Davi Marcelgo

O diretor Ridley Scott pôde aproveitar intensamente do fator novidade em 1979, quando o mundo ainda não conhecia o visual tenebroso dos xenomorfos, criado pelo artista Hans Ruedi Giger, o que permitiu que o medo pelo desconhecido invadisse as salas de cinema sem fazer barulho. A sequência, Aliens, O Resgate (1986), dirigida por James Cameron, se afastou do Terror e abraçou a ficção científica dos blockbusters. De apenas um alien no filme anterior, o cineasta de O Exterminador do Futuro (1984) brincou com dezenas. Saturada a imagem da criatura, a franquia mirou em outros estilos de narrativa, mas em Alien: Romulus, o sanguinário Fede Alvarez conseguiu o feito de fazer o público temer a escuridão.

Na trama, necessitados por uma vida melhor, Rain (Cailee Spaeny), Andy (David Jonsson) e amigos adentram uma estação espacial abandonada para viajar até outro planeta, porém, eles não são os únicos passageiros da nave. Alien, O Oitavo Passageiro (1979) apodera do horror como motor de uma história sobre gênero e classe, a dupla de roteiristas uruguaia – Fede Alvarez e Rodo Sayagues – também tecem comentários sociais: violação da vida, dos corpos e pobreza, ao passo que atualiza o medo pelo desconhecido, do mesmo jeito que Scott e curiosamente diferente. 

Se antes o desconhecido era a presença de um invasor, agora é o ato de desconhecer e estar sem o controle do próprio destino, personificados na redefinição dos comandos de Andy, um androide que Rain considera como irmão, mas que após um reset, começa a agir de acordo com os protocolos da empresa  Weyland-Yutani, perdendo a personalidade inofensiva que a irmã tanto amava. A vida no outro planeta também é incerta, os jovens que não têm oportunidades na terra natal e são privados até mesmo da luz do sol se arriscam no espaço para o mínimo de vida digna. Para a protagonista, há mais uma dificuldade: por ser androide, seu irmão não vai ser aceito lá. 

O body horror sempre fez parte da saga, com os xenomorfos germinando filhotes na barriga de humanos hospedeiros. A cena do parto já foi vista em outros filmes, porém, Alvarez é ousado quando a violação do corpo é dupla e nova, sobretudo quando há a carga temática inserida. Em Romulus, Kay (Isabela Merced) está grávida e acaba injetando o DNA de um alien no seu corpo. O que poderia ser mais um exemplar da raça, na verdade, se revela um híbrido assustador com a aparência completamente diferente dos extraterrestres; somos apresentados a uma criatura desconhecida. A transformação do bebê em algo nefasto representa o fim da inocência e do futuro para aqueles jovens pobres e desamparados.

Alien: Romulus consegue provocar sentimentos de repulsa e pavor que estavam adormecidos na franquia, ele atualiza o medo pelo desconhecido através da vida dos protagonistas e da presença de uma nova ameaça. Alvarez e seu parceiro de escrita constroem uma história a partir de elementos do Terror, gênero que eles são familiarizados, como um grupo de jovens em um local abandonado, pequeno e isolado e a dinâmica de sobrevivência que se instaura a partir de um ser que está preso neste mesmo espaço. Curiosamente, A Morte do Demônio (2013) tem horror corporal e Homem nas Trevas (2016) uma história envolvendo agressão sexual e gravidez. A dupla deixa marcas autorais em estilo e narrativa, sem se afastar da personalidade de Alien.

O filme tem uma grande deficiência de luz, desde a habitação ao planeta, os ambientes são escuros. Essa decisão fotográfica soa não somente como fruto do gênero Terror, mas é principalmente o sentido prático dessa vida dura dos protagonistas, que não conseguem ver o que há à frente. O diretor uruguaio, acostumado a dirigir em espaços pequenos, como cabana e casa, provou ter a capacidade de compor grandeza imagética, cenas lindas com cargas emocionais tão profundas que só alcançam catarse porque ele priva os olhos do público de ver luz. No clímax, ao colocar de encontro nossas pupilas com a iluminação, Fede Alvarez cria um híbrido da sensação de assistir Alien: O Oitavo Passageiro pela primeira vez. 

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Nathan Nunes

Há um ano, quando o mundo se preparava para o Oscar 2023, duas apostas já eram tidas como certas: Avatar: O Caminho da Água venceria a categoria de Melhores Efeitos Visuais daquela cerimônia e Duna: Parte 2 venceria a da próxima. Naquela época, a segunda parte da adaptação de Denis Villeneuve ainda estava programada para estrear em Novembro e, consequentemente, prevista para angariar uma série de vitórias técnicas, como fez o seu antecessor na temporada de 2021. 

No entanto, em Agosto, essas previsões sofreram um baque, quando a Warner Bros. anunciou o adiamento do longa para Março. A decisão ocorreu devido à greve do Sindicato dos Atores (SAG), cuja uma das regras proibia as aparições dos intérpretes nos circuitos de divulgação dos projetos. Repentinamente, a categoria que tinha seu campeão garantido se viu diante de uma série de possibilidades, tornando-se uma das mais imprevisíveis da temporada. 

Com Duna: Parte 2 fora da jogada, Oppenheimer parecia ser a principal opção para o prêmio. Além do histórico bem-sucedido da filmografia de Christopher Nolan na categoria (A Origem, Interestelar e Tenet saíram todos vitoriosos, em seus respectivos anos), é notável a proeza do longa em recriar os testes da bomba atômica com “zero tomadas de CGI”, de acordo com o diretor. Essa informação, no entanto, gerou polêmica, quando revelou-se que cerca de 80% da equipe de efeitos visuais não receberam os devidos créditos na rodagem.  

Tradicionalmente, são enviados para consideração do Oscar os nomes de três ou mais supervisores de VFX (efeitos visuais, ou seja, tudo que é criado digitalmente durante a pós-produção), junto de um único supervisor de SFX (efeitos especiais, realizados ao vivo no set de filmagens). Oppenheimer optou por um caminho diferente, utilizando truques ópticos que ficam na linha tênue entre os dois. A dúvida, aliada à controvérsia de uma possível desvalorização dos artistas, resultou em sua omissão da longa lista de vinte filmes organizada pelo comitê, entre os quais dez são pré-selecionados para disputar as cinco vagas finais.

Em um cenário hipotético, se Oppenheimer tivesse continuado na disputa, a vaga que ele ocuparia faria parte de uma tendência muito específica do comitê nos últimos anos: o CGI mínimo em filmes de guerra, no qual as imagens computadorizadas servem de apoio para os efeitos práticos. Destaques recentes nessa linha incluíram Nada de Novo no Front, indicado em 2023, e 1917, vencedor em 2020. Este ano, seu representante acabou sendo Napoleão de Ridley Scott, cujo objetivo era manter o realismo em evidência. Pinturas da era napoleônica, por exemplo, foram utilizadas como referência para o design de algumas tomadas específicas, como a famigerada imagem do imperador francês frente às pirâmides do Egito. 

Na ação, o time de efeitos especiais, comandado por Neil Corbould (Missão: Impossível – Efeito Fallout), foi responsável pela criação pirotécnica, seja construindo miniaturas de navios para a sequência inicial no cerco de Toulon, ou equipando canhões com talco e o chão com gelo falso para filmar a batalha de Austerlitz. A computação gráfica, supervisionada por Charley Henley (Prometheus), ficou com a tarefa de aumentar o escopo dos exércitos, através da animação a mão de quase todos os cavalos e o escaneamento de mais de 700 soldados reais. Ao final, ambos os artistas foram indicados, junto de Simone Coco (Scott Pilgrim Contra o Mundo) e Luc-ewen Martin-fenouillet (Sonic 2: O Filme). 

De forma semelhante, Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1 também baseou-se em uma integração orgânica entre o prático e o digital para realçar a periculosidade das cenas de ação. O CGI, supervisionado por Alex Wuttke (Jurassic World: Reino Ameaçado), Jeff Sutherland (007: Sem Tempo para Morrer) e Coco, foi utilizado para aumentar o tamanho dos cenários, como o deserto de Abu Dhabi nos minutos iniciais. Outro destaque foi a adição de elementos complementares, como a mobília danificada, em sequências cruciais, como a final, passada em um trem em descarrilho. 

Especificamente para esse momento, coube aos efeitos especiais, também sob a supervisão de Corbould, a tarefa de construir um trem em escala real e jogá-lo do alto de uma ponte, capturando a destruição sob o olhar de múltiplas câmeras. Anos de preparação e pensamento foram dedicados para realizar a façanha, pois a tentativa seria apenas uma. Felizmente, o resultado foi tão impressionante que rendeu à franquia sua primeira indicação na categoria, corrigindo um histórico de 28 anos de esnobe. 

