O terceiro mês do ano foi o mais movimentado de 2022 até então. Entre perdas inestimáveis para o mundo da Música, o Brasil voltou a receber artistas nos palcos do Lollapalooza e o Oscar 2022 tomou parte, com destaque especial para as apresentações de Beyoncé, Billie Eilish e as do filme Encanto. Quem tomou as manchetes para si, entretanto, foi a morena misteriosa Anitta, que alcançou o posto de canção mais popular do mundo com Envolver. 

No dia 25 de março, a cantora se tornou a primeira artista latino-americana a alcançar o primeiro lugar da tabela do Spotify Global, que contabiliza os números de reprodução das músicas da plataforma em nível internacional. Desbancando o hit mais recente de Justin Bieber, a música-chiclete de Glass Animals e a nova sensação de Imagine Dragons, Anitta superou o próprio recorde, que anteriormente havia colocado Vai Malandra no top 50 posição da parada musical. Aos poucos, dia após dia, a ambição da conquista virou assunto nacional e juntou tudo quanto era dispositivo para reproduzir a canção da brasileira – e então, ela chegou lá.

Apesar dos motivos a serem celebrados, não há maneira de começar essa edição do Nota Musical sem lamentar a morte de Taylor Hawkins. No dia 25 de março, com apenas 50 anos, Taylor Hawkins partiu. Para muitos, essa é apenas a metade de uma vida, e, no caso dele, tratava-se de uma pequena fração de tempo em relação àquilo que ele, certamente, poderia fazer – por isso chamamos de “morte precoce”. Atrás da bateria, girando as baquetas, ele foi um símbolo de grandeza, e parecia consenso o fato do músico ser predestinado a fazer sucesso. 

A forma habilidosa de tocar, mesclando técnica e estilo, fizeram com que fosse lembrado como o grande baterista do Foo Fighters, mesmo que o vocalista da banda fosse Dave Grohl – o grande baterista do Nirvana; a verdade é que Taylor Hawkins foi o único capaz de nos fazer esquecer que haviam dois grandes bateristas na banda. Nos shows do grupo, era comum os momentos em que se levantava e deixava Grohl assumir o instrumento, enquanto ele dominava o microfone e demonstrava todo seu virtuosismo vocal em meio a total desenvoltura com o público. Foi um genuíno artista, daqueles que nos lembramos como memoráveis.

Por essa razão, tornou-se uma influência clara a todos que desejavam aprender a tocar bateria. Dono de um jeito muito particular – verdadeira definição de personalidade –, mantinha como principal característica o sorriso aberto, sem ressalvas em demonstrar a alegria, de modo que, mesmo enquanto tocava, o sorriso ainda estava presente. É essa imagem que manteremos em mente: o fantástico baterista do Foo Fighters, tocando o instrumento, sorrindo e rodando suas baquetas, enquanto tudo se apaga após um imenso clarão. 

O Foo Fighters teria encerrado os 3 dias do Lollapalooza 2022, que tomou o Anhembi de sexta a domingo, entre 25 e 27 de março. Retornando depois de dois anos de cancelamento por conta da pandemia, o evento trouxe nomes internacionais como Machine Gun Kelly, A$AP Rocky, The Strokes, Alessia Cara, MARINA, Jack Harlow, Kehlani, e nacionais como Jão, Jup do Bairro, Marina Sena, Pabllo Vittar e Gloria Groove. O destaque absoluto, no entanto, repousa nos ombros de Doja Cat e Miley Cyrus. Depois de terem shows cancelados na América Latina, as duas chegaram com bastante energia acumulada para o espetáculo no Brasil.

A rapper encantou com os hits virais e com a melhor peruca da turnê, enquanto a roqueira admitiu o cansaço e o luto frente à morte do baterista do Foo Fighters (que cancelou a apresentação no festival pelo luto de Taylor Hawkins). Cyrus pintou e bordou no palco, explorando todos os sucessos que a consolidam como um camaleão musical. Do pop rock de 7 Things ao country de The Climb e o pop trap de We Can’t Stop, a loira encontrou espaço para cantar Boys Don’t Cry com Anitta, abençoar o matrimônio de um jovem casal smiler e anunciar, de surpresa, um disco ao vivo.

Uma semana depois, a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas realizou a 94ª edição do Oscar. Houve discursos emocionantes, prêmios históricos e muita música. Depois de abandonar as canções ao vivo em 2021, dessa vez os números fizeram parte da cerimônia principal. Beyoncé abriu o show, diretamente do bairro de Compton, em uma das quadras onde as irmãs Venus e Serena Williams treinavam quando crianças. A artista performou Be Alive repleta de conceito para apresentar uma das faixas indicadas da noite, mas a única vitória do filme das tenistas foi na categoria de Melhor Ator para Will Smith.

Reba McEntire apareceu para agraciar o público com sua versão melancólica e esperançosa de Somehow You Do, canção proveniente do filme Four Good Days. Por parte de Encanto, Sebastián Yatra lamentou a dor de Dos Oroguitas cercado por um cenário simplório, e o elenco todo da animação se reuniu para performar o sucesso We Don’t Talk About Bruno, com o toque extra de Megan Thee Stallion, Luis Fonsi e Becky G. Para fechar o combo, Billie Eilish e FINNEAS arrasaram na interpretação de No Time To Die, a eventual vencedora da noite, fechando um ótimo ciclo para as aventuras de Daniel Craig como James Bond.

“Você costumava me conhecer, mas agora não mais”

Agora partindo para os lançamentos do mês, não teve ninguém mais aventureira que a britânica Charli XCX. No 6º álbum da carreira (e o último requerido obrigatoriamente com a gravadora que muito a podou), ela encapsula referências do pop, do hyperpop e da música eletrônica dos anos 1980. O conceito por trás de CRASH é a criação de uma “personagem” sedenta pelo sucesso, que acaba vendendo sua alma para o demônio, com referências ao filme Crash (1996), de David Cronenberg, baseado no livro homônimo de J.G. Ballard. 

Mas indo além do que a diva pop almeja, o CD se lambuza nas entranhas do gênero, com baladas mais lentas, rendições aceleradas e recheadas de composições sinceras e brutais, além de parcerias para tirar o chapéu. Junto de Rina Sawayama, Christine and the Queens, Caroline Polachek e A.G. Cook, Charli melhora a sinceridade de Charli (2019), a violência de Pop 2 (2016) e a vulnerabilidade de how i’m feeling now (2020). Não à toa, ela aparece toda estrupiada na capa, vítima de um acidente que tirou mais do que apenas algumas gotas da água da vida.

Quase que rebatizada, a popstar não encontra limites ou muros concretos demais que a impedem de demolir o cenário. Nas faixas extras, tão boas que mereciam já estar incluídas desde a versão padrão, Charli exorcizou essa relação que a levou do céu ao inferno. Primeiro nomeado como Sorry if I Hurt You, o conceito do disco mudou com a ideia da colisão da faixa inicial, mas o pensamento original ganha vida nas músicas especiais. 

“Ser uma popstar nunca dura”

Companheira de automobilismo, ROSALÍA finalmente concluiu sua corrida em direção ao seu terceiro disco. O veículo é MOTOMAMI, apresentado há alguns meses como a sua obra mais íntima até o momento, numa introdução que havia causado desconfiança do público que até então tinha apenas entrado em contato com os singles SAOKO e CHICKEN TERIYAKI. Mesmo em roupagens mais sombrias do que a sonoridade solar de El Mal Querer (o aclamado disco antecessor, de 2019), as músicas escolhidas para comercializar o disco ainda eram exímios hits da estrela pop espanhola, que em muito se aproximam da lírica do trap para suas composições mais bem-sucedidas. A surpresa, no entanto, veio quando os singles foram posicionados em meio ao resto da tracklist do disco.

Lá, tudo corresponde ao sentido arquitetado pela apurada concepção artística de ROSALÍA. Entre composições dadaístas (Abcdfg), que orientam as referências à sua cultura original (BIZCOCHITO), expressam a estética sonora do disco (CUUUUuuuuuute) e seus desabafos sinceros e doloridos (DIABLO), à mesma medida que exalam sua autoconfiança (COMO UN G), o disco não tem medo do maximalismo para representar a nova era de sua artista. À flor da pele e decepcionada com a fama, ela canaliza suas pulsões numa vontade ambiciosa de ir além. E com a força potencial de MOTOMAMI, ROSALÍA com certeza chegará ao seu destino final.

“Eu não preciso disso pois me machuca”

No lado dos meninos, Rex Orange County ostentou uma das capas mais singelas do ano, unido a um dos discos mais brandos. Vindo de um poderoso Pony (2019), resultando em uma turnê cancelada, encapsulada por Live at Radio City Music Hall (2020), o cantor joga muito mais seguro do que poderia em WHO CARES? e falha em se destacar. A parceria com Tyler, The Creator não ilumina o bastante do trabalho, que soa como um disco de descartes, longe de atingir a jugular da tristeza como Alex se acostumou a fazer no passado. 

Na soma positiva, a banda Wallows lançou Tell Me Tell Me That It’s Over, álbum que honra o legado sentimental do grupo comandando por Dylan Minnette, mas nunca repetindo as exatas batidas que os consolidaram em músicas como Are You Bored Yet? Aqui, as letras recaem nos temas de sempre: desilusão, amores enfraquecidos e a sensação latente de solidão; em Hurts Me, o lamento se transforma em cântico de guerra e a finalização em paralelo com Guitar Romantic Search Adventure teima a chutar o coração partido em direção à Lua. 

“Você nunca esteve no céu. Esteve?”

Antes de presentearem Olivia Rodrigo com um Grammy de Artista Revelação (mas, sobre os gramofones, você só lerá mês que vem!), a dupla Megan Thee Stallion e Dua Lipa serviu ao mundo a mais doce das tortas, entregando muita sensualidade e poder na mistura de pop e rap que guia o single Sweetest Pie. A música, por sinal, se tornou a melhor estreia na Billboard Hot 100 de toda a carreira de Lipa, e veio acompanhada de um clipe divertido, repleto de efeitos especiais.  O outro duo do mês, Camila Cabello e Ed Sheeran, transformou Bam Bam em mais uma  investida genérica da cubana, antecedendo o lançamento de Familia. 

Já GAYLE, uma das candidatas mais fortes à sucessão de Rodrigo no Grammy do ano que vem, também aproveitou o mês para sustentar sua caminhada até lá. A dona do viral abcdfu lançou seu EP de estreia no formato que promete a consolidar como o próximo fenômeno do pop. Em a study of the human experience volume one, a jovem estadunidense de apenas 17 anos segue os passos da voz de drivers license ao empregar influências do rock e punk nos seus desabafos adolescentes. Além do primeiro single e da mais recente música de trabalho ur just horny, o destaque vai para as baladas inéditas luv started e kiddie pool, que denotam o potencial vocal e musical de GAYLE.

