Guilherme Moraes

Apesar da mudança de nome após a finalização do roteiro, Superman de 2025 continua sendo sobre legado. Legado kryptoniano, do cinema de herói e, principalmente, de suas adaptações antecessoras, sejam elas para TV ou Cinema. O herói de capa vermelha é uma das maiores figuras dos tempos modernos. Se outrora eram os personagens de Shakespeare, como Romeu e Julieta que sofreram releituras para agradar a grande massa – e que ainda passam por isso mas em menor escala –, na atualidade são os personagens em quadrinhos como Homem-Aranha, Batman e Superman que são reinterpretados e adaptados regularmente. Sobre essa perspectiva, é possível observar que, historicamente, o Azulão sempre foi visto como uma divindade no audiovisual, salvo algumas exceções. Contudo, com a direção de James Gunn, ele finalmente pode abraçar seu heroísmo inocente e até utópico.

Provavelmente a maior inspiração para a versão do David Corenswet seja Superman – O Filme (1978). Richard Donner constrói um protagonista belo e perfeito, capaz de realizar feitos divinos. Nessa mesma levada, Bryan Singer faz a manutenção da visão de Donner em Superman – O Retorno (2006), com uma leve diferença: ele o torna enfadonho. Se é um homem que pode fazer de tudo e sair ileso, logo não há mais graça em acompanhá-lo. Tudo é pequeno para o último filho de Krypton, ele precisa de um supervilão e lidar com o caos e a destruição para se tornar interessante, pois até mesmo seus momentos mais incríveis se tornam ordinários. Nesse sentido, o herói precisava de novas interpretações para as telas.

Dentro desse contexto entrou Zack Snyder com sua perspectiva mitológica em O Homem de Aço (2013). No entanto, o seu discurso sobre esperança se contradiz com a representação militarizada e inconsequente. A leitura de James Gunn não é exatamente uma resposta a esse filme, mas uma certa retomada a aquele Cinema de herói mais colorido, cartunesco, brega e até mesmo pop, contrastando com as obras cínicas e cinzentas. É interessante como Thunderbolts* (2025) propõe a morte dessa maneira de contar histórias e logo em seguida vem Superman. É como se fosse a morte do gênero e seu renascimento subsequente, sem dar fôlego ou pausas.

Snyder alcança a divindade por meio do poder, Donner pela idealização, Singer pelo virtuosismo maçante e Gunn vai um pouco na contramão ao buscar o humano e o herói. Sua filosofia é simples: salvar vidas, independente do que isso acarrete. É o Superman que mais apanha, no entanto, é como se ele se sacrificasse cotidianamente, seja sendo pisoteado por um Kaiju ou um prédio desmoronando em cima dele. Cada dor implica uma vida salva. Nesse sentido, o longa está muito mais próximo de um Smallville (2001 – 2011), até mesmo pela breguice adotada – ainda que não consiga replicar tão bem o melodrama e a caretice da série.

Essa mudança entre o clássico e o atual é estabelecida com a entrevista de Lois com Superman, um paralelo da cena entre Christopher Reeve e Margot Kidder. No longa de 1978, a jornalista não conhece a verdadeira identidade do kryptoniano, eles se dão bem e fazem o famoso vôo juntos. Ali é construído um herói belo e perfeito. No novo, Lois (Rachel Brosnahan) já sabe a identidade secreta do Super Homem (David Corenswet). Clark não está uniformizado, está vestido com as roupas de trabalho e os dois brigam na entrevista. Ali ele é o humano, imperfeito, falho, incapaz de ser herói, mas bem intencionado.

Todavia, o apelo à humanidade do Homem de Aço é muito mais discursivo e menos imagético, como na tomada final entre Lex (Nicholas Hoult) e o Super Homem. Isto é uma consequência da ausência de cadência, algo que Smallville lidava bem ao apostar nos diálogos caretas, emotivos e apelativos, para encontrar a ponte entre o lado humano e kryptoniano de Kal-el. Na obra há duas pausas, uma funciona perfeitamente, que é a cena de Lois e Clark – praticamente todas as cenas dos dois funcionam muito bem – conversando enquanto o monstro gigante ataca a cidade. A outra já tem um problema por cortar o drama com uma piada, que é o caso do momento pai e filho entre Jonathan (Pruitt Taylor Vince) e Clark Kent na fazenda.

É um Superman que não consegue mais tornar a Terra sua, precisa se adaptar a ela. Se em Superman – O Filme (1978) o herói modifica a história, aqui ele não consegue se adaptar à mudança causada pelo avanço tecnológico. Algo parecido com Superman III (1983), porém na mão de Richard Lester estava mais para ‘Deus x Máquina’, enquanto Gunn vai mais para ‘Onde fica a esperança em um planeta que alimenta o ódio?’ O Azulão não consegue transformar o mundo, não há maneira de pausar e respirar. Está em constante movimento e precisa continuar salvando as pessoas nesse ritmo frenético. É uma versão em que ele perde poder, não à toa é um dos filmes em que mais apanha. Contudo, não está perdendo para um homem e sim para a humanidade. Sua diferença é se mostrar como a esperança para que eles próprios se transformem em algo melhor, pois ele por si só, já não consegue fazer isso.

O lado político chama muito atenção, principalmente pela coragem de assumir um posicionamento polêmico em um Blockbuster. O conflito entre os países fictícios de Jarhanpur e Borávia funciona como uma alusão a Israel e Palestina. A obra não se isenta e faz uma retratação antisionista. Inclusive, coloca as ações dos Estados Unidos diante do confronto, em cheque. James Gunn é crítico em relação ao próprio país que lucra com a morte de pessoas inocentes. Chama a atenção a cena em que o exército de Borávia invade Jarhanpur e aponta as armas para uma criança que segura um mastro com uma bandeira do Superman e deposita toda sua fé nele. Sobre essa perspectiva, é possível notar como a esperança não é apenas discurso, mas se torna algo material.

Nesse sentido, é possível traçar alguns paralelos com os longas antecessores. Se em Superman o herói interfere no combate e toma uma posição para salvar vidas, em outras obras ele age diferente. Em Superman IV (1987), a postura assumida pelo kryptoniano tenta emular imparcialidade, mas na realidade favorece os Estados Unidos. O quarto capítulo da saga adota claramente uma orientação anti-rússia e pró-EUA, visto que foi produzido e lançado no final da Guerra Fria. Entretanto, é em Superman – O Retorno que há o posicionamento mais interessante, por trazer uma desilusão em relação a humanidade. Ao voltar para Terra, Clark assiste aos noticiários e se vê impotente diante dos conflitos do mundo. Como se ele aceitasse que essa violência faz parte da natureza humana. Talvez ele possa salvar as pessoas das catástrofes, mas jamais de si mesmas. Nesta fita de 2025, há uma espécie de oposição à perspectiva de Singer.

Uma das grandes sacadas do cineasta é tirar o peso das cenas de luta. A cidade é destruída aos poucos, porém, não há enfoque nos cidadãos tampouco medo da morte. Existe uma sensação de banalidade, como se a luta e a destruição fossem cotidianas nesse universo que já está estabelecido. Isso também traz um ar episódico, quase uma HQ semanal com o vilão da semana. Destaca-se o momento em que o monstro ataca a cidade em segundo plano, enquanto Clark e Lois discutem. É uma brincadeira entre o drama e a comédia, com o humor construindo o personagem. O protagonista deixa a criatura de lado, pois aquilo é corriqueiro, resolvível. O que é importante está naquele diálogo sobre a bondade utópica de Kal-el e no debate que tangencia questões humanas quase impossíveis de solucionar.

Olhando para as adaptações do Homem de Aço para o Cinema, é possível observar o enfoque na figura Superman em detrimento a de Clark Kent. Os diretores sempre buscam sua própria visão do super, mas pouco para o homem, com exceção das séries como Smallville. Para efeito de comparação, Homem Aranha 2 (2004) de Sam Raimi é mais uma obra sobre Peter Parker do que do Amigão da Vizinhança. Até mesmo os longas do Batman não conseguem deixar de lado a questão aristocrática ligada a Bruce Wayne. Todavia, a impressão que passa é que as obras do kryptoniano sempre deixam Clark de lado, e o longa de 2025 não está isento disso.

Apesar das qualidades, é possível observar uma profusão de temas que se sobrepõem a todo instante. A multiplicidade de assuntos por si só não é negativa, entretanto, aqui não há tempo para que eles se consolidem, cada imagem superpõe a outra numa velocidade vertiginosa. Tudo está em constante movimento, mas poucas vezes é possível parar e observar.

O novo DCU começa bem ao escolher o maior super herói do mundo como protagonista do primeiro grande filme. É uma nova era para a DC e o subgênero, e Superman simboliza isso. Gunn pode não ser Raimi ou Donner, mas consegue entregar um estilo próprio que deve servir como molde para as sequências. Ainda que trocar uma fórmula por outra não seja o ideal, pelo menos há um certo frescor nessa nova abordagem cartunesca e colorida, que o Cinema de herói jamais deveria ter abandonado.

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Davi Marcelgo

Abdicar sonhos pelo bem maior, ser incorruptível, simbolizar a honra e bondade humana. Muitos filmes de heróis, desde Superman (1978), representam protetores benevolentes que transpiram sacrifícios. Os feitos desses mitos incluem girar a Terra em sentido anti horário e alterar o tempo, parar um trem desgovernado, salvar o Natal. Dentre os chavões do subgênero há a jornada em busca do que te faz um paladino. Ser tentado a usar os poderes para o próprio benefício, encarar dilemas, matar ou não seus inimigos e por aí vai. Homem-Aranha 2 (2004) debateu as responsabilidades da vida de vigilante, nuances foram inseridas nos quadrinhos ao longo dos anos, afastando os homens que usam colã de uma noção maniqueísta. Mas o caminho de se tornar um herói pode ser apenas consequência de um objetivo muito mais nobre: o de se relacionar. 

Em 2014, uma equipe de criminosos traumatizados foi introduzida na história de Hollywood, os Guardiões da Galáxia. Diferente dos outros super-poderosos, eles não são dotados de proezas ou nobreza. São interesseiros, faziam serviços em troca de pagamento e salvaram a galáxia só porque pereceriam se não impedissem os planos de Ronan, o Acusador (Lee Pace). Depois dos eventos contra os Kree, se aproximaram do formato de uma equipe à la Vingadores. Porém, em Guardiões da Galáxia Vol. 3 (2023), terceiro e último encontro dos heróis dirigido por James Gunn, salvar a família é o mais importante, e no meio da jornada, talvez dê tempo de se tornar um herói. 

Desde o primeiro filme, a história do grupo é sobre pessoas que se esbarraram e descobrem características em comum. Criminosos renegados, com passados traumáticos e sem família, unem-se para sobreviver. Em determinado ponto, eles percebem fragmentos de qualidade um nos outros, qualidades heroicas. Coragem, inteligência, sacrifício e humildade. Quando decidem salvar o planeta Xandar, é para estarem juntos caso a empreitada falhe. Morrer ao lado de quem te aceitou e admirou sem pedir nada em troca não parece ruim. 

No volume 2, os Guardiões salvam o universo do maligno planeta Ego numa luta para resgatar Peter Quill (Chris Pratt). Rocket atravessa vários pontos do espaço pelos amigos que estão presos. Diferente do maximalismo do MCU, o clímax é mais íntimo: eles frustram os planos do vilão numa sucessiva cadeia de objetivos, na qual o mais importante é tirar os guardiões dali – o   universo terminar bem é consequência. James Gunn isola e separa seus personagens do resto da Marvel a fim de criar a própria maneira de desenvolver história e grupo. 

São vários os momentos em que isto é perceptível. Nota-se o que a direção quer mostrar, preferindo filmar uma briga e o revezamento de cuidado para com o Baby Groot (Vin Diesel) do que um tiroteio entre naves, como o carinho que o membro mais novo do grupo recebe em meio uma missão e as linhas de diálogo que aprofundam as relações. Quando ele prioriza o entendimento e aproximação do público dentro da dinâmica, é um recado da hierarquia de eventos, uma indicação ao que você deve olhar. 

