Nathalia Tetzner

Há muito tempo, dizem que por trás de todo homem há uma mulher. Beckham, série documental sobre um dos maiores jogadores de futebol da história da Inglaterra – e uma das figuras mais propagadas em campanhas globais para marcas gigantescas –, coloca a prova esse ditado. Demonstrando, também, que a razão pelo insucesso de muitos seja, talvez, por não ter uma Spice Girl como Victoria Beckham em suas trajetórias.

O documentário coloca em evidência o papel da ‘Posh Spice’ na vida de David Beckham. Mais do que a sua âncora, ela também o guiou ao estrelato na indústria do entretenimento. Isso, sem nunca deixar os sonhos para trás pelo amor, ainda que tenha sacrificado a sua paz pelo bem-estar da família. Ao seu lado, o apoio dos pais dele e os conselhos do técnico mais vitorioso do esporte, Alex Ferguson, perdem protagonismo. Em Beckham, qualquer empecilho é resolvido por ela.

Inserido no hall de talentos explorados pelo pai visionário desde os primeiros anos da infância, David Beckham esteve dividido entre a pressão constante e o acalento da mãe. Atrapalhando-se em campo quando a família não estava presente no estádio para assisti-lo, o seriado se distancia de Neymar: O Caos Perfeito, outra produção da Netflix. Embora Beckham tenha seu próprio momento ‘errei, fui moleque’, quando aborda as supostas traições à ‘Posh Spice’ em Bolas de ouro.

Ao contrário do brasileiro, o atleta que defendeu o Manchester United e o Real Madrid teve pessoas que tentaram manter seus pés no chão. Alex Ferguson fez de tudo para que ele não desviasse a atenção para uma popstar em ascensão mundial ou mudasse completamente a aparência por causa de patrocinadores. Contudo, o esforço foi em vão, já que David Beckham é a razão por revolucionar, a partir da década de 2000, a forma que o mundo consome jogadores de futebol.

Com a fusão das linhas que marcam o gramado do campo e as linhas-finas dos tablóides impressos, David e Victoria Beckham expõem o abuso da mídia britânica sem se fazerem apenas de vítimas. Assim, mostram para Harry & Meghan como se arquiteta um documentário merecedor de cinco indicações ao Emmy 2024. Sendo vencedor de Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, categoria não televisionada na noite principal.

Através da câmera posicionada bem próxima dos entrevistados, capturando suas expressões faciais enquanto assistem aos momentos mais cruciais da vida do protagonista da narrativa, Fisher Stevens realiza um trabalho comovente. Os episódios O chute e Vermelho de raiva são seu ápice no comando da direção. Por outro lado, Stevens deixa a emoção escapar de suas mãos justamente no grand finale. A motivação de David deixa um gosto amargo por não elaborar o clímax.

Abordando o assédio dos torcedores ingleses com uma sensibilidade essencial, Beckham se esquiva apenas de polêmicas muito recentes, como a posição de embaixador da Copa do Mundo FIFA de 2022, organizada no Catar, um país que desafia os direitos humanos. Mais do que uma jornada de superação de um ícone global, o seriado traz à tona a importância de uma mulher como Victoria Beckham, além de exibir como ambos orquestraram uma trajetória digna de série da Netflix.

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Caio Machado

Em 1969, os membros do grupo musical The Beatles se reuniram para a produção do que viria a ser o álbum Let It Be. O cineasta estadunidense Michael Lindsay-Hogg foi chamado para filmar o processo de concepção do disco, o que deu origem ao documentário que leva o mesmo nome do álbum e contém também o famoso espetáculo no terraço, última aparição pública da banda. Mais de 5 décadas depois, foi lançada a série documental The Beatles: Get Back, dirigida e produzida por Peter Jackson (O Hobbit, King Kong), que se aproveita das imagens de arquivo produzidas em 1969 para dar origem a 3 episódios, totalizando aproximadamente 8 horas de duração. 

Indicada em 5 categorias do Emmy 2022, incluindo Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, para Peter Jackson e Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção, para Jabez Olssen, a produção impressiona por seu trabalho na reconstrução das filmagens e áudios.  As imagens apresentam uma nitidez quase assustadora e as conversas entre os presentes no estúdio, antes abafadas pelo som dos instrumentos musicais, agora são perfeitamente audíveis, graças a uma inovação trazida por Jackson. O diretor utilizou uma inteligência artificial criada para captar as vozes do quarteto e separá-las do som dos instrumentos.

O cuidado para evidenciar os diálogos entre os músicos pode passar despercebido na maior parte do tempo e só é evidenciado em uma cena logo no primeiro episódio, Parte 1: Dias 1-7, em que os membros da banda falam enquanto afinam suas guitarras e um dos técnicos ali presentes avisa que o som dos instrumentos está atrapalhando ouvi-los nos microfones. O diálogo funciona como um lembrete de que essa parte dos bastidores, antes deixada de lado por conta das limitações da época, só foi possível de ser mostrada aos fãs da banda agora por causa da tecnologia contemporânea. 

Ao longo dos 3 episódios de The Beatles: Get Back, Peter Jackson parece mais interessado em acompanhar o processo criativo de Paul, John, George e Ringo, como um fã apaixonado sentado num canto do estúdio sem atrapalhar, do que criar uma narrativa repleta de tensões entre os quatro, já perto do fim da banda. Os atritos existem, é claro, mas aparecem como consequência da divergência de opiniões que acompanha a produção de um álbum ao longo de 21 dias dentro do estúdio.

As discussões entre eles são mostradas da maneira mais honesta possível, exibindo-os como seres humanos que querem apenas entregar as melhores músicas, sem cair em nenhuma armadilha sensacionalista barata e cheia de intrigas para manter a atenção do espectador. Na verdade, o documentário assume que quem está disposto a enfrentar suas gigantescas 8 horas já gosta bastante do quarteto e não tem pressa em mostrar as dinâmicas dentro do estúdio. Seu foco está em mostrar o trabalho criativo sem romantizá-lo, com seus altos e baixos, seus momentos mágicos de pura sintonia e os períodos cansativos, em que ninguém parece sair do lugar.

Como resultado, a série joga seu holofote em cenas bastante especiais, como quando a banda consegue chegar na versão de Get Back que conhecemos hoje depois de ensaiar a canção por milhões de vezes ou mesmo quando os quatro estão tocando músicas que gostam apenas pelo prazer do ato, esquecendo um pouco o prazo que se aproximava. Por outro lado, também ocorre do documentário destacar momentos que se estendem demais, a exemplo do enorme debate tido entre Os Beatles e os produtores para decidir onde seria o show que pretendiam fazer. 

