Rafael Gomes

Em Julho de 1989, a NBC exibia o primeiro episódio de Seinfeld. No ar durante 9 anos, a série gerou um enorme impacto na Televisão e no humor, modificando como o gênero é apresentado e percebido pelos espectadores. O programa se tornou uma referência na Comédia situacional 35 anos atrás e se mantém relevante até os dias de hoje – em 2019, a Netflix pagou 500 milhões de dólares pelos direitos do programa.

Jerry Seinfeld começou sua carreira fazendo stand-up comedy em clubes nova-iorquinos, com um estilo observador e simples que chamava a atenção. Em 1981, participou do The Tonight Show Starring Johnny Carson, um dos programas mais populares dos Estados Unidos. Na ocasião, Seinfeld recebeu o aval de Carson, um gesto raro de aprovação do apresentador. O humorista, a partir desse momento, ganhou notoriedade e seguiu na carreira, realizando programas especiais como Jerry Seinfeld: Stand-up Confidential e aparições em grandes talk-shows como Tonight Show e Late Show.

A partir dessas apresentações, os executivos da NBC decidiram fazer um programa com Seinfeld. O comediante havia tido uma experiência prévia na série Benson (1979-1986), porém, foi demitido por não ser um bom ator. Por isso, Jerry Seinfeld só atuaria se fosse para fazer ele mesmo. Nessa época, o humorista fazia muitas apresentações em conjunto com seu amigo Larry David – juntos, tiveram a ideia de criar um programa sobre como um comediante cria sua piada. Originalmente, a produção seria um especial de 90 minutos, que iria contar a rotina de Jerry na busca de piadas, intercalando com cenas de shows. A NBC gostou da ideia e aprovou  um episódio piloto de uma série.

O nome da série seria The Seinfeld Chronicles. Para a produção do piloto, a NBC contratou excelentes atores: Jason Alexander como  George Constanza, e Michael Richards como Cosmo Kramer. O roteiro seria  feito por Larry David e Jerry Seinfeld – que também estaria atuando como um personagem homônimo. O episódio foi produzido,  porém, foi considerado fraco.

Mesmo com a avaliação ruim, alguns dos executivos da NBC apoiaram a ideia, por verem potencial em Jerry. O produtor Rick Ludwin foi o maior defensor da série dentro da empresa, chegando a cancelar especiais de comédia para poder produzir quatro novos episódios, com uma exigência: a série deveria ter uma personagem feminina. Assim, a atriz Julia Louis-Dreyfuss foi inserida na série,  dando vida à personagem Elaine.

Esses quatros novos episódios foram exibidos depois da reprise da série Cheers (1982-1993), que  fazia sucesso na época. Seinfeld manteve a audiência da reprise; dessa forma a NBC conseguiu financiar e encomendar mais 13 episódios – que se tornaram a segunda temporada. Durante as primeiras três temporadas, a série foi aclamada por críticos de televisão, mas não atingiu uma grande audiência. Os episódios lidavam com detalhes insignificantes do dia a dia como se perder no shopping, ficar esperando numa fila do restaurante ou não conseguir um lugar para estacionar um carro. Os atores, roteiristas e até mesmo o público, estava se habituando aos personagens. 

A série decolou a partir da quarta temporada. Com o público habituado com os personagens, Seinfeld entrou no Top 30 da Nielsen Ratings. O quarto ano de exibição é responsável por The Contest, um dos episódios mais marcantes da série. O capítulo  mostra uma aposta dos quatro protagonistas: quem conseguiria ficar mais tempo sem se masturbar. A palavra ‘masturbação’ não foi usada nenhuma vez durante o episódio, sendo substituída por outras referências. The Contest ganhou o Emmy de Melhor Roteiro em Série de Comédia em 1993. Nesse mesmo ano, a sitcom ainda foi premiada na categoria de Melhor Série de Comédia.

Seinfeld foi inspirada em experiências cotidianas de quatro amigos que vivem em Nova York. O ‘nada’ é o grande tema da série. Sem ter um assunto ou trama, a Comédia aborda o dia a dia de maneira leve e permeada de um humor cirúrgico, com situações absurdas e condenáveis. Diferentemente do que ocorria até a década de 1980, os protagonistas da série não são o que chamamos de bons cidadãos – ao contrário, eles são egoístas, exibidos, invejosos, entre outras características não muito agradáveis. Tudo que Seinfeld não queria passar era lições de moral, não importa o dano causado, o quarteto nunca aprende com a experiência.

O que faz Seinfeld ser tão especial são seus personagens. As figuras de Jerry Seinfeld – em uma versão fictícia de si mesmo –; George Constanza – como uma recriação do roteirista Larry David,  o amigo de infância, explosivo, rabugento, um cidadão difícil de lidar –; Elaine Benes – a ex-namorada que se tornou amiga –; Cosmo Kramer – seu vizinho excêntrico. Seus personagens tão icônicos são onde está a piada, as situações do dia a dia, somadas às maluquices que cada um desses personagens, geram situações extremamente engraçadas. 

Seinfeld quebrou convenções da Televisão mainstream. Ela se destacou dentre as comédias familiares e de amigos da época. As sitcoms eram centradas em um único tema ou situações cômicas restritas, enquanto Seinfeld focava em incidentes do cotidiano, como ficar numa fila de cinema, sair para jantar, comprar um terno, lidar com as amargas injustiças da vida. Esse ponto de vista apresentado na série é da filosofia do niilismo, na ideia de que a vida não tem sentido. Foi a primeira série de TV desde Monty Python’s Flying Circus (1969)  a ser denominada como pós-moderna. 

Seinfeld  revolucionou ao combinar a utilização do formato multicâmera com takes de câmera única, abrindo novos caminhos no então formato engessado dos programas de TV. Essa técnica foi usada em séries como Breaking Bad (2008) e Louie (2010). Sua principal inovação vem na linguagem e no formato que foi feito em alguns de seus episódios. Produzir um episódio de 22 minutos, em que  os personagens estão apenas esperando para sentar em uma mesa em um restaurante era algo peculiar para 1991. Utilizou-se microcenas, amarradas por piadas em mini-esquetes. O episódio The Chinese Restaurant mudou como se entendia a Comédia televisiva, levando Seinfeld para outro patamar.

A partir desse episódio, os produtores de Seinfeld investiram no que entendiam ser o futuro da TV: por meio da inclusão de dezenas de cenas em um só episódio, a narrativa adquire mais  dinamismo e velocidade – , algo que é feito por todos hoje em dia. O episódio The Betrayal, na última temporada da série, foi inspirado na peça teatral homônima, em que a história é contada de trás para a frente – algo que seria visto no cinema anos mais tarde, como, por exemplo, no filme AMNÉSIA (2000).

No dia 14 de Maio de 1998, a NBC exibiu The Finale Part 2. Havia cerca de 80 milhões de espectadores estadunidenses esperando para assistirem ao último episódio de Seinfeld. O valor de 30 segundos de espaço publicitário foi mais caro que os comerciais no Super Bowl daquele ano. A recepção por parte da crítica não foi das melhores – com muitas das avaliações descrevendo o final como “mão-pesada” e “sem graça”.

Seinfeld se tornou referência para a Televisão norte-americana, e séries como Friends e Big Bang Theory não existiriam sem ela. O programa é indiscutivelmente um dos mais importantes e relevantes da história da Comédia, e se mostra rentável para os envolvidos até hoje. Até 2015, o seriado arrecadou U$3,1 bilhões com a venda dos direitos de reprise apenas nos EUA.

Mesmo após 35 anos da estreia da série e mais de 25 anos de seu último episódio, Seinfeld ainda funciona. Ainda que conte com algumas situações datadas, a essência do carisma dos personagens e as situações que eles se submetem continua intacta. A obra pavimentou tudo que vimos posteriormente em sitcoms como Duas Garotas em Apuros e How I met your Mother. Mesmo havendo episódios inteiros em que todo o plot seria encerrado com uma mensagem no celular, o cerne da série não está nessas situações e, sim, em seus personagens marcantes e únicos. Seinfeld, Elaine, George e Kramer são atemporais.

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Agata Bueno

Quem diria que um roteiro bem feito e um elenco de peso teria, mais uma vez, nota máxima no boletim? Após duas temporadas de funcionários que entregam o melhor de si com o pouco que recebem do falho sistema educacional norte-americano, o terceiro ano de filmagens dentro da Abbott Elementary rendeu mais uma excursão para a escola toda no Emmy. Dessa vez, além de terem o apoio do Distrito Escolar, a equipe do instituto chega na premiação com personagens muito mais maduros, humanizados e, claro, com nove chances de levar a estatueta para o colégio… ou melhor, para a casa do time de futebol norte-americano Eagles.

Na trama, foram cinco meses de pausa das gravações após a equipe de filmagem ser roubada ao fim da segunda parte da série. Uma estratégia genial que se adapta às interrupções relacionadas à greve dos roteiristas de 2023. Embora as câmeras estejam de volta, nem tudo continua igual após as férias. Novos cargos, projetos e desafios pelos corredores da Abbott Elementary trazem de volta a loucura de uma das escolas públicas mais caóticas da Filadélfia.

O sucesso acadêmico vai muito além das notas no boletim. Com Barbara Howard (Sheryl Lee Ralph), Melissa Schemmenti (Lisa Ann Walter), Gregory Eddie (Tyler James Williams) e Jacob Hill (Chris Perfetti) sob o comando de uma Ava Coleman (Janelle James) mais focada, a sala dos professores ganha um tom mais familiar, mesmo sem Janine Teagues (Quinta Brunson) ali, o tempo todo. Logo na abertura, com o mega-episódio Career Day Part 1 & 2, percebemos o amadurecimento tanto dos funcionários quanto do próprio show. 

Essa é uma temporada em que ultrapassamos os portões da Willard R. Abbott junto com a equipe de filmagem e enxergamos rotinas além do horário das aulas. A comédia se mostra tão espirituosa como sempre e acrescenta, com maestria, temas mais tangíveis ao sistema público de educação. Muito além de mostrar a dura realidade de inúmeras escolas, o roteiro de Quinta Brunson – criadora, roteirista, produtora e protagonista da série – traz o humor junto com a exaustão dentro e fora da sala dos professores.

