Giovanna Freisinger

Na televisão, a regra é clara: quanto mais tempo no ar, mais dinheiro para a emissora. Há pelo menos duas temporadas, O Conto da Aia vem tentando encontrar maneiras de adiar ao máximo seu inevitável fim. A conclusão da quarta renovou os ares para o enredo, com June (Elisabeth Moss) finalmente escapando de Gilead e alcançando sua liberdade, mas, ao arrastar o desenrolar desse novo cenário durante toda a extensão da quinta, a história caiu em mais um ciclo repetitivo. A série, que antes prendia a atenção mesmo diante das sequências mais difíceis de digerir, agora não consegue manter o espectador interessado o suficiente para o próximo episódio. 

O lançamento de The Handmaid’s Tale foi um divisor de águas para a emissora Hulu e um marco para a indústria. A produção era sempre mencionada entre os destaques da chamada nova era de ouro da televisão. Em 2017, seu ano de lançamento, ganhou oito dos treze troféus Emmy a que concorria, inclusive o de Melhor Série de Drama. Esse ano, a obra que costumava varrer a premiação foi indicada em apenas uma categoria: Melhor Atriz em Série de Drama, contemplando o trabalho de Elisabeth Moss. A atriz já recebeu outras sete nomeações e levou para casa dois prêmios, um pela mesma categoria desse ano e o de Melhor Série de Drama, já mencionado, enquanto produtora.

Com a história baseada no romance de 1985 de mesmo nome escrita por Margaret Atwood (que explora uma distopia totalitária fundamentalista cristã, fundada sobre discursos não tão distantes da nossa realidade), a série foi um sucesso absoluto, em audiência e em recepção da crítica. Rapidamente se tornou um fenômeno cultural: as frases, os símbolos e as vestimentas ficcionais foram incorporados por movimentos sociais reais ao redor do mundo, para comunicar mensagens importantes em comum com a temática da obra.

Entre os grandes diferenciais de O Conto da Aia sempre esteve a fotografia provocativa, do diretor Colin Watkinson, o que consolidou uma forte identidade visual para a obra. Nas paisagens da fria e dura Gilead, se destacam os uniformes coloridos que separam as castas – especialmente o vermelho sangue dos mantos das aias. As representações dos rituais e cerimônias traziam beleza ao perverso, com a coreografia da câmera, dos atores e do cenário em sincronia. A semiótica não era só muito agradável aos olhos, mas foi também um mecanismo utilizado para elevar a história, capaz de transmitir sensações e imergir o espectador naquele universo cruel, com eventuais pistas de humanidade. 

Após a transição para Toronto, no entanto, o visual se perdeu, a ponto das cenas serem facilmente confundidas com qualquer outra série americana genérica de uma grande emissora. A direção manteve a qualidade e se destaca em momentos, mas às vezes tropeça em escolhas confusas que parecem uma tentativa desesperada de compensar o roteiro fraco e invocar algum drama. Três dos dez episódios, inclusive o final, Segurança, foram dirigidos por Moss, que se arriscou por trás das câmeras pela primeira vez na temporada anterior e demonstrou potencial.

A repetição dos mesmos conflitos e dinâmicas balança a catarse na frente dos olhos do público, mas nunca o deixa alcançá-la. A sexta temporada já está confirmada como a última e, com isso, muitas questões em aberto precisarão ser solucionadas. Porém, nos distanciamos tanto da luta e do sangue dos primeiros episódios, que essas tão esperadas resoluções perderam a urgência. Quando a história ainda fazia sentido, cada capítulo ficava na mente por dias depois de assistido. Isso não acontece mais, as direções tomadas se tornaram banais e esquecíveis.

Ainda assim, é difícil deixar a série ruim, por o material original ser tão bom – apesar de parecer não faltar esforços por parte da produção. Mesmo tendo perdido o foco, o roteiro do criador Bruce Miller incorpora novos elementos interessantes, agora fora do sistema de Gilead que já conhecemos, como o crescimento do sentimento de ódio aos imigrantes no Canadá e a formação de movimentos de apoio ao governo teocrático no país, nos lembrando como a distopia pode estar mais próxima do que imaginamos. 

Também é muito interessante a maneira como a quinta temporada se aprofunda nos efeitos do trauma sobre as personagens e como ele se manifesta no dia a dia e em seus relacionamentos. June e as outras sobreviventes experienciam sentimentos conflitantes ao se verem diante de uma encruzilhada: buscar vingança ou seguir em frente e tentar retomar suas vidas. Os que ficaram, como Luke (O-T Fagbenle), têm que lidar com seu próprio trauma, enquanto se mantém consciente de que nunca será capaz de compreender o que a esposa passou e, portanto, como ela se sente e age. June Osborne continua sendo uma das personagens mais bem construídas da televisão, mesmo que, infelizmente, nem ela resista ao esgotamento do conteúdo. Está na hora de O Conto da Aia acabar com a tortura de June – e do seu público.

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Costanza Guerriero

Há cinco anos, The Marvelous Mrs. Maisel nos conta como é ser uma mulher comediante nos anos sessenta. Não apenas uma mulher, mas uma mulher divorciada que decide trabalhar. Não apenas trabalhar, mas trabalhar com comédia. O fim da série confirma que a produção sempre tentou trazer uma mensagem para além do que é conviver com o machismo, sendo sobre a possibilidade de quebrar as regras que a sociedade nos impõe – não porque se deve, mas porque se deseja. A produção conta uma história sobre ter coragem de fazer o que deve ser feito, para chegar nos lugares que se deseja, mesmo carregando um enorme fardo: ser uma mulher ambiciosa. Vencedora de vinte Emmys, este ano a produção chegou mais uma vez na premiação concorrendo a quatorze prêmios, incluindo Melhor Série de Comédia, e tornando-se uma das preferidas pelo seu brilhante desfecho.

A quinta e última temporada é agridoce e tem seu início com a protagonista à beira da morte. Após enfrentar duras verdades ditas por Lenny Bruce (Luke Kirby) e uma nevasca que a leva a hipotermia, a jornada final de Miriam Maisel (Rachel Brosnahan), é, na verdade, aquela que determina o ponto de virada de sua carreira no stand up. Sem mais se esconder na casa de shows de strip-tease, a comediante trata de voltar a perseguir seu sonho, para dar aos fãs seu merecido final. Ao longo dos nove episódios, a produção da Amazon descarta clichês e se reinventa na maneira de conduzir a narrativa, que, apesar de possuir uma atmosfera bem diferente das anteriores, jamais perde seu charme característico.

A temporada trabalha com longos monólogos, e claro, diálogos rápidos e inteligentes, peculiaridades dos roteiros de Amy Sherman-Palladino e seu marido, Daniel Palladino. Diferentemente da conclusão que deu para as Gilmore Girls, em Gilmore Girls: Um Ano para Recordar, que além de desagradar o público deixou muitas pontas soltas, a roteirista escreve Mrs. Maisel com mais cautela, e procura amarrar o maior número de tramas possíveis. Para que todas as histórias fossem contadas a tempo, foi utilizado o recurso de salto temporal, permitindo que o público vislumbrasse, já logo no primeiro capítulo, o futuro renomado reservado à Midge Maisel. Sherman-Palladino faz questão de construir uma protagonista imperfeita e relacionável, que vive o drama da mulher que prioriza sua carreira acima dos seus relacionamentos familiares, mostrando ao público as consequências, tanto negativas quanto positivas, da escolha de tomar as rédeas da própria vida.

É claro que  diálogos tão complexos e ágeis não bastam apenas serem bem escritos, mas bem interpretados, coisa que Brosnahan continua fazendo sublimemente, rendendo sua quinta indicação ao Emmy de Melhor Atriz em Série de Comédia. A evolução de Maisel é acompanhada pelo crescimento de outros personagens. Da conturbada relação de sua agente, Susie Myerson (Alex Borstein) com a máfia e seus novos clientes até as epifanias dos pais de Maisel, os relacionamentos vão se intensificando ao longo de uma temporada que dá bastante espaço para cada ator brilhar.

Um dos personagens que mais se desenvolve ao longo da série é o pai de Maisel, Abe Wiseman, interpretado pelo carismático Tony Shalhoub (Monk: Um Detetive Diferente). Sua trajetória passa do patriarca da família judaica do Upper West Side, para o jornalista de esquerda, que compreende as injustiças da vida. Shalhoub entrega um dos monólogos mais marcantes da temporada, no episódio A princesa e o pedido, no qual entende como uma paternidade machista o impediu de reconhecer, durante tanto tempo, o talento e as conquistas de sua filha. Infelizmente, dessa vez, o ator não conseguiu o que seria sua quinta indicação ao Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia, uma arbitrariedade da Academia, já que apenas o monólogo do episódio oito em si já deveria render uma menção.