Mas e a terceira parte da aventura? Na trama, são os amigos que desbravam a galáxia para salvar um dos seus. Após Adam Warlock (Will Poulter) ferir Rocket Raccoon (Bradley Cooper) em uma missão determinada pelo Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji). Diante disso, os Guardiões da Galáxia precisarão correr contra o tempo para salvar o guaxinim, ao mesmo tempo que o passado tortuoso de Rocket e todos os métodos facinorosos do cientista contra animais indefesos são revelados, fazendo a trilogia culminar em um confronto empolgante. Atos de bravuras que poderiam soar comum e genéricos são potencializados por toda carga emocional inserida em todas as interações da equipe durante toda a década. O Senhor das Estrelas (Pratt) salta de uma altura absurda para obter o único objeto capaz de salvar a vida de seu amigo. 

Gunn, que também assina o roteiro, conhece os moldes dos filmes de heróis, os clichês de mocinho e inimigo, parecidos em poderes e até trajes, como Homem-Aranha e Venom, Hulk e Abominável ou Superman e Zod, reduzidos a serem apenas uma contraparte. No último volume, o cineasta subverte o clichê e afasta Rocket de Alto Evolucionário. De parecidos, eles não tem nada. O guaxinim precisou aprender a conviver com as diferenças e imperfeições de cada guardião. Já o vilão é incapaz de reconhecer outro ser e aceitá-lo, constantemente atrás de modificar seres (humanos ou não) ao seu bel gosto e senso de perfeição. 

Pensando em arco de personagem, o menor guardião é o que tem o maior deles. Introduzido como casca-grossa, ele não tinha receio algum de puxar o gatilho e já tinha até ameaçado matar os membros de sua equipe. Ele se esquivava de perigos, como fez na luta contra Thanos em 2018 e afastava as pessoas ao seu redor. Com o volume 3, descobrimos que era tudo pelo trauma de ter perdido sua primeira família pelas mãos do torturador de animais. A frase “cansei de fugir” é um grito de liberdade. 

Quando Rocket opta por não matar seu nêmesis, mas libertar todas as criaturas presas, ele então se torna um herói. A equipe estava a salvo e o Alto Evolucionário não apresentava mais uma ameaça. Não tinha necessidade de Rocket salvar mais ninguém, exceto quando você é um herói. A resposta que ele dá, “sou um guardião da galáxia”, representa todas as características boas que ele reencontrou em si ao fazer parte da equipe. O antagonista é imperdoável. Durante grande parte do filme, somos expostos a incontáveis crueldades dele sem nenhum fio de humanização, que, ao final, a decisão de Raccoon vem como um choque para o espectador.

Fora todo o subtexto de heroísmo, ainda tem muita coisa magistral. Adam Warlock é uma ótima adição à saga: mesmo com pouquíssimos 10 minutos de tela, já é o bastante para se apaixonar pela atuação de Will Poulter. O filme também é o mais violento de todo Universo Marvel e rende algumas lágrimas durante seus 150 minutos, além de uma ótima trilha sonora, abrindo com Creep, clássico da banda Radiohead. Até as rimas visuais ganham espaço. Uma delas, ao final do filme, remete à cena do longa de 2014, “um bando de otários de pé formando uma roda”. 

E não para por aí. Guardiões da Galáxia Vol. 3, além de ter enchido os bolsos da Marvel Studios, também foi indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Por infelicidade, o blockbuster ficou de fora em outras duas categorias em que teria grandes chances de levar a estatueta para a casa, Melhor Design de Produção e Melhor Maquiagem e Cabelo.

Quebrando o recorde de maior número de próteses utilizadas em um filme, o desfecho da trilogia utilizou 22.500 próteses, 500 perucas e 130 perucas faciais. Ao optar por efeitos práticos, James Gunn deixa a história ainda mais próxima das Space Opera dos anos 1970 e corrobora com o desempenho dos atores, que poderiam ser facilmente substituídos por CGI. Nas palavras do próprio diretor, a intenção era garantir a atuação de Chukwudi Iwuji. Já a direção de arte comandada por Beth Mickle é engenhosa ao ponto de fazer você pegar um foguete e ir direto para o espaço, com diferentes texturas e estéticas, desde uma base centrada num organismo vivo pegajoso a uma espaçonave feita de figuras geométricas. 

O futuro da DC no Cinema está seguro. Com James Gunn, que demonstra domínio nas adaptações em quadrinhos, todos os tiros tendem a ser certeiros. Para além de uma construção de um universo cinematográfico ansioso, ele sempre preferiu sustentar sua história e fazer o público querer sentar no banco do passageiro. Para fazer uma nova e excelente abordagem de tornar-se herói, só conhecendo o material base e amando ele. 

O título sobe em um momento de fragilidade e irmandade da equipe, condensando o que é ser um Guardião da Galáxia. Não em grandes atos épicos, mas na interação entre esses personagens disfuncionais. As grandes cenas de ação ganham riqueza graças ao sentimento compartilhado entre o público e eles. Acompanhar os Guardiões da Galáxia na trilogia, suas participações em Vingadores: Guerra Infinita e Ultimato e um especial de Natal foi uma viagem rumo às estrelas mais quentes. Foi fazer amigos, ser apresentado aos hits favoritos de uma pessoa que você nutre carinho e aprender que não é necessário ter uma ‘alma perfeita’.

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Mariana Nicastro 

Após décadas de filmes de super-heróis, obras subversivas desse tema nascem como algo novo, diferente das fórmulas surreais representadas sob o véu puro e íntegro das produções Disney. Porém, mais interessante do que assistir à jornada já conhecida de heróis quase perfeitos, de super-homens, é acompanhar o desenvolvimento, conflitos e contrastes de um anti-herói, sem pudor, honra ou valores e objetivos generosos. Afinal, dualidades e fortes conflitos internos os fazem mais humanos e reais.

Com essa premissa nada heróica, violenta, explícita, mas ainda intimista e sensível, Pacificador surge como um magistral exemplo desse subgênero, que rendeu uma indicação ao Emmy 2022. A obra de comédia e ação é original da HBO Max, criada, roteirizada e dirigida em cinco de seus oito episódios por James Gunn. Spin-off do longa-metragem O Esquadrão Suicida (2021), a série revela as características das produções do cineasta: o tom sarcástico, zombeteiro e violento, mas equilibrado.

O piloto, denominado Um Novo Turbilhão (A Whole New Whirled), introduz a perspectiva do Pacificador (John Cena) após os acontecimentos de O Esquadrão Suicida, com o recrutamento do vilão para uma nova missão proposta por Amanda Waller (Viola Davis) e uma nova equipe para acompanhá-lo no Projeto Butterfly. A investigação ronda uma raça de borboletas alienígenas que parasitam seres vivos no planeta Terra, em busca de propagarem sua existência.

Pai dos Guardiões da Galáxia (2016), Gunn havia sido demitido da realização do terceiro filme da franquia após ter tweets antigos e ofensivos recuperados por um ativista da extrema direita estadunidense. O diretor, que já havia se desculpado pelas piadas feitas no passado, foi rapidamente contratado pela Warner Bros. Pictures para salvar a ideia do esquadrão de vilões da DC nos cinemas.

Aplicando seu estilo na produção da HBO, Peacemaker, o nome original da produção, desconstrói a ideia do vilão frio e arrogante, sugerida em seu prelúdio. Aqui, a sua personalidade e passado são explorados, humanizando-o. Protagonizada pelo carismático John Cena, o ator dá vida a Christopher Smith, o Pacificador. Um anti-herói bruto e ignorante, mas também ingênuo e espontâneo. Sua honestidade e autenticidade são características que o transformam ao decorrer dos episódios, somados à inspeção de suas camadas que desencadeiam a empatia do público.

Mas afinal, é possível gostar do Pacificador? Considerando não apenas a morte de Rick Flagg, mas também seus traços vulgares, misóginos, brutais e assassinos? À primeira vista, jamais. É preciso, então, um mergulho intimista na perspectiva do – até então – vilão, desmascarar seus medos, inseguranças, traumas e compreender as vivências que o tornaram este homem. E é essa a linha que Peacemaker segue. Afinal, crescer com um pai como Auggie Smith (Robert Patrick), um fascista e racista cruel, à la Homelander, é capaz de desenvolver uma personalidade problemática em qualquer criança. 

Nos quadrinhos, o pai de Christopher era nada menos do que um nazista que participou da Segunda Guerra Mundial, cujo fantasma seguiu atormentando seu filho. Quando cresce, o Pacificador usa suas habilidades para buscar a paz, derrotando, principalmente, governos totalitários. Já na obra de Gunn, Smith é não só importunado pelas ideias do pai, como pela aparição do Dragão Branco. Junto da raça alienígena, as duas problemáticas funcionam como pontos de partida para o desenvolvimento do anti-herói, em busca da figura heróica que existe dentro de si.

Peacemaker veio para mostrar que, na maior parte das vezes, a maldade é construída e que, no caso de Smith, também pode ser desmantelada. A atuação de John Cena contribui muito para o equilíbrio da personalidade do protagonista. Ele é brutal e apático enquanto busca a paz a todo custo, mesmo que para atingi-la precise recorrer à violência e morte. Suas atitudes, porém, carregam uma infantilidade e forte crença pessoal em seus valores, de forma que assistimos a um anti-herói escrachado, mas carismático, capaz de conquistar a simpatia do telespectador e dos demais personagens em tela.

Quanto aos últimos, eles têm características únicas e se destacam cada um ao seu modo. Emilia Harcourt (Jennifer Holland) é uma agente durona e áspera, capaz de amolecer o coração do Pacificador. Misteriosa, ela é experiente mas, apesar das habilidades, tem valores a aprender com sua nova equipe. Já o Vigilante, ou Adrian Chase (Freddie Stroma), é o parceiro excêntrico e violento de Smith que, de acordo consigo mesmo, distribui “uma justiça brutal”. Fã obcecado do anti-herói, ele proporciona doses extremas de um humor ácido e cenas absurdas.

A carismática Danielle Brooks dá vida a Leota Adebayo, uma agente simpática e novata, que cria um laço cômico e afetuoso com Christopher, além de ter grande importância para o universo da trama. Sua amizade com o Pacificador é a mais improvável possível, o que torna a experiência de vê-los juntos em cena intrigante e interessante, contribuindo para um crescimento do protagonista.

Para fechar a lista, a narrativa ainda insere o desajustado John Economos (Steve Agee), o líder Clemson Murn (Chukwudi Iwuji), que esconde um segredo sinistro, e o enérgico e exótico Judomaster (Nhut Le), que sempre busca brechas para atacar o Pacificador e o Vigilante. Quanto às borboletas, são as principais inimigas da trama e provam-se reais ameaças, já que qualquer um pode ser parasitado e ter um destino fatal. 

Como um todo, Peacemaker apresenta um desenvolvimento espetacular de personagens e da trama. O roteiro de Gunn é fechadinho, completo e entrega muito mais do que aparenta sugerir no início, com os episódios iniciais da temporada. A trama se desenvolve para algo maior com naturalidade e os protagonistas recebem essa evolução da mesma maneira. 

A comédia, ação e os dramas pessoais do Pacificador são equilibrados. O humor é irônico e pontual, funcionando com exatidão. A série tem consciência da galhofa que visa e usa disso para zombar de si mesma e de seus exageros. Como a delicadeza de Smith com sua águia de estimação, Eagly, que o humaniza, cria uma espécie de humor nonsense e equilibra cenas de violência extrema ou drama, com interações entre o Pacificador e o seu tão amado pet.

Sobre as cenas de violência: são explosivas e sangrentas. A brutalidade, nudez e sexualidade explícitas condizem com os absurdos sugeridos pela obra e, da mesma forma que produções como Deadpool (2016), conversam com a origem e o perfil do protagonista. As cenas de ação são eletrizantes, muito bem coreografadas e progridem, encontrando seu ápice na season finale, denominada Chutando o Pau da Bavaca.