A lista do Emmy 2024 pôde refletir um pouco do brilhantismo de Abbott Elementary. O seriado acumulou nove indicações – o maior número ao longo do programa –, sendo cinco em categorias principais, desde Melhor Série de Comédia até Melhor Atriz em Comédia para Brunson, ganhadora da categoria na última edição. Sheryl Lee Ralph e Janelle James disputam mais uma vez o troféu de Melhor Atriz Coadjuvante em Comédia, enquanto Tyler James Williams vai em busca do título de Melhor Ator Coadjuvante em Comédia. Walter e Perfetti ficam de fora, assim como William Stanford Davis, o zelador favorito de todos, que, mesmo tendo brilhado na temporada, infelizmente, não conquistou a Academia Internacional das Artes e Ciências Televisivas.

Embora a disputa com outros títulos de sucesso na Televisão seja acirrada, as chances de trazer estatuetas para o lar dos Eagles não é nula. Muito pelo contrário, afinal, nada é tão bom o suficiente que não possa melhorar. O roteiro, mais maduro e pronto para lidar com assuntos que vão além das salas de aula, como as necessidades de diferentes estudantes e a importância da conexão professor-aluno, é absorvido por um elenco mais experiente e confiante. A direção traz, diferente das temporadas anteriores, dinamicidade e conforto, mostrando que a Abbott Elementary não é apenas mais um edifício da Filadélfia.

Os veteranos do colégio que o digam. Enquanto testemunhamos uma Ava um pouco mais responsável e mil vezes atrevida, a dupla imbatível do seriado se mostra autêntica. A Sra. Howard e a Sra. Schemmenti estão, finalmente, longe do pedestal criado por Janine, mais humanas e, com certeza, irreverentes do que nunca. Para agregar ao quadro original de funcionários, temos o Sr. Johnson, que acumulou um potencial absurdo durante o show. O zelador ainda é uma caixa de surpresas, mas a personalidade e o desenvolvimento único do personagem traz a espontaneidade necessária para o ano letivo.

Quanto ao trio Janine, Jacob e Gregory, agora, não tão mais novatos, segurança e independência são peças-chave nesse novo momento. Principalmente para a Senhorita Teagues, que explora novas oportunidades, muito mais confortável com os diferentes olhares do público. Enquanto o Sr. Eddie se mostra confiante e espontâneo, Hill ainda dá ‘passinhos’ de bebê ao quebrar os estereótipos que o cercam – o que nos dá esperança de um caminho promissor. A performance dos atores juntos é a estrela dourada quando o assunto é química; seja pelo happy hour ou o romance eles-vão-eles-não-vão entre Janine e Gregory, o futuro da escola está em boas mãos.

Os novos rostos convivem com a equipe já conhecida dos pais e do público – e com Tariq (Zack Fox), que, aparentemente, nunca deixa o colégio. O título de recém-chegado fica com Manny Rivera (Josh Segarra) e a nova turma do Distrito Educacional, que não correm o risco desnecessário de se tornarem os ‘caras malvados’, mas não deixam de acrescentar emoção aos episódios. Aos poucos, sem pressa, entramos nas vidas pessoais dos professores e funcionários da Abbott Elementary. As famílias de Janine, Gregory, Barbara e, até mesmo, Melissa começaram a mostrar as caras só agora e, definitivamente, ainda há muito mais a caminho. Tanto dentro dos próprios lares, quanto em meio a família que vem se formando dentro do colégio.

Com funcionários mais do que especiais, Abbott Elementary explora as adversidades do sistema educacional com uma maestria que aflora a cada temporada. E o segredo para um boletim nota dez? Um humor implacável, crianças prontas para se divertirem e professores criativos são apenas o começo. Os pontos extras na média ficam com a equipe de filmagem pronta para a ação, uma reunião de pais que se transforma em um festival e as excursões inesquecíveis. Mas quem define a nota final são as horas complementares de amizade e romance, e, claro, o desenvolvimento da relação com a audiência, que mal pode esperar para o próximo ano letivo.

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Guilherme Machado Leal

No Emmy, as séries de comédia são um universo à parte: todo ano, as categorias que prestigiam as melhores obras de 30 minutos são cheias de surpresas. Das sitcoms aos mockumentaries, o texto é parte fundamental dos seriados televisivos, porque é a partir deles que os roteiristas possuem o traquejo de escrever piadas e imprimir o tom que ditará o rumo do produto. É nesse contexto em que as duas indicações de The Other Two, ambas em Melhor Roteiro em Comédia pela terceira temporada, se encontram.

Criada por Chris Kelly e Sarah Schneider, a trama é uma paródia da ascensão de Justin Bieber. No universo que se passa em Nova York, o espectador conhece Chase Dubek (Case Walker), um adolescente que viralizou na internet e, rapidamente, se tornou o astro jovem mais conhecido dos Estados Unidos. Semelhante ao início do cantor canadense, o garoto vê a própria vida mudando em questão de segundos. Com isso, as trajetórias de sua mãe Pat Dubek (Molly Shannon) e seus irmãos mais velhos, Brooke (Heléne Yorke) e Cary Dubek (Drew Tarver), também adquirem um novo rumo.

Em The Other Two, o protagonismo não fica para o caçula. Na verdade, a obra televisiva escolhe focar nos ‘outros dois’, aqueles que não conseguiram transformar um limão mofado em uma limonada. Na série disponível no Max, streaming do selo HBO, o espectador vê, a cada episódio, as jornadas dos irmãos de 20 e poucos anos em meio à popularidade do inocente ChaseDreams, nome artístico do mais novo entre os personagens principais. Enquanto Brooke se torna uma espécie de relações públicas da carreira de Chase, Cary sonha em ser um ator aclamado pela crítica e público, aos moldes do icônico Joey Tribbiani (Matt LeBlanc), de Friends.

O terceiro ano foi aclamado pelos votantes da maior premiação da Televisão. De fato, há algo na despedida da série que a faz ser tão especial aos olhos de quem acompanha desde o começo. Seja pelo texto afiado, assinado pelos co-roteiristas Chris Kelly e Sarah Schneider, ou pelo carisma dos personagens, o fato é que a obra não tem medo de criticar assuntos que são colocados debaixo dos panos, a exemplo da Disney e a sua política anti-LGBTQIAPN+. No sétimo episódio, intitulado Brooke, and We Are Not Joking, Goes to Space, Cary é contratado para dar voz ao “primeiro personagem abertamente queer” da companhia de Walt Disney.

As opiniões a respeito da forma como a empresa atua não deixam a desejar. Ao longo dos minutos que marcam a história do episódio, The Other Two consegue atacar, sem descer do salto, as hipocrisias que definem a marca quando se trata da abordagem de personagens LGBTIQAPN+. Entre o subtexto gay em Luca e as teorias de uma princesa possivelmente lésbica (Elza, de Frozen), a comédia não poupa as ações do estúdio e avalia como o queerbaiting se molda sutilmente à estratégia de grandes ‘firmas’ em se ancorar no imaginário daqueles que sonham em se ver representados nas telonas.

Além disso, Cary & Brooke Go To an AIDS Play e Brooke Hosts A Night Of Undeniable Good, respectivamente, o quinto e oitavo episódios da temporada, são os grandes destaques do terceiro e último ano da obra televisiva. No primeiro, por exemplo, a trama se concentra em uma peça que fala sobre a aids de uma maneira humorística. No entanto, em momento algum da história, há uma piada de mau gosto. Aliás, um dos grandes acertos da comédia é saber examinar a ferida sem ferir o paciente que está sendo observado, mostrando que dá para fazer humor sem apelar para o preconceito. 

Já o oitavo episódio se concentra no maior foco da temporada quando se trata de Brooke: fazer o bem. O percurso traçado pela personagem serve como um meio de criticar a indústria hollywoodiana e, principalmente, a forma como ela afeta as celebridades. Fingir um namoro falso, assumir uma persona que não condiz com quem é de verdade e passar por cima de todos são apenas três das atitudes que alguém que vive nesse mundo precisa lidar. É como se fosse uma escada para o sucesso. A cada fase avançada (leia-se atitude ética e moralmente questionável), você ganha um onùs e um bônus. Todavia, por ser um ambiente tóxico, fazer o bem e o mal são praticamente a mesma coisa. No ofício do entretenimento, é notado quem está jogando. E os irmãos parecem tirar isso de letra.

Assistir às três temporadas sem se apegar aos protagonistas seria impossível, pois todas as narrativas episódicas se concentram em como os irmãos mais velhos reagem às adversidades da vida. ‘Mesquinhos’ e trapaceiros, Brooke e Cary não são pessoas carismáticas. No mundo real, os dois seriam odiados por serem desonestos. Mas a atuação de Heléne Yorke e Drew Tarver são o tesouro de The Other Two e é, a partir delas, que o público chega à conclusão: todos, de alguma forma, são picaretas. Mentir, chantagear e invejar são alguns dos verbos presentes nas sentenças proferidas pela dupla principal.

Ao mesmo tempo em que fazem de tudo para chegar ao topo, os irmãos Dubek são pessoas que só querem o seu lugar ao sol. Estabilidade financeira e o reconhecimento da família e amigos são quistos por qualquer um que chega à vida adulta. Assim, com os ‘os outros dois’ não seria diferente. A trama encerra a jornada fazendo jus aos seus personagens desajustados que, embora sejam pessoas controversas, não têm medo de mostrarem ao mundo suas camadas mais questionáveis. É errando que os protagonistas acertam e, por isso, são relacionáveis com quem consome a obra. 

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Agata Bueno

Nove gerentes regionais, três casamentos, seis festas de Halloween, sete festas de Natal, duas edições do Dundies, um atropelamento, um filme e um documentário.  A adaptação estadunidense da série de Ricky Gervais e Stephen Merchant reproduziu a rotina de uma empresa de papel no interior da Pensilvânia entre Março de 2005 e Maio de 2013.  Em meio às inúmeras ameaças de fechamento, as nove temporadas de The Office mostraram o dia a dia das pessoas que se encontram das 9h às 17h na Dunder Mifflin. Ou melhor, de uma família que se formou diante das câmeras no decorrer dos 201 episódios e acumulou uma audiência que se tornou mais do que clientes interessados em papel.

