Guilherme Veiga

Existe um consenso no mundo das animações, quase que uma lei não escrita e potencializada pela indústria estadunidense de que elas precisam reproduzir nossa sociedade não em conteúdo, mas em forma. Quantos os filmes que nos vêm à memória em que um certo ecossistema é adaptado para viver como nós – e nessa releitura que, muitas vezes, mora a Comédia deles. 

De abelhas operárias ao modo capitalista a uma fauna vivendo exatamente igual gente, exemplos não faltam. De certa forma, eles até funcionam como um escape da realidade. Mas Cinema de verdade, ao mesmo tempo que nos tira de órbita, nos reconecta também, e nas mais peculiares histórias que somente esse gênero pode nos proporcionar, Flow é a que alcança esse feito da forma mais singela e pura.

A produção não precisa das ideias surtadas ou da reimaginação do arranjo social. A história é a das mais simples, um gato sendo um gato que, em meio a uma catástrofe climática, precisa redescobrir o mundo com um instinto de sobrevivência muito mais aguçado e, ao mesmo tempo, tão humano. Suas atitudes em meio a devastação causada pela inundação se assemelham e muito com a solidariedade humana, vista em tragédias como os incêndios na costa oeste norte-americana no início de 2025 ou as enchentes no Sul do Brasil no meio de 2024. Tudo isso, ainda sendo somente um ‘gatinho’.

Com seu visual que lembra um jogo independente de Playstation – aqui as semelhanças com Stray se afloram, Flow nos convida a contemplar. Em uma composição aquarela, que, mesmo com suas imperfeições, nos cativam, o longa propositalmente nos desorienta nos minutos iniciais, estamos tão perdidos quanto aquele gato preto e aqui outra aposta da produção se mostra acertada: o silêncio.

Se Parasita fez história ao colocar estadunidenses para ler legendas, esse filme vai além, se tornando ainda mais universal. Do adulto à criança, do votante do Oscar até o cidadão médio da Letônia que hoje morre de orgulho, todos param para ouvir o que o silêncio de Flow tem a nos dizer. É o momento de introspecção em frente a tela, de concentração máxima em que ecoam mensagens sobre viver em comunidade e adaptação às mudanças, conectando o telespectador de forma arrebatadora.

De forma arrebatadora ele também chegou ao Oscar. Já saturado da hegemonia dos grandes estúdios, o público sempre adota o ‘azarão’ para si – não que Flow não tenha seus méritos reconhecidos, sendo indicado nas categorias de Melhor Animação e Melhor Filme Internacional. Na primeira, ele desponta, mesmo tendo Robô Selvagem na cola. Já na segunda, a tarefa é mais difícil, tendo o excelente A Garota da Agulha e o totalmente ovacionado Ainda Estou Aqui.

Com uma analogia velada a Arca de Noé, Flow usa dos animais para trazer à tona sentimentos enraizados na ancestralidade humana. Em tempos em que a animação se rende às continuações desnecessárias, uma fórmula já saturada e, até mesmo, as IA’s, o longa tem o mesmo elemento que nos diferencia dessa homogeneidade computadorizada: coração. E nesse caso, o que os olhos vêem em tela, o coração sente.

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Livia Queiroz

“Como evitar que memórias ruins gerem convicções equivocadas?”. Essa é uma frase da Nojinho no final da trama desse filme, após uma conclusão da Alegria de que lembranças que não nos agradam devem ser colocadas no esquecimento. A verdade é que todas as nossas memórias são importantes e criam o que somos, as boas formam nossas expectativas, sonhos e habilidades sociais, e as ruins nos ajudam a sermos mais fortes psicologicamente e a digerir nossos erros para melhorar nossas atitudes. Divertida Mente 2, lançado em Junho de 2024 e candidato ao Oscar de Melhor Animação, é recheado de filosofias do crescimento pessoal. 

O segundo filme chegou aos cinemas após quase dez anos desde o primeiro e, dentro da história, se passaram três anos. Com isso, a narração gira em torno da passagem da Riley como criança ao início da adolescência e, consequentemente, a chegada da puberdade. Então, nada mais normal do que surgirem novos sentimentos, mais sofisticados e, antes, não necessários – como diz a Ansiedade no longa. Assim, começa a ‘bagunça’, com quatro novas personagens: Ansiedade, Vergonha, Tédio e Inveja. Apesar de todas serem vistas pelo ser humano como defeitos, elas têm papéis fundamentais na construção social; a sofreguidão, por exemplo, nos ajuda a recordar e se importar com nossas tarefas, relações e eventos, e o aborrecimento nos leva a buscar aventuras para nos satisfazer e se livrar da monotonia. 

Assim como no primeiro filme, a psicologia das cores é praticada na criação de cada nova emoção. A Ansiedade é laranja, com personalidade energética, overthinker, atrapalhada e que se vê na obrigação de cuidar e se preocupar com o futuro, fato comum do distúrbio psicológico. Já a vergonha foi colocada como um homem gigante rosa com nariz grande e um moletom para se esconder em sua timidez, mesmo assim, ele foi um dos que se mostraram mais corajosos e dispostos a mudar os problemas que a Ansiedade cria ao longo da trama. O tédio foi personificado como uma francesa roxa desinteressada com o mundo, ficando alheia em seu celular; uma clara e fiel representação do desenvolvimento social das novas gerações junto da tecnologia. E a Inveja, uma pequena menina verde turquesa de olhos esbugalhados e brilhantes, uma referência à expressão “olho gordo”, que apoia e inveja Ansiedade o tempo todo. 

O início do longa-metragem é uma recapitulação dos primeiros 15 anos da protagonista, mostrando o seu crescimento, o que foi uma ótima ideia já que, tecnicamente, a audiência ‘perdeu’ três anos da vida dela. Primordialmente, existe uma beleza intencional por trás da demora para a sequência chegar aos cinemas, as crianças que antes viram o filme na mesma idade ou até menores que a Riley, chegaram para a segunda obra cinematográfica já tendo vivenciado o que ela estaria passando e, nesse sentido, correlacionam as situações e sentimentos com si mesmos. Essa nova filmagem torna-se, então, uma terapia lúcida em formato de animação, já que seu público alvo continua sendo o público infantil e a intenção é ser um programa familiar. 

Essa genialidade, que foi o ápice da sequência quando observamos a proposta de inteligência emocional que a obra promete, só foi possível com um roteiro mais complexo que o anterior, com construções de diálogos mais profundos e reflexivos, no sentido de abordar problemas da vida com maior seriedade. Um exemplo dessa abordagem é o Senso de Si – figura mental que guarda nossas convicções por meio de aprendizados de memórias e que molda quem somos – o qual é destruído conforme a Ansiedade toma o controle da mente, trazendo a conclusão de que esse transtorno faz esquecermos de nosso juízo. Ficamos tão pilhados com possibilidades e medos que não ‘ativamos’ nosso discernimento sobre o nosso ‘verdadeiro eu’ e, então, acabamos fazendo algo que não é do nosso feitio. Por essas razões, é inegável a ousadia e habilidade dos roteiristas, Meg LeFauve e Dave Holstein, ao tratarem de uma emoção tão complexa como essa e, mesmo assim, manterem o filme leve. 

Entretanto, a complicação e clímax da filmagem colocam uma máscara de vilã na ansiedade como um todo, para somente no final deixar implícito que não existem emoções ruins. Teria sido mais agradável para interpretar corretamente se o público visse mais da vulnerabilidade da personagem para além de quando ela ativa uma crise de ansiedade na Riley e perde o controle, se arrependendo veementemente. Em contraste com o erro, a produção soube diferenciar um distúrbio de um sentimento comum de forma cativante. O excesso de ansiedade é tratado no filme como o principal vilão, e ele realmente é. A inquietação é natural em pequena quantidade, ela nos faz pensar mais em cada possibilidade – como a primeira ação da criatura laranja para ajudar a protagonista – mas a doença (que se caracteriza a partir do momento que a Ansiedade isola as antigas emoções) não é saudável e isso é mostrado em diversos momentos que a Riley poderia ter aproveitado o momento presente – como as pequenas conquistas nos treinos de hóquei – porém não o fez, pensando no futuro. 