O espectador, alguém vivendo no mundo atual onde os Beatles já se tornaram uma memória no mundo da música, sabe que esse concerto foi realizado no terraço da Apple Corps, mas, para chegar nele, precisa acompanhar uma discussão demorada, cheia das ideias mais absurdas possíveis, o que prejudica no ritmo do documentário como um todo. Quando a ideia do terraço surge, é um alívio para os músicos, os técnicos e para quem assiste. Além de mostrar os Beatles como seres humanos normais que discutem, comem, bebem, fumam e fazem brincadeiras em frente às câmeras, a produção de Peter Jackson também serve para mostrar como é difícil tomar decisões em conjunto. 

A ideia de acompanhar tudo, incluindo os lados negativos, se mantém quando chega a hora da última aparição pública da banda. A obra opta por dividir a tela em 3 partes, na tentativa de acompanhar a apresentação do grupo em vários ângulos e a reação do povo londrino. O documentário insere o espectador bem no centro da ação e mostra depoimentos de pessoas maravilhadas por estarem presenciando um momento histórico, pessoas que não fazem ideia do que está acontecendo e aqueles que estão completamente descontentes com o barulho que os músicos estão fazendo, além de mostrar a chegada dos policiais no prédio do concerto. 

Parece muita informação para acompanhar ao mesmo tempo e realmente é. A escolha da divisão da tela em 3 quadrados torna a experiência ainda mais confusa e é difícil escolher para qual lado olhar. Porém, quando os olhos se acostumam àquele frenesi, é algo maravilhoso de assistir. É o momento mais catártico dos 3 episódios, capaz de causar arrepios pelo fato da banda estar em perfeita sintonia depois de longas horas de ensaios e pelo olhar empolgado do público, nos telhados e na rua. É o canto do cisne de um grupo que já havia deixado sua marca no mundo e decidiu entrar para a história em sua terra natal uma última vez, num terraço, para que qualquer um pudesse ouvir. 

The Beatles: Get Back é grandioso como a banda que acompanha ao longo de semanas de gravação. O documentário compreende o processo criativo como algo que demanda tempo, não é belo a todo momento e tem sim seus pontos baixos. Ao mesmo tempo, encanta por humanizar Paul, John, George e Ringo e mostrar momentos bastante especiais entre eles, sejam quando estão tocando alguma música ou fazendo alguma brincadeira para as câmeras que os rodeavam. Apesar de ser um pouco intimidadora em um primeiro momento, por conta de sua duração, assistir à produção é uma experiência extremamente recompensadora para qualquer um que decidir se aventurar nessa odisseia que deu origem a Let It Be. 

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Enzo Caramori

As máquinas têm menos problemas. Eu gostaria de ser uma máquina, e você?                                                                                                                                       – Andy Warhol

Entre retratos formais da teoria da Arte, colunas em páginas de fofoca e imagens em threads explicativas, sempre existiu o dilema de quem era Andy Warhol. Para muitos, a resposta pode ser simples e se resumir nos símbolos que ele construiu a si mesmo – como a famosa e espalhafatosa peruca branca. Essa era a pretensão de um homem que se tornou um ícone, que, diante da mídia, não abria espaço para nada além de uma leitura superficial de sua obra – uma ilustração aparentemente objetiva da sociedade de consumo – e de sua excêntrica personalidade. 

‘‘Querer ser uma máquina’’ é a representação dessa vontade de reduzir-se a sua criação e não deixar que suas tantas fragilidades escapassem. Nisso, a minissérie documental Diários de Andy Warhol, em outro eterno dilema de respeitar ou não as pretensões de um artista, tanto o desagradaria quanto o satisfaria. Utilizando-se do próprio diário de Warhol, os seis episódios constroem uma espécie de leitura orientada de suas palavras, entoadas por uma inteligência artificial que recria e dá voz tanto às intimidades quanto a fatos comuns e banais de sua vida cotidiana.

Para além de ser um documentário que busca os ineditismos da vida biografada, a série, produzida por Ryan Murphy e distribuída pela Netflix, é um atestado da subjetividade de uma figura tão impenetrável da sociedade norte-americana. A cinematografia, se dispondo de trechos de filmes – tanto de autoria de Warhol como, por exemplo, de seu amigo Jonas Mekas –, é um fluxo de memórias que cria pontes entre a biografia do artista e seus trabalhos. Nessa fissura de quem seria Andy Warhol e quem seria Andrew Warhola – gay, filho de imigrantes, abraçado pelo frenesi de Nova York nos anos 1960 – é que reside a vulnerabilidade e a melancolia que permeiam os episódios dirigidos por Andrew Rossi. 

O diário, datilografado e editado pela jornalista Pat Hackett, de 1976 até a morte do ‘papa da pop art’, em 1987, é o fio condutor cronológico e temático da minissérie. Contudo, não é apenas a voz robotizada de Andy que prevalece nessa procura de sua identidade. Em entrevistas, testemunhos de amigos próximos, como Debbie Harry – a eterna Blondie –, de estudiosos da obra de Warhol e também de figuras que não eram exatamente próximas do artista, como o diretor de cinema John Waters, evidenciam o impacto do falso loiro na efervescência cultural estadunidense por quase três décadas. A diferença do teor com que os depoimentos descreviam Andy, ora com a seriedade de um objeto de estudo ou relembrado meio a lágrimas, contribuem para a formação dessa imagem tão complexa e performada pelo artista.

Por trás dessas duas dimensões, sempre em tensão pelo decorrer dos episódios, The Andy Warhol Diaries – título original da série – vai construindo sua própria perspectiva acerca do artista, em que se ressalta suas vivências enquanto um homem gay em conflito com sua sexualidade. Dar lugar à humanidade de Warhol faz com que se entenda sua persona pública enquanto um escudo contra a suas próprias inseguranças e contra os ataques da cultura que ele tanto ajudou a construir.

Seja na necessidade de reinventar a si mesmo pelos ambientes de expressão  que ele mesmo criou – como a The Factory, seu estúdio de criação e o berço da cultura underground americana – Warhol era um modelo e um exemplo nacional do que era ser LGBTQIA+, ainda mais em um contexto de repressão dessas identidades. Mesmo que a sexualidade não fosse um recurso de sua performatividade no mundo das galerias e museus, o artista sabia como colocar as pessoas que brincavam com essa construção em um pedestal por meio de suas obras.

Seu registro de lendas da história queer, como Candy Darling e Marsha P. Johnson, suas experiências com a arte drag e suas ilustrações e fotografias homoeróticas eram uma tentativa de expressar sua própria identidade com o papel aparentemente impessoal de sua produção. Seja por surfar nas ondas da liberação sexual das baladas dos anos 1970, como a frenética Studio 54, ou por ser quase que um mecenas aos novos artistas que surgiam na cena, como Keith Haring e David Lachapelle, Andy nunca se deixou de ser influenciado por essa coletividade. Todavia, Diários de Andy Warhol não deixa de abordar criticamente o espaço de poder ocupado por Warhol frente a grupos marginalizados dentro de sua própria comunidade, principalmente no backstage da produção das pinturas da série Ladies and Gentlemen. 

