Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Nos últimos anos, pudemos sentir uma enxurrada de influências oitentistas tomar conta de nossas vidas, indo desde o Cinema até a Moda. O estilo saudosista e a visita aos grandes clássicos do passado mostram apenas como a cultura é cíclica, se utilizando do que já foi criado para inspirar a inovação. Dentre as inúmeras referências que poderíamos coletar dessa grande nostalgia, Curtindo a Vida Adoidado (1986) é uma das mais relevantes, afinal o espírito de Ferris Bueller (Matthew Broderick) ainda se faz presente até mesmo em produções da Marvel. Completando 35 anos em 2021, o longa envelhece como vinho, ganhando cada vez mais nossa devoção.

Com um apelo à la Sessão da Tarde, Ferris Bueller’s Day Off conquistou seu lugar ao sol em meio ao grande fluxo de produções da década de 1980 por fugir, ainda que pouco, dos padrões até então estabelecidos como uma fórmula perfeita. Lançado no mesmo período que outros clássicos como Clube dos Cinco e A Garota de Rosa Shocking, o que torna a história da produção tão interessante é ser despretensiosa, transformando um dia na vida de seu protagonista numa grande aventura. Graças, é claro, a pitada cômica que Broderick brilhantemente acrescenta.

Seria fácil dizer que o grande mérito da produção está em seu elenco, que se mistura quase que com uma química mágica e sustenta a narrativa do início ao fim, prendendo nossa atenção. Mas, para além das estrelas que vemos em tela, como Jennifer Grey – mais conhecida por seu papel em Dirty Dancing –, outro ponto certeiro é a construção do roteiro do polêmico John Hughes. Dinâmico e objetivo, a história contada no longa não se preocupa em dar grandes explicações às suas excentricidades, mas sim, como seu próprio nome diz, em curtir os momentos que elas proporcionam.

Prova dessa construção é a famosa cena da parada, em que Bueller invade um carro alegórico em plena avenida e contagia a multidão cantando Twist and Shout dos Beatles. Não há muito o que explicar: ela é, por si só, um dos momentos de auge da narrativa simplesmente por sua diversão. Sem que se prenda a necessidade de seguir uma linha lógica e cronológica bem estruturada, o grande foco de Curtindo a Vida Adoidado é tornar escrachado o significado do pensamento filosófico de Carpe Diem.

O longa não foi o primeiro, e nem o último, a abordar o tema, sendo inclusive “concorrente” de outra produção lançada na mesma época e que trazia a mesma ideia: Sociedade dos Poetas Mortos (1989). Entretanto, o que faz o filme de John Hughes ser tão original nesse sentido é a forma como traz essa narrativa sem que se perca em um looping filosófico. Não são precisos incentivos ou explicações para as ações de seus protagonistas, há apenas uma necessidade latente de fazer o melhor uso possível de seu tempo, contagiando inclusive seus espectadores.

E se antes Curtindo a Vida Adoidado era divertido por si só, hoje, a experiência de ver o longa se torna ainda mais empolgante devido a sua transformação em uma caixa de easter eggs, apenas esperando para captarmos as referências. Isso pelo motivo de que frases marcantes do filme, bem como cenas inesquecíveis, não foram usadas uma, duas ou três vezes desde então, mas inúmeras, que até perdemos a conta. Seja com o Peter Parker de Tom Holland correndo entre as casas de seus vizinhos em Homem-Aranha: De Volta ao Lar, ou em Deadpool e sua cena pós-créditos que recria o final do aniversariante, o longa já ganhou o status de ícone fazendo suas ilustres aparições. 

Não só dessas menções que o filme dos anos 80 se faz presente. Ainda que muitas obras anteriores também explorassem a técnica da quebra da quarta parede, foi com Ferris Bueller que essa construção se mostrou emblemática e passou a ser mais recorrente, como em A Nova Onda do Imperador (2000) e A Grande Aposta (2015). Esse contato inclui o espectador dentro da trama, como se fossemos o confidente do personagem. Dessa forma, além de observarmos seu comportamento, temos acesso aos seus pensamentos sobre as situações em que ele se envolveu, transformando o filme em uma roda de conversa íntima entre amigos. 

