Guilherme Dias Siqueira

Quando se fala em adaptações de quadrinhos logo nos vem à cabeça grandes produções de Hollywood sobre super-heróis vestidos em roupas coloridas e muita ação. Mas isso é uma fração da verdadeira diversidade dos quadrinhos, que não só cobrem uma variedade de temas e estilos, como também de culturas e subtextos regionais. No contexto latino-americano, uma riqueza de obras permanece vastamente inexplorada pela maior parte do público. Um desses materiais, talvez o mais importante de todos, foi retirado dessa semi-escuridão pela Netflix este ano: O Eternauta, a obra-prima de Héctor Germán Oesterheld e Francisco Solano Lopes.

Em meio ao verão argentino, um grupo de amigos se encontram para jogar baralho em uma casa de Buenos Aires. A tradição que eles cultivam a anos tem sua monotonia quebrada por um evento climático inesperado, uma nevasca chega sorrateiramente e começa a matar instantaneamente qualquer um que a toque. Liderados por Juan Salvo (Ricardo Darín), o grupo precisa se livrar das desconfianças vindas de uma amizade antiga, porém não tão profunda, para sobreviver e descobrir o real contexto desse apocalipse.

A fonte da qual se adapta a série não vem de um subgênero extremamente alternativo e revolucionário. Na verdade, o cenário base para O Eternauta, uma invasão alienígena, se insere nos contextos basilares da ficção científica desde o século XIX. Mesmo com obras como A Guerra Dos Mundos de H.G. Wells existindo no cânone do gênero desde os anos 1890, Oesterheld fundou em seu trabalho conceitos antes inéditos ou não tão presentes nesse tipo de quadrinho. Talvez o mais importante desses conceitos, ‘o herói coletivo’, se mantém como pedra fundamental na versão da Netflix. 

Os protagonistas da série não possuem nenhuma habilidade especial de fato. Nenhum deles tem, individualmente, qualquer controle ou poder sobre a situação, como é comum em histórias clássicas de heróis. Somente como grupo eles encontram as soluções das quais precisam. O roteiro é muito ágil em demonstrar diversas situações em que um ou mais personagens se encontram em situações intransponíveis, inclusive de quase morte, que só são superadas com a ajuda de outros.

Outro aspecto que a série traz a vida com maestria é a atmosfera gráfica. A direção de Bruno Stagnaro consegue adaptar a arte do desenhista Francisco Solano Lopes de forma fria e seca. O cenário de desolação do mundo exterior contrasta com a sensação de claustrofobia sempre constante nos refúgios em que os personagens se protegem da neve. Isso também impacta em algo fundamental para qualquer obra pós-apocalíptica: a transformação de ambientes cotidianos nas ruínas da civilização que colapsou. Igrejas, escolas, farmácias, vagões de trem, formas comuns do dia-a-dia de qualquer pessoa, são transformados em escombros e vestígios do que um dia foram.

O roteiro é mais discreto nos comentários políticos. Oesterheld carrega uma das histórias mais trágicas oriundas da violentíssima ditadura militar argentina, suas dores, medos e indignações permeiam sua obra constantemente. Entre junho de 1976 e dezembro de 1977 suas quatro filhas, Beatriz, Diana, Marina e Estela, foram sequestradas, desaparecidas e assassinadas pelo regime sanguinário, do qual o próprio HGO seria vítima. Oesterheld desapareceu no mesmo período, de sua família só sobreviveram sua esposa e seus dois netos, que se tornaram órfãos antes de completarem 4 anos.

Desde sua primeira versão, o quadrinho tinha tons explícitos de crítica ao imperialismo, ao capitalismo e ao autoritarismo presentes nas sociedades latino-americanas. A série, por sua vez, é mais sutil, mas usa como artifício algo mais contemporâneo — a guerra das Malvinas — não só para reforçar o tom sócio-político, como também um desenvolvimento pessoal fundamental aos personagens já que vários deles são veteranos do conflito.

Esses traumas se tornam ainda mais vividos graças ao elenco estrelado, o Juan Salvo de Ricardo Darín tem todas as notas certas. O ator não decepciona a expectativa criada em torno do seu nível de astro internacional, conquistado após filmes como Argentina, 1985 (2022). Outro destaque é o uruguaio César Troncoso, seu personagem Tano tem um papel fundamental na trama como uma pessoa egoísta que aos poucos precisa se livrar do individualismo para garantir que todos sobrevivam.