Parte da constante afirmação de Rossi e dos entrevistados quanto a importância da sexualidade na trajetória de Andy vem no intuito de mostrar que sua história, como tantas outras narrativas queer, é atravessada pelo anseio de reconhecimento e visibilidade. Suas inquietações, que remontam a uma formação católica na infância e a uma percepção depreciativa de si mesmo, se resumiam a necessitar vínculos de proximidade que não eram supridos por sua obsessão com o sistema da fama estadunidense.

No segundo episódio, Sombras: Andy e Jed, para contar sobre Andy Warhol e seu assistente Jed Johnson, Rossi dispõe de filmes caseiros de viagens, festas de fim de ano, ou simplesmente gravações do cotidiano para construir a sensação de intimidade dessa relação. Na análise dos diários e dos testemunhos, se pontua o medo de Warhol em querer viver relações afetivas de longo prazo com seu parceiro, em um contexto em que o amor e a possibilidade do casamento entre pessoas do mesmo sexo era absurda, se não mesmo condenada socialmente.

Tanto em suas paixões com Johnson quanto com a sincera amizade e parceria com o artista Jean Michel Basquiat, o arquivo pessoal é a linguagem mais própria para fazer o espectador mergulhar no universo de afetividades revelado pela minissérie. Os vídeos, muitas vezes gravados pelo próprio artista que inspira a produção, são registros sem a pretensão de posteridade, sendo apenas a captura imediata da ternura desses laços com brutal honestidade. Assim como as fotografias que auxiliam ilustrar os excertos do diário, esse recurso engrandece o conteúdo emocional e documental dessas relações nos episódios. Não à toa, a obra conquistou indicações ao Emmy 2022 nas categorias Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, Melhor Roteiro em Programa de Não-Ficção – ambos para Andrew Rossi –, e Melhor Fotografia em Programa de Não-Ficção, para o Diretor de Fotografia Wolfgang Held, além da menção como Melhor Série Documental ou de Não-Ficção.

Apesar da série cumprir o esforço em desfazer a máscara pública de Andy Warhol e centrar-se essencialmente em sua pessoa, a junção dos diários e dos relatos compõem o retrato do espírito do tempo dos anos 1960, 70 e 80 da sociedade norte-americana. Da contracultura e do cinema alternativo até a MTV, as percepções warholianas conseguiam traçar todos os movimentos mutantes do que era a cultura pop. Não se restringindo apenas no que está atrás da peruca loira, a série traz uma vasta lista de outros personagens como Grace Jones, o casal John Lennon e Yoko Ono, Liza Minnelli, Robert Mapplethorpe, e Roy Halston.

Esses artistas, que transitam pelos mesmos locais que Warhol, também ecoam na trilha sonora da série, que une do pop oitentista majestoso de Diana Ross ao rock tímido e apaixonado de Snail Mail. Diferentemente de outras produções documentais, em que a música tem uma função meramente ambiente, em Diários ela assume um papel central, uma vez que Andy teve sua contribuição para definição de grupos e artistas agora lendários, como The Velvet Underground, Rolling Stones e The Smiths.

Em termos da adaptação do diário às telinhas, The Andy Warhol Diaries utiliza de dublês para contribuir em encenações dramáticas de passagens do livro, além de, assim como Hackett, incluir sucessivas contextualizações de acontecimentos marcantes da vida de Andy. Desde o atentado cometido por Valerie Solanas até situações sócio-políticas como a luta de direitos pelas mulheres nos anos 60, a ascensão do conservadorismo de Ronald Reagan e o medo generalizado da HIV, ressoam em sua sensibilidade, tanto por registros do diário quanto pela simbologia em sua obra.

A abordagem da minissérie entende os escritos datilografados por Hackett como o gesto artístico final do artista que, de certa maneira, é a antítese de toda a impessoalidade presumida de sua obra.  Tanto os episódios quanto as passagens dos dias no diário cumprem o papel de colecionar os fatos de sua vida privada: dos gastos de uma semana aos sentimentos desoladores da solidão, da autodepreciação, de latente desejo erótico reprimido e da falta de reciprocidade, munidos por querer se entender enquanto digno de afeto. 

De volta às perguntas sem respostas, entender as pretensões do diário de Warhol é um enigma que nunca será desvendado, assim como captar o real em sua vida é um objetivo a nunca ser cumprido. Nas falas dos entrevistados, existem diferentes retratos desse artista que existiu conjuntamente em quase todos os patamares da cultura e da sociedade estadunidense. No entanto, o dever dessa produção, indicada ao Oscar da TV, não é chegar à verdade sobre Warhol, mas sim destacar o que foi omitido dos que pensaram que essa verdade existe. É engrandecer os receios, as paixões e as feridas de um homem queer e de seus desejos dissidentes, colocados no centro da reprodução dessas memórias. É firmar a beleza e a dor de sua biografia, ainda mais quando o cânone da Arte faz questão de apagar essa história das páginas de seus livros. Por fim, Diários de Andy Warhol não passa de uma carta de amor para todo o sentimento guardado no peito.

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Vitória Silva

No dia 18 de agosto de 1992, o cineasta Woody Allen convocou uma coletiva de imprensa no saguão do The Plaza Hotel, em Nova York, para confirmar que estava tendo um romance com a jovem Soon-Yi Previn. Para quem esse nome possa soar desconhecido, a coreana é a filha adotiva da atriz Mia Farrow, que também era namorada de Allen até o ocorrido. Esse fator quase transposto de uma novela de Walcyr Carrasco foi apenas o estopim de uma batalha que perdura anos, e é retratada na série documental Allen contra Farrow. 

A produção da HBO, dirigida por Kirby Dick e Amy Ziering, parte desse princípio para apresentar uma narrativa por vezes ressoada na mídia, já atravessando milhares de versões e reviravoltas. Voltando um pouco mais na linha do tempo, o primeiro episódio começa apresentando o início do relacionamento entre Mia e Woody, que resultou em um aspecto quase conjugal, em que o aclamado diretor aceita adotar uma filha junto à ela, mas que ficaria sob total responsabilidade da atriz. Assim, Mia, que já era mãe de sete, encontra a pequena Dylan, uma garotinha perfeita para realizar as tais idealizações de seu futuro “pai”. 

O desenrolar da trama passa a se tornar um verdadeiro pesadelo. Diversas fontes próximas à família se juntam aos relatos de Mia e Dylan para retratar a obsessiva relação do pai com a filha, e os breves indícios de um perfil perverso do amável diretor. Mas a tendência que a narrativa segue é brevemente interrompida por uma nova revelação, nem tão surpreendente para quem já tem acompanhado a história aqui do lado de fora, em que Mia encontra fotos sensuais da filha Soon-Yi no apartamento do seu até então namorado.