O sucesso do filme gerou uma série spin-off, que começou a ser produzida em 1990. Com o nome de Ferris Bueller, nenhum dos atores originais fizeram parte desse projeto. A “menção honrosa” para a obra derivada seria, talvez, a presença de uma tímida Jennifer Aniston interpretando a irmã do protagonista. Entretanto, a atriz só viu a sorte bater-lhe à porta com Friends em 1994, uma vez que o seriado de Ferris foi cancelado contendo apenas 13 episódios. Além da falta de respaldo do público, o próprio John Hughes não aprovava que seu filme tivesse uma sequência. Obviamente, ele tinha toda a razão. 

Apesar dessa incógnita na história de Bueller, o longa de 1986 foi um acerto na vida do ator principal. Broderick não só recebeu uma indicação ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator em Comédia ou Musical por sua performance, mas também conseguiu um enorme impulso na carreira. Diferente de seus companheiros de elenco, ele fez parte de filmes de grande sucesso nos anos seguintes, como Tempo de Glória (1989) e o icônico Inspetor Bugiganga (1999). Fora que, é dono da voz original de Simba, em sua versão adulta nas três sequências animadas de Rei Leão, e do amigo de Barry Benson no filme Bee Movie. Em contraposição a isso, está o intérprete de Cameron (Alan Ruck) que, depois de Curtindo a Vida Adoidado, não fez mais algum papel relevante, ganhando destaque apenas com a chegada de Succession em 2019. 

Aliado a uma trilha sonora arrepiante, Curtindo a Vida Adoidado nos mostra a idealização de uma vida sem compromissos e responsabilidades. Com um toque jovial em meio ao cotidiano adulto (a nítida contraposição de personalidades de Ferris e Cameron), a trama dos anos 80 conclui que o divertimento acaba sendo uma dádiva. Posto que 35 anos já se passaram, a fórmula de sucesso de Hughes é impagável, bem como cenas de um desfile para dançar e gritar com toda a nossa alma.

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Júlia Paes de Arruda

Que a história de Karatê Kid é um marco da cultura dos anos 80, ninguém tem como negar. Dois anos depois do sucesso do primeiro filme, John G. Avildsen lança a continuação da aventura de Daniel LaRusso e seu sensei Miyagi, com um toque mais íntimo e mais carismático. Completando 35 anos, Karatê Kid II – A Hora da Verdade Continua é uma referência para muitos adolescentes e, particularmente, o mais especial de toda a série. 

O filme de 1986 começa retomando os acontecimentos do seu antecessor, desde o encontro de Daniel (Ralph Macchio) e Miyagi (Pat Morita) até o torneio de karatê em que o jovem derrotou Johnny (William Zabka) com o famoso golpe da garça. A nova produção também incluiu cenas descartadas da obra de 1984, mostrando o pós-campeonato em que Kreese (Martin Kove) se revolta com a vitória de LaRusso. Seis meses depois da competição, senhor Miyagi recebe uma carta sobre o estado de saúde de seu pai. Preocupado, arruma as malas para uma viagem à Okinawa. Daniel, tentando fugir de uma mudança para Fresno, o acompanha em busca de histórias sobre seu sensei e da aldeia em que vivia. 

Dessa vez, Karatê Kid II deixa um pouco de lado a relação de mestre-aluno e demonstra o lado pai e filho do relacionamento de Daniel e Miyagi. Abrindo sua intimidade, o sensei conta seus motivos de ter deixado Okinawa, acusado injustamente de ofender a honra de seu melhor amigo Sato (Danny Kamekona). Além disso, detalhes sobre sua infância na comunidade e sua ancestralidade são revelados, bem como a apresentação do grande amor da juventude, Yukie (Nobu McCarthy). 