A música de abertura inconfundível acompanhou curiosos e espectadores fiéis durante os anos. O seriado mais assistido em 2020 pelos norte-americanos, dado divulgado pelo site NME, diz muito sobre a reputação da sitcom atualmente. Com um formato de pseudodocumentário, os funcionários de uma empresa do ramo de papelaria são comandados pelo imprevisível Michael Scott (Steve Carell), enquanto Jim Halpert (John Krasinski) se apaixona por Pam Beesly (Jenna Fischer) entre uma ligação e outra, e Dwight K. Schrute (Rainn Wilson) lidera o ranking de vendas – e possivelmente um plano de dominação global. Ao longo dos expedientes, interações entre o time de vendas, a contabilidade e os responsáveis pelo controle de qualidade renderam risadas, lágrimas e momentos profundos de constrangimento.

Muito próxima ao humor britânico, a primeira temporada parece ser um empecilho para parte dos espectadores. A comicidade baseada no incômodo alheio vista no início de The Office quase custou à série seu cancelamento. Felizmente, a NBC viu o potencial em Carell e, junto ao formidável time de roteiristas, produziu as oito temporadas seguintes. A sátira do politicamente incorreto, com situações embaraçosas e reuniões demais na sala de conferência, rendeu à filial de Scranton 42 nomeações ao Emmy e milhares de espectadores ao redor do mundo.

O prédio comercial localizado em Scranton parece, de longe, ser um edifício como outro qualquer. Dentro de uma das salas comerciais, entretanto, o coração da Dunder Mifflin Paper Company lateja com o enfado de Stanley, os caprichos de Angela e os dramas de Kelly. Graças a aproximação gradual às figuras do escritório, as câmeras não se limitaram ao terreno da empresa: entre viagens à sede em Nova Iorque e happy hours no Poor Richard’s, o espectador pôde sentir-se próximo aos trabalhadores da companhia mais movimentada da televisão. E, também, aos vários personagens de Michael Scott.

Muitos são os adjetivos usados para descrever Michael Gary Scott, o líder à frente do escritório. Inconveniente, autoiludido e carente são apenas alguns deles. Mas o que leva o público a ficar com os olhos marejados enquanto assiste o gerente ir embora na sétima temporada? Talvez seja o trabalho impecável do ator, ou então a construção do personagem ao redor de seus funcionários. Uma certeza é plena: é possível sentir a simpatia pelo chefe infame crescer conforme os episódios se desenrolam. Os romances, as aulas de improviso, as promessas às crianças do jardim de infância e até um incidente com uma grelha mostram o lado humano de Michael; os medos e os anseios de um anti-herói com o qual é possível se identificar e, mais do que isso, criar laços. 

A familiaridade é um ponto crucial no desenvolvimento de todos os personagens no decorrer das temporadas. A maneira como a essência de cada um deles se manteve fiel até a última cena torna-se uma peça-chave na relação com a audiência. Das intrigas no comitê de planejamento de festas até o local exato da onde vem o adubo da fazenda Schrute. O vínculo estabelecido entre o escritório e o depósito (e mesmo com a Refrigeração Vance) excede a quebra da quarta parede; é como se a família do escritório se estendesse. Assistir alguém se apaixonar, cair em um lago ou fraudar uma empresa pode ser tão natural quanto colocar uma série na TV enquanto almoça.

Essa naturalidade foi um solo fértil para o florescimento da admiração do seriado. As temporadas que sucederam a partida de Michael provaram o quanto a audiência conectou-se com aqueles que passaram a representar o escritório. Num cenário de incertezas, surgiram novos rostos e encaminhamentos diferentes para certos personagens. A semente plantada inicialmente, que partia de uma ligação pessoal com os funcionários dentro e fora da empresa, rendeu frutos perenes. 

Mesmo após 10 anos, o número de fãs continua a crescer. Os cortes das cenas que são reproduzidos em plataformas como o Twitter ou TikTok contribuíram para abrir caminhos para novos públicos. Procurar uma câmera em situações embaraçosas fica cada vez mais comum à medida em que percebemos como a arte imita a vida (e que o mundo não é só feito de Ryan Howards).

Comover uma audiência pode ser ou um trabalho árduo projetado ou uma consequência natural a partir de uma sucessão de eventos. A versão norte-americana de The Office parece ter utilizado das duas possibilidades para dar vida a uma das maiores séries da atualidade. Não é todo dia que se pode cultivar uma relação tão forte entre o auditório e os diferentes papéis que surgem em um escritório. Um laço familiar que se atou num casamento nas Cataratas do Niágara e apenas se fortificou em outra cerimônia numa fazenda no interior da Pensilvânia, bem diante das câmeras. Dez anos depois, é como se a família Dunder Mifflin nunca tivesse deixado o escritório. Uma garantia de que o adeus não é definitivo e a filial de Scranton sempre manterá suas portas abertas! 

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Enrico Souto

Uma característica não muito sutil do roteirista Aaron Sorkin é seu longo interesse em narrativas históricas. Assinando textos desde o drama esportivo de Moneyball até a trama tecnológica e psicodélica de A Rede Social – responsável pelo seu único Oscar, em Roteiro Adaptado –, era de se esperar que, ao cineasta decidir se arriscar na cadeira de direção, esse padrão continuasse em voga. Assim, depois de dois filmes com recepção razoável, ele aposta no mais apelativo dos Oscar bait e dirige uma cinebiografia irremissivelmente metalinguística. Apresentando os Ricardos, no caso, se insere no anos 50, dentro dos bastidores da série I Love Lucy, a mais relevante e disruptiva sitcom da História da Televisão americana, comentando, no processo, o próprio funcionamento de um seriado. 

Antes do novo longa, as empreitadas de Sorkin como diretor ocorreram no morno Molly’s Game, de 2017, que teve retorno positivo de crítica e conquistou espaço no Oscar em Melhor Roteiro Adaptado. Já em 2020, a Netflix fez uma campanha massiva para divulgar o aclamado Os 7 de Chicago, resultando em seis indicações na premiação, incluindo Melhor Filme. No entanto, apesar do sucesso de seus dois primeiros longas, Sorkin falhou em conseguir uma indicação em Melhor Direção e, migrando agora para o Amazon Prime Video com Apresentando os Ricardos, foi ainda mais esnobado.

Mesmo com a sua presença marcante em outras premiações, a principal aposta do Prime Video para o Oscar 2022 perdeu a relevância e ficou em segundo plano entre os outros competidores. As únicas categorias em que foi citado foram as de Melhor Ator Coadjuvante para J. K. Simmons – por seu papel como William Framney –, e Melhor Atriz e Ator, para Nicole Kidman e Javier Bardem, respectivamente. E, realmente, os dois últimos são os holofotes de Being the Ricardos, como é chamado originalmente. Ambos vencedores do Oscar, protagonizam a narrativa na pele de Lucille Ball e Desi Arnaz, o casal icônico da TV, responsáveis por encarnar Lucy e Ricky Ricardo em I Love Lucy. Porém, fora dos televisores de 60 milhões de estadunidenses, seu relacionamento era complicado e turbulento. 

A história se passa em um período delicado do século XX. Em meio a paranoia da Guerra Fria, o Macarthismo passava por seu auge nos anos 50 e se instaurava uma caça às bruxas contra a esquerda no país. O senador Joseph McCarthy – que dá nome ao movimento – liderou uma controversa campanha que punia supostos comunistas no governo e em outras instituições, como a própria Hollywood. Diversos artistas e expoentes da cultura foram marcados nessa lista condenatória, quando ficavam com o nome sujo, eram detidos e perdiam toda a sua carreira. À pedido de seu avô, Lucille Ball se filiou ao Partido Comunista em 1936 e, apesar de nunca ter se engajado politicamente, foi vítima dessa perseguição 20 anos depois. 

Apresentando os Ricardos se inicia no momento em que, depois de inocentada pelo Comitê de Atividades Antiamericanas, Lucille é exposta em plena rádio nacional, colocando em risco a continuidade do programa. Porém, aquela semana guardava ainda mais surpresas. Em paralelo a esse colapso, espalhava-se pelos tabloides um suposto caso de traição de Desi que, embora negasse veementemente, colocava em cheque a fidelidade e integridade do casamento. E, ao mesmo tempo, Lucy ainda descobria uma gravidez inesperada, enlouquecendo toda a sala de roteiristas da série, já que, naquela época, era terminantemente proibido qualquer alusão sexual na Televisão, o que incluía também menções a gravidez.

Fato é que essas tensões efetivamente se desenrolaram na vida real. Lucille Ball foi acusada de ser comunista, ficou grávida em meio a produção de I Love Lucy – o que mais tarde a transformaria na primeira mulher gravida a aparecer na Televisão –,  e o escândalo da traição de Desi eventualmente estourou. Entretanto, há um detalhe basilar em como esses eventos são agrupados: eles não ocorreram na mesma semana. Essa foi uma escolha particular de Sorkin para aumentar a carga dramática do longa – uma característica recorrente em suas obras – e para poder aglutinar a estrutura do roteiro em sete dias, já que, no filme, todos os conflitos desencadeiam em paralelo com a gravação de um dos episódios do seriado.

E é a partir disso que começam a surgir as primeiras falhas de Apresentando os Ricardos. Tematicamente caótico, parece que Sorkin queria fazer um comentário sobre todos os aspectos minimamente relevantes da biografia, o que torna a narrativa sem foco e confusa. Então será discutido o machismo na indústria da Televisão, e como isso afeta tanto o lugar de atrizes, a partir de Lucille, quanto quem compõe a sala de roteiristas, através de Madelyn Pugh (Alia Shawkat); os casos de gordofobia e a desfeita contra Vivian Vance (Nina Arianda), a atriz responsável por interpretar Ethel; e a xenofobia institucionalizada dentro do set, quando a produção é incapaz de distinguir nomes ‘latinos’ e ‘hispânicos’. 

O problema é que, ao atirar para todos os lados, o resultado só poderia ser superficial. Em momento algum essas temáticas se conectam, fazendo com que certos diálogos soem gratuitos, rasos, e com que, mesmo os debates que o filme estava mais apto a abordar, percam sua potência. O mesmo ocorre com a montagem do veterano Alan Baumgarten. Desde o seu início, Being the Ricardos tenta simular uma espécie de mocumentário, com personagens da trama, mais velhos, relatando os acontecimentos em entrevistas. Porém, a presença desse aspecto é frágil e utilizada somente para comentários expositivos e desnecessários. Além disso, a divisão da narrativa em dias úteis, que representa de maneira quase didática o processo de produção de um episódio – da leitura do roteiro à gravação final – é mal explorada e pouco conversa com os eventos da história.