Junto ao fio condutor tecido pela família ao longo dos quatro episódios, somam-se os olhares de críticos e admiradores da obra de Allen. Daqueles que conseguem formular claramente a adoração pelo diretor, pela forma como ele retrata a Grande Maçã estadunidense, pela identificação com seu jeito desengonçado e humanizador, e pelo jeito que expressa suas personagens mulheres – sim, claro, as mulheres! 

E em sua própria obra também emergem evidências do seu comportamento questionável, como pela insistente representação de relacionamentos entre um homem mais velho e uma mulher jovem, o tal personagem masculino da relação por muitas vezes sendo ele próprio – mas isso também só pode ser um fruto do acaso -, como exemplificado na sua aclamada produção Manhattan. 

Como se ter um caso com a sua enteada de 21 anos já não dissesse muito sobre o caráter do nova iorquino, a revelação que segue consegue ser ainda mais tenebrosa: o suposto abuso sexual de Woody Allen a sua filha Dylan Farrow, quando esta tinha 7 anos de idade. E aqui deixo como suposto pelo caso nunca ter resultado em uma investigação policial de fato, mas o desenrolar deste capítulo tenebroso fica para o minutos desenvolvidos na própria produção. 

Eis uma guerra instaurada: os relatos da jovem Dylan contra a clemência de Allen por sua inocência. Mas este não se atreve a tentar contrapor os argumentos de uma criança, jogando toda a carga do ocorrido nas costas de Mia, como uma suposta manipuladora por ter ciúmes da relação do ex-namorado com Soon-Yi (que, mais uma vez, era sua filha). A mídia compra essa versão, os fãs também, e a comunidade hollywoodiana mais ainda. Allen não é investigado, muito menos linchado pela sociedade. Ele permanece desfrutando da sua liberdade, enquanto levemente sustenta um relacionamento saudável com sua ex-enteada e uma acusação de abuso infantil. 

Fato é que ninguém é capaz de duvidar de um senhor indefeso e aparentemente dócil como Allen, muito menos alguém dono de produções tão potentes e que conversam tanto com diferentes tipos de público. E assim a história se discorre, Mia se torna incapaz de continuar atuando em solo estadunidense, ao passo que Allen tem o amor da opinião pública e os demais prazeres que um homem branco e bem sucedido é capaz de gozar vivendo em sociedade. 

Esse retrato permanece não apenas por minutos, como se passam na série, mas por anos. A acusação se deu em 1992, e, desde então, Woody Allen já teve 8 indicações e 1 vitória no Oscar, 3 indicações e 1 vitória no Globo de Ouro, e 26 filmes lançados. Isso não parece soar nem um pouco como alguém sofrendo as consequências de qualquer ato que seja. 

Há quem afirme que a produção escuta apenas um lado da história, e de fato é o que acontece, mas não pela falta de tentativas em se contatar o outro, como assim é reforçado ao final de cada episódio. Ao mesmo tempo, é interessante observar como não há evidências suficientes no mundo quando o assunto em questão é a condenação de um homem poderoso. Não bastam os depoimentos e traumas revirados por uma criança de 7 anos, nem os relatos de pessoas próximas, muito menos a opinião de profissionais, ou as milhares de falas e posicionamentos machistas e repugnantes de Allen, que ele nem se esforça em disfarçar em suas entrevistas ou nas conversas gravadas ao telefone.

Allen contra Farrow é sim uma produção parcial, mas foca no olhar de uma jovem que teve sua voz calada por mais de 20 anos e viu suas relações familiares e amorosas serem massacradas por um rolo compressor, enquanto assistia o seu abusador andar em tapetes vermelhos e receber homenagens como se fosse o homem mais genial do universo. A mesma jovem que só pôde observar o início da queda do mesmo há pouco tempo, e muito longe de ser o fim. 

E é mais do que simbólico que essa derrocada tenha se discorrido com a crescente onda do Me Too, em que foi necessário unir forças de centenas de mulheres para derrubar um dos maiores magnatas de Hollywood. Ou seja, Dylan Farrow sozinha jamais será capaz de realizar o mesmo com a monstruosidade do seu pai. Tal fato é concretizado na fala da psicóloga Anna Salter durante a produção: “O público é muito severo com criminosos sexuais, contanto que eles estejam longe e não tenham carisma”. 

Conteste pelas contradições presentes na história ou pela falta de evidências. Mas se apenas provas fossem realmente suficientes Johnny Depp não estaria ainda atuando em filmes, Roman Polanski não estaria ganhando prêmios, Marilyn Manson não estaria participando de álbuns de grandes rappers, e a lista é longa. Allen contra Farrow é um retrato escancarado de uma sociedade misógina que elege ídolos medíocres, e depois teme ao vê-los se revelarem verdadeiros monstros.  Afinal, quem acreditaria que Woody Allen faria isso?

Não é sobre separar o artista da obra ou qualquer outra discussão incabível aqui, é sobre condenar e reconhecer os verdadeiros culpados. Enquanto vemos mulheres serem culpabilizadas por muito menos, uma quantidade infinita de panos são passados para dezenas de predadores sexuais ou homens de caráter questionável. Não é apenas sobre Allen ou Spacey ou quem quer que seja o nome da vez, o buraco sempre foi bem mais embaixo.

Mesmo com a divisão de opiniões e as aguardadas críticas vindas do cineasta, Allen contra Farrow garantiu 7 indicações no Emmy 2021. Entre elas, Kirby Dick e Amy Ziering se garantiram em Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção pelo Episódio 3, que também concorre em Roteiro em Programa de Não-Ficção. A produção ainda tem grandes chances de sair vitoriosa por Melhor Série Documental ou de Não-Ficção contra nomes como Faz de Conta que NY é uma Cidade, American Masters, City So Real e Secrets of the Whales.

Se o fim de Woody Allen no meio cinematográfico está próximo, só o tempo irá dizer. Além das inúmeras desaprovações ao próprio documentário da HBO, ele ainda conta com uma legião de defensores em Hollywood. Mas não podemos esperar muito de uma sociedade que é conivente até com um homem que assumiu abertamente ter tido relações sexuais com uma jovem de 13 anos. E não podemos mesmo: daqui a dez dias, o próximo filme de Allen irá abrir o Festival Internacional de Cinema de San Sebastián.

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Raquel Dutra

A aspiração de homens brancos pela política é um dos fatos mais óbvios deste mundo. Dos números às suas interpretações, algo é compreendido: não há lugar melhor para indivíduos criados como os donos do futuro darem vazão às suas síndromes de poder do que um ambiente institucional deliberativo. Os Parlamentos sabem bem disso, as Câmaras sabem bem disso, os Palácios, Tribunais, Prefeituras e Senados, todos ocupados por uma maioria masculina branca na em boa parte dos governos do mundo, sabem muito bem disso. 