O encaminhamento final da narrativa é inspirado e conclusivo. De fato, o Pacificador encontra paz consigo mesmo e reconhece virtudes em si e nas relações cultivadas pela equipe. E quando Peacemaker não poderia surpreender ainda mais, os últimos minutos da finale trazem participações especiais de personagens bastante conhecidos do universo, com interações divertidas e inesperadas, ainda que breves. 

A série eleva o patamar da DC ao comprovar que com o tom e direção certos, seus heróis vindos dos cinemas podem ter pitadas engraçadas, sob histórias divertidas, cativantes, simples, muito motivadas e criativas. Trata-se de uma das melhores – senão a melhor – criação de James Gunn. Com tudo isso, era de se esperar que Pacificador receberia ótimos olhares do público e da crítica. 

A produção de alto nível e qualidade, contudo, poderia ter sido ainda mais homenageada e relembrada. Com apenas uma indicação no Emmy 2022, na categoria Melhor Coordenação de Dublês em Série de Comédia ou Programa de Variedades, a brilhante ação cômica foi esquecida na lista de concorrentes a Melhor Série de Comédia. Na premiação, ela compete com nomes como Barry, Cobra Kai, Gavião Arqueiro, The Righteous Gemstones e What We Do in the Shadows.

Séries como Patrulha do Destino e Watchmen (também do HBO Max) e a já citada The Boys, baseadas em histórias da DC Comics, foram obras premiadas em edições passadas do Emmy. A penúltima, por exemplo, foi indicada 26 vezes, enquanto o sucesso dos heróis ao avesso recebeu 5 nomeações. Quanto a esta, a produção do Amazon Prime Video e sua representação de anti-heróis nas telas têm semelhanças com o estilo de Pacificador, ainda que a audiência, resultante de uma distinta divulgação de ambas, tenha lhe entregado outros efeitos nas premiações. A série é, de fato, digna de nota. Levando o prêmio para casa ou não, merece maior destaque dentro do nicho de super-heróis e de comédia, subvertendo o primeiro gênero com maestria e perspicácia. 

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“Eu sou Groot” – Groot

Júlia Caroline Fonte

A última década foi bem polêmica para a indústria cinematográfica, o boom dos filmes de heróis gerou vários conflitos entre os cinéfilos mais conservadores e os amantes da cultura pop. Os super-heróis foram os responsáveis por lotar as salas de cinema no mundo todo, principalmente devido às grandes mudanças nos Estúdios Marvel. Foi nessa década que heroínas e personagens não convencionais conquistaram seu lugar, como aconteceu com o grupo de deslocados conhecidos como Guardiões da Galáxia, que completa 5 anos de seu segundo filme.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 apresenta uma nova fase da equipe formada pelos ex-criminosos mais perigosos – ou atrapalhados – da galáxia: Peter Quill (Chris Pratt), Gamora (Zoë Saldaña), Drax (Dave Bautista), Rocket (Bradley Cooper) e o então bebê Groot (Vin Diesel). Após derrotar Ronan, salvar Xandar e recuperar a Joia do Poder, o grupo se dedica a proteger a galáxia – e roubá-la também. Porém agora, a narrativa se volta para uma velha incógnita: o pai de Peter Quill.

Em meio a diversos conflitos e desentendimentos dentro dessa nova família formada pelo grupo, eles seguem concluindo diversas missões pelo espaço. Até que por um descuido de Rocket, se envolvem em uma grande confusão com os Soberanos e, durante uma perseguição, se encontram com Ego (Kurt Russell), um homem misterioso que diz ser o pai de Peter. É a partir daqui que o grupo se divide, Rocket e Groot ficam no planeta em que caíram para consertar a nave e manter Nebulosa (Karen Gillan) prisioneira, porém são capturados por Yondu (Michael Rooker) e os saqueadores. Enquanto isso, Peter, Gamora e Drax seguem com Ego para seu planeta, junto de Mantis (Pom Klementieff) uma extraterrestre com poderes empatas que ajudam seu mestre.

O filme traz a identidade única da série, só que agora de forma mais marcante. O que de início parecia ter sido um teste de um novo estilo de história de herói é assumido em seu segundo volume; que investe sem medo ao explorar o visual colorido e marcante, bem como o humor característico dessa narrativa que cativou o público. Tal abordagem tornou-se uma questão controversa para muitos fãs, que alegam que a obra ficou “infantil” devido a maior quantidade e frequência de piadas. No entanto, e assim como no primeiro filme, essa perspectiva cômica ocorreu na medida certa, de forma que fizesse sentido com seus personagens e com a narrativa como um todo.

A explosão de cores ganha destaque nessa obra, tanto em seus cenários quanto na caracterização das personagens. A mistura entre atual, antigo e futurista é muito bem desenvolvida em seu visual, acrescido a uma trilha sonora ideal, algo que já se tornou clássico para os Guardiões da Galáxia. Suas músicas contribuem para a construção do tempo e espaço da narrativa, além do tom proposto por ela, como também estão presentes na realidade dos personagens, com o tão amado walkman do Senhor das Estrelas, responsável por tocar os melhores clássicos das décadas de 70 e 80. 

Mas, com certeza, o destaque de Guardians of the Galaxy Vol. 2 fica para o arco das personagens que, após a apresentação no primeiro volume, são muito mais aprofundadas, e aqueles que antes estavam de passagem ganham destaque: é o caso de Nebulosa e Yondu. Os conflitos encontram seu ápice nessa inusitada família de heróis, e questões delicadas e complexas são trazidas à tona. A começar por Peter Quill, com a vida assombrada pela difícil morte da mãe e pelo fantasma do pai. Forçado a lidar com o repentino aparecimento de uma figura paterna, ele prefere fechar os olhos para sua volta – e os ouvidos para Gamora, cuja desconfiança de Ego prova-se correta – criando assim uma complicada crise em seu relacionamento com ela e os demais membros do grupo.

Simultaneamente, a guerreira mais feroz da galáxia precisa lidar com outro obstáculo intenso: a obsessão da irmã por uma vingança mal direcionada. Cansada de brigar, Gamora tenta de uma vez por todas se resolver com a irmã, que revela pela primeira vez que o pai é o motivo de seu rancor, evidenciando algo que ambas têm em comum. É nesse momento que descobrem um problema maior, e se unem para salvar os amigos, e toda a galáxia dos planos de Ego. Tal necessidade promove um princípio de mudança na relação de Nebulosa com sua irmã adotiva, e consequentemente, com toda equipe. 

Drax por outro lado, não tem um desenvolvimento tão marcante quanto no primeiro filme, que já trouxe muito a respeito da vida do ex-criminoso. Fazendo-se presente mais como um alívio cômico, não deixa de criar um vínculo com Mantis, construindo uma divertida e sincera relação (às vezes sincera até demais). Baby Groot também não ganha um aprofundamento maior nessa narrativa, uma vez que seu momento não traz muito espaço para isso, estando ali para protagonizar os momentos mais fofos e engraçadinhos do filme, o que muda na cena pós-créditos quando entra na assustadora fase adolescente.

A teia de conflitos é cada vez mais emaranhada quando paramos para pensar em Rocket Raccon: perdido em si mesmo, ele tenta a todo custo se provar para outros, principalmente o Senhor das Estrelas, escondendo-se atrás de uma máscara, que logo é descoberta por Yondu, com o qual passa a se identificar. Esse último, antes não muito querido pelos fãs, passa a arrancar lágrimas do público em situações de vulnerabilidade e sentimentalismo, como quando declara sua paternidade para Peter. Porém, nada se compara ao emocionante e colorido funeral que ele recebe após salvar o filho e se tornar um Guardião da Galáxia; uma poética redenção para a personagem.

A confusão sempre é grande quando se trata dos Guardiões da Galáxia, e sempre sobra mais espaço para outras brigas. Irritar os Soberanos não foi das melhores ideias de Rocket, e desde o início da narrativa, eles são inseridos de modo sutil e sem o foco da trama inicial, porém, de forma a não comprometer os outros conflitos da narrativa. Cria-se assim provável gancho para o terceiro e último filme, uma vez que Ayesha (Elizabeth Debicki) introduz a criação de Adam, personagem já conhecido das HQ’s da Marvel; deixando assim o mistério da aparência e papel desse personagem no universo.

Porém, sabemos que o multiverso da Marvel é extremamente extenso, e as histórias dos heróis passaram a se cruzar nos últimos anos, principalmente com os dois últimos filmes da série Vingadores. É neles que os Guardiões passam a fazer parte de algo maior – sofrendo perdas no caminho – e ganham notoriedade entre outros personagens, mesclando sua jornada com Thor e levando a história do grupo através de outros caminhos. Um presente para os fãs ansiosos por vê-los na batalha contra Thanos.

O que pode preocupar seu público é como a história será trilhada no novo volume da série. Essa mistura com outras narrativas e o suposto envolvimento dos Soberanos e Adam Warlock na continuação faz questionar quais rumos serão tomados no cinema, bem como a forma como os personagens lidarão com a ausência de Gamora, a transformação de Nebulosa após a perda da irmã e do pai, a influência da passagem de Thor e a nova fase de Groot. Guardiões da Galáxia Vol. 3 está previsto para chegar nos cinemas em 2023, mas já está gerando muitas especulações e ansiedade entre os fãs, bem como um clima de despedida.

Porém, a futura sequência passou por uma situação polêmica envolvendo seu diretor e roteirista, James Gunn. Tweets antigos contendo conteúdos ofensivos, foram revividos, incluindo piadas relacionadas principalmente à estupro e pedofilia. Resultando assim na demissão de Gunn da produção do terceiro filme, o qual já estava escrevendo. Contudo, tanto os atores do longa quanto a imprensa se posicionaram fortemente em defesa do diretor, resultando em sua recontratação um dia após entrar para a equipe de Esquadrão Suicida, dos estúdios da DC.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 consegue ser uma sequência perfeita para uma série do gênero, deixando uma grande marca no Cinema na última década, de modo que evidenciou uma mudança bem-sucedida da imagem que tínhamos dos super-heróis, e mostrando que esse universo tem espaço para todo tipo de personagem – que podem espelhar muito de nós mesmos. O filme conseguiu fascinar seu público e trabalhar bem com toda a complexidade trazida por cada membro da equipe de ex-criminosos, assim como sua desafiadora jornada, que pode ser mais difícil e dolorosa do que qualquer batalha espacial. 

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Caio Machado

O primeiro Esquadrão Suicida foi lançado em 2016, ainda numa tentativa de construir um universo cinematográfico dos personagens da DC Comics para rivalizar com a Marvel. O filme dirigido por David Ayer foi um sucesso de bilheteria, mas um fracasso de crítica. Em 2018, o diretor James Gunn, conhecido pelos dois Guardiões da Galáxia, foi contratado pela Warner para fazer um novo filme do grupo de supervilões, com liberdade criativa para tomar rumos diferentes da obra de Ayer. Na época, a contratação ocorreu depois da Disney ter demitido Gunn da direção de Guardiões da Galáxia Vol. 3 devido à polêmica envolvendo tweets antigos do cineasta que faziam piadas de mau gosto envolvendo estupro e pedofilia. Em 2019, Gunn foi recontratado pela Disney, mas o diretor já estava envolvido na produção de O Esquadrão Suicida.

Agora, em 2021, o filme finalmente foi lançado e acerta em tudo que seu antecessor tinha falhado. Na trama, o governo dos Estados Unidos envia a equipe dos criminosos mais perigosos do planeta para a ilha remota de Corto Maltese, repleta de inimigos. Armados e acompanhados pelo Coronel Rick Flag (Joel Kinnaman), eles viajam pela selva numa perigosa missão para destruir um laboratório que abriga um experimento capaz de ameaçar o mundo como conhecemos. 