É perceptível que Alegria não gosta da mudança com a puberdade e novas emoções se envolvendo na vida de Riley, muito embora ela não admita até o final de Inside Out 2 (no original). O motivo? A nostalgia da vivência que teve com a menina até crescer na adolescente que e a insegurança para caso ela não precise mais das ‘velhas’ e tradicionais emoções. É por essa sensação que outra filosofia é refletida no clímax do filme: seria normal sentirmos menos alegrias depois da infância? Sim, no primeiro setênio da vida somos muito inocentes, não compreendemos a diferença entre o que é bom e o que é maldade e tudo vira uma descoberta – o que consequentemente causa felicidade pela curiosidade atingida. Porém, isso não significa que não haja momentos de felicidade nas próximas fases da vida e que devemos deixar que a insegurança e ansiedade tomem conta de nós, como ocorreu com Riley. 

A Alegria, principal emoção da protagonista, passa por uma transição assim como sua dona, experimentando outras sensações além da sua própria. Um exemplo dessa mudança é quando eles fogem do isolamento e buscam por soluções para chegar à cabine de controle da mente novamente, já que a figura que emana felicidade surta de raiva e mostra sua preocupação e tristeza com a lentidão para resolverem os problemas causados pela Ansiedade. Essas cenas são o que nos conformam de que não somos nós mesmos se nos limitamos a somente memórias boas, como questionado por Nojinho no filme. O que nos leva ao final do longa, quando as emoções aceitam que todas elas são importantes para a Riley ser quem ela é e formar, então, seu Senso de Si verdadeiro, um exemplo de auto aceitação e reconciliação, mais um elemento da inteligência emocional que a cinematografia quis ensinar. 

Além dos problemas na cabine cerebral, alguns eventos canônicos da vida de toda adolescente são mostrados na obra, como a separação entre amigas por mudanças de escolas, a estranheza do início da puberdade, os primeiros crushes, crises de personalidade na transição entre infantilidade e juventude, e a vontade de impressionar pessoas mais velhas nas quais você se inspira. Esses momentos também são de extrema importância para a construção da intimidade e carinho do público com a protagonista, já que elas se enxergam nas mesmas situações que ela está experienciando. 

Fora da trama, como sempre, a Pixar surpreende com a beleza na produção de suas animações, cada ambiente novo dentro da cabeça de Riley era feito pensando nos mínimos detalhes e significados. O mais lindo é com certeza o Centro de Convicções, que constitui uma cachoeira com brilho azul fluorescente que vai banhando as memórias, que formam convicções por cordas brilhantes as quais ligam-nas para se juntarem ao Senso de Si no formato de uma árvore, uma metáfora para o crescimento pessoal. 

Por fim, o filme tem uma mensagem para os adultos e, principalmente, aos pais de crianças e adolescentes: Tenham paciência com seus filhos, vocês já tiveram a idade deles e sabem como é difícil passar por mudanças significativas em si mesmo. Esse nível de compreensão recomendado entre pais e filhos é de extrema importância para a construção de relações mais saudáveis na adolescência – fase conhecida pela ausência de diálogo entre os dois grupos – que, consequentemente, levarão a uma vida adulta com maior afeto e longevidade, ou seja, uma divertida mente.

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(Alerta de gatilho: O texto a seguir contém discussões sobre tópicos sensíveis  abordados no filme, como homofobia, transfobia e ideações suicidas)

Iris Italo Marquezini

“A todas as garotas monstros” é a sensível dedicatória que abre a graphic novel Nimona, vencedora de um Prêmio Eisner em 2016. Essa frase já de cara recepciona e prepara o leitor para o que vai vir: uma história feita para enaltecer pessoas enérgicas que definitivamente não se encaixam. Ao longo dos anos, cada vez mais pessoas foram descobrindo o quadrinho de ND Stevenson e se apaixonando pelo jeito frenético e violento da metamorfa mais pilantra dos últimos anos. A adaptação, lançada pela Netflix, fez a personagem cair no gosto popular de vez e com absoluta razão: é um filme fantástico e mágico em todos os aspectos.

Nimona surgiu como uma webcomic no Tumblr do autor em 2012, contando a história de uma garota metamorfa que decide se tornar comparsa do vilão do reino, Ballister Coração Negro. O ‘malvadão’ não gostou nada da ideia de ter uma menina imprevisível, engraçadinha e que sugere “simplesmente matar os heróis todos de uma vez e explodir tudo” ao lado dele. Diferentemente de Ballister, os leitores imediatamente adoraram a dinâmica ao estilo Megamente da sidekick mais malvada que o vilão.

Dirigido por Troy Quane e Nick Bruno, a adaptação segue o mesmo princípio da obra original e o maior ponto forte é justamente essa amizade inesperada. O gradual intimismo que os comparsas ganham entre si é a fonte dos momentos mais emocionantes e engraçados da trama. As performances de Chloe Grace Moretz e Riz Ahmed como Nimona e Ballister, transmitem todo o atrito e carinho que despertam um no outro em questão de segundos. A dublagem brasileira ficou por conta de Isabela Guarnieri e Rodrigo Andreatto, que deram um tom ainda mais jovial a eles e pareceram se divertir bastante ao brincar com as falas dos anti-heróis. 

Embora a química entre Ballister e Nimona e a posição moral complexa deles como supostos vilões dentro da sociedade sejam um ponto forte tanto na graphic novel quanto no filme, as semelhanças com a HQ começam a parar por aqui. No audiovisual, a trama é mais imediatista e urgente, com a trama se iniciando após o herói Ballister (agora chamado de Coração-Valente), que é vindo de uma classe social mais baixa, sendo acusado injustamente de assassinar a rainha. É por causa do atentado que Nimona decide ir atrás do mais novo vilão para se tornar sua parceira. 

O design dos personagens encabeçados pelo produtor de design Aidan Sugano brincam brilhantemente com os próprios arquétipos que representam. Os protagonistas possuem roupas bem menos polidas e etéreas que as armaduras douradas e brancas dos cavaleiros da Instituição, uma outra forma encontrada pela narrativa de deixar claro que os principais não são os heróis dessa história. O elenco diverso foi devidamente representado nas aparências, que inclusive se parecem muito com os atores que emprestaram a voz a eles.

Ainda assim, infelizmente, é importante notar que, em relação ao quadrinho, Nimona se apresenta de forma bem mais esguia. Além disso, o braço mecânico de Ballister, perdido no atentado, não desempenha o papel narrativo de discutir o capacitismo da sociedade apresentada na história. Na graphic novel, o ‘vilão’ perde sua vaga na Instituição, organização com papel governamental, logo após o suposto acidente que causou a perda do membro. 

O papel do ‘mocinho’ ficou para Ambrosius Ouropelvis (Eugene Lee Yang). O cavaleiro constantemente se encontra em conflito entre os ideais da Instituição e a lealdade a Ballister, antigo interesse amoroso dele. O personagem teve pouco espaço para brilhar na história, mas o faz de forma ora sensível, ora engraçada nos momentos de destaque. A performance de Eugene Lee Yang trouxe uma tridimensionalidade exemplar ao abordar as pressões que pessoas descendentes de leste-asiáticos podem sofrer. A dublagem brasileira de Wirley Contaifer também não deixou a desejar.

Um dos aspectos que mais chamou atenção na obra é o universo medieval e futurista ao mesmo tempo. Vinda diretamente do quadrinho, mas expandida aqui no audiovisual, o visual bebe de diversas estéticas como o steampunk e o cyberpunk. Por meio dessa mescla inteligente, o público consegue ter contato com novas abordagens para mundos fantasiosos. Os cenários da narrativa são vivos e excelentes palcos para o potencial enorme de movimento que uma transmorfa caindo na porrada pode trazer. 

Os personagens foram feitos em CGI em 3D, mas com diversas estilizações em 2D, principalmente nos cenários e figurantes. A escolha de se afastar de um fotorrealismo, abraçar as formas geométricas e texturas e iluminação própria, além de fazer homenagem ao estilo original da graphic novel, trouxeram um visual único. O resultado é uma ambientação belíssima visualmente que se assemelha às ilustrações de contos de fadas clássicas repletas de cores chamativas às crianças. 

O resultado final do visual chama ainda mais atenção quando comparamos com gravações do projeto enquanto estava nas mãos da Blue Sky Studios, responsável por A Era do Gelo, Rio e Touro Ferdinando. Aparentemente, a obra apostaria em um tom mais fotorrealista em versões antigas do projeto. Essa mudança deixou alguns fãs frustrados com a impressão de que a animação não estava devidamente finalizada. Embora esses aspectos tenham sido, sim, intencionais, essa impressão tem uma origem muito verdadeira, já que de fato, Nimona quase não chegou aos olhos do público.