O trabalho de base é forte, começando com a própria existência destes numa sociedade racista e patriarcal. E na chamada maior democracia do mundo, o processo é favorecido por algumas iniciativas, que junto da ação das estruturas de poder do século 21, trabalham para evocar nesses futuros líderes as suas noções políticas. Uma delas é o Boys State, um programa de verão realizado desde 1937 em cada um dos estados dos EUA pela Legião Americana, entidade formada por veteranos de guerra estadunidenses. Todo ano, os membros da instituição escolhem 1.200 jovens para participar do projeto que cria o estado dos meninos, onde eles vivem a experiência de construir um governo do zero.

A diretriz principal é a Constituição dos Estados Unidos, mas o governo de Boys State tem de existir à sua própria maneira, sem a influência direta dos partidos que regem as reais movimentações políticas no país. Então, os jovens são divididos no mesmo esquema bipartidário para criar sua própria identidade, escolher suas próprias lideranças, defender suas próprias bandeiras e articular sua própria campanha, dividida nas tradicionais eleições primárias e gerais. Ao fim da jornada, dentre os nacionalistas e os federalistas, serão escolhidas as autoridades de Boys State.

Durante o processo, é esperado que os ânimos se exaltem vez ou outra, diante de um assunto aqui e outra pauta lá, ou que a sensação de poder daqueles adolescentes cresça para além do previsto em alguma deliberação pontual. Na edição de 2017, porém, algo em específico no meio daquele alto índice de masculinidade juvenil por metro quadrado que mexia com a demografia do Texas chamou a atenção. Em uma de suas votações simbólicas, o grupo de jovens que formavam o programa do estado aprovou uma proposta de separação do resto do país.

O fato repercutiu no país inteiro, pois apesar de o movimento de secessão do Texas existir há cerca de 150 anos, ele nunca havia sido encarado como algo realmente capaz de alterar a composição da força política que atende por Estados Unidos. Mas a adesão daqueles adolescentes aos ideais separatistas despertou a população local a pensar sobre como a juventude enxergava sua cidadania, a democracia e a própria sociedade estadunidense. Nesse contexto, a preocupação atingiu a dupla de documentaristas Jesse Moss e Amanda McBaine, que colocaram suas câmeras para acompanhar a edição de 2018 do Boys State do Texas, decididos a compreender como as relações políticas se estabelecem ali.

E bom, o que o documentário encontra faz jus à polêmica. Registrando desde as fases iniciais de preparação do programa até o desfecho do processo eleitoral que é a razão de cada um daqueles adolescentes estar ali, Boys State já parte de uma premissa: a maior surpresa que pode nascer do programa não é o comportamento de seus participantes em si, mas a reação da sociedade ao descobrir até onde seus meninos podem chegar seguindo ideais que são absolutamente tradicionais na política estadunidense.

Os primeiros minutos de Boys State mostram algumas cenas das entrevistas dos jovens com os membros da Legião Americana, no processo inicial de seleção dos participantes do programa. No fio do documentário, o momento significa conhecer alguns dos personagens, que têm figuras religiosas cristãs como modelo de vida, vêm de famílias militares e se dizem viciados em política. Conforme os veteranos de guerra assentem, eles continuam a contar que acreditam que bons costumes são o que formam uma sociedade saudável, e que “o trabalho é o que nos faz ir longe”. 

Logo, as etapas do programa avançam e já estamos dentro de um ônibus indo para o lugar onde aquele grupo de adolescentes estabelecerá seu governo. No caminho, eles se conhecem dividindo suas impressões sobre a situação política do país, e Boys State parece querer demonstrar uma pluralidade de pensamentos que não existe, pulando de comentários relacionados à gestão caótica de Donald Trump, à opiniões radicais sobre a presidência de Barack Obama. Sobre o republicano assediador, a opinião que se destaca é a de que não devemos criticar o presidente mesmo não concordando com o que ele faz. Quando o assunto é o líder democrata, eles explodem em desgosto com a sua política “quase socialista”.

À medida em que Boys State avança na jornada daqueles jovens, o espectador, os diretores e os adolescentes já imaginam onde é que esse fervor todo vai dar, cada um à sua maneira. Presenteado com uma narrativa orgânica que nasce daquele bando de garotos inflamados e obstinados em todos os altos e baixos de uma legítima campanha política, o documentário é quase um reality show, cheio de ritmo. Assim, Boys State trabalha de uma maneira muito interessante, aproximando as concepções de história (enquanto narrativa) e política (enquanto exercício): nos dois aspectos, existem personagens, desesperados por alcançar um desenvolvimento notável.

O ciclo narrativo continua e a salvação de Boys State parece chegar através de um jovem passional chamado Steven Garza, que não demora a se transformar num dos personagens principais do filme. Filho de imigrantes mexicanos que foram ilegais por muito tempo nos EUA, ele diz às câmeras que o Texas é uma representação perfeita da América, pela diversidade de pessoas e culturas que abriga. Suas fortes aspirações políticas mostram outra face daquele lugar dominado pela branquitude juvenil e desenha um outro sentido para Boys State, que Garza defende como uma oportunidade de aprender e com pessoas diferentes longe da baixaria dos comentários do Facebook. 

O jovem com tendências progressistas cai no partido dos nacionalistas, que contará com a presidência do eloquente René Otero, um jovem negro militante quase abolicionista. Com posicionamentos muito diferentes da maioria ali, os dois enfrentam a liderança federalista que está no implacável Ben Feinstein e no aspirante ao maior cargo de Boys State, o candidato a governador Eddy Proietti, ambos surgindo de algum lugar no meio daqueles jovens conservadores do início, só que com um pouco da ginga que falta em quase tudo relacionado ao espectro político da direita. 

O cenário de Boys State é por si só narrativo, se transformando no ambiente perfeito para o documentário direto e observativo de Jesse Moss e Amanda McBaine. Sem interferir de forma objetiva nos eventos que retrata, o crescimento de Boys State se dá quando o jogo aperta. A ânsia da política fala mais alto que os ideais daquelas mentes ainda em desenvolvimento, obrigando-os a negociarem parte de seus princípios. Assim, o rumo da história muda e seus personagens se aprofundam, numa progressão invejável a qualquer ficção. O mérito é da visionária direção reconhecida no Emmy 2021, dentre os indicados na categoria de Melhor Documentário/Programa de Não-Ficção. 

Entre um retrato satírico e um registro sério, Boys State prova que nada é neutro e que os documentários diretos e observatórios podem ter muito mais intenções do que uma narrativa que parte de uma visão definida. Afinal, o que mais pode significar assistir em 2021 um bando de adolescentes que defendem uma limitação de imigração, ampliação de leis pró armas, poder policial, e logo depois de articular como pretendem realizar tudo isso, vão comer uma tigela de cereal colorido com leite? 