A vida de LaRusso se torna segundo plano, mais como um complemento dos acontecimentos em Okinawa. A luta marcial ainda se faz presente já que, historicamente, a ilha foi o berço do karatê. Porém, os golpes acabam se tornando coadjuvantes. Permanecendo na jornada do herói, Miyagi continua a utilizar métodos lúdicos como bases para práticas de combate. Fora as estratégias de enceramento de carro e de pintura de cerca, é adicionado a técnica do tambor, o segredo de todo karatê Miyagi-doo. O den-den daiko é tradicionalmente japonês, muito usado em cerimônias religiosas e como brinquedo para as crianças. Assim como no primeiro filme, é o ataque vital para a vitória do garoto de Nova Jersey numa nova disputa. 

Daniel agora vive um amor de verão com Kumiko (Tamlyn Tomita), sobrinha de Yukie. De maneira muito inocente e espontânea, a conexão dos dois é tão inevitável que até mesmo uma cerimônia de chá foi realizada. Para compor ainda mais o romantismo das cenas, músicas calmas, fortemente associadas a rituais japoneses, conduzem uma carga teatral. Aliás, é impossível deixar de citar a obra prima que Peter Cetera compôs especialmente para, no original, The Karate Kid Part II. Um dos fundadores da banda Chicago, conhecida pelas letras poéticas, canta Glory of Love com emoção, essencial para desabrochar todo esse sentimento apaixonante. 

Recentemente, Karatê Kid voltou à moda com a chegada de Cobra Kai. A série, originalmente lançada pelo YouTube e posteriormente comprada pela Netflix, narra os fatos na visão de Johnny depois de mais de 30 anos dos acontecimentos do primeiro filme. A sensação nostálgica é fatal, carregada de easter-eggs e lembranças implacáveis para os mais aficionados. Contudo, é na sua terceira temporada que os eventos do segundo filme se chocam com o universo atual. 

No seriado, Daniel embarca a uma moderna Okinawa em busca de certa paz, e, quem sabe, respostas para seus sufocos. Lá, ele reencontra Kumiko, agora uma bailarina viajada e consagrada na carreira. Inclusive, é com ela que a memória de Pat Morita, falecido em 2005, se torna tocante. Lendo cartas que Miyagi havia enviado a Yukie, Daniel se emociona com as palavras de seu querido sensei, como se elas nunca tivessem sido desgastadas. É quase uma sensação de onipresença e o próprio público consegue sentir essa experiência, uma homenagem mais que comovente. 

Além de Kumiko, LaRusso reencontra o vilão de Karatê Kid II, Chozen (Yuji Okumoto). Violento, playboy e ignorante, o rapaz se acha o dono da razão por causa da herança de sua família. Já em 2021, ele parece ter deixado para trás o passado entre os caratecas, mesmo com uma pitada de rancor pairando no ar. Diferentemente do primeiro contato, Daniel aprende lições valiosas com o colega, imprescindíveis para sua volta aos Estados Unidos. 

Envolvente e apaixonante, Karatê Kid II – A Hora da Verdade Continua é o ápice da série Karatê Kid. Sendo o maior sucesso da franquia, mantém o frescor do primeiro filme, mas se torna infinitamente melhor que o terceiro. De volta às suas raízes, conseguimos destrinchar a personalidade de Miyagi e o quanto ela é primordial para estabelecer a face de Daniel LaRusso. Mesmo com sequências divertidas que nem todo mundo gosta e outras nem tão fiéis, a segunda parte continua a ser um ícone independentemente de 35 anos terem se passado. 

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Caroline Campos

O ano era 1986 e os Titãs estavam irados. O Brasil começava a limpar os pulmões da fuligem dos militares e respirar o ar fresco da democracia quando, em 25 de junho, Cabeça Dinossauro saiu do escuro dos esgotos para fazer barulho na cena musical brasileira e enterrar os fósseis caretas remanescentes dos anos de chumbo. Com 13 faixas, o terceiro álbum da banda que contava com Arnaldo Antunes, Nando Reis, Paulo Miklos, Branco Mello, Tony Bellotto, Sérgio Britto, Charles Gavin e Marcelo Fromer foi uma experiência verdadeiramente punk rock que gritou na cara do sistema capitalista e das instituições hipócritas daquela terra sem lei dos anos 80.