Além da forte presença do pai, é revelado que muitos homens ainda fariam parte da vida de Maisel. Por meio dos flashforwards, vemos que a vida futura de fama e sucesso da personagem também seria acompanhada por cinco divórcios e muitos namorados. Nesse quesito, a série gosta de enganar o espectador, flertando sempre com a ideia de algum possível romance em sua vida. Um relacionamento que já tinha passado do prazo de validade, mas que os roteiristas continuaram a insistir, foi o da protagonista com Joel (Michael Zegen), o ex-marido, além da constante expectativa de que algo poderia surgir entre ela e o seu chefe, Gordon Ford (Reid Scott). Essa insistência servia apenas para confundir quem assistia, passando essa falsa sensação de que o desfecho final de Maisel também deveria resolver seus relacionamentos amorosos, quando na realidade a história nunca foi sobre isso.

Dentre os casos amorosos que tentaram forçar a Maisel, um que de fato ganhou espaço no coração do telespectador foi o slowburn com Lenny Bruce (Luke Kirby). O que encantou o público com essa dinâmica é a maneira como ele sempre reconheceu que a carreira de ambos era mais importante do que qualquer eventual relacionamento que poderia florescer entre eles. O personagem de Lenny serviu sempre como uma bússola para protagonista, o talento dele a impulsionava, enquanto a sua comédia o inspirava. Com toda certeza, as poucas cenas dedicadas aos dois deixaram todos com um gostinho de quero mais, contudo, é de se admirar como uma personagem com tão pouco tempo de tela, como foi com ele na última temporada, conseguiu deixar sua presença marcada por todos os episódios. Isso é dado ao inegável magnetismo de Kirby, indicado mais uma vez ao Emmy de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia.

O tamanho da falta de importância dada à necessidade de Maisel ter o seu ‘felizes para sempre’ com um marido foi equivalente à importância atribuída à amizade entre ela e Susie. Os altos e baixos dessa relação são mais bem explorados no episódio zombenagem, inteiramente dedicado a aprofundar como seria essa amizade no futuro, e não à toa, a última cena de toda a série é reservada a apenas elas duas. A combinação explosiva de Brosnahan e Alex Borstein consegue tanto nos arrancar lágrimas quanto gargalhadas histéricas, e são juntas o núcleo da narrativa, nas suas potencialidades femininas, cada uma à sua maneira, e ‘peitos empinados’. No Emmy 2023, Borstein recebeu sua quinta indicação a Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Comédia, fato importante para o ano no qual finalmente recebemos a confirmação de que Susie é, de fato, uma personagem queer.

Dessa forma, a maioria das trajetórias são bem finalizadas. O enredo de Rose Weisman (Marin Hinkle), mãe de Maisel, já estava encaminhado nas temporadas anteriores, nas quais a personagem teve maior desenvolvimento. Com certa inspiração na filha, perseguiu seus sonhos e conquistou uma carreira que desejava no ramo das casamenteiras. O núcleo que ainda teve bastante tempo em tela foi o de Moishe (Kevin Pollak) e Shirley Maisel (Caroline Aaron), ex-sogros da protagonista, que alegram a série com suas trapalhadas na loja de tecidos e vivências matrimoniais. Contudo, enquanto tantos arcos foram tão bem pensados, outras participações não foram nem ao menos desenvolvidas, como a conclusão da comediante Sophie Lennon (Jane Lynch) e a breve e esquecida participação do personagem interpretado por Milo Ventimiglia (This is Us).

Como é perceptível, The Marvelous Mrs. Maisel coleciona indicações ao Emmy 2023 e arrebata a todos com qualidade de roteiro, atuações, design de produção, e claro, figurino. Este último ponto, assinado por Donna Zakowski, sempre foi muito potente na série, e a evolução de Maisel é espelhada nas suas vestimentas. Na temporada final, ela já abandonou há muito tempo os robes e bobs na cabeça para agradar o marido. A relação que Maisel tem com a moda sempre foi bem explícita, mostrando como seus vestidos rodados e conjuntos vibrantes são elementos fundamentais para que a comediante consiga se expressar e se sentir confiante. No episódio final são dedicados bons minutos a respeito do vestido perfeito, que ela planeja usar nos seus grandes quatro minutos no show televisivo de Gordon Ford.

Four Minutes é o último dos nove episódios e o mais bem construído de todas as temporadas – e quem sabe de toda a produção. Após tentar e tentar, Maisel finalmente consegue sua tão aguardada aparição no programa de TV que trabalha. A atmosfera do palco do The Gordon Ford Show é palpável dos sofás de nossas salas. Vemos a mesma tensão entre Maisel e o microfone que existiu no primeiro capítulo da série, quando ela fez seu primeiro show no speak easy. Cada segundo arrepia na expectativa de assistir ao último ato de stand up de Midge Maisel. Em meio às piadas inteligentes e afiadas, o monólogo fala daquilo que guiou toda narrativa da protagonista: a independência. A comediante discorre, ali nos seus quatro minutos, sobre o que isso significa para ela, para sua filha e para todas as mulheres daquele auditório. 

The Marvelous Mrs. Maisel se encerra deixando um grande legado para as produções da Amazon, não apenas pela sua presença marcada em todas as edições do Emmy desde 2018, mas pela bela mensagem que nos deixa. “Ser covarde só e fofo no Mágico de Oz”. Enquanto a sociedade, não a dos anos sessenta, mas a atual, impõe todo tipo de regras para dominar as mulheres, cabe a nós termos a ambição como estrela guia de nossas escolhas, sejam elas quais forem. A série também deixa uma difícil tarefa para suas sucessoras, ao tentarem equiparar com a qualidade da produção, em todos os aspectos. Mesmo que a última temporada não tenha sido a mais memorável, o último “thank you and good night” de Mrs. Maisel perdurará por muito tempo. 

Senhoras e senhores, fazendo sua primeira, mas não última, aparição, eu apresento a magnífica, a mágica, a maravilhosa Sra. Maisel

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Nathalia Tetzner 

Amor e ódio são dois extremos, incoerentemente, próximos. Prova disso é o enredo da 5ª temporada de Big Mouth, que mostrou como o caminho entre esses sentimentos tão opostos pode ser curto. Instigados por Jessi Glaser (Jessi Klein) e suas atitudes egoístas, Missy Foreman-Greenwald (Ayo Edebiri), uma de suas melhores amigas, e Nick Birch (Nick Kroll), seu admirador apaixonado, se converteram do amor ao ódio e rapidamente viraram os maiores inimigos da adolescente. Cegos de raiva, eles também roubaram o protagonismo e se tornaram a dupla que os fãs não sabiam que precisavam. 

Responsáveis por ditar o ritmo, a entrada das personas completamente distintas do Besouro do Amor e da Minhoca do Ódio acrescentaram profundidade na jornada de Missy e Nick. Sempre recheados de referências culturais, os novos episódios de Big Mouth contaram com Keke Palmer dublando a, ironicamente carismática, Minhoca do Ódio Rochelle. O ápice foi atingido já de primeira em Novembro sem gozo, quando Hugh Jackman deu vida a sua versão em forma de pênis e Jay Bilzerian (Jason Mantzoukas) teve um “orgasmo emocional”, pouco tempo depois de jurar para Lola Skumpy (Nick Kroll): “Eu nunca mais vou gozar na minha vida!”.

“Meu coração estava cego/O amor se perdeu/Estou passando por mudanças”. A redenção de Charles Bradley no cover da música Changes do Black Sabbath mais uma vez se encaixou perfeitamente na narrativa do desenho animado. Afinal, não foram somente os adolescentes que passaram por grandes mudanças, o Besouro do Amor, Walter (Brandon Kyle Goodman), alimentou-se do ódio de um Nick rejeitado por Jessi e se transformou em uma Minhoca do Ódio. As escolhas sonoras para os créditos também foram certeiras, a exemplo dos versos de Tyler, The Creator e Pharrell que ecoaram no final do episódio 7 com IFHY: “Eu te odeio pra caralho/Mas eu te amo/Eu não sou bom em deixar minhas emoções escondidas”.

Jogado para escanteio, o roteiro de Big Mouth até tentou emplacar uma jornada solo para Andrew Glouberman, brilhantemente interpretado por John Mulaney, mas acabou caindo na mesmice, onde o exagero da perversão não atraiu ninguém além de Bernie Sanders (Kristen Schaal), a sua paixão das férias de inverno. Incapaz de cultivar sentimentos ruins e em busca de sua paz espiritual, Andrew se afastou cada vez mais do seu companheiro de tela Nick Birch, deixando o destaque para os personagens que realmente transitaram do amor ao ódio, trajetória que norteou toda a temporada.

Com os nervos à flor da pele, Jay teve que decidir entre uma atração repentina e um relacionamento de idas e vindas. Se o amante de travesseiros se sentiu dividido entre Matthew MacDell (Andrew Rannells) e Lola, o público teve uma certeza: os intérpretes dos momentos mais cômicos da série deveriam interagir em mais cenas. A cheia de atitude Lola Skumpy e a sua dificuldade em expressar sentimentos foram obstáculos para a sua relação com Jay Bilzerian. Por isso, a revelação de Matthew como o vencedor da disputa aconteceu em Feliz Ano Re-Novo, o último episódio caótico da 5ª temporada.