A diferença principal entre O Esquadrão Suicida e o filme de 2016 está no tom. Aqui, há um deboche e ironia muito maiores. A direção de James Gunn, sempre inquieta com seus giros de câmera e zoom-ins bruscos, evidencia um contraste entre a bobagem e a seriedade ao colocar seus personagens para cometerem assassinatos violentos a mando do governo, vestidos com roupas tão chamativas que parecem prontos para o Carnaval e se comportando como adolescentes nervosos. O humor mais sujo, para combinar com a censura alta do filme, serve para deixar clara a consciência que Gunn tem do quanto os personagens e a situação na qual estão inseridos são ridículos e convida o público para rir deles também.

Para contrapor com a sujeira, O Esquadrão Suicida também faz alguns desvios na rota, desacelerando o ritmo e demonstrando uma sensibilidade maior quando não está acontecendo um banho de sangue na tela. É através desses momentos banais, como uma conversa num ônibus durante a noite ou uma gargalhada num barzinho, que o filme deixa de lado um cinismo maldoso para dar lugar à emotividade, oferecendo um vislumbre do passado dos membros do Esquadrão. 

Nessas cenas tocantes, sabemos mais da vida difícil da Caça-Ratos 2 (Daniela Melchior) nas ruas, a relação abusiva de Sanguinário (Idris Elba) com o pai e o grande trauma que o excêntrico Bolinha (David Dastmalchian) tem com a mãe, o que faz com que a veja em todos os lugares. Até mesmo Nanaue, o tubarão humanoide meio bobão (e de poucas palavras) dublado por Sylvester Stallone, tem seu momento de humanização. Esse breve aprofundamento faz com que nos importemos com eles por exporem seu lado mais frágil, fora das demonstrações de força que o combate exige. No fundo, eles são resultados de ambientes hostis que não os favoreceram de jeito nenhum. 

Em relação aos outros “heróis” da equipe, Arlequina (Margot Robbie) tem sua própria aventura, separada do grupo em boa parte do longa. Carregado de amor, decepção, cores e violência, o percurso percorrido pela personagem funciona como uma emancipação do olhar machista que esteve sobre ela no primeiro Esquadrão. É um arco narrativo que acabou combinando por acaso com o filme anterior da personagem, Aves de Rapina, já que o diretor não sabia de sua produção enquanto ele escrevia o roteiro. 

Harley só é inserida de vez na dinâmica do grupo pouco antes da ação final, que é onde James Gunn não poupa ninguém dessa equipe que aprendemos a gostar. A sequência violenta logo no início, que conta com atores conhecidos, como Pete Davidson, Nathan Fillion e Michael Rooker, já deixava claro o quanto os supercriminosos são facilmente descartáveis e o clímax reforça isso ainda mais. 

Ao ver um personagem sendo fuzilado, outro colidindo com paredes como se estivesse num episódio dos Looney Tunes e um terceiro sendo esmagado sem misericórdia, parece que Gunn os pune por terem feito escolhas erradas na vida e terem acabado ali, no lugar errado e na hora errada. Esse sadismo incomoda, mas aparece em cenas tão divertidas de acompanhar, carregadas de exibicionismo e uma câmera lenta que deixa tudo parecendo um grande videoclipe, que acaba passando despercebido. 

Outro ponto onde O Esquadrão Suicida causa incômodos é em relação à sua trama política. O roteiro, escrito também por Gunn, deixa claro o caráter intervencionista da missão: a equipe está indo para lá com o objetivo de destruir um projeto que prejudica os “interesses norte-americanos”.

Mais tarde, quando descobre-se que o verdadeiro objetivo é uma queima de arquivo, o filme acrescenta mais tensão à situação e mostra que existe a possibilidade dos segredos do governo estadunidense vazarem para a grande imprensa. Porém, no fim de The Suicide Squad, isso é jogado no lixo quando opta-se por manter as informações escondidas. Uma fala de Sanguinário para a Caça-Ratos 2 resume bem a mensagem intimidadora de O Esquadrão Suicida: manter a reputação dos Estados Unidos é essencial e quem ousar questioná-la pode ser punido ou com a prisão ou com uma morte sem misericórdia. 

Alguns podem argumentar que isso funciona como uma crítica à dominação norte-americana, mas como? Pela forma como aparece no filme, personificada na figura do Pacificador (John Cena), parece mais uma tentativa torpe de agradar a todos, seja qual for sua posição política. Se esconde atrás de piadinhas bobas e do deboche para disfarçar o quanto é reacionário. 

Em relação a outros filmes da DC, O Esquadrão Suicida oferece um caminho interessante a ser seguido. Abraça o exagero das histórias em quadrinhos e entrega uma experiência divertida, colorida e de uma humanidade inesperada. No entanto, por mais que tente, sua atitude irônica não consegue esconder uma mensagem política bem problemática diante do contexto mundial. Isso não dá para ignorar.

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Agosto passou voando, mas ainda assim trouxe grandes marcos para esse ano. As Paraolimpíadas, que se iniciaram no final do mês, levaram um holofote para atletas incríveis que trouxeram várias medalhas para o Brasil. Além disso, os preparativos para o Emmy 2021 continuam a todo o vapor, com a cobertura do Persona rolando aqui no site e nas redes sociais. Também neste mês, sentimos a morte do ator Tarcísio Meira e de Paulo José, duas perdas enormes para a teledramaturgia. Entre esses acontecimentos, diversos filmes e séries foram lançados e o Cineclube Persona se reúne para comentar o que saiu de melhor e pior no mês de Agosto de 2021. 

O oitavo mês do ano se destacou com o lançamento de cinebiografias. Respect é um longa que retrata a história da cantora Aretha Franklin e já aponta  uma possibilidade, mesmo que remota, de indicar Jennifer Hudson ao Oscar 2022 . Quem também ganhou um filme sobre sua vida foi o ator Val Kilmer, representado no longa Val, disponível no Amazon Prime Video. Ainda em agosto, o Globoplay revisitou a história do Brasil com a biografia Doutor Gama, narrando a história de Luiz Gama, um advogado negro que libertou mais de 500 escravos. Além disso, não faltou representatividade LGBT com os documentários Pray Away, produzido por Ryan Murphy, e Luana Muniz – Filha da Lua, sobre a travesti Rainha da Lapa, que o Persona assistiu com exclusividade antes do lançamento e ainda entrevistou os diretores.

Agosto proporcionou dramas para a Sétima Arte, como CODA, comédia dramática sobre uma adolescente ouvinte filha de adultos surdos, que ganhou o Festival de Sundance 2020 e agora está disponível na Apple TV+ nos EUA. Outra novidade deste mês é Stillwater, que teve sua estreia em Cannes e tem como diretor Tom McCarthy, vencedor do Oscar de Melhor Roteiro Original em 2016 por Spotlight. Além dos dramas, as animações também se destacaram. A Jornada de Vivo, por exemplo, disponível na Netflix, nos apresenta ao jupará apaixonado que viaja para entregar uma canção, contando com a participação do Lin-Manuel Miranda. Nesse mês, foram lançados alguns animes, como The Witcher: Lenda do Lobo, sobre um bruxo convencido a caçar criaturas por dinheiro, e Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time, quarto e último filme da série Rebuild of Evangelion, baseado no anime Neon Genesis Evangelion.

Mas nem só de dramas e biografias foi feito o mês. O Esquadrão Suicida, “continuação” do filme fracassado de 2016, agora conta com James Gunn na direção, dessa vez do lado da DC, depois de sua demissão pela Marvel por tweets antigos com pedofilia. Lisa Joy, uma das criadoras de Westworld, foi responsável pela direção de Reminiscence, que retrata um investigador particular da mente que ajuda seus clientes, até uma delas mudar sua vida. Esse mês ainda teve outros lançamentos, como A Nuvem e The Green Knight, baseado no romance Sir Gawain e o Cavaleiro Verde do século 14. O longa, produzido pela A24, foi protagonizado pelo ator Dev Patel e foi dirigido por David Lowery, responsável por A Ghost Story.

Agosto também teve espaço para as produções água com açúcar. O longa Ele é Demais (He’s All That), sobre a transformação de um menino desengonçado no rei do baile, é uma nova versão do filme Ela é Demais, mas que traz os gêneros dos personagens invertidos. Os últimos trinta dias  ainda foram o palco do fim da trilogia de Joey King e Jacob Elordi, A Barraca do Beijo 3, que encerrou sua trama com Elle se preparando para fazer tudo que ainda deseja antes de ir para a faculdade.

O lançamento de Você Nunca Esteve Sozinha, série original do Globoplay, conta a vida da Juliette antes e após vencer o BBB. Ainda aqui na América Latina, foi lançada também Todo va a estar bien (Everything Will Be Fine), uma comédia com o Diego Luna. Na falta de Killing Eve, Sandra Oh assume o comando de The Chair, produzida pela Netflix. Seguindo pelas comédias dramáticas, Kevin Can F**k Himself, original da AMC e distribuído pelo Amazon Prime Video, é o primeiro trabalho da Annie Murphy depois de vencer o Emmy por Schitt’s Creek, em 2020. 

Outra sitcom de agosto foi Grace & Frankie, com a Netflix lançando como degustação quatro episódios da sétima e última temporada, que só chegará na íntegra em 2022. A Apple TV+, por sua vez, se destacou esse mês no humor com Schmigadoon!, uma sátira musical, e Physical, com Rose Byrne. Numa dobradinha entre Nota Musical e Cineclube, Selena Gomez aparece por aqui protagonizando Only Murders in the Building,  ao lado de Steve Martin e Martin Short. A série do Hulu lançou seus primeiros episódios em Agosto, mas só aparecerá na íntegra aqui no Persona quando acabar sua exibição, nos próximos meses.

Já mais voltado para o público adolescente, acompanhamos  o lançamento de Cruel Summer no Amazon Prime Video, e o fim da primeira parte da nova Gossip Girl, com protagonistas da Geração Z no HBO Max. Como uma campanha para o Emmy 2021, o Hulu lançou o episódio Pen15 Animated Special, que faz parte da segunda temporada da série. Outra série animada deste mês é Divirta-se em Casa com o Pateta, formada por curtas com o personagem da Turma do Mickey disponível no Disney+. Em agosto, a nostalgia do revival de iCarly, sem a Sam, chegou ao fim da sua primeira temporada.

O terror também teve espaço nesse mês, com a série da Netflix Brand New Cherry Flavor, que mistura Cinema, sexo e horror, com o pragonismo da Rosa Salazar, e com o fim de American Horror Stories, um spin-off de AHS com uma história diferente a cada episódio. Outra antologia de agosto é a segunda temporada de Modern Love, disponível no Amazon Prime Video, que conta com Kit Harington, de Game of Thrones, e Anna Paquin, vencedora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, em 1994. 

Um dos maiores destaques do mês é a primeira temporada de The White Lotus, nova produção da HBO que mostra a rotina de um resort no Havaí, com o abuso dos funcionários por parte dos hóspedes ricos e com uma morte suspeita. E falando em riqueza, a Netflix estreou a série Cozinhando com Paris, em que a socialite traz seus convidados para jantar, como a Kim Kardashian.

Caminhando por diversos gêneros e streamings, o Persona segue isolado em casa e apresenta as novidades audiovisuais do mês de agosto. Entre  algumas produções muito bem feitas e outras nem tanto, a Editoria e os Colaboradores comentam de tudo um pouco do que acabou de sair do forno do Cinema e da TV no oitavo mês de 2021.

Falecimento de Tarcísio Meira

Marco Antônio, Alexandre, Betinho, Juan Galhardo, João Coragem, Dom Pedro I, Juca Pitanga, Seu Ptolomeu, César Toledo, Zé Carlos Tedesco, Frederico Copola, Lorde Williamson, Tarcísio Meira. Essa lista não cita nem ¼ das personagens de um dos maiores gênios da teledramaturgia brasileira, que faleceu no dia 12 de agosto, sendo mais uma vítima das complicações da covid-19.

Tarcísio foi gigante. Um dos maiores galãs do Brasil, o ator começou seu trabalho na TV Tupi em 1961 e um ano depois firmou o matrimônio com Glória Menezes, com quem esteve ao lado, por 59 anos, até o fim. Juntos, eles contracenaram em teleteatros e em dezenas novelas, como Um Pires Moderno (1961), 2-5499 Ocupado (1963), Irmãos Coragem (1970), Guerra dos Sexos (1983) e Beijo do Vampiro (2002).