O nome promete dar trabalho para Normani, que também vem aspirando seu lugar na premiação da Academia de Gravação e ensaiando o lançamento de seu disco de estreia solo. Quando deixou o Fifth Harmony, a artista investiu em colaborações com Sam Smith (em 2019) e Megan Thee Stallion (em 2020), sendo a mais recente com ninguém mais ninguém menos que Cardi B (de 2021). Sozinha, ela emplacou Motivation com um refrão pop chiclete há três anos, e agora retorna para o R&B sedoso de Fair. O novo single pode não ter o mesmo impacto do que o primeiro ato musical de Normani, mas com certeza amplia as possibilidades da artista para o seu futuro promissor.

“Lembra do que você pensava ser o luto antes de receber a ligação?”

Do desapontamento à meca do gênero, e como de costume quando o assunto é Stefani Germanotta, mais uma faixa unreleased  de Lady Gaga foi vazada na íntegra por meio da internet. O material da vez é Private Audition, música que flerta com a sonoridade do álbum de estreia The Fame e segue as fórmulas do sucesso do pop chiclete impulsionado nos anos 2000. Madonna, por outro lado, conseguiu elaborar o remix do remix de Frozen, hit do álbum Ray of Light e recente sucesso do TikTok, ao lado do rapper nigeriano Fireboy DML. Para a alegria de alguns fãs, Frozen (Fireboy DML Remix) ainda foi contemplado com um clipe bem bonito – embora seja um vídeo bastante simples.  

De surpresa, no último dia do mês, a Rainha do Pop ainda se juntou à rapper estadunidense 070 Shake para lançar um novo remix da faixa. Celebrando 40 anos de carreira, Madonna resolveu dar um protagonismo quase total à jovem cantora. A veterana, vale destacar, acaba investindo ainda mais na parte visual deste lançamento, divulgando um videoclipe em que as duas artistas aparecem deslumbrantes e, em momentos pontuais, dirigindo em alta velocidade.

“Só precisamos da sua conformidade”

O cenário do rock foi sacudido por In/Out/In, do Sonic Youth. Nas cinco canções (quase inteiramente) instrumentais – gravadas entre 2000 e 2010 – que compõem In/Out/In, o grupo estadunidense aprofundou e expôs sua química. Embora o disco possa soar como uma espécie de jam session, é perceptível o entrosamento dos integrantes, elevando o disco a algo maior – principalmente para a própria banda. Em entrevista ao TIDAL Magazine, o guitarrista Lee Ranaldo disse não se tratar de “jams”, mas sim de “extrapolações”. 

De qualquer forma, “jam” poderia realmente simplificar o que Sonic Youth fez nesse (quase) EP, pois, historicamente, a banda sempre extrapolou e investiu em experimentações – é exatamente o que faz pessoas ao redor do mundo amarem o grupo por sua criatividade e abordagem sonora ou afastarem-se, alegando tratar-se de uma barulheira desnecessária. Ou se ama ou se odeia, mas In/Out/In é para aqueles que amam. 

“Tão quieto que posso ouvir que a geladeira está ligada”

Mas os destaques no campo dos discos foram para as regravações e relançamentos. No Brasil, em comemoração aos 50 anos da obra-prima de Caetano Veloso, a cantora paulistana Graziela Medori resolveu revisitar o cultuado disco Transa, de 1972. Dessa imersão, surgiu Transando o Transa, releitura que transforma as canções de Caê em um rock revigorado e nada convencional.  Enquanto no exterior, o clássico álbum The Bed Is In The Ocean (1998), da banda estadunidense de jazz-rock Karate, foi relançado em março de 2022, e ganhou uma edição inédita em vinil; o grupo também anunciou sua primeira turnê desde 2005. 

Karate se consolidou na cena post-hardcore dos anos 1990, e misturou de forma bastante interessante elementos do jazz com o rock alternativo. As canções do álbum são atmosféricas porque mantêm uma certa tensão, como na primeira faixa, There Are Ghosts, que parece estar sendo construída pela primeira vez à medida em que escutamos. Até certo ponto, o trabalho de Karate lembra a Fugazi de Instrument Soundtrack (1999).

“Não seja indelicado” 

Para os singles, Março foi preenchido pelo retorno de vários nomes consolidados nas paradas. Poster Child foi o segundo lançamento do Red Hot Chili Peppers para promover Unlimited Love, álbum que chegou às plataformas em 1º de abril. A canção segue a cartilha Chili Peppers: guitarra que abusa do wah-wah, baixo funkeado e a bateria com notas fantasma na caixa, acompanhada pelo ritmo contínuo do hi-hat fechado. A voz de Anthony Kiedis vem na sequência, embalando todo esse instrumental. É um funk rock muito bem feito, mas nada demais em relação às outras canções do grupo.

O Pixies também deus as caras e lançou Human Crime, canção que veio acompanhada de um videoclipe melancólico, embalado por uma sensação de nostalgia e filmado em uma boate em Los Angeles, com direção da baixista Paz Lenchantin. A própria música tem um efeito hipnótico particular, que consiste na guitarra vibrante de Joey Santiago, do baixo conciso de Paz, dos vocais hipnóticos de Black Francis e das adoráveis ​​execuções de bateria de Dave Lovering. O refrão repete a letra don’t you be unkind (não seja indelicado), cujos trechos são retomados em áreas diversas ao longo da execução, criando uma espécie de transe. 

“Aproxime-se agora, deixe-me contar uma mentira”

Após ter lançado sua declaração de amor ao delta blues e ter feito um verdadeiro tratado sobre suas origens no ano passado, o The Black Keys retornou com o single Wild Child. A faixa antecede o lançamento de seu próximo álbum, Dropout Boogie – previsto para 13 de maio –, que dessa vez promete músicas originais e não com versões de clássicos do blues, como o antecessor. Com os vocais expressivos e dominantes de Dan Auerbach, e a guitarra mais funkeada que o normal, a música oscila entre apenas dois acordes, mas The Black Keys preenche cada momento com bastante energia na canção que remonta aos seus anos de ouro e de auge comercial, com Brothers (2010) e El Camino (2011).

Já com uma pegada mais “eletrônica”e bem menos pesada que o trabalho anterior, Compliance foi o segundo single divulgado pelo Muse para promover o próximo álbum do power trio, Will of the People, com lançamento previsto para 26 de agosto. No comunicado de divulgação, Matt Bellamy (vocalista da banda) escreveu: “Compliance é sobre a promessa de segurança e tranquilidade que as entidades poderosas tentam nos vender durante tempos de vulnerabilidade. Gangues, governos, demagogias, redes sociais, algoritmos e religiões nos seduzem com promessas falsas, mentiras e contos confortáveis. Eles querem que nos juntemos a sua visão fechada de mundo em troca de obediência, e que ignoremos nossas vozes internas da razão e compaixão. Eles só precisam da nossa Submissão.” 

As letras do Bellamy sempre são rodeadas de referências às teorias de conspiração, cenários pós-apocalípticos e pequenos grupos poderosos que dominam o mundo – basta ouvir MK Ultra, do álbum The Resistance (2009). Nesse quesito, a canção não soa inovadora, e na verdade, tudo vem indicando que o novo álbum da banda seguirá os mesmos caminhos do antecessor, Simulation Theory (2018), que continha canções falando sobre algoritmos e propaganda, além de uma estética cyberpunk. 

“As escolhas sempre foram um problema para você”

Para as mídias do visual, mais especificamente a série De Volta Aos 15, da Netflix, estrelada por Maisa Silva e Camila Queiroz, os artistas Pitty, Lúcio Maia e Rica Amabis lançaram Admirável Chip Novo (2022 Remix): uma verdadeira repaginação do hit dos anos 2000. Quem também entrou na TV foi Thom Yorke, com a linda canção que compôs para a sexta temporada do seriado Peaky Blinders. A faixa 5.17, que dura 4 minutos e possui somente 10 versos, é formada somente por voz e piano, algo muito característico das trilhas compostas pelo veterano. Imparável, Yorke continuou a todo vapor com Skrting On The Surface, o terceiro single divulgado por The Smile, seu projeto paralelo ao lado de Jonny Greenwood, do Radiohead, junto a Tom Skinner, baterista do Sons of Kemet. 

A música não é nova: ela já foi tocada ao vivo com Atoms for Peace, projeto de Yorke com Flea, do Chili Peppers; porém, sumiu por mais de uma década e voltou totalmente repaginada. Diferente da versão original, embalada somente por piano e a melancólica voz de Thom Yorke, a releitura vem acompanhada dos arpejos de guitarra de Jonny, junto à bateria limpa de Skinner. Essa poderosa junção faz relembrar o Radiohead de In Rainbows (2007), e a canção ainda ganhou um belo clipe em preto e branco, gravado em filme 16mm e dirigido por Mark Jenkin, vencedor do BAFTA pelo longa Bait (2019). 

E por falar em música antiga, Opiate² é a regravação da canção de 1992, lançada pelo TOOL em homenagem aos 30 anos do EP Opiate. Nessa “versão estendida”, com 9 minutos e 54 segundos de duração, a banda de metal alternativo dá um novo tratamento à canção. A faixa é atmosférica e psicodélica, cuja diferença em relação à primeira versão consiste principalmente na guitarra de Adam Jones, que aqui está muito mais encorpada e expansiva – na versão inicial, havia momentos que beiravam quase o silêncio; nesta, nada fica quieto nunca. Os demais instrumentos também ajudam a preencher o vácuo que se manteve na versão de 1992.

“Eu quero te lembrar dos dias da juventude”

No indie brasileiro, Gêmeos se consolida como o melhor álbum da Terno Rei até agora. É um disco retrô que explora a nostalgia, provavelmente aquela que reflete a adolescência dos seus integrantes, durante os anos 1990 – o que em alguns momentos soa como algo idealizado, mas se garante musicalmente. Ao mesmo tempo, o álbum questiona a pressa e o imediatismo contemporâneo, olhando para esse passado nem tão distante assim. Isso fica evidente nas canções Internet e Trailers. Embora seja um álbum com 12 músicas, ele dá a impressão de ser bastante curto, e dura pouco mais de 35 minutos. 

Gêmeos mantém diversos elementos que a banda trouxe em álbuns anteriores, como os sintetizadores – muito utilizados em Violeta (2019) –, que são quase os protagonistas de Sorte Ainda, abrindo espaço para um tratamento ainda mais indie e deixando um pouco o dream pop de lado (em trabalhos passados, a ordem foi contrária). Os clipes das faixas Dias da Juventude e Difícil recebem um filtro esverdeado, lembrando os clássicos filmes dos anos 1990 de Wong Kar-Wai – em especial Fallen Angels (1995) –, cuja câmera desorientada é uma das marcas registradas. 

“Sempre que tento, descubro que não consigo descrever você”

Econômico como Terno Rei, Zeeba trouxe poucas faixas inéditas para o repertório de seu novo álbum, Tudo ao Contrário. Por outro lado, é animador saber que esse é o primeiro trabalho em que o artista explora bastante suas habilidades com a língua portuguesa. Ao longo de 10 canções, ainda há espaço para colaborações com nomes como OUTROEU, Carol Biazin e Mallu Magalhães. 

E respeitoso como Zebba, o novo trabalho de Oso Oso é um disco de indie rock com pinta de experimental desde o início. Sore Thumb foi lançado exatamente um ano depois da morte do guitarrista, Tavish Maloney, e soa como uma homenagem. Devido à morte de Maloney, o projeto não foi finalizado, o que transforma o disco em um álbum inacabado – embora nunca soe incompleto. A capa do CD aponta essa perda, refletindo uma ausência de pessoas no ambiente. É uma sensação esquisita, mas que ganha vazão através da Arte.