O Eternauta é mais uma adaptação literária de grande qualidade da Netflix, depois de Cem Anos de Solidão (2024), baseada no livro homônimo de Gabriel Garcia Márquez e de Ripley (2024), baseada na obra de Patricia Highsmith. O seriado revela que, mesmo com toda a disputa pela atenção e concentração dos telespectadores, ainda há espaço para produções densas e deslocadas do eixo América do Norte/Europa nos serviços de streaming. 

https://www.youtube.com/watch?v=95V9sqY80K8

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Davi Marcelgo 

Desde que o Cabeça de Teia surgiu, em 1962, na revista Amazing Fantasy #15, muitos autores e desenhistas assumiram o controle das histórias e tentaram, à sua maneira, trazer algum frescor no universo do herói. Porém, ainda que Peter Parker tenha saído do colégio e prometido votos de matrimônio, de alguma forma, ele voltava à estaca zero: um personagem solitário que não podia se relacionar com ninguém sem que uma tragédia acontecesse. Os fãs reclamavam em redes sociais sobre o vai e vem, pedindo por tramas que saíssem da rotina. Em Março de 2024, o pedido foi atendido. Após o retorno da linha Ultimate da Marvel Comics, chegava às bancas dos Estados Unidos a primeira edição de Ultimate Homem-Aranha, escrita por Jonathan Hickman e ilustrada por Marco Checchetto. Trazendo o protagonista mais velho, casado e com filhos, a maior diferença é que, neste universo, o Homem-Aranha não existe – pelo menos até as últimas páginas da primeira edição. 

Na trama, O Criador, uma versão malvada de Reed Richards (o Sr. Fantástico), apaga a existência de todos os heróis da história, impedindo que eles ganhem seus poderes. O Capitão América não é descongelado, a Tempestade não está com os X-Men e Parker nunca foi picado pela aranha radioativa; fator que permitiu a construção de uma família e uma vida sem grandes responsabilidades. No entanto, o Rapaz de Ferro (Tony Stark) descobre o plano do vilão, fazendo de tudo para despertar habilidades nas pessoas que vivem vidas não destinadas à elas: é ele quem entrega uma aranha para Peter Parker. 

Essa narrativa de destino (que você não escolhe) e, principalmente, de sentir que há algo faltando na vida – uma reclamação constante do protagonista durante os primeiros volumes – soa como uma experiência queer e, talvez, isso seja o máximo de diferente que a nova saga tem em comparação com o universo regular do personagem. É claro, de algum modo, o texto precisa ficar familiar para os leitores, mas se o herói como conhecemos ainda existe em outro gibi, por que este não pode abraçar, de vez, o revolucionário?

O sentimento de ter uma vida roubada faz parte do processo de aceitação de uma pessoa LGBT+, seja a infância perdida ou a adolescência tardia, com a simulação de um ‘falso eu’. No vídeo A Dupla Personalidade na Cultura Pop para seu canal no YouTube, Thiago Ora faz uma alusão da vida secreta dos super-heróis e de homens gays; ambos precisam esconder uma parte de suas existências para sobreviverem. Em um diálogo com seu tio, o protagonista diz que “…não é de hoje que eu penso que tem alguma coisa errada com a minha vida…”, em outro, Harry Osborn faz indagações sobre as consequências de viver essa vida escondida das pessoas que ama. Nesse novo título do aracnídeo, a temática é ainda mais presente, porque a vida de Parker como pai, marido e repórter só dá certo ao nunca ter tido contato com seu duo, começando a ser abalada ao despertar esse lado.  

A questão desta suposta renovação do Homem-Aranha é que ele ainda é o mesmo: branco, cis, hétero e com o sonho de ter uma família nuclear. Convenhamos, um Homem-Aranha gay ou bi, abalaria o ‘mundinho’ nerd. Embora, no Brasil, apenas seis edições tenham sido lançadas, já dá para prever – seja lendo a obra ou acompanhando as teorias de outros leitores – que os caminhos a serem seguidos caem no lugar-comum: personagens morrendo, pessoas próximas se revelando como vilãs e a dificuldade em conciliar a vida dupla. Não há uma ruptura entre Peter Parker do universo regular e Ultimate.

Na nova versão, Tio Ben está vivo e Tia May quem morreu, novamente, a Marvel cai em clichês, no entanto, os idealizadores conseguem bons frutos dessa ideia. O melhor destaque do quadrinho é a dupla veterana de jornalistas, formada por Ben Parker e  J. Jonah Jameson. Após o Clarim Diário passar por mudanças editoriais, Wilson Fisk, o Rei do Crime, assume a editoria do jornal, então, Jameson e Parker se demitem, criando sua própria empresa. Dois ‘velhos’ confortáveis em suas antigas profissões, lutando contra o sistema e investigando sobre a sujeira em Nova York é a grande novidade do gibi, só o núcleo deles dá ingredientes para uma aventura solo. 