O ator multifacetado deixa um legado brilhante e uma saudade imensa. São mais de 60 projetos, apenas na Globo, que constroem a história de um dos maiores decoradores de textos. Tarcísio transmitia verdade em cada um de seus papéis, se entregando ao caráter da personagem e deixando sua assinatura, que sempre foi de uma postura firme. Toda a história da televisão brasileira em algum momento passa pelo ator, que esteve presente na primeira telenovela diária. A última novela do ator foi a global Orgulho e Preconceito (2018), onde interpretou o inglês Lorde Williamson. Aos 85 anos, Tarcísio Meira tinha problemas renais e fazia diaĺise, a morte dele não abre brecha para questionar a eficácia da vacina. – Ana Júlia Trevisan

Falecimento de Paulo José

Antecedendo à morte de seu colega de profissão Tarcísio Meira, o ator e diretor Paulo José faleceu no dia 11 de agosto, aos 84 anos de idade. Há mais de 20 anos, ele sofria de Mal de Parkinson, e veio a óbito em decorrência de uma pneumonia. Nascido em Lavras do Sul (RS), Paulo José Gómez de Sousa se consolidou em todas as dimensões que abrangem a arte da atuação. 

Sua carreira amadora iniciou-se na década de 60, entrando para a história do Teatro de Arena. Saindo dos palcos, começou sua trajetória no Cinema, em 1965, com o clássico O Padre e a Moça, de Joaquim Pedro de Andrade. Grande defensor pela valorização de sua profissão, Paulo enfrentou os anos de chumbo e marcou presença no Cinema Novo, estrelando filmes como Todas as Mulheres do Mundo, de Domingos Oliveira, e Macunaíma, em que repetiu a parceria com Joaquim Pedro de Andrade. Sua estreia nas telinhas veio com a novela Véu de Noiva, de Janete Clair, em 1969, mas teve como grande marco de sua carreira o personagem mecânico-inventor Shazan, dupla de Xerife, interpretado pelo também já falecido Flávio Migliaccio, em O Primeiro Amor, de Walther Negrão.

Mais recentemente, desfrutou de outras importantes participações no Cinema, nas obras Saneamento Básico, O Filme e O Palhaço – que aqui eu considero como duas grandes preciosidades da nossa cinematografia. Paulo José foi muitos, foi vários, foi até mesmo Todos os Paulos do Mundo, documentário que homenageia seus 60 anos de carreira. Fez história em frente e por trás das câmeras, que felizmente puderam eternizar a leveza com que exercia a arte. Hoje, se junta a outros grandes nomes da sua geração, que também nos deixaram há pouco: Nicette Bruno, Eva Wilma e Tarcísio Meira. Nas palavras de seu fã e admirador Selton Mello, “Sua passagem por aqui foi brincante”. – Vitória Silva

Cinema

Respect: A História de Aretha Franklin (Respect, Liesl Tommy)

O advento das cinebiografias musicais parece ter pegado Hollywood de jeito, visto que, nos últimos anos, uma avalanche delas foi produzida e premiada. Depois de Bohemian Rhapsody, Judy e Estados Unidos VS Billie Holiday esgotarem o “gênero” em narrativas enfadonhas e engessadas, Respect: A História de Aretha Franklin não surpreende em nada, somando ao hall dos filmes ruins brindado por ótimas atuações (salvo a dentadura que rendeu um Oscar à Malek, que de atuação boa não tinha nada).

Dirigido pela novata no Cinema Liesl Tommy, Respect coloca o protagonismo nos ombros da já vencedora do prêmio da Academia, Jennifer Hudson, escolhida pela própria Aretha, antes de sua morte. Com gogó para dar e vender, Hudson imprime sua verdade incontestável nas cenas que lhe requerem o canto, mas o problema está em todo o resto. Se tratando da biografia de uma das maiores vozes e artistas que já passou por esse planeta, o filme é desinteressante, formulaico e, o pior, imemorável. Aretha merecia mais respeito. – Vitor Evangelista

O Esquadrão Suicida (The Suicide Squad, James Gunn)

Depois do fiasco horrendo de 2016, que gerou aquela trama bizarra de somos-uma-família-mesmo-que-acabemos-de-nos-conhecer dirigida por David Ayer, finalmente os vilões e anti-heróis mais tapados do Cinema foram repaginados em uma segunda chance. Responsável pela migração das lutas coloridas de James Gunn para a DC, O Esquadrão Suicida é um daqueles filmes que te deixam tão extasiados quanto um garrafão de energético.

Irreverente e divertido, o longa traz de volta o charme absoluto de Margot Robbie como Arlequina e a assustadora Amanda Waller de Viola Davis, mas não sem apresentar novos personagens capazes de integrar o hall de melhores adaptações de qualquer fã de quadrinhos. Tem John Cena de cueca, tem rato dando tchau, tem tubarão gigante fingindo que sabe ler, tem assassinato em massa de passarinhos, tem cachorro-lobisomem e tem ele: Starron, o Conquistador – o vilão mais injustiçado dos últimos anos.

Mesmo assim, O Esquadrão Suicida de Gunn não consegue deixar a papagaiada intervencionista dos EUA de lado, o que transforma sua trama política em cinzas e serve apenas para fazer o espectador revirar os olhos. Não que esperássemos um aprofundamento político-social muito grande de um filme com um personagem que chama Homem-Bolinha, mas não custa tentar. – Caroline Campos

Doutor Gama (Jeferson De)

Doutor Gama é uma obra de resgate a um importante personagem da abolição brasileira. Narrado durante três períodos da vida de Luiz Gama, o filme retrata desde sua vida através dos caminhos que fizeram com que ele se tornasse um famoso advogado e defensor dos direitos das pessoas negras no país. Inicialmente, acompanhamos a sua infância, sendo vendido pelo próprio pai aos 10 anos como escravo. Durante sua adolescência, ele aprende a ler e consegue se libertar da escravidão, descobrindo que, por lei, já havia nascido livre. Já adulto, apresentando grande prazer em estudar, passa a advogar e defender sua principal causa. Acredita-se que por meio de seu trabalho como advogado, Luiz Gama tenha conseguido libertar mais de 500 escravos. 

O filme, disponível no Globoplay, é uma aula sobre esse personagem importante do cenário nacional e que por muito tempo foi silenciado dos livros de História, bem como outras grandes figuras negras. As escolhas narrativas do diretor Jeferson De demonstram o cuidado na escolha de como retratar as fases da vida do personagem e como valorizá-lo por sua real contribuição. As cenas finais do longa narram a difícil defesa de um escravo que matou seu patrão. Em todo o julgamento, nas posturas e falas do personagem, conseguimos encontrar a personificação da luta deste ícone abolicionista. O filme é uma excelente obra de resgate e valorização do grande abolicionista Doutor Gama. – Ma Ferreira

A Lenda do Cavaleiro Verde (The Green Knight, David Lowery)

O novo filme de David Lowery (Sombras da Vida) é baseado nas lendas arturianas e conta a história de Sir Gawain (Dev Patel). Sobrinho do Rei Arthur, ele embarca numa aventura desafiadora para confrontar o Cavaleiro Verde, uma criatura gigante conhecida por testar a coragem dos homens. 

A obra consegue construir uma atmosfera de épico fantasioso bastante imersiva e prende a atenção do espectador graças à beleza da fotografia de Andrew Droz Palermo. É um excelente filme que oferece uma experiência densa não pela história – que é bem simples – mas pela força de suas imagens e gestos. – Caio Machado

A Nuvem (La Nuée, Just Philippot)

Apesar da sinopse sugestiva, o terror de A Nuvem vai além do ‘criaturas e monstros’ da classificação na Netflix. Na trama, Virginie (Suliane Brahim) obtém o sustento da família com a criação de gafanhotos, que vai de mal a pior. Isso até que ela descobre que os insetos desenvolveram um gosto por sangue e que, quando saciados, melhoram a produção. Daí pra frente, a situação escala e o suspense se mescla ao drama.

Mãe solo, o trabalho na fazenda ausenta Virginie da vida dos filhos e cria uma atmosfera ainda mais tensa e urgente no decorrer do filme. Em seu longa de estreia, o diretor francês Just Philippot avança aos poucos, mas na medida certa. Em um ritmo crescente que explora mais do que só a sede por sangue dos gafanhotos e a necessidade da protagonista de saciá-los, a abordagem impulsiona o horror ao combiná-lo com os conflitos familiares e a urgência.

Porém, por mais incontrolável que a situação esteja, quando cai a ficha dos minutos finais ainda tinha o que piorar e a conclusão parece precoce e apressada. O ápice do filme é interrompido, a escalada para em seu ponto mais alto, mesmo tendo no que avançar. Ao final, a sensação que fica é que A Nuvem poderia ter feito mais. – Vitória Lopes Gomez

A Barraca do Beijo 3 (The Kissing Booth 3, Vince Marcello)

A amada trilogia da Netflix chega ao fim desesperada em ser um pouco mais do que um fútil romance adolescente, mas não é. Depois do chorume do segundo volume – com seu mundaréu de machismo e o problemão que é estar dividida entre dois caras -, A Barraca do Beijo 3 mira na despedida dos melhores amigos Elle (Joey King) e Lee (Joel Courtney) e uma visão madura para o futuro, e acerta em outro filme vazio.

Vince Marcello percebeu aos 45 do segundo tempo que depois de 2 filmes, a trama nunca falou de Elle individualmente, sem estar circundada pelos irmãos Flynn. Então o diretor criou um final impopular, curto e mal feito, na tentativa de deixar a protagonista se descobrir sozinha e terminando seu chatíssimo amor com Noah (Jacob Elordi). Nada além de mais do mesmo foi feito para fechar a trilogia, mas triste foi assistir Elle se despedir da infância e das memórias da mãe que moravam na casa de praia da família Flynn, mesmo que isso tenha durado menos de 5 minutos. – Nathália Mendes

Evangelion: 3.0+1.01 A Esperança (Shin Evangelion Gekijôban, Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki, Katsuichi Nakayama e Mahiro Maeda)

Evangelion sempre esteve fortemente atrelado à saúde mental de Hideaki Anno, criador da série e dos filmes. E, desse modo, é interessante observar como todas as obras que envolvem os Evas se relacionam de forma reativa. Nunca é uma reconstrução alienada do que veio antes, sempre é uma reação. À exemplo de The End of Evangelion como uma resposta direta à reação violenta e acalorada dos fãs na época, e não como um substituto do final do anime. E, agora, a série Rebuild of Evangelion, não como uma sequência de obras isoladas que descartam as produções de 1995 e 1997, mas como um exercício de revisitar o passado e o enxergar através de outras lentes. Desde Neo Genesis Evangelion, Anno tem procurado paz através da arte e, em Evangelion: 3.0+1.01, o último filme do remake, essa paz finalmente chega.

Entre a sua mitologia complexa de subtexto religioso e as batalhas pitorescas entre mechas, o que realmente sustenta a saga e sua alcunha de ‘obra prima’ são as relações entre personagens, seus dramas e conflitos. Evangelion 3.0+1.01 entende isso e separa grande parte do tempo de tela para o desenvolvimento de seus protagonistas e coadjuvantes. A noção de ritmo do longa, por consequência, é espetacular, manipulando a energia da trama com esplendor e transformando a experiência na mais dinâmica de todos os filmes Rebuild.

E, no caso de Thrice Upon a Time, lançado este mês no ocidente pelo Amazon Prime Video, lapidar esse elemento era crucial. Isso porque ele se propõe não apenas a fechar o ciclo da saga de Rebuilds, mas também a encerrar todo o arco de Evangelion; fechar de uma vez por todas o grande ciclo que se iniciou em 95. Esse filme é um abraço e um aconchego, tanto para nós espectadores, quanto para os personagens que, depois de tantos traumas, são contemplados com a possibilidade de redenção. É uma despedida doce que, assim como o título brasileiro expõe, é um atestado de esperança e de que, sobretudo, nenhuma dor dura para sempre. – Enrico Souto

Val (Idem, Ting Poo e Leo Scott) 

Val Kilmer, conhecido por seus papéis em Top Gun e Batman Eternamente, saiu dos holofotes de Hollywood após ter perdido a voz em decorrência de um câncer na garganta. Em Val, somos convidados a examinar a vida do artista desde a infância, a partir de um extenso arquivo de filmagens pessoais gravadas pelo ator ao longo dos anos. 