Embora tenha sido o estopim para o amor e o ódio andarem lado a lado no desenho animado, Jessi Glaser perdeu o seu favoritismo dentro e fora da Bridgeton Middle School. Levando os créditos pela mudança de mascote da escola, ideia originalmente levantada por Missy Foreman-Greenwald, o egoísmo da adolescente despertou a inveja de uma das personagens mais queridas pelos fãs em Monstro de olhos verdes, sendo difícil para o público não deixar se levar pelas emoções. Porém, o mesmo episódio conseguiu introduzir um arco interessante para Jessi: o seu romance com Ali (Ali Wong). Relacionamento que garantiu o escândalo do ano após Missy espalhar boatos feito uma hater na internet.

Desprovido de limites, a 5ª temporada de Big Mouth preparou um episódio natalino grotesco. Gravado em stop-motion, a versão boneco dos monstros hormonais Connie (a vencedora do Emmy Maya Rudolph) e Maury narraram pequenas histórias clássicas com a atuação dos personagens principais da série. Um Natal muito Big Mouth prometeu logo nos primeiros minutos a visão do Papai Noel como o público jamais havia testemunhado, de fato, a nudez do bom velhinho e a orgia entre os duendes são imagens que infelizmente demoram para sair da mente de quem assiste. 

Igualmente memorável, a caótica festa de feliz ano “re-novo” que revelou Jay e Matthew, também “re-transformou” o ódio em amor. Ao perceberem o quanto o ódio arruinou as suas vidas, Missy e Nick enfrentaram as suas Minhocas do Ódio. Enquanto a protagonista imediatamente retornou a si mesma, Nick foi teletransportado para o Mundo dos Monstros. Lá, personagem e autor se encontraram de forma inusitada e especial, bastou uma frase de Nick Kroll para que Nick Birch compreendesse quem ele é: “os seus monstros são você”. Encerrando com incontáveis pedidos de desculpas, Big Mouth teve a sua 6ª temporada confirmada e o seu spin-off Human Resources deve ser lançado em breve.

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Gabrielli Natividade da Silva 

O primeiro episódio de La Casa de Papel veio ao ar em 2017, e agora, 5 anos depois, uma das séries mais conhecidas e adoradas da Netflix chega ao fim. A quinta temporada foi dividida em dois volumes (o primeiro lançado no dia 3 de setembro, e o segundo exatos três meses depois), e seguiu a narrativa deixada pela anterior: a gangue ainda estava no Banco da Espanha, depois do assassinato de Nairóbi e da chegada conturbada de Lisboa ao assalto, enquanto o Professor lutava com a fúria da inspetora Sierra e do coronel Tamayo. Só a menção desses pequenos fatos leva à conclusão de que coisas grandes estariam prestes a acontecer para finalizar a produção com chave de ouro e, de fato, aconteceram.

Juntamente com a última temporada, foi lançado o documentário La Casa de Papel: De Tóquio a Berlim (também dividido em dois volumes), que mostra um pouco da rotina por trás das câmeras e a visão das pessoas envolvidas na série. Nele, Álex Pina (produtor executivo) contou um pouco sobre os desafios de criar todo o ambiente de guerra da nova fase, que surpreendeu e agradou o público: “Precisávamos fazer algo maior, mas não sabíamos como abordar o gênero de guerra, nem como filmar, pois é extremamente complicado”. O diretor, Jesús Colmenar, completou falando sobre a pressão de finalizar a trama do jeito certo: “Entrei nisso com uma imensa sensação de responsabilidade […] temos que tornar esta temporada maior, temos que torná-la mais épica”. Felizmente, o resultado não deixou a desejar e entregou um final realmente inesquecível.

Afinal, não dá para falar sobre a última temporada de La Casa de Papel sem mencionar o roubo do ouro. Observando o plano de Berlim e Palermo, a única palavra que vem à mente é “impossível”, mas, na verdade, o roubo realizado no Banco da Espanha seria parcialmente possível, e isso foi explicado no documentário De Tóquio a Berlim. A produção da série contratou um engenheiro naval que fizesse todos os cálculos essenciais para que o plano de extração do ouro desse certo, desde o tempo mínimo necessário, até a pressão, o atrito e todos os outros conceitos de física complexos demais para meros mortais. Então, com a equipe e o material certo, roubar o Banco da Espanha poderia funcionar, exceto talvez pela parte de convencer o governo a substituir a reserva nacional por latão.  

Fazendo uma retrospectiva da série como um todo, não é difícil perceber como ela adquiriu cada vez mais ação em seu enredo, ganhando nesse último momento um tom quase sombrio. As primeiras duas temporadas retrataram o assalto à Casa da Moeda, o qual, apesar de toda a ação e até mesmo as mortes envolvidas, foi muito mais simples quando comparado ao assalto ao Banco da Espanha, mostrado nos últimos três anos. É importante ressaltar, no entanto, que o segundo caso já teve início como uma guerra, quando a gangue começou o crime apenas para resgatar Rio das mãos da polícia, e a equipe policial, que já estava furiosa por não ter tido sucesso em interromper a retirada do dinheiro na primeira vez, não queria errar de novo. Tudo apenas se intensificou no decorrer da série para algo imenso e totalmente inesperado.

Uma possível razão para essa mudança de tom em La Casa de Papel é a modificação sutil na equipe de criação da série. A primeira temporada contava com cinco diretores, sete roteiristas e cinco produtores, enquanto a última contou com apenas dois diretores, quatro roteiristas e o acréscimo de um produtor. A alteração certamente trouxe alterações perceptíveis no curso da trama (como já foi comentado anteriormente), mas a permanência de quase todos os membros da equipe – em especial o produtor Álex Pina e o diretor Jesús Colemar – não permitiu que a essência tão especial da série se perdesse ou que pontas soltas fossem criadas. La Casa de Papel se comprometeu e entregou tudo até o fim. 

Grande parte da emoção da última fase de La Casa de Papel também se deve ao fato de que, diferente da primeira parte da série, o grupo de assaltantes não tem mais a necessidade de evitar criar qualquer tipo de laço afetivo entre si, já que todos se tornaram uma grande família. Nessa temporada final, em vários momentos, era evidente o quanto cada membro da gangue lutou com unhas e dentes para proteger os outros. Mesmo em uma grande guerra contra o governo e o exército espanhol, toda a equipe ainda conseguiu demonstrar amor, apoio e lealdade, passaram por cada vitória e derrota juntos. É também interessante notar como a vulnerabilidade do time foi explorada ao máximo até nos pequenos detalhes, e um grande exemplo disso é a falta da proteção trazida pelas máscaras de Dalí e pelos reféns, experienciada pela primeira vez na história de La Casa de Papel. 

Falando sobre o desenvolvimento das relações interpessoais no novo assalto, é inevitável mencionar como o romance se manteve presente. Na quinta temporada, Estocolmo (Esther Acebo) e Denver (Jaime Lorente) permaneceram como um dos casais principais, mesmo com o desenvolvimento rápido e superficial de um triângulo amoroso envolvendo Julia (Belén Cuesta). Mas o título de casal que tirou o ar dos espectadores uma última vez ficou para Rio (Miguel Herrán) e Tóquio (Úrsula Corberó). Logo de cara, na primeira temporada, La Casa de Papel ofereceu aos espectadores uma paixão ardente entre os dois personagens que faziam tudo um pelo outro. A bolha de amor foi estourada a partir da terceira – após o sequestro de Rio -, mas, nesse último momento, o arco romântico foi encerrado de forma heroica e com muito amor envolvido, como deveria ser.  

A história de Tóquio também foi explorada ao máximo e de todos os ângulos possíveis na última temporada, trazendo uma construção perfeita para o grande momento de redenção da personagem que ficará marcado na história de La Casa de Papel. Quem se recorda da narradora apenas como a responsável por muitos dos problemas da série, desde a primeira temporada, não imaginaria que ela seria capaz de um sacrifício tão grande para salvar sua família. Os últimos episódios do primeiro volume da quinta temporada trouxeram com muita clareza os motivos de Tóquio ter a personalidade explosiva que todos amam (ou odeiam). Sua vida antes de entrar para a gangue foi finalmente contada, e sua importância para outros personagens (principalmente Rio, Denver e o próprio Professor) ficou explícita. Tóquio disse adeus da melhor forma que podia, e todos pararam para ouvir. 

Outro ponto alto da temporada foi o desenvolvimento da relação entre o Professor e a inspetora Sierra, através de uma narrativa imprevisível e muito interessante (é claro que a química entre Álvaro Morte e Najwa Nimri foi o ponto chave para o ótimo resultado). Sierra, desde a sua chegada, se mostrou uma mulher forte e impenetrável que faz de tudo para conseguir o que quer, e não foi diferente quando foi passada para trás por Tamayo na quarta temporada, o que a deixou empenhada em fazer o impossível para encontrar o Professor e entregá-lo para conseguir sua reputação de volta. No entanto, a personagem foi levada ao limite e foi possível notar toda a vulnerabilidade que ela carrega; o Professor, por sua vez, teve um papel essencial na jornada de reconstrução e redescoberta de Sierra. Analisar a forma como a dupla saiu de inimigos para parceiros de sobrevivência, chegando enfim a uma relação de respeito mútuo, foi muito reconfortante.