É essa gente que também acredita numa política que se resume à obsessão por poder através de armas e controle do corpo feminino pelo aborto. É quem exalta a masculinidade, o poder de fogo, a ordem, a punição e a disciplina. Então quando eles se cansam, tiram cochilos ali na assembleia mesmo, e ao acordar, decidem legislar sobre a pronúncia de letras, códigos de vestimentas, hábitos alimentares. Porque quem precisa falar sobre impostos, sistema de saúde e educação pública?

De repente, o estado dos meninos fictício que deveria seguir suas próprias determinações faz Boys State parecer uma miniatura da nossa realidade. Urgentemente ridículo, o jogo sujo ganha uma competição séria, e percebemos a política viciada justamente no que deveria ser o seu núcleo de renovação. As possíveis futuras lideranças estão identificadas e devidamente encaminhadas, e mesmo com o grande potencial de influências positivas, representativas e fincadas nos preceitos democráticos, o destaque mesmo acaba naqueles que sempre estiveram à frente nas corridas políticas da América.

Em 2017, Criolo até tentou impor limites e nos avisar sobre a tendência da construção política, numa estrutura de poder mundial que Spike Lee voltaria a denunciar em julho de 2021. Se esse o nosso futuro é igual ao nosso passado, qual é o nosso presente? A verdade é que a diferença entre eles não importa. Enquanto estivermos no estado dos meninos, cada um dos nossos dias, mandatos e governos continuarão sendo iguais.

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Ayra Mori

2020 foi um ano frutífero para os retratos a respeito da velhice. Vimos desde o drama da relação conturbada entre pai e filha no premiado Meu Pai (The Father) ao representante brasileiro a tentar indicação no Oscar 2021, Babenco – Alguém Tem que Ouvir o Coração e Dizer: Parou. E entre os destaques da temporada, o indicado a três categorias no Emmy 2021, As Mortes de Dick Johnson (Dick Johnson Is Dead), não passou em branco.

Dirigido pela documentarista Kirsten Johnson, o documentário reflete sobre a efemeridade da vida em seus curtos 89 minutos. “Nasce o Sol, e não dura mais que um dia” – trecho do célebre poema de Gregório de Matos –, traduz perfeitamente a abordagem breve, simples e carregada de emoção proposta pela diretora. O pontapé inicial do longa partiu da criação de cenários fictícios no qual o pai de Kirsten, Dick, morre. Para isso, ambos celebram juntos os últimos anos de vida de Dick, num retrato que busca, com muita delicadeza, meios de enfrentar o luto através do amor pelo Cinema.

Protagonista do longa, Dick Johnson é um psiquiatra aposentado de 86 anos que parece se comprometer com tudo o que se propõe a fazer. É pai, avô e viúvo. Uma figura paterna presente, amorosa e genuinamente amiga, tanto da filha, quanto dos netos pequenos. Foi um marido que perdeu a esposa para o mal de Alzheimer e que, logo em seguida, foi diagnosticado com a mesma doença degenerativa. Pouco a pouco, Dick é obrigado a lidar com as consequências do Alzheimer.

Ele perde a independência e vai se esvaindo gradativamente. Em meio a confissões – de cortar o coração –, revela, derramando lágrimas, que já não se considera mais pai, mas sim um irmão caçula, um fardo a ser aturado. Inevitavelmente, o medo paira sobre a família tão unida e o fim é certo. Sabemos que tudo passa, nada dura para sempre. Mas a principal questão é: como lidar com a velhice? Como lidar com a morte?

A resposta de Kirsten para as perguntas acima é de tomar conta da narrativa em seus próprios termos. Johnson joga xadrez com a morte, criando diversas simulações bem-humoradas do óbito do pai, intercaladas com a documentação crua do seu dia a dia com ele. Dick é acidentalmente atingido por um ar-condicionado que cai do céu ou tropeça da escada ou, ainda, sofre um acidente de carro. Recorrendo à fantasia, as cenas fictícias são quase sempre seguidas de outras com Dick no paraíso, ao lado de quem ele admira e ama – comparecem Frida Kahlo, Billie Holiday, Freud, Bruce Lee e, entre outros, sua falecida companheira.

Identificado como adventista do sétimo dia, Dick tem respostas claras sobre a morte, onde, segundo a crença, todos os “justos” aguardam inconscientemente pela glória póstuma do juízo final. Dessa maneira, também criada segundo os dogmas adventistas, apesar de não crê-las, Kirsten brinca criativamente com as possibilidades surreais do que seria o tal lugar prometido. Somos expectadores de uma utopia transcendental recheada de gramados verdes, nuvens algodoadas, céu rosado, música alta, pessoas dançando e muito confete dourado. É como se a morte de O Sétimo Selo encontrasse os documentários fantasiosos de Varda. As Mortes de Dick Johnson parece dar continuidade ao legado de Agnès Varda, ao celebrar com muito tato e imaginatividade os frutos da idade.

Completamente esnobado da 93ª cerimônia do Oscar, junto de outros injustiçados do ano – dignos de menção o incrível Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre e First Cow – A Primeira Vaca da América –, Dick Johnson Is Dead encontrou no Emmy 2021 o espaço que lhe foi negado pela Academia. O documentário concorre principalmente ao prêmio de Melhor Direção em Documentário para Kirsten Johnson, além das categorias de Melhor Fotografia e Mérito Excepcional em Documentário.

Assim, cercada por situações mórbidas irreais, a diretora se naturaliza com a ideia da morte do pai, aceitando-a. É difícil encarar de frente os problemas que nos atormentam e, às vezes, escapismos puros são necessários. “Seria mais fácil se o amor só nos trouxesse coisas belas. Mas o amor nos exige encarar o medo de perder o próximo. E quando a coisa fica preta, que fiquemos unidos. E quando pudermos, celebremos os breves momentos de alegria”, narra Kirsten ao lamentar que, em 30 anos de carreira como documentarista, nunca teve a oportunidade de gravar a mãe antes da demência, como ela realmente era. Buscando não cometer os mesmos arrependimentos, ela efetiva, com o longa, uma verdadeira carta de amor ao pai e melhor amigo, Dick.

[SPOILER] Após uma cena de afeto sincero, onde Dick comemora seu octogésimo sexto aniversário comendo o melhor bolo de chocolate de sua vida, feito carinhosamente por seus netos, o filme se encerra com o falecimento de Dick. Ele sofre um ataque cardíaco e somos levados ao último ato. Agora, no velório, ouvimos relatos de amigos sobre quem era Dick, que, inesperadamente, ressurge vivo. Descobrimos que fomos, mais uma vez, tapeados pela dupla pai-filha. E tal qual o final de Titanic, Dick atravessa a capela quase como Rose cruza o navio, cercado daqueles a quem ele mais ama. Enfim, Kirsten mata o pai para finalmente poder ressuscitá-lo, imortalizando-o para sempre.

