice conhecida de Can’t Help Falling In Love.

Lucy Dacus, por sua vez, lançou Kissing Lessons, um single nostálgico que contempla a memória das primeiras paixões. Com sua composição confessional característica, a experiência é novamente cinematográfica – por entre os riffs de uma guitarra enérgica, dança uma pré-adolescente dentro de um quarto espalhafatoso cheio de Polaroids, enquanto mata tempo com um Gameboy prateado. Ainda explorando a fragilidade dos estágios iniciais de um relacionamento, Especially You antecipa em clima despretensioso o álbum I Don’t Want To Talk da banda Wallows, previsto para março. Já no fantasioso Beach Boy, BENEE canta sobre estar feliz só, mas ainda assim querer um namorado vampiresco à la Edward Cullen para ela.

Mas nem só de romance se fez fevereiro. Como inimiga dos relacionamentos amorosos, a eterna princesa do pop rock gritou: Love Sux! No sétimo álbum da carreira, Avril Lavigne se diverte, apesar de soar repetitiva entre as faixas. Após 10 anos, para a veterana, o amor continua sendo um tema complicado. Nas efervescências da revival emo, Machine Gun Kelly comprova que se rendeu completamente à sonoridade pop punk. Ao lado de WILLOW e Travis Barker – último, colaborador assíduo no trabalho recente de ambos –, MGK abandona de vez sua raiz rap, entregando-se às meias rasgadas, piercing nos lábios e cintos com rebites em emo girl.

Até Ed Sheeran se deixou influenciar pela nostalgia emo com sua nova versão de Bad Habits. Junto da banda de screamo Bring Me The Horizon – que também lançou Moon Over The Castle –, a canção ganha sal na mistura entre o pop do cantor com o punk de BMTH. Contudo, não o suficiente para apagar o vexame da original, uma cópia genérica de After Hours que, pasmem, mesmo assim foi indicada ao Grammy. 

The Joker And The Queen, por outro lado, revela a essência da Música do britânico. Em parceria com a amiga de longa data, Taylor Swift, a faixa é mais um conto romântico musicado por ele. A produção instrumental se deleita em referências do pop oitentista, como Bee Gees e Elton John, acompanhado de um videoclipe curta-metragem que traz uma espécie de continuação do dueto Everything Has Changed, que integra Red, de Swift.

Seguindo, o mês também reuniu uma série de corações partidos. Dentre os sofridos pedaços trincados, está Joshua Bassett com Doppelgänger. Melhor trabalho de Bassett nos últimos meses, a faixa visita um lugar de incerteza e dúvida na vida amorosa do cantor, que admite não ter superado a pessoa amada, como havia prometido no passado. No videoclipe, ele contracena com Ciara Riley Wilson, jovem que compartilha uma semelhança notável com Olivia Rodrigo, famigerada ex de Bassett.

Completando o triângulo de cima, em Fast Times, Sabrina Carpenter fala sobre a velocidade com que as coisas acontecem na vida de quem tem 20 e poucos anos. A música mostra uma nova identidade de Sabrina, mais urbana e moderna, diferente da aura romântica que dominava suas canções anteriores. Já ROLE MODEL faz um pedido desesperado aos céus com if jesus saves, she’s my type, terceiro single de Rx, estreia que indica ser romântica em toda sua alma.

E vestida de um hábito branco, a galesa Cate Le Bon construiu Pompeii, seu sexto registro de estúdio, em meio à pandemia. Não surpreende, portanto, que o título remeta à cidade que, envolvida em lava e chamas, colapsou e ficou no passado. Entre os devaneios característicos de seu art pop refinado, Le Bon clama por salvação e por paz, e seja em Pompéia, no País de Gales, ou onde quer que você ouça, o chamado é poderoso: “Moderação/eu não posso tê-la/eu não a quero/Eu quero tocá-la”.

Envolvendo polêmicas conservadoras sobre o que pode ou não aparecer na TV, a segunda temporada de Euphoria chegou ao fim. Incomodando uma leva de internautas furiosos num debate esquentando com a parede acerca de furos de roteiro, imoralidade dos protagonistas fictícios ou, inclusive, da glamourização do uso de drogas na juventude, se teve algo que permaneceu, do início ao fim, irretocável, foi a maestria da trilha sonora da série. Revisitando clássicos de The Notorious B.I.G. até INXS, a música amplificou toda a dor na qual fomos testemunhas a cada domingo. Yeh I Fuckin’ Did It e I’m Tired, ambas canções originais de Euphoria, igualmente se elevaram.

Com a assinatura magistral de Labrinth, a primeira expressa a energia caótica da trama prestes a explodir numa composição lírica de rap. A segunda, que conta com os vocais de Zendaya numa estrutura gospel, é como um desabafo da protagonista. Ao lado dos adolescentes da HBO, Kim Petras é outra que entende de polêmica. Em seu Slut Pop, EP promocional da estrela em ascensão, as músicas são curtas e destrincham essa persona dominatrix e sexualmente ativa de Petras, enquanto não finaliza as faixas de seu próximo registro de estúdio.

Nem toda trilha sonora, entretanto, teve a mesma energia purgante de Euphoria. Trouble e Wait de Troye Sivan, por exemplo, são de veia pop calma, conversando com os temas sensíveis e expressivos do filme. As duas músicas, parcerias com Jay Som e Gordi, respectivamente, foram lançadas como promoção do novo longa do australiano, Three Months, integrando a trilha do filme.  Gozando da irreverência da mocidade, Isaac Dunbar quer tocar o terror em Bleach: ele quer queimar pontes, furar o nariz, descolorir o cabelo e irritar seus pais, mas calma, é tudo em nome do amor! ELIO também não está para brincadeiras em Read The Room. A cantora retorna com um som bem pop, mandando um certo alguém ler o ambiente e dar o fora dali, com direito a uma blipada estilo palavrão no horário nobre quando revela o nome do sujeito.

Desafiando os limites dos gêneros musicais, ROSALÍA aumenta as expectativas para a estreia de seu próximo álbum MOTOMAMI, que inclui a colaboração ilustre de Arca. Em SAOKO, a catalã entrega um Reggaeton sombrio refinado, com flertes do jazz e ainda do metal. Já CHICKEN TERIYAKI destaca a influência do rap sobre seu estilo sonoro, incluindo uma coreografia digna para se viralizar no TikTok. Dona da própria trend na rede social, Caroline Polachek não dá sinais de um novo disco, mas continua explorando seu pop atmosférico inigualável. No mais recente single, Billions, a produção veterana de Danny L Harle com Polachek se conduz através de sintetizadores carregados, vocais distorcidos e um coral angelical. O requinte estético também se reflete no clipe da composição, dirigida pela própria em conjunto com Matt Compson.

As colegas de Caroline, Charli XCX e Rina Sawayama, são outras figuras dinâmicas do pop internacional. Lançado alguns dias depois da chegada da música, o clipe de Beg For You evidencia o poder criativo e visual da dupla na direção de Nick Harwood. Abusando de cenários arenosos, dancinhas com coreografias e uma ventania sem tamanho, tudo é observado por um grupo andante e, é claro, uma figura de látex preto com ecos de coelho diabo. Poucos dias depois, chegou o remix assinado por A.G. Cook e VERNOM OF SEVENTEEN. Expandindo a duração da música para mais de 4 minutos, o rearranjo rítmico engrandece a parceria de Charli e Rina, provando que tudo que envolve XCX e A.G. Cook não apenas reluz como ouro, mas tem o mesmo valor dele.

Silk Sonic, ao contrário, peca ao trazer a fórmula monótona de sempre – a mesma bateria quebrada que inicia Love’s Train, os mesmos solos de guitarra oitentistas, os mesmos vocais e a mesma sofrência romântica melosa. Ao seu lado, andam Coldplay e Foxes, que parecem estar presos no tempo com Let Somebody Go e The Kick, respectivamente. Em seu terceiro álbum, Foxes conduz um pop eletrônico e dançante, repleto de referência dos anos 70-80, que simultaneamente remetem a era algodoada de Katy Perry nos anos 2010. Com apenas uma balada, ela está longe de ser um dos melhores momentos do disco.

E se voltar no tempo parece ser cientificamente impossível, Cher realiza o impraticável com o videoclipe de If I Could Turn Back Time, finalmente disponibilizado de forma oficial no YouTube, ganhando uma remasterização recorrente em obras audiovisuais mais antigas da lendária cantora. Mas se voltar no tempo fosse mesmo possível, talvez viveríamos tudo aquilo que um dia adiamos na vida pré-covid-19. No 12º álbum dos veteranos do indie rock Superchunk, Wild Loneliness, como o próprio título anuncia, fala sobre a solidão que nos dominou nos últimos dois anos de pandemia. Forçados a manter o distanciamento social, os integrantes da Superchunk gravaram em partes e, assim que terminaram, decidiram convidar alguns amigos e conhecidos para colaborar, incluindo participações especiais de Sharon Van Etten, Owen Pallett, Teenage Fanclub e Mike Mills, do R.E.M.

Give Me Your Shoulders (Pt. 1) é a primeira parte do segundo álbum da banda californiana de indie pop half•alive. Nele, o grupo afirma que “o tempo é sempre certeiro em consertar o que está errado”. Depois de dois anos de pandemia, nos resta acreditar. Deixando as angústias de lado, o oitavo disco do duo de dream pop Beach House, finalmente chega ao fim. Com 18 faixas e 84 minutos de duração, Victoria Legrand (vocais e sintetizadores) e Alex Scally (guitarra e sintetizadores) têm muito espaço para realizar experimentações. O foco do CD é a expansão e o excesso, flertando com o ambiente dos sonhos que a dupla já visitou em seus álbuns anteriores.

No segundo álbum, a artista de Cingapura yeule (ou Nat Ćmiel) versa sobre identidade e tecnologia, num art pop entendido como vanguardista, que usa muitos elementos de PC Music. Glitch Princess é sombrio, brilhante e caótico, por conta do contraste entre os temas de suas letras profundas, e a sua sonoridade eletrônica e aguda. Além disso, a tracklist conta com uma faixa de mais de 4 horas, mas que não perde o fio em momento nenhum.

Dando continuidade às figuras femininas no meio musical, após disponibilizar My Favorite Ghosts e Harder Than Hell, duas coleções de faixas já conhecidas pelos fãs, Florence + The Machine lança King, adereçando questões de sua feminilidade e seu papel como mulher na Música. A faixa é o retorno da inglesa, que anteriormente lançou o disco High As Hope (2018) e a faixa Call Me Cruella (2020). O clipe, sempre com ares medievais e uma sensação de cerimônia sagrada única de Welch, foi dirigido por Autumn de Wilde (Emma), enquanto a faixa tem dedo de Jack Antonoff na composição e na produção. Nessa semana, Florence anunciou seu novo registro, intitulado Dance Fever, para 13 de maio.

Como Florence, BANKS retorna com Holding Back, dando sequência aos trabalhos de 2021. Com data de lançamento marcada para 8 de abril, o anúncio do novo disco da artista veio junto da faixa, que tem a vibe parecida com as recentes Skinnydipped e The Devil. Sob o nome de Serpentina, o registro segue III, lançado em 2019. Agora, Sharon Van Etten apresenta Porta, primeiro grande lançamento solo da cantora desde o material entregue na colaboração bem-sucedida com Angel Olsen, Like I Used To. Resultado de uma crise de depressão séria da cantora em 2020, a nova canção busca exorcizar seus demônios.

Contudo, é inegável, o maior retorno foi o de Mitski com o esperadíssimo Laurel Hell. Na companhia de sua voz séria, o olhar da nipo-americana é certeiro e o som sempre único. O registro é especialmente amargo, mas não por isso menos atraente ou magistral, e seguindo a identidade meio pop, meio sintético, meio oitentista, Mitski reflete sobre a sua relação com a própria carreira musical, após um hiato de dois anos. Felizmente, ela voltou.

Em contrapartida, dentro de seus quartos, jovens artistas em ascensão cintilaram em fevereiro. Em seu segundo disco, Asha’s Awakening, Raveena incorpora instrumentos do sul da Ásia e canta em inglês e hindi, com influência do soul, jazz, R&B e rap. Conceitual, o álbum da artista estadunidense filha de imigrantes indianos usa a perspectiva de uma princesa punjabi, que reflete sobre amadurecimento e cultura moderna. Tudo é muito suave, atraente e solar, muito bem produzido, escrito e interpretado, incluindo faixas de transição, instrumentais e até meditação guiada.

Indicada na categoria Artista Revelação ao Grammy 2022, Arlo Parks dá sequência à estreia bem-sucedida de Collapsed in Sunbeams com o single Softly. Como os últimos registros da cantora inglesa, a composição confessional da canção explora os sentimentos mais íntimos da artista “sobre anseio, sobre o quão frágil você se sente nos últimos dias de um relacionamento, quando ainda está desesperadamente apaixonada”. A instrumentação segue a mesma linha do material entregue no álbum anterior.

Da mona lisa entediada de mxmtoon ao the lost ep da inconsistente carreira de Paris Jackson, muitos são os nomes que têm um caminho interessante a ser percorrido. No meio deles, porém, se destaca Nilüfer Yanya. A cada novo lançamento, a expectativa sobre PAINLESS, aguardado segundo álbum da artista, cresce. E dessa vez, foi a hora de anotherlife, uma composição conduzida por sintetizadores atmosféricos, percussão pulsante e pelo vocal caloroso da cantora inglesa, que ganha dimensão pelas camadas de vozes sobrepostas entre si.

Revisitando trabalhos passados, a dupla gêmea Tegan and Sara lança Still Jealous, uma coletânea que apresenta reinterpretações das faixas originais do álbum de estreia da carreira, So Jealous (2004). As novas versões foram regravadas acusticamente, deixando a sonoridade sintética das originais de lado. K.Flay com Inside Voices / Outside Voices, Tame Impala com The Slow Rush Remixes & B-Sides e Mdou Moctar com Afrique Victime (Deluxe Edition), são outros registros que rememoram produções passadas dos artistas, com releituras e faixas inéditas pontuais.

Ainda em fevereiro, vimos o retorno de Tears For Fears a partir do primeiro álbum da dupla em 17 anos. Como o título sugere, The Tipping Point reflete o ponto de virada que os dois integrantes – Curt Smith e Roland Orzabal – tiveram nos últimos tempos, e apresenta uma abordagem sonora diferente dos CDs clássicos do duo ao longo de suas 10 faixas. Muito da onda indie contemporânea se deve às canções de Tears For Fears dos anos 1980, cuja música Head Over Heels – do disco Songs From The Big Chair (1985) – integrou, inclusive, a trilha sonora do filme indie Donnie Darko (2001).