Em meio a tamanha algazarra, é difícil identificar qual o arco principal do longa. Poderíamos supor que trata-se da perseguição que Lucille sofre da mídia e do governo americano, mas não. Apesar de ser o primeiro pontapé da narrativa, esse elemento sequer é abordado por mais de metade da sua duração, e a protagonista se preocupa mais com a traição do marido do que em ser acusada do que era, na época, considerado um crime político. Todo o suspense e tensão que o roteiro pede são suprimidos por uma direção estéril, que peca em transmitir o real impacto dos eventos retratados. É sabido, pelo contexto histórico em que somos inseridos, o quão perigoso era ter conexões com o Partido Comunista, mas o filme por si só não sustenta esse fato.

Na verdade, esse não passa de um chamariz que nos distrai do verdadeiro foco temático: a rivalidade egóica de Lucille e Desi. Uma família nuclear, nos desejáveis moldes do American way of life, personificado no amor platônico e fictício dos Ricardos, mas que, ao transbordar para a vida real, se traduz em um relacionamento mesquinho, pautado por um embate constante de ego. Os dois disputam o estrelato o tempo todo e são incapazes de reconhecer o sucesso um no outro. Quando Lucille é selecionada para o papel principal de um grande filme, Desi reclama que ela havia prometido acompanhá-lo em seus shows e se incomoda se ela é mais reconhecida que ele em bares. 

Para Lucille, porém, é um pouco diferente. Se o filme faz questão de reiterar a obsessão que sua verdadeira protagonista tem com o conceito de ‘lar’, seu ímpeto em formar uma família se confunde com a exibição de I Love Lucy, quando ela se mostra disposta a mergulhar na mais estereotipada e infantilizada imagem feminina apenas para manter seu marido por perto, mesmo com as negativas da produtora. Nicole Kidman prova-se mais que merecedora de sua conquista no Globo de Ouro ao desenhar majestosamente o contraste entre a ingenuidade e a voz ardida de Lucy Ricardo, com sua comédia física e trejeitos exagerados, e a personalidade intransigente de Lucille Ball, com sua postura severa que domina o estúdio e manda e desmanda em todos os seus colegas de set, incluindo o diretor.

Na tentativa de descobrir o porquê essa mulher, com sua presença austera e inexorável, cria tantas ficções, descobre-se uma Lucille quebrada e exausta, que diminui os outros na necessidade de ser respeitada, e que se encontra presa em uma maldição digna dos contos dos Irmãos Grimm: onde ela é amada e desejada pelo marido, mas somente dentro daquele único recinto. O arco de Lucille Ball comprova o caráter performático da estrutura familiar cisheteronormativa e que, no fim das contas, a expectativa posta sobre as mulheres – da constituição de um lar e dos cuidados sobre a casa e os filhos como sua função absoluta – é simplesmente falsa e fundamentalmente impossível.

Se a trama desenvolve Lucille com profundidade, o mesmo, infelizmente, não pode ser dito sobre Desi. Um detalhe que não foi mencionado até agora, mas que é de suma importância para compreender a conjuntura da história: Desi era cubano. Seu pai, prefeito da cidade de Santiago, foi preso durante a Revolução Cubana com a ascensão dos bolcheviques, forçando sua família a fugir até Miami. O que levou o cantor e ator a, mais tarde, ser um expoente na popularização da Música latina nos Estados Unidos do século XX. Então, sim, um homem cubano, em plena Guerra Fria, protagonizou um casamento interracial no seriado estadunidense mais famoso do período, que visava representar a família tradicional em seu mais puro estado. E Apresentando os Ricardos não dá a mínima para isso.

Afinal, estamos falando de um cubano, pisando em solo absolutamente intolerante, que é casado com uma mulher tida como comunista. É esperado, portanto, que esse fenômeno tivesse implicações mínimas, tanto na sua figura pública quanto na sua vida. Porém, esse elemento é totalmente ignorado. Da mesma forma, sua relação com os EUA é pasteurizada e simplificada. Diferente de outras histórias que têm sido contadas no Cinema, Desi não é um personagem que expõe as hipocrisias do sonho americano. Ao contrário, para Sorkin, ele é a prova cabal de que o discurso meritocrático do neoliberalismo é real. Desi é um verdadeiro patriota americano, que os serviu na Segunda Guerra com prazer e orgulho. E o texto valida seu amor cego pelo país, incluindo-o sem nenhuma ambiguidade ou nuance.

Pior. Desi é colocado como porta-voz de incitações anticomunistas de seu roteirista, descartando todas as complexidade do cenário político cubano durante a revolução, o que transforma Being the Ricardos de uma experiência tediosa para mórbida em um instante – ainda mais hoje, quando ideologias de extrema-direita voltam a crescer. Sem contar a escolha de Javier Bardem no papel, que é espanhol, ao invés de um ator latinoamericano, expondo Sorkin como peça ativa da própria xenofobia que ele acredita criticar. E, se a investida dos guerrilheiros de Cuba é demonizada e descontextualizada, o longa tem a pachorra de, deliberadamente, aclamar a imagem de J. Edgar Hoover, consagrando-se de longe como o ato mais asqueroso de toda a trama.

Mesmo em um terreno familiar, Aaron Sorkin pisa em ovos aqui. O que salva esse desastre prenunciado do esquecimento é a atuação irretocável de Nicole Kidman, que infelizmente entra no Oscar como azarona. Apesar da vitória no Globo de Ouro, a competição na categoria é acirrada, e tanto no SAG Awards quanto no Critics’ Choice Awards, termômetros importantes para a premiação, ela saiu de mãos atadas. Além da atuação tíbia de Javier Bardem e J. K. Simmons, que são incluídos por pura menção honrosa, essa é de longe a pior obra da filmografia do recém-diretor, e, convenhamos, não deveria nem ser cogitada em categorias de Direção ou Roteiro.

A única conclusão possível é que Sorkin ainda tem muito chão para andar como diretor até adquirir a capacidade de fazer seus roteiros bons filmes. Apresentando os Ricardos sobressai os vícios e manias característicos de suas obras, enquanto camufla seus méritos. Os diálogos em bate-bola frenéticos que ele adora escrever ficam ainda mais intrincados do já costumavam ser, ao passo que o clima de angústia e apreensão, que permeia grande parte de seus enredos, lastimavelmente murcha. E assim, qualquer potencial da trama é praticamente diluído por uma cadência narrativa terrível e uma visão artística pior ainda.

Todavia, nesse caso, nem o seu texto salva. Na busca artificializada por construir uma obra relevante aos nossos tempos, Sorkin se apropria de signos depreciativos com total irresponsabilidade para, no fim, ratificar uma retórica perversa e uma mensagem que até pensa ser valiosa, mas que se mostra seguidamente contraditória, enquanto carrega um subtexto repulsivo. Talvez, antes de criar um estudo de personagem imensurável, que supostamente investigaria a origem da energia criativa da humanidade, seja hora do cineasta fazer um autodiagnóstico e compreender o porquê ele tanto insiste nessas histórias. Ao acreditar pretensiosamente ser um manifesto político essencial, Apresentando os Ricardos demonstra refletir o que há de mais alienante na atual indústria hollywoodiana.

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Guilherme Veiga

Feche as cortinas, esconda as cabeças de alho e cubra os crucifixos. Os vampiros mais excêntricos de Staten Island pedem permissão para entrar em sua casa mais uma vez. Depois de uma grande aceitação da crítica, que rendeu oito indicações ao Emmy no segundo ano, a série retorna para dar continuidade à trama, além de expandir o universo criado em 2014 por Taika Waititi e Jemaine Clement com o filme homônimo.

Em um período de indecisão quanto ao gênero de comédia na TV com os fins de grandes produções como Modern Family e The Good Place, e de queridinhas da crítica que vão de Fleabag à Schitt’s Creek, WWDITS figura na forma de um respiro para o segmento, ao lado de novas surpresas dessa entressafra como, por exemplo, Ted Lasso. Sendo uma das poucas que ainda funciona no formato de falso-documentário, a obra prova que tal escopo ainda está estabelecido no mercado, além de se consolidar como uma das melhores comédias da atualidade.

A ideia surgiu em 2005, mesmo ano da versão americana de The Office, que revolucionou o formato. Porém, as brilhantes mentes de Taika e Jemaine — que atuam como produtores, roteiristas e diretores do programa — vão além. Se o dia a dia da Dunder Mifflin arranca risos de um ambiente monótono que até então nunca poderia ser imaginado, o documentário vampiresco tira sarro de todo um braço literário que se firmou ao longo de décadas e que era difícil de pensar algo fora da curva. Para isso, Taika conta com seu dom de produzir sátiras de universos intocáveis (o que lhe rendeu o Oscar de Roteiro Adaptado por Jojo Rabbit), fazendo com que cada obra sua seja esse ponto fora da curva. E, com as duas versões de What We Do in the Shadows, isso não é diferente.

Diferente do que diz a cativante música de abertura, os vampiros vêm para o terceiro ano mais vivos do que nunca e um pouco mais inseridos nesse mundo. Os anos anteriores trabalharam muito bem o choque de realidade entre os dois mundos. Agora, eles já têm certa familiaridade com tal realidade, e a piada, muitas vezes, está no estranhamento que nos causa ao ver eles realizando atividades banais, incluindo malhar, pedir para o amigo flertar no seu lugar ou apostar em uma máquina caça-níquel temática de The Big Bang Theory. 

A trama começa pouco depois dos eventos do final da segunda temporada. Guillermo (Harvey Guillén) aceita sua sina após o massacre do conselho vampírico e tenta se emplacar como guarda costas dos vampiros. Já Nandor, o Implacável (Kayvan Novak), e Nadja (Natasia Demetriou), no melhor estilo de “se não tem tu, vai tu mesmo”, sobram na diretoria do burocrático conselho, enquanto Lazlo (Matt Berry) liga o foda-se para a liturgia do cargo e vai viver uma amizade inesperada com o Colin Robinson de Mark Proksch (The Office, Better Call Saul). O terceiro ano ainda conta com a participação secundária de Kristen Schaal (The Last Man On Earth, BoJack Horseman) como A Guia que veio de brinde com o conselho, além da volta de Doug Jones (A Forma da Água, O Labirinto do Fauno) como O Barão (ou o que restou dele).