“Mas eu nunca vou recuperar o que perdi”

Navegando a boa vida das premiações e do prestígio no mundo do Cinema, a banda HAIM movimentou Março. Com videoclipe dirigido por Paul Thomas Anderson, Lost Track foi lançada pelas irmãs no primeiro dia do mês. A canção possui um baixo envolvente, mas a estrela – musical e do clipe – é Danielle Haim, que transpassa emoção na sua forma de cantar, sempre verossímil. Antes de seu lançamento oficial, entretanto, o clipe foi transmitido em salas de cinema que exibiam Licorice Pizza, filme de PTA indicado a 3 Oscars e estrelado por Alana Haim. 

Além das roqueiras, o Arcade Fire lançou The Lightning I, II, uma amostra do que será encontrado no álbum WE. Prenunciando o lançamento previsto para 6 de maio, o single resgata o Arcade Fire espirituoso de Neon Bible (2007), em especial das canções Antichrist Television Blues e The Well and the Lighthouse. O piano e os sintetizadores dominam a música, em meio às vozes melódicas de Win Butler e Régine Chassagne, cantadas simultaneamente. The Lightning I, II também marca a saída de Will Butler, irmão do vocalista Win. 

“Então me diga onde depositar o meu amor, devo esperar o tempo fazer o que ele faz?”

Outro nome que não deixa a Música Alternativa sossegar, Phoebe Bridgers brindou os fãs com uma versão gravada em Sound City, da canção Chinese Satellite. Mas quando o assunto é mimo para os aficcionados, ninguém entrega recompensa mais proveitosa que a fada mística Florence Welch e suas Máquinas. Em fevereiro, o lançamento do single King levantou suspeitas de um novo álbum da banda, e o anúncio do quinto registro de estúdio, Dance Fever, veio acompanhado da canção Heaven Is Here. Três dias depois, My Love se juntou a tracklist, que contará com 15 faixas. 

Primeira música que Florence escreveu em confinamento, desde seus solenes versos ao seu poderoso instrumental, o single é a catarse mais intensa do interior de Welch. O clipe da canção, que se destaca pelo místico padrão performático, reforça o êxtase causado pela intensidade na qual a cantora se entrega à faixa. My Love, em contrapartida, remete a trabalhos passados da banda e explode num refrão dançante que combinado ao inigualável vocal de Florence deixa a sensação de que a alma sairá do corpo para seguir a canção. 

“Minha realidade não exige perfeição”

Embora seu disco tenha sido lançado no último dia de Março, o rap do mês tem como rainha a inigualável Karol Conká. Em seu novo álbum de estúdio, Urucum, a artista reuniu principalmente músicas escritas após a conturbada participação no BBB 21, mas não se limitou tematicamente às questões vivenciadas no reality show –  Dilúvio e Paredawn, por exemplo, ficaram de fora da tracklist definitiva. Na verdade, o mais recente trabalho da Mamacita, que mescla diferentes sonoridades, indo do soul ao baião, passando pelo afrobeat e o pagodão baiano, constrói uma jornada de autoconhecimento e cura, colocando em evidência as camadas complexas e humanas que atravessam a figura da artista. 

“Coloquei nessas músicas o que o meu coração falava. Muitas pessoas me perguntavam se eu viria com um rap ‘pesadão’, mas eu não sabia como seria a cara desse álbum. Nós produzimos sem planejamento, nome, tema, ritmo. Só fomos musicalizando de uma forma muito natural e improvisada. Nesse processo, eu pensava o quão natural é termos uma personalidade com várias camadas, então decidi que deixaria que elas transparecessem nas músicas”, revelou Karol ao jornal Estado de Minas.

Dando sequência a Zulu, Vol.1: De Onde Eu Possa Alcançar o Céu Sem Deixar o Chão (2019), Zudizilla chega agora com o álbum Zulu: de César a Cristo (Vol.2). No novo trabalho, o rapper narra sua vivência enquanto um homem preto, projetando também sonhos e possibilidades de futuro. As 12 faixas do projeto, vale destacar, são marcadas por um número expressivo de colaborações, trazendo nomes como Emicida, Cronista do Morro e B.art. Além dele, foi a vez de Edgar reunir três músicas inéditas e um remix no EP Ultravioleta. O artista é conhecido, dentre outros fatores, pela colaboração com Elza Soares no álbum Deus É Mulher (2018), e também apareceu dentre as atrações do Lollapalooza 2022, acompanhado de sua coletânea que tem um caráter extremamente político. 

Se o rap foi da Mamacita, o R&B do Mês da Mulher tem incrustado o nome de Nilüfer Yanya. PAINLESS é apenas o segundo álbum da britânica, mas já se consolida como um dos grandes projetos deste 2022 que mal começou. Um ponto forte do disco é a forma como Yanya reduz o caos ao íntimo e particular, de forma a construir melodias singelas, mas acompanhadas por letras avassaladoras. O título soa irônico, e é como se, após uma lista infindável de dores esmiuçadas ao longo das 12 canções, a cantora revelasse que tudo foi “indolor”. Diferente de seu ótimo álbum de estreia – Miss Universe (2019) –, PAINLESS parece ter ideias melhor resolvidas. 

Enquanto as canções oscilam entre o rock e o pop melódico, o projeto conta uma história com começo, meio e fim; é como se ela nos dissesse que para cada situação é necessário uma maneira diferente de narrar. Esses estilos alterados ganham uma unidade através da voz da londrina, que as embala em falsetes – sempre usados com moderação –, enquanto aponta para protagonistas que sucumbem a, talvez, um relacionamento complexo. Não parece ser por acaso que o álbum se encerra com a expansiva – e até “alto astral”, em comparação às demais – anotherlife, canção que lembra a Lorde de Solar Power (2021). Ao término de PAINLESS, paira a sensação de desejar um outro tipo de vida, mas é algo transposto de forma sutil, como todos os palpites que Nilüfer Yanya deixa no ar.

“Mas não era a intenção queimar meu filme na televisão” 

Passeando entre gêneros e estilos, na música Paredawn, Karol Conká narra, de forma totalmente descontraída, sua trajetória pela casa mais vigiada do Brasil – e até brinca com o bordão “qualquer coisa, me bota no paredão”. A princípio, a faixa não seria lançada, mas a rapper mudou de ideia: “Decidi disponibilizar ela pois acho justo e leal dividir com vocês que estão acompanhando a minha história depois do tombo”. E se o sarcasmo da curitibana fez surtir efeito, o mesmo não pode ser dito de algumas outras parcerias do pop nacional de Março. 

A junção de Jerry Smith, Mc Dricka, DG e Batidão Stronda deu origem a Saí Pro Rolê, single que é bastante genérico se levarmos em conta o perceptível potencial dos dois cantores – o que não significa, no entanto, que a música e o clipe sejam descartáveis ou irrelevantes. Preparando os ouvintes para o sétimo álbum de estúdio da carreira, Canicule Sauvage, Otto chegou com o single Peraí Seu Moço. E dando início à nova fase da carreira musical, Larissa Manoela se juntou ao cantor ZAAC – antigo MC Zaac – para lançar a canção Tenho o Poder, o terceiro single do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora.   

“E eu não vou mentir que até chorei, e procurei um pornô com algum ator que se pareça com você”

A aclamação caiu no colo dos artistas LGBTQIA+: Pabllo Vittar e Rina Sawayama estão juntas mais uma vez, agora com o single Follow Me, lançado no último dia do mês. A nova canção estará no repertório da turnê I AM PABLLO TOUR e já tinha sido cantada pela drag queen no Lollapalooza 2022. Já Clarissa se uniu ao veterano Di Ferrero para criar mais uma viral com a sua assinatura, agora na bateria marcada pela belíssima produção que Los Brasileiros dedicaram à faixa DESCANSA. 

Mas o destaque mesmo foi Number Teddie (estrela em ascensão e responsável por várias composições do disco de Urias), que uniu um raro senso de humor autodepreciativo e minúcias muito particulares de vingança e rancor na manufatura de EU DEVERIA TER COMIDO SEUS AMIGOS. Extremamente direta e específica, a faixa tira sarro de um ex que já superou a relação e dos arrependimentos daquele que teve o coração partido. Se concretiza, facilmente, como a melhor tirada de Março quando o assunto é dor de cotovelo e muito bom humor. 

“Por que será que Deus pôs ali o ser pra ser assim, sofredor?” 

Na Música Popular Brasileira, o cenário multifacetado colhe louros. Entre viagens entre o ontem e o hoje, o show realizado por Djavan no Festival de Jazz de Montreux de 1997, na Suíça, foi finalmente disponibilizado em forma de álbum. Graças a um acordo da gravadora Sony Music com o próprio evento, podemos agora nos deliciar com as 15 faixas de Ao Vivo no Montreux Jazz Festival 1997. Já Martinho da Vila resolveu mesclar diferentes estilos musicais, religiões e personalidades culturais no disco Mistura Homogênea. Reunindo de Zeca Pagodinho e Teresa Cristina à escritora Paulina Chiziane e Djonga, este trabalho é, provavelmente, o último álbum da carreira de Martinho.  

Ana Müller, por sua vez, ressurgiu suave e romântica no belo e breve álbum Ternura. Valorizando, no novo trabalho, o recurso voz e violão, que cria um clima muito cativante para a obra como um todo, a cantora capixaba também comemora, em 2022, os cinco anos de seu primeiro lançamento autoral: o EP Ana Muller.  Igualmente mergulhada em atmosferas amorosas, Simone retornou aos discos com o álbum Da Gente, trabalho que tem direção artística de Zélia Duncan e direção musical do pernambucano Juliano Holanda. Destacando principalmente compositores nordestinos – muitos, inclusive, da atualidade -, a nova obra da Cigarra da MPB apenas reitera a relevância dessa artista para a cultura nacional. No fim do mês, Haja Terapia, lead single do projeto, ainda ganhou um clipe dirigido por Pedro Colombo.

Depois de disponibilizarem, em Janeiro, o single Vermelho Esperança, Chico César e Laila Garin retornam, em Março, com todas as 16 faixas de O Canto de Macabéa ou a Hora da Estrela, disco concebido a partir do musical baseado na obra de Clarice Lispector. O álbum passeia por diferentes sonoridades, instigando a curiosidade do público em relação à peça de teatro. Também em Março, Vermelho Esperança ganhou um segundo videoclipe.

“Folha miúda que tem a natureza do amor, soberana no mundo, passeia por cima da dor”  

Lançado no Dia Internacional das Mulheres, o álbum Senhora das Folhas, da veterana Áurea Martins, é cuidadoso e, sobretudo, afetivo ao reunir sonoridades e temas ligados à ancestralidade, às questões ambientais, às culturas indígenas, às mais variadas fés e crenças e, claro, aos costumeiramente heterogêneos universos femininos. Se é verdade que o ano está apenas começando, também é certo que esse disco, idealizado pela produtora cultural Renata Grecco, já tem grandes chances de ser uma das obras musicais mais graciosas de 2022.       