A volta do guitarrista John Frusciante foi marcada por Black Summer, single do novo álbum do Red Hot Chili Peppers, Unlimited Love. A faixa remete a fase de ouro dos Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (1991), Californication (1999), By The Way (2002) e Stadium Arcadium (2006) –, e, invariavelmente, dá protagonismo a Frusciante, que liga a distorção da guitarra no refrão e evoca um certo tipo de nostalgia, com dedilhados marcantes e os típicos backing vocals que o consolidaram como membro histórico do quarteto.

Até Liam Gallagher lançou Everything’s Electric, co-escrita pelo próprio e Dave Grohl – que também toca bateria na gravação –, e é a primeira canção divulgada para o próximo álbum solo do ex-vocalista do Oasis, intitulado C’MON YOU KNOW. O single é uma mistura declarada de Sabotage, do Beastie Boys, e Gimme Shelter, dos Rolling Stones, e remete, também, a She’s Electric, do Oasis.

Entre os experimentos musicais e projetos audiovisuais, Animal Collective atinge o clímax polifônico que há tempos vem ensaiando com o álbum Time Skiffs, no qual aborda a estranha passagem do tempo, e, invariavelmente, deixa em evidência sua dívida com Kid A (2000), do Radiohead. Sendo esse o 11º álbum do quarteto estadunidense – em atividade desde 2000 –, os ecos expansivos e texturas melódicas não soam exatamente inovadores, mas desenvolvem-se com características que tem um melhor acabamento. Evocando a autoconsciência do grupo ao lançar o disco em um momento no qual todos estão cientes das turbulências do mundo contemporâneo, o trabalho é uma mistura perfeita entre o onírico e o real.

Apesar de todo o estrondo que Black Country, New Road vem causado no indie rock, Ants From Up There é apenas o segundo disco do septeto londrino – ou melhor, sexteto: no dia 31 de janeiro, em comunicado oficial nas redes sociais da banda, foi divulgada a saída do vocalista Isaac Wood, devido a questões de saúde mental. Black Country, New Road soa como o Arcade Fire de Funeral (2004), cujo novo disco parece sinalizar para a importância dos sentimentos em detrimento da técnica – todavia, a técnica é algo que o grupo também domina. Basta ouvir a canção Snow Globes, um épico expansivo de mais de 9 minutos que antecede o fim do álbum, e dá total autonomia para a bateria, tocada fora do tempo propositalmente como se fizesse parte de um exercício de jam session.

Encerrando as novidades do indie rock de fevereiro, Bastille cria uma experiência única com o quarto álbum de estúdio da banda, Give Me The Future. Seguindo o conceito de tecnologia e futurismo, a banda aposta na sonoridade sintética, e em letras que abordam o escapismo, uma suposta liberdade de uma nova vida e a linha que separa a realidade da ficção. A graça maior é o compilado de referências a obras da cultura pop e da ficção científica, como Thelma e Louise, Blade Runner, De Volta Para o Futuro, 1984 e elementos dos livros de Aldous Huxley. O trio londrino alt-J igualmente dá à luz a um universo cinematográfico no aberto The Dream. Já para os fãs de Rex Orange County, só resta aguardar pelo lançamento do álbum WHO CARES?, previsto para março. Enquanto isso, o single AMAZING serve de consolo para os fãs, seguindo a sonoridade e os temas característicos do artista, como insegurança e amor.

Como nem tudo são flores na indústria da Música, algumas situações delicadas sempre vêm à tona no noticiário cultural. Dessa forma, quem parecia estar na corda bamba, em Fevereiro, era ninguém menos que Snoop Dogg. Recentemente acusado de agressão sexual e apostando com muita convicção no sucesso de NFTs, a lenda do rap pode enfrentar, mais cedo ou mais tarde, um período no mínimo complicado em sua carreira. Mas isso não tem impedido o artista de dar continuidade à sua extensa discografia, levando em consideração que, após adquirir a notória gravadora Death Row Records, Dogg entregou ao mundo o disco Bacc On Death Row (BODR), reunindo um número considerável de colaborações ao longo de 18 faixas. 

O veterano, aliás, também marcou presença em outro momento de destaque do mês. No dia 13, o tão aguardado Super Bowl Halftime Show ficou sob o comando de Dr. Dre, que dividiu o palco com amigos mais do que renomados do R&B e hip-hop norte-americanos. Entre Mary J. Blige, Kendrick Lamar, Eminem e uma participação surpresa de 50 Cent, é claro que não poderia faltar Snoop Dogg. Trazendo uma homenagem ao falecido, porém imortal 2Pac, o espetáculo contou ainda com uma tradução simultânea para a língua de sinais – que ficou a cargo dos rappers surdos Sean Forbes e Warren Snipe (WaWa) – e se encerrou com os 6 artistas no palco, cantando Still D.R.E..

Ainda no contexto de participações e parcerias, Nicki Minaj e Lil Baby chegaram em dose dupla com os singles Do We Have a Problem? e Bussin. Obtendo um destaque maior, a primeira canção foi quem anunciou o retorno de Onika – nome civil da cantora – ao universo musical, já que ela não trabalhava em produções inéditas desde o nascimento de seu filho; no entanto, as duas faixas são igualmente capazes de reaquecer a significativa carreira da diva do rap. Do mesmo modo, mas agora no Brasil, os rappers Emicida, Drik Barbosa e Matuê se juntaram na motivacional Sobe junto, música de divulgação de um reality show homônimo, cujo maior objetivo é descobrir novos talentos do rap nacional.    

A propósito, música-tema foi o que não faltou nos últimos lançamentos. Para a abertura da novela Além da Ilusão, Gaby Amarantos gravou sua versão de Tic Tac do Meu Coração, samba notável principalmente na voz de Carmen Miranda, mas também já registrado por outros nomes importantes da Música brasileira, como Ney Matogrosso e Nara Leão. Da mesma trilha sonora televisiva é Você Vai Ver, regravação de um dos maiores clássicos do sertanejo, que substitui, com muito respeito, as vozes de Zezé Di Camargo & Luciano pela sintonia de Maiara e Maraísa. Já Ivete Sangalo foi pura energia na sonoridade viciante de MISTÉRIO, música feita para o programa The Masked Singer Brasil, que tem Veveta como apresentadora e atualmente está na segunda temporada.

Seguindo uma linha semelhante, Megan Thee Stallion resolveu promover os novos produtos da Cheetos em parceria com a Doritos através do single Flamin’ Hottie, enquanto Doja Cat caía no rock de Celebrity Skin – cover da música originalmente lançada pela banda estadunidense Hole, cuja letra foi levemente reformulada para integrar uma campanha da rede de fast food Taco Bell. Além de aparecerem no Super Bowl, essas duas jogadas de marketing formam o gancho perfeito para falarmos da icônica Valesca Popozuda. Isso porque a funkeira carioca é a nova garota propaganda da cerveja A Outra, o que a levou a fortalecer essa parceria por meio de um single que recebe o mesmo nome da bebida.             

Igualmente em terras brasileiras, Marina Sena uniu-se ao grupo de produtores HITMAKER, assim como ao aplicativo Tinder, para lançar o single Foi Match. Com elementos do pop nacional, a música ainda trabalha com características do forró pizeiro, funk carioca e eletro funk. Já para quem gosta de games, a novidade vem de Nathy Peluso: em parceria com a PlayStation, a artista lançou o single EMERGENCIA, que é inspirado na personagem principal de Horizon Forbidden West – um dos maiores projetos da empresa para 2022 – e faz várias referências ao pop consagrado de Madonna. 

Outras telinhas, aliás, também renderam bons frutos. Encerrando os singles colaborativos derivados da série documental Onda Boa com Ivete, Ivete Sangalo mergulhou no romantismo cativante de Tudo Vai Dar Certo, colaboração com a talentosa e estreante Agnes Nunes, aventurando-se também pelo reggae de Salve Baby – música que resgata o sucesso Vamos Fugir, de Gilberto Gil, e oficializa uma nova parceria com a diva suprema IZA. No fim do mês, as duas faixas integraram o repertório do álbum homônimo, Onda Boa Com Ivete, sendo os mais novos destaques desse projeto musical que, de material inédito, guardava ainda uma canção com o cantor Mestrinho, além de três músicas solo.

Por falar em convidados especiais, Gloria Groove conseguiu agrupar de Marina Sena à dupla Tasha & Tracie em um dos discos mais aguardados da atualidade: o LADY LESTE. Sendo o segundo álbum de estúdio da drag queen brasileira, essa obra pode até pecar na coesão narrativa, mas representa o melhor dos muitos mundos desbravados por Gloria nos últimos anos. Reunindo ritmos, influências, músicas-chiclete e uma poderosa aura de vibração, LADY LESTE ainda combina com a vitalidade de outras divas brasileiras. Nesse contexto, e provando que rainhas também utilizam redes sociais, Valesca Popozuda invadiu de vez o TikTok no envolvente single Calma Calma, uma parceria inteligente firmada com o DJ 2F. 

No mesmo cenário, Lia Clark conseguiu retomar aquele jeito único de fazer funk em LIA (pt.1), primeira parte de seu próximo álbum de estúdio. Formado por sete faixas, o novo EP de Lia parece resgatar Clark Boom, trabalho de estreia da drag queen nacional, ao mesmo tempo em que soa como algo totalmente novo. Já Luísa Sonza e Ludmilla fechavam o DOCE 22 com CAFÉ DA MANHÃ ;P, última faixa inédita do álbum – que poderia obter maiores impactos caso pertencesse ao projeto desde o princípio. Lud, vale lembrar, botou a voz para jogo mais de uma vez no mês: em Fora de Si – Spotify Singles, a cantora elaborou a versão trap de uma faixa originalmente lançada no álbum Numanice #2. 

No entanto, nem todo artista brasileiro acumulou acertos durante os 28 dias de Fevereiro. Claudia Leitte, por exemplo, chegou com De Passagem, single que chama mais atenção por sua capa futurista do que pela música em si. Já PEDRO SAMPAIO buscou não se definir em apenas um gênero musical, reunindo beats de funk, piseiro, forró e até mesmo reggaeton no álbum de estreia CHAMA MEU NOME. Além de copiar descaradamente identidades visuais gringas, PEDRO se manteve preso aos piores modelos possíveis de músicas estilo TikTok, o que o afasta da pluralidade que, de fato, ele acredita promover. 

Aproveitando a menção ao reggaeton, quem também deu as caras nos lançamentos do mês foi J Balvin. Depois de lançar José, seu projeto mais recente e muito bem-sucedido de 2021, o artista colombiano assumiu uma identidade introspectiva e reflexiva em relação à própria história e carreira, dando origem ao single Niño Soñador. Além dele, quem também mergulhou em si mesma foi Mary J. Blige, anteriormente citada neste texto graças ao Super Bowl. Com seu 14º álbum de estúdio, Good Morning Gorgeous, a rainha do R&B aborda o outro lado do divórcio pelo qual passou em 2017 – e que já tinha sido retratado, sob uma perspectiva diferente, no álbum Strength Of A Woman.

Ainda na linha introvertida, Little Simz realizou uma performance emocionante no BRIT Awards 2022. Feita a partir de um medley das canções Introvert e Woman, o show também contou com uma transição surpresa estrelada – e narrada – por Emma Corrin, atriz que interpretou Lady Di em The Crown, cuja voz também foi emprestada para os interlúdios do álbum Sometimes I Might Be Introvert, de 2021. Na premiação, Simz foi agraciada com a estatueta na categoria Best New Artist.  

Falando em premiações, a indicada a Melhor Artista Revelação no Grammy 2020, Maggie Rogers, não desenvolveu nenhum álbum completo desde então, quando foi reconhecida por Heard It In A Past Life. Dessa maneira, a cantora segue remexendo seus baús, agora através da Mixtape 001: Dawn (EP). Dando continuidade ao folk com uma ponta de pop que a colocou sob os holofotes musicais do mundo, Rogers inicia um projeto que pode desembocar em seu novo disco, previsto para ser lançado ainda em 2022.

No country, por sua vez, o ícone queer Orville Peck chegou com o EP Bronco: Chapter 1, a primeira parte do disco Bronco, que deve ser disponibilizado na íntegra durante o mês de Abril. Já no Brasil, as surpresas campestres também garantiam um bom espaço. Dirigido por Sillas H, o mundo de AGROPOC retornou na forma do clipe de Bailão, com Gabeu dançando até cansar em um look vermelho e brilhante. A canção, que já era envolvente antes de receber um aparato visual, aumentou seu remelexo e implora para ser ouvida em uma festa com muita gente ao redor.

Dentro da comunidade LGBTQIA+, ainda podemos destacar Ivy Sole, com o lançamento do álbum Candid. Criade conforme as tradições cristãs do Sul da Filadélfia e identificando-se como pessoa queer e não-binárie, Ivy desenvolveu, nesse disco, uma narrativa que explora a autodescoberta, os estágios iniciais de um relacionamento, os singelos momentos de afeto e uma ânsia que nunca se realiza. Em contrapartida, se estamos falando de paixão, precisamos mencionar o queridinho fenômeno pop brasileiro Jão, que fez várias referências a filmes como Titanic, Homem-Aranha e O Segredo de Brokeback Mountain no clipe de Idiota, terceiro – e bem-sucedido – single do álbum PIRATA.   

Aliás, o Brasil resolveu renovar seu extenso acervo musical por meio de algumas reformulações. Ampliando um disco de remixes lançado originalmente em 2011, o ex-mutante Arnaldo Baptista surgiu com a coletânea To Burn or Not to Burn – Arnaldo Baptista Remixed by Petrified Betools – 2011-2022, enquanto IZA, com Sem Filtro (Remix), inovava o memorável single de 2021, que passa a contar agora com a voz do rapper Luccas Carlos – um dos compositores da canção. Na mesma tendência, Anitta se juntou a Justin Quiles em Envolver Remix, música que, por enquanto, não fez tanto sucesso quanto a versão original. 

De forma semelhante, mas no exterior, o findado duo de Música eletrônica Daft Punk lançou o EP Homework (25th Anniversary Edition), em comemoração aos 25 anos do álbum de estreia da dupla. O relançamento reúne 15 remixes do disco original, incluindo 9 faixas inéditas. Sob o mesmo clima festivo, a lenda do jazz, R&B e soul, Nina Simone, foi homenageada com uma coletânea de sucessos, versões ao vivo e remixes, intitulada Feeling Good: Her Greatest Hits And Remixes. 

Se, de um lado, vários lançamentos vieram de artistas certamente consagrados no mundo da Música, do outro, alguns nomes emergentes esbanjaram criatividade nos primeiros passos de uma discografia. A família de Gilberto Gil, por exemplo, provavelmente esteve em festa. Já no segundo dia do mês, o trio Gilsons – formado por um filho e dois netos da lenda viva da MPB – lançou o álbum de estreia Pra Gente Acordar, marcado por uma suavidade que percorre toda sua – breve, porém muito bela – tracklist.