De todos os arcos que aconteceram ao mesmo tempo na quinta temporada, aquele que deixou os fãs da série mais confusos no primeiro volume foi de longe o de Berlim (Pedro Alonso) e seu filho, Rafael (Patrick Criado). Não é mistério para ninguém que o personagem de Pedro Alonso é um dos mais queridos pelo público desde o início de La Casa de Papel, tanto que suas aparições foram indispensáveis mesmo depois de sua morte na segunda temporada. Porém, nos capítulos lançados em setembro, sua participação foi uma incógnita, com narrativa de introdução ao seu filho (nunca mencionado antes), sem nenhuma relação aparente com a trama principal. Houve muita especulação sobre a participação de Rafael na parte final da série, e o motivo da introdução de um roubo paralelo, mas mais uma vez a série espanhola não deixou de impressionar na perspicácia de um bom plot twist, já que tudo só fez realmente sentido no último episódio. 

La Casa de Papel se despede com uma temporada épica, cheia de emoção e nostalgia, relembrando a todos os espectadores o motivo para terem se apaixonado por ela em primeiro lugar. O final pode ter sido irreal e utópico, mas era o necessário para fechar esse ciclo de forma perfeita e deixar todos com o coração quentinho e com lágrimas nos olhos. Todos os personagens caminharam e celebraram o final juntos, e todos os fãs também. Uma última vez: Oh Bella Ciao, Ciao, Ciao e obrigada pelos anos intensos e recheados de momentos incríveis.

Para todos que já estão chorando de saudade, vale mencionar que a Netflix confirmou no dia 30 de novembro um spin-off focado totalmente no queridinho Berlim, a nova trama leva o nome do personagem e deve chegar em 2023; não parando por aí, a plataforma ainda anunciou o remake sul-coreano La Casa de Papel: Coreia – Área de Economia Conjunta, com um teaser lançado no dia 18 de janeiro, é esperado que o projeto chegue ao serviço de streaming ainda em 2022.

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Raquel Dutra

Ao longo de quatro anos, This Is Us se encarregou de retratar as dores e delícias da vida a partir de crônicas da família Pearson. Com seus personagens profundos e reais, explorados numa história livre e sem amarras, a produção da NBC criou seu maior encanto em sua humanidade radical e melodramática, que gerava fortes relações com seu público ao passo em que criava as mais diversas catarses dentro e fora da tela. Alcançando o clamor da crítica e do público com sua fórmula completamente singular, This Is Us não escapou de viver, como qualquer outra narrativa seriada, seus altos e baixos, e com sua bagagem, chegou ao seu quinto e penúltimo ano. 

“O que resta, então, à grandiosidade narrativa de This Is Us?” era a pergunta que rondava a chegada da quinta temporada da série, que já havia trabalhado incontáveis aspectos da vida de seus personagens, com a característica fundamental de transcender até mesmo o tempo para fazer isso. Envolvendo-se em reviravoltas, reflexões sobre o que havia sido o passado e vislumbres do que viria a ser o futuro, o presente da história estava no marco dos 40 anos dos trigêmeos que nasceram de Rebecca (Mandy Moore) e Jack (Milo Ventimiglia), que acontecia ao mesmo tempo em que o núcleo familiar da série lidava, de forma individual e coletiva, com suas muitas questões, e ao mesmo tempo em que o mundo real vivia um dos momentos mais difíceis da história da humanidade em decorrência da pandemia de covid-19.

Como sempre, corajosa em assumir os rumos de sua própria narrativa e nunca receosa em compreender a vastidão de sua matéria-prima, This Is Us propôs a se envolver com o mundo de forma mais direta, abordando os aspectos da vida real de 2020. Assim, a quinta temporada da série abraça o mundo, a humanidade e sua história, continuando com a sua fórmula de traçar questões reais da vida humana sem deixar de tratar as suas tramas complexas. Agora, porém, o conjunto do trabalho apresentado causa um efeito diferente, que responde aos questionamentos sobre o rumo da produção através da conclusão que resta ao seu público ao fim do quinto ano: This Is Us é algo maior.

O novo nível de This Is Us é alcançado através de alguns elementos. O primeiro – e talvez mais importante deles – é o protagonismo de Randall (Sterling K. Brown), que direciona grande parte dos acontecimentos da nova temporada. A partir do gancho narrativo do fim do quarto ano, a trama da vez se inicia logo depois de uma discussão terrível que ele tem com Kevin (Justin Hartley), e embora a relação dos irmãos seja um dos pontos de maior destaque do quinto ano, assim como a individualidade e sonhos de Kevin, a série não se importa em ser parcial e definir Randall como centro da narrativa. E de forma alguma isso é um erro.

A decisão de concentrar a história em sua figura mais complexa, além de assegurar um desenvolvimento merecido para Randall – que reverbera no avanço de muitas outras personagens, garantindo assim roteiros primorosos para os 16 episódios -, também coloca This Is Us no alinhamento perfeito de seus objetivos no novo ano, isto é, se contextualizar de forma mais direta no mundo real. Afinal, não tem forma melhor de refletir sobre as implicações da pandemia de covid-19 e o levante anti-racista de 2020 do que através do membro da família Person que processa o fato de ter sido criado sem qualquer informação sobre seus pais biológicos, enquanto vive distante da mãe e dos irmãos, cria três adolescentes, trata seus problemas de ansiedade à distância e trabalha como vereador negro de um um distrito de maioria não-branca.

E se a inteligência de Randall administra o contexto pandêmico com maestria, a repercussão do assassinato de George Floyd é, obviamente, um assunto difícil para o personagem de Sterling K. Brown. Ao lidar com os noticiários, com as questões de suas filhas, com a relação abalada com seus irmãos e com o comportamento do resto da família – que é repleto de boas intenções, mas exaustivo para quem é colocado na posição de orientar as ações das outras pessoas -, Randall se vê diante de muita coisa e percebe, mais uma vez, que está em conflito com sua própria identidade.

É assim o primeiro episódio de This Is Us depois de um ano como 2020. Levantando debates sobre relações raciais desde Randall se entende por gente, a trama mantém seu compromisso com um dos temas mais importantes da humanidade e não foge de um dos aspectos mais importantes do último ano. O tato é medido, e sem perder seu fio narrativo, o roteiro de Forty: Part One aprofunda a verossimilhança de This Is Us na personagem machucada e cansada que existe no olhar e na fala de Sterling K. Brown. 

O que a história diz na atribulada abertura da temporada é que o filho perfeito está em um estágio avançado de seu processo de humanização. Ou seja, Randall viverá muitos momentos incômodos e o público discordará muito de suas atitudes. À medida em que ele segue seu processo terapêutico, ele mergulha em si mesmo e se distancia das outras pessoas, num movimento contrário a tudo o que conhecemos do personagem mais abnegado de This Is Us até então. 

Mas essas consequências são inevitáveis, como parte de algo muito maior e muito mais significativo para a trama e para a vida de Randall, que numa conexão direta ao que vivemos depois de tantas tragédias no último ano, diz estar “apenas muito, muito, muito triste”. Ironicamente, felizmente, ele (e nós) podemos contar com a inteligência emocional de Beth (Susan Kelechi Watson), que ancora o coração ansioso do esposo e a emoção à flor da pele do público na essência nada perfeita que une perfeitamente todas as coisas em This Is Us: o amor.

A única coisa capaz de reverter a tendência de This Is Us se transformar em This Is Randall é uma força maior do que a humanidade do personagem. Então, entre as idas e vindas e movimentações do destino sobre a história de vida e família de Randall, a trama nos coloca diante da história mítica de Laurel (Jennifer C. Holmes), sua mãe biológica, de frente com a figura mais fascinante e apaixonante do universo vasto de pessoas que já passaram ou passarão pela série. Sempre retratada um amor absurdo pela memória de William (Ron Cephas Jones), agora, ela encerra a injustiça de não se apresentar dignamente em This Is Us através do lindo roteiro de Eboni Freeman e Kay Oyegun (que também dirige o episódio).

“Você tem os meus olhos. Vejo tanta dor neles”

O encontro espiritual de Randall e Laurel cura as feridas do personagem de uma forma que subverte a tradição dos seus ciclos: se antes ele iniciava um novo ano sob uma plenitude superficial que quebrava sua pessoa ao decorrer da narrativa, agora, existe aqui um processo de reconhecer suas dores logo de início e assim ser capaz de juntar os pedaços de sua identidade. E como já é do conhecimento de quem acompanhou todos os anos de This Is Us, a dimensão da personagem de Randall no sistema da série interfere na dinâmica de todos os outros, que a partir da ligação profunda que eles mantêm uns com os outros, encontram os meios para investigarem suas perturbações e encontrarem seus caminhos.

E assim, This Is Us nos leva ao emocional conflituoso de Kate (Chrissy Metz). A segunda parte do trio de irmãos vive uma nova fase de sua vida, marcada pelo amadurecimento de sua relação com a sua mãe, a satisfação que encontrou na maternidade ao lado de Toby (Chris Sullivan), sentimento que faz o casal decidir por ter mais um filho. Entretanto, a gestação é algo arriscado para a saúde de Kate, que opta, a partir do incentivo do esposo, pela adoção. O processo os leva até Ellie (Annie Funke), que segue com uma gravidez sem o desejo de ficar com o bebê, procurando por pais adotivos para a futura criança. 