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Eduardo Rota Hilário

Sucesso, fama e uma multidão de fãs. Se a abertura contagiante do documentário Tina parece dimensionar muito bem a figura de Tina Turner, verdadeira lenda do rock’n’roll, poucos minutos são necessários para que surjam pontos contrastantes em relação a esse clima festivo. Decerto, são as dores dessa artista mundialmente venerada que protagonizam, na maior parte do tempo, a narrativa de um filme honesto, memorialístico e quase melancólico. Dividido em cinco partes, o longa-metragem dirigido e roteirizado por Daniel Lindsay e T.J. Martin é uma boa escolha para quem se despede da vida pública. 

Levando em consideração que criar um gran finale para uma carreira longa e próspera não é tarefa fácil, alguns acertos desse desafio sem dúvida merecem destaque. No caso de Tina, fixar indiretamente o amor como centro de um enredo extremamente delicado, com diferentes pontos de vista, é uma decisão admirável. Seja através da ausência, marcada na confissão “quase nunca recebi amor em minha vida” – nem mesmo dos próprios pais, que abandonaram a cantora logo cedo -, seja através da conquista, quando ela conhece o atual marido, Erwin Bach, o amor é peça essencial – e, muitas vezes, implícita – em todos os acontecimentos da vida de Tina Turner. 

Por outro lado, uma centralidade também fundamental à história que se quer contar são os traumas vividos pela artista. Nesse aspecto, o documentário se aproxima de outras produções recentes, como o emocionante Gaga: Five Foot Two, de 2017, e o confessional Narciso em Férias, de 2020. A diferença é que, agora, vemos uma produção com maior variedade de fontes, em um conjunto de entrevistas mais ou menos padronizado. Isso contribui para uma melhor organização e dinâmica de relatos sufocantes, que detalham tentativas de suicídio, uma carreira agitada, que tolhe momentos em família, e outros lugares de difícil revisitação.       

Mas o ápice dessas angústias é, com certeza, o relacionamento abusivo que Tina vivenciou com o ex-marido Ike Turner, também parceiro musical no começo de sua carreira artística. Responsável por violências físicas, sexuais e psicológicas, Ike é, depois de Tina, a figura de maior destaque do documentário – o que é, no mínimo, irônico, já que a cantora tenta, há anos, se desvencilhar da imagem construída ao lado do antigo companheiro. Para se ter uma noção mais exata, uma entrevista concedida à revista People, em 1981, um livro e um filme não foram suficientes para colocar um fim nessa história. Na verdade, isso tudo somente aumentou a curiosidade da mídia, que nunca perdeu uma única oportunidade de colocar o tema em pauta.

Registrando, no documentário, uma possível versão definitiva desse passado conturbado, Tina Turner não vê a hora de poder parar de falar sobre isso. Afinal, por que não dão maior ênfase e importância ao período em que ela assumiu o controle da própria vida? Ela precisou ir ao tribunal para manter o nome artístico. Mais tarde, em 1984, dominou o mundo com o disco Private Dancer – nas palavras da própria artista, “Tina nunca tinha realmente estreado. Foi a estreia de Tina, e aquele foi o meu primeiro álbum”. Por que dar menos importância a tantas conquistas, preferindo sempre destacar o antigo casamento? São questões dessa natureza que a cantora tenta resolver de vez, antes de sair de cena.

Em essência, o que o longa-metragem realmente busca é recriar o processo de construção de Tina Turner. Com alguma variedade de fontes – embora todas tenham pelo menos uma proximidade mínima com a artista -, além, é claro, dos relatos da própria estrela, busca-se organizar a trajetória de uma vida nada fácil, que serviu de caminho para moldar a cantora tal qual a conhecemos hoje. Resgatando alguns arquivos até então inéditos, Tina pode chover no molhado para antigos fãs, visto que revisita uma história já contada inúmeras vezes. Mas não deixa de ser um filme perfeito para quem ainda está se introduzindo ao universo dessa diva.

De modo geral, um trabalho tão complexo só obteria êxito com uma boa direção. Por isso, não é coincidência que Daniel Lindsay e T.J. Martin – dupla que já recebeu um Oscar de Melhor Documentário por Undefeated, em 2012 – estejam concorrendo a Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção no Emmy 2021. Certamente, de nada adiantaria a ambição de um projeto dessa magnitude se ele fosse desenvolvido de maneira caótica e desorganizada. E se tratando da carreira de um ícone da Música, faz ainda mais sentido que o documentário esteja concorrendo também a Melhor Mixagem de Som em Reality ou Programa de Não-Ficção (Única ou Múltiplas Câmeras).  

Já a disputa por Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção parece estar ainda mais acirrada, uma vez que nomes de grande repercussão, como Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela e O Dilema das Redes, também concorrem à categoria. Pode até ser que Tina se destaque pela coesão narrativa, ou por abordar temas urgentes, tal como a violência contra a mulher, mas é cedo para cantar qualquer tipo de vitória. De toda maneira, com essas indicações, a qualidade do longa começa a se revelar inegável. E Tina Turner? Continua sendo simplesmente a melhor.       

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Bruno Andrade

O documentário recém-lançado da Netflix, O Dilema das Redes, dirigido por Jeff Orlowski, se inicia com um questionamento a todos os personagens dessa história. “Qual é o problema?” parece ser a pergunta que guia os entrevistados e, embora todos apontem os erros com certa facilidade, não conseguem manter a mesma assertividade quando tentam apontar a solução do problema.

Uma das ideias centrais do filme é a de que veteranos das redes sociais (ex-funcionários do alto escalão da Google, Twitter, Facebook, Instagram e outras) estão, de fato, arrependidos pelo que elas se tornaram. Há um consenso entre os entrevistados de que as redes sociais são, hoje, um lugar inóspito movido a ódio. Entretanto, não parecem querer dizer que são um dos vilões dessa história e tentam, ao longo de toda a narrativa, manter a ideia de que são heróis, afirmando em alguns momentos que não existem culpados.

O formato do documentário já é conhecido. Há uma pequena parte ficcional, que serve como um suporte à parte real do filme. Esse trecho fictício poderia ser facilmente removido, e a ideia seria melhor transmitida sem ele, que tem atuações que, em determinados momentos, beiram o constrangedor e representam personagens estereotipados. Mesmo assim, cabe ressaltar que esse aparato ficcional acaba ajudando aqueles que não estão familiarizados ou nunca se questionaram sobre a importância exagerada das redes sociais atualmente. Os questionamentos levantados por pessoas que ajudaram a criar essas plataformas e suas visões sobre a situação de ódio generalizado são a parte mais importante dessa produção. 

Iniciamos O Dilema das Redes acompanhando o idealista Tristan Harris, ex-designer de ética da Google, e aquele que parece ser o personagem principal do documentário. Ele se prepara para uma palestra sobre como propagar um uso mais consciente e ético nas redes. Próximo aos 15 minutos de exibição, Harris solta a máxima “se você não está pagando pelo produto, então você é o produto”. Na cena em que ele está no Senado norte-americano, é questionado sobre quem deveria ser responsabilizado pelo método de influenciar o público com o pretexto de mantê-los engajados, e sua resposta é que as plataformas devem ser pois, se aceitam propaganda política, devem proteger as eleições — ele estava testemunhando em uma audiência sobre tecnologia persuasiva e otimização para engajamento. A ideia de que somos os produtos das plataformas parece chocante em um primeiro momento, mas não está longe de ser algo esperado. 