Definitivamente mais pop, a série opta por expandir o cosmo do qual caçoa, ampliando ainda mais o universo vampiresco e inserindo outras criaturas fantasiosas na trama, zoando com lobisomens, gárgulas e sereias. Além dessa expansão, a produção busca satirizar — e ao mesmo tempo homenagear — o audiovisual como um todo. Os 10 episódios são uma metralhadora de referências, que vão desde um episódio inteiro baseado em Onze Homens e um Segredo até cenas em homenagem a obra-mor do imaginário vampírico, vulgo a do jogo de baseball em Crepúsculo.

Mas não pense que a série se trata de apenas um amálgama de easter eggs, como foram os besteiróis mais duvidosos dos anos 2000. Pelo contrário, e isso é mérito total do roteiro. Tudo é muito bem encaixado para que as piadas sejam mais afiadas que uma estaca de madeira. E isso nos dá momentos ímpares, dentre eles a menção direta à The Office vinda pontualmente por um ex-ator do show ou até mesmo uma piada sobre peido que se encaixa totalmente com o arco de Colin Robinson (dá vontade né, Adam Sandler?).

Para que o roteiro funcione, é necessário uma entrega por parte do elenco. E, nessa temporada, os cinco personagens principais estão em seu auge. Todos abraçaram totalmente o ridículo que a premissa propõe. Por isso, What We Do in the Shadows ousou em alterar o status quo que vinha dando certo nos anos anteriores e bagunçar totalmente a dinâmica do grupo. Gizmo está mais independente em seu arco de personagem. O sexualmente pomposo e extravagante casal Nadja e Lazlo (a.k.a. Jackie Daytona) está um pouco afastado: ela cuida dos trâmites do conselho vampírico ao lado de Nandor, enquanto ele beira o bromance ao ajudar Colin Robinson na sua busca por origens.

A série, que ficou famosa por suas participações especiais — Tilda Swinton na primeira temporada e Mark Hammil na segunda são algumas das caras conhecidas —, dessa vez, economiza em nomes. Dentre eles, Donal Logue no papel de… Donal Logue, que se apaixonou pela mitologia dos vampiros após atuar em Blade, e David Cross (Arrested Development), que está irreconhecível como Dominicas, o Terrível. Mas, sinceramente, a sinergia dos atores principais e o cuidado com o roteiro fazem com que as participações sejam apenas uma cereja em um delicioso bolo molhado com sangue.

O formato do streaming definitivamente ajudou What We Do in the Shadows. Enquanto as sitcoms da Era de Ouro da comédia na TV precisavam rebolar para entregar algo na média de 22 episódios, a leva de 10 capítulos auxilia muito o programa. Com isso, a história é mais fácil de ser desenvolvida, e um dos trunfos da série —  que é o contato deles com a vida mundana — não se desgasta, além das tramas secundárias convergirem facilmente a um ponto comum da principal.

Outro fator que a beneficia é o tempo em que vivemos. Gravada em Toronto durante a pandemia de covid-19, a produção decidiu não abordá-la em seu terceiro ano (diferente da temporada final de Brooklyn Nine-Nine por exemplo). Por mais anacrônico que isso soe, tal decisão se prova acertada. Além de funcionar como uma perfeita válvula de escape, mostrar personagens que estão se acostumando com nosso mundo, ao mesmo tempo em que nós mesmos estamos nos adaptando novamente a essa realidade, ressalta a inteligência e o timing da escrita, e catapulta a identificação que estamos nutrindo com seres tão diferentes.

Em um universo grande de sitcoms, é fácil ficar na mediocridade e se acomodar no segmento. E é exatamente esse o diferencial de What We Do in the Shadows: ela faz questão de bagunçar a ordem das coisas. O ridículo é o que rege o programa. Ela não está nem um pouco interessada em se levar a sério, até porque as únicas pessoas que a levam a sério são os próprios vampiros. Isso dá margem para que se possa brincar com absolutamente tudo, o que pode ser visto, por exemplo, no último episódio, que gira em torno de um clichê das séries de comédia: as despedidas. Os mais desavisados, que não tem conhecimento da já encomendada quarta temporada, passam metade dele achando que aquilo é um decente e precoce series finale.

A trama é a que talvez mais se aproxima da loucura de Community. Porém, o show de Dan Harmon não negava seu caráter totalmente experimental e caótico para a época, enquanto aqui há mais noção do que está sendo feito, e mais sutileza na forma de como é feito. A série do FX apresenta mais consciência ao homenagear o audiovisual, ao mesmo tempo que brinca com ele. Provavelmente, Abed adoraria What We Do in the Shadows.

As sitcoms que a inspiraram andaram para que WWDITS pudesse voar, é fato. Porém, a cada ano do show, é mais evidente que ela definitivamente — e ironicamente —  merece seu lugar ao sol. Não por reinventar a comédia ou por revolucionar a TV, mas por não ter vergonha de ser ela mesma: ridícula, inteligente e atraente do jeito que é. Mas, em um momento de escassez do gênero, é notável sua contribuição ao mostrar que, assim como o rock de Elvis, o segmento não morreu, no máximo ele está escondido no porão de algum vampiro.

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Gabriel Gatti 

Há milhões de anos, as formas de vida que habitavam a Terra eram outras. Os registros geológicos chamam de pré-cambriano a fase em que começaram a surgir os primeiros seres vivos. Com o passar do tempo, apareceram outros animais mais complexos, como os dinossauros, répteis gigantes que dominavam o planeta. Esse é o contexto histórico em que se passa a série A Família Dinossauros, criada por Jim Henson, uma sitcom que de arcaica não tem nada. O show jurássico ganhou notoriedade por apresentar de forma humorística a reconstrução do estilo de vida contemporâneo por meio de dinossauros. 

Como já diz no próprio nome, a série tem como protagonistas uma família de dinossauros que levam uma vida típica de um cidadão estadunidense de classe média na cidade de Pangea, no ano de 60.000.003 a.C.. Dino da Silva Sauro (Stuart Pankin), o pai, é derrubador de árvores da Wesayso Corporation, onde é constantemente desvalorizado pelo seu chefe, Bradley P. Richfield (Sherman Hemsley). Já Fran da Silva Sauro (Jessica Walter), a mãe, é uma dona de casa que constantemente coloca juízo na cabeça do marido.

Além do casal, a família Silva Sauro também é composta por três filhos. O mais velho é Robbie (Jason Willinger), um dinossauro que vive em constante atrito com o pai por causa de seus ideais políticos e sociais. Já Charlene (Sally Struthers), a filha do meio, é vaidosa e, muitas vezes, fútil. O caçula, Baby (Kevin Clash), é um bebê esperto e mimado, que usualmente faz escândalo para que seus familiares atendam suas vontades. Outro membro da família é Ethyl (Florence Stanley), mãe de Fran, que não se dá bem com Dino.

Cada episódio de A Família Dinossauros apresenta um roteiro repleto de humor e bordões sobre a vida contemporânea interpretada por personagens pré-históricos. O icônico “querida, cheguei”, dito por Dino já na abertura da série, foi muito impactante, servindo de referência até para programas de TV futuros e memes. Outro personagem repleto de frases marcantes é Baby. O caçula tinha uma autoestima bem alta e sempre que conhecia alguém novo já dizia “tem que me amar”. Além dessa, o pequeno tinha costume de chamar seu pai de “não é a mamãe”, como uma forma sutil de os roteiristas criticarem a ausência paterna na criação dos filhos.

Os bordões e o relacionamento cômico e atrapalhado da família eram apenas uma forma de envolver o público para, a partir daí, debater pautas de relevância social, assim como a ausência dos pais na criação dos filhos. Um dos temas mais abordados em A Família Dinossauros é sobre a influência negativa da televisão sob os telespectadores. Além de tratar rotineiramente essa questão, a sitcom dedicou alguns episódios exclusivamente para essa crítica, como o Family Change, em que os personagens desaprenderam a dialogar de tanto assistir TV, e o Network Genius, em que Dino vai trabalhar na produção dos programas televisivos e percebe como a população se torna incapaz de raciocinar após assistir à nova grade.

Outra problemática amplamente discutida em toda a série é a questão dos direitos das minorias. Diversas vezes a amiga de Fran, Mônica (Suzie Plakson), foi discriminada por ser uma mulher divorciada, quadrúpede e que trabalha. O episódio What ‘Sexual Harris’ Mean, por exemplo, mostra a personagem sendo constantemente assediada no emprego, e até ser demitida por ser do sexo feminino. Já em Green Card, devido algumas crises econômicas, os estrangeiros estão sendo deportados e, por isso, Mônica precisa se casar com um dinossauro bípede para não ser expulsa de Pangea. Mas, mesmo casada, a personagem é constantemente insultada com ofensas xenofóbicas.

Além dessas questões sociais, uma pauta muito abordada em A Família Dinossauros é sobre o ambientalismo. Dino, como funcionário da Wesayso Corporation, derruba árvores para a expansão das cidades, e seu chefe, Bradley Richfield, só se importa com as questões financeiras pessoais e da empresa. Desse modo, a série discute a extinção das espécies, a falta de direitos dos povos nativos e, até mesmo, o fim dos dinossauros, como indivíduos que propiciaram a própria devastação.

Repleto de simbolismos pré-históricos, A Família Dinossauros marcou quatro temporadas repletas de críticas sociais importantes, expostas de forma leve e divertida. À primeira vista, a série se parece um programa infantil, tal qual  Os Muppets e Vila Sésamo, também criados por Jim Henson, no entanto, o roteiro inteligente que questiona o American way of life torna a sitcom jurássica muito mais familiar ao público adulto. Com o costume de quebrar a quarta parede, muitas vezes os personagens integravam os telespectadores nas questões que eram retratadas, tornando a abordagem da série ainda mais singular.

A questão das críticas ao comportamento familiar contemporâneo aproxima muito A Família Dinossauros de outras séries. Os Flintstones, por exemplo, sempre trouxe o cotidiano atual retratado para a época da idade da pedra como forma de questionar a moral e os bons costumes. Outra produção semelhante é Os Simpsons, que aborda o cotidiano com piadas politicamente incorretas, com a diferença de que esta é produzida diretamente para o público adulto. Apesar de algumas diferenças, todas elas partiam de uma família aparentemente comum para seu universo e, a partir daí, desenvolveram, por meio do humor ácido, críticas ao padrão de vida norte-americano.