A produção passou por um balde de água fria durante a produção. O longa chegou a ser cancelado após o estúdio original ser fechado em 2019 pela Disney. Em meio a diversas especulações dos motivos para essa desistência do projeto, que na época estava 75% concluído e deixou 450 pessoas desempregadas, a produtora Annapurna, juntamente com a Netflix, apareceu como ‘salvadora’ e decidiu finalizar o que a antiga dona não teve coragem de fazer. 

Em Abril de 2022, os fãs foram agraciados com a notícia do retorno do projeto. Logo de uma vez foi revelada uma primeira imagem que mostrava o estilo da animação e a divulgação do elenco com Moretz e Ahmed. Olhando em retrospecto, fica impossível ignorar a importância que esse cancelamento traz para a mensagem e temas que Nimona apresenta.

Um dos fatores que dá um quê de dinamismo para a trama é a constante perseguição que os principais sofrem. Enquanto Ballister é procurado por ser suspeito no assassinato na rainha, Nimona ganha a fama de perigosa por, na teoria, ser um monstro. Em meio a planos mirabolantes e fugas desajeitadas, os dois vão lentamente se percebendo como forasteiros dentro da sociedade apresentada e se revoltam contra ela. 

Mesmo que os protagonistas vejam com empolgação a posição de serem anti-establishment, a animação não ignora as consequências psicológicas que essa postura constante pode trazer. Em um dos momentos mais emocionantes, Nimona relata acreditar que às vezes sente merecer as coisas ruins que desejaram e fizeram a ela. Constantemente o coração dela é partido quando a chamam de por um termo do qual ela odeia: monstro. 

Nos cenários, há uma verdadeira caça às bruxas, com pôsteres e mensagens espalhadas dizendo para se ter cuidado com essa criatura. Nimona leva a vida de forma empolgada e travessa, mas os constantes ataques de ódio conseguem fazer a poderosa transmorfa hesitar sobre o direito à própria vida. Não há como ignorar o contexto assustador no qual a obra foi produzida ao longo dos anos e o estado na qual o mundo se encontra agora, meses após sua na estreia. 

Os ataques e perdas de direitos da comunidade queer continuam a ser temas bastante reais nos Estados Unidos – e no Brasil não é diferente. A vulnerabilidade e pressão sentida por Nimona é bastante real para pessoas LGBTQAI+ ao redor do mundo todo. Ela está longe de ser um modelo a ser seguido, mas os medos e ansiedades que vive possuem um caráter universal àqueles que ainda recebem qualquer sinal de aceitação sempre com um pé atrás. 

A metáfora que envolve personagens metamorfos para representar pessoas trans é um tanto polêmica e passível de envelhecer mal. Existe um potencial bastante promissor na ideia de um ser não ter uma forma definida e se expressar como bem entender quando quiser. Acontece que esse mesmo conceito pode mostrar como é literalmente mais fácil criar uma nova espécie para representar esse público do que desafiar as definições de gênero dentro do próprio conceito de humanidade. 

Nimona, querendo ou não, faz parte desse clichê e não esconde a própria posição com sutileza alguma. A história, desde os primeiros minutos mostrando o romance de Ballister e Ambrosius, declara-se intrinsecamente e abertamente queer para a audiência. Embora a relação entre os dois seja tratada com naturalidade e com obstáculos para o casal sem o envolvimento de homofobia, como acontece em Arcane, a condição de Nimona ainda é cercada de sofrimento. 

Ainda assim, é importante reconhecer que, nesse processo, a narrativa demonstra como propagandas falsamente infundadas causam a desnecessária e cruel deterioração mental de pessoas trans na vida real que, em todo canto que olham, observam alguém as chamando de monstros. O longa acerta na abordagem a partir do momento que entende que não é a característica de ser trans que acarreta o sofrimento, mas, sim, uma sociedade estruturada em mentiras e opressões. 

A trama possui diversos dos clichês que Hollywood trabalhou diversas vezes sobre ‘abraçar a diferença’. Acontece que a abordagem de se utilizar de cada um deles sob uma lente queer realmente torna a história da obra assustadora para a Disney. Não é de hoje que o estúdio se recusa a dar um arco genuinamente sensível e desenvolvido a um personagem LGBTQAI+. Mesmo sem o beijo, a narrativa já seria em si ousada por abordar a experiência na comunidade de forma realista e, principalmente, divertida. 

O objetivo da trama parece mais se aprofundar nas discussões que cercam esses contextos do que simplesmente se afastar deles ou torná-los uma piada. Pelo contrário, o filme, se não busca tocar na ferida, ao menos tenta celebrar a vivência LGBTQIA+. O ápice acontece justamente em um momento de aceitação entre Ballister e Nimona, um ato que faz aquele mundo virar de ponta cabeça a partir da recusa de simplesmente não se odiar.

As mensagens sobre união, amor e perseguição às pessoas LGBTQ+ já existiam no quadrinho, mas a adaptação consegue expandir esses temas de forma mais que necessária. O material original é ótimo, sim. Todavia, saber que a versão audiovisual foi diretamente envolvida pelo próprio processo de auto-descoberta e amadurecimento do autor ND Stevenson ao longo dos anos tornou tudo maior e ainda mais relevante. Nimona, apesar de todas as tentativas de censura e adversidades, conseguiu resistir e contar uma história que traz conforto ao coração. 

Mesmo que abertamente contra a Instituição apresentada na história, o longa se limita ao não apresentar nos minutos finais um choque tão grande em relação ao que foi estabelecido antes. Os cavaleiros, vindos de uma classe elitista e violenta com os diferentes, continuam a agir na sociedade. Os civis, vítimas das diversas atrocidades cometidas ao longo da narrativa, parecem continuar a viver em classes mais baixas. Não que Nimona precisasse expandir uma lore política que nem mesmo Senhor dos Anéis fez, mas é frustrante assistir uma história que desafia tantas convenções sociais ficar tímido na hora de imaginar uma utopia.

Nimona sem dúvidas se destaca como uma das animações mais únicas, inventivas e divertidas de 2023. As dificuldades do lançamento marcam mais um exemplo do fenômeno perigoso absurdamente contra animações infantis com um olhar humano e autoral acerca de pessoas LGBTQ+. Irônico, já que o filme ganhou o reconhecimento de ser indicado ao Oscar 2024 na categoria de Melhor Animação, dividindo o espaço com obras como Homem-Aranha: Através do Aranha-Verso e O Menino e Garça. 

Além de disponibilizar o livro de 358 páginas dos bastidores e artes conceituais, a Netflix fez a fantástica ação de publicar gratuitamente Nimona na íntegra no canal oficial do YouTube semanas antes da cerimônia. Os diretores  afirmaram ser um dos melhores anos para as animações, elogiando com razão a diversidade proposta em várias das obras indicadas. Não há motivo para pensar que Nimona não mereceria estar entre essas produções: o filme é disruptivo, tanto na narrativa quanto estilísticamente, características de que clássicos são feitos. 

É gratificante perceber o quão necessário é a produção estar, finalmente, entre os melhores do ano. Não se trata apenas de mais uma história de superação de bastidores turbulentos: assim como Nimona não precisava sofrer tanto para ser aceita depois, a adaptação jamais precisou dessa insegurança toda no lançamento para ser reconhecida. Uma animação bela como essa serve de lição para os estúdios nos próximos anos não hesitarem em contar histórias como a proposta por ND Stevenson. Não porque essas narrativas compensam financeiramente, mas por tocarem as pessoas sinceramente e radicalmente. 

Nimona merece o mesmo louvor que a graphic novel recebeu em 2015, com o Eisner, pela crítica anárquica a um sistema opressor e a demonstração do quão vital e linda a experiência de uma pessoa da comunidade pode ser. Mesmo com tropeços aqui e ali, o filme nos mostra a certeza de que sempre é possível se transmorfosear em algo melhor. 