No rap, essa realidade está inserida em DFTK, álbum de estreia do jovem Yung Kayo, protegido de Young Thug, que versa sobre ostentação de marcas poderosas e os locais que ele frequenta. Mateus Carrilho, por sua vez, abriu as portas para um vindouro álbum de estreia solo com o lançamento de FAZ FUMAÇA, single que nasceu turbulento, embora felizmente acompanhado de um videoclipe muito bonito e repleto de coreografia. Assim como ele, há outros artistas que estão no meio termo entre a efetiva consagração artística e a constante ascensão profissional.

Podemos começar falando de Rodrigo Alarcon, que depois de lançar a faixa Rivotril e a Fé, deu agora os próximos passos rumo a um novo disco de estúdio. A aposta do momento é o single Garota da Linha Azul, que faz uma homenagem explícita à cidade de São Paulo. Mais focado na MPB, e dando continuidade à trajetória do ainda inédito álbum Querubim, Madu lançou a música Chã das Caldeiras, com violão e arranjos assinados por Jean Charnaux. Por fim, quem também não para de crescer é a pernambucana DUDA BEAT, que, enquanto viajava com a turnê de Te Amo Lá Fora, quis lançar um novo single, Dar Uma Deitchada, às vésperas do carnaval. Ela chama a música de uma “brincadeira de verão” e explora um teor mais sensual, que promete ser trabalhado no seu futuro videoclipe.  

Como é possível perceber, o universo artístico feminino esteve a todo vapor durante mais um mês. Sendo parte dessa realidade, e tendo o objetivo de contar histórias reais de mulheres, para refletir sobre temas que cercam as experiências femininas, Jazmine Sullivan se aprofundou no conceito de Heaux Tales, Mo’ Tales: The Deluxe, uma versão que acrescenta 10 faixas ao disco original Heaux Tales – entre transições, formadas a partir de registros de conversas com amigas, que ela chama de “contos”, e as canções propriamente ditas. Enquanto isso, para estrear as músicas de Natureza, álbum gravado há 45 anos, mas ainda hoje inédito, Joyce Moreno disponibilizou a versão original da faixa Feminina, que se desenvolve em mais de 11 minutos.

Também em solo nacional, a cantora Amelinha, importante nome da Música Popular Brasileira, divulgou o belíssimo trabalho Todo Mundo Vai Saber. Gravado há cerca de dez anos, o novo disco da integrante do movimento Pessoal do Ceará reúne um material inédito e foi lançado pela notável gravadora Deck. Na sequência, e depois de um intervalo de nove anos, Simone resolveu retornar ao mercado fonográfico brasileiro com a faixa Haja Terapia – a sucessora do álbum É Melhor Ser. Já Maria Alcina, em parceria com Heitor D’Alincourt, agitou a folia de carnaval com O Rei Mandou e Extravagantes Celestes, singles marcados por bastante liberdade e alegria. As duas faixas, aliás, inauguram o período de comemoração aos 50 anos de carreira dessa artista incomparável. 

Por falar nas festas de Fevereiro, uma das melhores surpresas nacionais do mês foi motivada principalmente por esse período regado a confetes e serpentinas. Afinal, no EP SIM.ZÁS, Carlinhos Brown buscou novos ares para algumas de suas composições já conhecidas, mesclando, com talento único, carnaval e MPB. Já em comemoração aos vindouros 80 anos de Caetano Veloso, o projeto infantil Mundo Bita divulgou sua primeira colaboração com o artista baiano. Por meio de uma releitura do sucesso O Leãozinho, Caê transformou-se em ousada e fofa personagem de animação do clipe divulgado pela Rádio Bita.  

Curiosamente, a infância foi também objeto de estudo de trabalhos voltados para um público não infantil. De fato, estamos falando do rapper estadunidense Saba, que deu sequência ao disco CARE FOR ME, de 2018, desta vez explorando o próprio sucesso através de uma lente ainda consciente. Regressando com Few Good Things, o lirismo do artista de Chicago contrapõe, agora, a prosperidade de sua vida adulta com a pobreza de sua infância, marcada por violência e fome. Ao longo do terceiro álbum da carreira, que veio acompanhado de um curta-metragem, Saba se aproveitou de melodias despojadas, mas simultaneamente polidas, às vezes com reminiscências da bossa nova, jazz e neo-soul. 

Para finalizar esta edição do Nota Musical, os holofotes se voltam mais uma vez para nosso país. Regravando canções do passado, Erasmo Carlos construiu O Futuro Pertence À…Jovem Guarda, um disco em constante diálogo com sons da atualidade – o que não deve preocupar, no entanto, o público mais conservador, visto que não há ‘radicalismos’ no projeto. Escolhidos como nossa chave de ouro, e resgatando as facetas mais populares da Música brasileira, Márcia Tauil e Carlos Jansen apresentaram a divertida parceria Xote Chamegado, single que é pura delicadeza do início ao fim. Ufa! Haja fôlego para ouvir tantos lançamentos! 

Texto: Ayra Mori e Eduardo Rota Hilário

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Bruno Andrade, Raquel Dutra, Vitor Evangelista e Vitória Lopes Gomez

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Fevereiro se despediu de nós em clima de Carnaval e de expectativa pela nova versão do Cavaleiro das Trevas nos cinemas, desta vez estrelada pelo maravilhoso Robert Pattinson. Com a polêmica cerimônia do Oscar no horizonte e a disputa entre os longas cada vez mais acirrada, o entretenimento variou: de filmes de terror de qualidade duvidosa a mais séries adolescentes produzidas pela Netflix, passando pelos dramas intensos da HBO e novas obras dentro de franquias consagradas, mas sem esquecer dos trabalhos inéditos de cineastas conhecidos. No mês mais curto do ano, o segundo Cineclube de 2022 te convida a ficar por dentro do que rolou no mundo do entretenimento ao longo desses 28 dias. 

O mês começou movimentado com a aguardada lista de nomeações do Oscar 2022. Lá, as surpresas vieram com a omissão de Lady Gaga na disputa de Melhor Atriz, que viu o surgimento de Kristen Stewart e Penélope Cruz ao lado das já consolidadas Chastain, Colman e Kidman. Em Direção, Denis Villeneuve ficou de fora (mesmo Duna angariando dois dígitos de menções), e Ryūsuke Hamaguchi apareceu. Seu filme, Drive My Car, foi reconhecido pelo trabalho de direção, roteiro, e ainda figurou entre os Filmes Internacionais e a categoria principal da noite. Ataque dos Cães liderou com 12 indicações, mas o resultado disso tudo só descobriremos em 27 de março.

Um mês antes, em 27 de fevereiro, o Sindicato dos Atores entregou seus belos troféus. Primeira premiação com o retorno da plateia (depois do adiamento do Critics Choice Awards e do Grammy, inicialmente programados para janeiro), a cerimônia foi emocionante. No lado da TV, Round 6 venceu Ator, Atriz e Elenco de Dublês, enquanto Succession levou Elenco em Drama. Ted Lasso ficou com Ator e Elenco de Comédia, e Jean Smart venceu Atriz. Kate Winslet e Michael Keaton foram coroadas em Minissérie.

Em Cinema, 007 – Sem Tempo Para Morrer levou o SAG de Elenco de Dublês, batendo o favorito Duna. Em Atriz Coadjuvante, deu Ariana DeBose, por Amor, Sublime Amor. Ator ficou para Will Smith em King Richard: Criando Campeãs, e Atriz para Jessica Chastain em Os Olhos de Tammy Faye. Troy Kotsur fez história ao se tornar o primeiro ator surdo a vencer uma estatueta individual, e seu filme No Ritmo do Coração (CODA) foi o campeão da noite, vencendo também Melhor Elenco. Com uma distribuição justa dos prêmios e discursos realmente especiais, a 28ª edição do SAG foi bastante proveitosa.

Em um período do Cinema de terror onde várias franquias clássicas estão voltando, chegou a vez de O Massacre da Serra Elétrica com O Retorno de Leatherface. Sequência direta do clássico de 1974, Texas Chainsaw Massacre foi lançado diretamente na Netflix pois não conseguiu um acordo para sua distribuição nas salas. Ao gourmetizar o massacre, desperdiça vários de seus personagens e ignora muito do próprio legado do vilão Leatherface, diminuindo a importância do filme original e quase desrespeitando toda a franquia. 

Saindo do terror e indo para o melodrama, fevereiro foi o mês de Almodóvar na Netflix. O streaming recebeu diversos filmes essenciais do cineasta antes da chegada de seu novo trabalho ao acervo, Mães Paralelas (Madres Paralelas). A oitava colaboração do espanhol com Penélope Cruz rendeu à ela o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Veneza e uma indicação ao Oscar por sua atuação. O filme, que também recebeu uma indicação pela Trilha Sonora Original de Alberto Iglesias, se destaca pela harmonia das cores de sua direção de fotografia e apresenta um melodrama fiel ao Cinema feito por Almodóvar.

A Netflix não foi palco só para filmes aclamados e também recebeu a fanfic adolescente ruim Através da Minha Janela (A través de mi ventana). A adaptação do livro de Ariana Godoy repete clichês de hipersexualização e parece tão superficial quanto uma história inventada por alguém que espreita pela janela, repleta de estereótipos. Nos sucessos da plataforma, O Golpista do Tinder (The Tinder Swindler) foi bastante comentada nas redes sociais e entrou no top 10 de diversos países. O documentário sobre Cecilie Fjellhoy e o match com Simon Leviev, bilionário israelense e herdeiro de um império de diamantes, possui uma estrutura repetitiva, mas sua narrativa da mulher que se endividou por causa de um homem é facilmente comprada, graças à sua trama crescente que funciona como um alerta sobre golpistas da internet. 

Ainda na temática do golpe, outro fenômeno da Netflix foi a série de Shonda Rhimes, Inventando Anna (Inventing Anna). Baseada na história real de Anna Delvey, que fingiu ser uma herdeira alemã enquanto cometia atos fraudulentos contra bancos e hotéis, a série protagonizada por Julia Garner adota um formato que não funciona. O seu maior destaque é a própria Garner, que conseguiu entregar a melhor personagem em uma produção exaustiva. 

Na comédia, Space Force retornou para sua segunda temporada, dois anos depois de sua estreia. A série criada por Greg Daniels e Steve Carell, que também atua como um general que é remanejado para o ramo da NASA, não conseguiu decolar, mesmo tendo um elenco estrelado por John Malkovich, Ben Schwartz, Diana Silvers e Lisa Kudrow. Falando em famosos, houve a estreia de Murderville, sitcom cujo diferencial é ser feita na base do improviso. A comédia com investigação de homicídios, estrelada por Will Arnett, é baseada na série Murder in Successville, da BBC3, e contou com convidados para contracenar a cada episódio, como os atores Ken Jeong e Kumail Nanjiani. 

No ramo das séries voltadas ao público jovem, Um de Nós Está Mentindo (One of Us Is Lying) chegou na Netflix com diversas mudanças na adaptação. Baseada no livro homônimo de Karen M. McManus, o suspense original do Peacock que acompanha um grupo de 5 adolescentes bem diferentes tem uma pegada de Clube dos Cinco bem evidente, o que torna interessante descobrir o assassinato de um deles enquanto toca Don’t You Forget About Me. 

Nas produções nacionais, a série De Volta aos 15 estreou com as atrizes Camila Queiroz e Maísa como a protagonista Anita em idades diferentes. A dramédia que lembra De Repente 30 é baseada no livro homônimo escrito por Bruna Vieira e seu enredo sobre autodescoberta é bastante dinâmico, cheia de referências e músicas dos anos 2000. O auge da produção, no entanto, é se destacar com um elenco representativo e uma narrativa igualmente sensível às mudanças sociais que o país vivenciou de 2006 pra cá, e todo o mérito do novo hit nacional da Netflix é das mulheres que o fizeram. 

Para os que estavam chorando de saudade de Ragnar, Lagertha e Bjorn, a primeira temporada de Vikings: Valhalla veio para acabar com esse problema. A nova trama nórdica do original Netflix se passa 100 anos depois dos acontecimentos de Vikings e acompanha as aventuras de Leif Erikson (Sam Corlett), Freydis (Frida Gustavsson), Harald Hardrada (Leo Suter) e do rei normando Guilherme, o Conquistador (Bradley Freegard). 

Os fãs de animações puderam prestigiar a primeira temporada de Cuphead – A Série (The Cuphead Show!) neste mês. Desenvolvida por Dave Wasson para a Netflix, é baseada no jogo de 2017 do Studio MDHR e acompanha as aventuras da dupla Xicrinho e Caneco, fazendo referência ao estilo de animação clássico da Disney no início do estúdio, mas com uma modernização dos desenhos. Também tivemos a estreia da 4ª temporada de (Des)encanto, na qual a princesa Bean (Abbi Jacobson) deve salvar Dreamland dos planos maquiavélicos de sua mãe, Dagmar (Sharon Hogan). 

Partindo para o Amazon Prime Video, a primeira temporada de A Lenda de Vox Machina (The Legend of Vox Machina) conquistou os apaixonados por animação. A trama envolvente e desafiadora acompanha um bando de desajustados que acaba em uma missão para salvar o reino de Exandria das forças escuras e mágicas. Em 12 episódios de meia hora, mostra que o Prime Video continua florindo seu campo de produções originais. 

Já no HBO Max, Steven Soderbergh lançou seu terceiro filme na plataforma, Kimi: Alguém Está Escutando (Kimi). O suspense protagonizado por Zoë Kravitz teve uma recepção positiva por parte da crítica e tem sido descrito como um “Janela Indiscreta contemporâneo”. Nas séries, o reboot de Sex and The City, And Just Like That, retomou o elenco original com exceção de Kim Cattrall, que se recusou a trabalhar com Sarah Jessica Parker novamente. 

No mundo dos super-heróis da DC, a primeira temporada de Pacificador (Peacemaker) chegou no streaming com muita porrada, sangue, sexualização de John Cena e uma participação especial de cair o queixo no final do sétimo episódio. Criada e escrita por James Gunn, é um spin-off de O Esquadrão Suicida e conta com Cena de volta ao papel do vilão, atuando dentro de uma equipe ótima que tem no elenco Danielle Brooks, Freddie Stroma, Chukwudi Iwuji, Jennifer Holland e Steve Agee. O sucesso foi tanto que a série foi renovada para a segunda temporada e Gunn ainda revelou estar trabalhando em uma nova produção, protagonizada por outro personagem de O Esquadrão Suicida. 

Fevereiro também foi o mês em que a aguardada segunda temporada de Euphoria chegou ao fim. O novo ano da série priorizou o fator externo ao interno, desovando visuais de cair o queixo, mas não se importando com amarrações na história principal. Os episódios herdam um ingrato caráter de transição, sem se firmarem por completo enquanto o futuro não é colhido, e Zendaya continua o destaque, fazendo valer sua vasta gama de emoções para viver uma Rue em constante estado de quebra. 