As experiências de Kate com a mãe biológica de sua futura filha são positivas, mas desatam reflexões sobre a sua adolescência difícil, quando ela viveu um relacionamento abusivo com Marc (Austin Abram), assunto introduzido na quarta temporada que ganha um encerramento aqui. Entre as conversas daquelas duas mulheres, This Is Us lembra de um aborto que Kate realizou quando o pesadelo da relação tinha chegado ao fim em pleno momento de luto por Jack. E diante dessa situação, a narrativa escolhe um caminho muito feliz, tanto na forma respeitosa como retrata essa parte da história de Kate, quanto na forma satisfatória como resolve as feridas do passado da personagem.

O processo acaba por ser um importante vetor para o desenvolvimento de Kate na penúltima temporada de This Is Us. Observando a forma como sente a situação no presente, ela percebe que as coisas não estão resolvidas e que não tem o impacto que ela imaginava, e ao dividir sua aflição com Toby, decide ir, com o apoio dele, confrontar Marc e encerrar de vez essa parte de sua história. Então, um dos maiores atos da personagem em sua longa batalha com autoestima se concretiza bem diante dos nossos olhos – e dos olhos do homem que a destruiu quando ela tinha apenas 17 anos.

Enquanto Randall conclui sua longa jornada em busca de sua identidade e Kate resolve sua difícil relação consigo mesma, a perfeição narrativa de This Is Us direciona Kevin ao início de um capítulo importante da construção de sua história. Continuando a maior surpresa da quarta temporada, o novo pai da família Pearson desfruta da realização de um sonho. Desde a fascinação com os bebês se mexendo pela primeira vez até a determinação em não perder o nascimento dos gêmeos, o irmão mais velho não decepciona e This Is Us entrega o melhor arco possível para o personagem que por tanto tempo procurou seu lugar no mundo. 

A experiência ainda permite a Kevin desenvolver uma forte conexão com Jack (Milo Ventimiglia), o alvo de toda a adoração que compõe a memória mais amada e dolorida de This Is Us. É dele que vem a mensagem mais forte do ano, que parece definir a concepção da série sobre a vida nesta etapa em que busca ir além. Quando o filho mais anseia por ser como o pai, que é cercado pelo ideal inatingível de paternidade e perfeição, Kevin entende por meio de Jack que a questão toda é muito maior do que uma existência sem defeitos. Porque o amor é muito, muito, muito maior que qualquer outra coisa.

E falando de amor, o sentimento que o astro de Cinema desenvolve por Madison (Caitlin Thompson) constrói um relacionamento repleto de aprendizados. Mesmo que a conclusão dos dois não seja de acordo com o planejado, o fim da temporada chancela um processo importante de consolidação de autoconhecimento em Kevin e de autoestima e amor próprio em Madison, que vence alguns dos monstros que enfrenta desde a primeira vez que apareceu em This Is Us.

Ao cruzar todas as suas tramas complexas, This Is Us resolve algumas delas ao mesmo tempo em que não tem medo de desenvolver outras em sua penúltima temporada. E por mais que o quinto ano da série seja significativo para a história, para seu público e para a relação que existe entre ambos, a produção não conseguiu o mesmo efeito no lugar que poderia encontrar seu reconhecimento. Preparando-se para se despedir da TV aberta norte-americana, a série chegou ao Emmy 2021 com apenas três indicações dentre as categorias principais, ainda na tentativa de se recuperar do desempenho decepcionante do ano passado.

Primeiro, o incomparável Sterling K. Brown é mais uma vez nomeado pelo seu trabalho como Randall em Melhor Ator em Drama, categoria que o viu vencer em 2017 e indicado por todos os anos de This Is Us. No âmbito das atuações coadjuvantes, apenas Chris Sullivan conseguiu chegar à disputa do Emmy, enquanto nas convidadas, Phylicia Rashad convenceu a Academia de TV com a pose irredutível de Mama C, a mãe de Beth. Sem indicações para roteiro e direção, a série da NBC conseguiu ser lembrada em Melhor Série de Drama no meio de gigantes como The Crown, Pose e The Mandalorian.

O quinto ano de This Is Us, que busca como nunca antes a forma como as coisas acontecem no mundo real, na verdade demonstra um outro significado: tratar a vida de forma geral não é o seu foco. A atenção da obra se direciona muito mais para a sua própria história e seus personagens, aprofundando, investigando e curando suas pessoas e suas narrativas. Como consequência da relação íntima que construiu com seu público, esse processo ultrapassa a tela e atinge processos catárticos e terapêuticos de quem acompanha as crônicas da família Pearson durante todos esses anos, mas This Is Us é maior que isso.

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Jordana A. Pironti

Já se perguntou por que o anjo caído decidiu começar uma revolução no Paraíso que o levou a ser castigado e a comandar o Inferno pela eternidade? A segunda parte da 5ª temporada de Lucifer, série da Netflix desenvolvida por Tom Kapinos e comandada por Joe Henderson, coloca o Diabo à frente de seus problemas com seu pai, Deus (Dennis Haysbert), e mostra que na verdade a família celestial é tão desconfigurada e problemática como qualquer outra.

A 5ª temporada aflorou o romance entre o Diabo (Tom Ellis) e a Detetive Decker (Lauren German), mas não por muito tempo. Os novos episódios, embalados por uma trilha sonora carregada de rock alternativo, retomam a briga entre Lucifer, seu irmão gêmeo invejoso Miguel, e Amenidial (D. B. Woodside). Ao que os três estão prestes a encerrar a vida um do outro em meio ao cenário congelado da delegacia de Los Angeles, uma luz branca forte aparece e então Deus, pela primeira vez na série, pisa na Terra.

A psicologia explica que boa parte dos traumas de uma pessoa são decorrentes do tratamento que receberam dos seus pais, e com o Rei do Inferno não foi diferente. Lucifer Morningstar amadureceu muito ao decorrer das temporadas, demonstrando mais autonomia e responsabilidade por suas ações e conhecendo melhor as emoções dele e das pessoas que ama. Mas o grande feito dessa nova parte foi mostrar com ênfase os motivos familiares das inseguranças profundas dele, que são metaforizadas em um comportamento narcisista e autodepreciativo.

Quando Deus tenta uma reconciliação e reaproximação da família, Lucifer, que costumava não reconhecer suas feridas e a justificar os motivos de suas falhas no comportamento dos outros, reage evidenciando os traumas familiares antigos e reativando esses comportamentos. Como consequência, ele passa a duvidar novamente se é merecedor do amor da Detetive.

A série sempre nos leva pelas viagens psicológicas de autoconhecimento do Rei do Inferno, baseadas em sua visão irônica e auto destrutiva, com um leve toque de personalidade intensa. Mas a apresentação de Deus, o ser mais poderoso do universo, como uma figura de pai controlar e ao mesmo tempo negligente, traz o olhar fora do convencional que qualifica Lucifer. 

Caindo em inúmeras contradições, Deus, carregado de frases vagas e indiretas, justifica sua postura distante e fria pela vontade de proporcionar aos filhos livre escolha. No entanto, ele constantemente controla e julga os comportamentos deles, depositando altas expectativas, situação muito bem ironizada no episódio musical em que Lucifer canta e dança com seus colegas de trabalho, durante momentos extremamente delicados, e contra sua vontade.

Lucifer não se entrega ao esperado maniqueísmo de histórias de bem e mal. O andar das temporadas traz constantes quebras de perspectiva, sendo a grande virada de chave relativizar a maldade intrínseca e a bondade absoluta. As pessoas com quem o Diabo se relaciona na vida terrena são capazes de enxergar o melhor nele, isso o impulsiona a crescer e, consequentemente, reconhecer e evidenciar os erros de seu pai, desmistificando a perfeição angelical.

É surpreendente o grande sucesso da série em se conectar com o público. A humanização do divino foi capaz de criar uma conexão inesperada entre o personagem principal, o Diabo, e o telespectador. Acompanhar o crescimento psicológico de Lucifer coloca quem assiste em posição de análise, não apenas sobre os próprios comportamentos mas também sobre a humanidade, evidenciando que nem tudo é preto e branco. Muitas vezes, a realidade pode ser pintada em cinquenta tons de cinza. 

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Vitor Tenca

Os advogados, como agentes essenciais da administração da justiça, devem manter em todos os momentos a honra e a dignidade da sua profissão. Porém, nem todos aqueles que exercem o Direito seguem esses ideais. Um homem claramente dividido entre a uma lei sagrada e uma lei selvagem, Jimmy McGill, ou, como gosta de ser chamado, Saul Goodman (Bob Odenkirk), nos mostra que a lei não precisa usar paletó e gravata – mas, se for usar, que seja algo extravagante e colorido.

Se passando antes dos eventos de Breaking Bad, Better Call Saul (2015), criada e produzida por Vince Gilligan e Peter Gould, captura com maestria a metamorfose de ambientes e caráteres dentro desse universo. Quanto mais se aproxima da linha do tempo de Walter White e Jesse Pinkman, os personagens vão se transformando em suas formas finais, provando o contrário àqueles que acham que a produção possui apenas o papel de complemento para a atração principal. 