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Jamily Rigonatto

“Agora eu sei que tenho um coração, porque ele está doendo” é uma das frases mais populares do universo do audiovisual. Emitida pelo Homem de Lata em O Mágico de Oz, a citação marcou o futuro das produções cinematográficas quando o assunto é abordar a relação dos robôs com o ato de sentir. Certamente, a inspiração recaiu na realização de Robot Dreams, filme lançado em 2023 sob a direção do espanhol Pablo Berger. Nas linhas doces da animação, a quebra de um vínculo se mostra mecânica e lancinante. 

O longa-metragem conta a história de um cachorro que vive em um universo sem humanos, povoado apenas por animais que agem como tais. Cansado de estar sozinho, seu movimento é similar aos da geração da tecnologia: procurar em uma máquina a fuga de realidade. É assim que ele adquire um robô, com o qual logo desenvolve, impressionantemente, uma amizade sincera, que em pouco se desmonta em reviravoltas. 

São em cenas delicadas, acompanhadas apenas pela trilha sonora – já que o filme não tem nenhuma fala –, que o enredo, também assinado pelo diretor, nos leva por um caminho leve, cheio de momentos divertidos que imprimem a sensação de que as coisas seguirão até um final feliz. No entanto, é em um desses momentos de acalento e doçura que o cão e o robô se deparam com a dor das rupturas. 

Na praia, tomados por espírito livre e companheirismo, uma fatalidade acontece e as peças metálicas do melhor amigo de lata são molhadas, impedindo que o cachorro consiga o tirar da areia e tenha que ir embora sem ele. A partir desse momento, os papéis se invertem e quem precisa buscar uma forma de fugir de uma realidade desoladora e vazia é o maquinário, agora abandonado e sem perspectivas. 

Os eventos se tornam distintos. Para um, há a tentativa de resgate do amigo, mas também a possibilidade de encontrar socialização, diversão e muito mais em um espaço da vida real. O outro, fica à mercê de algo que sequer sabíamos que um objeto robotizado poderia ter: a imaginação. Nesta, a existência mantém a força em sonhar com a beleza e desejar que a existência não se resuma a espera pelo momento de parar de vez. 

O roteiro se estabelece em uma dualidade e é impossível não comparar o cachorro com os seres humanos. O abandono, mesmo que não intencional, coloca em cheque o quanto as relações podem ser descartáveis, seja com pessoas, máquinas, animais de estimação e o que mais houver. Assim, a humanidade no cão se revela poderosa, o suficiente para que seus sentimentos estejam acima de qualquer coisa.

Toda a similaridade não é feita de acaso. A cada passo, os movimentos parecem se aproximar de uma alegoria à contemporaneidade, juntando a dependência tecnológica e a era dos amores líquidos em uma tacada só. Nessas condições, uma empatia pelo robô se esgueira pelas pontas e fica impossível não sentir um gosto amargo nas reações do cão. Ele poderia fazer mais, mas será que nós faríamos?  

Quanto ao visual, Meu Amigo Robô – como foi traduzido no Brasil – tem traços realmente adoráveis que remetem às animações clássicas dos anos 2000. Moldado no tradicional 2D, o filme tem ilustrações sutis e pouco marcadas, mas extremamente expressivas. É isso que contribui para uma narrativa limpa e clara, fácil de ser entendida sem a presença dos diálogos. 

Porém, como nem tudo são flores, assistir à produção parece nos levar para um ciclo em alguns momentos. É claro que todo o cerne é bem trabalhado, mas não há necessidade de se desenvolver em longas 01h30, que em certo ponto parecem minutos demais para história de menos. Com certa economia de tempo, o resultado seria mais dinâmico e não entregaria o massante de esperar e esperar por um clímax com final feliz que nunca virá.

Ainda que com ressalvas, é inegável que a produção surpreende e o Oscar 2024 não pensa diferente. O filme concorre na categoria de Melhor Animação ao lado dos gigantes Nimona, Elementos, Homem-Aranha Através do Aranhaverso e O Menino e a Garça. Sua narrativa doce e amarga conquistou os corações dos críticos desde a estreia no 76º Festival de Cinema de Cannes, ocorrido em Maio de 2023.

Além de fazer parte de uma das principais programações de Cinema do mundo, Robot Dreams conquistou o prêmio de Melhor Animação no European Film Awards, uma das nomeações mais importantes do setor europeu. O título ainda foi reconhecido na mesma categoria pelo Prêmio Goya 2024, no qual também foi lembrado como Melhor Roteiro Adaptado.

A vida segue, mesmo que não do jeito que esperamos. Essa é a lição deixada por um longa-metragem cheio de emoção, no qual os rompimentos são cortantes, mas não impedem que o tempo passe e a vida siga. Os rumos podem parecer injustos, porém, extremamente embebidos de realidade, o que impede que tenhamos em nós uma verdadeira revolta.

Robot Dreams nos faz pensar. Refletir sobre quem somos e como tratamos as coisas que compõem o nosso redor, talvez realmente as descartemos cedo demais. Ainda assim, comprar a companhia de alguém soa verdadeiramente egoísta e igualmente solitário; não parece possível colocar na balança. Nos sonhos de um robô que sente demais, o que dói é se identificar tanto com o cruel despropositado dos encontros.

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Guilherme Veiga

O Cinema, nascido e criado envolto a subjetivismo, nunca foi unânime. Percebemos isso ao questionarmos quem foi o maior idealizador dessa Arte, por exemplo. Não existe resposta certa, não há consenso. Uns respondem baseados em apego, outros levam qualidade em conta, mas nunca surge um denominador comum – e ainda bem que é assim. Nem mesmo se delimitarmos o conjunto de opções: nos filmes de máfia, Martin Scorsese e Francis Ford Coppola despontam; no Cinema blockbuster, Steven Spielberg e James Cameron são pilares; no terror, Wes Craven e John Carpenter e a lista continua não importa o quão nichada. Mas como para toda regra há uma exceção, ao falarmos de animação estamos falando de Hayao Miyazaki, ele e somente ele.

Continuando um movimento recente de se entender e se eternizar como parte da história da Sétima Arte (já que a própria indústria não reconhece isso), a exemplo do que Spielberg fez com Os Fabelmans ou Scorsese emulou de forma sútil em Assassinos da Lua Das Flores, o lendário fundador do Studio Ghibli também retorna da aposentadoria. Coppola já tem 84 anos; Clint Eastwood, 92; Ridley Scott, 86; Craven e Carpenter já se foram, e por mais que doa perceber que pessoas que indiretamente fizeram parte de nossas vidas estão nos deixando, eras se encerram. E é com O Menino e a Garça que Miyazaki, com seus 83 anos, prepara a si e ao espectador para o fim.

O Menino e a Garça conta a história de Mahito, um menino de onze anos que, após perder sua mãe na Segunda Guerra, se muda para uma região bucólica, depois de seu pai começar a se relacionar com sua tia. Na fazenda em questão, tentando se adaptar com sua nova dinâmica familiar e ainda revivendo o luto, ele encontra uma garça mágica, que o instiga a desbravar uma torre abandonada da região. Após o desaparecimento de sua agora madrasta Natsuko, Mahito é atraído pela garça para dentro da torre, que joga os dois em uma espécie de submundo mágico, onde precisam encontrar Natsuko e trazê-la de volta ao ‘mundo real’.

As aspas nas últimas palavras do parágrafo anterior são intencionais, não para desqualificar o gênero animação, mas sim porque Miyazaki propositalmente brinca com (e ultrapassa) as fronteiras do que é real. O diretor é adepto ao xintoismo, crença japonesa que prega o culto à natureza e a aproximação entre o mundo e o sagrado. Dessa forma, suas obras sempre representaram a união das duas religiões do cineasta. Em uma, ele é devoto, na outra, Deus.

Na tradução original do japonês, e que também foi o primeiro título provisório do longa no exterior, ele se chamaria How Do You Live? (Como Você Vive?). Mesmo esse nome não atendendo o molde do qual todas as outras obras do Studio Ghibli foram nomeadas, talvez ele fosse o mais certeiro. A Arte de Miyazaki é, em suma, reflexiva, diferente do que a animação, principalmente a ocidental, tentou imputar como somente uma representação de um mundo fantasioso, impulsionada pela Disney – até por isso, ele detesta ser denominado de Walt Disney japonês. Dessa forma, O Menino e a Garça instiga esse questionamento ao espectador, dessa vez através da reflexão do diretor acerca da pergunta.