Para Guardiões da Galáxia Vol. 3, os desafios foram diferentes. O longa contou com mais de três mil tomadas de CGI, que, por sua vez, tiveram que ser coordenadas por diferentes empresas. A Sony Pictures Imageworks, representada no Oscar por Theodore Bialek (Doutor Estranho no Multiverso da Loucura), ficou encarregada de criar o Orgoscope, um planeta cuja superfície psicodélica é feita de carne orgânica. Já a Weta FX, sob a supervisão de Guy Williams (Jogos Vorazes: Em Chamas), desenvolveu o notável plano-sequência de ação no ato final, a partir de 18 takes diferentes e uma sincronização entre coreografia, dublês digitais e a duração da música No Sleep Till Brooklyn da banda Beastie Boys. 

Já a companhia Framestore foi responsável por criar os animais digitais do centro emocional da narrativa, em especial Rocket (Bradley Cooper). Todas as cenas envolvendo o guaxinim e seus amigos Lylla (Linda Cardellini), Floor (Mikaela Hoover) e Teefs (Assim Chaudry), foram filmadas durante os primeiros dois dias de produção. Assim, foi dado tempo ao time de Alexis Wajsbrot (Mulher-Maravilha 1984) para refinar a animação dos personagens, com grande ênfase em seu olhar. O esforço refletiu na indicação dos artistas, juntamente do supervisor de efeitos visuais no set Stephane Ceretti (Eternos). 

Custeada em cerca de US$ 250 milhões, a terceira parte da saga space opera da Marvel não poderia ser mais diferente do quarto competidor, Godzilla Minus One, cujo orçamento foi de apenas US$ 15 milhões. A companhia Shirogumi, responsável pelos efeitos visuais, também operou sob condições extremamente diferentes da norma hollywoodiana, com um time de apenas 35 artistas, oito meses de prazo e um total de 610 tomadas de CGI. Para agilizar a produção, o diretor e roteirista Takashi Yamazaki (Kiseijuu) trabalhou no mesmo escritório que a equipe, supervisionando a evolução do trabalho de perto.

Um dos desafios encontrados foram os navios de guerra, pois, com as limitações orçamentárias, não seria possível construir sets para todos. Para contornar a situação, um único set serviu de referência para todas as cenas, com gruas auxiliando nos movimentos de câmera. Enquanto isso, as sequências marítimas aumentaram os esforços da equipe, tanto para a animação do kaiju em si, como também para os efeitos de simulação de água. Feito, como diz a expressão popular, na raça, o trabalho foi reconhecido na categoria com as indicações do próprio Yamazaki, além de Kiyoko Shibuya (Zero Eterno), Masaki Takahashi (Patrulha Estelar) e Tatsuji Nojima (O Deus do Cinema).

Finalizando a lista de indicados, Resistência se destaca também por uma abordagem diferenciada como a do concorrente anterior, mas ainda assim feita com um orçamento maior de US$ 80 milhões. Para o diretor Gareth Edwards (Rogue One: Uma História Star Wars), a prioridade foi filmar em locações ao redor do sudeste asiático, em países como Tailândia, Camboja e Nepal. O trabalho de criação de mundo, geralmente concebido na pré-produção com artes conceituais e concretizado em estúdios de tela verde, foi feito em cima das filmagens em live-action, aproveitando o sentimento e a estética dos locais visitados. 

Para a criação dos robôs que protagonizam a história, o método se manteve na mesma linha econômica. A captura dos movimentos faciais dos atores foi feita sem a necessidade deles estarem cobertos de pontinhos no rosto, com apenas um ou dois para referência dos animadores. Em contrapartida, os efeitos especiais, liderados por Corbould (sim, ele de novo), foram responsáveis por providenciar elementos como fumaça e partículas, principalmente nas sequências de ação. O supervisor também está indicado pelo seu trabalho aqui, juntamente de Jay Cooper (Babilônia), Ian Comley (Star Wars: O Despertar da Força) e Andrew Roberts (Assassinos da Lua das Flores).

Quem vai vencer?

Com uma lista tão rica de competidores, não surpreende que as apostas estejam tão divididas, pois não há um vencedor claro. As grandes premiações televisionadas da temporada, como o BAFTA e o Critic’s Choice Awards, consagraram filmes que não foram sequer indicados aqui – Pobres Criaturas e o já citado Oppenheimer, respectivamente. Enquanto isso, as trajetórias individuais dos concorrentes apontam para diferentes caminhos. 

Napoleão saiu de mãos abanando e Missão: Impossível foi celebrado no Satellite Awards, pouco relevante para o Oscar. Entre as diversas associações de críticos dos Estados Unidos, Godzilla Minus One venceu em dez, Resistência em seis e Guardiões da Galáxia em apenas uma. Os dois últimos, no entanto, foram ganhadores no Visual Effects Society Awards (VES), em especial a ficção científica de Edwards, que saiu com o prêmio principal e outras quatro vitórias. 

Independente de quem se consagre como vencedor, é fato que essa temporada foi uma das melhores para a categoria em anos. Depois de uma série de vitórias previsíveis, um único adiamento culminou na formação de uma lista extremamente rica e interessante. O ofício da magia do Cinema, feito pelos artistas de efeitos visuais e especiais, nunca esteve tão bem representado em sua capacidade de iludir o público com técnicas e estilos completamente diferentes um do outro, comprovando um fato que a indústria ainda precisa aceitar: esses profissionais são muito mais valiosos do que se imagina. 

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Davi Marcelgo

Abdicar sonhos pelo bem maior, ser incorruptível, simbolizar a honra e bondade humana. Muitos filmes de heróis, desde Superman (1978), representam protetores benevolentes que transpiram sacrifícios. Os feitos desses mitos incluem girar a Terra em sentido anti horário e alterar o tempo, parar um trem desgovernado, salvar o Natal. Dentre os chavões do subgênero há a jornada em busca do que te faz um paladino. Ser tentado a usar os poderes para o próprio benefício, encarar dilemas, matar ou não seus inimigos e por aí vai. Homem-Aranha 2 (2004) debateu as responsabilidades da vida de vigilante, nuances foram inseridas nos quadrinhos ao longo dos anos, afastando os homens que usam colã de uma noção maniqueísta. Mas o caminho de se tornar um herói pode ser apenas consequência de um objetivo muito mais nobre: o de se relacionar. 

Em 2014, uma equipe de criminosos traumatizados foi introduzida na história de Hollywood, os Guardiões da Galáxia. Diferente dos outros super-poderosos, eles não são dotados de proezas ou nobreza. São interesseiros, faziam serviços em troca de pagamento e salvaram a galáxia só porque pereceriam se não impedissem os planos de Ronan, o Acusador (Lee Pace). Depois dos eventos contra os Kree, se aproximaram do formato de uma equipe à la Vingadores. Porém, em Guardiões da Galáxia Vol. 3 (2023), terceiro e último encontro dos heróis dirigido por James Gunn, salvar a família é o mais importante, e no meio da jornada, talvez dê tempo de se tornar um herói. 

Desde o primeiro filme, a história do grupo é sobre pessoas que se esbarraram e descobrem características em comum. Criminosos renegados, com passados traumáticos e sem família, unem-se para sobreviver. Em determinado ponto, eles percebem fragmentos de qualidade um nos outros, qualidades heroicas. Coragem, inteligência, sacrifício e humildade. Quando decidem salvar o planeta Xandar, é para estarem juntos caso a empreitada falhe. Morrer ao lado de quem te aceitou e admirou sem pedir nada em troca não parece ruim. 

No volume 2, os Guardiões salvam o universo do maligno planeta Ego numa luta para resgatar Peter Quill (Chris Pratt). Rocket atravessa vários pontos do espaço pelos amigos que estão presos. Diferente do maximalismo do MCU, o clímax é mais íntimo: eles frustram os planos do vilão numa sucessiva cadeia de objetivos, na qual o mais importante é tirar os guardiões dali – o   universo terminar bem é consequência. James Gunn isola e separa seus personagens do resto da Marvel a fim de criar a própria maneira de desenvolver história e grupo. 

São vários os momentos em que isto é perceptível. Nota-se o que a direção quer mostrar, preferindo filmar uma briga e o revezamento de cuidado para com o Baby Groot (Vin Diesel) do que um tiroteio entre naves, como o carinho que o membro mais novo do grupo recebe em meio uma missão e as linhas de diálogo que aprofundam as relações. Quando ele prioriza o entendimento e aproximação do público dentro da dinâmica, é um recado da hierarquia de eventos, uma indicação ao que você deve olhar. 