Cassie (Sydney Sweeney) rouba os holofotes para si, mas o desenvolvimento de sua narrativa própria não leva a garota para qualquer meio. Maddy (Alexa Demie) é mais visual do que composição, Kat (Barbie Ferreira) vira fantasma e Jules (Hunter Schafer) foi negligenciada toda semana. Lexi (Maude Apatow) e Fezco (Angus Cloud) recebem atenção, mas suas cenas são esvaziadas de peso ou relevância para o bem maior. Enquanto todos os comandos de Euphoria forem geridos por um único Sam Levinson, a série tem tudo para continuar patinando.

Outra original HBO, a primeira temporada de Alguém em Algum Lugar (Somebody Somewhere) encantou pela simplicidade de sua trama e pela exploração densa de temas sensíveis enquanto narra a crônica de uma cidade e da figura de uma mulher deslocada (Bridget Everett). Também com protagonismo feminino, a minissérie Quem Era Ela (The Girl Before) acompanha duas mulheres numa situação misteriosa em suas casas, com uma diferença temporal entre elas. Baseada no best-seller homônimo de J.P Delaney, é dividida em 4 capítulos com cerca de 1 hora cada, estrelados por Jessica Plummer (Como Falar com Garotas em Festas), Gugu Mbatha-Raw (Belle) e David Oyelowo (Selma: Uma Luta Pela Igualdade). 

No Disney+, os apaixonados por Star Wars receberam uma nova série no universo da saga: O Livro de Boba Fett (The Book of Boba Fett). Espécie de derivado e continuação de The Mandalorian, a produção acompanha o Caçador de Recompensas tentando se provar como o manda-chuva da região antes comandada por Jabba, The Hutt, e sempre acompanhado da sabedoria de Fennec Shand (Ming-Na Wen). A série criada por Jon Favreau em momento algum justifica sua existência, entregando comodismo e coincidências na galáxia. 

Quando percebe que Fett não tem mais o que render, viaja até a nave de Mando (Pedro Pascal) e se aproveita da nostalgia para acariciar todos os ícones de Star Wars e provar, mais uma vez, como a Disney tem vergonha, preguiça e corpo mole na hora de inovar com Guerra nas Estrelas. De pontos positivos, é possível mencionar a escalação de Temuera Morrison, que sustenta um protagonista sisudo e fora dos padrões de mercado na aparência e na idade, além do trabalho dos diretores Robert Rodriguez (apaixonado por efeitos práticos e sets reais) e Bryce Dallas Howard (que consegue cutucar a nostalgia sem se entregar ao ridículo). 

Também inserida dentro de um universo já consagrado, Blade Runner: Black Lotus encerrou sua primeira temporada em fevereiro. Parceria entre Crunchyroll e Adult Swim, a animação acontece 17 anos antes de Blade Runner 2049 e explora o mundo cyberpunk que Ridley Scott adaptou do livro de Philip K. Dick e depois Denis Villeneuve expandiu. Dividida em 13 episódios, o elenco conta com nomes como Jessica Henwick, Wes Bentley, Samira Wiley e Arisa Shida. 

Nossa! Depois desse passeio pelos lançamentos em todos os streamings, chegou a hora de falar das novidades na Sétima Arte para a alegria dos cinéfilos. Começando pela chegada de Red Rocket, a comédia dramática dirigida por Sean Baker (de Projeto Flórida e Tangerina), que concorreu à Palma de Ouro no Festival de Cannes em 2021 e recebeu elogios pela atuação magnética de Simon Rex no papel principal. 

Falando em diretores conhecidos, o aguardado Licorice Pizza finalmente estreou. O novo trabalho de Paul Thomas Anderson é a estreia de Cooper Hoffman (filho do falecido Philip Seymour Hoffman) e das irmãs Haim (integrantes da banda de pop rock de mesmo nome) na atuação, com Alana Haim protagonizando o filme ao lado de Cooper. Indicado em 3 categorias do Oscar, incluindo Melhor Filme e Melhor Direção, a obra acompanha pequenos episódios da vida do jovem Gary Valentine (Hoffman) enquanto tenta conquistar Alana Kane (Alana Haim). 

O filme é um retrato apaixonante da Los Angeles da década de 1970, cheio da intensidade da juventude e que se destaca por sua atmosfera calorosa enquanto desenvolve a relação dos dois, excelentes em seus respectivos papéis. No entanto, não é possível ignorar o racismo que a produção propaga nas cenas onde Jerry Frick (John Michael Higgins) faz um sotaque asiático falso enquanto conversa com sua esposa. Tem sido alvo de críticas, e com razão.  

Para os românticos, Case Comigo (Marry Me) chegou aos cinemas e narra a história de Kat (Jennifer Lopez), uma cantora famosa que, após descobrir a traição do namorado, resolve se casar com um estranho (Owen Wilson) que estava em seu show. Depois que ele aceita, os dois recém-casados começam a se conhecer. As músicas originais ficam a cargo de J-Lo e de Maluma, que também faz sua estreia como ator, depois de dublar Mariano em Encanto. 

Outra estreia que aterrissou nos cinemas brasileiros foi Uncharted: Fora do Mapa, protagonizado por Tom Holland. Baseado nos jogos Uncharted da Sony, o sucesso de bilheteria também conta com Antonio Banderas, Mark Wahlberg e Tati Gabrielle no elenco e recebeu elogios da crítica por seus efeitos visuais. No entanto, o enredo deixou a desejar, sendo comparado a um roteiro de viagens pelo LA Times.  

Mais um que foi mal recebido pela crítica especializada, Morte no Nilo (Death on the Nile) fez sua estreia depois de vários atrasos. A adaptação da obra de Agatha Christie acompanha a investigação de Hercule Poirot (Kenneth Branagh), a bordo de um cruzeiro no Egito, para descobrir quem foi o culpado pelo assassinato de Linnet Ridgeway (Gal Gadot), uma herdeira rica. 

O filme dirigido por Branagh (de Belfast) está envolto em polêmicas por causa de seu elenco: o ator Armie Hammer tem diversas acusações de comportamentos abusivos e a atriz Letitia Wright ter se recusado a se vacinar contra a covid-19. Por conta da participação de Gal Gadot, atriz israelense que serviu ao exército do país, o longa também acabou banido no Kuwait e no Líbano. Cruzes!

Outros dois filmes que fizeram parte da Mostra SP e agora tiveram seu lançamento oficial no Brasil foram Cow e o arrebatador Lamb, pela MUBI. Dirigido por Andrea Arnold, Cow é um documentário britânico que narra a vida de uma vaca. Já o denso Lamb é a submissão oficial da Islândia para o Oscar 2022 e narra a história de um casal que é surpreendido pela chegada de uma prole divina. Dirigido por Valdimar Jóhannsson, e com performances calculadamente fascinantes de Noomi Rapace e Hilmir Snær Guðnason, é um filme delicioso de ser descoberto.

Por fim, quem não quer saber de filme cult e só quer ver algo descompromissado nos cinemas pode conferir Moonfall – Ameaça Lunar, dirigido pelo experiente Rolland Emmerich (de Independence Day: O Ressurgimento e 2012). O longa de desastre natural impressiona pelos efeitos visuais, mesmo que abra mão do “realismo” para colapsar o planeta Terra, e conta com um elenco de renome, com destaque para Halle Berry, Patrick Wilson e Michael Peña. A grande premiação do Cinema está chegando e o Persona continua firme trazendo tudo o que rolou no mundo da cultura. Agora que as cortinas do Cineclube de Fevereiro foram baixadas, nossa Curadoria tem um mês para se reunir e selecionar o melhor do audiovisual em um novo mensal de dicas. Até mais! 

Texto: Caio Machado

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Gabriel Gatti, Marcela Zogheib, Nathália Mendes, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

O post Cineclube Persona – Fevereiro de 2022 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

No mês que antecede o evento mais importante da música ocidental, alguns dos grandes nomes do Grammy 2021 aproveitaram para agitar a campanha para a premiação, que acontece no dia 14 de março. A dupla Chloe x Halle vestiu tons frios para Ungodly Hour (Chrome Edition) e para o clipe futurista da canção-título. Dua Lipa juntou novos singles com a tracklist mais famosa de 2020 em Future Nostalgia (The Moonlight Edition). Doja Cat e Megan Thee Stallion comandaram um remix de Ariana Grande, e a banda HAIM cantou mais uma vez – e agora pra valer – com Taylor Swift.

Falando nela, a artista que protagonizou a maior polêmica do mundo pop dos últimos anos iniciou sua volta por cima. Depois de jogar a ***** no ventilador e suscitar uma discussão importante sobre a relação complicada que existe entre direitos autorais, artistas jovens e a indústria musical, Swift alertou que não deixaria barato e que faria o possível para tornar seus trabalhos, que foram vendidos sem a sua permissão, obsoletos, regravando-os. É fato que a cantora de reputation é firme com sua palavra, e assim ela apresentou ao mundo Love Story (Taylor’s Version), anunciando que a nova versão de Fearless, seu segundo álbum, também chegará aos nossos ouvidos em breve.

O maior injustiçado da temporada, por sua vez, brilhou forte em sua performance no intervalo do Super Bowl promovendo The Highlights. A coletânea reforça a relevância e impacto do trabalho de The Weeknd, que não engoliu a desonestidade da Recording Academy. Quem também superou cenários hostis foi Rebecca Black, o assunto da internet e alvo de um episódio de cyberbullying massivo em 2011, que dez anos depois do fatídico clipe de Friday, retorna àquele lugar para um remix da música original.

Ascensão também é uma palavra que se aplica aos artistas brasileiros, que mantiveram a atividade em um fevereiro sem carnaval. Pabllo Vittar voou alto ao interpretar o remix de Man’s World com MARINA e Empress Of. Ludmilla, que sabe pregar o funk como ninguém, colaborou com o trio Major Lazer e ainda encontrou espaço para trazer visibilidade ao grupo baiano ÀTTOOXXÁ e ao artista jamaicano Suku Ward. Luísa Sonza mostrou mais uma vez sua versatilidade num pagode ao lado de Thiaguinho, e Papatinho fez o mesmo ao misturar samba, funk e rap com Seu Jorge e Black Alien.

Já na MPB, celebramos a vida e a carreira de Gal Gosta. Não exatamente como gostaríamos, num show ao vivo lotado de apaixonados por uma das maiores vozes do Brasil, mas da melhor maneira que os moldes pandêmicos podem nos proporcionar, com o disco Nenhuma Dor. Assim como nossa musa, sempre atento e forte, Gilberto Gil se uniu aos seus filhos e netos em Refloresta para fortalecer uma campanha a favor da conservação de nosso bem mais precioso.  

A notícia triste foi o fim de Daft Punk. Depois de 28 anos de carreira, o duo composto por Guy-Manuel de Homem Cristo e Thomas Bangalter deixa um legado incalculável e uma influência que vai muito além da música eletrônica, lar da dupla. Tudo isso e muito mais sobre as movimentações do mundo da música foi registrado no Nota Musical de Fevereiro pela Editoria e colaboradores do Persona, que dessa vez, além de CDs, EPs, singles, clipes e performances, inventaram de falar também sobre as trilhas sonoras de alguns dos filmes mais importantes do mês.

CDs

The Staves – Good Woman 

Falar sobre Good Woman é um desafio e tanto. De cara, é um álbum sobre o luto compartilhado das 3 irmãs pela morte súbita da mãe. Além disso, esse é o terceiro registro da banda The Staves, que não lançava nada em seis anos. Good Woman veio em ebulição por vários fatores: ele documentou um período de distância entre Emily, Camilla e Jessica. O trio de britânicas tirou tempo para focar na vida pessoal, longe do eixo de Watford, onde nasceram. Quando a mãe faleceu, elas se recolheram em proteção. 

Mais que uma banda, elas eram uma família naquele momento de dor extrema. Elas se tornaram as ‘boas mulheres’ que Good Woman alude no título. Suas vozes harmonizam sentimentos de dor, perda, clausura e reconstrução. As letras, compostas em sua maioria antes da tragédia de 2018, se ressignificam após os temores e a superação, uma porção de cenários são construídos ao longo das 12 faixas.

Paralysed, o melhor que 2021 ofereceu no campo musical, destroça pelas nuances de silêncio e protesto. É uma canção ciente de onde quer chegar, emocionando pela honestidade bruta. Good Woman é o amadurecimento das irmãs Staves na vida, na carreira e no modo de lidar com o mundo. Emily, que teve uma filha, agora entende o papel da mãe do outro lado da equação. Elas continuarão cantando harmonias familiares. O que é o luto, se não o amor que persevera? – Vitor Evangelista

Madison Beer – Life Support

Mostrando mais uma vez que não está na indústria apenas para produzir músicas superficiais e de qualidade questionável, Madison Beer lança seu debut album. Com 17 faixas que prometem te fazer dançar, chorar e refletir sobre a vida, Life Support atinge o ouvinte de uma forma que apenas os vocais impecáveis da cantora junto com a produção maravilhosa da sua equipe conseguem fazer.

Navegando entre os diversos aspectos de viver um relacionamento tóxico e lidar com transtornos mentais, Madison compõe letras tão nuas que possilitam-nos sentir cada um de seus traumas enquanto escutamos a obra. Não tem como não se emocionar com Effortlessly, onde a cantora se abre sobre a dificuldade de fazer coisas do cotidiano que antes conseguia sem nenhum esforço.

E entre as composições melancólicas, há também as felizes e agitadas. Os singles Baby e Boyshit contam com uma batida altamente contagiante e versos sobre autoestima. E em ambas as partes mais alegres ou tristes do álbum, Madison Beer entregou um trabalho que valeu a pena a longa espera. – Mariana Chagas

Dua Lipa – Future Nostalgia (The Moonlight Edition)

Dua Lipa ainda tem o que dizer sobre a viagem no tempo que fez em Future Nostalgia. Mesmo que o hit Don’t Start Now já tenha passado da data de validade e que as demais canções do disco tenham sido alvo de remixes não tão bem-sucedidos em Club Future Nostalgia, algumas delas conseguiram resistir, como Pretty Please, Break My Heart, Hallucinate e Cool. Assim, Dua juntou a tracklist do disco original – que também concorre às principais categorias do Grammy 2021 – com novos singles e três faixas inéditas para compor a segunda edição do álbum, o Future Nostalgia (The Moonlight Edition).

Diluindo a personalidade marcada de Future Nostalgia com a identidade de Dua em seu primeiro disco, o álbum não é um experiência musical como foi com o lançamento do ano passado, até mesmo por ter pouca novidade. O que vemos é a exploração de algumas nuances, como algo mais dark que vem de Love Again em That Kind Of Woman, que destaca as influências de Madonna na música de Dua, e Prisioner, a colaboração de Dua Lipa com Miley Cyrus que também compõe Plastic Hearts, o último álbum da artista. Ela também aproveita as brincadeiras no tempo para retroceder um pouco mais até chegar nos 60’s com We’re Good e Not My Problem.