O processo criativo do longa começou em 2016 e, em 2018, Takahata faleceu, na idade que o diretor de O Menino e a Garça tinha durante seu lançamento no ano passado. De acordo com Suzuki, o tio-avô teria mais tempo de tela, mas a produção foi reformulada após Miyazaki ter que lidar com o luto, razão essa que torna a angústia de Mahito ainda mais verossímil e dilacerante.

Tais razões fazem com que a mais recente obra seja a mais pessoal não só do diretor como do estúdio ao tratar de forma tão próxima e reimaginada um tema como a morte. É preciso uma nobreza gigantesca para encarar uma temática tão próxima de si, para enfiar o dedo na própria ferida que custa cicatrizar e fazer uma dor tão pungente virar Arte.

Chega a ser um escárnio que uma companhia tão importante para a animação só tenha um Oscar com A Viagem de Chihiro. Porém, para uma organização que custa a aceitar o gênero, conceber que existem produções fora do eixo americano é um passo grande demais. Por mais que a trilha sonora incrível de Joe Hisaishi tenha sido esnobada, o longa chega para a disputa de Melhor Animação com um line-up bastante favorável, no qual vai disputar com um monopólio da Pixar agora cambaleante, que tem como representante Elementos, e com Homem-Aranha: Através do Aranhaverso, que chega sem o mesmo fôlego de seu antecessor.

Assim como as peças que compõem os mundos de O Menino e a Garça, a obra chegou no momento certo para coroar uma filmografia. Entre as idas e vindas das supostas aposentadorias do diretor, uma coisa é certa: sua volta é sempre pelo seu amor incondicional pela animação. Dessa vez, o tom de despedida é verdadeiramente mais real, só que menos amargo. Miyazaki entrou mais uma vez em sua epifania fantástica e dessa vez em seu íntimo, abriu as portas de seu legado e saiu, mas deixou a porta aberta para nós. E sempre seremos bem-vindos.

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Aryadne Xavier

Ao lançar Toy Story 1 em 1995, a Pixar foi muito além da proeza de fabricar o primeiro filme de animação longa-metragem totalmente produzido em um computador. Após quase 30 anos, o longa segue sendo um dos maiores clássicos do Cinema e um marco em toda uma geração que cresceu assistindo aos desenhos do estúdio. Anos e sucessos de bilheteria depois, a fórmula do sucesso pode ser descrita, de maneira simplória, como um casamento entre a inovação visual e a profundidade de suas histórias. Indo além de apenas um show técnico, as jornadas de seus personagens sempre foram cativantes e relacionáveis com o público, trazendo aquilo que era contado na tela próximo de quem assistia, emocionando e conectando com multidões.

Com o tempo, a técnica foi se transformando, deixando de focar em apenas uma jornada e ambicionando a criação de um universo inteiro em duas horas de produto final em que, entre erros e acertos, muitas coisas poderiam ser pontuadas. Talvez o maior sucesso nessa lógica tenha sido Divertida Mente (2015), acompanhando de perto a mente da pequena Riley.  Tentando replicar o mesmo método de sucesso em Elementos, o estúdio foi pego então pela sua maior armadilha: a balança desigual entre técnica e humanidade. E na tentativa de conciliar os gráficos e a química impecável por trás do seu visual, o filme peca ao deixar de lado sua premissa original em prol de um romance que brilha aos olhos e até emociona, mas não leva muito ao coração.

A premissa de Elementos surge em um contexto interessante: buscando criar uma condição de vida melhor para sua filha, Brasa e Fagulha deixam a Terra do Fogo em direção a Cidade Elemento. A pequena garota nasce, cresce e cultiva dentro de si a vontade de assumir a loja dos pais, agora já mais velhos. A questão da imigração, no começo do filme, é abordada de maneira objetiva, mesmo se tratando de um universo alegórico, criando uma conexão com quem vive ou já viveu essa mudança para um novo lugar. Na cidade onde se passa a maior parte da obra, é notória a crítica à forma como imigrantes são tratados, com desprezo e descaso total da estrutura, que os segrega em uma parte do território e não abre brechas para que as pessoas possam demonstrar suas diferenças e todo o talento e possibilidades que nascem disso. 

Faísca, a filha de Brasa e Fagulha, é uma protagonista que carrega em si muitos dilemas e questionamentos relacionáveis. Mesmo ao perceber que não é seu o sonho assumir a loja da família, ela se coloca no lugar de pagar esse sacrifício por se sentir em dívida pelo que seus pais fizeram por ela a vida toda. Esse talvez seja o maior acerto: tratar a relação de pais e filhos de maneira direta e não romantizada, algo já realizado de outras maneiras em animações anteriores. A capacidade da Pixar de esmiuçar e transbordar nos gráficos os pensamentos e angústias da personagem criam ali uma atmosfera marcante, que demonstra toda a substância do material. No entanto, ao nascer de outro personagem, toda essa ideia parece ficar em segundo plano, deixando um romance brilhar. 

Gota é um personagem adorável. Carismático, sincero e carinhoso, ele demonstra e sente até demais. Seu encontro com Faísca é, em todos os sentidos, fascinante. É como acompanhar uma história de amor que nasce aos poucos e se desenvolve prendendo a atenção do espectador. Um amor proibido, porque água e fogo nunca se misturam, deixa a emoção ainda mais para cima. E, em níveis de romance, Elementos acerta em cheio no relacionamento fofo (e até meio brega), mas muito bem feito. Talvez de um breve enemies to lovers, o roteiro ainda sustenta a emoção ao demonstrar como esse sentimento vai aumentando tanto quanto as dificuldades que distanciam o casal.

Os gráficos dos dois, quando próximos, elevam o nível técnico do estúdio ainda mais. O trabalho com elementos tão únicos é pura química e transborda nos olhos de quem vê. O desenvolvimento desses personagens, da mesma maneira que o de secundários como Névoa (chefe do Gota) e Turrão (personagem do elemento terra que possui uma ‘paixonite’ por Faísca), soma como uma grande fortuna do projeto. O filme pode deixar talvez uma mensagem de que mudou sua temática no curso do projeto, mas, se olhado minuciosamente, Elementos fala do início ao fim sobre o amor. O amor de pais pelos seus filhos, romântico, platônico e até mesmo pela profissão que exerce. Do primeiro minuto ao último, amar é o verbo que dita todos os cursos da história.

Em seu original, a animação ainda conta com a narração de Leah Lewis como faísca e Mamodou Athie como Gota, um elenco de peso que contribuiu ainda mais para a temática da diversidade, sendo ela chinesa e ele mauritano-americano. Se por um lado, a contratação atingiu um ponto magnífico, no quesito sonoro o filme deixa uma lacuna, não contando com nenhuma faixa viciante que fique na cabeça do espectador dias após a sessão, feitos conquistados com louvor por seus predecessores Coco (2017) e Toy Story.

Em 2024, Elementos concorre como Melhor Animação na premiação ‘queridinha’ do Cinema, o Oscar. Contradizendo o título de pior bilheteria da Pixar, a produção alcança a disputa contra O Menino e a Garça, o mais novo longa do Estúdio Ghibli que vem sendo cotado como favorito após o sucesso estrondoso na crítica e em outras premiações; Homem-Aranha: Através do Aranhaverso, sequência muito aclamada da obra que mudou a maneira de produzir animações; Nimona, que obteve sucesso ao questionar convenções de heróis e vilões; e Meu Amigo Robô, que agrada de crianças a adultos com uma trama de muitas camadas. Mesmo no meio de gigantes, Elementos ainda possui seu charme, sua técnica extraordinária e a leveza de abordar assuntos pertinentes e identificáveis em uma trama que nos faz mesmo sorrir  após umas lágrimas terem escapado.

Trazendo pontuais reflexões profundas, Elementos é um filme que retrata diversidade e que depende das experiências individuais de cada telespectador para poder se entrosar intimamente. Em alguns, causa empatia pela familiaridade com a situação e, em outros, causa apenas um carinho pelo romance ou talvez uma apreciação pelo visual. Contudo, não se pode dizer que o produto não vale de nada ou não rende, ao mínimo, uma distração agradável por quase duas horas em uma tarde entre amigos, sendo um show de cores, técnica e um romance gostoso de assistir. 

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Dante Zapparoli

Uma narrativa a qual ouvimos desde os filmes de velho oeste é a de que lutar contra a Morte é algo impossível. Em Gato de Botas 2: O Último Pedido vemos mais uma faceta de um herói, que era considerado imortal e invencível, cair ao inevitável fim: o medo de sua história acabar.