A quinta temporada da série passa pela fase “início do fim”, colocando em xeque a dualidade entre o destino inevitável de certos personagens e o ressurgimento de rostos conhecidos. Ao mesmo tempo que passamos a ver sujeitos como Hank Schrader (Dean Norris) e Steve Gomez (Steven Quezada) dando as caras, continuamos nos questionando: o que pode acontecer com personagens como Kim Wexler (Rhea Seehorn), Nacho Varga (Michael Mando) e Lalo Salamanca (Tony Dalton), já que não os vemos no universo posterior da metanfetamina? 

O divisor de águas do personagem decorre da troca judicial de um nome: de James McGill – a eterna sombra de seu falecido irmão, Charles McGill – para o nosso tão conhecido Saul Goodman, o tagarela interpretado por Bob Odenkirk, com seu semblante virtuoso e cômico ao mesmo tempo. Assim como Chucky havia dito, Saul incorpora o clássico Slipping Jimmy com um diploma de Direito, o que nos leva tanto ao início da quinta temporada como ao resto dos acontecimentos de um futuro Gene Takavic.

O que torna Better Call Saul única é o fato de termos diversos personagens principais ao longo de sua trajetória, com histórias igualmente bem desenvolvidas. Um exemplo disso é Kim Wexler, a advogada ideal para qualquer escritório e companheira fiel do nosso homem de muitos nomes. Porém, não somente dentro da lei vive um advogado, cada vez mais seu amor por Jimmy e suas artimanhas crescem, deixando claro que a balança desse relacionamento às vezes pende para um lado só. 

Durante os primeiros episódios, é notável a falta de sincronia do casal, culminando numa das situações mais surpreendentes da obra. Em mais um dos planos infalíveis de Saul, que, como sempre, contam com suas usuais mentiras, as coisas acabam dando errado e colocando Kim em uma situação perigosa em sua própria empresa. Essa falta de equilíbrio nos leva a acreditar num possível fim de relacionamento entre a dupla, mas o inimaginável acontece: os dois passam a ser oficialmente marido e mulher.

Durante a nomeação das séries para o Emmy 2020, a equipe de Better Call Saul foi pega de surpresa depois de não ver suas principais estrelas Bob Odenkirk e Rhea Seehorn nas categorias de atuação – uma decisão no mínimo injusta. A dupla dentro e fora das telas lamentou o ocorrido, mas se demonstraram felizes com a nomeação do programa na categoria de Melhor Série de Drama. Além disso, a produção ainda conta com as indicações em Melhor Roteiro em Série de Drama, nos episódios Bagman (05×08) e Bad Choice Road (05×09), e a indicação de Giancarlo Esposito como Melhor Ator Coadjuvante em Série de Drama pelo episódio JMM (05×07).

Giancarlo Esposito interpreta friamente Gustavo Fring, o dono do império da metanfetamina mais pura dos EUA, que passa agora por problemas um pouco diferentes. A chegada de Lalo em temporadas passadas mostra o receio da família Salamanca com uma possível vingança do chileno, devido a uma dívida muito antiga e pessoal. Com isso, notamos uma guerra fria entre os dois braços do cartel, fazendo com que Fring utilize todas as cartas que tem em sua manga, inclusive um membro infiltrado que não levantaria nenhuma suspeita: Nacho Varga.

Nesse meio tempo, uma outra guerra é travada – dessa vez uma um pouco menos fria. Howard Hamlin (Patrick Fabian), cocriador do escritório HMM, foi quem carregou a cruz nas costas após a morte de Chucky. Para ajudar com essa penitência, Saul decide se vingar de todos os momentos que Howard havia sido cúmplice de Charles e ao tentar confrontá-lo, acaba criando a cena mais eletrizante da série: Jimmy lançando “raios” e “trovões” enquanto excomunga Howard em pleno Tribunal.

A atual temporada finalmente consegue nos dar a resposta de como Saul enfim entra no ramo do cartel: por via de aconselhamento jurídico para família Salamanca. O oitavo episódio da temporada – Bagman –, apontado merecidamente ao Emmy de Melhor Roteiro, nos mostra o começo dessa trajetória e ganha a atenção da crítica, que considera a produção o clímax de tudo que havia sido desenvolvido até ali. Atribuída a missão para Jimmy de pegar 7 milhões de doláres do cartel, tudo começa a dar errado, mas por sorte podemos contar com Mike (Jonathan Banks) para nossa segurança.

O outro capítulo que recebeu a mesma notoriedade pelo Emmy, Bad Choice Road, ganha o coração do espectador por meio do suspense e pavor no ar, quando Lalo Salamanca vai à casa de Saul e Kim para conferir a verdade sobre o trajeto do dinheiro. Mas Lalo não contava com um único obstáculo, a primeira dama da série, Kim, que lhe dá uma surra com classe, em uma interpretação digna de prêmios por Rhea Seehorn. Porém, não é apenas esse acontecimento impressionante que ocorre nesse capítulo, já que começamos a ver uma nova Slipping Kim, que larga sua requintada firma para os simples casos Pro-bonos.

Digressões marcam a série de início ao fim, contando a história de Gene Takavic, nosso próprio Saul Goodman, com um bigode e uma identidade falsa depois de seu envolvimento com os chefes do império das drogas. E, assim como o espetáculo conta com elementos que viajam do futuro para o passado, o espectador se encontra num emaranhado de conexões entre uma série de 2008 e outra de 2020. De qualquer forma, mesmo tão próximo do final, a ansiedade de saber o que acontecerá na última temporada de Better Call Saul permanece a mesma.

A sexta temporada, ainda sem data, já foi confirmada pela AMC. Veremos o fim do ciclo televisivo de Saul Goodman e suas múltiplas faces, além das produções do gênio Vince Gilligan no universo de Breaking Bad (2008-2013). Por conta da pandemia, as produções ainda não retomaram, mas a garantia é de que a lábia de seus personagens venha nos encantar por um último ano – e, quem sabe, ainda não nos reencontremos com um tal de Heisenberg. Seja como Saul, James ou Gene, Better Call Saul veio para alterar as estruturas do mundo das drogas. E a lei da selva é clara: quem ganha é o mais forte.

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Anna Clara Leandro Candido

Entre o céu e o inferno. Essa é a posição que a Terra ocupa, proporcionando um local estratégico para o encontro de anjos e demônios e, quem sabe, até mesmo do Diabo em pessoa. É nesse cenário em que a série da Netflix, Lucifer, desenvolve sua trama. Após se cansar do Inferno e decidir tirar férias em Los Angeles, Lucifer (Tom Ellis) tornou-se dono de uma boate, tio, consultor civil da polícia e par romântico da detetive Chloe Decker (Lauren German). Agora, na primeira parte da quinta temporada, o Anjo das Trevas favorito de todos retorna do Submundo para agraciar o público com seu carisma e finalizar alguns assuntos inacabados. Acompanhados de uma linda ambientação e trilha sonora, os personagens voltam à ativa com todo seu glamour para agradar os fãs.

Ao fim da temporada anterior, Lucifer foi obrigado a voltar para o Inferno e impedir que os demônios fizessem mais uma de suas revoltas. Foi frustrante para os fãs verem-no partir após Chloe finalmente descobrir sua verdadeira identidade como Senhor do Submundo e (muito, muito, muito tempo depois) aceitá-lo como realmente é. Por isso, o novo ano evita alongar a instabilidade na relação amorosa dos dois, proporcionando ao público algumas cenas de um dos casais mais queridos.

Outro acerto foi consertar a enrolação que muitos dos episódios traziam desde o início da série. Depois da obrigação de fazer o quarto ano com apenas 10 episódios, os showrunners aprenderam a ser mais objetivos. Mesmo os especiais que, inicialmente, parecem não acrescentar nada a história, provam sua importância no fim. A trama, no entanto, não se desprende da sua antiga fórmula de investigação policial/problemas celestiais, o que pode incomodar o espectador que assiste a série buscando por uma abordagem mais filosófica dos temas apresentados. Não que prejudique a obra, muito pelo contrário, isso é estratégico. Lucifer já provou inúmeras vezes ter uma base de fãs gigante e fiel, portanto o objetivo é justamente inovar dentro do padrão já estabelecido e amado.

Inovações essas que chegaram de duas formas nesse novo ano: através de clichês e assuntos relevantes para a sociedade. A obra utiliza da já conhecida narrativa do irmão gêmeo do mal para resgatar Lucifer do Inferno e levá-lo de volta para à Terra. Por ser uma série sobre o divino, o tema se encaixa bem e traz um bom antagonista para o início da trama. Algo já batido dentro de produções televisivas, mas se o público não aplicar a lógica ou o criticismo à narrativa e aproveitar o show como ele é pensado para ser (um entretenimento), não incomoda realmente o espectador.