A abordagem adotada pela série fez com que A Família Dinossauros se tornasse um grande fenômeno de audiência. Ao longo de quatro temporadas, os Silva Sauro serviram como entretenimento em diversos lugares em todo o mundo. No Brasil, a dublagem contou com os atores José Santa Cruz, Maria Helena Pader, José Leonardo, Miriam Ficher e Marisa Leal, que interpretaram maravilhosamente os protagonistas ao cederem suas vozes. Além disso, a sitcom chegou a ser transmitida pela Globo, pelo SBT e pela Band, sendo um sucesso nas três emissoras. Atualmente, o Disney+ conta com todos os episódios do show, perpetuando o legado de Jim Henson.

O criador de A Família Dinossauros, Jim Henson, foi muito inteligente em desenvolver uma série jurássica que abordasse problemas sociais atuais. Por meio de simbolismos, os roteiristas brincam com os preconceitos, retratando-os como algo primitivo. Além disso, a obra reforça como o descaso com o meio ambiente é algo grotesco e ultrapassado. Ao derrubar todas as árvores para a expansão comercial, os dinossauros provocam sua própria extinção. Atualmente, é perceptível o mesmo erro com a devastação dos biomas brasileiros para a expansão econômica, o que já afeta a saúde humana.

Por causa da ganância, os dinossauros puseram um fim em suas vidas, mas, durante quatro temporadas, foi possível se divertir com as confusões da família Silva Sauro. Cada episódio fazia os telespectadores rirem e, ao mesmo tempo, refletirem sobre seus valores conservadores e retrógrados, que são um empecilho na sociedade. Desse modo, 30 anos depois do início dessa série icônica, A Família Dinossauros se mostra como um fenômeno atemporal do entretenimento.

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Gina Zapparoli

Nunca é esperado que alguém tome notas de ações boas e ruins que fazemos durante o tempo em que as pessoas passam na Terra, correto? Talvez colar em uma prova importante a qual você queira muito passar ou comprar uma “mistura de margarita para mulheres solitárias” para passar o fim de semana não parecem ser opções tão ruins vez ou outra.

No entanto, The Good Place mostra que há sempre uma pessoa anotando seus erros e acertos e que, bem, isso poderá te dar uma futura dor de cabeça. A narrativa da série se baseia em como as decisões dos personagens principais Eleanor Shellstrop (Kristen Bell), Tahani Al-Jamil (Jameela Jamil), Jason Mendoza (Manny Jacinto) e Chidi Anagonye (William Jackson Harper), por mais bobas que sejam, tragam grandes consequências para os mesmos.

Além dos quatro protagonistas, a história ainda acompanha Michael (Ted Danson), o suposto arquiteto que planejou toda a vizinhança que geraria o Bom Lugar, e sua assistente que possui conhecimento de tudo, Janet (D’Arcy Carden). Ambos personagens trazem ao grupo o “ar” fantasioso que a série brinca – principalmente ao considerar que Janet é alguém que detém todo conhecimento do mundo, enquanto Michael consegue produzir lugares para o pós-vida.

A trama inicial gira em torno de Eleanor percebendo que não pertence a vizinhança, já que este é basicamente o lugar onde todas as auras bondosas e benfeitoras do mundo foram alocadas no pós-vida. E, bem… Ela está meio longe de fazer parte dessa minoria de pessoas que causaram uma real mudança nele. Chidi acaba sendo puxado para dentro dessa bagunça criada por Eleanor ao receber o papel de sua “alma-gêmea”.

É importante frisar que Eleanor e Chidi são como faces opostas da mesma moeda. Ela é impulsiva e não consegue ter tanta empatia pelos outros, enquanto ele se baseia em pensar demais e é sua gentileza que faz com que a farsa de Eleanor continue. Michael, mais adiante na série, admite que o pareamento dos dois era para incomodá-los, mas eles fazem com que tudo aquilo dê certo.

A partir daí, a história se desenrola. Eleanor passa por bons bocados durante a primeira temporada, enquanto tenta se alocar aos padrões éticos que Chidi a ensina. Ao mesmo passo, a protagonista tenta ser ajudante de Michael para que ele não a descubra como uma “penetra” na vizinhança.

As coisas se tornam mais complicadas, quando Eleanor descobre que o monge Jianyu, na verdade, é um aspirante a DJ originário da Flórida. O grande clímax da história é que, ao Michael descobrir a existência de Jason e da Eleanor “falsa”, como ela passa a ser chamada, ele precisa mandá-los para o Lugar Ruim. Mas… Surpresa! Eles já estavam lá.

E sim, eles realmente estavam no Lugar Ruim. Toda a farsa sobre o Bom Lugar era um plano novo de tortura que Michael gostaria de apresentar para seu chefe e seus companheiros de trabalho. Ao ser descoberto, o até então arquiteto apaga a mente das pessoas de seu experimento, incluindo Janet. E, com isso, a primeira temporada termina.

Mas o objetivo dessa resenha não é discorrer  sobre como as quatro temporadas são desenvolvidas – já que isso daria um texto muito grande. Ela é voltada para os pontos positivos que faz dessa série única. Um deles é baseado na escolha narrativa da obra, sendo a série toda pautada em filosofia. Até o conceito da tortura proposta por Michael é baseado em uma teoria filosófica apresentada por Jean-Paul Sartre de que “o Inferno são os outros” – essa frase se dá pela peça, Entre Quatro Paredes (Huis Clo), do filósofo. 

A peça se baseia na ideia de três pessoas que convivem entre quatro paredes e basicamente se torturam psicologicamente, enquanto discutem sobre seus pecados. Toda essa ideia é bem próxima da primeira temporada da sitcom, lançada em 2016. 

Não apenas a tese de Sartre é discutida. Durante os anos seguintes, novas teorias são levantadas e comentadas, de maneira cômica e até educativa. Filósofos como Aristóteles e Platão são citados, como nomes para a construção da moral e da ética. E truques de filosofia, no qual se destaca “o problema do bonde“, são colocados para fazerem analogia com o contexto que os personagens passam.

 The Good Place se torna uma aventura de auto-descoberta filosófica da ética e da moral dos próprios telespectadores. A questão da possibilidade de mudança também é um assunto bastante discutido, sendo mostrado que várias vezes, por mais difícil que seja, é possível mudar.

Em todas temporadas, existe esse “reboot“ da realidade, tendo que começar de novo e de novo os universos alternativos que os personagens passam.  Em todas as tentativas, eles crescem juntos – tanto que é isso que arruína várias e várias vezes os planos de Michael em torturá-los, já que sempre que tentava apertar as feridas dos protagonistas, eles se juntam e se reerguem, cada vez melhores.

The Good Place constantemente questiona o determinismo. São várias as vezes que ela demonstra que até mesmo uma Zé Ninguém de Phoenix pode ser alguém moralmente boa – mesmo que essa pessoa tenha nascido em uma casa desestruturada e sem pessoas eticamente boas para guiá-la. 

Ver Eleanor ajudar a mãe Donna Shellstrop (Leslie Grossman), com quem ela tem uma parede emocional grande e se sente inferior já que não recebeu o amor materno o qual ela desejava, é doloroso. Mas, ao mesmo passo, mostra como a personagem cresceu de uma ladra de camarões em festa, para uma personagem que consegue sentir empatia e se colocar em segundo plano para salvar quem ama.

The Good Place também discorre temas sociais, como o desenvolvimento do capitalismo, as questões penais e de gênero e sexualidade. A série traz essa última em um tom leve e sem muita profundidade, mas em vários momentos é possível ver Eleanor comentando sobre bissexualidade e demonstrando interesses em pessoas de gêneros opostos – tanto que em um dos reboots, sua alma gêmea é Tahani e ela já comentou sobre se atrair por Janet. Além é claro, de Janet, que se intitula como “not a girl” – remetendo a possibilidade da ajudante de Michael ser uma representação não-binária. 

Ainda neste tópico, é possível ver problemas reais como o abandono maternal e negligência familiar – tanto no caso de Eleanor quanto no de Jason e Tahani, além do transtorno de ansiedade de Chidi. Esse último caso é relatado em  por volta de 19 milhões de brasileiros, segundo uma reportagem do Fantástico. Tais situações próximas da realidade de muitas pessoas, faz com que a representação desses personagens seja mais “crua” e, logo, mais próxima de se tornar identificável.

O quê anti-capitalista também é presente na série. Durante as várias idas e vindas do grupo, descobrimos que ninguém sobe para o Bom Lugar há mais de quinhentos anos e, ainda nesse episódio, é apresentado que a vida contemporânea é complicada, porque o capitalismo faz com que ela o seja. 

O ato de dar uma flor no passado causava pontos positivos; enquanto a mesma ação, nos dias atuais, faz com que a pessoa os perca, já que o mercado é algo volátil e que muitas vezes não colabora com o meio ambiente ou com a sociedade em uma esfera maior – o exemplo dado na série, por exemplo, faz com que o personagem possua uma desvantagem por ter contribuído com o trabalho em condições insalubres e com um empresário acusado por assédio, mesmo que o comprador de uma simples flor não soubesse disso. No fim, não há uma ética no capitalismo.

As questões penais também pesam durante a quarta e última temporada, onde os personagens são julgados a quase serem apagados da história, já que o novo experimento conduzido por Michael, dessa vez para salvar a humanidade, dá errado. Você mudou, cara (You’ve Changed, Man) é um ótimo episódio que discorre sobre como o sistema judicial poderia reintegrar e re-educar as pessoas que já foram punidas por ele mesmo.

No fim, tudo dá certo. O Bom Lugar passa por uma nova reforma estrutural e passa a ser o objetivo de todos, que colocam um processo de reeducação dos erros cometidos na vida passada. Aquela realidade parece perfeita, os personagens finalmente tem aqueles minutinhos de paz para só aproveitarem tudo que alcançaram até ali. 

Até que eles percebem que a eternidade não é tudo isso, ainda mais em um lugar utópico como o que estão. Um por um, os protagonistas conseguem reparar que já atingiram sua meta naquele lugar e, vendo que não existe mais a necessidade de ajudarem outras pessoas ou aproveitarem o suposto paraíso, os personagens se despedem para voltarem ao universo.