Ao mesmo tempo em que explora um pouco mais a identidade disco de Dua Lipa, The Moonlight Edition inicia um avanço para trabalhos futuros mais contemporâneos com um o reggaeton Un Día (One Day) e o dance de If It Ain’t Me, que podem brigar um pouco com o resto do disco. Refrescando a música de Dua ao lado da estrela pop belga Angèle, Fever é uma faixa que já poderia servir como single para uma próxima era, mas ao inseri-la junto desse material, a nossa viajante do tempo parece guardar outras coisas para o futuro. Já tendo explorado tudo o que pôde da safra de Future Nostalgia, esperamos que ele não seja mais tão nostálgico assim. – Raquel Dutra

Sia – Music (Songs From and Inspired By The Motion Picture) 

Em casos comuns, mesmo filmes ruins podem ter partes boas. Mas Music não é um filme ruim, ele extrapola qualquer limite de gosto pessoal, boa vontade ou produto artístico. É uma atrocidade filmada, um assassinato de direitos, é um crime por existir e não ter havido qualquer tipo de impedimento na concepção e lançamento. Todo o potencial destrutivo e porco do filme de Sia é transferido para a Trilha Sonora.

A australiana canta feliz, como se estivesse fazendo algo bom liberado ao mundo esse arroto atroz que dá vida ao pior filme de 2021. É ridículo, é asqueroso e combina com primazia com a imagem que Sia ajudou a criar nos últimos anos. Irresponsável, uma imundice sem tamanhos. Nada se salva e, por conta disso, não haverá clipe anexado ao texto. Music é desumano e deve ser tratado como tal.  – Vitor Evangelista

The Pretty Reckless – Death By Rock And Roll

Quase cinco anos após o blues de Who You Selling For (2016), Taylor Momsen e os outros membros do The Pretty Reckless voltam às raízes com Death By Rock And Roll, seu quarto álbum de estúdio. Inspirado por um período de auto reflexão após tragédias como o suicídio do vocalista Chris Cornell, da banda Soundgarden, depois de um show que eles abriam em Detroit e a morte inesperada do produtor da banda, Kato Khandwala, o disco vem carregado de alegorias nada sutis sobre a efemeridade da fama e da morte dos ícones do rock.

Musicalmente, ele não agrega muito à discografia da banda, oferecendo poucas notas originais ou surpreendentes, mas mesmo assim entrega o que os fãs de longa data já esperam: vocais e melodias épicas feitos para serem sentidos ao vivo. A energia que Momsen e o resto dos músicos carregam continua excelente, mas parece faltar algo que separe o novo disco de seus trabalhos anteriores, por mais energizantes que as músicas sejam.

O destaque vai para faixas como 25, em que Momsen canta sobre sua trajetória na música e na vida, e And So It Went, colaboração com o lendário Tom Morello, do Rage Against the Machine, e que parece visada em confrontar a autoridade e o status quo. É um disco recheado de letras simples e honestas, mas que não parecem realmente revelar algo de novo sobre a banda. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Gal Costa – Nenhuma Dor 

Uma das vozes mais potentes do Brasil comemorou seu aniversário de 75 anos de idade e 55 de carreira. Referência nacional e internacional, Gal influenciou músicos de sua época e continua inspirando a nova geração. O reluzente brilhantismo da cantora faz com que nomes como Rodrigo Amarante, Criolo, Rubel, Tim Bernardes, o uruguaio Jorge Drexler e o português António Zambujo se espelhem nela para cantar e compor. Em uma homenagem mútua, Gal convidou vozes masculinas para gravarem ao seu lado grandes clássicos de sua discografia. 

O projeto, que recebeu o nome de Nenhuma Dor, vem para curar o mal estar que perpetua em tempos de isolamento. Recheado de músicas de Caetano Veloso, compositor mais interpretado pela mãe de todas as vozes, o álbum contou com a presença de Zeca Veloso, filho do cantor. Foi ele que de maneira intimista, deu vida a canção que batiza o disco. Em cada faixa, Gal reafirma sua grandiosidade, dando a liberdade de cada qual criar seu próprio arranjo, transformou canções imortais, como Baby e Juventude Transviada, em regravações inesquecíveis. – Ana Júlia Trevisan

Black Country, New Road – For the first time

O grupo Black Country, New Road vive abraçado num invólucro de mistério. Dessa vez, eles lançaram seu primeiro registro de estúdio, intitulado For the first time. São mais de 40 minutos divididos sabiamente em seis longas canções espetaculares. Os instrumentos dominam a essência de rock e punk que a banda imprime nas extensas composições dos 7 jovens que formam o BC,NR, todos com menos de vinte e dois anos.

De fato, o vocalista Isaac Wood passa um bom tempo em silêncio, absorvido pela atmosfera de saxofones e violinos. A abertura com Instrumental aclima quem ouve, e os quase dez minutos de Sunglasses (agora com pinceladas da voz rouca de Wood) oscilam no medo, na angústia e na súplica dos londrinos.

O trabalho se inspira em tudo um pouco: desde ritmos judaicos até Arlindo Cruz. É como ouvir uma interpretação punk da Biblía Sagrada, com pitadas de pop americano e muitas referências da Geração Z. Para o futuro, aguardemos mais do material precioso que sai da mente do Black Country, para agora, For the first time ainda tem muito a dizer. – Vitor Evangelista

Ariana Grande – positions (deluxe)

As plataformas de streaming transformaram o jeito que se lança música – a rapidez de se consumir conteúdo abrevia grandes eras, e também faz com que as gravadoras tenham que se desdobrar para estender campanhas promocionais de um álbum. Um dos jeitos de contornar esse problema e tornar uma era mais memorável é se render a relançamentos, o que foi o caso de Ariana Grande com o positions (deluxe).  Com cinco novas canções, o relançamento não surpreende, mas é uma ótima manobra publicitária.

Escutar a versão deluxe é uma experiência frustrante. Claro que a produção musical deve se adaptar a novas formas de consumo, mas lançar músicas tão curtas parece mais uma tentativa de lucrar com uma junção duvidosa de descartes. test drive mal engata e já vai embora com seus humildes dois minutos de duração; main thing parece uma versão menos interessante de pov e someone like u (interlude) tenta ser tudo que Pete Davidson foi no passado. O destaque do álbum é de worst behaviour, que traz o sensual R&B dos anos 90 à tona e é uma suave amostra do que Ariana pode atingir como artista. A artista que, nos últimos tempos, ela parece não tentar ser. – Laís David

Ex:Re – Ex:Re with 12 Ensemble

Ex:Re, o projeto solo de Elena Tonra, vocalista da banda britânica Daughter, ganhou uma regravação com novos arranjos da compositora Josephine Stephenson tocados pela orquestra de cordas 12 Ensemble. O álbum captura a colaboração dos artistas gravada em 2019 no espaço musical Kings Place.

Os novos arranjos ajudam a alterar quase completamente a composição musical de Ex:Re, transformando um som que já era sofisticado em algo mais próximo do etéreo. Canções como Crushing e The Dazzler se beneficiam bastante da nova abordagem, elevando o ritmo e criando um senso de urgência que não existia no original. No entanto, Elena e o resto dos músicos sabem exatamente quando desacelerar para que o impacto das músicas caia no ouvinte, como na excepcional e devastadora Romance, que permanece uma das melhores do disco.

É uma regravação notavelmente bem feita, mantendo todo o espírito do original e ao mesmo tempo fornecendo uma nova perspectiva sobre cada faixa. Essa não é a versão definitiva de Ex:Re, porque nunca vai existir algo assim. Essa versão existe apenas no momento em que cada música é tocada e ouvida, seja no álbum original, no novo ou numa apresentação ao vivo. Se tem uma coisa que Ex:Re with 12 Ensemble deixa abundantemente claro, é a capacidade que cada faixa tem de se conectar com quem a ouve. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Weather Station – Ignorance 

Um minuto se passa antes da voz de Tamara Lindeman rasgar a atmosfera vibrante e arisca de Robber, a faixa que abre o mais recente registro de estúdio da canadense. O que sucede Ignorance é um conjunto de batidas hipnóticas que permeiam a vibe folk do The Weather Station, projeto que surgiu anos atrás experimentando o alternativo em tons terrorosos. 

Agora, quase 10 anos depois do lançamento do debut All of It Was Mine, a atriz e cantora de Toronto brinca com sua composição literal e profundamente ligada ao interior da tristeza, dessa vez batendo na tecla das mudanças climáticas. É o encontro do folk com o rock, com singelos respiros pops (Separated cria essa ponte com facilidade). 

A capa do disco fotografa uma Lindeman acuada no matagal, iluminada apenas por um único foco de luz. Essa luz, ela prova nos quarenta minutos do CD, é sua fonte de desejos para criar algo único e sincero como Ignorance. – Vitor Evangelista

Pale Waves – Who Am I?

O segundo álbum de estúdio da banda inglesa Pale Waves, intitulado Who Am I?, chega no embalo de seu antecessor, My Mind Makes Noises (2018), com a vocalista Heather Baron-Gracie cantando sobre relacionamentos fadados ao fracasso e sentimentos não correspondidos. Mas, contrariando as expectativas, não demora muito para que a banda se liberte do passado e passe a cantar sobre um tipo de amor mais corajoso, arriscado e, apesar de tudo, acolhedor.

É um álbum sobre excluídos feito por excluídos, o que fica evidente em faixas como Tomorrow e You Don’t Owe Me: “Porque eu vou ser o que eu escolher/E o que te faz pensar/Que você tem o direito de dizer?/Então é melhor sair do meu caminho”. Mas também é sobre paixão e comunidade, como na maravilhosa She’s My Religion, onde Heather explora seu próprio relacionamento como se fosse uma atriz coadjuvante, fornecendo suporte e carinho em face aos demônios alheios. É um disco de letras honestas e vulneráveis sobre sentimentos universais.

O som da banda também se expande, ampliando seu indie pop com algumas canções acústicas e homenagens bem colocadas ao pop dos anos 2000, acompanhando bem o ritmo das narrativas, mas que ainda retém a identidade musical desenvolvida nos álbuns e EPs anteriores. Enquanto em seu primeiro trabalho Pale Waves ansiava por aceitação, em Who Am I? eles parecem ter entendido que se o amor é capaz de nos salvar, nós primeiro temos de entender que merecemos ser salvos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Chloe x Halle – Ungodly Hour (Chrome Edition)

Estamos vivendo a era dos relançamentos, e chegou a hora do maior trabalho em pop/R&B de 2020 ganhar a Chrome Edition. A hora ímpia, claramente longe de acabar, foi turbinada com duas novas canções e um clipe estiloso de Ungodly Hour que, depois de render apresentações estupendas, demorou a ganhar um vídeo próprio.

As princesas Chloe e Halle Bailey ainda derramaram o conceito cromado na capa de Ungodly Hour (Chrome Edition), revitalizando o propósito original de anjos e já entregando a visão madura das irmãs. Hazy, a primeira adição do Deluxe, fez valer seu papel de descarte na versão Standard, mas não diminui o impacto artístico das cantoras, enquanto 80/20 cai na armadilha da curtíssima duração. Não há muito a ser dito de inédito sobre o material, fora a parte visual que (como virou costume do duo) é impecável. – Vitor Evangelista

C. Tangana – El Madrileño

O terceiro disco de C. Tangana, artista espanhol que nasceu no rap em 2006, é tudo. Experimental, pop, plural, livre, transgressivo e divertido, El Madrileño é um exagero de elementos e um exagero de bom. Entre gêneros regionais, misturas do épico com o eletrônico, muita referência da música brasileira e uma videografia grandiosa, o álbum fascina pela habilidade que seu criador tem para traçar qualquer caminho que desejar com a sua música. Para isso, ele conta com a ajuda de muita gente, e o ouvinte pode até se assustar com o tanto de nome que tem na tracklist composta por 14 faixas, das quais apenas duas são solo.

Quando sozinho, C. Tangana interpreta canções mais urbanas que revelam sua raiz do rap e influências do funk brasileiro como em Nunca Estoy, balada romântica que ainda surpreende e experimenta. Quando acompanhado, ele chega ao ápice com as pitadas de flamenco de Tu Me Dejaste De Querer, o evento teatral Un Veneno e com o violão de Toquinho – cantando obscenidades em espanhol –  amarrado às modulações de voz, beats e samples de funk em Comerte Entera. Não satisfeito, C. Tangana traz o maestro Jorge Drexler para a enérgica Nominao e brinca até com o tempo na moderna e sentimental Cuando Olvidaré junto do falecido cantor espanhol Pepe Blanco que, imerso na aura épica e de suspense da canção, declara a paixão que sente pela sua cultura e pela música de seu povo.

Um álbum demais tem destaques demais, brilha demais e impressiona demais. A abertura Demasiadas Mujeres é um encontro de gêneros, Muriendo de Envidia explode regionalidade, Ingovernable é o new flamenco perfeito e CAMBIA! dá vontade de viver. Ao finalizar o trabalho com Hong Kong, C. Tangana desvia para o rock e confirma pra quem, depois das 15 faixas, ainda tinha dúvidas quanto às suas ambições, deixando bem claro que não vive para respeitar nenhum limite, mas sim quebrá-los. Tudo é harmônico, coeso e surpreendente e a mistura doida do álbum – que já é um dos destaques do ano – não tem nada de improvisação. A música de El Madrileño é gloriosa e só ouvindo pra entender o motivo da aclamação. – Raquel Dutra

Vários Artistas – Nomadland (Original Motion Picture Soundtrack)

Marcando presença na temporada de premiações, Nomadland já pode ser considerado um dos melhores filmes do ano. Sua trilha sonora calma complementa perfeitamente o que vemos na tela, as angústias da solidão e da liberdade envoltas pela natureza. O longa permite uma imersão total não apenas nos sentimentos de Fern, vivida pela brilhante Frances McDormand, mas também nos instrumentais que enriquecem as cenas sensíveis propostas pela diretora Chloé Zhao.

Ólafur Arnalds, Federico Mecozzi e, principalmente, Ludovico Einaudi são alguns dos nomes que compõem melodias suaves que dão o ritmo melancólico que percorre a trama. E, apesar de não ser elegível para um Oscar de Melhor Trilha Sonora Original, a história por trás da escolha das músicas de Einaudi para Nomadland impressionam pela semelhança com a narrativa da protagonista. Sendo retiradas de trabalhos anteriores do artista, com foco para o álbum Seven Days Walking (2019), onde o cantor obteve inspiração a partir das emoções oriundas de uma caminhada pelos Alpes Italianos.