Mas e a terceira parte da aventura? Na trama, são os amigos que desbravam a galáxia para salvar um dos seus. Após Adam Warlock (Will Poulter) ferir Rocket Raccoon (Bradley Cooper) em uma missão determinada pelo Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji). Diante disso, os Guardiões da Galáxia precisarão correr contra o tempo para salvar o guaxinim, ao mesmo tempo que o passado tortuoso de Rocket e todos os métodos facinorosos do cientista contra animais indefesos são revelados, fazendo a trilogia culminar em um confronto empolgante. Atos de bravuras que poderiam soar comum e genéricos são potencializados por toda carga emocional inserida em todas as interações da equipe durante toda a década. O Senhor das Estrelas (Pratt) salta de uma altura absurda para obter o único objeto capaz de salvar a vida de seu amigo. 

Gunn, que também assina o roteiro, conhece os moldes dos filmes de heróis, os clichês de mocinho e inimigo, parecidos em poderes e até trajes, como Homem-Aranha e Venom, Hulk e Abominável ou Superman e Zod, reduzidos a serem apenas uma contraparte. No último volume, o cineasta subverte o clichê e afasta Rocket de Alto Evolucionário. De parecidos, eles não tem nada. O guaxinim precisou aprender a conviver com as diferenças e imperfeições de cada guardião. Já o vilão é incapaz de reconhecer outro ser e aceitá-lo, constantemente atrás de modificar seres (humanos ou não) ao seu bel gosto e senso de perfeição. 

Pensando em arco de personagem, o menor guardião é o que tem o maior deles. Introduzido como casca-grossa, ele não tinha receio algum de puxar o gatilho e já tinha até ameaçado matar os membros de sua equipe. Ele se esquivava de perigos, como fez na luta contra Thanos em 2018 e afastava as pessoas ao seu redor. Com o volume 3, descobrimos que era tudo pelo trauma de ter perdido sua primeira família pelas mãos do torturador de animais. A frase “cansei de fugir” é um grito de liberdade. 

Quando Rocket opta por não matar seu nêmesis, mas libertar todas as criaturas presas, ele então se torna um herói. A equipe estava a salvo e o Alto Evolucionário não apresentava mais uma ameaça. Não tinha necessidade de Rocket salvar mais ninguém, exceto quando você é um herói. A resposta que ele dá, “sou um guardião da galáxia”, representa todas as características boas que ele reencontrou em si ao fazer parte da equipe. O antagonista é imperdoável. Durante grande parte do filme, somos expostos a incontáveis crueldades dele sem nenhum fio de humanização, que, ao final, a decisão de Raccoon vem como um choque para o espectador.

Fora todo o subtexto de heroísmo, ainda tem muita coisa magistral. Adam Warlock é uma ótima adição à saga: mesmo com pouquíssimos 10 minutos de tela, já é o bastante para se apaixonar pela atuação de Will Poulter. O filme também é o mais violento de todo Universo Marvel e rende algumas lágrimas durante seus 150 minutos, além de uma ótima trilha sonora, abrindo com Creep, clássico da banda Radiohead. Até as rimas visuais ganham espaço. Uma delas, ao final do filme, remete à cena do longa de 2014, “um bando de otários de pé formando uma roda”. 

E não para por aí. Guardiões da Galáxia Vol. 3, além de ter enchido os bolsos da Marvel Studios, também foi indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Por infelicidade, o blockbuster ficou de fora em outras duas categorias em que teria grandes chances de levar a estatueta para a casa, Melhor Design de Produção e Melhor Maquiagem e Cabelo.

Quebrando o recorde de maior número de próteses utilizadas em um filme, o desfecho da trilogia utilizou 22.500 próteses, 500 perucas e 130 perucas faciais. Ao optar por efeitos práticos, James Gunn deixa a história ainda mais próxima das Space Opera dos anos 1970 e corrobora com o desempenho dos atores, que poderiam ser facilmente substituídos por CGI. Nas palavras do próprio diretor, a intenção era garantir a atuação de Chukwudi Iwuji. Já a direção de arte comandada por Beth Mickle é engenhosa ao ponto de fazer você pegar um foguete e ir direto para o espaço, com diferentes texturas e estéticas, desde uma base centrada num organismo vivo pegajoso a uma espaçonave feita de figuras geométricas. 

O futuro da DC no Cinema está seguro. Com James Gunn, que demonstra domínio nas adaptações em quadrinhos, todos os tiros tendem a ser certeiros. Para além de uma construção de um universo cinematográfico ansioso, ele sempre preferiu sustentar sua história e fazer o público querer sentar no banco do passageiro. Para fazer uma nova e excelente abordagem de tornar-se herói, só conhecendo o material base e amando ele. 

O título sobe em um momento de fragilidade e irmandade da equipe, condensando o que é ser um Guardião da Galáxia. Não em grandes atos épicos, mas na interação entre esses personagens disfuncionais. As grandes cenas de ação ganham riqueza graças ao sentimento compartilhado entre o público e eles. Acompanhar os Guardiões da Galáxia na trilogia, suas participações em Vingadores: Guerra Infinita e Ultimato e um especial de Natal foi uma viagem rumo às estrelas mais quentes. Foi fazer amigos, ser apresentado aos hits favoritos de uma pessoa que você nutre carinho e aprender que não é necessário ter uma ‘alma perfeita’.

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Flora Vieira e Nathan Sampaio

Indicado ao Oscar de Melhores Efeitos Visuais, Godzilla Minus One é a nova empreitada da produtora Toho para a franquia do monstro radioativo, entre nós desde 1954. Escrito e dirigido por Takashi Yamazaki, também responsável pelo CGI, o filme teve um orçamento calculado que varia de US$ 10 a 15 milhões. Seu primo americano, lançado em 2014 e considerado o reboot da franquia em terras ocidentais, em comparação, custou US$ 160 milhões.

Sua indicação não é à toa. Com um pequeno orçamento e uma equipe reduzida, os efeitos alcançam um primor técnico invejável a qualquer blockbuster produzido pelos Estados Unidos, num triunfo alcançado pelo diretor outras vezes, como em Lupin III: The First (2019). Competindo com o novo Missão Impossível – Acerto de Contas Parte 1 e Guardiões da Galáxia Vol. 3, ambos com orçamentos que beiram os US$ 200 milhões, o longa faz história na categoria e tem boas chances de vitória.

Em Godzilla Minus One, Koichi (Ryūnosuke Kamiki) é um veterano da Segunda Guerra Mundial que presenciou um monstro gigantesco matar quase todos os soldados de uma base japonesa, sendo um dos únicos sobreviventes. Nos anos seguintes ao ataque, ele tenta reconstruir sua vida junto de duas vítimas da devastação do Japão, Noriko (Minami Hamabe) e Akiko (Sae Nagatani). Porém, o sofrimento volta à tona quando Godzilla ameaça atacar Tóquio.

O filme surge como uma homenagem ao Godzilla de 1954, filme que iniciou a franquia e popularizou o Kaiju. Durante a produção do primeiro longa, os japoneses tentavam reconstruir sua nação após a devastação da guerra e do trauma das bombas atômicas. Com base nessa angústia, surge o monstro colossal que personifica o medo de um novo ataque atômico e as consequências sociais e ambientais que vieram do bombardeio. Mais do que uma história de criatura, a obra dos anos 1950 é um retrato de um povo destruído e amedrontado.

Com o passar do tempo, o significado original do monstro se perdeu, dando espaço para histórias mais leves e divertidas de lutas entre seres imensos, e o medo deu lugar à afeição. Mais recentemente, a Toho, produtora da narrativa de 2024, tem se empenhado em resgatar a origem do Godzilla, afinal seus temas ainda são atuais e merecem atenção. Essa intenção deu espaço para obras pesadas, angustiantes e amedrontadoras, no melhor sentido possível.

Shin Godzilla, de 2016, é o antecessor de Minus One e o reboot da franquia no Japão, que não recebia um filme novo desde Godzilla: A Batalha Final, de 2004. Diferente do mais recente, ele aposta numa versão do monstro que discute o desastre nuclear de Fukushima, em 2011, e a inércia do governo japonês diante do acidente. Dirigido por Hideaki Anno, o mesmo autor do anime Evangelion (1995), Shin é episódico e sem relação com o resto da franquia, um tanto errático, assim como seu monstro, cujo principal problema são as metamorfoses e seu potencial evolutivo infinito.

Enquanto Minus One escolhe criticar o império japonês e a cultura japonesa do sacrifício pela pátria, apostando em um final feliz, Shin coloca os pés no chão, enxergando que pouco mudou desde o fim da Segunda Guerra Mundial: a ameaça continua viva, e em constante mudança. O Godzilla de Minus One é belo e estático, enquanto Shin Godzilla é propositalmente feito para ser deformado, desconfortável e estranho ao cenário.