Ao se ver solitário naquela utopia que Michael criou, ele decide desistir do paraíso em que vivia e tentar viver de forma humana – por mais que ele saiba as dificuldades, as questões de ter um trabalho e de possuir glândulas sudoríparas. Dando assim, um fim ao ciclo. Fechando os pontos soltos das histórias: Tahani conseguindo ser alguém importante sem estar a sombra de sua irmã, Chidi se contentando com as coisas ao seu redor e Jason desistindo de todos os objetivos bobões que ele possuía, tendo Janet ao seu lado.

Eleanor também se despede do lugar, dando adeus para seus pensamentos mesquinhos, dias solitários e a autossuficiência que desenvolveu como mecanismo de defesa. É um arco que completa a personagem, que agora entende a importância de ouvir e ser ouvida.

The Good Place traz questões importantes de forma gostosa de se acompanhar, trazendo um humor leve e inteligente que faz com que o entendimento de bases filosóficas antigas e acadêmicas seja mais acessível e amplo. Sua narrativa, vez ou outra, soa liberal, mas não diminui as questões sociais e ético-morais que a série nos apresenta. 

A história possui personagens envolventes que crescem e nos fazem rir e chorar junto. Questões como não se sentir o suficiente para ser amado, as dificuldades envolvendo a ansiedade de Chidi, da inferioridade de Tahani, a vontade de Jason de ser uma pessoa melhor. Sua narrativa é acolhedora e nos ensina que todos somos capazes de mudança e de melhora.

Além, é claro, de Chidi e Eleanor. É realmente possível acreditar na questão de almas-gêmeas ao vê-los se reencontrando tantas vezes e, em todas elas, conseguindo manter um elo forte e seguro. Um ajudando o outro com suas falhas, havendo o aprendizado de ambos os lados, possuindo a vontade de sempre se encontrarem. É um amor estilo shakespeariano, mas que parece dar certo em seus próprios moldes.

Por fim, a pergunta que fica é: “o que devemos uns aos outros?” – outra vertente da filosofia que a série usa como esqueleto, mas que também serve como questionamento para o dia a dia: o que se pode aprender da pessoa com quem você convive? E o que pode ensinar? Por ora, o ensinamento que esse texto tem a dar é: reassista The Good Place, ainda há muito que os 5 anos da série podem lhe entregar.

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Mariana Chagas

Sair da casa dos pais não é fácil. Apesar de muitos jovens crescerem sonhando com a tão desejada liberdade, ela vem com obstáculos que nos fazem ter vontade de correr de volta para nossa cidade natal constantemente. A verdade é que não importa o quanto planejamos e tentamos manter uma estabilidade, em algum momento tudo desmorona. E é nesse momento de muita confusão que a irmã mais velha dos Johnson se encontra.

Zoey cresceu sendo mimada pelo pai, obedecida pelos caçulas e popular na escola. Acompanhamos a personagem de Yara Shahidi durante as temporadas iniciais de black-ish sendo um grande destaque da história. Passando de uma adolescente dramática para uma jovem mais dramática ainda, quando entra na faculdade a menina tem um brusco choque de realidade.

Acostumada a ter tudo de mão beijada e ser sempre queridinha, é assustador quando a universitária percebe que terá de lutar não apenas para conquistar sucesso, mas até mesmo para fazer amigos. Aos trancos e barrancos, unida a um grupo de pessoas tão perdidas quanto ela, Zoey vai descobrindo mais sobre a vida e, principalmente, sobre si mesmo.

A série foi criada pelos especialistas em sitcoms: Kenya Barris, criador de black-ish, e Larry Wilmore, creditado em roteiros de The Office e Um Maluco no Pedaço. Ambos arriscaram desviar da comédia do programa original para seguir um caminho diferente. Quebrando a quarta parede, os episódios são cheios de comentários sarcásticos e uma quantidade não-saudável de reclamações da protagonista para a câmera.

A verdade é que o crescimento fácil de Zoey a transformou em tão egocêntrica que fica difícil da menina conseguir enxergar o outro. Ela falha não com um ou dois, mas os três namorados que tem. Muito se diz que pessoas mal resolvidas machucam pessoas que sabem o que querem, e isso define cada relacionamento que a estudante viveu.

Cash Mooney foi o primeiro e talvez maior amor da jovem. O personagem, que ganha vida pela atuação de Da’Vinchi, surgiu na vida de Zoey em uma situação tirada de fanfic: para se manter no time de basquete, precisava de ajuda com os estudos. Sutilmente os sentimentos de ambos foram mudando, mas a meta do atleta de seguir jogando pelo país se manteve.

Dividida entre seguir o menino ou continuar na faculdade, a estudante recebe uma visita que vem para auxiliar: Rainbow. A mamãe, papel da talentosa Tracee Ellis Ross, lembra a filha de suas metas originais e a importância de se escolher acima de qualquer garoto. Quando o namoro finalmente acaba, Zoey passa por um ritual de passagem para qualquer pessoa: seu primeiro coração partido.

Assim como toda recente solteira, a menina promete focar nos estudos e ficar longe de qualquer romance por um tempo. Mas como o universo ama desafiar sua palavra, as coisas esquentam com Luca (Luka Hall) e a dupla vive o mais lindo friends to lovers. Como não ser #TeamZuca?

Parceiro de Zoey nos estudos de moda, Luca é um verdadeiro artista: talentoso, misterioso e sempre chapado. O ator dá vida ao seu personagem carregando extrema naturalidade, de forma a ser difícil lembrar que o estudante da Cal U, infelizmente, não existe na vida real.

A faculdade onde a mágica acontece é, também, fictícia. A California University of Liberal Arts é gravada nos estúdios Walt Disney em Burbank, que foi fechada temporariamente por conta da pandemia. “Existem diversos protocolos e, infelizmente, L.A. não está realmente fazendo um trabalho ótimo com o covid, em geral”, comentou Yara sobre o porquê do programa precisar ter um tempo em hiatus.

Além do amor romântico, a caloura também não é lá uma ótima amiga também. Quando descobre que Nomi (Emily Arlook) está grávida, seus julgamentos sobressaem o apoio emocional que sua colega precisava. Ao ver o namorado de Jazz saindo escondido, esconde o segredo da personagem de Chloe Bailey. 

Apesar da lista enorme de vezes em que falhou com as pessoas ao seu redor, Zoey se esforça o dobro para melhorar a situação. No fundo, não há maldade nenhuma por trás dos seus erros, apenas a mais pura ingenuidade e um tanto de individualismo. 

As gêmeas que estão com a universitária no caminho ao diploma são Sky e Jazz Foster. Multifuncionais, Halle Bailey e Chloe Bailey também cantam a música de abertura. As irmãs, além de ótimas atrizes, têm entrado muito bem na indústria musical. Com os álbuns The Kids Are Alright e Ungodly Hour, a dupla já coleciona 5 merecidas indicações no Grammy.

Agora, as personagens de Francia Raisa e Emily Arlook são controversas. Ana Torres é uma latina republicana que já causou muito alvoroço no grupo – imagina ter coragem de dizer que pessoas conservadoras sofrem tanta opressão quanto pessoas negras – e constantemente faz comentários de caráter duvidoso. Nomi é uma garota bissexual que terminou com seu namorado por… Bom, por ele ser bissexual. Continuo tentando entender.

A discussão a respeito da comunidade LGBTQIA+, porém, não se limita na personagem que é uma péssima representatividade da letra B da sigla. Vivek (Jordan Buhat), o traficante de drogas no grupo, vive uma noite de festa onde beija um garoto e leva seus amigos à loucura. O desrespeito que Aaron (Trevor Jackson) e Douglas (Diggy Simmons) tratam o menino após saber do acontecimento leva a um dos episódios mais intensos.

Know Yourself, da terceira temporada, aborda homofobia e sua ligação com a masculinidade tóxica. O episódio recebeu a primeira e única indicação da sitcom ao Emmy. Concorrendo na categoria de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Meia-Hora), o cineasta Mark Doering-Powell, que já é reconhecido por seu trabalho em Todo Mundo Odeia o Chris, agora representa grown-ish na competição.

Com cada temporada se passando durante um ano universitário, na terceira Zoey já é oficialmente uma veterana e legalmente adulta. “Sabe como você nunca quer chegar em uma festa sóbria? Na vida adulta, você nunca quer chegar despreparada. Nem sóbria”, é como a personagem inicia a nova etapa de sua vida.

Depois de ignorar todos os seus problemas e viajar para Londres em busca de seu emprego dos sonhos, a Johnson volta e precisa arrumar a bagunça deixada. Dividida entre os sentimentos que tem pelo ex e por Aaron, ela se sente mais perdida do que nunca.

Mas com o apoio que tem de suas amigas desde o primeiro episódio, ela segue sua jornada. Juntos, o grupo encara todos os monstros da Geração Z – do cancelamento na internet até a depressão. Nenhum dos personagens é perfeito. Pelo contrário, todos erram, nos irritam e são completamente humanos.

Na cena final da temporada 3, os estudantes da Cal U se unem em um protesto contra o racismo na faculdade que é majoritariamente branca. E lutando para encontrar sua identidade sendo mulher e negra, Zoey não poderia ser de outro jeito. 

A protagonista é daquelas que ocasionalmente te faz querer jogar o computador longe, mas também te envolve em seus dramas e problemas juvenis. No fundo, saber que até mesmo a prodígio da família preta mais querida e bem sucedida das sitcoms se encontra em crise, é estranhamente tranquilizante. Sair da casa dos nossos pais não é fácil. Nem mesmo para Zoey Johnson.

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Mariana Chagas 

Representatividade importa. Mesmo hoje sendo uma obviedade, tal fato só me foi percebido quando entendi que existia um motivo pelo qual eu, meu irmão e meu pai passávamos tanto tempo assistindo Todo Mundo Odeia O Chris. É claro que a gente ria das falas absurdas da Senhorita Morello, afinal também já tivemos de lidar com professoras racistas em nossas vidas.

No mundo das sitcoms, Chris Rock é apenas um dos nomes que criou comédia evidenciando situações ridiculamente absurdas que a população negra sofre diariamente. Um Maluco no Pedaço (1990) e Eu, a Patroa e as Crianças (2001), também fizeram história. Alguns anos mais tarde, no outono americano de 2014, estreou black-ish. A família composta por Dre, Bow, Zoey, Junior, Jack, Diane, Ruby e Pops é grande, mas muito unida pelas dificuldades que passam, sendo os únicos negros em um bairro branco de classe média alta. 