Depois de dois discos que não foram muito bem recebidos pelo público e da prisão de Tony Bellotto e Arnaldo Antunes por porte de heroína, o octeto estava desacreditado da própria carreira. Mal eles sabiam que, quando gravassem Cabeça Dinossauro, iriam atingir principalmente uma juventude descrente e sem perspectiva que passava pela crise econômica deixada de herança pelos militares. Tanto foi que o álbum se tornou o primeiro disco de ouro dos Titãs, batendo a marca de 250 mil cópias vendidas em um ano.

Mesmo que o Brasil já estivesse sob comando de José Sarney, Cabeça Dinossauro enfrentou obstáculos significativos por conta do teor de suas letras. A censura, que demorou muito para se descolar das entranhas institucionais, foi bater na porta da banda e tentar munir o lançamento do disco – tarde demais, já que o público havia mergulhado de cabeça na agressividade descontrolada dos paulistanos. O marketing reverso foi tão eficaz que os shows passaram a ficar lotados, as rádios optaram por pagar as multas estabelecidas pelas canções proibidas e os Titãs entraram definitivamente no quarteto sagrado do rock nacional.

A produção do registro ficou, pela primeira vez, a cargo de Liminha, ex-baixista dos Mutantes. O músico foi peça fundamental para traçar com precisão a sonoridade desejada pela banda, e não demorou muito para ser apadrinhado como o nono membro do grupo. Liminha laçou toda aquela confusão rebelde e converteu no que se tornou o Cabeça Dinossauro, que equilibra a própria raiva e o descontrole em uma coesão musical polêmica e deliciosa.

Os quase 39 minutos de som não deixam ninguém escapar; sobra para a polícia, para a Igreja, para as leis e até para os que não fazem nada. Toda aquela revolta, muito bem justificada no contexto em que o disco foi lançado, contagiou os que estavam de saco cheio do sistema e, literalmente, quebrou as casas de show por onde os oito marmanjos passaram destilando um caos hipnotizante.

Para quem esperava um pop família quando colocou a bolacha para rodar pela primeira vez, escutar Cabeça Dinossauro, a faixa de abertura que intitula o álbum, deve ter sido um choque e tanto. A percussão de Liminha e os três versos – cabeça dinossauro, pança de mamute, espírito de porco –, praticamente vomitados por Branco Mello, dão início a um manifesto sonoramente selvagem contrário à barbárie do capitalismo. Tirem as crianças da sala, pois o som titânico só estava começando.

A temática do disco é clara: estamos insatisfeitos e queremos berrar. Apesar de Aa uu manter a qualidade de sua antecessora, ela é mais passível de se dar uma bela respirada e aproveitar os vocais carismáticos de Sérgio Britto bradando sobre uma espécie de sujeito-máquina. O clipe da faixa ganhou uma exibição no Fantástico, que foi responsável por popularizá-la a ponto de virar até trilha sonora de novela da Globo.

No entanto, seguindo em frente, é preciso garantir que aquela tal respirada seja bem longa, pois o folêgo desaparece durante as canções seguintes. A que melhor exemplifica essa insanidade transgressora do momento é A face do destruidor, que levou embora o pulmão de Paulo Miklos. Localizada entre Porrada, de Arnaldo Antunes, e Estado violência, escrita por Charles Gavin, os 38 segundos da música beiram o incompreensível e com certeza geraram muito bate-cabeça nos shows do grupo oitentista.

Igreja e Polícia podem dividir o crédito quando se trata de polêmica. Enquanto a primeira, criação de Nando Reis, fazia um Arnaldo Antunes cristão e ofendido deixar os palcos pela crítica à religiosidade fingida, a anarquista Polícia de Tony Bellotto rememorava a arbitrariedade policial e a opressão exagerada ainda marcante no Brasil de Sarney. Hoje, essa canção é quase um hino contra os agentes da lei, que seguem deixando um rastro de sangue preto e pobre pelo caminho de suas botas.