O longa é extremamente corajoso e ambicioso em sua abordagem. A suposta falha do jovem Koichi, no início da narrativa, representa o absurdo da cultura imperialista e belicista do Japão dos séculos XIX e XX. Esta falha, aos poucos, é transformada em virtude pela narrativa, quando ela valoriza, de forma direta e sem rodeios, a vida de cada um dos personagens que interage com o protagonista ao longo das duas horas de filme.

Engana-se quem pensa que a narrativa só se sustenta pela abordagem principal. A sutileza em que os traumas de Koichi são expostos por meio da relação dele com Noriko e Akiko permitem que se explore a tridimensionalidade do país no pós-guerra, seus conflitos internos e sua dificuldade em se desconectar do passado. A narrativa também dá abertura para que personagens como o cientista (Hidetaka Yoshioka) e a vizinha de Koichi (Sakura Ando) brilhem cada um à sua maneira, representando uma nação em profunda transformação, e que, aos poucos, percebe o absurdo que representam valores calcados no sacrifício pelo Imperador.

O enredo, quando usa os personagens para fazer esses paralelos, também conversa com o Japão do século XXI, que esconde seus crimes de guerra debaixo do tapete. Ao responsabilizar também o país por suas atitudes durante a Segunda Guerra, que levaram o Império a uma aliança com os nazistas, a narrativa cresce, inocentando e valorizando a vida dos indivíduos, que lutam contra uma nação retrógrada corresponsável, junto dos Estados Unidos, pela criação do Kaiju.

Coincidência ou não, Minus One surge no momento em que o universo compartilhado da Legendary, o Monsterverse, está em alta e essas duas visões sobre o Godzilla são antagônicas. Enquanto os Estados Unidos produzem filmes que associam a imagem da criatura a um salvador do planeta, o Japão mostra a devastação que esse ser poderia causar, uma briga ideológica para ver quem consegue cunhar na cultura pop o verdadeiro significado do monstro. Retomando às origens do longa de 1954, pode-se dizer que é uma disputa sobre a bomba atômica, na qual o país que a jogou tenta se justificar e a nação atingida mostra o trauma daquela experiência. 

Takashi Yamazaki faz um trabalho sensacional na direção, pois há muitas referências visuais ao Godzilla original, tanto em enquadramentos quanto em composições de cena, o que funciona como uma bela homenagem a Ishirō Honda, diretor do primeiro longa. Outra proeza da condução é a empatia criada entre espectador e os humanos da trama, algo raro em filmes de Kaiju, mas essencial em Minus One: sem essa perspectiva, a trama perderia seu impacto.

Um dos artifícios utilizados perfeitamente por Yamazaki para construir essa empatia é mostrar a pequenez dos humanos perante o Godzilla nas cenas de ataque, porque nesses momentos, a projeção flerta com o cinema de desastre, em que a sobrevivência depende de um pouco de esperteza e muita sorte. Os ângulos escolhidos por Kozo Shibasaki para mostrar a criatura são magníficos, servindo para amedrontar e causar desconforto. Além disso, diferente da versão estadunidense, Minus One não esconde o monstrengo na escuridão: aqui ele aparece em toda sua magnitude em plena luz do dia, demonstrando que não há nenhum momento em que os personagens estão seguros.

A trilha sonora acompanha e auxilia a direção ao transmitir angústia, medo e pavor. Com seus acordes lentos e graves intensos, o compositor Naoki Sato enfatiza o suspense das cenas e deixa o espectador apreensivo para o que vai acontecer. Há ainda músicas mais energéticas usadas no clímax da história, que referenciam o tema original do Godzilla, composto por Akira Ifukube. 

E caso o filme não lidasse com temáticas tão ricas quanto a valorização à vida, tão entranhadas na narrativa, seu final poderia ser interpretado como algo bobo, clichê e até como um dramalhão barato, mas não é isso que acontece aqui. A decisão de Koichi de continuar vivo, rompendo com a cultura vigente da época, e a sobrevivência de Noriko ao ataque do monstro marinho, é o desfecho feliz que o longa precisava para completar seu arco narrativo.

Godzilla Minus One é uma carta de amor aos fãs do universo do Kaiju, que recebem um prato cheio: personagens cativantes, raros em obras do tipo, efeitos especiais que deixam Hollywood com inveja e uma história que atinge onde dói, com dilemas importantes mesmo para o Japão do mundo atual. A Toho e o diretor Takashi Yamazaki criaram o monstro perfeito, e o colocaram no Oscar com menos de US$ 15 milhões. Os Estados Unidos ainda têm muito o que aprender.

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Davi Marcelgo

Ex-espiões que se voltaram contra organizações, agentes duplos, traficantes de armas, bombas nucleares e risco biológico. Ethan Hunt (Tom Cruise) enfrentou todo tipo de perigo desde que a história se iniciou em 1996, mas nem ele nem o público estavam prontos para a missão do sétimo filme da franquia: deter uma Inteligência Artificial. 

Na trama de Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1, uma IA chamada Entidade desenvolveu consciência e desapareceu sem deixar pistas. Sabendo do poder furtivo da máquina, várias nações iniciam uma corrida para encontrar duas chaves que, juntas, podem controlar a arma. O rebelde Ethan Hunt e sua equipe nadam contra a corrente para impedir que esse poder caia em mãos erradas, ao mesmo tempo que precisam lidar com as armadilhas da tecnologia.

A Marvel e outras dezenas de blockbusters americanos sobrecarregaram nossos olhos de telas verdes, bonecos de CGI não finalizados e, recentemente, com a série Invasão Secreta, o uso de Inteligência Artificial para produzir a abertura. Tom Cruise, juntamente com o diretor Christopher McQuarrie e toda produção da ação, lutam contra essa nova onda e fazem Cinema com efeitos práticos, paciência, talento e coração. 

Não que o uso de CGI seja abominável. Filmes maravilhosos contam histórias maiores que a vida graças ao recurso, como é o caso de Avatar: O Caminho da Água. O zelo aos detalhes e a evocação do charme dos efeitos práticos é escassa em tempos de algoritmos em Hollywood e, quando um Acerto de Contas surge com esse cuidado, torna-se inviável não elogiar. Isto diz muito dos ‘pais’ que conceberam a obra: Tom Cruise, que também é produtor, se preocupa com a IA e McQuarrie descartou a ideia de rejuvenescer digitalmente os atores por achar que o processo está numa fase insatisfatória e preferiu priorizar outros conceitos do longa.

Inclusive, o making-off do filme é um show à parte. É interessante ver todos os aparatos e ideias construídas especialmente para este longa, que envolve artistas e especialistas das mais diversas áreas, com estudos e práticas em matemática e engenharia. Com a produção, é possível ampliar o conhecimento sobre essa Arte tão coletiva e compreender noções de empregos e economia que o Cinema gera. 

Embora a franquia de Ethan Hunt tenha uma legião de fãs e seja sinônimo de um ótimo Cinema de ação, ela ainda não tinha recebido nenhuma indicação ao Oscar. Em 2024, isto mudou e a Academia indicou Missão: Impossível 7 nas categorias de Melhor Som e Melhores Efeitos Visuais, ambas merecidíssimas. Sem um Avatar neste ano, a equipe formada por  Alex Wuttke, Simone Coco, Jeff Sutherland e Neil Courbold tem ótimas chances de levar o prêmio, porém tem um gigante no caminho, Godzilla: Minus One (2023) que, apesar do baixo investimento, segue com favoritismo na categoria de efeitos.

Existem outros destaques para além de preferências técnicas: a escolha da vilã tecnológica é sagaz em vários níveis. Dentro da franquia é uma novidade, já que todos os antagonistas anteriores são humanos. Outrossim porque é fruto do nosso tempo, embora o filme tenha sido rodado em 2020, quando as discussões sobre Inteligência Artificial não tinham a possibilidade de ser tema de ENEM, é impossível não se identificar ou temer a máquina, afinal a ameaça é próxima de nós. E o mais legal: a tecnologia é a imagem e oposição perfeita de espiões e em particular, de Ethan Hunt. Ela entra em lugares sem deixar rastros, é rebelde, a espiã perfeita, mas diferente do agente, não forma laços. 

Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1 pincela paralelos entre o protagonista e a máquina sem verborragia, não num estilo ‘Olha, Ethan Hunt, ela é sua versão do mal!’. Longe disso, enquanto outros personagens explicam as potencialidades da inovação, o agente secreto está por baixo das cortinas ‘riscando’ a checklist de semelhanças, maneira engenhosa de fazer o traço sem precisar de uma entediante explicação sobre a motivação do vilão. Ainda, finaliza a cena de forma surpreendente – apesar dos fãs estarem acostumados com o elemento que já virou adjetivo da série de filmes, consegue tirar um sorriso do rosto da audiência. 