Percorrendo o país com uma van, a personagem encontra cenários impressionantes, com algumas paisagens únicas e até um nascer/pôr-do-sol aqui e ali. Ambas as primeiras faixas da trilha, Oltremare e Day One: Golden Butterflies, além de mais longas se destacam pela serenidade que acompanha toda a produção. Assim, fica claro como a beleza do aspecto visual encaixa com a trilha sonora de Nomadland, pois como dito pela diretora, ela foi formada justamente por músicas inspiradas pela natureza. – Isabella Siqueira

Claud – Super Monster

No susto, Claud ganha nossa atenção por conta de seu álbum de estreia, Super Monster, ser o primeiro lançamento da Saddest Factory, recém-nascida gravadora de Phoebe Bridgers. A música de Claud cai, como a maioria das jovens estrelas em ascensão, no campo do bedroom pop. O que no passado era sinônimo de simplicidade, agora cresce em gênero e grau. O dedo de Bridgers no trabalho de Claud é o toque de Midas que a alma de 21 anos, cheia de frustração acumulada, precisava para libertar seu eu lírico tão cheio de confiança. 

Gold é o carro-chefe do registro. A faixa rebola em um arranjo eficaz, e a letra é repleta de rimas deliciosas de cantarolar. Soft Spot suaviza o impacto do amor adolescente e Jordan ecoa além dos três minutos e quarenta de duração. Mais do que uma promessa, a geração de Claud, Isaac Dunbar e tantos outros artistas queer agora passou a ser sinônimo do presente da música. Amplificada, multifacetada e com espaço para todas as minorias antes silenciadas. – Vitor Evangelista 

The Weeknd – The Highlights

Como se a peça final de um grande quebra-cabeça universal fosse enfim colocada, The Weeknd, uma das maiores vozes da indústria da música atual, lançou um compilado dos grandes sucessos da sua carreira. O disco foi disponibilizado em 5 de fevereiro, dois dias antes da performance de tirar o chapéu do cantor no intervalo do Super Bowl. A coletânea conta com 18 hits que flutuam entre suas músicas mais icônicas, tocadas sagradamente nas rádios de todo o mundo, e seus feats mais famosos – o canadense escolheu incluir Ariana Grande, Kendrick Lamar e o recém-separado Daft Punk na sua lista.

Escutar The Highlights é fazer uma viagem pela mente genial do cantor, que possui mais de 67 milhões de streams mensais no Spotify, e dar de cara com todos os ritmos e sutilezas que Abel nos entregou em seus 10 anos de história. Enquanto não conseguimos nos cansar de Blinding Lights, ele nos relembra de Can’t Feel My Face para provar o poder irresistível que é capaz de criar. Quando achamos que já superamos The Hills, ela vem acompanhada de Pray For Me e joga a última pá de terra na cova do nosso coraçãozinho que não aguentou tamanho baque.

E é claro que o globo responderia ao presente: The Highlights foi o disco mais reproduzido na história do Spotify em seu dia de estreia. The Weeknd prova, dia após dia, que merece sua popularidade arrebatadora – que venham mais álbuns! – Caroline Campos

Andra Day – The United States vs. Billie Holiday (Music From The Motion Picture)

Lançado em 26 de fevereiro pela Hulu, o filme Estados Unidos Vs Billie Holiday conta com uma trilha sonora impecável para o conjunto da obra. A protagonista é interpretada pela vencedora do Globo de Ouro, Andra Day, que, brilhantemente, encaixa sua voz aos arranjos feitos para homenagear Billie Holiday, uma das maiores ícones do jazz.

Andra realiza um profundo mergulho nos versos cantados. Strange Fruit, uma das músicas mais fortes do filme e da carreira de Billie, é interpretada de forma impactante, transpassando todo contexto de medo, agonia e revolta presentes na cena. All of Me também tem seu destaque a capella, mostrando que o vocal da cantora independe dos instrumentos mas que, em cima do palco, o universo se transforma em pura canção. Solitude traz uma performance com tamanha destreza que a escolha de Andra Day para o papel se prova formidável.

Day ainda prova que não usou apenas técnica para ser intérprete, seu talento ímpar guia o tom da apresentação de maneira impecável, seguindo as emoções da personagem. Prova disso é a marcante Tigress & Tweed que foi composta especialmente para o filme. Inspirada em Strange Fruit, a música que concorreu ao Globo de Ouro de Melhor Canção Original, mas injustamente está fora da categoria do Oscar, deixa a mensagem de que temos poder para fazer as coisas seguirem em frente.  – Ana Júlia Trevisan

Cassandra Jenkins – An Overview on Phenomenal Nature

Um mergulho no mar de manhã. Ou molhar os pés num rio gelado. Na verdade, qualquer sensação ligada à pureza da água serve de comparativo à An Overview on Phenomenal Nature. O segundo CD de Cassandra Jenkins toca notas semelhantes ao trabalho do The Weather Station em Ignorance (também presente nesta lista). O que se torna fator comum é a permanência do estado de tristeza e seu caráter metamórfico. Não estamos mais tristes: a partir de agora, nós somos tristes. 

A atmosfera do disco cura pelo cintilar, mas agride pela dor de Jenkins cantando letras cruas e sem filtros. New Bikini veste o oceano como remédio, Hard Drive martela constatações futuras (e lembra o terceiro disco do The 1975) e Michelangelo desenrola o limbo que a nova-iorquina escolhe como farol. A etérea capa de An Overview on Phenomenal Nature nos dá o spoiler do conteúdo aniquilador que se prosseguirá por 7 faixas em trinta e um minutos. – Vitor Evangelista

EPs

Taylor Swift – the “ladies lunching” chapter

Nada que Taylor Swift lance jamais poderá ser chamado de desperdício, porque ela faz com que estejamos sempre buscando por mais. Do compilado de músicas de folklore e evermore nasce o mais novo EP da cantora intitulado the “ladies lunching” chapter. E sim, ele não traz absolutamente nada novo, mas do mesmo jeito permite que nos deleitemos com sua perfeição ao reunir todas as mulheres que protagonizaram as histórias de Swift no decorrer de 2020.

Na coletânea acompanhamos cada uma das narrativas e perspectivas femininas, trazidas em seus dois últimos lançamentos, sem pretensão alguma de inovar. Como um chá da tarde inglês, é fácil imaginar Dorothea, Betty, Augustine, Marjorie, Este e Taylor sentadas em volta de uma mesa debatendo sobre amigos que se separaram e amigos que se casaram. Imersivo e aconchegante, o protagonismo feminino se torna implacavelmente significativo ao que a cantora traz ainda mais luz para as essas tramas entrelaçadas e tecidas por ela. – Ana Laura Ferreira

Wallows – Remote (Deluxe)

Depois do coming of age musical Nothing Happens, o primeiro álbum do Wallows, a banda norte-americana retorna com o EP Remote, que recentemente ganhou uma versão Deluxe com cinco faixas, sendo três inéditas. No novo trabalho, que foi concebido e lançado na pandemia, Cole Preston, Braeden Lemasters e Dylan Minnette se recusam a deixar o isolamento impedi-los e continuam cantando suas composições identificáveis à juventude, que escuta sobre seus desafios românticos, anseios e inseguranças nas vozes moduladas do trio.

Resilientes aos desafios do distanciamento, membros discutiram a criação do EP via Zoom e testaram possibilidades ao gravarem remotamente, separadamente e em aplicativos de celular. Com os efeitos eletrônicos divertidos, como no primeiro single Virtual Aerobics e na inserção ao final de Talk Like That; as guitarras grunge distorcidas, como nas animadas Nobody Gets Me (Like You) e Dig What You Dug; e as batidas sintéticas, como nas reflexivas Wish Me Luck e Quarterback, o trio experimenta sonoridades. 

Mesmo sem se consagrar como o melhor trabalho da banda, o EP Remote (Deluxe) mostra que a Wallows não tem medo de explorar e sair da ‘caixinha’ de um só gênero. Combinando letras sobre temas comuns, mas que não soam repetitivas, a melodias indie pop, a banda cria uma identidade, tanto sonora quanto visual, que torna qualquer trabalho divertido de se escutar – ou assistir. A expectativa para o que virá no segundo álbum só aumenta. –  Vitória Lopes Gomez

Diomedes Chinaski – A Vida Ainda Pode Ser Bela

O aprendiz trouxe seu novo trabalho como um reflexo de sua nova fase. “A vida ainda pode ser bela se eu fizer dinheiro” é o verso que sustenta o EP, com um misto de pedido de socorro, frustração e desabafo. Após um período conturbado, Diomedes afirma que está mais próximo de sua família, com a vida mais tranquila e conseguiu entender que A Vida Ainda Pode Ser Bela.

Apesar de ser uma produção de 20 minutos, temos uma grande variedade de assuntos e mudança de ritmo nas faixas. Poucas participações, mantendo o protagonismo em Chinaski e nos permitindo apreciar cada letra. Uma mixtape cirúrgica e que cria uma expectativa muito boa para os próximos lançamentos do artista. O processo de amadurecimento de Diomedes é nítido e promissor, essa facilidade em ser versátil é o que o torna um bruxo lendário. – Elder John

Callista Clark – Real To Me

Com apenas 17 anos, Callista Clark lança seu primeiro EP, Real To Me. Trabalhando com Scooter Braun, a cantora segue um estilo parecido com início da carreira de Taylor Swift, composto por músicas country com letras verdadeiras e emotivas, mas também divertidas. Sua voz forte e vocais potentes também lembram os primeiros anos da loirinha.

O primeiro track do EP, It ‘s Cause I Am, é o que carrega a energia mais animada. Com uma letra sobre confiança e singularidade, Callista diz que não é e nunca será uma garota simples. A batida acompanha o tom da composição ao contar com uma produção agitada e vibrante.  A música é um contraste com a melancolia presente em Heartbreak Song, Don’t Need it Anymore e Real To Me.

E dentre as 5 faixas, a terceira, que foi a escolhida para nomear o EP, é um resumo de tudo que a obra retrata. A letra é um desabafo da cantora que diz que apesar de ser nova e saber que muito ainda há por vir, tudo que ela sente é real para ela. O lyric video retrata perfeitamente esse conceito ao parecer que ela está escrevendo em um diário, que resolveu ler em voz alta para o mundo. – Mariana Chagas

AURORA – MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE

Após o sucesso do seu último single, Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção, a cantora norueguesa AURORA embarca agora em um novo projeto que traz ao seu público compilados de suas músicas em EPs temáticos organizados pela compositora. Segundo o que a cantora declarou em live, essas coleções representam o vínculo que há entre suas faixas, são como músicas irmãs de álbuns distintos, mas que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O primeiro EP lançada foi MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE, que AURORA descreve como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. Reunindo seis músicas dos seus três álbuns já emplacados, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), a artista mostra a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando do significado que cada música tem para si e despertando a nossa conexão com suas obras. – Gabriel Brito de Souza

Isaac Dunbar – evil twin 

Isaac Dunbar é um artista muito singular. Suas letras recorrem aos clichês, mas todo o tratamento além das composições colocam o jovem de 18 anos num patamar específico. O bedroom pop do cantor do Massachussets só cresce desde que surgiu, em 2018. Dunbar integrou a trilha sonora de Love, Victor, lançou alguns EPs e chegou em 2021 gritando evil twin para todos os interessados em ouvir música boa.

pink party surpreende pelos vocais distorcidos e pela sensação de escutar a sonoplastia de um filme de terror envelopado na aura adolescente queer característica do artista. O material é curtíssimo, mas as 7 canções pedem morada no Repeat. Isaac não tem dificuldade de imprimir detalhes nas batidas chicletes: rendezvous é uma delícia por não saciar de cara a sede de quem ouve, e kissy kissy faz o rolê do primeiro crush ainda soar interessante. Ele cria instigantes ganchos sonoros e suas rimas se seguram pela familiaridade dos sentimentos.

intimate moments é o destaque de evil twin. “Eu tenho medo de momentos íntimos, se você está por perto, por que estou triste?”, ele lamenta. Sua música é o cume de emoções brutas cantadas por um jovem queer que se sente confiante o suficiente para fazer isso. Não há espaço para medo de experimentar e ousar, quando o assunto é Isaac Dunbar, a barra de expectativas e nível de entrega não param de subir. – Vitor Evangelista

Amy Winehouse – I Told You I Was Trouble: Live In London

No doloroso ano que completa uma década da partida de uma das maiores e mais inconfundíveis vozes do planeta, chega ao Spotify o áudio da gravação de I Told You I Was Trouble: Live in London. Lançado em 2007, após Amy Winehouse verdadeiramente brilhar no Grammy de 2006, o show é um dos mais vivos no consciente coletivo daqueles que conhecem o trabalho da cantora. A versão em DVD ainda traz um documentário sobre a vida, a carreira e turnê na Europa e Estados Unidos.

O setlist reúne os grandes clássicos do irretocável repertório de Amy Winehouse. Produzido ao vivo, é um selo de qualidade na potência vocal da sublime cantora que é ovacionada durante o espetáculo. As músicas de seu maior álbum – Back to Black – se fundem aos hits de Frank, seu disco de estreia. A canção homônima ao CD de 2006 é um dos pontos mais fantásticos da gravação, Amy canta Back to Black com tamanha facilidade que parece apenas estar brincando com a composição. Não é atoa que sua interpretação é imortal. – Ana Júlia Trevisan

Músicas

Jessie Ware – Remember Where You Are – Single Edit 

A lista de coisas boas de 2020 é quase ínfima, mas no topo está o precioso What’s Your Pleasure?, quarto álbum de estúdio de Jessie Ware. O sucesso de seu disco e a grandiosa coerência do repertório nos deixa ansiosos pela versão Deluxe que está por vir. Para retornar o disco às paradas de sucesso, a cantora lançou o single, após o alvará de Barack Obama, de um dos maiores hinos, Remember Where You Are, que encerrou o trabalho com chave de ouro.

Com a encantadora apresentação no The Graham North Show, Jessie Ware serviu arranjos vocais luxuosos, com backing vocals envolvidos a fundo à performance e sentimentos da cantora. Sentimentos esses de esperança que sempre ressoam ao ouvir a familiar Remember Where You Are. Jessie também revelou sua terceira gravidez, exibindo a gestação durante o show, dando um visual ainda mais belo e intimista para o lançamento do single, que também ganhou um short film onde a atriz caminha, visivelmente emocionada, pelas iluminadas ruas da cidade. Além de esperança, o clipe também tem gosto de recomeço. – Ana Júlia Trevisan

Jão – Coringa

Se no clipe de Vou morrer sozinho um Jão-zumbi invade um casamento para tacar o terror, em Coringa seu alvo é uma festa de pessoas ricas. Com uma dupla de cúmplices, Jão vive uma aventura tão perigosa quanto se apaixonar. A música é uma mensagem para o seu amor coringa, confessando que o crime só compensa se tiver a companhia daquela pessoa.