Criada pelo escritor e produtor Kenya Barris, a obra conta com sete temporadas e dois spin-offs. Acumulando uma lista gigante de indicações ao Emmy e com atores incríveis no elenco, black-ish é atual e completamente viciante em seus mais de 100 episódios, que acompanham personagens em busca de entender e valorizar sua identidade. 

O piloto direciona bem o caminho a ser seguido: três gerações correndo atrás do tão famoso sonho americano. Mas, quando se é preto, esses desejos são diferentes e muito mais difíceis de serem atingidos. Nenhum obstáculo, porém, é grande o suficiente para derrubar o casal principal, cuja maior meta sempre foi dar para os filhos uma vida mais fácil do que a que tiveram. Mesmo situados em uma  confortável estabilidade financeira, a sitcom não esconde o passado complicado de Andre e Rainbow Johnson.  

Dre (Anthony Anderson), o pai da família e narrador da série, é um publicitário que luta para ser visto como mais do que a cota negra no próprio serviço. A empresa em que trabalha é um dos ambientes principais da série, onde sua equipe escuta suas reclamações sobre raça – e muito drama familiar. É com lentidão que seus colegas vão criando mais respeito pelo protagonista. 

Desenvolver personagens brancos em uma série negra é de extrema importância, e black-ish entende o porquê. Sendo o racismo uma criação da população branca, de que outra forma ele pode acabar se não pelas mãos dos que o construíram? A figura de Peter MacKenzie é, além de hilária, uma das maiores evoluções da história. A consciência que o chefe toma sobre sua cumplicidade no sistema é necessária e bem desenvolvida.  

Além de abalar a vida dos seus parceiros de trabalho, Dre faz muito barulho em casa. No meio do caminho entre ser sensível e agressivo, o homem tenta – e na maior parte do tempo consegue – ser um bom pai. O personagem de Anthony Anderson ensina seus filhos os contratempos que vão viver e sobreviver sendo pretos nos Estados Unidos. 

A atuação de Anderson é digna de Emmy. O comediante levou indicação não apenas por uma, mas por todas as sete temporadas de black-ish. Concorrendo na categoria de Melhor Ator em Comédia, é uma pena que a Academia ainda não tenha reconhecido seu talento o suficiente para deixá-lo levar para casa o tão merecido prêmio. E 2021 ainda não deve ser seu ano da sorte, tendo um concorrente tão forte quanto Jason Sudeikis, o famoso Ted Lasso. 

Já a mamãe da família é vivida por Tracee Ellis Ross. Carismática e agitada até demais, Rainbow traz tanta cor para a série que seu nome faz sentido. Dividida entre cuidar das crianças e da casa, ela ainda é médica. Ser mulher e negra em um emprego tão estimado é raro, e a sitcom não cansa de reforçar isso.

Também acumulando uma lista gigante de indicações no Emmy, a premiação ainda não entregou nenhuma estatueta a filha de Diana Ross. Para os que acham que não a conhecem, esta é a lendária cantora da música escutada por Chandler no seu meme imortal segurando um vinil enquanto sofre por Janice.

Em 2021, Tracee concorre novamente como Melhor Atriz em Comédia junto a Jean Smart, Kaley Cuoco, Aidy Bryant e Allison Janney. Mesmo que não ganhe, a atriz poderá pelo menos se divertir na premiação, como em 2002 quando confessou ter usado uma bolsa birkin falsa. A energia de Tracee é quase tão caótica quanto a personagem que ela dá vida em black-ish. 

A lista de discussões trazidas pela mãe é inumerável. Além do racismo, Bow debate sobre colorismo e machismo na narrativa. Uma das melhores e mais marcantes cenas é na sexta temporada, quando no episódio Feminisn’t ela descobre que a luta das mulheres não a inclui completamente. “Você está me pedindo para escolher entre ser mulher ou ser negra. Eu não tenho esse privilégio”, desabafa para a personagem branca e feminista que quer excluir questões raciais de seus protestos.

Este é apenas um dos diversos episódios que abordam temas relevantes no seriado. A homofobia que Raven-Symoné, irmã de Dre, sofre por ser lésbica, a virada repentina de Jackson (Miles Brown) para se tornar vegano, os traumas de Dre por conta da relação conturbada de seus pais e tantos outros assuntos são base para o roteiro rico do programa. 

A amplitude de problemáticas que a família Johnson discute durante as temporadas é um perfeito exemplo para os telespectadores terem uma visão mais rica do que sofre uma família afro-descendente. Racismo não é a única dificuldade enfrentada, pois cada personagem carrega sua própria bagagem e individualidade. 

Os irmãos são a maior prova de que a sitcom não falhou em dar uma identidade forte para cada personagem. Zoey, a mais velha, é metida, debochada e ainda assim querida com todos os caçulas. Sendo a primeira a ir para a faculdade, a jovem vivida por Yara Shahidi ganhou um spin-off, grown-ish. 

Junior (Marcus Scribner), o filho do meio, só não é o alívio cômico porque a série já é de comédia. Ao longo das tempos, o vemos passar de uma criança para um adulto, conseguindo manter sua sensibilidade – palavra que usarei para não chamar o garoto de chorão. A relação do menino com a mãe é uma das mais hilárias, e Rainbow nem tenta esconder que ele é seu preferido. Não era de se esperar outra coisa, já que nenhum outro filho parece ter tanta paciência – e gosto – para jogar sudoku com ela.

Assistir esse personagem crescer não é apenas divertido, mas também muito fácil de se identificar. Diferente da irmã-prodígio, Junior leva os pais à loucura quando, depois de apenas dois dias na faculdade, decide desistir. Ou melhor, tirar um ano sabático. “Essa merda de gente branca” – palavras de Pops (Laurence Fishburne), não minhas -, acabam sendo o passo que o jovem precisava para construir seu futuro.

Os gêmeos são dois lados da mesma moeda. Diane manda, Jack obedece, Diane é popular, Jack mal tem amigos… Os opostos se atraem e formam a dupla mais icônica de black-ish. Marsai Martin e Miles Brown dão conta dos papéis desde pequenos, quando entraram para o elenco. Ambos provam seu talento em todos os episódios, mas uma cena da jovem se destaca. 

Em Black Like Us, o delicado e muito evitado tema do colorismo é trazido à tona. A briga que envolve todos os parentes é interrompida quando a caçula confronta a família sobre ter a pele mais escura. “Está em todo lugar que eu olho, qualquer pessoa que eu converso”, desabafa a menina sobre a consciência que tem sobre ser retinta. Com apenas 14 anos, Marsai entregou uma das falas mais marcantes de todo o roteiro.

Já Miles nasceu para fazer os outros rirem. Quando seu personagem se apresenta na escola cantando um rap cheio de uma palavra proibida, é hilário a forma que o garoto dança inocentemente enquanto os outros alunos, pais e professores entram em desespero. É óbvio que muitos ainda se sentem desconfortáveis com uma criança sem medo da n-word. 

Outra dupla que dá o que falar é Ruby (Jenifer Lewis) e Pops, os pais de Dre nada fáceis de lidar. O típico ódio de sogra e esposa transforma a relação de Ruby com Bow em uma eterna briga, mas é difícil não rir com as provocações entre as mulheres mais importantes na vida do protagonista. Em cenas mais emocionantes, porém, fica escancarado que, por baixo de cada ofensa, há uma das mais bonitas amizades do seriado. Pops, o vovô mal humorado, também tem vários problemas com Ruby. O casal, que se separou quando Dre era ainda criança, se une novamente nesta sétima temporada. 

Um verdadeiro enemies to lovers, o relacionamento dos dois é bagunçado e muito fofo. E é na celebração desse amor que nasce um dos episódios mais bonitos do novo ano. Our Wedding Dre concorre ao Emmy nas categorias de Melhor Figurino Contemporâneo e Melhor Penteado Contemporâneo. Stacey Morris e Nena Ross foram as cabeças por trás dos looks do casamento, e em entrevista contaram que quiseram ousar: “Queríamos fazer algo mais criativo, mais elegante, um pouco mais estiloso para combinar com o episódio. Essa foi nossa meta”.

O vestido todo estampado de Jenifer Lewis foi não apenas surpreendente, mas superior a qualquer tecido branco que ela pudesse usar. E Junior, em seu terno todo vermelho, quase roubou toda a atenção da noiva para si. O garoto já é lindo, mas com uma roupa que destaca sua beleza ele ficou um absurdo. 

Além do emocionante casamento, a sétima temporada é uma das  mais engraçadas da série. Produzida e lançada em 2020, ela está mais atual do que nunca. Dessa vez, acompanhamos a família presa em casa por conta da quarentena. 

Dre, gente como a gente, surta. Tentando dar conta do trabalho online e cuidar das crianças que agora estudam a distância, o pobre do homem perde a cabeça. É triste e engraçado o quanto nos vemos nos personagens que agora trabalham de pijama, não aprendem nada no EAD, namoram virtualmente e passam tempo demais em chamadas de vídeo.

Quem se destaca com esse plot que a série roubou da vida real é Rainbow. A médica cuida de pacientes com coronavírus e a mensagem que black-ish passa é dolorosamente realista. A atenção que a série dá para a personagem e seu esforço é uma bela homenagem a todos os trabalhadores de saúde que arriscaram suas vidas todos os dias ao irem trabalhar na linha de frente em combate a covid-19. 

Mesmo no meio de tanta tragédia, o programa segue sendo positivo e divertido. Criada por Kenya para falar sobre racismo, a sitcom sabe que é melhor rir para não chorar. Com as doses certas de momentos sérios e outros descontraídos, a obra devolve para a população negra aquele sorriso que nos é sempre roubado.

Concorrendo também ao Emmy 2021 na categoria de Melhor Série de Comédia (com créditos de produção para Anderson, Fishburne e Ross), black-ish merece cada reconhecimento recebido e muito mais. Retratar com amor um povo que foi sempre tratado com ódio é um ato de coragem, e a série não tem medo de ser corajosa. Com sua oitava temporada confirmada para ser a última, a jornada da família Johnson vem chegando ao fim. Só nos resta, então, torcer para que as lições deixadas se mantenham vivas.

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