Em nenhum outro Missão: Impossível Hunt esteve tão vigorante. Para pessoas que nunca assistiram a franquia, começar a obra com o herói saindo das sombras à la Batman é um imenso acerto para construir uma persona lendária para a personagem. Continuando o versus de agente humano e agente máquina, Ethan é visto aqui como fenômeno da natureza, imparável e incorruptível. Quando ele corre ao som de I Was Hoping It’d Be You, trilha composta por Lorne Balfe, com intensidade e potência cênica, a corrida se equipara ao mito de Atalanta. Decerto, a melhor entrega de Tom Cruise na franquia e o maior destaque também. 

O longa deixa a sobremesa toda para a segunda parte, mas com espaço para aproveitar o prato principal. A primeira parte foi encerrada e deixou várias pontas soltas difíceis de adivinhar o que vai vir no próximo capítulo (para um filme de espionagem, a dúvida é uma ótima amiga). Sustentando sua própria história, sem deixar aquela sensação de ‘ser um prelúdio que te prepara para um evento que vai ser maior’. 

Como toda obra de ação que se preze, Missão: Impossível – Acerto de Contas Parte 1 é frenético e não dá tempo para ninguém respirar, entregando sequências explosivas, uma atrás da outra e todas espirituosas e diferentes. Tem submarino naufragado, troca de tiros no deserto, desafio de decifrar enigmas, luta de espada, locomotiva desgovernada, e de praxe, perseguição de carro sem dublê. 

Missão: Impossível evoca outros sub-gêneros, como por exemplo na cena do submarino. A obra traz para si elementos de filmes de guerra, com termos e codinomes que o espectador não entende, mas compra a ideia porque é irado ver a inquietude de uma embarcação marítima prestes a dar de frente com um míssil. Nesta espionagem, a produção recria um romance em Veneza, em que dois espiões se amam e nunca vão ficar juntos. A cidade das gôndolas não os une para amar, mas para enfrentarem uma missão impossível entre os passeios românticos de barco e o crepúsculo triste da cidade italiana.

Hunt e Ilsa (Rebecca Ferguson) são o Romeu e a Julieta da franquia, mas longe de ser como a ex-parceira do agente, Julia. Esse casal, que nunca chegou a ser um, é um ótimo fio condutor para nos importarmos com os riscos da equipe do IMF e fazer o que nenhuma IA jamais conseguiria: conectar pessoas. O elenco todo é ótimo, mas Rebecca Ferguson (Duna) entrega a elegância que filmes de espionagem possuem. Até suas composições de luta são pensadas para entregar classe que, combinadas a atriz, formam a unidade necessária. Ela se encaixa perfeitamente em sua personagem, executando-a de forma brilhante. 

O sétimo filme da saga é um refresco no meio de tantos fast-foods de ação. Ele explora mecanismos de narrativa como o dispositivo MacGuffin, um objeto/objetivo que dá o pontapé para a história acontecer, porém, sem deixar o recurso de lado, sustentando força e importância durante quase 3 horas. Sem dúvidas, o longa é um agente secreto infiltrado em Hollywood para – tentar – mexer as peças do jogo. Pretendendo elaborar um exercício de Cinema, narrativa e suas tecnologias. Aqui, tudo é pensado para estimular o público a sentir o perigo nas peripécias da equipe do IMF. A próxima missão para Tom Cruise, McQuarrie e todo o time é fazer a franquia perder gás. E nessa tarefa, Ethan Hunt será rebelde mais uma vez.

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Lara Fagundes

“Bem vindos ao Jurassic Park!” É com essa frase que o casal de apaixonados por dinossauros, Alan Grant (Sam Neil) e Ellie Satler (Laura Dern), é recebido na Ilha Nublar. Também é dessa forma que Jurassic Park: O Parque dos Dinossauros foi apresentado ao público nos cinemas em 1993, por Steven Spielberg. O grande cineasta, já conhecido por Tubarão, E.T.: O Extraterrestre e os primeiros Indiana Jones, dirigiu o filme que revolucionou a história do Cinema com uma equipe de efeitos visuais dedicada em levar o telespectador de volta a 66 milhões de anos atrás, quando os dinossauros ainda habitavam o planeta. 

Em 11 de Junho de 1993, o mundo parou para assistir a icônica história das novas atrações da Ilha Nublar, que se tornou uma das mais famosas assinaturas do diretor. Baseado no livro de ficção científica escrito por Michael Crichton, que também ajudou nas filmagens, o clássico dos anos 1990 retrata a tão conhecida terra remota onde criaturas jurássicas são colocadas como exibições em um parque temático. Com o roteiro de David Koepp, Jurassic Park traz tudo de melhor do romance de Crichton, além de adicionar mudanças que trouxeram ainda mais vida para a história e conquistaram telespectadores com personagens carismáticos e uma trama inteligente. 

No filme, John Hammond (Richard Attenborough), um empresário rico, utiliza uma equipe de cientistas para trazer dinossauros de volta à vida a partir do fóssil de um mosquito pré-histórico. Antes da abertura das atrações, ele convida os dois doutores paleontologistas e um matemático (Jeff Goldblum) para serem os profissionais que iriam analisar as criaturas pré-históricas. Acreditando na segurança do local, também permite que seus dois netos, Tim (Joseph Mazzelo) e Lex (Ariana Richards), visitem o parque como as primeiras crianças a terem a sensação de estarem rodeadas de dinossauros. Porém, o que era para ser apenas uma visita a um parque temático, se torna uma caótica aventura fugindo dos enormes predadores jurássicos. 

Conforme a trama acontece, os personagens demonstram suas personalidades, permitindo que conheçamos seus passados e como suas interações uns com os outros refletem na história. John é colocado como um personagem otimista e positivo, com ideias cheias de expectativa para o parque. Em contraposição, temos o matemático Ian, que é sarcástico, falando bastante de sua obsessão pela teoria do caos. Além deles, temos Alan, que é rude, impaciente e faz questão de mostrar que não gosta da presença das crianças na ilha, enquanto Ellie tem uma postura mais materna em relação aos mais novos. Ela está ali por causa do amor por seu trabalho e poderia fazer qualquer coisa para salvar as criaturas pré-históricas, como demonstra ao encontrar um triceratops doente e enfiar as próprias mãos em uma pilha de fezes.

Os personagens principais possuem personalidades que se complementam e geram situações e diálogos divertidos e interessantes para o telespectador, que pode entender  melhor a vida de cada um conforme assiste. Steven Spielberg, como na maioria dos filmes que dirigiu, explora o lado emocional dos  protagonistas, dando atenção para as relações entre eles e as conexões que podem surgir durante a história. Em Jurassic Park, isso é bem observado nas interações entre Alan e as crianças, Tim e Lex, que se desenvolvem lentamente, indo de completa impaciência para um vínculo profundo, fazendo o personagem ter um arco de amadurecimento durante o longa.

Além de um grande marco para a indústria cinematográfica, Jurassic Park conquistou a memória de mais de uma geração de pessoas com filmagens que permitem que o público sinta todo o medo e a adrenalina dos personagens durante as cenas. O filme arrecadou mais de 900 milhões de dólares e se tornou a maior bilheteria do Cinema até o lançamento de Titanic em 1997 e, quando foi relançado em 3D, em Abril de 2013, conseguiu arrecadar mais de 100 milhões de dólares. A imensa repercussão permitiu que o longa continuasse até hoje entre os 50 filmes mais assistidos da história e conquistou três estatuetas no Oscar de 1994, vencendo as categorias de Melhor Som, Melhor Edição de Som e Melhores Efeitos Visuais. 

Com texturas e movimentos impensáveis para a época, Jurassic Park abriu portas para os efeitos especiais ao permitir que os telespectadores pudessem ver dinossauros ganharem vida nas telonas. O filme também foi conhecido por unir gêneros de forma a agradar todo tipo de público: a incrível mistura de terror, suspense, aventura, ficção científica e comédia conquistou fãs pelo mundo todo, além da trama que vai muito além de apenas monstros. Spielberg fez de tudo para retratar os dinossauros como mais do que os vilões da história, já que eles são claramente construídos para mostrar os instintos de uma espécie extinta há milhões de anos, que precisa se adaptar a um mundo completamente novo, em que seu habitat natural já não existe mais. 