Conhecido por enredos megalomaníacos, acompanhados de, literalmente, infográficos e muitos conceitos de ficção científica, Jonathan Hickman está com os pés no chão no primeiro arco, deixando as ideias de pirar a cabeça para a revista Universo Ultimate e os Supremos, enquanto o Aranha fica com as consequências das tramoias do Criador em uma perspectiva dos becos e ruas de Nova York. David Messina, que ilustra o número #4, compõe ótimos quadros que criam tensão. A conversa na mesa desta edição com o design em nove quadros é excelente e ver Peter, mais uma vez, aprendendo a usar os poderes é divertido.

Mesmo sem um grande fator novidade, é interessante a versão assumidamente sádica de Harry Osborn e acompanhar a dinâmica familiar de Peter Parker com sua filha, que descobre a identidade secreta do pai, causa bons risos. Outros momentos são bem sensíveis e parte da natureza urbana do aracnídeo, como o batismo do herói feito por Mary Jane ou a escolha de cores do uniforme pela filha. O início de Ultimate Homem-Aranha não é dispensável e muito menos o grande divisor de águas do herói, mas sobe em uma teia qualquer. 

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Entender a si mesmo como uma pessoa LGBTQIA+ é, muitas vezes, uma tarefa difícil. Isso pode ser ainda mais intenso na adolescência, quando a pressão externa para ser igual a todo mundo – ou até melhor – te empurra a ser exatamente como esperam que você seja. Nesse contexto, coisas simples podem ganhar um significado imenso. Mas afinal, como a representatividade na mídia importa?

Em um momento de descoberta, dar de cara com um livro, filme, clipe ou até comercial que te faça sentir inteiro pode mudar muito sua jornada de auto aceitação. Encontrar casais sáficos, gays, pessoas trans e demais letras da comunidade existindo e sendo de verdade – mesmo que na ficção – nas linhas de algum produto é o tipo de coisa que te mostra que está tudo bem ser assim, não é um desvio de caráter e, muito menos, uma exclusividade azarada. 

Fechando mais um Mês do Orgulho, alguns membros da nossa Editoria compartilham como o contato com produções queer na adolescência fez diferença e, de certa forma, acompanha suas vidas até hoje. Levantando a bandeira de um jornalismo cultural que preza pelo respeito e acolhimento da diversidade, o Persona agradece por mais essa cobertura. Amar e existir são atos de resistência lindos. 

Jovens Titãs Renascimento: A Ascensão de Aqualad

Aos 15 anos, em 2017, ser gay não parecia grande coisa no ensino médio. Então, o mundo exterior com meus colegas e amigos foi a parte fácil. Desde a série animada dos Jovens Titãs, que marcou gerações com uma gótica, um ciborgue, o emburrado filho do Batman, uma alienígena e um vegano, as histórias de heróis sempre me fascinaram, não pelos poderes, mas pelos arranjos de equipes e aceitação no mundo, como em X-Men.

No quadrinho Jovens Titãs Renascimento: A Ascensão de Aqualad (2017), o herói filho do Arraia Negra – vilão dos filmes de Aquaman acusado de assassinato, roubo, conspiração e terrorismo – enfrenta um inimigo diferente dessa vez, seu relacionamento com seus pais e o medo da rejeição. Por ser um garoto que consegue controlar a água e criar objetos a partir dela, tem tatuagens brilhantes e não querer seguir o caminho maléfico do pai? Não. Por ser gay e descolorir o cabelo.

“Você já nasceu com uma marca em você, a que todos chamam de tatuagem, agora você acrescentou esse cabelo branqueado. E garotos. Por que está tentando tanto ser diferente?”                                                           

“Não estou tentando, mãe. Eu sou.”