Apesar das duas composições darem o que falar, é Bichos escrotos que rouba a cena underground. Com Miklos novamente nos vocais e Antunes, Reis e Britto nas entrelinhas, a faixa que datava 1982 já havia sido proibida de entrar em discos anteriores dos Titãs. Devidamente gravada e parte de Cabeça Dinossauro, foi a demanda absurda do público que fez as rádios pagarem a multa para tocá-la. Logo, um sonoro vão se fuder! ecoava na casa da família tradicional brasileira. De longe, a canção mais satisfatória do disco.

Depois de tanta porradaria, é até engraçado ouvir Família na voz melódica de Nando Reis. Beirando o reggae, a letra do cotidiano é o oposto do primitivismo impresso nas suas antecessoras. Ao lado da inconformada Tô cansado, que fechou o lado A do vinil, é a parte mais light dentre tanto nervosismo cantado. Claro que isso não influencia em absolutamente nada na qualidade do conceito de Cabeça Dinossauro – todo mundo que berra demais precisa parar para tomar um gole d’água. O álbum encontra seu lugar melhor ainda nas suas gravações mais tranquilas.

Assim como Bichos escrotos, Homem primata é, até hoje, um dos maiores sucessos do grupo. O capitalismo selvagem da selva de pedra paulistana ganhou um ritmo com guitarras marcantes e outro vocal de Britto. A letra, também engavetada, teve participação de Ciro Pessoa, que integrou a banda até 1983 e, infelizmente, faleceu depois de contrair covid-19 em 2020. Dívidas e O que, as duas com o dedo unânime de Arnaldo Antunes, finalizam os quarenta minutos de ira explosiva de uma das bandas mais importantes do nosso rock. A experiência acaba; a revolta, nem tanto.

Cabeça Dinossauro veio para chutar as portas da indústria musical brasileira e meter porrada nos dinossauros autoritários e vazios que se rastejavam pelo país. Como todo disco que entra para a história, sua atemporalidade é impressionante, principalmente se lembrarmos que os bichos escrotos decidiram sair dos esgotos de vez em 2018. Além disso, o disco de 1986 poderia ser facilmente trilha sonora do espectro político atual – tragicômico, eu sei. Independente, uma coisa é fato: putos da vida, os Titãs lançaram um clássico.

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Júlia Paes de Arruda

Brooklyn, 1986. Lionel Richie e Madonna bombavam nas rádios com seus grandes sucessos. Ronald Reagan era presidente dos Estados Unidos. Todos ainda estavam angustiados com a passagem do Cometa Halley. É nesse cenário que John Hughes aposta suas fichas em A Garota de Rosa Shocking, após o grande sucesso de Gatinhas e Gatões. Completando 35 anos, o filme continua a encantar pela fórmula carro-chefe do produtor, mesmo que seu método de trabalho seja muito duvidoso.

Sendo um dos primórdios dos clichês adolescentes, a história gira em torno de Andie (Molly Ringwald), uma jovem pobre que tem uma paixão por Blane (Andrew McCarthy), o garoto popular e rico da escola. Quando ele a convida para sair, os dois entram num relacionamento reprovado por seus amigos, principalmente por causa das diferenças sociais do casal. Inclusive, um dos mais próximos de Blane, Steff (James Spader), afirma que “se você se amarra em brega, não traz pro nosso grupo não” ao ver o melhor amigo se apaixonando pela “cafona”. A personagem de Molly é esforçada, independente, talentosa e esperta. Mas no fundo, como toda garota padrão dos filmes do gênero, sonha em encontrar seu príncipe encantado para acompanhá-la no emblemático baile de formatura. O conselho de amiga que eu dou para ela é CORRE!

É estranho notar que Andie não é estúpida o suficiente para se rebaixar e cair nos braços do típico nice guy Steff, até porque, como ela mesma diz, tem um bom gosto. Contudo, é inocente o bastante para se encantar por Blane, o cara lindo e nada carismático que, na verdade, parece mais o Sam Claflin em Branca de Neve e o Caçador – estando ali para preencher espaço. E, ainda por cima, tem o amigo stalker Duckie (Jon Cryer) que se iguala a uma pedra no sapato sem a dose sombria e extrema de Joe Goldberg. Pelo menos, seu papel serviu como alívio cômico.