Spielberg traz pro Cinema uma crítica na qual os dinossauros são os protagonistas. Os cientistas estavam tão preocupados com o experimento de conseguir ou não trazê-los de volta à vida que não pensaram se deveriam fazê-lo, ocasionando todo o ambiente caótico da ilha durante a trama. Jurassic Park: O Parque dos Dinossauros sempre fará parte da história do Cinema, seja pelos efeitos visuais revolucionários do início dos anos 1990, seja pela trama que cativou milhares de pessoas ou por tudo que derivou. Sendo uma obra inspirada por um romance de um escritor best-seller, o longa traz a perfeita mistura de uma grande aventura com um contexto inteligente, podendo agradar desde crianças, que se impressionam com os grandes monstros jurássicos, até quem acompanha o contexto com maior fervor crítico ou cinematográfico.

Desde o primeiro filme, Spielberg e a equipe de efeitos visuais da Industrial Light & Magic conquistaram um espaço na história cinematográfica com um misto de inovações tecnológicas bem à frente da época, cenas cheias de emoção e aventura e uma trama fascinante. O longa-metragem que iniciou a franquia se destaca entre todas as continuações e foi uma das maiores produções da carreira de Steven Spielberg. Além disso, conseguiu um espaço reservado nos parques da Universal Orlando Resort, que, este ano, está comemorando o aniversário de 30 anos do filme no parque Islands of Adventure, com uma área imersiva que conta até com os característicos portões de entrada.

Uma marca na ficção científica e entre as obras que conseguem trazer o telespectador para dentro das telas, Jurassic Park traz a sensação de passar pelas mesmas emoções caóticas de adrenalina e ansiedade durante as fugas e perseguições dos dinossauros. O Parque dos Dinossauros marcou o Cinema da melhor forma possível: conquistando a memória de mais de uma geração de pessoas. Mesmo depois de 30 anos, o longa-metragem se mantém nas lembranças de adultos, jovens, adolescentes e até mesmo de crianças que conheceram a franquia a menos tempo. 

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Henrique Marinhos

Em Avatar: O Caminho da Água, não há como negar uma qualidade técnica impressionante, que nos leva ainda mais fundo no mundo de Pandora que revolucionou o Cinema com a tecnologia CGI em 2009. O diretor James Cameron e o produtor Jon Landau criaram um marco ao proporcionar um nível de realismo nunca antes visto. A sequência de 2022 é também uma experiência cinematográfica única, com uma meticulosa atenção aos detalhes e uma riqueza de elementos visuais que são aprimorados pelos efeitos em 3D, imergindo o espectador e garantindo indicações ao Oscar 2023 nas categorias de Melhores Efeitos Visuais, Melhor Fotografia e Melhor Design de Produção.

O merecido sucesso do filme também abriu portas para o debate sobre questões ambientais e culturais, tornando-se uma referência para as discussões sobre sustentabilidade e respeito às diferentes culturas. Porém, a trama não é tão profunda emocionalmente ou original quanto seu antecessor. Apesar de abordar questões relevantes como o ambientalismo e a colonização, a obra não apresenta nada de novo ou significativo. Com desenvolvimentos simplórios que beiram a linha da mediocridade, em uma produção maravilhosa e de escala tão grande, servindo um banquete aos olhos, erros como esses se tornam gritantes.

O vencedor do Oscar, James Cameron, comentou em entrevista que a ação do novo filme é baseada na sua própria experiência como pai, focando mais em personagens, trama, relacionamentos e emoções do que no de 2009. Ele também destaca que a sequência é mais longa, pois há mais personagens e histórias para contar, enquanto Zoe Saldana (que interpreta Neytiri) acrescenta que sua personagem está mais comprometida e preocupada com o bem-estar de seus filhos.

Em paralelo, o diretor exemplifica que, no primeiro filme, o personagem de Sam Worthington (Jake Sully) mudou o curso da história com um salto quase suicida, enquanto a personagem de Zoe pula de um galho assumindo que haveria folhas grandes para amortecer a queda. Como pai de cinco filhos, ele questiona o que acontece quando esses personagens amadurecem e percebem que têm uma responsabilidade maior do que sua própria sobrevivência. Ao mesmo tempo, ele compara Avatar 2 com filmes da Marvel e DC: “Eles têm relacionamentos, mas na verdade não têm. Eles nunca penduram suas botas por causa de seus filhos. Esses personagens não experimentam as coisas que realmente nos fundamentam e nos dão poder, amor e propósito, e acho que essa não é a maneira de fazer filmes”, defende.

O elenco com certeza é parte fundamental de todo sucesso do longa, em especial a presença de Sigourney Weaver, indicada ao Oscar de Melhor Atriz em 1989 por A Montanha dos Gorilas (1988), uma adição que vai muito além de todas as expectativas. Em Avatar, ela interpreta a personagem Dra. Grace Augustine, uma cientista que estuda a vida dos Na’vi, povo alienígena nativo de Pandora. Agora, Weaver retorna à franquia, mas em um papel diferente, interpretando Kiri, a filha adotiva de Jake Sully e Neytiri.

Em ambos os filmes, a veterana entregou uma atuação cativante e emocionante na trajetória dos Na’vi, e é impossível ignorar sua evolução e versatilidade ao interpretar uma garota com um quarto de sua idade real. James Cameron brinca ao convidá-la para o papel: “Eu sei o quão imatura você é, então acho que você aguenta essa”. E posteriormente a elogiando: “Ela inconscientemente se tornou jovem, foi louco de assistir”. De fato, sua performance é cheia de nuances e emoção, trazendo vida a uma personagem complexa e multifacetada.

Não somente pelo seu talento como atriz, o arco de Sigourney Weaver como Kiri também ganha destaque como um dos mais interessantes do longa. Na realidade, talvez essa característica não fosse tão evidente caso os demais fossem inovadores e mais independentes do que sua prequela. Nessa trajetória, a vemos passando por um processo de autoconhecimento e amadurecimento, aprendendo a lidar com suas próprias limitações e descobrindo suas habilidades. É especialmente interessante ao mostrar que mesmo personagens secundários podem ter uma jornada significativa e contribuir para a trama de maneira profunda. Em junção a todos os seus outros acertos, Avatar: O Caminho da Água garantiu a indicação ao Oscar de Melhor Filme neste ano.

Enquanto isso, em primeiro plano, infelizmente a obra mantém a previsibilidade da jornada do herói de Jake, em que o espectador sabe exatamente o que esperar: o protagonista enfrentará o vilão, o coronel Miles Quaritch (Stephen Lang). Essa previsibilidade tira parte do impacto da narrativa, deixando o público esperando pelo inevitável confronto final (de novo). Apesar de ser um elemento comum em muitos filmes de ação, a falta de originalidade nesse aspecto é um ponto negativo para a narrativa, especialmente ao compará-lo com seu antecessor e ao olhar o patamar de sucesso e expectativa sob o longa, contribuindo, também, na premissa de que a violência seria o método de solução para sustentabilidade e respeito.

Anos atrás, o primeiro Avatar foi indicado em nove categorias no Oscar, incluindo Melhor Trilha Sonora Original, composta por Horner, com auxílio de um especialista em música étnica, através de instrumentos e referências de todas as partes do mundo, como corais, por exemplo, para criar uma sensação de mistério e maravilha que complementou perfeitamente os visuais deslumbrantes do filme. Passando por temas épicos e emocionantes a melodias mais suaves e contemplativas, a trilha foi tão bem recebida que chegou a ser indicada ao Grammy de Melhor Trilha Sonora para Mídia Visual.

Merecendo e recebendo atenção pelos seus muitos aspectos fantásticos, ao todo a produção conquistou mais de 20 indicações em premiações, em que 14 delas são pelo Sindicato dos Efeitos Visuais dos Estados Unidos, especialmente por sua qualidade técnica impressionante e riqueza de detalhes em paisagens deslumbrantes, em conjunto com a trilha sonora que complementa maravilhosamente o visual do filme. Tecnicamente bem executado, com performances excepcionais do elenco e uma variedade de elementos, Avatar: O Caminho da Água torna-se uma experiência única. Contudo, embora chegue perto da perfeição nesses quesitos, é frustrante ver como alguns aspectos previsíveis da narrativa impedem que o filme alcance seu potencial máximo.

Em seus sucessores, a dependência da glória do filme original ameaça esse legado construído. Ainda que o terceiro filme tenha sido filmado em conjunto ao segundo, podem destacar-se ao focar no aprofundamento dos personagens e suas histórias, ao buscar uma maior conexão emocional com o público a partir de motivações e arcos narrativos significativos, em vez de apenas veículos para a ação; e ao abordar temas como a sustentabilidade e a diversidade cultural através de uma abordagem impactante e inovadora, não apenas da bruta comoção da destruição de Pandora, apesar de ter se mostrado uma voz importante em sua prequela. Assim, suas sequências poderão seguir em uma dízima periódica rumo à perfeição.