Da mesma maneira, é seguro esperar o destaque de Lô Borges, que, desde 2019, lança um álbum de músicas inéditas por ano. Em 2022, o lançamento da vez é Chama Viva, disco com melodias e harmonias assinadas por Lô, e letras de Patricia Maês. Segundo o próprio cantor, o novo trabalho vai praticamente em direção oposta ao disco anterior, Muito Além do Fim, e os álbuns de 2023, 2024 e 2025 já estão garantidos. Em Chama Viva, Lô ainda canta junto de Milton Nascimento, Beto Guedes, Paulinho Moska e a própria Patricia.  

“Espera, que a noite já tá chegando”  

As peças solteiras da MPB também tiveram destaque. Primeiro, a canção Redescobrir, gravada por Marcos Valle em 2020, para o álbum Cinzento, ganha, agora, uma nova versão. No single de 2022, os dois compositores da faixa – o próprio Marcos, junto de Moreno Veloso (filho de Caetano) – são também intérpretes de uma jornada musical extremamente suave. Já a canção Ninho de Papel, lançada por Ana Lélia em 2021, originalmente em versão solo, também recebeu uma nova versão. 

Com a interpretação de Márcia Tauil e Sabrina Parlatore, a gravação de 2022 reúne performances únicas e deslumbrantes, além de um novo arranjo de Jonathas Pingo. A faixa mescla pop, soft jazz e bossa nova e conecta duas artistas que já colaboraram anteriormente com Tauil. O lançamento oficial foi no dia 31 de Março, mas o Persona ouviu a música com antecedência para incluí-la nas nossas indicações do mês. 

“Meu desejo é rio que corre pro mar e corresponde ao meu coração” 

Num mês produtivo para a MPB, o veterano Chico Lobo ainda se uniu à dupla Kleiton & Kledir para divulgar o single Rio e Mar, faixa que fará parte do vindouro álbum O Tempo é Seu Irmão. Na canção, a mistura da sonoridade popular brasileira com viola caipira constrói um caminho poético, conduzido por metáforas envolvendo o elemento água. Do outro lado, o nascido na Argentina, mas criado na Itália, Nicolás Farruggia se juntou à lenda viva brasileira Chico Buarque para lançar Tutto il Sentimento, quarto single do novo álbum do cantor estrangeiro – o ainda inédito Poema Livre. A música é uma versão em Italiano da faixa Todo o Sentimento, de Cristóvão Bastos e Chico, agora com letra de Stefano LaVia. 

Outra assinatura icônica da Música nacional, a banda Biquíni Cavadão comemorou os 20 anos de sucesso de Quando Eu Te Encontrar, faixa do álbum Escuta Aqui (2000), com uma regravação da canção. Por fim, o projeto Uma Onda Para Tom Zé, que está em construção desde 2021 e tem curadoria da jornalista Patricia Palumbo, teve continuação com Vanguart. O trio mato-grossense trabalhou no single Amar, regravação da música lançada pelo veterano tropicalista no álbum Brazil 5 – The Return of Tom Zé: The Hips of Tradition, de 1992. 

“Os filhos dos filhos dos filhos dos nossos filhos verão” 

Em mais um encontro da tradição da música brasileira com a sua contemporaneidade, Nando Reis se juntou ao fenômeno pop Jão para regravar a música Sim, originalmente disponível no álbum Sim E Não, de 2006. Trazendo novos detalhes para a canção, o dueto da vez não só evidencia o talento dos dois românticos como também dá sequência ao projeto Nando Hits, por meio do qual Nando promove alguns encontros musicais.  

E o remake de Pantanal está aí provando a tendência do encontro das gerações. Para a abertura da novela, Maria Bethânia aplicou sua voz inigualável à já conhecida música-título, composta por Marcus Viana para a versão original – e clássica – do sucesso da TV brasileira. Adentrando, com respeito e glória, o “coração do Brasil”, a Abelha Rainha se destaca na faixa ao lado de Almir Sater, nome responsável pela viola caipira e pelo charango da canção. 

Também no audiovisual, guiada por Iemanjá e preocupada com questões ambientais, Daniela Mercury entregou ao mundo o deslumbrante videoclipe de As Rendas do Mar, com direção assinada por Jana Leite; e Bemti retornou com maestria no clipe de Do Outro Lado (Mantra Tornado Grito), faixa do primoroso álbum Logo Ali, de 2021. Gravado com o cantor português Murais, o vídeo foi dirigido pelo duo Couple of Things. 

“De amizade eu já tô cheia, agora eu quero é sacanagem”

Não tem como encerrar o panorama de março sem pontuar os eventos dedicados ao Dia Internacional das Mulheres. Com o mesmo objetivo do especial do Persona, a Deezer lançou o EP exclusivo Icônicas – Deezer Originals. Reunindo verdadeiros sucessos nacionais e internacionais do mundo da Música, tais como My Favorite Things, A Loba e Pagu, o projeto potencializa mulheres artistas bastante relevantes na atualidade, a exemplo de Luedji Luna, Tulipa Ruiz e Jup do Bairro. Indo além das escolhas maravilhosas de repertório e intérpretes, Icônicas – Deezer Originals ainda foi parar na Times Square. 

No funk, e iniciando as comemorações de 10 anos de carreira, Ludmilla revisitou sua fase MC Beyoncé para criar o EP Back to Be. Formado por seis faixas autorais – sendo algumas criadas com outros compositores e outras exclusivamente pela artista -, o novo trabalho consegue, ao mesmo tempo, resgatar o funk que impulsionou a trajetória artística de Lud e trazer novos ares para a discografia da cantora. Fora isso, ainda merecem destaque as presenças de Akon, DJ 2F e Mc Don Juan no EP. 

“Fala que é sem sentimento, mas quando eu sento apaixona”

Diferente da entrega de Lud, o comeback de Kaya Conky foi uma das melhores surpresas nacionais chiclete de Março. Com bastante irreverência e humor, a música PODE DALE não só evidencia sua qualidade para as pistas de dança, como também vem acompanhada de um clipe maravilhoso, que ilustra a narrativa da letra autoral e foi dirigido por Gabriel Riccieri. 

Porém, foi sentaDONA (Remix) s2 que Luísa Sonza se destacou, mais uma vez, no pop nacional. Seguindo os passos de Anitta nas paradas musicais internacionais, a artista emplacou a música de Davi Kneip, Mc Frog e o Dj Gabriel do Borel protagonizando a coreografia viral desenvolvida por Flávio Verne para o videoclipe do novo single.  

“Eu não quero passar outro dia procurando por alguém que eu sei que não posso substituir”

No sertanejo, o lançamento do single 50 por cento vem fervilhando em polêmicas. Gravado em 2020, a música em parceria com Marília Mendonça fazia parte do projeto Juntas, um DVD feito durante a pandemia e que contava apenas com duetos de Naiara e mulheres do sertanejo. A faixa que sairia em 2021 não foi lançada pois, segundo a família de Marília, ela não aprovou a versão gravada e não queria ter seu nome associado ao de Naiara, após a cantora participar do almoço com o inominável que ocupa o cargo maior do poder executivo.

Sem uma conversa prévia com a família Mendonça, o lançamento foi planejado para acontecer durante a estadia de Azevedo na casa mais vigiada do Brasil, publicidade que gerou revolta em João Gustavo, irmão de Marília. A equipe de Naiara chegou a informar que a música não seria mais lançada, mas, ao fim, Naiara ficou pouquíssimo tempo no BBB e 50 por cento chegou às plataformas digitais, trazendo uma sonoridade comum ao sertanejo e uma letra que é mais do mesmo dentro da discografia de Naiara Azevedo.

O mês de Março ainda foi prestigiado com a performance de Pabllo Vittar e Ivete Sangalo, que arrasaram nos vocais de Lovezinho (I AM PABLLO LIVE), versão ao vivo da faixa apresentada originalmente no álbum 111, de 2020. Machine Gun Kelly arrancou suspiros e elogios nos palcos do Lollapalooza e aproveitou para quebrar tudo ao som de mainstream sellout, seu manifesto pop punk recheado de risadinhas. Do sorriso às lágrimas, The Weather Station estraçalhou o folk ao lado de seu How Is It That I Should Look at the Stars, disco-irmão de Ignorance, um dos destaques de 2021. 

“Você me beijou só para me beijar, não para me fazer chorar”

A festa do Grammy 2022 sacudiu a indústria do entretenimento assim que Março acabou, então é seguro aguardar por grandes nomes retornando do sossego para disputar o próximo posto de Álbum do Ano. Entre as certezas, Abril nos reserva um rock apimentado, um pop familiar e caseiro e, com certeza, mais um punhado de achados e descobertas de brilhar os olhos. Até lá, fique de olho no Persona e na curadoria musical mais afiada e precisa do jornalismo cultural brasileiro. 

Texto: Vitor Evangelista

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Bruno Andrade, Eduardo Rota Hilário e Raquel Dutra

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Da ficção da Pixar aos documentários da Netflix, da comédia de Taika Waititi ao drama de Ryûsuke Hamaguchi, fomos presenteados com produções nacionais e internacionais para os amantes da Sétima Arte em Março de 2022. Tudo isso regado com a cobertura do caótico Oscar e muitas outras movimentações nas premiações de Cinema. Teve de tudo, mas não se estresse a ponto do panda vermelho se libertar! Entre a cozinha de Sebastian Stan, a caverna de Robert Pattinson e os aposentos nobres de Jonathan Bailey, o Cineclube de Março esmiuça a TV e o Cinema do Mês da Mulher. 

Março começou agitado com o último dos prêmios do Cinema independente, o Spirit Awards. Lá, A Filha Perdida de Maggie Gyllenhaal fez a festa, como de praxe. Na semana seguinte, foi a vez do BAFTA e do Critics Choice Awards dividirem o mesmo domingo e incendiarem ainda mais a corrida para os prêmios da Academia. Mas nada saiu do planejado, com vitórias para os eventuais campeões do dia 27 de março. O que aconteceu depois que mudou o jogo: depois de triunfar no SAG, No Ritmo do Coração (CODA) acabou por vencer os outros dois Sindicatos, primeiro o dos Produtores, que usa o mesmo método preferencial do Oscar, e depois o dos Roteiristas, onde seu adversário Ataque dos Cães estava inelegível. Para quem computou as informações e leu nas estrelas o caminho até Melhor Filme, a coroação da produção da Apple TV+ não foi surpresa.

Na premiação da Academia, o filme foi o vencedor máximo de 2022. Além do principal troféu da noite, a roteirista – e também diretora – Siân Heder saiu premiada pela sua adaptação audiovisual de A Família Bélier. Ainda na cerimônia do último dia 27, o nome de CODA foi lembrado uma terceira vez, quando Troy Kotsur venceu o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, em um dos momentos mais marcantes da edição. Agora, ele figura nas melhores atuações da temporada ao lado de Ariana DeBose, coadjuvante de Amor, Sublime Amor, Jessica Chastain, pelo seu protagonismo em Os Olhos de Tammy Faye, e Will Smith, o centro de King Richard: Criando Campeãs e símbolo do 94º Oscar pelos motivos errados.