Não é novidade que o universo de HQs e animações da DC está, politicamente, anos-luz à frente da Marvel. E fez muito mais em duas edições de quadrinhos que uma saga inteira de Vingadores no que diz respeito a representatividade queer, quando uma mãe amorosa o questiona de uma forma tão ríspida e um pai ausente como o Arraia Negra o trata como se isso sequer fizesse diferença, o desenvolvimento de sua identidade e lore nas próximas edições da HQ me guiou por um caminho mais leve e acolhedor. – Henrique Marinhos

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho

Desde a minha infância, tinha consciência de que não era igual aos outros meninos. Por conta disso, ser gay nunca foi uma questão de crise de identidade, além de ter tido o privilégio de conviver em uma escola onde podia expressar minha sexualidade abertamente sem preconceitos. A virada de chave aconteceu quando me apaixonei pela primeira vez aos 14 anos – pelo meu melhor amigo hétero, quem nunca? – e percebi como aquilo era real e iria me acompanhar pelo resto da minha vida. 

Foi então que assisti o filme Hoje Eu Quero Voltar Sozinho, que me mostrou da forma mais doce possível que meninos como eu poderiam ter histórias felizes de amor. Ao contrário das versões caricatas de homossexuais representadas em outras produções, eu conseguia me relacionar com os traços introvertidos de Leonardo. Ao mesmo tempo que a figura de Gabriel me dava esperança de que um dia encontraria alguém tão extrovertido e livre como ele. 

A maneira como o longa representa de forma tão inocente a adolescência, as relações de amizade, o autodescobrimento e como é se apaixonar sem perceber por alguém pela primeira vez foi muito importante para mim, e acredito que para muitas outras pessoas. Hoje Eu Quero Voltar Sozinho é uma pérola do Cinema nacional e definitivamente entra no panteão de obras LGBTQIAPN+ que marcaram uma geração. – Arthur Caires

Girls Like Girls – Hayley Kiyoko

Ao subir o clipe de Girls Like Girls no Youtube em meados de 2015, Hayley Kiyoko mudou os caminhos de muitas garotinhas que navegavam pelo site em busca de hits do pop. Em um momento que se entender diferente fazia as cores de um mundo particular parecerem absolutamente acinzentadas, encontrar a imagem doce de duas garotas se beijando fez tudo ter tanto sentido, que os monstros definitivamente ficaram menores.

O retrato suave, delicado e completamente encantador traduziu em imagens os anseios de quem era apaixonada pela melhor amiga sem sequer entender o que aquilo significava. Nas linhas de uma narrativa em que as personagens parecem tão confusas quanto quem está assistindo pela primeira vez, o misto de sentimentos chegava a uma única conclusão: você não está quebrada! 

Sendo sincera, se naquela época os apps fizessem algum tipo de retrospectiva, aquele clipe com certeza seria o mais ouvido do meu ano e com uma quantidade de visualizações questionável – em minha defesa, era parte de um trabalho investigativo sobre quem eu sou.  Brincadeiras à parte, cantar “girls like girls like boys do, nothing new” em alto e bom som, fez uma adolescente de 14 anos se sentir abraçada quando tudo parecia prestes a desmoronar.  – Jamily Rigonatto 

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Henrique Marinhos e Henrique Rabachini

A história das HQs é datada desde o fim do século XIX, como uma evolução das tiras cômicas publicadas em jornais. Os primeiros quadrinhos eram voltados para o humor e a sátira, mas logo começaram a explorar outros gêneros como a aventura, o romance, o terror e a ficção científica. Um dos que se destacou foi o dos super-heróis, que se consolidou na década de 1930 com a criação de personagens como a dupla da DC Comics, Super-Homem e Batman, e Capitão América, pela Marvel. Esses heróis representavam os ideais de justiça, coragem e patriotismo, em um contexto de crise econômica, guerra mundial e ameaças totalitárias. Eles também refletiam as aspirações e os medos da sociedade norte-americana, que buscava escapar da realidade através da fantasia. 

No entanto, nem todos os super-heróis eram tão simples e otimistas. Na década de 1960, surgiram os X-Men, uma equipe de mutantes que traziam uma nova perspectiva para os quadrinhos. Nessa época, o mundo passava por grandes transformações, com movimentos pelos direitos civis como a luta contra o racismo e o movimento hippie, em paralelo a Guerra Fria e a corrida espacial. Sean Howe, jornalista e autor do livro Marvel Comics: The Untold Story, descreve o grupo como provavelmente o mais explicitamente político dos quadrinhos da Marvel dos anos 1960, quando a cultura pop ganhava cada vez mais influência através da Música, do Cinema, da Televisão e, claro, das HQs. Os heróis mutantes são um importante exemplo refletor de seus valores e transformações que completam seu sexagenário aniversário em 2023, propondo questionamentos e a busca por mudanças, influenciando a cultura e a política até hoje. 