Em outra cena do filme, o psicólogo Jonathan Haidt aponta que, entre 2011 e 2013, houve um aumento gigantesco em casos de depressão e ansiedade entre os adolescentes americanos. Coincidentemente ou não, o Facebook bateu um de seus recordes de lucro em 2013. Ele aponta ainda que a Geração Z, aquela que nasceu por volta de 1996, foi a que começou a utilizar as redes sociais durante a pré-adolescência e, como resultado, tornou-se uma geração mais ansiosa, frágil e deprimida. O Dilema das Redes acerta quando exemplifica o efeito nocivo das notificações em uma das personagens fictícias, que, em determinada cena, se recusa a ficar sem o celular durante a refeição. 

Algo muito debatido sobre o tema é que nós entregamos nosso tempo às redes e elas brigam entre si para consumir cada vez mais a nossa atenção. O problema é que, diferente do dinheiro, o tempo é um instrumento finito e impossível de se obter novamente,  é algo muito mais valioso que o dinheiro. Durante todo o documentário, ficamos apreensivos com a ideia de que somos manipulados e servimos à interesses de desconhecidos. O tempo que gastamos nas redes sociais, muitas vezes, faz parte de uma rotina e, pensando bem, faz com que o Grande Irmão de 1984 pareça terrivelmente real.

Os algoritmos são apresentados como um dos grandes problemas. A parte ficcional de O Dilema das Redes apresenta três homens, que ficam em uma das milhares de salas que controlam o que deve aparecer na tela de cada usuário. Esse trecho é exagerado, uma tentativa de mostrar que, de fato, existem pessoas controlando o que você vê. Muito embora os algoritmos funcionem sozinhos, eles são programados por seres humanos. Alguns ativistas já debateram como eles propagam atitudes racistas nas redes, e como foram cruciais para a polarização política atual, além de ampliarem os discursos de ódio. Contudo, a plataforma mais utilizada hoje é o WhatsApp, que não trabalha com algoritmos e, mesmo assim, continua sendo uma grande aliada na manipulação política. É, de algum modo, um amplificador do conteúdo apresentado nas redes sociais, e demonstra que o problema vai muito além dos algoritmos. 

Quando Tim Kendall, ex-presidente do Pinterest e ex-diretor de monetização do Facebook, diz, em sua fala inicial, que essas ferramentas trouxeram coisas maravilhosas para o mundo, seria sincero afirmar que sua colocação traz uma ideia muito triunfalista das redes sociais. Os benefícios listados por Kendall, como a aproximação de familiares distantes, são resultados do uso natural da internet. Essa qualidade já foi muito explorada pelo antigo MSN Messenger, por exemplo, e uma das ideias do uso da internet é justamente a de aproximar pessoas. Embora as redes sociais também realizem isso, o mérito não deve ser somente delas, como ele tenta listar. O que é possível concordar, mesmo que por razões contrárias, é o fato de que elas trouxeram mudanças significativas para a sociedade, já que deixaram de ser simples ferramentas de aproximação e transformaram-se em plataformas de manipulação. De alguma maneira, sequestraram a internet.

O Dilema das Redes, em algumas partes, mantém o tom assustador que lembra as previsões distópicas de Black Mirror, e nos deixa com uma sensação de que algo muito errado está acontecendo enquanto não fazemos nada para mudar. Cada pessoa tem sua própria realidade e seus próprios fatos, já que a linha do tempo do Facebook ou a timeline do Twitter, por exemplo, são adaptadas individualmente. Em uma das cenas, Justin Rosenstein, criador do botão like do Facebook, argumenta que essa é uma das fontes das discussões nas redes sociais, já que temos a ilusão de que todos estão vendo a mesma coisa que nós. São diversas verdades criadas para prender a atenção dos usuários. 

Durante a exibição da cena de Mark Zuckerberg no Senado norte-americano, em decorrência  da polêmica envolvendo a Cambridge Analytica, ele sugere que a solução à longo prazo seria criar ferramentas de inteligência artificial que resolvem problemas que pessoas reais não conseguem. Em seguida, a cientista de dados  Cathy O’Neil, autora do livro Weapons of Math Destruction (2016), revela que isso não passa de uma mentira, já que a inteligência artificial não pode resolver os problemas apresentados por não conseguir distinguir o que é a verdade. É mais uma das esfarrapadas desculpas para não perderem seus usuários, ou melhor, seus produtos.

O cientista da computação Jaron Lanier, um dos entrevistados do documentário e considerado o pai da realidade virtual, inicia seu livro Dez Argumentos Para Você Deletar Agora Suas Redes Sociais (2018) com a ideia de que as pessoas estão perdendo seu livre-arbítrio. Ele argumenta que a espionagem maciça e a manipulação constante foram aceitas na sociedade com normalidade. Seu ponto fica evidenciado quando pensamos nas propagandas que vemos ao longo do dia, sempre direcionadas para nós com produtos de nosso interesse. Quantas vezes já nos deparamos com aquela situação de pesquisar algo muito específico e, pouco depois, receber uma propaganda exatamente sobre aquilo? 

Entre a metade e o final do documentário, seu desfecho fica previsível. Os empresários do Vale do Silício, arrependidos, tentam estabelecer algum tipo de valor moral acima de qualquer tecnologia. Ninguém é responsabilizado  pelos danos causados à sociedade. Um tom moralista paira no ar, como se fosse possível preencher esse problema com a força de vontade individual. Talvez a frase mais moralista venha de Aza Raskin, ele e Tristan Harris são fundadores do Center For Humane Technology, lugar onde pretendem reverter a degradação humana e realinhar a tecnologia com a humanidade. Raskin dá sua declaração final dizendo que “o Vale do Silício partiu de uma ideia de tecnologia humanizada”. Pensando bem, é mais provável que tenha sido motivada pela questão financeira, já que as empresas de tecnologia são as mais ricas e lucrativas da história da humanidade.  

Ao longo dos 89 minutos de O Dilema das Redes, fica evidente que essa é uma questão muito acima da vontade populacional. Mesmo que, por algum tipo de iluminação divina, os grandes magnatas das redes queiram se redimir construindo algo mais ético e destruindo esse método tão lucrativo por um bem maior, outros surgirão e tomarão seus lugares. O problema, de algum modo, é a forma como as redes sociais interagem com a vida offline, tentando de alguma forma suprimi-la. Essa é uma questão que não foi planejada nem mesmo por esses empresários, que hoje aparecem como vítimas daquilo que criaram. 

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