O momento mais comentado da premiação precedeu – além de uma demonstração de reações racistas – uma das vitórias mais importantes da noite: Melhor Documentário para Summer of Soul. Para completar a dupla de ouro do Oscar, Drive My Car foi brilhantemente eleito o Melhor Filme Internacional de 2022. E para completar o Encanto da temporada, a produção da Disney confirmou os favoritismos e saiu como a Melhor Animação, assim como Billie Eilish não decepcionou quem apostou em No Time To Die, sua composição para 007 – Sem Tempo Para Morrer, para a estatueta de Melhor Canção Original. Nos curtas, Riz Ahmed se tornou oscarizado, The Queen of Basketball foi coroada, o romance artístico de The Windshield Wiper foi celebrado. 

Mas mesmo com a comemoração do finalmente primeiro Oscar de Kenneth Branagh (pelo Roteiro Original de Belfast) nenhum outro filme festejou a noite como Duna, o mais premiado pela Academia em 2022. Dentre suas 6 estatuetas, o filme de Denis Villeneuve gabaritou as categorias técnicas de Fotografia, Trilha Sonora, Montagem, Design de Produção e Som, fazendo a obra mais indicada da temporada, Ataque dos Cães, comer sua poeira. O longa de Jane Campion só não perdeu seu prêmio garantido e vitória mais importante – Melhor Direção, na terceira vez na história e segunda consecutiva em que uma mulher saiu vitoriosa da categoria, e primeira a ser indicada mais de uma vez. 

O mês, que se encerrou com as confusões do Oscar, nos presenteou com alguns documentários, como Olivia Rodrigo: dirigindo até você (OLIVIA RODRIGO: driving home 2 u (a SOUR film). O filme do Disney+ se apresenta com uma narrativa repleta de depoimentos sobre as faixas em que a artista expõe como se sentiu com um primeiro disco tão bem-sucedido. Além disso, o longa também apresenta novas versões das canções de 2021, que valorizam bastante a influência do rock e devem ser lançadas em formato de álbum em breve. 

Outro documentário de destaque é Lucy e Desi (Lucy and Desi), dirigido por Amy Poehler. A película sobre Lucille Ball, a estrela da série de grande sucesso nos EUA, I Love Lucy, explora sua relação com o marido Desi Arnaz, que dividia o protagonismo do show ao lado da esposa. Sua estreia ocorreu por meio do Festival de Sundance em janeiro de 2022 e chega agora ao Amazon Prime Video, mesma casa do ficcional Apresentando os Ricardos, que também trabalha a relação do power couple. A obra relata por meio de depoimentos e fitas que o casal costumava gravar falando sobre os mais diversos assuntos, o longa apresenta um tom intimista acerca da vida do casal.

Além de documentários, março nos proporcionou diversos filmes de ficção científica, como After Yang, um drama de sci-fi que apresenta a jornada de uma família em busca do concerto de Yang (Justin H. Min), um robô adotado para auxiliar a filha biológica do casal (Colin Farrell e Jodie Turner-Smith) a se adaptar à cultura norte-americana. Com o tempo todos acabam se afeiçoando ao familiar androide e não conseguem mais viver sem ele. O novo longa da A24, que foi lançado no Festival de Cannes de 2021, trouxe o cineasta sul-coreano Kogonada para assumir o papel de roteirista e diretor desse sci-fi, que se assemelha a A.I. – Inteligência Artificial, por sua relação familiar envolvendo seres biônicos. 

Outro destaque de ficção científica do mês de março é O Projeto Adam (The Adam Project). O longa escalou Ryan Reynolds para viver uma viagem do tempo em que  tenta salvar o mundo, voltando para o ano de 2022 e se deparando com o seu eu mais jovem. Apesar do roteiro clichê, o longa apresenta uma narrativa descolada e divertida, com grandes atores, como Jennifer Garner e Mark Ruffalo. Com esse novo sci-fi, o ator de Deadpool é agora o único com 3 filmes no Top 10 da Netflix.

Ainda com o pezinho na ficção científica, mas puxando para o lado do romance, Nossos Sonhos de Marte (Moonshot) entrelaça esses elementos em um clichê adolescente, feel good e coming-of-age, em que dois amigos muito diferentes embarcam em uma aventura e percebem novos sentimentos um pelo outro. O longa, disponível no HBO Max, não se diferencia das demais produções do gênero, apesar de contar com nomes conhecidos do ramo, como Lana Condor (Para Todos os Garotos que Amei) e Cole Sprouse (Riverdale). 

Outro romance lançado em março está disponível no HBO Max. A produção brasileira selecionada para representar o país no Oscar 2022, Deserto Particular narra uma das histórias de amor mais lindas de 2021, sob comando de Aly Muritiba e guiado pelas performances de Antonio Saboia e Pedro Fasanaro. A narrativa acompanha Daniel, um policial dedicado que acaba cometendo um erro gravíssimo e, após o incidente, acaba indo atrás de  Sara, sua namorada virtual que mora no outro lado do país.

Também no gênero do romance, A Pior Pessoa do Mundo (Verdens verste menneske) finalmente chegou ao Brasil. Com direito a indicação ao Oscar de Melhor Filme Internacional e Melhor Roteiro Original, a obra de Joachim Trier, que desconstrói as comédias românticas, apresenta quatro anos da vida de Julie (Renate Reinsve), sua turbulenta vida amorosa e sua jornada de autoconhecimento em um mundo que não para por um segundo. O filme norueguês descreve, ao longo de seus frames, a sensação de estar perdido na vida aos 20 e poucos anos e como alguns relacionamentos nos marcam ao longo do caminho. 

Encerrando os lançamentos dos indicados ao Oscar, Drive My Car também aterrissou oficialmente em solo brasileiro. O longa, que foi dirigido por Ryûsuke Hamaguchi e roteirizado por ele ao lado de Takamasa Oe, é uma adaptação do conto homônimo do escritor japonês Haruki Murakami. A adaptação audiovisual também se inspirou em outros dois textos do autor, todos da coletânea Homens sem mulheres, que foi a leitura de março do Clube do Livro Persona. A história acompanha Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima), um ator de teatro viúvo de meia idade que contrata Misaki Watari (Toko Miura) como sua motorista particular. A partir do cotidiano, os dois estabelecem uma relação e compartilham seus sentimentos de solidão. Depois de uma breve passagem pelos cinemas, chegou agora, no dia 1º de abril, na plataforma da MUBI.

Além dos filmes conceituais, março trouxe o aguardado lançamento do blockbuster Batman (The Batman) de Matt Reeves (Planeta dos Macacos: A Guerra). Na nova trama, o Cavaleiro das Trevas (Robert Pattinson) está em seu segundo ano de luta contra o crime e investiga o submundo de Gotham, na busca pela verdadeira identidade do Charada (Paul Dano), um serial killer que está matando figuras políticas importantes na cidade. 

A narrativa, apresentada ao longo de três horas de duração, utiliza bem o tempo para dar espaço para todos os seus personagens – com destaque para a Selina Kyle de Zoë Kravitz – e conduzir a investigação do Homem-Morcego de um jeito que prende o espectador. Além do roteiro, a fotografia de Greig Fraser (vencedor do Oscar 2022 por Duna) e a trilha sonora de Michael Giacchino intensificam os elementos da obra.

Nas telonas dos cinemas, também está disponível outra produção de ação, Morbius. Depois do sucesso comercial de Venom, a Sony continua a investida de trabalhar vilões do universo do Homem-Aranha em projetos soltos, que agora traz o protagonismo do Vampiro Vivo, vivido por Jared Leto. Amargando aprovações negativas de crítica e audiência, o filme conta a direção de Daniel Espinosa, e coroa uma semana relativamente péssima do ator principal, reconhecido como o pior ator coadjuvante do ano no Framboesa de Ouro por Casa Gucci e, dias depois, sendo massacrado pela aventura da Marvel. No fim das contas, o filme parece precisar de água benta. Queime e não volte para uma sequência. 

Mudando o gênero das produções, Fresh foi destaque dentre os lançamentos do mês como um suspense cômico. A trama nos apresenta a realidade de Noa (Daisy Edgar-Jones), uma jovem já cansada de se aventurar por aplicativos de namoro que decide dar uma chance a Steve (Sebastian Stan), a quem conheceu em um supermercado. No entanto, logo no primeiro encontro, o amante começa a apresentar apetites peculiares.  Ao longo da narrativa, a cineasta busca pela inovação, mas acaba pecando pela obviedade. Sua estreia ocorreu no Festival de Sundance e logo foi adquirido pelo Hulu, chegando ao Brasil pelo streaming mais adulto da Disney, o Star+.

Ainda falando em suspense, Águas Profundas (Deep Water) chamou atenção no mês. Com direção de Adrian Lyne (Atração Fatal, Flashdance), o longa é uma adaptação do romance homônimo de Patricia Highsmith e conta com Ben Affleck e Ana de Armas no elenco, atuando como o casal protagonista. Filmado na época em que os atores ainda eram namorados na vida real, o filme tem uma primeira hora interessante, onde estabelece um clima de desconfiança intrigante, porém não explora isso tanto quanto poderia e o resultado é decepcionante. 

O filme seria lançado nos cinemas em janeiro de 2022, mas foi removido do calendário de lançamentos da Disney e acabou indo para o Amazon Prime Video. Outro streaming que também lançou um suspense em março foi a Netflix, com Sorte de Quem? (Windfall). Lily Collins, Jason Segel e Jesse Plemons estrelam a narrativa sobre um homem que invade a casa de férias de um casal bilionário mas é surpreendido pela chegada dos dois. O clima de tensão aumenta ao decorrer do filme prendendo o espectador mais a cada cena.

Então, chegamos nas produções para deixar os telespectadores tensos. Master é um terror psicológico dirigido por Mariama Diallo e estrelado por Regina Hall, que acompanha a vida de três mulheres em uma universidade de prestígio no Estado da Nova Inglaterra. Aos poucos, elas percebem que o ambiente elitista e frio esconde algo sombrio. O longa estreou no Festival de Sundance, integrou a programação do Festival South By Southwest em 2022 e, agora, está disponível no Amazon Prime Video.

Outro destaque do mês foi Ambulância – Um Dia de Crime (Ambulance), dirigido e produzido por Michael Bay (Transformers). No thriller, o veterano Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II) precisa de dinheiro para pagar as contas de hospital de sua mulher. Para isso, ele aceita realizar o maior assalto a banco na história de Los Angeles ao lado de seu irmão adotivo, o carismático Danny (Jake Gyllenhaal). O elenco da nova produção explosiva de Bay conta também com Eiza González (Em Ritmo de Fuga), Moses Ingram (A Tragédia de Macbeth) e Garret Dillahunt (Army of the Dead: Invasão em Las Vegas). 

Já como um lançamento mais inusitado, Terror no Estúdio 666 (Studio 666) mostra a banda de rock Foo Fighters vivendo a sua experiência mais assustadora ao se mudar para uma mansão para gravar seu décimo álbum de estúdio. Com o tempo, os integrantes do grupo musical passam a vivenciar experiências sobrenaturais assustadoras e cômicas. De forma boba e despretensiosa, o longa brinca com clichês do gênero thriller e com a ideia de rock ser “coisa do demônio”. A história foi criada por Dave Grohl, vocalista do Foo Fighters, roteirizada por Jeff Buhler e dirigida por BJ McDonnell, sem nenhuma pretensão em criar algo inovador ou que contemple um público além dos fãs da banda.  