Não mais vistas como figuras perfeitas e admiradas, Stan Lee e Jack Kirby criaram um grupo que luta pela sua sobrevivência e aceitação em um mundo que os teme e os odeia, representando as vozes e as lutas de quem se sente diferente, excluído e marginalizado – qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência durante a luta pelos direitos civis. Seu enredo, no entanto, não é tão complexo assim, seguindo alguns padrões da narrativa do herói. O conjunto é liderado principalmente por Professor Xavier, um telepata que acredita na coexistência pacífica entre humanos e mutantes, e Magneto, que já não seguia essa integração, sendo o grande antagonista (ao menos no princípio), representando uma explícita e não intencionada alegoria a Martin Luther King e Malcolm X que formou-se durante os anos seguintes.

A primeira aparição do grupo nos quadrinhos foi em setembro de 1963 na revista The X-Men #1, publicada pela Marvel Comics. Além de todos os conceitos sociais que definem o que é ser mutante nesse universo, eles são, básica e primordialmente, humanos que nasceram com um gene que lhes confere poderes dos mais variados, representando a próxima evolução da humanidade. Ciclope, Garota Marvel, Fera, Anjo e Homem de Gelo foram os primeiros mutantes liderados pelo Professor Xavier, fundador da Escola Xavier para Jovens Superdotados, que os ensinava a controlar seus poderes e a usá-los para o bem da humanidade. Longos anos depois, se tornaram candidatos para a HQ de edição única mais vendida da história, com cerca de oito milhões de cópias vendidas em 1991.

As animações também foram uma importante influência para os quadrinhos dos mutantes, como no caso do uniforme da personagem Mística em X-Men: Evolution, série produzida por Boyd Kirkland e Michael Wolf. Com quatro temporadas e um total de 52 episódios produzidos de 2000 a 2004, a animação consagrou-se como um dos históricos mais palpáveis da narrativa transmídia da Marvel para a época, integrando seus universos e expandindo-os para outras produções como jogos, animes e brinquedos. 

A saga reimagina os personagens como adolescentes e explora suas lutas por relacionamentos e pelo mundo com poderes mutantes, o que a torna uma produção interessante e relevante para o público jovem. Ainda que a sua construção não tenha um teor de adaptação pleno, ao menos no roteiro, fazendo com que muitas das cenas e enredos originais da série sejam vistos como infiéis aos universos originais, isso não é realmente um problema quando bem feito.

No Brasil, o desenho teve grande influência e se tornou um marco nostálgico para quem assistia TV aberta ao almoçar, mas, infelizmente, não teve a mesma popularidade em outros países, ocasionando seu cancelamento por motivos financeiros. Sobretudo, essa e outras animações dos X-Men foram uma grande influência para os primeiros filmes da franquia, como afirmou o diretor Simon Kinberg durante a CCXP 2018. 

Alguns mutantes podem passar despercebidos na sociedade, escondendo ou disfarçando seus poderes, enquanto outros têm fenótipos que os tornam facilmente reconhecíveis como pele azul, pelos, escamas, asas e caudas, por exemplo. Com isso, toda riqueza da história de X-Men se concentra nas complexidades individuais de cada personagem que a trama oferece. Longe de aspirações fúteis e infundadas, cada um é desenvolvido como uma pessoa real, marcada por nuances como abandono, discriminação, violência e trauma, consequentemente, convergindo em visões e atitudes sobre sua condição. Noturno, Fera, Mística e Anjo são exemplos de desenvolvimento da alma da obra.

Noturno, além de ser um mutante, é um católico devoto que busca aceitar sua aparência como uma dádiva divina, mesmo que se pareça com demônio com pele azul, cauda, orelhas pontudas e três dedos em cada mão e pé. Por muito tempo, desejou ter os poderes de Mística, que apesar de compartilhar uma aparência sobre-humana com ele, pode assumir a identidade de qualquer pessoa ou animal. Ela já foi uma X-Men e também aliada de Magneto, além de uma mercenária e terrorista independente, sendo, sobretudo, uma sobrevivente.

Por outro lado, Fera e Anjo nem sempre foram assim. Enquanto Fera tenta inibir seu gene X a partir de uma solução experimental fracassada que o transformou em uma criatura peluda e azulada, com garras e presas, Anjo adquiriu seus poderes ao longo de sua puberdade. No início do filme X-Men: O Confronto Final (2006), dirigido por Brett Ratner, o mutante tenta arrancar suas asas no banheiro para esconder sua mutação quando criança. Seu pai o flagra e ele, chorando, se desculpa.