Contudo, um clichê da própria série, que foi ressuscitado no show, acabou por estagnar uma das melhores personagens da trama, a demônio Mazikeen (Lesley-Ann Brandt). A jornada de Maze em busca de uma alma, e um lugar/alguém para chamar de seu, já foi diversas vezes explorado, mas nunca bem trabalhado ou finalizado. Ela então trilha mais uma vez esse caminho, agora procurando saber de sua mãe e lutando contra seus demônios do passado. Mas, de novo, não chega a lugar algum, deixando o desfecho de sua jornada para a segunda parte da temporada. Infelizmente, essa reciclagem de motivação para a personagem limita muito seu crescimento em Lucifer e poda seu potencial para realizar cenas épicas das quais sabemos que Maze é capaz.

Mas, a jornada dela não foi desperdiçada. Pelo contrário, abriu a porta para um dos assuntos mais relevantes que a série trouxe. Tanto a Dr. Linda (Rachael Harris) quanto Mazikeen tornam-se as protagonistas de uma conversa sobre maternidade na adolescência, adoção, abandono e estabilidade psicológica e emocional de ambas as partes: filha e mãe. Maze representa na história a filha deixada pela mãe, a vontade de reencontrá-la, de se conectar com alguém e as dores que uma criança carrega por isso. Já Linda traz a visão da mãe que, por ser muito jovem, teve de fazer a difícil escolha de deixar seu bebê para a adoção.

Além disso, os outros personagens foram bem trabalhados dentro de suas próprias jornadas. A trajetória de Chloe foi um dos focos dessa temporada de Lucifer, pois, agora que tem consciência de que vive em um mundo onde demônios e anjos existem, ela participa mais ativamente das grandes cenas de ação celestiais. É interessante vê-la trocar de lugar com Lucifer para variar, pois agora é ela quem está lidando com um mundo do qual não entende. Fato que leva Chloe várias vezes ao consultório da doutora Linda, proporcionando várias conversas engraçadas e esclarecedoras. Ela até mesmo passa a ver seus casos como um reflexo da própria vida, atitude essa que era muito mais comum ao seu parceiro.

Acredito, porém, que o destaque deva ir para o próprio Lucifer. Desde o início, a série aborda a jornada do Diabo tentando descobrir como é ser um humano. Após tanto tempo convivendo e lidando com assuntos mundanos, como sentimentos de amor e afeto pelos outros, era inegável de que ocorresse um amadurecimento em sua personalidade. Ele não perdeu o charme ou ímpeto por causar problemas e ser, bom, o Príncipe do Mal. Mas Tom Ellis consegue mostrar através de sua performance e escolha de palavras o quanto o personagem cresceu com o passar dos anos, deixando o público ainda mais cativado por ele.

O ator sempre foi um dos pontos alto de Lucifer, mas nessa temporada Tom Ellis consegue expandir ainda mais seu talento ao interpretar Michel. É um desafio para qualquer um interpretar gêmeos, pois são duas pessoas que apenas compartilham do mesmo rosto, não sendo só o nome que muda, mas sim o jeito de andar, a postura e as palavras. Tom consegue fazer tudo isso e mais um pouco. Michel é invejoso, é um personagem que sempre quis provar ser o melhor e faz de tudo para conseguir, mas ele também é amargurado e carrega o peso que seu medo de falhar o proporciona. Ellis é capaz de transmitir essa análise do personagem só com sua atuação e maneira de fazê-lo se portar, tornando-se uma joia ainda mais brilhante para a série.

Lucifer voltou com todos os prós que arrebataram tantos fãs no decorrer dos anos. Numa história de fantasia que não requer qualquer lógica para cativar as pessoas, feita para entreter e divertir seu espectador. Graças ao maravilhoso elenco da série e suas histórias divertidas, ela é capaz de continuar por um bom tempo encantado as pessoas. Mas isso não significa que o público não mereça inovações e um bom show. Se mais assuntos que conectem realidade e ficção forem introduzidos na trama, eles podem muito bem melhorá-la cada vez mais.

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Vitor Evangelista

Não tinha outro jeito. Quando Shea Couleé entrou no ateliê, a Coroa, o cetro e o quadro do Hall da Fama já estavam com nome e sobrenome estampados. Quem chegasse na competição depois já não era importante, ou sequer relevante. 5 edições à dentro dessa corrida (quatro, se desconsiderarmos o terrível All Stars 1), o jogo já não tem mais tantas nuances. Ao passo que as nove queens restantes retornavam para a disputa do título e do cheque, Shea não tinha com o que se preocupar. Oito episódios depois, a conta veio.

Muito mais uma manobra de redenção, por vezes autoinfligida, a escolha de RuPaul parece levar em conta o passado e o prestígio em detrimento do agora. Assim, a questão que fica é a seguinte: essa competição virou um acerto de contas ao invés de uma congratulação e reconhecimento por mérito? A resposta definitiva não existe, Shea Couleé não venceu por pena ou migalhas, mas a narrativa dessa 5ª temporada abre margem para discussões mais profundas quanto ao papel da corrida secundária pela coroa. Está na hora do All Stars acabar.

Pelo menos em sua configuração atual. Quando, em 2012, foi inaugurada essa loucura de rainhas perdedoras retornando para uma segunda chance, tudo funcionava no papel. É certo que a primeira edição foi um tremendo show de horrores, tanto por falta de visão dos produtores, quanto pela ideia de competir em duplas. Quando RuPaul tomou chá de bom senso e formulou o ‘Dublar pelo Legado’, junto do sistema de eliminação dos batons, tudo para o All Stars 2, aí que a coisa floresceu. Importante ressaltar que o salto entre temporadas foi de 4 anos, houve respiro, houve preparo e, o imprescindível aqui, houveram queens competentes e que vivem à altura do nome do programa. O título de Grande Estrela é mais raro do que se imagina, não é qualquer drag queen selecionada para as temporadas regulares que merece um lugar aqui, devemos separar o joio do trigo.

Enquanto as temporadas normais de Drag Race seguem um fluxo sem mudanças, a série paralela gosta de inventar moda. O All Stars 2, de 2016, correu até que bem. Com exceção dos consecutivos botes salva-vidas jogados à Roxxxy Andrews, a temporada que coroou Alaska segue sendo a melhor de toda a franquia do reality show, o conjunto da obra, as dublagens, looks, eliminações, desafios, tudo soa fresco e inovador. Aquela reunião de Grandes Estrelas estabeleceu um nível de excelência difícil de alcançar, tanto é que mantém o status de suprassumo quatro anos e sete temporadas depois.

Em 2018, o terceiro All Stars ainda contava com um elenco estelar, batalhas extraordinárias e uma gama de talento explorado à fundo. O tiro no pé veio quando se formou o Conselho das Rainhas. O grupo de queens eliminadas decidindo quem dublaria pela Coroa não apenas soou mesquinho como uma vingança barata, mas também tirou de Shangela seu momento de consagração. E então, ano passado, o vexame da coroação dupla de Trinity The Tuck e Monét X Change no All Stars 4 transformou tudo em baderna.

O empate pelo lugar no Hall da Fama foi a última gota de veneno que o programa ingeriu. A decisão abre precedentes para qualquer desdobramento daqui pra frente, além de ser extremamente gratuita, numa temporada que em momento algum exigiu um prêmio duplo. Em 2020, duas drag queens chegaram ao último episódio com garra e narrativa que muito se beneficiariam de uma vitória em conjunto, algo que não deve acontecer tão cedo devido ao tiro no escuro de 2019. Shea Couleé, excelente em todas as frontes, ostentou visuais de outro mundo, usou de sua personalidade cativante e uma história de acerto de contas, que rondava seu retorno à franquia, para construir sua ascensão ao topo.

Junto dela, Jujubee é outra sublime aresta da temporada. Competindo pela terceira vez, depois de chegar na Final na 2ª temporada e no primeiro All Stars, ela chegou repetindo o mantra de ‘a terceira vez é o charme’, como Shangela e Manila Luzon fizeram no passado. A arapuca de atrair competidoras da velha guarda para temporadas recentes se transforma numa prisão de expectativas. Olhando em retrospecto o histórico do reality, quem sai coroada do ateliê são queens modernas e frescas aos olhos do público.

As regras da franquia mudaram no All Stars 5. O ‘Dublar pelo Legado’ foi abolido, agora apenas uma rainha seria a Melhor da Semana e ela dublaria contra uma Lipsync Assassin. Não uma matadora de drag queens, nada disso, mas sim uma competidora do passado do reality que, como o título sugere, seja ótima dublando. Além disso, em 2020 foi estabelecida a Rumocracia, onde todas as drags têm o poder de votar com os batons. Se a Assassin vencer a batalha, quem decide a eliminada são as rainhas que votaram.

Essa virada na dinâmica do jogo pareceu refrescante, mas só até a página dois (ou o episódio seguinte). O esquema antigo de vitórias duplas a cada semana fomentava a competição, indicava as favoritas ao prêmio e dava a chance das artistas dublarem pelo legado, ganhar a gorjeta e ainda carregavam o peso de, por si só, mandarem alguém embora. A luta era real, havia empenho e garra nas performances, além da diversão de acompanhar os duelos. Quando a Lipsync Assassin deu as caras, o efeito contrário surtiu.