Além de terror, o que não faltou em março foram produções de comédia, começando por Jackass Para Sempre (Jackass Forever). O novo capítulo da franquia estreia 11 anos depois de Jackass 3.5. Dessa vez, o grupo retorna para realizar mais manobras malucas que não devem ser testadas em casa de jeito nenhum. O filme conta, ainda, com as participações de Tyler, The Creator e Machine Gun Kelly. A película seria lançada nos cinemas no Brasil, mas teve sua estreia cancelada e está disponível apenas na internet.

Já nas produções nacionais, o gênero sempre se destaca, e esse mês, através de  Me Tira da Mira. O filme narra a história de Roberta (Cleo), uma funcionária da Polícia Civil do Rio de Janeiro que passa a trabalhar como agente secreta infiltrada na Clínica Bianchini de Realinhamento Energético para investigar a morte da atriz Antuérpia Fox (Vera Fischer). A espiã também conta com a ajuda de sua terapeuta (Bruna Ciocca) para solucionar o caso. O longa tem como diretor Hsu Chien Hsin, um cineasta nascido em Taiwan naturalizado brasileiro e, ainda, conta com um elenco de peso, de nomes Gessica Kayane (Gkay), Fiuk e Fábio Júnior. Mesmo recheado de rostos conhecidos, as piadas pastelão não sustentam a narrativa. 

Outro destaque dos cinemas brasileiros é Vale Night, uma comédia dirigida por Luis Pinheiro e roteirizado por Caco Galhardo. O filme acompanha o casal Daiana, interpretada por Gabriela Dias, e Vini, interpretado por Pedro Ottoni, que saem para se divertir em uma noite e acabam perdendo o seu filho. A película tem, ainda, a participação de Linn da Quebrada e Yuri Marçal no elenco. Entre as risadas, a obra traz um retrato da cultura da favela e traça muito levemente e de forma básica algumas críticas de gênero, visto que é escrito e dirigido por dois homens. 

Pensando em comédias voltadas para o público infantil, o Disney+ lançou Doze é Demais (Cheaper by the Dozen), um remake dos filmes de 1950 e 2003. Nele, os atores Gabrielle Union e Zach Braff estrelam nos papéis dos pais de uma grande família. A produção renovou a trama, atualizando-a com discussões sobre pautas que estão em alta, mas ainda assim sem abrir mão da comédia pastelão.

De lá, também veio outro destaque infantil do mês – e do ano. Red: Crescer é uma Fera (Turning Red) narra a história de Mei (Rosalie Chiang), uma menina de 13 anos que se transforma em um panda vermelho toda vez que fica muito animada. O longa revisita a cultura asiática para apresentar uma relação de mãe e filha durante a fase da adolescência, valendo-se dos mesmos clichês de fofura e comoção emocional dos demais filmes da Pixar. Sob a direção da vencedora do Oscar Domee Shi, Red é a primeira produção do estúdio com comando feminino. 

Mas nem só de Cinema foi feito o mês de março. Ao longo dos últimos 31 dias, acompanhamos o spin-off de Big Mouth, Recursos Humanos (Human Resources), uma nova série focada nos monstros do universo e seu ambiente de trabalho. A produção é uma mistura ideal entre a obra original e The Office, e então, você adiciona loucuras, atores de renome dublando personagens asquerosos e hilários e uma trama simples mas competente. Do time original da série da Boca Grande, retornam para a nova produção da Netflix quase todos. Dentre os novos rostinhos, estão Aidy Bryant, Randall Park, Rosie Perez, Harvey Guillén, Ariana DeBose, Helen Mirren e Lupita Nyong’o. 

E esse não foi o único spin-off do mês. A 1ª temporada de Como Eu Conheci Seu Pai (How I Met Your Father) terminou sua exibição no Star+ com uma energia  bem parecida com a de How I Met Your Mother: personagens bastante carismáticos, mas o timing de comédia não muito afiado, com piadas um pouco batidas. Apesar disso, a série, que contou com Hilary Duff e Kim Cattrall no mesmo papel em idades diferentes, já foi renovada para a segunda temporada, que terá uma quantidade maior de episódios.

Mas uma série já conhecida que retornou agora para sua 4ª temporada é The Marvelous Mrs. Maisel. Depois do que pareceu ser uma eternidade, a Maravilhosa Sra. Maisel está de volta (e mais triste do que esperávamos). Após o desastre e a demissão que fecharam o ano anterior, Midge (Rachel Brosnahan) precisa lidar com o fracasso e passa a trabalhar contando piadas em um clube de strip-tease. Lá, a mulher bota ordem no pedaço e acaba revolucionando o local, assim como costuma fazer por onde passa. 

Dessa vez, a nova fase da comédia vencedora do Emmy está menos envolvente em quesito progressão da narrativa, ao apenas posicionar suas peças frente ao vindouro e já anunciado ano final. Em contrapartida, a produção do Amazon Prime Video deu mais espaço para personagens não-brancos e para mulheres trans, Amy Sherman-Palladino e Daniel Palladino reservam piadas certeiras, e a participação mais que especial de alguns rostinhos conhecidos de Stars Hollow. No fim, resta à Lenny Bruce (Luke Kirby) colocar juízo na cabeça de Miriam e, se tudo der certo, sua jogada foi positiva.

Os risos de março não pararam por aí. Depois da Festa (The Afterparty), criada por Phil Lord e Chris Miller, dupla responsável pelos dois Anjos da Lei e por Uma Aventura LEGO,  é uma série que conta a história de um assassinato que ocorreu durante o reencontro de colegas da escola. Tiffany Haddish, Sam Richardson, Zoë Chao, Ben Schwartz e Dave Franco compõem o elenco da 1ª temporada da produção da Apple TV+, que se mostra muito divertida ao fundir investigação com humor, assim como Only Murders in the Building. Cada um dos episódios brinca com um gênero cinematográfico diferente de acordo com o ponto de vista de quem narra, demonstrando a criatividade de Miller na direção. 

Além das risadas, março também nos proporcionou alguns sustos. O lançamento da Netflix, Ninguém Pode Saber (Pieces oh Her), com a ganhadora do Emmy Toni Collette como a protagonista Laura, não atingiu o nível de qualidade esperado. O piloto dá um tom muito bom de suspense, mas rapidamente tudo se transforma em uma trama insossa. A série utiliza flashbacks com lembranças da protagonista para contar a história, formando os “pedaços” dela, mas tudo isso se perde com o desenrolar da história.

Já na Apple TV+, a 3ª e penúltima temporada de Servant, produzida por M. Night Shyamalan (Tempo), acompanha o casal formado por Dorothy (Lauren Ambrose) e Sean Turner (Toby Kebbell) lidando com forças ainda mais sinistras, três meses depois do final do segundo ano da série. Nell Tiger Free e Rupert Grint também retornaram para seus respectivos papéis como Leanne e Julian Pearce, e nova adição ao elenco fica por conta de Sunita Mani (Mr. Robot).

Com uma pegada assustadora e invocando elementos da ficção científica, Expresso do Amanhã (Snowpiercer) retorna para mais 10 episódios. O novo ano do thriller apocalíptico da Netflix é dirigido por Christoph Schrewe, Erica Watson e Leslie Hope, com base no filme homônimo lançado em 2013 sob a direção de Bong Joon-Ho, que por sua vez, se inspirou no romance gráfico Le Transperceneige (1982). Sua trama se passa num futuro distópico, onde os últimos habitantes da Terra tentam sobreviver dentro de um trem que está em constante movimento enquanto o mundo foi totalmente congelado. Com o agrado da série, a 4ª temporada já está confirmada e, dessa vez, terá um novo showrunner. 

Seguindo para outras produções de sci-fi, o segundo ano de Raised by Wolves, produzida por Ridley Scott para o HBO Max, continua a narrativa dos desafios existenciais vividos pelos androides Mãe (Amanda Collin) e Pai (Abubakar Salim) para criar seus filhos humanos longe da Terra.  A temporada possui 8 episódios ao todo e conta com atores, como Travis Fimmel (Vikings), James Harkness (Macbeth: Ambição e Guerra) e Kim Engelbrecht (The Flash) no elenco.

Ainda com esse lado da ficção científica, Upload concluiu seu segundo ano repleto de viagens por realidades alternativas. A série do Amazon Prime Video, criada por Greg Daniels (de The Office e Parks and Recreation), acompanha a jornada de Nathan (Robbie Amell) em um mundo em que as pessoas podem escolher uma realidade para viverem após a morte.

Ainda tivemos algumas produções de super-herói para agradar o público geek. DC’s Legends of Tomorrow finaliza sua sétima temporada com um ano em que Sara Lance (Caity Lotz), Ava Sharpe (Jes Macallan) e os membros da tripulação estiveram presos no passado, em um lugar cada vez mais suspeito. Perseguidos por um inimigo que viaja no tempo e ameaçados pelo espaço temporal, a equipe se une para tentar manter a paz na Terra em um de seus trabalhos mais arriscados. A peça da CW conta com Tala Ashe, Nick Zano, Shayan Sobhian, Lisseth Chavez e Olivia Swann no elenco, e movimentou a equipe para introduzir um personagem querido das HQs no final do ano 7. 

E enquanto o Morcegão se pendura pelo Cinema, sua aliada faz o mesmo na TV – só que com menos orçamento. Na 3ª temporada de Batwoman, a protagonista (Javicia Leslie) trabalha para manter as ruas de Gotham seguras e Batwing (Camrus Johnson) se junta ao combate ao crime. Na produção do HBO Max, além de Leslie, Rachel Skarsten retorna no papel de Alice e as novas adições ao elenco são Bridget Regan e Victoria Cartagena, que interpretam Hera Venenosa e Renee Montoya.

Tem super-herói em desenho também: The Boys Apresenta: Diabólico (The Boys Presents: Diabolical). A 1ª temporada da antologia do Amazon Prime Video é composta por 8 curtas, desenhados em estilos diferentes, que contam histórias soltas dentro do universo da Vought. Ora resgatando traços e construções dos quadrinhos originais, ora emocionando com tramas marcantes e singulares, o experimento criativo faz valer sua investida. O elenco de voz manda muito bem, com destaque para Youn Yuh-Jung, Antony Starr, Ben Schwartz, Michael Cera, Elisabeth Shue, Nasim Pedrad, Awkwafina, Jason Isaacs, Kieran Culkin, Simon Pegg, Andy Samberg, só para citar alguns.

Saindo dessa realidade fictícia e mergulhando em um universo mais sóbrio, março nos proporcionou uma porção de minisséries documentais, a começar por Renascendo das Cinzas (Phoenix Rising). Na produção, realizada para o HBO Max, somos guiados pela história da atriz Evan Rachel Wood e sua trajetória como ativista pelo fim da violência contra mulher, desde que tornou públicas as suas denúncias contra Marilyn Manson. Na direção tivemos Amy Berg, com o papel de comandar essa narrativa tão perversa pela qual a figura feminina enfrenta na sociedade.