No começo dos anos 2000, a Fox, que havia comprado os direitos cinematográficos dos mutantes após uma quase falência da Marvel, deu início à trilogia de filmes dos X-Men. O desenvolvimento do primeiro longa teve início em 1989 e o lançamento ocorreu em 2000, lucrando 296,3 milhões de dólares mundialmente e se tornando a oitava maior bilheteria mundial do ano. Dirigido por Bryan Singer, o longa trouxe uma alçada mais séria para os mutantes, fugindo das roupas coloridas e assumindo roupas pretas de couro. Singer traça diversos paralelos entre os mutantes e a homossexualidade. Uma das cenas mais óbvias nesse ponto acontece em X-Men 2 (2003), quando o personagem Homem de Gelo, ao revelar para seus pais que é um mutante, escuta de sua mãe a frase: “Você tentou não ser um mutante?”.

O segundo filme dos X-Men trouxe uma simples adaptação de um dos arcos mais aclamados dos heróis nos quadrinhos, Deus Ama, o Homem Mata, introduzindo o vilão William Stryker, que tem como objetivo o genocidio de todos os mutantes. Outra renomada história adaptação foi a saga Dias de um Futuro Esquecido, em que é apresentado um futuro distópico no qual mutantes são caçados e exterminados, precisando dar um jeito de voltar ao passado para impedir que esse futuro aconteça.

É inegável que os filmes dos X-Men foram um tremendo sucesso, responsáveis por consagrar diversos atores nos papéis de mutantes como Wolverine, interpretado por Hugh Jackman, Professor Xavier (Patrick Stewart) e Magneto (Ian McKellen). O enorme sucesso foi, sem dúvidas, a chama que deu origem a um renascimento dos longas-metragens de quadrinhos e super-heróis que pode ser vista até hoje. A produção de 2000 foi responsável por dar abertura a discussões sobre o longa do Homem Aranha (2002) com Tobey Maguire no papel do herói, além de abrir espaço para o Quarteto Fantástico (2005) e trilhar o caminho para Homem de Ferro (2008), que marca o início de um universo cinematográfico de mais de 35 filmes e séries de heróis da Marvel e posteriormente da Disney, em 2009.

Embora os X-Men tenham rendido um bom dinheiro para a Fox e trazido uma revolução no mercado cinematográfico de super-heróis, é necessário apontar que a franquia dos mutantes terminou de uma maneira que não agradou os fãs e nem o público geral. O último filme, Os Novos Mutantes, foi gravado em 2017 e só foi lançado em 2020, depois de anos de adiamentos e até rumores de cancelamento. O longa ficou no meio de um momento conturbado dentro do estúdio, comprado pela Disney, que se apropriou dos personagens e já possui outros lançamentos com os mutantes em desenvolvimento.

O primeiro filme dos mutantes sob controle da Disney, Deadpool 3, teve suas gravações pausadas devido à greve de atores e roteiristas que afligiu Hollywood e irá trazer uma das duplas mais amadas dos quadrinhos, Deadpool e Wolverine de volta às telonas. Com Hugh Jackman reprisando o icônico papel de Wolverine e Ryan Reynolds novamente como Deadpool, que promete entregar uma história mais fiel à sua fonte, não cometendo os erros da obra de 2009, X-Men – Origens: Wolverine cometeu ao adaptar esses mesmos personagens. Além disso, o terceiro filme da trilogia provavelmente será o responsável por trazer uma ligação entre o universo dos X-Men da Fox e o universo de Vingadores da Disney, consagrando a cena pós crédito de The Marvels. 

O pouco que se sabe sobre Deadpool 3 se deve a fotos vazadas dos bastidores e, mesmo sem nenhum detalhe do enredo, é perceptível a principal diferença entre Fox e Disney: os uniformes. As adaptações da primeira tentavam trazer um tom mais sério, já a Disney, acostumada em adaptar personagens bem estranhos dos quadrinhos, irá trazer pela primeira vez um uniforme fiel para o personagem de Hugh Jackman, uma verdadeira vitória para os fãs que esperaram 20 anos de adaptações live-action dos X-Men e não tiveram uma adaptação fiel dos uniformes coloridos e únicos dos quadrinhos. Agora, nos resta esperar e ver se os mutantes serão realmente bem tratados em sua nova casa.

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Amábile Zioli

Como superar o insuperável? É uma questão que Joaquim dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson levaram muito a sério ao dirigirem Através do Aranhaverso. Homem-Aranha no Aranhaverso (2018) aumentou os padrões de produção no mundo dos heróis e estabeleceu metas inalcançáveis para sua sequência, que chegaria aos cinemas apenas em Junho de 2023. 