Após 12 anos desde sua primeira produção, o Gato de Botas volta a ativa com mais uma aventura solo para as telas de cinema. A nova obra abre com uma estrela cadente que caiu na Terra e, segundo lendas, realizaria o desejo de quem a encontrasse. A narrativa se torna importante ao decorrer da história, pois é a motivação de sete personagens diferentes: o próprio Gato de Botas, Kitty Pata Mansa, Cachinhos Dourados e os Três Ursos, e João Trombeta.

De forma parecida com os outros filmes que englobam o universo em que Gato de Botas se passa – iniciado com a franquia de Shrek há 22 anos – o humor envolvendo situações mágicas e personagens que saíram direto de contos de fada permanece forte. Isso é perceptível com os enredos que envolvem a Cachinhos Dourado ou a maioria dos itens mágicos colecionados por João Trombeta – os quais incluem o sapatinho da Cinderela, biscoitinhos mágicos providos de Alice no País das Maravilhas e o Grilo, que é a consciência presente nas histórias de Pinóquio. No entanto, Gato de Botas 2: O Último Pedido dá um passo a mais e se aprofunda em questões psicológicas e emocionais que esses personagens tão encantados trazem consigo.

O Gato, personagem que dá nome a obra, começa o filme no que ele considerava sua melhor forma: forte e invicto, segundo a música de abertura da peça. No entanto, após sua morte súbita ao tocar do sino da igreja que foi destruído em sua aventura, ele descobre que, de suas nove vidas de gato, só lhe resta uma. Todas as outras foram gastas de formas irresponsáveis pelo protagonista – fosse caindo, bêbado, de uma prédio alto ou morrendo ao ganhar em um jogo de cartas contra cachorros. 

Essa realização não o incomoda muito, até encontrar com a Morte em pessoa no bar de Del Mar. O personagem se apresenta como um lobo branco, de olhos vermelhos, que anda encapuzado e com duas foices como arma. De início, Gato tenta desafiá-lo a um duelo. Não é surpresa que ele perde e, pela primeira vez em sua vida, sente medo ao perceber que não é inabalável.

A Morte, dublada originalmente por Wagner Moura, tem um papel forte nessa história, já que é a percepção da nossa efemeridade que faz Gato sair de sua jornada de aventuras – e, com o decorrer do filme, retornar para o último ato de conseguir restaurar suas nove vidas e voltar a ser como antes. Durante a trama, podemos acompanhar as dificuldades e os empecilhos que o felino possui ao tentar se esquivar dos avanços do lobo, mostrando a humanidade que Gato parece tentar esconder.

Não é apenas do medo da morte que as motivações dos personagens giram em torno. Gato de Botas 2 apresenta mais três grupos interessados pelo poder que esse item mágico pode oferecê-los: Kitty Pata Mansa,que também fez parte do primeiro filme, Cachinhos Dourados e os Três Ursos, e João Trombeta, sendo este parte de uma canção de ninar estadunidense. Cada qual possui interesses divergentes, mas têm o mesmo objetivo e visão: com a estrela mágica, eles poderão resolver o que os aflige e serem felizes.

Gato de Botas, que passou por um período de aposentadoria entre a quebra de tempo do seu primeiro encontro com a Morte e o anúncio da procura pela estrela cadente, volta para ação de forma conjunta com Perrito, um cachorro que sonha em ser um cão de serviço, e Kitty Pata Mansa, o qual compartilha uma história e um passado complicados. Nessa jornada, ele e a audiência percebem como é difícil superar traumas e confiar em pessoas à sua volta.

Um recurso interessante usado para contribuir com a narrativa é a mudança do mapa até a estrela: toda vez que troca a pessoa que segura o objeto, o mundo ao redor muda junto. Pelo que se pode perceber quanto a essa dinâmica, o guia reflete as dificuldades de chegar até o desejo de quem o segura: o do Gato mostra várias situações voltadas para a morte, como a Caverna das Almas Penadas, o de Kitty, apresenta cenários de abandono e solidão, e o da Cachinhos retrata terras de nostalgia. Todos esses problemas são voltados para o que os personagens sentem e têm dificuldades de externalizar.

Gato de Botas 2: O Último Pedido é uma apresentação interessante do conceito de “show, don’t tell”, já que isso faz com que o espectador possa ter consciência de alguns pontos que a narrativa irá percorrer, antes mesmo deles serem apresentados. Essas complicações e objetivos são o que fazem com que a jornada deixe de ser apenas uma aventura como as outras e se transforme em algo mais catártico. Apenas um dos personagens não possui impedimento de chegar até a estrela, sendo ele Perrito, pois suas metas e ambições não estão focadas em algo que poderia ser resolvido magicamente: ele já sabia o que queria e como tentaria conseguir, diferentemente dos outros personagens em busca de respostas.

O que fez a obra conquistar seu público, no entanto, foram as representações quanto à saúde mental. Gato chega a passar por alguns episódios de crises de pânico durante o filme – este sendo causado pelos seus encontros com a Morte e o pensamento de que sua vida efêmera logo acabará pelas mãos do lobo – e, em todas as apresentações dessa situação, nenhuma piada é feita. Isso se difere de representações como Velma (2023) ou Vingadores: Ultimato (2019), ao não os limitarem a movimentos violentos ou sexuais. 

A produção sabe retratar bem questões como lidar com trauma, luto e o sentimento de ser deixado só, enquanto aquece o espectador com seus desfechos que representam lutas difíceis demais de serem enfrentadas sozinhas. Gato de Botas 2: O Último Pedido abre bem o cenário de 2023 e se torna um bom concorrente frente a os outros filmes da categoria de Melhor Animação do Oscar, como Pinóquio, Marcel the Shell with Shoes On, A Fera do Mar e Red: Crescer é uma Fera.

Na categoria em que compete na premiação da Academia, Gato de Botas 2: O Último Pedido tem Shrek, em 2002, como o primeiro vencedor, que no mesmo ano também havia sido indicado para Melhor Roteiro Adaptado. A empresa DreamWorks não ganha um Oscar desde 2005, com o filme Wallace & Gromit – A Batalha dos Vegetais, e não possui indicação desde 2015, com Como Treinar o Seu Dragão 2. Então, a volta para a premiação com a continuação de O Gato de Botas 2, traz uma nova esperança para o estúdio de animação, como um forte candidato.

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Amábile Zioli

Na busca incessante em produzir uma animação que consiga competir com outros grandes estúdios já consolidados nesse mercado, como a Disney e a Universal, a Netflix recorreu à pessoa certa: Chris Williams. O currículo do diretor está longe de ser fraco e o cineasta tem seu nome em algumas das produções mais aclamadas dos anos 2000 – Bolt, o Supercão, Mulan, Detona Ralph e A Nova Onda do Imperador são alguns exemplos. Nessa nova empreitada, fica claro que o diretor e roteirista sabe o que está fazendo e isso se confirma em seu novo trabalho, A Fera do Mar.

Indicado ao Oscar de Melhor Animação, a obra conta a história de Maisie (dublada originalmente por Zaris-Angel Hator), uma garotinha órfã que é fissurada pelas histórias da embarcação Inevitável, um navio tripulado por piratas que defendem a costa do reino de monstros marinhos. Certo dia, quando o barco atraca na ilha, Maisie acha uma boa ideia entrar e se esconder, a fim de enfrentar as mesmas aventuras vividas por Jacob (Karl Urban), o caçador, e o capitão Corvo (Jared Harris). É claro que a ideia não dá certo. A pequena é descoberta enquanto a tripulação do navio encara seu maior desafio: a Bravata, e, após a quase morte de Maisie e de seu mais novo companheiro, Jacob, a trama do filme realmente começa, ambientado no interior da fera.

Parece que o diretor também não descobriu, ou, mais provavelmente, não teve essa intenção em The Sea Beast, em seu título original. E está tudo bem. Para o que o longa se dispõe a entregar – diversão e visuais de tirar o fôlego -, a obra é um grande sucesso: o clímax surge nos momentos certos e a narrativa principal gera muito apego e emoção entre os dois protagonistas em suas trajetórias, além de não falhar em apresentar a lição de moral quase obrigatória em toda conclusão de desenhos animados.