Infelizmente compartilhando as vivências da atriz estadunidense,  Elza Soares foi protagonista de Elza e Mané – Amor em Linhas Tortas, que relata várias eras de seu relacionamento com Mané Garrincha. Mas o documentário do Globoplay apresenta foco na história do jogador de futebol, um dos melhores do país que teve um fim trágico por alcoolismo, uso de drogas e assédio midiático. Além disso, o atleta também agredia a cantora, ponto que é tratado na série, de forma meio deslocada diante da adoração à memória do futebolista. A produção é composta por quatro episódios dirigidos por Caroline Zilberman, editora do Globo Esporte, e já se tornou o maior sucesso do streaming deste ano. O roteiro é de Rafael Pirrho, que combina 30 entrevistas, entre Chico Buarque, Caetano Veloso, Sandra de Sá e Lobão, além dos ex-jogadores Gerson, Rivelino, Jairzinho e Pepe. 

Dentre outras produções do grupo Globo, está o encerramento de Um Lugar ao Sol. A novela das 9 não foi bem recebida pelo público, que ficou aguardando por uma reviravolta na trama do personagem Christian (Cauã Reymond), mas deixou os telespectadores apenas no desejo. A narrativa de Lícia Manzo também sofreu muito com a ausência de um horário fixo estipulado pela emissora e, ainda, acabou sendo encurtada de sua duração inicialmente planejada. 

O terceiro mês do ano também proporcionou uma produção sobre o artista por trás da obra das latas de sopas Campbell. Diários de Andy Warhol (The Andy Warhol Diaries) é uma minissérie documental em 6 episódios que utiliza os diários do pintor como base para retratar a vida pública e íntima de Warhol, conhecido como ícone da pop art. Produzida por Ryan Murphy, a série da Netflix conta com relatos de artistas como a cantora Debbie Harry, o ator Rob Lowe e o diretor John Waters.

Um artista polêmico que também teve sua história narrada por meio de uma produção da Netflix é Kanye West, com Jeen-yuhs: Uma Trilogia Kanye. A minissérie sobre o rapper que revolucionou a indústria do rap e do hip-hop se divide em 3 episódios/atos (Visão, Propósito e Despertar), narrados com uma linguagem bem próxima e bastante íntima, sob a direção de Clarence Simmons. O documentário começou a ser exibido semanalmente no dia 16 de fevereiro e não se desvia dos momentos polêmicos e controversos da vida do artista, como o apoio que manifestou a Donald Trump nas eleições para presidência dos EUA e sua candidatura em 2020. 

Entre uma narrativa e outra, assistimos à minissérie Pam & Tommy. Antes mesmo de acompanhar a trama que envolve o vazamento da sex tape do casal titular, a produção já se faz notar pela escolha de Sebastian Stan para encarnar Tommy Lee, o protagonista que vive um relacionamento com a atriz Pamela Anderson, interpretada na série disponível no Star+ por Lily James. Apresentada com uma estética nostálgica para referenciar os anos 90, a história não complementa o trabalho visual desenvolvido. Talvez buscando agradar Anderson, que não autorizou a produção da minissérie, a direção se perde em não conseguir equilibrar as facetas das personagens, ora complexos, ora travados na mesmice. 

Com esse mesmo enquadramento de minissérie, tivemos One Perfect Shot, que apresenta composições visuais de filmes e séries, dando origem a produção narrada em capítulos de meia-hora com o intuito de convidar cineastas famosos para desvendarem suas próprias cenas. Recebida de forma morna pela audiência, a série do HBO Max surgiu como conta nas redes sociais, e tem narração de Ava Duvernay, com a participação dos  diretores Aaron Sorkin, Patty Jenkins, Jon M. Chu, Kasi Lemmons, Malcolm D. Lee e Michael Mann.

E não foi apenas One Perfect Shot que desagradou. A rede Peacock teimou em transformar em ficção as tramas de Tiger King, sucesso de 2020 da Netflix, e lançar Joe vs Carole em forma da sátira. Batizada com o nome mais inventivo e criativo do mês, a série limitada tem como protagonistas John Cameron Mitchell, na pele de Joe Exotic, e Kate McKinnon encarnando Carole Baskin. Ao longo de 8 episódios, os dois se mastigam em cena, mas nada sai do supérfluo e o pedido fica para que, se for para fazer algo do gênero mais uma vez, é melhor McKinnon continuar restrita aos sets do Saturday Night Live.

Guiando para outras direções, somos apresentados a eventos históricos narrados de forma peculiar. A 1ª temporada de Nossa Bandeira é a Morte (Our Flag Means Death) une ação e comédia para narrar a vida de Stede Bonnet, um famoso pirata do século XVIII. Para a produção, foi recrutado o ator Rhys Darby para desempenhar esse papel a bordo do navio Revenge, no qual o navegador cruza com o conhecido Barba Negra (Taika Waititi). Criada por David Jenkins e produzida por Taika Waititi, a série do HBO Max revisita eventos históricos de modo cômico e surpreendente.

Navegando por outros mares, The Last Kingdom chegou ao fim. Iniciada em 2015, a jornada de Uhtred (Alexander Dreymon) concluiu sua narrativa após cinco temporadas, alimentando os fãs apaixonados por tramas nórdicas, muita sujeira e muitas espadas enferrujadas sendo degradadas em campos de batalhas.

Passando dos vikings para um período pré-vitoriano, a 2ª temporada de Bridgerton demorou, mas a continuação dos contos de amor dos irmãos Bridgerton finalmente chegou. Dessa vez sem o Duque Simon (o indicado ao Emmy Regé-Jean Page), mas com relances da Duquesa Daphne (Phoebe Dynevor), a série de Chris Van Dusen e Shonda Rhimes adapta o segundo livro de Julia Quinn, O Visconde Que me Amava. Na história, Anthony (Jonathan Bailey) decide se casar ao mesmo tempo em que duas jovens vindas da Índia retornam à Londres da Rainha e de Lady Whistledown. 

Seguindo a cartilha de emoção e tensão, dessa vez o foco recai na exímia paixão proibida e em performances mais internalizadas. Destaque absoluto, Kate Sharma (Simone Ashley) é o diamante da temporada. Com desenvolvimento nas narrativas particulares dos irmãos mais próximos à idade do matrimônio, a produção da Netflix se distancia um pouco da obra literária, mas mantém com a vibração de humor e fervor, com direito, é claro, às canções modernas reimaginadas para a época, de Robyn e Miley Cyrus à RIhanna e Madonna.

Do outro lado do oceano, vemos os eventos da 1ª temporada de A Idade Dourada (The Gilded Age). Inspirada em eventos reais, a série conta a história da jovem Marian Brook (Louisa Jacobson), que se muda, após a morte de seu pai, da vida rural na Pensilvânia para a cidade de Nova Iorque para viver com suas tias ricas (Christine Baranski e Cynthia Nixon). Em seu novo lar, Marian começa a questionar os valores e princípios da sociedade. Criada por Julian Fellowes, o mesmo de Downton Abbey, a nova série original da HBO, e disponível no HBO Max, já foi renovada para a segunda temporada.

Fincando o pé em terra firme, a 4ª temporada de F1: Dirigir Para Viver (F1: Drive to Survive) veio bem dramatizada, para combinar com a própria temporada da F1 de 2021.  Nela, a Netflix segue focada em equipes específicas, como a Haas e McLaren, mas os chefes da Mercedes e Red Bull renderam muito procurando o drama mesmo. É um universo para quem não vê a Fórmula 1 tecnicamente, mas é isso que torna a série tão empolgante. 

Nesse mesmo ambiente sobre rodas, nós viajamos para a 1ª temporada de O Turista (The Tourist), protagonizada por Jamie Dornan. Nela, um homem que, após se envolver em um acidente de carro, acorda no hospital, com amnésia. Com a ajuda de uma policial australiana (Danielle Macdonald), ele tenta descobrir quem é e o que aconteceu, enquanto é perseguido por pessoas de seu passado que o querem morto. O elenco da produção disponível no HBO Max também conta com Shalom Brune-Franklin e Damon Herriman, de Mindhunter. O thriller de 6 episódios, que conta com os mesmos produtores de Fleabag, Harry e Jack Williams, já foi renovado para a segunda temporada. 

Já com a pegada de La Casa de Papel, temos a minissérie 3 Tonelada$: Assalto ao Banco Central, que tenta recriar o que aconteceu em 2005, quando ladrões cavaram um túnel de 75 metros, com uma estrutura bem profissional, e roubaram quase 170 milhões de reais do Banco Central em Fortaleza. Para a produção nacional, o caminho subterrâneo realizado pelos bandidos foi reproduzido em estúdio. A série também manteve na trama a teoria do “dinheiro maldito” pela corrupção da PF.

Do Brasil para o mundo, finalizamos nossa lista de indicações com a 1ª temporada de RuPaul’s Drag Race UK vs. the World. O tão esperado All Stars Internacional reuniu 9 drags de diversas franquias. Dos Estados Unidos, tivemos Jujubee (em sua quarta disputa pela Coroa) e Mo Heart (a artista anteriormente conhecida como Monique Heart); do Canadá, retornaram Jimbo e Lemon; do Reino Unido, o time de três era formado por Baga Chipz, Cheryl Hole e Blu Hydrangea; da Holanda, veio Janey Jacké e, da Tailândia, a jurada Pangina Heals estreou como competidora. 

A temporada resgatou o formato original do All Stars 2, e contou com apenas 6 episódios exibidos originalmente pela rede BBC Three na TV. Entre eliminações chocantes, passarelas abaixo do esperado e uma confusão narrativa que deixou um gosto amargo na boca, a drag queen irlandesa Blu Hydrangea foi coroada Queen of the Mother-Tucking World. Assim como no Oscar 2022, os naturais de Belfast tiraram a sorte grande (ou, o mais próximo disso, já que o prêmio da temporada é um remix gravado ao lado de RuPaul). 

Com essa lista esmagadora de produções recém-saídas do forno escolhidas a dedo pela equipe do Persona, o que não falta são opções de filmes e séries para agradar os mais diferentes gostos. E esse é só o fim do primeiro trimestre de 2022, que continuará sendo observado por nós em cada movimento do ano. Até abril, onde nos aguardam a chegada dos Animais Fantásticos, a segunda aventura do ouriço azul e a nova Super Estrela Drag da América.

Texto: Gabriel Gatti

Pesquisa e Pauta: Ana Júlia Trevisan, Caio Machado, Marcela Zogheib, Nathália Mendes, Raquel Dutra e Vitor Evangelista

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Depois de acompanhar os relatos cruéis de Carolina Maria de Jesus e seu Quarto de despejo, o Clube de Leitura do Persona chegou em Março inspirado pela quase onipresente cerimônia do Oscar 2022, e decidiu reunir-se para debater a coletânea de contos Homens sem mulheres, do escritor japonês Haruki Murakami. 

Drive My Car, história que abre Homens sem mulheres, foi incrivelmente adaptada para o Cinema pelo diretor Ryûsuke Hamaguchi, em um filme de quase três horas com trechos inspirados em mais dois contos da mesma obra, Sherazade e Kino. Após suas quatro indicações no Oscar, vencendo na categoria de Melhor Filme Internacional, o tão aguardado longa chegou ao Brasil no dia 1º de abril, através da plataforma MUBI. 