A letra viciante sobre relacionamentos é marca registrada do cantor, e ele parece ter decidido seguir esse mesmo estilo em sua nova era. Assim como várias outras músicas de Lobos e Anti-herói, Coringa é uma faixa contente sobre uma situação nem tão contente assim. No final do clipe, Jão é traído por um de seus parceiros e acaba machucado. A visão dele jogado no chão, sangrando, é uma ótima alusão a como ele pode ficar quando perder essa paixão. Seja como for, o cantor parece estar sempre disposto a correr os riscos de se relacionar, se pelo menos no final isso render conteúdo para suas ótimas músicas. – Mariana Chagas

Sam Fisher e Demi Lovato – What Other People Say

Entregar-se de corpo e alma é algo que Demi Lovato sempre alimentou em suas performances. É inegável notar que seu poderoso alcance vocal combinado com notas ritmadas geram uma melodia marcante. Depois de muitos anos conturbados, a cantora renasce como uma fênix e mostra seu maravilhoso potencial em uma nova era. 

Cada vez mais, ela aposta suas fichas em oferecer canções que transmitem seus próprios sentimentos e experiências. Foi o caso de I Love Me e Ok Not To Be Ok, sendo essa última lançada no Dia de Prevenção ao Suicídio. What Other People Say segue a mesma linha, porém une piano, violão e a percussão de uma maneira totalmente diferente. Uma batida enérgica e amarga aperta o coração quando se apoia nos versos, especialmente os mais íntimos de Demi (creditada na composição), como “Eu não iria desistir, não iria fazer parte/Das mesmas velhas drogas que todo mundo usa”. 

O lyric video é a forma mais bonita de traduzir o duo com Sam Fisher. Baseando-se num jogo de cara-a-cara, várias personalidades dos dois compõem os tabuleiros. Com o passar dos minutos, as teclas se abaixam e evidenciam a única que realmente importa. Ambos não querem ser reduzidos a um conceito (“mandão”, sozinho, encantador, confiante), mas sim ser o compilado de particularidades que os tornam únicos. Pode até ser clichê, mas se Demi caminhar com esse pensamento, é fato que ela encontre seu verdadeiro ‘this is me’. – Júlia Paes de Arruda

Surf Mesa e Madison Beer – Carried Away

Dentre as tantas músicas de amor escritas, Carried Away consegue, de forma magnífica, nos passar o sentimento de estar apaixonado, mostrando o lado positivo e a leveza do sentimento. Escrita por DJ Surf Mesa, conhecido por sua música ILY (cover e remix de Can’t Take My Eyes Of You) a canção é cantada por Madison Beer, dona do hit Selfish, que foi viral no TikTok no ano de 2020.

Começando com uma batida suave, a voz de Madison é o que prende o ouvinte nos primeiros segundos da faixa. É no refrão que o ritmo se intensifica e a música se torna mais animada, tornando difícil ficar parado. Já a letra descreve lindamente o sentimento de amar alguém, e ser carregado por essa paixão. Na canção, Madison conta que vê o amor como um fogo, uma cura e uma luz. Apaixonado ou não, o ouvinte se encontra amando também.

No meio de todos os fatores que fazem um feat funcionar, a harmonia entre os participantes é um dos pontos mais importantes, se não o principal. E é com a combinação perfeita da voz de Madison Beer com o trabalho do DJ Surf Mesa que Carried Away virou uma canção tão mágica, que faz o ouvinte se sentir carregado pela música.  -Mariana Chagas

Trixie Mattel – Blister in the Sun 

Na mesma semana em que se tornou uma das donas do This Is It!, o bar gay mais velho de Wisconsin, a super estrela Trixie Mattel lançou o cover de Blister in the Sun. A canção é original da banda Violent Femmes, cria de Milwaukee, terra natal da drag queen. A faixa cai como uma luva na vibe country despojada de Mattel, e funciona tanto como renovação quanto homenagem.

Em tempos de pandemia e estabelecimentos fechados, a vencedora por direito do All Stars 3 salvou o This Is It! de sua iminente ruína e decidiu comemorar usando vestido branco com quadrados pretos no vídeo de Blister in the Sun. É cool, é camp e é a cara do legado de Trixie, uma artista interessada nas causas em que lucra e consciente de seu papel como alguém com privilégios. Quer heroína melhor que essa? – Vitor Evangelista

Taylor Swift – Love Story (Taylor’s Version)

A maior treta do mundo pop nos últimos anos parece estar chegando ao fim. Conforme informou Taylor Swift em julho de 2020, depois da implosão de toda confusão envolvendo seu catálogo musical em novembro de 2019, ela, junto à sua nova gravadora, decidiram por regravar seus antigos trabalhos, de forma que as gravações antigas, cujos direitos não pertecem à ela, se tornassem obsoletas. No dia 12 de janeiro, conhecemos o primeiro material regravado, o lead single de Fearless, seu segundo álbum originalmente lançado em novembro de 2008, Love Story (Taylor’s Version). 

Com o terreno muito bem preparado pela estética de seus últimos álbuns, folklore e evermore – e o primeiro na corrida das principais categorias do Grammy 2021 -, a veterana da indústria musical sabia que não tinha momento melhor para iniciar seu projeto de regravações. O contexto atual, inclusive, parece ter sido muito bem utilizado por Swift na concepção da nova versão da canção. Cercada pela energia pesada da confusão que a envolveu nos últimos anos, a aura juvenil do amor inocente e shakespeariana agora se revela nostálgica e folclórica – risos -, que tem seu caráter de história ainda mais demarcado, especialmente pelo lyric video que retoma algumas memórias do início da carreira de Taylor e pelo estilo narrativo que a artista empregou nas composições dos últimos discos. 

Sonoramente, quase nada mudou. A voz de Taylor soa, obviamente, mais madura, mas é tão suave ao ponto de sequer alterar o tom da música. Os arranjos suaves do country também permanecem presentes, fiéis à proposta de Taylor com as regravações: fazer com que ela e os fãs pudessem ouvir as músicas sem que os lucros por isso fossem destinados à quem ela denominou como seu “maior inimigo dentro da indústria”. Entretanto, a atitude determinada de Swift em se recusar a entregar de vez seu legado musical torna a experiência da nova canção completamente diferente – e jamais negativa -, já que é interpretada por uma artista que tem a completa certeza de que as coisas não são da forma como ela imaginou que seriam 13 anos atrás. – Raquel Dutra

Luna França e Tiê – Terapia

Desde que lançou o single Minha Cabeça em novembro de 2020, a tecladista, compositora e produtora Luna França está abrindo seu caminho à frente das canções – sem deixar de lado os bastidores, claro. Enquanto termina a produção de seu álbum de estreia, com a parceria de André Whoong do Estúdio Rosa Flamingo,  ela leva ao público essas músicas como chamariz para sua carreira de cantora. Em fevereiro de 2021, o single Terapia, com a participação da já conhecida Tiê, integra a coleção de grandes apostas da Nova MPB.

A poesia da canção é mais um seguidor do movimento musical indie-mental health, que explora a saúde mental dentro de versos que segundo a própria cantora, foram escritos como num diário: “Só de escrever esta música, já me sinto bem melhor. Como é bom fazer canção e ao mesmo tempo… terapia”. De fato, as confissões escolhidas por Luna França são aqueles segredos que morrem no divã, que ela mesma diz ter vergonha de falar. Não é fácil admitir que não queremos ver um ex-amor mais feliz que nós, mas a compositora expõe essa sensação contraditória. 

A tal melancolia que faz parte da letra e do ritmo, torna a música favorável para ser ouvida repetidamente. No entanto, as palavras não são impactantes ao ponto de a canção ficar gravada em sua mente, mesmo após ouvir em looping. De qualquer forma, a experiência como produtora fica evidente: o arranjo instrumental e a harmonização de Terapia são impecáveis, assim como a participação vocal de Tiê, que contrasta muito bem com o timbre de Luna França. Devemos manter os olhos bem abertos, porque uma possível voz marcante está chegando na música brasileira. – Carol Dalla Vecchia

Conan Gray – Overdrive

Quase um ano após o lançamento do seu debut, Kid Krow, Conan Gray surpreende seus fãs com seu novo single, Overdrive. Completamente diferente do seu último hit, Heather, a faixa conta com uma letra contagiante e viciante sobre aproveitar a noite. Enquanto em sua era anterior Conan parecia estar constantemente lutando contra problemas e amores do passado, em Overdrive o cantor pareceu deixar de lado todas as suas preocupações. 

O ritmo da música segue o mesmo estilo animado de Maniac e Wish You Were Sober, com uma produção que, como as outras faixas, vai agitar quem estiver ouvindo. É aquele pop perfeito para quem gosta de cantar no carro, no volume máximo. O artista ainda não deu nenhum indício de que Overdrive seja o single de algum álbum ou projeto futuro, mas, se for, o fandom já aguarda ansiosamente. 

Em live, Conan comentou que a inspiração na hora de escrever foi apenas tentar criar uma forma de escapismo para o momento complicado que o mundo se encontra, dessa forma tentando levar felicidade para seus fãs. Com um clipe colorido e divertido assim como a música, o cantor conseguiu alcançar seu objetivo. – Mariana Chagas

Shura – obsession

A britânica Shura lançou seu novo single, obsession, no dia 17 e aproveitou para anunciar uma versão deluxe de seu segundo álbum de estúdio, forevher (2019), prevista para ser lançada em 19 de março. A música, que é um dueto entre Shura e a cantora Rosie Lowe, fará parte da nova versão do disco, que contará ainda com novas demos e versões acústicas.

obsession se encaixa muito bem com o clima e a ambientação de forevher, com versos melódicos sobre devoção e comprometimento que ecoam os sentimentos de outras faixas do álbum: “Você não é legal só por ser legal/E eu gosto disso em você/Eu me sinto sagrada nos seus braços”. A voz de Rosie Lowe também se encaixa muito bem com a de Shura, acompanhada pela guitarrista Anna Calvi, que invoca na faixa o pop jazz característico da cantora. Junte a isso os sintetizadores e um baixo muito bem colocado, e Shura já nos dá motivos para ficarmos (novamente) obcecados. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Papatinho, Seu Jorge e Black Alien – Final de Semana

Sim, Papatinho conseguiu juntar Seu Jorge e Black Alien em mais um feat. Os dois já haviam trabalhado juntos em Meu Bem Querer, de 2018, mas nada que tivesse o encanto de Final de Semana. A música é uma mistura de rap, funk e samba. No dia de seu lançamento, o single ganhou um clipe autêntico e brasileiro.

A voz grave de Seu Jorge é misturada com a rima fluida de Black Alien, e é aí que está o poder. A canção é relaxante, mas também tem um toque de animação, o que a torna tão diferente. “Estou muito feliz de conseguir reunir dois monstros sagrados da música brasileira. O Seu Jorge tem uma das melhores vozes que conheço e o Black Alien é um letrista de primeira. ‘Final de Semana’ tem uma pegada diferente, uma vibe calma, mas também dançante, sabe?”, disse o beatmaker carioca.

Além da mistura dos ritmos, o produtor adicionou instrumentos clássicos nesse trabalho, o que deu ainda mais genuidade ao som. No final do clipe, é possível ver alguns violinistas, um baixista, pianista e violoncelista finalizando a canção. Papatinho garantiu que o single estará presente em seu primeiro álbum, intitulado Workaholic. Quando Seu Jorge canta “liguei pro Papatinho perguntando se ele tinha uma batida pra mim”, era praticamente impossível que a resposta fosse “não”. – Giovana Guarizo

Cardi B – Up

Coroada como Mulher do Ano pela Billboard, ficou claro que Cardi B dominou 2020. Depois de um ano liderando as paradas, dominando as plataformas de streaming e consolidando sua carreira como rapper, parecia difícil Cardi B conseguir replicar a sagacidade que tornou WAP um dos maiores sucessos de sua carreira. No entanto, ela consegue surpreender novamente com Up, segundo single de seu novo projeto.

Aqui, ela se distancia de uma melodia mais elaborada em busca um beat mais tradicional, e também se afasta da temática sexual de seus últimos singles para colocar seu poder, beleza e rivalidades como tema principal. A música é carregada pelo flow energizante de Cardi, que retrata acontecimentos de forma cômica e com sua presença inigualável (“Era uma vez, cara, eu escutei que eu era feia/Veio de uma vadia que o cara queria transar comigo”). Se o álbum da rapper for meramente parecido com os seus últimos singles, não há dúvida que será um dos maiores sucessos do ano. – Laís David

Noname – Rainforest

Três anos após a estreia badalada de Room 25, a rapper e ativista Noname está preparada para embarcar em um novo ciclo musical com o lançamento do música Rainforest. Ela também confirmou que seu segundo álbum, intitulado Factory Baby, será disponibilizado mais tarde esse ano, ainda sem uma data específica.

Em Rainforest, Noname continua exibindo seu talento para letras íntimas e radicais e batidas precisas e pesadas. Cada verso do single é lido com uma intensidade e uma vazão de significado que ajudam a estabelece-la como uma das melhores liricistas da atualidade, como se o seu trabalho em Room 25 não fosse prova suficiente dessas habilidades.

É um rap triste, sobre o sofrimento das comunidades periféricas, racismo e capitalismo. Ela invoca revolução com um cansaço característico daqueles que passaram a vida lutando, mas com a certeza dos que deram a vida pela causa, e é isso que torna sua música tão memorável. Rainforest se encaixa como uma luva na discografia de Noname, ecoando o seu ativismo e sua visão anticapitalista em versos sagazes e muito bem produzidos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Allie X – GLAM!

GLAM! foi um presente para os fãs. A faixa, gravada em 2013 e vazada na internet em 2015, finalmente foi lançada oficialmente em 4 de fevereiro de 2021 para comemorar o relançamento do vinil do CollXtion I, o EP debut da canadense. Assim como muitas outras unreleaseds de Allie que nunca viram a luz do dia (oficialmente), GLAM! é sinônimo da excelência da cantora como compositora e produtora.

A faixa é do jeitinho X de ser: synthpop, chiclete e extremamente contagiante. O que mais será que Allie tem escondido no seu HD que ainda não ouvimos? Fica o mistério… Mas das que já conhecemos, vamos orar para que Alexandra disponibilize Oh Chad e Tongue Tied também de forma oficial nas lojas virtuais e streamings. – Jho Brunhara

Thiaguinho e Luísa Sonza – Cansar Você

Que o Thiaguinho é do pagode o Brasil já sabe, mas e a Luisa Sonza? A cantora surpreendeu com o novo single Cansar Você, em parceria com o pagodeiro. E deu mais do que certo. A voz de ambos se conectam e trazem uma sensação gostosa ao ouvir. A primeira vez que a artista pop cantou esse gênero foi com Dilsinho em Não Vai Embora, mas dá para sentir que só dessa vez ela mergulhou de verdade no ritmo brasileiro.