O segundo filme da confirmada trilogia segue Miles Morales e Gwen Stacy na contínua busca e descoberta do multiverso, cada vez mais amplo e, paradoxalmente, desconhecido. Nessa jornada, a história dos protagonistas recebe mais aprofundamento e, mesmo com mais de 280 Homens-Aranhas no universo cinematográfico, o foco no desenvolvimento de cada personagem não foi deixado de lado.

A trinca de diretores conseguiu um dos maiores feitos da indústria audiovisual: fazer com que a continuação seja melhor do que seu antecessor. Com uma animação tão complexa e mais fiel aos quadrinhos do que nunca, a obra te deixa imerso em sua vastidão de cores e formas. Cada cena possui uma paleta diferente, cada universo tem um tom específico e todo personagem tem um contorno que o diferencia de todas as outras centenas de pessoas-aranhas.

Nisso, Gwen Stacy se destaca. Sua Terra, 65, é tomada pelos tons pastéis e frios, imergida em um visual melancólico e sensível, o que combina perfeitamente com o momento que a Mulher-Aranha vive. Entre segredos, solidão e culpa pelos acontecimentos canônicos de ser uma aranha, a jovem ainda precisa lidar com a falta de seu melhor amigo, que está há muitos universos de distância.

O roteiro, elaborado pelo mesmo trio responsável por Homem-Aranha no Aranhaverso, Phil Lord, Christopher Miller e Dave Callaham, também não deixa a desejar, e muito se deve ao novo vilão apresentado. Mancha é um dos vários destaques da trama: após o primeiro ato do filme, ele deixa de ser o “vilãozinho da vez” ao se tornar um ser ultradimensional, sem quebrar o repertório de vilões fantásticos já derrotados em trilogias anteriores. 

Miguel O’Hara, o Homem-Aranha 2099, também soube transmitir medo e tensão em cada aparição na tela de cinema. O teioso foi um dos pontos altos da película, que, juntamente com um visual único e uma trilha sonora original e característica, consagrou-se como o vilão coadjuvante, mas muito memorável.

Quando dito que Homem-Aranha: Através do Aranhaverso dá um salto de quase um universo de distância de seu antecessor, é impossível não responsabilizar as composições incomparáveis de Daniel Pemberton. O que já era um ponto de destaque no primeiro longa, Metro Boomin ajudou para que ficasse ainda melhor: cada melodia se mostrou perfeitamente pensada para todo acontecimento. A capacidade de encaixar o som com o movimento e a animação surreal tornou a experiência minuciosamente cativante para qualquer um que estivesse assistindo.

Indo contra o comum pensamento de que animações são produtos voltados apenas ao público infantil, Através do Aranhaverso traz, em um ambiente acolhedor e familiar, a confirmação de que o filme animado tem tanto potencial quanto qualquer live-action. É claro que o desenho ímpar do longa é seu diferencial: sem a possibilidade de brincar com as cores e tons, expressões faciais e corporais, e estilizações de design, grande parte de seu valor excepcional seria perdido em atuações simplórias e em uma fotografia mediana.

Essa perda de valor tem sido observada com frequência no Cinema norte-americano. A onda de live-actions incentivada pela Disney fez com que diversos clássicos perdessem suas particularidades ao serem trazidos para o mundo real. É o caso de Rei Leão, que, com uma computação gráfica fraca, não sustenta o mesmo apelo emocional proporcionado pelo original de 1994, vivo em cores e emoções. 

Através do Aranhaverso não se preocupa em não emocionar, afinal, só a narrativa de Miles em busca de mudar a trajetória canônica de sua vida já é o suficiente para encontrar empatia em qualquer espectador. A comoção é levada até o último minuto, quando, ao usar a ferramenta de cliffhanger explorada em Guerra Infinita, deixa até o mais desinteressado com o sentimento de quero mais.

O lançamento de Homem-Aranha: Além do Aranhaverso, terceiro e último filme da trilogia, estava previsto para Março de 2024, mas foi adiado por tempo indeterminado por conta da greve dos roteiristas, que, apesar de já ter acabado, afetou o início das produções. A excepcionalidade do desenvolvimento da saga do Aranhaverso nos leva a acreditar que seu fechamento não decepcionará: personagens bem explorados, uma narrativa envolvente e a animação característica transformam a história em um produto único.

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Ana Cegatti

Por que estamos lutando por um pedaço de torta se a torta está podre?