Com o auxílio de uma narração escrita pelo próprio Val Kilmer e feita por seu filho, Jack, Leo Scott e Ting Poo elaboram um retrato poético e emocionante da carreira de uma celebridade que já não é tão popular quanto era décadas atrás. As filmagens que Val conseguem resgatar exibem momentos preciosos, nos quais conseguimos ter um vislumbre dos sentimentos e questionamentos que se passavam na cabeça do ator quando ele não estava em frente às câmeras.  

Mais do que outra biografia de um famoso, Val utiliza o Cinema como ferramenta para transformar uma vida intensa e turbulenta numa linda contemplação sobre como estar vivo é um processo de transformação constante. Por mais que existam dificuldades, há sempre espaço para a felicidade. – Caio Machado.

Luana Muniz – Filha da Lua (Rian Córdova e Leonardo Menezes)

Transgressora e revolucionária. Encantadora e subversiva. Luana Muniz foi muitas coisas, mas a alcunha que Rian Córdova e Leonardo Menezes escolheram para representá-la em seu documentário foi única: Filha da Lua. Antes de ficar famosa pela mídia por gritar “travesti não é bagunça” ou por tirar uma foto ao lado do Padre Fábio de Melo, a artista já era uma guardiã para a comunidade LGBTQIA+ da região da Lapa, no Rio de Janeiro. 

Em Luana Muniz – Filha da Lua, a dupla de diretores utiliza dos próprios relatos da protagonista para construir uma história potente e decidida, mas sem a melancolia emotiva das biografias post-mortem. Muito pelo contrário, já que o choro vem naturalmente nos créditos finais, depois do peso de, em 78 minutos, retratar um pouco do que foi a Rainha da Lapa. – Caroline Campos

Pray Away (Idem, Kristine Stolakis)

A falácia da terapia de reversão ou cura gay é a realidade de muitos LGBTs. Essa realidade traumática já foi retratada diversas vezes longas, como Boy Erased: Uma Verdade Anulada, porém sempre adotando como foco aqueles que se opuseram às violências da cura. Em contraposição a essas produções, o documentário da Netflix, Pray Away, surge com o propósito de mostrar a história desses grupos sob a ótica de quem se denomina como “ex-gay”. O conceito parece risível, no entanto, a condução dos depoimentos pela diretora Kristine Stolakis, revelam uma experiência devastadora.

O principal objetivo retratado no documentário é mostrar como esses processos de reversão, comumente atrelados a grupos religiosos, destroem a saúde mental das vítimas. Como ponto focal de Pray Away está a organização Exodus, um grupo cristão responsável pela realização das terapias. A adoção desse objeto de estudo permitiu com que o longa desenvolvesse uma narrativa didática quanto aos prejuízos desse processo retrógrado. No entanto, o documentário adota o problema sob um ponto de vista regional, perdendo a oportunidade de demonstrar a realidade de outros pontos do mundo, o que deixou o desenrolar monótono.

Entre mais altos do que baixos, Pray Away entrega uma narrativa coesa sobre uma realidade negligenciada por muitos. Desse modo, o documentário, que teve Ryan Murphy como produtor em colaboração com o estúdio Blumhouse, se mostra necessário para a conscientização dos danos que a terapia de reversão provoca em suas vítimas. O longa atingiu uma aprovação de 93% do público no Rotten Tomatoes e, ainda, foi indicado ao Festival de Cinema de Tribeca, perpetuando a narrativa da diretora Kristine Stolakis. – Gabriel Gatti

Stillwater (Idem, Tom McCarthy)

Aclamado e polêmico, como de costume. Assim foi a estreia do novo filme de Tom McCarthy, que se deu com uma salva de palmas de cinco minutos no Festival de Cinema de Cannes 2021 enquanto cercado por controvérsias quanto a sua concepção e divulgação. Depois de vencer o Oscar de Melhor Roteiro Original em 2016 com Spotlight: Segredos Revelados, o cineasta volta a criar seu momento mundo afora com Stillwater. A história parte de Bill Baker (Matt Damon), um trabalhador petrolífero desempregado de Oklahoma que viaja sazonalmente para visitar sua filha Allison (uma brilhante Abigail Breslin) em Marselha, na França, onde ela cumpre uma pena controversa pelo morte de sua namorada quando ambas frequentavam a universidade na cidade. 

Acontece que essa é também a história de vida de Amanda Knox, a estadunidense que protagonizou um dos casos criminais mais famosos do mundo, passando quatro anos numa prisão italiana antes de ser absolvida do caso de assassinato de uma colega de quarto. Agora conhecida mundialmente pela repercussão da investigação, ela não gostou de ver um drama muito parecido com a sua vida pessoal sendo aplaudido sem a sua devida consideração. Mas mesmo com essa discussão envolta, o caso da jovem Allison não é o ponto principal do filme, que distancia-se de um suspense criminal como pode ser vendido por aí.

Stillwater é muito mais um drama que versa sobre o reencontro do personagem quebrada de Damon numa nova vida, conforme ele segue o elemento que traz o ritmo viciante do filme, existente na possibilidade de reabertura do caso da filha e, por consequência, sua absolvição e declaração de inocência. Assim, diante das polêmicas, McCarthy insiste que  seu filme é algo ficcional, assumindo a influência de elementos da realidade, e que se concentra na verossimilhança de Bill Baker. O protagonista é um herói errante, que subverte a narrativa esperada de uma jornada para um ciclo de antecipações e ações impensadas diante de um cenário implacável. Uma espécie de experiência espiritual para Matt Damon, que trouxe transformações de comportamento ao ator, completando o circuito de polêmicas de Stillwater abafando os pontos positivos do filme . – Raquel Dutra

Caminhos da Memória (Reminiscence, Lisa Joy)

Lisa Joy é co-criadora da série Westworld, junto com Jonathan Nolan. Caminhos da Memória é seu primeiro trabalho na direção e acompanha Nick Bannister (Hugh Jackman), um investigador particular que ajuda seus clientes a acessarem memórias perdidas. Sua vida muda quando ele atende uma nova cliente, Mae (Rebecca Ferguson), e descobre uma conspiração violenta. 

O filme decepciona bastante, pois desperdiça suas ótimas ideias iniciais numa execução desengonçada, cansativa e que tem vergonha de expressar emoções. Parece mais interessado em vomitar diálogos expositivos do que mostrar o funcionamento daquele mundo na prática. Por mais que o elenco se esforce para tirar leite de pedra, falha em ser um bom filme de ficção-científica, romance ou mesmo ação. – Caio Machado

Ele é Demais (He’s All That, Mark Waters)

Na premissa de que um reboot seria a melhor opção para a grande estreia do mundo TikTok no Cinema, a Netflix errou e errou muito com Ele é Demais. A trama? Nada inovadora; a popular da história, Padgett (Addison Rae) leva um grande pé na bunda de seu ex-namorado famosinho e aposta com sua amiga que tem capacidade de transformar um garoto feio, Cameron (Tanner Buchanan, de Cobra Kai), no grande rei do baile. Claro que então, no meio do caminho a gente vê as “camadas” (rasas, claro), e o casal inimaginável se apaixonando. Além disso, ainda tem os clichês do ex-namorado se mostrar cada vez mais lixo e a amiga popular se rebelar contra ela e se tornar sua maior inimiga, mas isso com certeza você já viu em outros filmes. 

Podemos listar, além da história ultrapassada, os diversos erros da produção. Tudo bem que o filme é um reboot (que merece um prêmio pela fidelidade ao anterior) mas será que não tinha como tornar a história mais inclusiva e bem menos problemática? A ideia de transformar homem feio em homem bonito já torna a trama ridícula por si só. Além disso, o filme ainda continua pecando quando falamos em diferentes preconceitos implícitos, afinal o que são aqueles implantes de bochecha muito mal colocados que somem magicamente quando ele se torna o rei do baile? O roteiro bem mal escrito segue, por toda sua extensão, desenvolvendo algo raso e nada interessante. O que é frustrante, já que em pleno 2021 o filme é a grande atração entre o público infanto-juvenil, que acaba não percebendo as nuances equivocadas da produção.  

Assim, por fim, elencamos a falta de talento do elenco. A estreia da terceira tiktoker mais seguida do mundo é rasa, fraca e não agrada nem ao menos os seguidores da plataforma. Mas pior que ela, ainda há até mesmo Madison Pettis, que diferente do brilhantismo que vimos em Treinando Papai logo quando criança, entrega algo totalmente superficial e falido. Se quisermos destacar algo que deixa ao menos o filme um pouco interessante é ver as referências ao filme anterior, como as músicas, ou até mesmo a antiga protagonista, Rachel Leigh, atuando como mãe da nova estrela. – Larissa Vieira

The Witcher: Lenda do Lobo (The Witcher: Nightmare of the Wolf, Kwang Il Han)

Antes que a segunda temporada da adaptação dos livros de Andrzej Sapkowski chegue às telas da Netflix, fomos presenteados com o filme animado The Witcher: Lenda do Lobo. Estilizado e vendido como um anime, o longa explora o passado de Vesemir (Theo James), o bruxo que treinou Geralt (interpretado na série por Henry Cavill) e um dos personagens que será apresentado nos próximos episódios (onde será interpretado por Kim Bodnia) da série criada por Lauren Schmidt Hissrich, que produz ambas as obras.

Como sempre, o cenário de The Witcher é descrito como um mundo em guerra consigo mesmo. Quando os elfos não apresentam mais ameaça, os reinos humanos viram seus olhos para os bruxos e começam a se perguntar se os mutantes são realmente necessários. Em meio à toda essa tensão, um jovem e galante caçador de monstros recebe uma oferta para caçar uma besta que ninguém viu antes, e que o levará à uma verdade que ameaça colocar todos em perigo.

Apesar do roteiro de Beau DeMayo se movimentar num ritmo agradável e a história de Vesemir ser engajante, as grandes estrelas do show são claramente às sequências de ação, que fazem uso completo do formato de anime, e entregam lutas acrobáticas que não seriam possíveis na série e aproveitam da classificação +18. Graças aos talentosos animadores do Studio Mir, The Witcher: Lenda do Lobo é um espetáculo sangrento e fluído (à la Castlevania), além de um aperitivo delicioso do que está por vir, e prova de que o universo fictício do Continente ainda tem muitas surpresas reservadas para o futuro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

No Ritmo do Coração (CODA, Siân Heder)

Ser a única não surda numa família de quatro pessoas e ainda nascer com um dom que não pode ser apreciado por eles: o canto. Essa é a premissa de CODA (Children of Deaf Adults, em tradução: filhos de pais surdos), um dos filmes mais emocionantes do ano e vencedor dos prêmios de Melhor Filme por público e júri do Festival de Sundance 2021.

CODA conta a história de Ruby Rossi, a filha mais nova de um casal de surdos. Porém, a garota não nasceu com a mesma condição, se tornando a intérprete de seus pais e seu irmão mais velho. Os entraves se iniciam na adolescência, na ânsia de estar convivendo em sociedade e o contraponto de sua família que é excluída por ela. Ruby se junta ao grupo de coral da escola, se destacando em meio aos seus colegas e vendo a oportunidade de tentar uma bolsa de estudos na Universidade de Música Berklee. CODA é sobre Música e sobre silêncio. Os momentos de canto são substituídos pelos momentos de linguagem de sinais com a família de pescadores e nada cativa mais do que quando os dois universos colidem. Assistam, fiquem apreensivos e se emocionem. – Ana Júlia Trevisan

A Jornada de Vivo (Vivo, Kirk DeMicco)

Vivo é um jupará, mamífero da floresta tropical que foi perdido em Cuba quando filhote e resgatado por Andrés, um homem que ganha a vida cantando pelas ruas de Havana. Quando seu grande amigo morre, Vivo deve honrar seu último desejo e entregar sua composição para o grande amor da juventude de Andrés, a famosa cantora Marta Sandoval. O grande problema é: Marta agora mora em Miami e para chegar até lá, Vivo conta com a ajuda de Gabriela, sobrinha-neta de Andrés, com uma personalidade um tanto quanto peculiar para o gosto de Vivo.