John Hughes, grande nome dos filmes oitentistas, mantém a mesma fórmula da rivalidade entre populares e esquecidos, apoiada principalmente na diferença de classes sociais. Um dos seus maiores sucessos, O Clube do Cinco, maximiza essa rixa através dos estereótipos dos personagens: a patricinha e o atleta versus o nerd e os esquisitos.

Em A Garota de Rosa Shocking, esse antagonismo deriva da condição dos protagonistas. Andie se desdobra entre casa-escola-trabalho para se sustentar junto com seu pai, um homem deprimido e insatisfeito com o abandono da esposa. Blane é o cara que vive embaixo das asas dos pais ricos, cansado e desgostoso com a sua vida. Isso é bem nítido na própria caracterização dos personagens: enquanto ele veste roupas sob medida, ela reforma trajes e usa sapatos de segunda mão. A situação dela é mais evidente ainda na cena em que vai comprar um vestido de formatura e a vendedora a olha de cima a baixo, bem no estilo Uma Linda Mulher. 

Por causa disso, a relação entre Andie e Blane é rasa, sem química e nitidamente forçada. Isso é mais explícito nas cenas de beijo entre os atores, que não transmitem o sentimento que o momento permitia. Então, o que poderia se tornar marcante para o filme, acaba sendo constrangedor e esquisito. Essa sensação também é consequência da falta de encanto de Andrew McCarthy, o qual viveu um personagem que encontra em Andie um motivo para se afastar da monotonia que é sua vida. Por isso, a trama precisa se sustentar num triângulo amoroso. Ainda mais porque Duckie e Blane possuem personalidades totalmente opostas que chamam a atenção de Andie, mesmo que de modos diferentes.

Duckie é aquele tipo de pessoa que estabelece uma relação de amor e ódio com o público. Ao mesmo tempo que é irritante e infantil, é dono das cenas mais engraçadas do filme. A devoção por Andie é o que o prende à história, mas ele teria certo destaque de qualquer forma com suas frases autênticas e espontâneas, sem falar da performance dramática de Try a Little Tenderness. Imprevisivelmente, acaba se tornando o mais sensato do trio. Seu amadurecimento é implícito, mas perceptível. Mesmo aborrecido com o amor não correspondido, Duckie defende a amiga e aceita que ela ama Blane, mesmo ele tendo “um nome desses”.

É irônico pensar que o filme foi lançado nas vésperas do Dia Internacional da Mulher já que John Hughes tem um método de trabalho controverso em relação a performances femininas. Os primeiros minutos de A Garota de Rosa Shocking são de Andie se vestindo. Em um dos frames, a câmera acompanha a garota colocando uma meia calça. Em outro, o foco está na personagem abotoando uma saia por trás, deixando à mostra uma parte da sua lingerie. É perturbador pensar que essas cenas seriam necessárias para compor a caracterização da garota, ainda mais por se tratar de uma adolescente de apenas 18 anos.

A definição de Iona (Annie Potts) também é uma questão relevante, ainda que subliminar, sobre o olhar masculino tanto do roteiro de John Hughes quanto da direção de Howard Deutch. Iona é a dona da loja de discos onde Andie trabalha e, apesar de ser independente, ela sempre é mostrada com roupas escuras e cabelos bem diferentões, dando aquele ar de esquisita presente em muitos filmes do gênero. Chega a ser incômodo aos olhos quando ela aparece com o seu vestido de formatura rosa bebê.

No decorrer da narrativa, Iona se mostra muito instável no quesito de relacionamentos, transitando entre encontros ruins e pretendentes diferentes. Seu passado é também mencionado, deixando lúcido que até com homens casados ela se envolveu. O ponto é que, segundo o que o enredo dá a entender, a mulher não se sente plenamente feliz e completa com seu negócio, necessitando de um homem que a satisfaça. É isso que Hughes e Deutch entregam para o público.