O filme não peca ao abordar assuntos como a relação entre humanos e animais, usando a premissa de feras marinhas. Além disso, foca em mostrar como histórias são facilmente manipuladas para que um lado se sobressaia, afinal, essa é a principal narrativa de A Fera do Mar, na qual Maisie questiona a veracidade da rivalidade milenar entre as criaturas e os humanos.

Um dos pontos que mais chama atenção no longa é o visual. Composto por cores chamativas e cativantes, a obra entrega um grande show de cenários hipnotizantes e criaturas exóticas. O único ponto que pode ter sido falho, ou até mesmo proposital, é a verossimilhança com outras animações de sucesso, em especial, a mais aparente, Como Treinar o Seu Dragão (2010). Nesta, tanto a história quanto o aspecto das criaturas são parecidos, e a mudança ocorre apenas na ambientação, saindo dos céus direto para os mares. 

Ao todo, o filme recebeu 12 indicações nessa temporada de premiações, entre elas, no Annie Awards, que é considerado o Oscar da Animação, no Visual Effects Society Awards e no EDA Awards, da Alliance of Women Film Journalists, uma instituição que reconhece o trabalho feminino em produções audiovisuais – no entanto, não levou nenhum prêmio para casa. Chega a ser presunçoso imaginar que A Fera do Mar levará o Oscar de Melhor Animação, uma vez que concorre com nomes de muito mais peso, como Gato de Botas 2: O Último Pedido, Red: Crescer é uma fera, Marcel the Shell with Shoes On, e Pinóquio.

Em geral, A Fera do Mar é um trabalho que a Netflix realmente tem motivos para se orgulhar. Apesar de, no Oscar, estar sob a sombra de seu irmão mais novo, Pinóquio, a aventura marítima é completamente envolvente e divertida de assistir, com uma história nada inovadora, porém muito cativante – nisso, muito se deve à pequena protagonista, Maisie.

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Guilherme Veiga

Desde que o gênero mockumentary caiu nas graças do público, a vertente buscou explorar os contextos mais improváveis, indo de uma empresa de papel da Filadélfia, passando por um grupo de vampiros em Staten Island e chegando na vida de um excêntrico repórter cazaque aterrissando nos Estados Unidos. Naturalmente vinculado à comédia, é de praxe que falsos-documentários abracem o nonsense e joguem fora toda a busca por credibilidade. Porém, é da premissa mais absurda que o produto é tratado de forma mais séria.

É assim que Marcel the Shell with Shoes On, nova aposta da A24, a primeira do estúdio envolvendo animação, se desenvolve. Misturando live action com stop-motion, a obra acompanha Marcel, uma adorável concha do mar antropomórfica com um olho e que veste sapatos, vivendo sua vida em um Airbnb com sua avó. Após um documentarista se hospedar nessa casa e descobrir os inquilinos, Marcel ganha fama repentina e usa dela para encontrar sua família. Apesar de extremamente descolado da realidade e tendo um pano de fundo que beira o infantil, o falso-documentário é extremamente maduro e consegue transformar a jornada da concha para um debate sobre os sentimentos humanos de forma muito singela.

Mesmo levando o selo da A24, que hoje é sinônimo de excelência, vale lembrar que a obra se trata de uma produção independente. Tanto que o longa foi concebido em 2021, circulando por festivais até ser adquirido pela produtora no começo de 2022 e só chegou ao circuito comercial, de forma muito limitada, na segunda metade do ano. Mas, assim como os outros produtos envolvendo a concha, a obra ganhou o mundo de forma orgânica, graças a sua fofura.

A produção cinematográfica é a convergência de duas origens. Inicialmente, o personagem surgiu a partir de uma voz que Jenny Slate (a Mona-Lisa Saperstein de Parks and Recreation) criou quando ela mantinha um relacionamento com o estreante diretor Dean Fleischer Camp. A voz tomou forma e, em 2010, um curta, com mesmo nome do filme, se tornou viral no YouTube. É aí que Marcel the Shell with Shoes On rompe a linha tênue entre falso-documentário e documentário, pois o longa, em uma coincidência metalinguística, usa do gênero para expandir uma história que, de certa forma, aconteceu.

A ideia de usar do gênero documental para jogar o telespectador na visão de Marcel (seja essa visão de ou do mundo) foi um artifício muito inteligente. Aliado ao design de produção de Liz Toonkel, o dia a dia da concha em um ambiente totalmente desproporcional ao seu tamanho nos remete ao sentimento de deslumbramento e nostalgia de Toy Story ou O Pequeno Stuart Little. E no momento em que o documentarista – que na obra também é o próprio diretor Dean Flescher Camp – se coloca a disposição para aprender a forma como o personagem enxerga a vida, ele evidencia que iremos entender a vida por aquela ótica.

Por isso, se engana quem pensa que, por ser uma animação, o filme seja necessariamente infantil. O longa possui uma base que pende para a melancolia e abrange uma gama vasta de assuntos através de seu texto, dividido entre Dean, Jenny e Nick Paley. É natural das animações usarem da aventura como fio condutor e a partir dela discutir temas, a exemplo do também indicado ao Oscar Red: Crescer é uma Fera, que usa da jornada de reverter uma maldição familiar para discorrer sobre a relação mãe e filha. 

Aqui é ao contrário: a aventura está em segundo plano, sequer aparecendo realmente, fazendo com que o filme se contrua a partir de suas reflexões sobre relações familiares, aproximação e distanciamento, o passar do tempo, pertencimento e até mesmo a midiatização de personas. Mas, sem dúvidas a maior mensagem é sobre saber enxergar felicidades nas pequenas coisas, e isso é personificado no próprio Marcel: um ser tão pequeno e fofo, mas que carrega todos os sentimentos consigo.

Toda essa personificação é mérito de Jenny Slate. O fato do protagonista ser um personagem masculino e infantil exige um pouco mais de sua dubladora. Mas o que deixa tudo mais desafiador é que o design idealizado para a concha por Dean, tem pouquíssima expressão. Felizmente, Slate carrega todo o sentimentalismo da obra através de uma voz única e afetuosa, mesclando ingenuidade, curiosidade, esperança e conformismo, tornando o personagem-título uma das figuras mais adoráveis do Cinema no último ano. Vale destacar também o trabalho de Isabella Rossellini (Veludo Azul) interpretando a avó Connie e seu sotaque inconfundível que, segundo Marcel, acontece porque ela não é daqui – é da garagem.

O conjunto de acertos da produção convergiu em um sucesso natural, o que fez com que a obra figurasse no alto escalão da temporada, a colocando como candidata ao Oscar de Melhor Animação. Porém, apesar de sua qualidade inegável, ele chegou a ser dúvida na lista final. A Academia considera animação longa-metragem uma produção com mais que 70 minutos e que seja preenchida por pelo menos 75% do seu tempo com técnicas de animação. 

Os 90 minutos de longa, sustentados majoritariamente por um único personagem em meio ao mundo real, causaram a tensão de talvez não se enquadrar nos moldes dos votantes. Por sorte, o pseudo-documentário integrou a categoria. A competição é bem acirrada; em um ano de não dominância de Disney e Pixar, ele disputa com o favorito Pinóquio por Guillermo del Toro e a surpresa Gato de Botas 2: O Último Desejo. Mas esse cenário é resultado de uma das melhores e mais diversa lista do gênero em anos.

Marcel the Shell with Shoes On é um poço de originalidade e mostrou ir muito mais além do que a que veio. O longa propositalmente deixa de lado a discussão sobre a existência daquela concha falante para transformá-la em uma reflexão sobre nossa própria existência. Dessa forma, mais do que antropomorfizar um objeto marinho, ele dá rosto para nossos sentimentos, personificados em alguém que, apesar de absurdo, é um retrato perfeito do que é viver à deriva desse oceano de sensações que é a vida.

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Nathan Nunes

Na manhã do dia 15 de Janeiro de 2015, Hollywood ficou em polvorosa com a falta do então favorito Uma Aventura Lego entre os indicados ao Oscar de Melhor Animação. Lembrado, ainda assim, na disputa de Canção Original com Everything is Awesome, o longa de Phil Lord e Christopher Miller (que seriam premiados anos depois por Homem-Aranha no Aranhaverso) foi preterido em razão de dois candidatos menos conhecidos: O Conto da Princesa Kaguya, do cultuado Studio Ghibli, e A Canção do Oceano, da pequena produtora irlandesa Cartoon Saloon. Completavam a lista Como Treinar o Seu Dragão 2, da DreamWorks, Os Boxtrolls, da LAIKA Studios, e o eventual vencedor Operação Big Hero da Disney. Apesar do esnobe, é notável que havia um equilíbrio na disposição dos estúdios por trás dos concorrentes naquele ano, abraçando tanto os gigantes quanto os independentes e estrangeiros. 