Apesar das diferenças e dificuldades, Gabriela e Vivo vivem uma aventura emocionante na jornada para a capital da Flórida, regada de muita música e reviravoltas. O filme conta com dublagens de grandes vozes da música latina, como Gloria Estefan, Juan de Marcos González e, é claro, Lin-Manuel Miranda que além de estrelar no papel de Vivo, também assina a trilha sonora, com notas que já são marca registrada do astro, a mistura da música latina e diversos ritmos diferentes. – Marcela Zogheib

TV

Gossip Girl (Parte 1 da 1ª temporada, HBO Max)

A primeira qualidade da nova Gossip Girl é a série não se tratar de um reboot gratuito ou um remake qualquer. Em uma Nova York moderna, pós-pandemia e impregnada pelas demandas da Geração Z, a produção original do HBO Max passa seus seis episódios iniciais testando o terreno e brincando com o vai-e-vem dos estudantes do colégio. Aqui, o Instagram fala mais alto e o mundo do blog ficou no passado. Todos sabem a identidade da antiga Garota do Blog, todos superaram o dramalhão da era de Serena e Blair, menos, é claro, os professores do Ensino Médio, que criam um novo perfil da GG, metendo o louco para cima de adolescentes de 16 anos.

Criminoso? Não resta dúvida. Mas a Gossip Girl de 2021 sabe usar sua premissa imbecil para instigar o espectador a sintonizar no Max toda quinta, sedento para ver qual será a próxima pataquada, escrita e dirigida com a seriedade de quem almeja o Cinema moderno, mas acerta, no máximo, na versão gourmet da CW. Julien (Jordan Alexander) é a Rainha da Colmeia, mas governa com o poder da benevolência. Com a chegada de sua irmã perdida Zoya (Whitney Peak), J coça a cabeça frente à possibilidade de perder seu império. É uma pena que GG não consiga fazer ninguém se preocupar com o plot principal que, além de datado, não é bem roteirizado ou desenvolvido. 

O charme, como de costume em séries adolescentes, está no elenco. Obie (Eli Brown) é o único panaca completo, ao passo que Max (Thomas Doherty) sacaneia todo mundo, Audrey (Emily Alyn Lind) não se decide qual papel quer prestar e Luna (Zión Moreno) sofre para se sobressair para além de sua trama enfadonha. O destaque dos “adolescentes” é o interessante mas subaproveitado Aki (Evan Mock). A segunda parte está marcada para voltar em novembro, e a promessa é: mais absurdos, mais professoras sem noção e um tantinho mais da narração irresistível de Kristen Bell. – Vitor Evangelista

Você nunca esteve sozinha – O doc de Juliette (Minissérie, Globoplay)

Juliette Freire é um fenômeno desde que apareceu na tela da Globo. A ganhadora do BBB 21 já havia quebrado recordes mundiais de interação nas redes sociais e agora lançou sua carreira de cantora, já arrebatando o maior número de streamings do Spotify Brasil nas primeiras 24 horas de seu EP no ar. A empreitada na Indústria Musical contou com mais um episódio para integrar o documentário Você nunca esteve sozinha – O doc de Juliette, e compartilhar a maneira particular e divertida que a paraibana enxerga o mundo. 

Cheio de cor, música e presença nordestina, o documentário de Juliette é emocionante e mostra partes da história real por trás da febre que o Big Brother Brasil criou. Contar a história da irmã Julienne e trazer Gil do Vigor e Lucas Penteado foram cruciais para desenhar a veracidade no trabalho da diretora Patricia Carvalho – bem diferente de A Vida Depois do Tombo. Apesar de apelar com participações musicais demais e zoom em lágrimas – que se secar, borra – os episódios são uma delícia de assistir, e lembram a todos, com prazer, de que o Nordeste é a melhor parte do país. – Nathália Mendes

The White Lotus (1ª temporada, HBO)

A sátira criada e dirigida por Mike White (Enlightened, Escola de Rock), se tornou um completo sucesso em audiência desde seu lançamento pela rede americana HBO, tanto que já tem sua segunda temporada encomendada para o próximo ano, em um formato de antologia, com personagens e histórias diferentes. Toda trama de The White Lotus se passa num resort de luxo no Havaí, de mesmo nome da série, e tem como protagonistas três grupos de pessoas, com algo predominante entre elas: são todas ricas e brancas.

Inicialmente, tudo parece ir às “mil maravilhas”. Os funcionários do resort dão as boas-vindas ao grupo, sempre sorridentes. Porém, o que vemos inicialmente não é a realidade. Os funcionários, de classe social inferior, entre eles se destaca o gerente Armond (Murray Bartlett), são obrigados a deixarem seus problemas de lado, e satisfazer os caprichos dos hóspedes de classe alta, como Shane Patton (Jake Lacy), recém-casado com Rachel (Alexandra Daddario), em suas condições de total servidão. Um exemplo disso é quando Belinda (Natasha Rothwell), gerente do spa, tem dor nas costas após um dia de trabalho, mas precisa massagear Tanya McQuoid (Jennifer Coolidge), uma senhora rica, que vive no ócio o dia todo. A série não só trabalha em torno dos personagens, mas também é notável uma crítica em torno da elite e dos explorados.

Os personagens são muito bem elaborados e entram em conflito simultaneamente, de modo que há uma sincronia entre suas ações e comportamentos, e tudo é acompanhado com excelência pela constante trilha sonora, que muda com o ritmo dos acontecimentos. Também vale salientar que muitas das ações dos personagens principais causam certo desconforto no espectador, que pode se visualizar cometendo os mesmos erros deles. Porém, ao fim do sexto episódio, chegamos a conclusão de que o mundo é desta forma, cheio de injustiças e diferenças, e para mudá-lo precisamos bem mais do que discursos em redes sociais. – Sabrina G. Ferreira

Grace e Frankie (Grace and Frankie, Parte 1 da 7ª temporada, Netflix)

A Netflix resolveu surpreender os fãs de Grace e Frankie ao lançar, sem avisos, a primeira parte da sétima e última temporada da série. O show, que acompanha a vida de duas idosas que descobrem um caso entre seus maridos e passam de inimigas mortais a amigas eternas, teve suas gravações bastante adiadas por conta da pandemia de covid-19, principalmente porque grande parte do elenco faz parte do grupo de risco.

Nessa primeira parte da temporada conseguimos realmente ver o impacto que uma teve na outra, temos uma Grace mais segura de si, que abraça a chegada da idade e as mudanças que vêm com ela. E Frankie está cada vez mais independente, conseguindo buscar mudanças na sua vida que não envolvem agradar a todos à sua volta.

O restante do seriado terá 12 episódios e só será lançado em janeiro de 2022. E apesar de ter sido uma boa surpresa, a liberação de apenas quatro episódios pela Netflix deixou esse recorte em um limbo de espera pelo que vem no final do que se tornará a série mais longa já produzida pela plataforma. – Marcela Zoghei

Divirta-se em Casa com o Pateta (Goofy in How to Stay at Home, 1ª temporada, Disney+)

Existe professor melhor do que o Pateta? Desde sua primeira aparição em 1932, o cão desengonçado já nos mostrou como praticar todas as modalidades esportivas imagináveis, e deixou as aulas teóricas da autoescola bem menos entediantes ao nos ensinar como dirigir. Pois no meio do 2021 pandêmico, ele está de volta em uma série de três curta-metragens que trazem de volta toda a glória de seus traços clássicos para um mini-guia de sobrevivência para aqueles que estão ficando em casa. O projeto encabeçado por Eric Goldberg, animador veterano da renascença da Disney, ressuscita o espírito e o humor dos curtas clássicos da década de 40, adaptando-os à contemporaneidade sem abrir mão de sua essência.

Em Como Usar Máscara, Pateta evoca o tiozão que não consegue cobrir com a mesma máscara o queixo e o nariz, mas em defesa do cachorro, o focinho complica bastante a situação. Já em Aprendendo a Cozinhar, ele encarna o clássico universitário tentando bancar o chef de cozinha sem saber ao menos fritar um ovo. Ambos são engraçadinhos apenas, mas a verdadeira pérola da série é Maratonas na TV, onde ele prova que é capaz de realizar todas as suas tarefas domésticas sem parar sua maratona de série, com um humor físico surreal que só a animação é capaz de proporcionar. – João Batista Signorelli

Kevin Can F**k Himself (1ª temporada, AMC/Amazon Prime Video)

Annie Murphy venceu o Emmy por Schitt’s Creek e, para se desligar da imagem da personagem que viveu por seis anos na série canandense, ela mergulhou de cabeça na visceral sitcom dramática Kevin Can F**k Himself. Original da AMC e disponibilizada no Brasil pelo catálogo do Amazon Prime Video, a produção conta a história de Allison (Murphy), uma esposa frustrada, que vive à mercê de seu marido Kevin (Eric Petersen).

O diferencial está na abordagem temática da série, que é filmada de maneiras gritantemente opostas. Quando Kevin está em cena, a criação de Valerie Armstrong vira um formato de sitcom, com múltiplas câmeras, iluminação carregada e a trilha de gargalhadas da audiência. Quando Allison se afasta dele, a paleta fica cinza, a trilha sonora sobe e a vibe dramática inunda as temáticas, que vão de depressão, à morte e ao assassinato.

Allison então, planeja se livrar do estúpido marido, ao mesmo tempo em que lida com a vizinha Patty (Mary Hollis Inboden), o novo chefe Sam (Raymond Lee) e o próprio Kevin, que fica cada vez mais repugnante, graças ao trabalho louvável de Petersen. As modulações de sitcom e drama começam promissoras, com viradas e transgressões espertas, mas com o decorrer dos oito episódios de 45 minutos, o formato se ajoelha perante à temática, virando nota de rodapé. Com a promessa de uma nova temporada, Kevin Can F**k Himself sacrifica o que seria um final perfeito para aventuras inéditas a partir de 2022. – Vitor Evangelista

Cozinhando com Paris (Cooking with Paris, 1ª temporada, Netflix)

Os anos 2000 estão de volta e com isso não poderia faltar o retorno da rainha da década, princesa do entretenimento do início do século, ditadora das maiores tendências da cultura pop: Paris Hilton. A socialite volta aos holofotes com seu novo programa da Netflix: Cozinhando com Paris, onde ela recebe diversos convidados e dá o seu melhor em um ambiente que não costumamos vê-la, a cozinha.

Apesar do nome e da premissa de ser um show de culinária, se você for com o caderninho de receitas esperando aprender segredos da cozinha de Paris, irá se decepcionar. A ideia aqui lembra um outro programa de grande sucesso da socialite: The Simple Life – As patricinhas na fazenda, em que ela e sua velha amiga Nicole Richie passavam por situações muito diferentes das que estavam acostumadas, convivendo com pessoas com uma vida mais simples.

O atrativo aqui é acompanhar a extravagância absurda de Paris, com suas idas ao supermercado vestida inteira de brilhos, seus acessórios de cozinha cravejados com cristais e as conversas sobre sua vida com seus convidados. A série é, acima de tudo, divertida, mas se apoia bastante no peso dos participantes, incluindo Kim Kardashian, e da eterna obsessão que todos temos por Paris. – Marcela Zogheib

Schmigadoon! (1ª temporada, Apple TV+)

Bem-vindos a Schmigadoon! Onde o Sol brilha de julho a junho e a vida é como um musical dos anos 50. Bem, na verdade, a vida é um musical dos anos 50 – e o casal em crise Josh Skinner e Melissa Gimble tropeçaram de cara nele. Com seis curtíssimos episódios e milhares de referências à musicais clássicos, Schmigadoon!, de Cinco Paul e Ken Daurio, é 8 ou 80: fãs do gênero, encarem sem receio; haters, passem bem longe.