Sem nada a ganhar ou perder, as Assassinas escolhidas não entregaram o esperado. Yvie Oddly, Alyssa Edwards, Roxxxy Andrews, Monét X Change e Kennedy Davenport, todas figuras consolidadas na mitologia de Drag Race, retornaram ao palco para dublar sem motivos. Foram performances mixurucas, aguadas. Sem contar a presença de Morgan McMichaels e Vanessa Vanjie Mateo sob o título de Assassin, quando disso não têm nada.

O programa abriu mão de resgatar artistas emblemáticas dublando como Dida Ritz, Trinity K. Bonet e Coco Montrese, para, mais uma vez, colocar o holofote em personalidades mais recentes para o público e a internet. Lado a isso, a má distribuição de vitórias entre as competidoras tornou todo o sistema de eliminação menos complicado (das 10 queens, apenas 4 ganharam desafios). Ficou mais simples mandar embora meninas que não abocanharam vitórias mas que, no sistema antigo, seriam o Top 2 da Semana facilmente.

Já é de conhecimento geral que Drag Race usa de sua plataforma para criar peças publicitárias para RuPaul, e nesse All Stars não foi diferente. O Show de Talentos, desafio que abre a temporada, foi repaginado para publicizar a Werq The World, uma residência de Las Vegas onde queens apresentam diversos números, desde dublagens até, ao que parece, performances no pole dance. Esse ponto de partida no novo ano da série, ao lado do desafio de Reading, onde as drags gongam umas às outras, deram a falsa sensação de uma competição acirrada e movimentada à seguir, ainda mais com a vitória de India Ferrah como a Melhor da Semana. Esse reconhecimento dado à uma drag da 3ª temporada, apagada em sua época e só lembrada por polêmicas, foi o gosto ideal para criar expectativas.  

Sua batalha de dublagem com Yvie Oddly foi empolgante e, dado o resultado, Derrick Barry pegou as perucas loiras, guardou os vestidos na mala e foi embora. Sua eliminação ecoa outro preceito da mitologia do All Stars: quando uma competidora deixa uma impressão negativa na temporada original, ela está fadada a viver com esse estigma. E, por viver, entenda ter o batom escolhido numa performance mediana, e longe de justificar uma partida prematura.

A imitadora da Britney Spears sempre foi julgada por aparências e preconceitos. Desde a oitava temporada, Derrick Barry era subestimada e taxada de menor. Dessa vez, chegando no ateliê ao lado de queens como Couleé e Cracker, era até seguro imaginar que Barry não duraria muito naquele ecossistema cheio de rainhas ferozes. Esse ‘pensamento coletivo’ foi tão forte que, no primeiro tropeço, ela foi jogada aos leões. Inaugurando o Bottom 2 (as piores da semana) ao lado de Mayhem Miller, Barry sempre se mostrou mais inventiva e com potencial que suas colegas ruins no desafio. Miller, já fraca em sua temporada original, agora no All Stars apenas confirmou sua posição como uma das competidoras mais defasadas da história do programa. 

Cheia de si e, no fundo, vazia de carisma e talento, ela, que acabou jogando a toalha alguns episódios depois, tomou o lugar de Derrick Barry de brilhar e sair de sua auto imposta ‘caixa da Britney’. Que fique claro que Derrick Barry também não se mostra à altura do título de Grande Estrela, além de ter sido extremamente ingênua de chegar com um discurso voltado a liberação da imagem de Britney Spears mas, no mesmo episódio, demonstrar o oposto. A começar pela entrada em referência ao figurino da cantora no VMA de 2000, Barry ainda usou um moletom com estampa de Spears no confessionário e, a cereja do bolo, resolveu performar no Show de Talentos, adivinhem, caracterizada como Britney. Mas se essa fosse a única burrada das queens, esse não seria o All Stars 5.

Ongina, queridinha da 1ª temporada do reality, finalmente voltou ao ateliê, mas mais parecia um gato amedrontado do que uma competidora buscando a Coroa. Após um fracasso imensurável no Reading, Ongina murchou seu número do Desafio Principal e se salvou do Bottom 2 por pouco. Logo no episódio seguinte, ela perdeu a voz na hora de gravar seu verso para a divertida canção I’m In Love, em adição a um visual simplório para o desafio Love The Skin You’re In (uma carta de amor à etnia das queens).

Na hora de votar, a Rumocracia foi unânime: todas escolheram eliminar Ongina, inclusive ela própria. Numa manobra covarde, a queen desistiu da competição sem mais nem menos, passo esse seguido por Mayhem Miller no quarto episódio, SheMZ. Desperdiçando vagas no elenco para outras competidoras com sede de ganhar, tanto Ongina quanto Mayhem ajudaram o All Stars 5 a escalar o pior elenco do show até agora.

Logo no Desafio do Reading, Jujubee cantou a bola da temporada: ‘Mariah Paris Balenciaga, ótimo, você chegou, agora temos que mudar o nome do programa para RuPaul’s Drag Race: Algumas Estrelas’. O sentimento de metade das escolhidas serem rainhas ‘filler’, isto é, que estão ali para encher linguiça, foi predominante. Das dez, 5 se sobressaem com as características para lutar pelo título de campeã.

Então, uma a uma, as drags fracas foram sendo votadas para fora da ilha, e o All Stars 5 cultivou uma narrativa encomendada, chata e cansativa. A chegada de um top cinco com Alexis, Blair, Jujubee, Cracker e Shea era previsível desde o início, e mesmo com a intriga da mentira de India, nada ajudou a acender a lenha da competição. Foram madeiras queimadas, cinzas ao vento, o ar de monotonia que foi sendo arrastado até o anúncio da vencedora.

A extinção dos mini challenges (pequenos e descontraídos desafios que abrem os episódios) foi outra das ruínas do All Stars 5, isso sem contar os desafios com equipes pré-definidas, gerando o atrito necessário para o drama televisivo. Num plano geral, os maxi challenges, desafios principais, caíram para o campo da comédia.

O tom descontraído e caricato se mostrou presente nos grupos musicais, na improvisação, no tenebroso Snatch Game do Amor e até no Baile. Essa predileção pelo escrutínio da seriedade muito beneficiou a comedy queen Miz Cracker. Depois de vencer o SheMZ e na reta final acumular vitórias seguidas no The Charles Family Backyard Ball e no Stand-Up Smackdown, a competidora da décima temporada chegou à final com o melhor timing possível.

Mas, como as recentes decisões de RuPaul mostram, o número de vitórias pouco importa na hora de coroar uma vencedora. Na temporada 11, Yvie Oddly era a finalista com menos wins e mesmo assim levou a coroa pra casa. Na 12, Gigi Goode sofreu do inverso quando acumulou 4 êxitos e saiu de mãos abanando. No All Stars 3 não foi diferente, Trixie Mattel era a finalista mais ‘fraca’ e acabou o ano no Hall da Fama.

O histórico é apenas um dos fatores determinantes, e não mais o único. Shea esteve no Bottom em 3 ocasiões, assim como Jujubee. O que fala mais alto é que Couleé chegou lá logo no início, quando a outra virada da temporada (apenas 1 queen Top e o resto no Bottom) ainda não tinha acontecido. Mas esse também não foi o x da questão na decisão de Ru. O All Stars 5 foi um acerto de contas, um cheque devolvido com juros e mais juros, aqui, o passado foi mais importante que o agora.

Shea Couleé passou o All Stars 5 todo relembrando seu momento de derrota na 9ª temporada. No inaugural ‘Dublar pela Coroa’, Sasha Velour puxou uma manobra de gênio quando, ao som de So Emotional, revelou pétalas de rosa saindo da peruca ruiva. Foi a jogada de mestre que, junto de seu impecável registro de passarelas e desafios, levou a rainha careca ao prêmio máximo no ano nove de Drag Race. Enquanto Shea rememorava o trauma, toda vez, ironicamente, de forma emocionada, sua narrativa de redenção e correção se acentuava no núcleo da season.

A trilha sonora comovente, os visuais referenciados às flores, o VT de Sasha em seu momento de glória, todos fatores que, na edição do programa, pareciam diminuir a conquista de Velour, denotando-a não merecedora do prêmio que ganhou em 2017. Isso, aliado a declaração de que Shea recusou tanto o All Stars 3 quanto o 4, amargam o sabor de sua esperada, e merecida, vitória.

Ao passar dos anos, a escolha de elenco do All Stars caiu numa máxima: a equipe de produção procura não ‘desperdiçar’ muitas rainhas emblemáticas e talentosas numa mesma temporada. A maldição e a glória do All Stars 2, com o elenco que reuniu o melhor do melhor, e acabou esgotando a gama de competidoras com fôlego de vitória.

Shea Couleé esperar o tempo passar e então aceitar a entrada na quinta edição acarretou numa competição quase nula. Jujubee, Miz Cracker, Blair e Alexis tinham fogo, mas nunca foram ameaçadoras para toda a pompa e talento de Couleé. Essa diretriz de Drag Race, emendando temporadas regulares com Grandes Estrelas, apenas danifica a aura do reality quando, como exemplo crasso esse All Stars 5, uma ótima vencedora não redime uma temporada ruim.

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