Não é a primeira vez que o produtor é criticado por sua visão misógina. A própria Molly Ringwald escreveu sobre a cena de assédio em O Clube do Cinco, na qual sua personagem Claire é tocada de forma inapropriada – mesmo que o público não veja – quando seu parceiro de cena Bender (Judd Nelson) fica embaixo da mesa em que ela está sentada e espia por baixo da saia da jovem. Ela cita, ainda, uma situação em Gatinhas e Gatões, a qual Caroline (Haviland Morris) acorda de ressaca com alguém que ela não conhece e que dá a entender que ambos tiveram uma relação sexual. Não tem como negar as problemáticas envolvidas com o legado dos clássicos oitentistas.

Ainda assim, depois de 35 anos, A Garota de Rosa Shocking é um marco para os mais aficionados por clichês adolescentes. Sua dose de comédia e romance somado ao clima dos anos 80 é digna de um espaço na lista de filmes estilo Sessão da Tarde, que já traz um ar de nostalgia por si só. Além disso, Andie é uma personagem ícone que merece reconhecimento por sua personalidade marcante e empoderada, mesmo que seu vestido rosa não fosse usado nas quartas-feiras.

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Ana Laura Ferreira

É na diferença entre o ‘ter’ e o ‘querer’ que se constrói a narrativa de 1986. O filme alemão, que fez sua estreia sul-americana na 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, se destaca por sua sensibilidade ao tratar da melancolia e das reminiscências do acidente nuclear de Chernobyl. Concentrando-se nas repercussões emocionais e nas marcas que o desastre deixou naqueles que vivem próximos a zona radioativa, o filme tece sua trama na união do passado, do presente e da memória.

Dirigido e roteirizado por Lothar Herzog, acompanhamos a trajetória da estudante universitária Elena (Daria Mureeva) que tenta dar continuidade aos negócios ilegais do pai, agora preso. Cercada pelos perigos da nova atividade, pelas pressões do início da vida adulta e por conflitos amorosos, a narrativa nos prende em meio ao caos claustrofóbico que é a vida de Lena. Tudo ganha uma amplitude ainda maior pela sensação apocalíptica que ronda o longa, graças as sua proximidade à “zona proibida”.

A paleta azul acinzentada e verde, que toma conta de 1986, intensifica o sentimento de melancolia externado por Daria. Sua atuação emocionalmente contida se complementa aos diálogos minimalistas e a fotografia contemplativa que instigam a percepção de angústia e aflição, como se a qualquer minuto tudo fosse desabar. A tensão que perpassa a narrativa desenvolve o contraste entre o presente e a memória.

Recheado de flashbacks, as lembranças – que parecem desconexas num primeiro instante – nos ajudam a penetrar fundo nos sentimentos e personalidade de Lena. Aliado à progressão cronológica subjetiva, o longa rápidamente nos ata à protagonista enquanto acompanhamos sua linha de pensamento e desenvolvimento emocional em meio a perturbação. Movimento esse que se intensifica com os secos cortes de câmera e as abruptas mudanças sonoras.

Mesmo 30 anos após o acidente nuclear de Chernobyl, o longa se atenta a deixar pistas, sensações e pequenos indicativos de como o ocorrido ainda influencia a família de Elena. Se apoiando nos desdobramentos biológicos, o filme torna-se quase que auto explicativo ao introduzir a cena dos troncos da árvore, se apegando a metáfora da contaminação radioativa presente nas relações que circundam a personagem de Daria. O olhar romântico e delicado ao inóspito, por outro lado, faz crescer a percepção de pureza do ambiente natural que compõe o cenário.

1986 desenvolve em seus 77 minutos mais do que uma simples narrativa, ele se atém à propagação das relações humanas e as circunstâncias imutáveis às quais somos submetidos. Filosoficamente falando, o longa pode ser definido como um símbolo da convivência familiar. Desta forma, 1986 é sobre se perder e se encontrar, atender a expectativa de terceiros e trilhar seu próprio caminho, é sobre sofrer as consequências de escolhas que não fez e, acima de tudo, lidar com suas cicatrizes.

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