A cidadezinha mágica depois da ponte abriga todos os clichês que o Cinema e a Broadway já usaram e abusaram, mas é o absurdo da situação em pleno 2021 que deixa a trama irresistível. Pegando título e conceito emprestado de Brigadoon, de 1954, a série da Apple TV+ não poupa esforços com sua direção de arte impecável e coreografias que poderiam ser facilmente encenadas em cima de um palco. 

O elenco é encabeçado pela dupla Cecily Strong e Keegan-Michael Key, mas são as vozes conhecidas dos coadjuvantes que rendem as melhores performances. Tribulation, interpretado pela incomparável Kristin Chenoweth, grita Wicked com pitadas de Newsies; Enjoy the Ride dá o gostinho de vagabundo-da-cidade para o veterano Aaron Tveit; até Dove Cameron encanta como Betsy e seu pudim de milho. Mas uma coisa é certa: Maria von Trapp deve estar orgulhosa da aula ginecológica de Melissa. – Caroline Campos

Modern Love (2ª temporada, Amazon Prime Video)

Modern Love chegou em 2019 encantando os assinantes do Prime Video com suas histórias reais de amores e desamores. Inspirada na coluna de mesmo nome, que também gerou um livro, a série se destaca por sua narrativa que fica na linha tênue entre o simples e o elaborado. O livro Modern Love traz apenas relatos pontuais das pessoas que escrevem. A série consegue ir além, cria cenários e sensações, introduz o espectador na vida das personagens, faz torcer e chorar na mesma intensidade.

Com oito episódios e novos atores, a segunda temporada de Modern Love segue o ritmo de sua estreia. Tão emocionante quanto a primeira, a série não traz finais fechados para seus capítulos, deixando a gente sonhar com o melhor para aqueles personagens. O maior exemplo é o episódio três, única história não presente no livro, situado no contexto pandêmico, encerrado bem em seu ponto alto apenas resta torcer para que o casal tenha se reencontrado. – Ana Júlia Trevisan

American Horror Stories (1ª temporada, FX on Hulu)

American Horror Story é uma das séries mais famosas de terror, conduzida pelo showrunner Ryan Murphy. O show ganhou notoriedade por adotar o formato de antologia, além de ser palco de um elenco formidável, que nos apresentava um modelo único de horror. Depois de uma longa trajetória, as narrativas não tinham tanto fôlego quanto as temporadas iniciais. Para simplificar a trama, foi anunciado um spin-off que contaria uma história diferente a cada episódio. Com esse propósito em mente nasceu American Horror Stories.

Apesar do nome parecido, o spin-off herdou pouco da originalidade e da personalidade da série original. Os dois primeiros episódios apelam para a nostalgia de Murder House, mas nem de longe atingem o impacto da primeira temporada. As tramas seguintes, que se desprenderam um pouco de American Horror Story, seguiram ladeira abaixo com um roteiro fraco e mal desenvolvido e atuações medianas. A antologia mostrou sua primeira narrativa interessante com Feral, que conta a história de um menino pequeno desaparecido durante uma viagem de acampamento com seus pais. Mesmo com algumas falhas, o episódio se desenrola bem dentro da curta duração e, ainda, foge do padrão de protagonistas adolescentes assim como seus antecessores.

Com mais pontos baixos do que altos, as lendas de terror de American Horror Stories não foram o suficiente para agradar tanto os especialistas quanto a audiência, que avaliaram negativamente o show. O fator mais crítico da produção é que essa não se desprende da sua série-mãe, chegando até a escalar o elenco original de Murder House para fechar a temporada. Mas apesar disso, o espetáculo dos horrores se renovou por mais um ano. Até lá, como não dá para imaginar o que o Ryan Murphy está planejando, só nos resta esperar que o showrunner seja agraciado com um pouco de criatividade. – Gabriel Gatti

iCarly (1ª temporada, Paramount+)

Em cinco, quatro, três, dois, e… ela está de volta. Depois de quase dez anos do final da série original, iCarly voltou para mais uma divertida temporada pela Paramount+. Sem o retorno de Jennette McCurdy e a icônica Sam Puckett, a série nos leva novamente para a vida de Carly, Freddie e Spencer e o retorno de iCarly, que estava desativado desde a ida da protagonista até a Itália. Se a premissa inicial do programa era mergulhar na cultura dos influencers dentro do webshow, o que acabou chamando mais atenção foram as adversidades do grupo ao se adaptarem à vida adulta. 

Seja na desastrosa vida amorosa de Carly ou no fracasso profissional de Freddie, iCarly tenta se desvencilhar dos limites do humor adolescente e, com dificuldade, sucede. O verdadeiro destaque da temporada é a nova melhor amiga de Carly, Harper (Laci Mosley). Longe de ser uma réplica desinteressante de Sam, a estilista conquista facilmente o telespectador com sua personalidade indiscreta e seu guarda-roupa impecável. Quem não agrada é a péssima filha adotiva de Freddie, Millicent (Jaidyn Triplett), que não soa (nem um pouco) como uma adolescente. 

O revival pode até não agradar o consumidor ávido de séries de comédia, mas é um doce presente para os fãs que valorizam uma bela nostalgia. Com um início moderado, a série consegue se consolidar na metade da temporada: em uma disputa entre um humor adolescente e o uso ocasional de piadas adultas, iCarly parece ter encontrado sua fórmula final. Agora, basta saber se a segunda temporada vai conseguir seguir o mesmo ritmo. – Laís David

Jacuzzi (Episódio Animado de Pen15, Hulu)

Em Pen15, as criadoras, roteiristas e diretoras Anna Konkle e Maya Erskine vivem versões delas mesmas na puberdade. A primeira parte da segunda temporada, que foi indicada a 3 prêmios no Emmy 2021, foi lançada no ano passado e, desde então, a história de Anna e Maya ficou em suspense. Com as duas atrizes grávidas ao mesmo tempo, era inviável que nossos capítulos fossem gravados, ainda mais no meio da pandemia.

A saída foi Jacuzzi, que serve como oitavo episódio da segunda temporada, e é a primeira investida animada da série de comédia. Com pouco menos de 40 minutos, Anna Konkle escreve e dirige esse standalone das amigas, que viajam e aprontam uma atrás da outra na Flórida. O humor depreciativo e “cringe” é elevado à enésima potência, com as protagonistas sendo desenhadas como caricaturas grotescas, exibindo do lado de fora a maneira exata que as adolescentes enxergam a si mesmas. Com sorte, Pen15 deve voltar lá para o fim do ano, e continuar a saga, em live action, das amigas destrambelhadas. – Vitor Evangelista

Todo va a estar bien (1ª temporada, Netflix)

Diego Luna está fazendo TV! Através de Todo va a estar bien, o ator mexicano estreia na direção do mundo das séries da melhor maneira possível, assinando a nova dramédia da Netflix. Depois de estrelar Narcos: Mexico e o programa de entrevistas Pan y Circo, no Amazon Prime Video, Luna parece se sentir em casa na televisão e vive o momento de conhecer sua assinatura enquanto diretor numa história que tem aquele gosto especial e familiar das casas latinoamericanas.

A produção nos coloca para acompanhar o dia a dia de Julia (Lucía Uribe Bracho) e Ruy (Flavio Medina), um casal divorciado que decide continuar morando junto para cuidar da filha Andrea (Isabella Vazquez Morales). Em oito episódios, Todo va a estar bien vivencia os altos e baixos do trio conforme explora a individualidade de seus personagens, que procuram se reconhecer na nova configuração da casa. Compondo um retrato realista, simpático, delicado e divertido, a primeira série de Diego Luna é um delicioso compilado de crônicas de uma família moderna. – Raquel Dutra

Cruel Summer (1ª temporada, Amazon Prime Video)

Cruel Summer acompanha paralelamente o caso do desaparecimento de Kate, uma adolescente popular em uma cidade pequena no Texas em 1993, e a acusação de Jeanette, uma colega de escola excluída de Kate, de estar envolvida no caso. A história é contada alternando entre os anos de 1993, 1994 e 1995, em diferentes pontos dos acontecimentos.

Com as mudanças entre os anos, a ambientação da série muda drasticamente, trazendo para a tela o sentimento vivido pelos personagens e apesar de não parecer um enredo tão original de início, a trama surpreende e se desenvolve rapidamente ao longo dos episódios. Além disso, são abordados temas bastante pesados que causam um certo desconforto, mas ainda sim trata-se de uma série teen, criando um contraste que prende o espectador em cada cena. – Marcela Zogheib

Physical (1ª temporada, Apple TV+)

Os anos 80 continuam sendo usados em várias produções estadunidenses, seja para homenagear a década ou utilizá-la como ambientação para a história. No caso de Physical, a série da Apple TV+ aproveita o período, tão cheio de mudanças e exageros, para fazer uma ótima sátira do mundo dos vídeos de aeróbica e da cultura da magreza. 

Na trama, acompanhamos Sheila Rubin (Rose Byrne), uma dona de casa atormentada que vive na San Diego dos anos oitenta. Apesar de aparentar estar calma, ela luta contra um vício e uma voz interior que a torturam constantemente. Tudo muda quando ela descobre a aeróbica e mergulha numa jornada de empoderamento e sucesso. 

O que destaca Physical diante de outras séries ambientadas nesse período, como Glow, é a excelente atuação de Rose Byrne. Os outros atores se esforçam, mas não chegam nem perto da aura poderosa que a atriz emana. É ela quem joga luz na crítica que a série faz ao culto nocivo do “corpo perfeito” e nos faz devorar a temporada inteira, ansiosos por mais. – Caio Machado

Vingança Sabor Cereja (Brand New Cherry Flavor, Minissérie, Netflix)

Baseada no livro de Todd Grimson, Vingança Sabor Cereja é uma narrativa surreal no coração podre da Los Angeles dos anos 90, estrelada por Rosa Salazar (Alita: Anjo de Combate, Undone) e criada por Nick Antosca (Channel Zero) e Lenore Zion. Na trama, a cineasta Lisa Nova (Salazar) tem seu curta-metragem roubado pelo produtor ganancioso Lou Burke (Eric Lange), e agora está disposta a fazer qualquer coisa para destruir sua vida.

É fácil ver como a estética lynchiana de Vingança Sabor Cereja se inspira em trabalhos como Cidade dos Sonhos para dar vida e textura às partes mais feias da Cidade dos Anjos; através de sua protagonista desiludida, acompanhamos essa metamorfose de olhos abertos, absorvendo cada detalhe do mundo, esperando ansiosamente que todas as peças se encaixem e que, por fim, justiça seja obtida. Mas não é assim que a banda toca e, até o último momento, a série mantém o suspense brilhante entre o que a audiência sabe e o que ela acha que sabe. – Gabriel Oliveira F. Arruda

The Chair (1ª temporada, Netflix)

Sandra Oh estreou na Netflix prometendo comédia, romance e uma crítica cirúrgica ao meio acadêmico. No entanto, The Chair só serviu para mostrar que, mesmo criado e produzido por mulheres, o romance gosta da ladainha de arruinar protagonistas incríveis por causa de homens fracassados. Nem todo o carisma e talento da atriz que deixou saudades aos amantes de Grey’s Anatomy pode escapar da armadilha de uma personagem que escolhe seu amado.

A premissa de The Chair veio impecável: Kim Ji-yoon é a nova chefe do Departamento de Inglês em uma universidade de prestígio. Mulher e não-branca, a protagonista tem uma pluralidade de pautas possíveis, inclusive na abordagem da trama sobre a “substituição” de professores conforme o tempo e o medo do apagamento de cursos e faculdades. Mas a produção escorregou e passou seus 6 episódios com uma crítica tímida demais, até perder o espaço para (mais um) incrível, só que não, homem. – Nathália Mendes

O post Cineclube Persona – Agosto de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.