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Nathalia Tetzner

36 anos após tirar o fôlego de uma geração inteira com Top Gun: Ases Indomáveis, Tom Cruise está de volta na direção dos aviões de caça, dessa vez, apontando o alvo da trama diretamente para si na pele do protagonista e dono de um dos codinomes mais conhecidos do Cinema, Maverick. A sequência do clássico coloca nas lentes de Joseph Kosinski a missão de dar continuidade ao legado do falecido diretor Tony Scott. Assim, com quase 1,5 bilhão de dólares arrecadados em bilheteria mundial e 6 indicações ao Oscar 2023, Top Gun: Maverick revive os tempos de glória do audiovisual e prova que ainda queremos voar com Cruise.

A fim de novamente “pilotar para a zona de perigo”, o longa se destaca na temporada como a principal ode a Hollywood. Isto mesmo, nem a crítica de Não! Não Olhe! (Jordan Peele) ou a extravagância de Babilônia (Damien Chazelle) conseguem tamanha glória. Incoerentemente, foi necessário alguns truques de enredo batidos, um romance barato, grandes efeitos visuais e um toque de propaganda militar para o público voltar a buscar o que Martin Scorsese classifica como a experiência cinematográfica de encher as salas e encarar as grandes telas. Isso, em meio a uma indústria dominada pelo avanço dos streamings, que se aproveitam do conforto do sofá de casa. 

Em uma inversão de papéis, Pete ‘Maverick’ Mitchell passa de um aluno da escola naval Top Gun apaixonado por sua instrutora para o comandante de uma missão quase impossível. Habituado a altas pressões, ele se vê frente a uma classe de pilotos diversificada. Porém, é a presença do filho de Goose, seu melhor amigo morto durante uma simulação de combate, que cria o conflito interno de Mav. Teimoso como o pai, Bradley ‘Rooster’ Bradshaw é o coadjuvante que perfeitamente auxilia a jornada do herói graças a atuação de Miles Teller, responsável pelas cenas mais emocionantes da obra.

Fato é que Top Gun: Maverick chegou para esgotar a saudade de quem clamava por uma obra sem medo de ser o que é. Com direito a todos os aspectos que caracterizam o gênero de ação, os minutos iniciais simulam a série de créditos da primeira versão e deixam um sentimento de nostalgia tão forte que faz o público questionar se a sessão está certa ou se, por obra do divino, foram transportados para os anos 80; época em que o filme arrebatou 4 indicações ao Oscar e levou para casa a estatueta dourada de Melhor Canção Original pela melodia atemporal de Take My Breath Away, entoada pela vocalista Terri Nunn da banda Berlin.

A diferença essencial entre o primeiro e segundo filme reside na representatividade. Aqui, incorporada pela atriz Monica Barbaro, escalada para viver a pilota pioneira Natasha ‘Phoenix’ Trace. Este ano, a nova estruturação que traz sentido para a aventura pôde ser indicada à categoria de Melhor Roteiro Adaptado, por se tratar da sequência de uma produção já existente. Notável, a escrita de Ehren Kruger, Justin Marks e Christopher McQuarrie se une à história precisa de Eric Warren Singer e Peter Craig, mas alcançando poucas chances junto as outras nomeadas: Living, Glass Onion: um Mistério Knives Out, Nada de Novo no Front e Entre Mulheres.

Indicada a Melhor Canção Original, a belíssima Hold My Hand, de Lady Gaga, toca com esplendor para finalizar a trama. Por isso, a vitória não é óbvia e a concorrência vem forte, com faixas como Lift Me Up, do blockbuster Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, e Naatu Naatu, do longa indiano RRR (Revolta, Rebelião, Revolução). Já em Melhor Som, Al Nelson é magnífico e se coloca entre os títulos Elvis, Nada de Novo no Front, Batman e Avatar: O Caminho da Água. Entretanto, nada marcou tanto quanto OneRepublic com I Ain’t Worried, trilha sonora da partida de futebol americano na praia que viralizou nas redes sociais.  

O loiro antagonista da vez é Jake ‘Hangman’ Seresin que, através das expressões de Glen Powell, replica o frenesi causado por Val Kilmer como o rival de Maverick, Tom ‘Iceman’ Kazansky. Powell traz para a sua interpretação as características centrais do papel, tornando a sua presença não menos tocante que o reencontro entre Kilmer e Tom Cruise. O ator da primeira exibição do clássico teve a sua voz recriada por inteligência artificial devido às consequências da luta contra um câncer de garganta, e agora assume os postos de almirante e conselheiro de Mav nas horas vagas. 

No entanto, nem só de galãs vive Top Gun: Maverick. A fotografia, surpreendentemente esnobada pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, também é irresistível. Assinada por Claudio Miranda, a composição visual é deslumbrante e acaba com a ambiguidade da ambientação construída pelo roteiro com o intuito de suavizar abordagens políticas. Afinal, se a escrita borra as margens, a imagem não deixa dúvida de qual é o país extremamente gelado que a marinha dos Estados Unidos tenta a todo custo derrotar. 

Parte fundamental do trabalho de Miranda reflete no editor Eddie Hamilton, peça essencial para a formação da sensação de grandiosidade que o longa transmite. Por isso, ele enfrenta Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Tár na corrida pelo Oscar de Melhor Montagem. Igualmente capazes de abrir a boca do espectador, os profissionais criativos Ryan Tudhope, Seth Hill, Bryan Litson e Scott R. Fisher reúnem toda a magia da tecnologia para competirem ao lado de Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Batman e Pantera Negra: Wakanda Para Sempre por Melhores Efeitos Visuais. 

Os anos passam, os tempos mudam, a diversidade chega e, mesmo assim, o público-alvo do filme permanece intacto. A verdade é que ninguém nunca se identificará tanto com Pete ‘Maverick’ Mitchell quanto aqueles meninos estadunidenses que parecem ter saído direto de um comercial de margarina. Mas, eternizado como um clássico, o longa obviamente possui diferentes aspectos que atraem as demais audiências. Seja pela representação de valores morais, pela nostalgia ou pelo próprio Tom Cruise trajado como um herói tão ideológico quanto o Super-Homem, toda geração merece assistir a sua versão de Top Gun. 

Ponto no mínimo questionável da produção é a troca da atriz que se relaciona com o protagonista. Kelly McGillis foi a astrofísica Charlie Blackwood em 1986 e não retorna para o papel. Pelo contrário, é substituída pela bartender Penny Benjamin, que embala o público, movido pelo saudosismo, na falta de algo que eternize o enlace com a personagem interpretada por Jennifer Connelly, 13 e 8 anos mais nova que McGillis e Tom Cruise, respectivamente. Em entrevista para o Entertainment Tonight, a loira que tirou o chão de Maverick explicou o motivo pelo o que acredita não ter sido convidada para a sequência: “Eles não entraram em contato comigo, e nem achei que iriam. Eu estou velha, estou gorda, e tenho uma aparência apropriada para a minha idade.” 

Provando que ainda queremos voar com Tom Cruise, a sequência faz o seu nome na categoria de Melhor Filme, na qual compete com Nada de Novo no Front, Avatar: O Caminho da Água, Os Banshees de Inisherin, Elvis, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, Os Fabelmans, Tár, Triângulo da Tristeza e Entre Mulheres. Com ambição e grandiosidade, o diretor Joseph Kosinski ficou de fora das indicações ao Oscar de Melhor Direção, contudo, o seu maior desafio se transformou em realidade; as qualidades do clássico de Tony Scott se repetem e alçam novos ares em Top Gun: Maverick.

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Nathan Nunes 

Nada de Novo no Front é um livro escrito por Erich Maria Remarque, baseado nas suas próprias experiências como veterano alemão na Primeira Guerra Mundial. Publicado em 1929, o texto não demorou a ser transposto para o Cinema, com a adaptação Sem Novidade no Front sendo lançada um ano depois. Dirigido por Lewis Milestone, o longa fez tanto sucesso que venceu o Oscar de Melhor Filme em 1931, consagrando-se como a primeira adaptação literária a conquistar essa honraria, bem como a primeira vitória conjunta da categoria principal com o prêmio de Melhor Diretor. Agora, 91 anos depois, o diretor Edward Berger (Patrick Melrose e Your Honor), em parceria com a Netflix, traz uma nova versão de mesmo nome do material base para o streaming, exibida na programação da 46ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo na seção Perspectiva Internacional. 