No único encontro do mês, os membros do Clube do Livro debateram as nuances da obra, observando sua melancolia – que perpassa as sete histórias do livro –, a maneira a qual o autor reproduz homens quebrados e falidos em seus textos, e, principalmente, a forma como Murakami retrata o gênero feminino em seus contos. 

Além do escritor japonês, outro nome que se destacou no meio literário em Março foi o de Abdulrazak Gurnah. Ao final do mês, a Companhia das Letras lançou Sobrevidas, a primeira obra lançada no Brasil do tanzaniano vencedor do Prêmio Nobel de Literatura em 2021. A publicação dá início a uma série de quatro lançamentos do autor que a editora deve entregar futuramente. Entre eles, além de Sobrevidas, estão Paradise (finalista do Booker Prize de 1994), By the Sea e Desertion. 

A editora também montou uma campanha de arrecadação de fundos, junto ao Comitê Internacional da Cruz Vermelha (CICV), para as vítimas na Guerra da Ucrânia; por esse motivo, o livro Contos de Odessa, do ucraniano Isaac Bábel, passou a ser vendido no site da editora com mais de 65% de desconto, sem a cobrança de frete, cujo valor integral das vendas será entregue ao CICV. A obra clássica do autor captura o dia a dia na Ucrânia do século XX.

Como uma despedida de viagem – mas com o retorno breve e já agendado –, você fica agora com as dicas de leitura que os membros do Clube do Livro deixaram no Estante do Persona, as quais se pode ler no carro, deitado, no smartphone, ou como bem entender.

Livro do Mês

Haruki Murakami – Homens sem mulheres (240 páginas, Alfaguara)

Lançado em 2014, Homens sem mulheres, do japonês Haruki Murakami, tem seu título inspirado em um conto de Ernest Hemingway, e é composto por sete narrativas que mesclam elementos oníricos e melancólicos, sempre deixando em aberto a dimensão sentimental dos personagens. A coletânea se abre com Drive My Car, conto que inspirou o laureado filme homônimo de Ryûsuke Hamaguchi, e conta a história de um ator e diretor de teatro que contrata uma mulher para dirigir seu carro. Esse mesmo personagem está adaptando Tio Vânia, de Tchékhov, em uma peça, e as questões levantadas ao longo da história – por que ele não dirige? O que aconteceu com a sua esposa? – são respondidas de forma lenta, como uma uma viagem tranquila de carro.

No conto Sherazade, Murakami narra uma história com evidentes referências ao Livro das Mil e uma noites, mas a subverte e transpõe seu ar fantástico na banal vida cotidiana. Kino, o mais longo conto da coletânea, tem semelhanças com outras de suas obras – principalmente Kafka à beira-mar (2002) –, e retrata um episódio no qual o protagonista homônimo encontra sua esposa dormindo com o melhor amigo. Depois desse evento, abandona sua vida pregressa e decide abrir um bar; no entanto, os clientes estranhos que passam a frequentar o lugar forçam com que Kino desobedeça as regras estabelecidas por ele próprio, e sua jornada solitária de reclusão se transforma.

O conto que dá título ao livro fecha a coletânea, e tem seu início com um telefonema, no qual o homem que a recebe ouve de outro indivíduo que “a mulher dele” se suicidou, e por esse motivo entrou em contato para informá-lo. A mulher em questão era sua amante, e o homem que ligou era o real marido da mulher. A partir desse momento, o protagonista começa a rememorar como a conheceu. O mais interessante é a forma como todos os contos do livro se interligam pelo sentimento de solidão, transposto inclusive na forma lenta de narrar. “Um dia, de repente, você vai ser um dos homens sem mulheres”.

Dicas do Mês

André Aciman – Me Chame Pelo Seu Nome (288 páginas, Intrínseca)

Em uma Itália fumegante em clima e desejo, o jovem Elio é encantado por Oliver, um estudante que vem passar as férias na casa de sua família. O homem será instruído pelo pai do jovem, um acadêmico de renome que, sazonalmente, recebe novas mentes para auxiliá-lo com os livros e sua pesquisa. De supetão, o franzino e contemplativo adolescente acaba se entregando a uma troca intensa com o recém-chegado, que chega para chacoalhar sua visão de mundo e seus sentimentos em efervescência.

Pelas palavras do egípcio André Aciman, ficamos tão enamorados e em transe quanto os protagonistas dessa combustão de verão. A adaptação cinematográfica, que tem em seu miolo o envolvimento de Luca Guadagnino, Timothée Chalamet e Armie Hammer, resgata o máximo que consegue da obra, mas quem se aventura pelas menos de trezentas páginas, embrenhadas em luxúria, encontra uma visão pouco esmiuçada do que significa o ato de estar apaixonado, de se ver entregue de corpo, alma e pêssego. – Vitor Evangelista

Louisa May Alcott – Mulherzinhas  (592 páginas, Companhia das Letras)

Em 1868, Louisa May Alcott lançou uma das obras mais influentes e queridas da história da Literatura mundial, com uma roupagem que pressupunha exatamente o contrário para o contexto da época: um romance escrito por uma mulher, apresentando uma narrativa sobre mulheres, e intitulado Mulherzinhas (Little Women, no original em inglês). Para superar as expectativas e preconceitos, o livro mergulha no carisma de Meg, Jo, Beth e Amy, as irmãs March. Elas vivem, cada uma à sua própria maneira, entre os delicados anos de 1861 e 1865, marcados pela Guerra Civil Americana, que requisitou a presença de seu pai, precisando, assim, equilibrar as responsabilidades junto da mãe, Marmee, para manter a família e a casa em ordem. 

O cenário caoticamente familiar é o lugar que Alcott encontra para provocar reflexões sobre os padrões sociais que interferem na vida e liberdade das mulheres. Assim, através da observação de Meg, a obstinação de Jo, a mansidão de Beth e confiança de Amy, a autora desenhou – com contornos autobiográficos – uma analogia atemporal da vastidão feminina em eterno conflito com o mundo que tenta domá-la. De tão rica, a história de Mulherzinhas transcende a manifestação artística em que nasceu, destacando, entre diversas adaptações das mais variadas naturezas, o filme de Gillian Armstrong (Adoráveis Mulheres, de 1994) e, mais recentemente e principalmente, o de Greta Gerwig (mesmo título, de 2019), que foi indicado a seis Oscars em 2020, incluindo o de Melhor Filme e Melhor Roteiro Adaptado. – Raquel Dutra

Caio Fernando Abreu – Pequenas Epifanias (240 páginas, Nova Fronteira)

Pequenas Epifanias é, antes de tudo, uma seleção de crônicas publicadas pelo escritor Caio Fernando Abreu entre as décadas de 1980 e 1990, nos jornais O Estado de São Paulo e Zero Hora. Afastando-se, no entanto, das coletâneas literárias mais convencionais, a primeira edição desse livro só foi desenvolvida em 1996, poucos meses após a morte do excepcional contista brasileiro. Mais do que uma publicação póstuma, a obra em questão é a escolha perfeita para quem quer ter um primeiro contato com os textos de Caio, já que ela compila elementos muito agradáveis aos mais diversos tipos de amantes dos livros, tais como a proximidade com o leitor, um constante tom de confissão, pessoalidade e subjetividade intensas, além de uma perceptível diversidade temática. 

De modo geral, a Literatura de Caio F. não é homogênea e, exatamente por causa disso, ela não assume um tom único, fugindo com maestria da mesmice. Em sintonia com essa constatação, Pequenas Epifanias consegue captar muito bem as nuances de uma escrita intensa, devota, artisticamente honesta, precisamente lapidada e, às vezes, até mesmo provocativa. Não é de se espantar, portanto, que algumas das crônicas presentes neste livro se aproximem demasiadamente daquilo que, por convenção, conhecemos como conto. Afinal, mesmo estampando páginas de jornais, Abreu pertencia de fato às artes literárias – e as minúcias do cotidiano nunca mais serão as mesmas para quem se apaixonar por essa figura artística tão encantadora. – Eduardo Rota Hilário

Thomas Harris – O Silêncio dos Inocentes (318 páginas, Record)

Poucos são os filmes que se consagraram Big Five na cerimônia de premiação do Oscar, mais incomum ainda é uma produção de Terror sair com a estatueta do maior prêmio da noite. O Silêncio dos Inocentes conseguiu o duplo feito se baseando na obra homônima de Thomas Harris. O livro de 1988 é o segundo na trilogia protagonizada por Lecter e responsável por introduzir a ávida Clarice Starling, uma das melhores alunas da turma do FBI. Explorando o processo de investigação e suas burocracias, a leitura fluida é um auxílio para entender toda glorificação da obra. 

Diferente de seu antecessor, Dragão Vermelho, a obra foca menos na mentalidade doentia de seu assassino e mais na sádica perspicácia de Hannibal e em sua relação com Clarice. Ela, por sua vez, é peça chave para os momentos de maior deleite de O Silêncio dos Inocentes. A construção da personagem abarca o machismo e o sexismo da área pericial e toda força de Starling no desafio de se encontrar com Lecter, mesmo que para isso precise passar pelos imundos corredores da cadeia, causando as cenas de maior desconforto no leitor. A maior responsabilidade de Harris nessa publicação foi esclarecer que Buffalo Bill não é um personagem transsexual, livrando o produto de um beco de problemáticas, principalmente pela época na qual foi escrita. – Ana Júlia Trevisan

Javier Marías – Coração tão branco (272 páginas, Companhia das Letras)

A sequência de eventos que compõem nossas vidas e se sucedem ao longo dos dias parece ser uma causalidade esquisita. Essa é uma das obsessões de Javier Marías, que de alguma forma suspeita não existirem causalidades, pois tudo depende de nossa forma arbitrária de recortar o presente e transformá-lo em alguma mensagem oculta. Em Coração tão branco (1992), o escritor espanhol traça uma história através do fluxo da consciência de seu protagonista, Juan, um tradutor e intérprete que, desde o dia de seu casamento, começa a sentir “pressentimentos de desastre” – sem ter conhecimento que essa sensação é um tipo infortúnio de herança –, agravados durante a viagem de núpcias com Luisa, em Havana. Até então, ele ainda não sabia que sua tia, Teresa, havia se suicidado assim que regressou de sua própria lua de mel (o suicídio é, literalmente, a abertura do romance).

O que chama atenção na obra é a maneira a qual Marías reproduz as incertezas dos segredos, os mesmos que, apesar de longínquos, guardam reações explosivas quando revelados. Cada personagem em Coração tão branco reage de forma diferente às confissões descobertas, e o mote das histórias fica evidente desde o início: o título é uma referência a Macbeth, de Shakespeare, e é proferido na obra clássica quando Lady Macbeth apunhala o já morto rei Duncan – para dividir o peso do assassinato –, mas se envergonha por agora possuir um “coração tão branco”. A forma envolvente que Javier Marías desenvolve a história vale todo o esforço de leitura; ao terminar o livro, é muito difícil esquecer todas as revelações que nos foram confiadas. – Bruno Andrade

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