O furacão Luísa Sonza já deixou claro que veio pra ficar e que gosta de desafios. Ela caiu em um ritmo completamente diferente em sua carreira e os resultados foram bons. O excepcional veterano Thiaguinho soube conduzir a cantora ao ritmo, o que resultou em uma junção musical um tanto quanto adorável. Para fazer jus à música, o clipe foi gravado com cenas da paisagem da Barra de Guaratiba, no Rio de Janeiro. Um audiovisual solar e simples, mas que dá todo o toque que a faixa precisa. 

É uma honra para qualquer artista poder cantar pagode ao lado de Thiaguinho e a dona do hit Braba soube aproveitar essa oportunidade. A voz dos dois cumpre o que promete e a música não cansa você, muito pelo contrário, foi feita para dar replay várias vezes. – Giovana Guarizo

MARINA, Pabllo Vittar e Empress Of – Man’s World (Remix)

Os últimos anos da carreira de MARINA foram questionáveis. De um suprassumo pop como o Froot até o decepcionante Love + Fear, as expectativas do público com o quinto disco da galesa não eram tão altas. Quando MARINA lançou a primeira versão de Man’s World, a sonoridade não era nada além do que esperado de seus trabalhos anteriores. Uma letra reflexiva, feminista e uma produção comum não impressionam um ouvinte fora do nicho musical de MARINA, já que é tudo que ela entrega desde o início de sua carreira.

No entanto, o remix da estadunidense Empress Of deixou Man’s World mais interessante. A música também prova o grande alcance de Pabllo como artista. Sua adição é muito bem vinda na canção e prova que a brasileira tem muito a oferecer em sua carreira internacional – sua naturalidade ao cantar em inglês e os vocais excepcionais a tornam destaque na canção. Longe de tentar demais, a música se transforma em um ótimo eletropop e eleva as expectativas do novo projeto de MARINA. – Laís David 

Rebecca Black, Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3 – Friday (Remix)

O ano é 2011, e um novo meme domina a internet: o videoclipe para a música Friday de Rebecca Black. No Tumblr, só se flodam gifs do vídeo; no Twitter só se fala como a música e o clipe são terríveis; no YouTube rapidamente pipocam paródias e o upload original se torna o recordista em dislikes. Black é, sem dúvidas, uma das maiores lendas da internet e dona de um dos mais gigantescos virais que já vimos. Mas é também vítima de uma onda avassaladora de cyberbullying e também assédios na vida real.

Hoje, a recepção negativa de Friday é uma memória distante do que a carreira artística da cantora significa. Desde então, a viciante Foolish nos fez agradecer que Black não abandonou seus sonhos de cantar, e a honesta Self Sabotage mostra que por trás daquela garota de 2011 que só queria lançar uma canção e se divertir com seus amigos sempre existiu uma grande artista.

Finalmente, no aniversário de 10 anos da música original, Friday (Remix) conclui um arco da vida de Rebecca. Produzida por Dylan Brady do duo 100 gecs e com participação de Dorian Electra, Big Freedia e 3OH!3, o remix hyperpop se inspira na intensidade eletrônica do selo e conta com vocais distorcidos, sintetizadores estridentes e novos versos. Com projetos do gênero propositalmente criados para soarem como um exagero da fórmula pop, hoje podemos dizer que Friday apenas estava muito a frente de seu tempo. Quem diria que Rebecca Black inventou a PC Music? – Jho Brunhara

HAIM e Taylor Swift – Gasoline 

O Women In Music Pt. III não precisava de remix nenhum. Mas, já que as HAIM tomaram a decisão de expandir o conceito do disco, que bom que o trio soube muito bem quem chamar para as colaborações e como as novas versões funcionariam. Depois de sussurrarem ao fundo de no body, no crime em dezembro, Este, Alana e Danielle convocaram Taylor Swift para cantar Gasoline. Sem a adição de novos versos ou batidas, a canção ganhou a vivacidade e o espírito resiliente da loirinha. 

Swift, intitulada a quarta irmã HAIM, entra na faixa com o timbre diferente do comum e surpreende pela versatilidade de se adaptar tão facilmente no ambiente de rock melódico da banda. Fora a parceria com Taylor, o grupo ainda regravou 3am ao lado de Thundercat. A repaginação da booty call é singela, mas a original ainda grita mais alto. O Women In Music Pt. III ganhou uma Expanded Edition com os dois novos registros, o que só serve para bagunçar as bibliotecas do Last.fm mas, quando o debate é sobre material novo das HAIM, a resposta sempre será positiva. – Vitor Evangelista

FINNEAS – American Cliché

Os irmãos O’Connell não têm tempo para descanso. Enquanto Billie Eilish lança seu primeiro documentário e trabalha no segundo álbum de estúdio, seu irmão FINNEAS também prepara o terreno para o seu próximo disco. Com o seu EP Blood Harmony lançado em 2019, e a versão Deluxe em 2020, o cantor já vem revelando novas faixas há alguns meses, como Can’t Wait To Be Dead e Where The Poison Is. 

A bola da vez é intitulada American Cliché, que teve o lançamento acompanhado por um lyric video. Com toques de jazz vibrantes, FINNEAS parece estar apostando em novos estilos, e que destoam cada vez mais do trabalho com sua irmã caçula (e que bom!). A própria capa do single remete à estética de cassinos e clubes noturnos, mas sem perder a vibe romântica e cada vez mais galanteadora do cantor. Enquanto o novo disco não chega, resta aguardar pelo videoclipe conceitual que pode resultar dessa grande fusão de elementos. – Vitória Silva

Ludmilla, Major Lazer, ÀTTØØXXÁ e Suku Ward – Pra Te Machucar

Ela não para! 2021 tem apenas três meses e nesse curto tempo Ludmilla deixou a sua marca com o álbum Numanice (Ao Vivo), que já é um clássico do pagode e uma grande conquista para sua carreira, e o hit Deixa de Onda, parceria com o DJ Dennis e o rapper Xamã. Mas a estrela do funk mostrou que vai trabalhar duro e nos presentear com ótimos lançamentos durante todo o ano. A canetada desta vez é Pra Te Machucar, produzida pelo trio Major Lazer e com a participação do grupo baiano ÀTTOOXXÁ e do artista jamaicano Suku Ward.

Lançado em 19 de fevereiro, o clipe super produzido e gravado em Itu – interior de São Paulo – traz a história de uma cantora negra sequestrada por empresários e substituída por uma artista branca em uma apresentação. Nossa heroína e xerife Ludmilla vai atrás dos vilões e liberta a mocinha que chega a tempo no show desmascarando a impostora e nocauteando os aproveitadores. Tudo isso numa estética faroeste com direito a muitos tiros e é claro, a coreografia da Lud esbanjando seu ponto forte que é a sensualidade.

A obra foi dirigida por Felipe Sassi, que já trabalhou anteriormente com Ludmilla no clipe Rainha da Favela que fez bastante sucesso no ano passado. Não contente em colecionar músicas na boca do povo, a funkeira agora quer construir uma videografia caprichosa, e está conseguindo. Pra Te Machucar acaba de se juntar no altar dos clipes viciantes ao lado de Verdinha, Rainha da Favela e Cobra Venenosa – que, apesar da qualidade questionável da música, no mudo o vídeo é bem feita, vai. – Giovanne Ramos

Nick Jonas – Spaceman

O irmão Jonas de carinha angelical e dono do coração de muitos adolescentes da época boa da Disney não existe mais. Ele foi substituído por um galã charmoso, digno de interpretar Alex em Jumanji: Bem-Vindo à Selva. Nick Jonas ainda mantém o talento inestimável que os fãs encontraram em A Little Bit Longer, umas das suas primeiras composições. Porém, o amadurecimento musical é nítido quando comparamos a carreira atual com os primórdios solo. 

Seu mais recente projeto, Spaceman, é um single futurista com uma letra cheia de referências para o período atual. O cantor define seu sentimento em relação à pandemia do coronavírus como se estivesse no espaço, vivendo conforme um astronauta. A angústia e a insegurança de estarmos confinados em casa é muito clara. Talvez, a  irresponsabilidade do ex-presidente dos Estados Unidos foi a cartada final para que o cantor desse uma pequena indireta e extravasasse toda sua emoção em música, especialmente nos versos “E eu estou falando com você/Mas nunca parece que chega até aí” e “Dizem que é só uma fase, que vai mudar se nós votarmos”.

A batida estilo ficção científica, que é até mesmo robótica, acompanha um ritmo mais rápido da voz de Nick, o qual se opõe totalmente a Jealous, seu primeiro grande sucesso na carreira solo. Sua genialidade e destreza em se multifacetar em harmonias diferentes é um grande sinal de que uma nova era está a todo vapor para nos apresentar o que seu personagem Nate cantou uma vez: “Vou tentar fazer o meu melhor para impressionar/Mas é mais fácil deixar você dar um palpite para o resto”. – Júlia Paes de Arruda

Gilberto Gil, Bem Gil e Gilsons –  Refloresta

Durante a carreira, Gilberto Gil fez uma harmoniosa trilogia de álbuns que receberam o nome iniciado em “R”, são eles: Refazenda, Refavela e Realce. A família Gil é clara evidência de que o fruto não cai longe do pé. Iniciados na música com o tropicalista, os filhos e netos esbanjam talento por onde passam. E agora, o filho Bem Gil e o trio Gilsons (composto por dois netos e um filho) se juntam ao patriarca para gravar Refloresta. A belíssima canção foi produzida para uma campanha do Instituto Terra.

A música, que tem por intenção incentivar o reflorestamento, não poderia ter sido cantada por uma voz mais acalentadora do que a de Gilberto Gil. A guitarra do produtor Bem se mistura a guitarra Francisco Gil, ao baixo e cavaquinho de João Gil e à bateria e percussão de José Gil, compondo assim um verdadeiro hino conscientizador. O trabalho conta também com um sagaz clipe, onde florestas nascem na cabeça dos músicos. Ainda houve uma campanha no TikTok (entre os dias 22 e 28 de fevereiro) nomeada: #ReflorestaComGil. A cada vídeo criado com a música no aplicativo, a plataforma vai plantar uma árvore no Instituto Terra. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Bad Bunny e ROSALÍA – LA NOCHE DE ANOCHE

O encontro do reizinho do reggaeton com a princesa do pop espanhol e do new flamenco é algo a ser admirado, e se LA NOCHE DE ANOCHE já foi algo que agradou os nossos ouvidos ao ser lançada em novembro de 2020, seu vídeo clipe materializa no visual a química entre ROSALÍA e Bad Bunny. Nomes em vertiginosa ascensão nos últimos anos, a dupla colaborou numa canção apaixonada que abaixa a guarda das personalidade marcadas que ambos os artistas carregam em seus trabalhos, sendo uma das faixas mais suaves do repertório de EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO, álbum mais recente de Bad Bunny que abriga a canção. 

No vídeo, a direção de arte de Liam Moore se esbalda de referências surrealistas e paisagens oníricas, criando ambiente perfeito para o romantismo de ROSALÍA e o timbre açucarado de Bad Bunny ecoarem. E assim como a sensualidade da letra surge sem rodeios, a predominância dos tons pastéis vez ou outra são atravessados por texturas aveludadas e um vermelho flamejante. O conjunto da obra é uma melação com toda a licença poética e a dupla – literalmente – pega fogo num romance dos bons. – Raquel Dutra

Daft Punk – Epilogue

Tão silencioso quanto tudo o que permeou sua existência virtual – com exceção ‘apenas’ de sua música -, Daft Punk chegou ao fim. Sem grandes despedidas e com poucas informações, o duo composto por Guy-Manuel de Homem-Cristo e Thomas Bangalter anunciou o encerramento de suas atividades em conjunto através de um vídeo disponibilizado no YouTube no dia 22 de fevereiro. Em cenas recortadas de um outro filme que a dupla fez em 2006, Epilogue coloca os fãs do duo para assistir novamente um dos membros implodindo em mil pedacinhos e se desfazendo em poeira depois de seguir um caminho diferente do de seu parceiro, transmitindo um recado que não poderia ser mais claro ao sinalizar os caminhos diferentes que a vida e a arte tomam num intervalo de quase 30 anos.

Profetas de um futuro virtual, os donos do hit Harder Better Faster fundamentaram sua música em pontuações irônicas sobre a decadência de uma sociedade cujas relações são cada vez mais superficiais. Depois de deixar a banda Darlin’, desistindo do indie rock em 1993 para cair nos braços da música eletrônica, Daft Punk construiu um lar na house music e no techno, sem nunca deixar de reverenciar clássicos do pop e do rock. Quando o mundo inteiro caiu na sua influência, o duo surpreendeu ao assinar uma música mais ‘natural’ em seu último disco, Random Access Memories.

Em hiato há oito anos, a expectativa que pairava sobre o nome Daft Punk era o nascimento de uma nova era, novos trabalhos e perspectivas para o duo, mas tudo isso se transformou na confirmação do fim. Influenciando as tendências da música massivamente em gêneros muito além do nicho eletrônico, o legado que a dupla deixa depois de 28 anos de atividade é presente, concreto e quase-humano, já que a música é um dos elementos mais vivos que existe, especialmente a que um dia surgiu de artistas que construíram uma carreira tão dinâmica quanto Daft Punk. – Raquel Dutra

Performances

The Weeknd no Super Bowl LV Halftime Show

Realizar o show do intervalo de um dos momentos mais importantes dos EUA representa uma enorme consolidação na carreira de um artista. O gramado já recebeu nomes como Michael Jackson, Rolling Stones, Beyoncé e, ano passado, Shakira e Jennifer Lopez se apresentaram para o público mundial na final do maior evento esportivo televisionado. Em 2021, foi a vez do nome do momento ganhar os holofotes em um espetáculo de arrepiar – The Weeknd, em um terno vermelho brilhante, cantou seus sucessos marcantes em uma megaperformance repleta de fogos de artifício e dançarinos sincronizados, e que custou 7 milhões de dólares ao canadense.

O Raymond James Stadium estremeceu com o cenário de espelhos e letreiros neon que abrigavam um batalhão de talentosos músicos no coral da abertura. Starboy iniciou o espetáculo, seguido intimamente de The Hills. A apresentação não demorou para incluir réplicas enfaixadas com terninhos vermelhos (mas não brilhantes) ao som de Can’t Feel My Face para transitar em direção a I Feel It Coming. À essa altura, não havia mais uma garganta em plena funcionalidade no estádio da final entre Kansas City Chiefs e o Tampa Bay Buccaneers, principalmente quando Abel entoou Save Your Tears, uma das estrelas da era After Hours. 

Foi Earned It que preparou o terreno para o maior hit de 2020: Blinding Lights finalizou o evento de forma magnífica, com The Weeknd no centro do gramado dançando, correndo e desfilando. Foi épico, espetacular. Com muito charme, carisma, e, acima de tudo, talento, Abel Tesfaye e sua voz magnífica protagonizaram um intervalo com mais cara de atração principal do que secundária. Não há ninguém maior que The Weeknd, e isso foi deixado bem claro na noite do último dia 7 de fevereiro. – Caroline Campos

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