A história começa em 1917, acompanhando o jovem de 17 anos Paul Bäumer (Felix Kammerer), que se alista para lutar no exército alemão sob uma visão idealista da guerra. Chegando na frente de batalha, ele se depara com algo completamente diferente do que esperava, num cenário de caos, mortes e destruição. Logo vamos para 1918, quando Paul e seus amigos continuam lutando, enquanto o oficial Matthias Erzberger (Daniel Bruhl, de Rush e Falcão e o Soldado Invernal) tenta negociar um armistício com a França. 

Logo nos primeiros minutos de rodagem, Nada de Novo no Front chama atenção imageticamente, com um plano aéreo registrando milhares de corpos espalhados por um terreno coberto de lama e cinzas. Essa imagem tão impactante evidencia a visão da obra como um todo de que a guerra é um desperdício da vida humana. A sequência que a sucede na montagem de Sven Budelmann expande ainda mais esse comentário, pois o que vemos são os uniformes dos soldados mortos sendo lavados, costurados e secados para serem vestidos por novos combatentes, representando o quão descartáveis essas pessoas são diante do conflito. 

Nesse sentido, chamam atenção os elementos técnicos, sob o comando preciso da câmera de Berger, que situa muito bem o público dentro de tamanho caos bélico. A cinematografia de James Friend se destaca pela natureza fria e a complexidade dos planos de ação, enquanto o design de produção de Christian M. Goldbeck reproduz perfeitamente o desgaste das trincheiras; os efeitos práticos ressaltam a periculosidade das armas de fogo e a maquiagem de sangue, machucados, membros decepados e sujeira impressiona pela veracidade. No campo mais abstrato da sonoridade, mixagem e edição de som, sob supervisão de Lars Ginzel, Frank Kruse e Viktor Prášilo, bombardeiam os ouvidos do público por todos os lados, enquanto a trilha de Volker Bertelmann usa texturas eletrônicas no meio de uma orquestração dramática comum para realçar a violência iminente. 

Nota-se, portanto, que tudo está no lugar em All Quiet on the Western Front (título em inglês da obra, utilizado em sua distribuição internacional), com exceção de uma coisa: a emoção. Isso não se dá por falta de tentativa, pois o roteiro de Berger, Lesley Paterson e Ian Stokell até tenta estabelecer vínculos significativos entre os soldados, mas falha por não diferenciá-los uns dos outros. Suas falas, modos de agir e até mesmo seus nomes se tornam difíceis de se distinguir entre si, o que gera a falta de nuances dramáticas e conflitos humanos e faz a experiência ser cansativa, por mais que os atores se esforcem para capturar as fortes emoções, como o jovem Kammerer na pele do protagonista. 

Ainda que a falta de um aprofundamento emocional no longa de Berger não invalide o seu virtuosismo técnico, influencia muito no seu impacto para com o público. É um tipo de erro que não acomete outras histórias como O Resgate do Soldado Ryan (1998), de Steven Spielberg, ou Até o Último Homem (2016), de Mel Gibson, pois estas entendem a importância das emoções humanas para relacionar a audiência com as dores dos personagens assolados pela guerra. No fim das contas, isso só prova que Nada de Novo no Front precisa justamente daquilo sobre o que ele mais fala: humanidade. 

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Gabrielli Natividade da Silva 

Lançado em 2021 não somente nos cinemas, mas também na plataforma de streaming Star+, Free Guy: Assumindo o Controle chega e se mostra ser mais do que apenas um filme de videogame. Escrito por Matt Lieberman e Zak Penn, e dirigido e produzido por ninguém menos que Shawn Levy – responsável por um dos maiores sucessos da Netflix, Stranger Things –, o longa possui um roteiro interessante, um ritmo envolvente, um balanço perfeito entre comédia e ação, e, claro, efeitos visuais impressionantes que fazem qualquer um ter vontade de jogar o famoso Free City. 

Infelizmente, é impossível jogar o game apresentado no filme, uma vez que Free City não existe, mas todos que se apaixonaram ainda podem desbravar os outros jogos que serviram de inspiração para a produção. Shawn Levy citou entre essas grandes influências Grand Theft Auto (também conhecido como GTA e provavelmente a referência mais óbvia pela adrenalina e pelo caos constante vistos nos dois produtos), Fortnite (que também tem uma dinâmica e outros elementos similares aos do filme) e Uncharted (que conta com o mesmo espírito de aventura visto em Free Guy). 

Falando sobre a história em si, Ryan Reynolds dá vida ao protagonista chamado Guy, um homem comum que trabalha como caixa no banco da cidade sem ter a mínima noção de ser um NPC (Non-Playable Character, em outras palavras, um personagem secundário no jogo). Ele e os demais moradores de Free City vivem uma rotina monótona, todos os dias repetindo as mesmas ações e sendo vítimas da violência dos visitantes de óculos escuros (os jogadores do videogame). Guy só consegue se desprender dessa mesmice e conhecer a verdade por trás de sua existência ao conhecer a garota que sempre idealizou para si, Molotov Girl (Jodie Comer), a jogadora imparável atrás de seu objetivo. 

Além de Ryan e Jodie, Free Guy ganha mais peso ainda com outras estrelas em seu elenco. O programador nerd que encantou corações, Keys, foi interpretado por Joe Keery, o bad boy queridinho de Stranger Things; e Utkarsh Ambudkar – que já tinha experienciado o perfil nerd em A Escolha Perfeita – viveu seu amigo, Mouser. Buddy, melhor amigo de Guy, foi trazido à vida pelo comediante Lil Rel Howery (que tem a capacidade de fazer o espectador rir até em filmes de alta tensão, como Bird Box e Corra!); 

O antagonismo do longa ficou por conta de Antwan, vivido por Taika Waititi, que deu um show de atuação na grande produção que lhe rendeu um Oscar, Jojo Rabbit. Ademais, Free Guy contou com muitas participações especiais que foram muito divertidas de assistir e identificar, alguns atores convidados foram Chris Evans, Channing Tatum e Matty Cardarople, e os streamers (responsáveis por trazer mais veracidade e credibilidade para a ideia de um jogo que se tornou um fenômeno no mundo) que tiveram aparições foram Jacksepticeye, Ninja, Pokimane, DanTDM e LazarBeam.  

Free Guy não foi o pioneiro em questão de retratar o mundo dos games. Detona Ralph, já em 2012, se tornou um sucesso ao traçar aventuras dentro de diferentes fliperamas; e, três anos depois, Adam Sandler vestiu um uniforme e combateu personagens de jogos famosos que invadiram a Terra, no filme Pixels. Contudo, o pulo do gato está no fato de que, apesar de ser um filme surreal, Free Guy se mostra uma produção mais “pé no chão” do que as outras citadas, pois há realmente uma explicação científica e plausível que descreve o comportamento do universo de Free City. Millie apenas entrou no game como Molotov Girl para conseguir provas de que os códigos que criou com seu melhor amigo, Keys, foram roubados por Antwan. Ao longo da produção muitas informações são dadas a respeito desses códigos e como eles afetam Guy e os outros NPCs, é uma trajetória realmente interessante e original.  

A produção de Shawn Levy também teve muito destaque na sua estética, o balanço perfeito entre elementos do mundo real e os do mundo criado, além do design incrível e idêntico ao de um videogame de verdade. O diretor explicou um pouco sobre como criar esse contraste de realidades: “Filmamos o mundo real usando uma paleta de cores frias, cheia de azul, cinza e preto […]. Já nos momentos em que os personagens estão inseridos no jogo usamos cores mais quentes, com composições mais limpas e simétricas […]”. Também é importante ressaltar como Free City é fiel ao conceito livre de regras, todos os conceitos de física são ignorados, como um verdadeiro sonho lúdico e maravilhoso. Pode-se dizer que todo esse trabalho rendeu um bom resultado, Free Guy: Assumindo o Controle foi indicado ao Oscar 2022 de Melhores Efeitos Visuais, ao lado de outros grandes sucessos, como Duna e Homem-Aranha: Sem Volta para Casa. Os responsáveis nomeados foram Swen Gillberg, Bryan Grill, Nikos Kalaitzidis e Daniel Sudick. 

Nesse longa, Guy se tornou um exemplo de desenvolvimento de personagem, desenvolveu seu próprio propósito, manteve consigo o que lhe fazia bem, passou por novas experiências e deu adeus àquilo que ele sabia não ser necessário para sua existência, além disso, induziu seus parceiros NPCs a fazerem o mesmo. Como dito antes, Free Guy é mais do que apenas um filme de videogame: é uma mensagem a todos os espectadores para que se libertem de suas amarras e de suas rotinas monótonas, se aceitem como donos de suas próprias vidas. É visto, acima de tudo, um grande peso de positividade, esperança e conforto, e essa é, com certeza, uma das razões para ter sido abraçado em seu lançamento. 

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