Essa harmonia não se vê mais atualmente. Das cinco animações indicadas em 2023, apenas uma se encaixa nesse perfil “pequeno” antes mais reconhecido: Marcel the Shell with Shoes On, falso documentário em stop motion orçado em menos de 7 milhões de dólares e distribuído pelo atual pedigree independente, a A24. O restante pertence aos figurões, sendo duas da Netflix (Pinóquio por Guillermo del Toro e A Fera do Mar), uma da Disney (Red: Crescer é uma Fera) e uma da DreamWorks (Gato de Botas 2: O Último Pedido), além de serem todas superproduções de grande orçamento. Não é à toa que a categoria está novamente dominada pelos grandes estúdios, pois o que se evidencia, na prática, é a constatação de um descaso da indústria com a própria Arte da animação em si. 

O Oscar de Melhor Animação: Uma História

Em 19 de Fevereiro de 1992, assim como na manhã de 2015, Hollywood também pulou da cadeira quando A Bela e a Fera foi anunciado como um dos cinco concorrentes ao Oscar de Melhor Filme, tornando-se a primeira animação a realizar esse feito na história. O reconhecimento potencializou a chamada Era do Renascimento da Disney, marcada por um sucesso quase constante de bilheteria e crítica em suas produções, que, não à toa, cada vez mais adentravam a disputa pela estatueta dourada. 

A conversa sobre uma categoria para reconhecer única e exclusivamente as animações se intensificou à medida que outros estúdios começaram a surgir para disputar espaço com a Casa do Mickey, notoriamente a Pixar de Monstros S.A. e a DreamWorks de Shrek. Em 2002, a concorrência entre ambos esses filmes, juntamente com a presença de outros competidores de peso (Jimmy Neutron foi o terceiro indicado), se mostrou suficiente para inaugurar a modalidade, que fez da comédia do ogro verde o seu primeiro vencedor. 

Ainda assim, na época, não faltaram críticas a como o prêmio poderia ser uma forma de excluir as animações da disputa de Melhor Filme, pois o longa foi esnobado nela, mesmo com menções significativas no BAFTA e no Sindicato dos Produtores. O histórico da Academia também não era favorável, pois a indústria sempre foi tendenciosa com a presença animada na categoria. Esse sentimento, até então, tinha sido mascarado pela entrega de prêmios especiais para três produções específicas ao longo das décadas: Branca de Neve e os Sete Anões, em 1938, Uma Cilada para Roger Rabbit, em 1989, e Toy Story, em 1996.  

Depois de sua estreia, o Oscar de Melhor Animação continuou evoluindo. 2003 viu o seu primeiro e único vencedor vindo de fora dos Estados Unidos, A Viagem de Chihiro de Hayao Miyazaki. A presença internacional também foi se expandindo com o passar dos anos, através de nomes como os franceses As Bicicletas de Belleville, em 2004, e Persépolis, em 2008. Isso ocorreu devido ao aumento do número de membros no comitê que selecionava os indicados, composto apenas por profissionais da área. 

Em retrospecto, a década de 2010 pode ter sido o ápice dessa representatividade, tendo em vista o equilíbrio que a seleção de 2015 exalou, por exemplo. Candidatos pequenos de outras nacionalidades que não a americana ou a inglesa como Um Gato em Paris, Ernest e Celestine e A Tartaruga Vermelha, da França, Chico e Rita, do México, e Minha Vida de Abobrinha, da Suíça, foram agraciados com as indicações que antes estariam destinadas a outros campeões dos grandes estúdios, como Universidade Monstros, O Bom Dinossauro e Procurando Dory da Pixar, todos esnobados em seus respectivos anos. 

O golpe

Hollywood, obviamente, não estava feliz com essa situação. O contra-ataque veio na forma de uma mudança nas regras de votação da categoria, sancionada em 2017. Através dela, o comitê foi descontinuado, em razão do fato do voto para indicação ter sido aberto para todo e qualquer membro votante da Academia. O resultado disso nunca ficou tão claro quanto no ano passado. Entre as cinco animações indicadas em 2022, apenas uma (o dinamarquês Flee) era internacional, sendo três (Raya e o Último Dragão, Luca e a vencedora Encanto) das outras quatro pertencentes a um único estúdio, aquele do rato com fome de monopólio. 

Para coroar a situação, a cerimônia do tapa ainda apresentou os concorrentes animados da seguinte forma, nas palavras de Lily James (Cinderella), Naomi Scott (Aladdin) e Halle Bailey (A Pequena Sereia): “experiências formativas para as crianças que assistem elas”. A frase evidenciou a noção da indústria de que a animação é uma coisa de criança, algo que os mesmos Phil Lord e Christopher Miller de Lego, indicados na noite com A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas, criticaram em uma coluna na revista Variety. “Não estamos querendo diminuí-las, mas está na hora de as elevarmos”, defenderam. 

O problema

O caso do último Oscar é emblemático para discutir os dois principais problemas que assolam o prêmio de Melhor Animação. O primeiro deles é o sequestro de sua existência como mais um meio para os grandes estúdios prestigiarem apenas a si mesmos. É notável o posicionamento de James, Scott e Bailey para a entrega da estatueta, pois as três são as novas encarnações das princesas da Disney para a geração atual, implicando que a empresa seria a grande e única guardiã responsável pelo impacto sócio cultural dos filmes animados.  

Já o segundo é o próprio descaso em si da categoria como representante de um “tipo inferior” de Cinema, na visão da Academia. Ao citar o público infantil como o único a ser impactado pela animação, a instituição deixa claro que enxerga as animações dessa forma, e somente reforça isso ano após ano, ao nem sequer considerá-las como dignas de mérito igual – ou, às vezes – maior que seus grandes concorrentes de carne e osso. 

As animações do Oscar 2023: tão boas quanto os Melhores Filmes?

Nos 31 anos que separam a indicação de A Bela e a Fera da atual lista de Melhor Filme, apenas duas outras animações repetiram o feito: Up: Altas Aventuras em 2010 e Toy Story 3 em 2011, nos primeiros anos de expansão do número de nomeados de cinco para dez, cujo um dos motivos foi justamente o esnobe de Wall-E em 2009. Para além do fato de que outras grandes produções animadas mereciam demais o mesmo reconhecimento (em especial Divertida Mente em 2016, Aranhaverso em 2019, e Soul em 2021), 2023 marca um ano em que os concorrentes de Melhor Animação apresentam aspectos tão bons e quiçá até melhores que os indicados da categoria principal.

As sequências marítimas de A Fera do Mar são tão deslumbrantes quanto as de Avatar: O Caminho da Água, enquanto o valor familiar é tão emocionalmente catártico em Marcel como em Os Fabelmans. Gato de Botas 2 é uma história sobre um herói frente a sua obsolescência e a quebra de seu mito, assim como Top Gun: Maverick. Red se utiliza da estilização e da fantasia para explorar as barreiras emocionais no relacionamento entre mãe e filha amarelas, tal qual o favorito Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo. Por fim, o Pinóquio por Guillermo Del Toro fala melhor sobre o valor da humanidade em tempos de guerra do que Nada de Novo no Front, sendo que ambas as produções dividem a mesma distribuidora – a Netflix. 

Conclusão

O que se tenta dizer com essas comparações não é um desmerecimento dos outros candidatos, mas sim um exemplo de que essas animações possuem tanto valor quanto eles. Onde estão os filmes animados nas disputas de roteiro, atuação, montagem, fotografia, efeitos, design de produção e outras? Sabemos que eles têm qualidade suficiente para figurarem nesses mesmos espaços, e só não o fazem por concepções arcaicas, vazias e preconceituosas da própria indústria cinematográfica. Concepções essas de que seu público-alvo é apenas o infantil, ou de que seu valor está apenas ligado ao nome de grandes corporações. Nas palavras do diretor Guillermo del Toro: 

“Animação é um meio. Animação é filme. Animação é Arte e pode contar histórias que são lindas e complexas, e que são feitas à mão por humanos para humanos”  

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