 – Alison Bechdel

O desastre de Chernobyl, a guerra Irã-Iraque e o corte mullet foram alguns episódios hediondos que fizeram dos anos 1980 um período inesquecível para o mundo. No entanto, o posto de maior atrocidade da década foi designado à Alison Bechdel, cartunista estadunidense que ousou ganhar as páginas dos jornais com tirinhas sobre uma ameaça maior do que qualquer explosão nuclear: lésbicas. Em uma singela homenagem, a editora Todavia publica uma coletânea, traduzida por Carol Bensimon, das principais histórias da série Perigosas Sapatas, cuja essência está em um grupo de amigas lésbicas praticando atos tenebrosos tais como trabalhar e lavar a louça. No fim, elas são perigosas para quem?

Ao longo de 40 anos, as tirinhas de Bechdel alugaram um espaço significativo tanto nas folhas impressas, quanto nas cabeças conservadoras que engoliram em seco os aperitivos da autora. Esta, por sua vez, também é o nome por trás de Fun Home, uma autobiografia vencedora do prêmio Eisner e adaptada aos palcos da Broadway. Apesar dessas conquistas memoráveis, o legado de Alison Bechdel não começa em estatuetas nem termina quando as cortinas do teatro se fecham. Enquanto a maioria das pessoas encantava-se com HQs sobre homens mascarados com um bíceps relativamente grande, Bechdel era vista como figura materna, ou melhor, como uma heroína sem capa por garotas lésbicas.

Sabe-se que, em tempos recentes, a cultura pop está tentando abraçar a letra L, seja mostrando beijos homoafetivos de suma irrelevância, como em Star Wars, ou esbanjando lésbicas brancas de batom em histórias medíocres. Héteros, gays ou bissexuais podem até tentar, mas nunca entenderão, de fato, o sentimento tão vazio quanto intenso de ver uma paixão se esvaindo pela inevitável priorização de um homem e o medo instintivo de ficar sozinha e ser, consequentemente, esquecida. 

Apesar de parecer óbvio, é preciso reiterar que não há ninguém melhor para retratar uma mulher lésbica do que uma mulher lésbica. Dessa forma, Alison Bechdel honra a própria realidade e coloca nada além de puro amor em cada uma das personagens, talvez com um propósito empático de resgatar um amor que nunca recebeu. A autora transforma as protagonistas Mo, Toni, Harriet, Clarice, Louis, Ginger e Sparrow em companhias propositalmente imperfeitas diante da solidão imposta à mulher lésbica, que não tem o luxo de errar, ou melhor, ser bagunçada e perigosa.

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As personagens de O Essencial de Perigosas Sapatas são verdadeiras agentes do caos. Embora não soltem teia pela mão ou saibam voar, elas são capazes de algo ainda mais impressionante: beijar mulheres. De fato, não é um superpoder, mas é um ato revolucionário cuja desenvoltura é atravessada por um eterno conflito entre o pessoal e o político. É nesse caminho contrastante e tortuoso pelo qual a protagonista Mo investiga suas facetas e as expõe de forma íntima e genuína, de tal modo que os rabiscos e as palavras parecem ganhar vida a fim de acolher as leitoras lésbicas em uma forma da obra de dizer: “eu te entendo”.

No imaginário tradicional, o significado de revolução jamais recairia sobre uma mulher de óculos redondos desesperada por atos carnais. Além disso, o que as pessoas veriam de tão inspirador nessa mesma mulher cujo nome poderia ser facilmente dado a um animal de estimação? Mo não nasceu para cumprir um propósito divino de emancipação lésbica, ou seja, ela não é uma figura inalcançável ou idealizada. Aliás, a graça está na possibilidade de encontrá-la fora das páginas, seja na famosa Vila Madalena ou em algum bar de esquina interiorano. Afinal, existem muitas Mos mundo afora esperando por uma chance de serem vistas, ouvidas e lidas. 

O grande desafio de Mo em Perigosas Sapatas não envolve um ato descomunal físico ou político, mas pessoal. A protagonista faz questão de expressar sua intelectualidade e consegue articular explicações para qualquer evento geopolítico. No entanto, ela se desespera ao perceber que seu pragmatismo não passa de uma cortina de fumaça para um medo colossal do incontrolável: ter sentimentos. Assim, sua jornada é pautada pelo conflito entre conhecimento e ingenuidade, de tal modo que, eventualmente, a militante abaixa a guarda e consegue perceber o quão belo é se deixar levar pelo inexplicável.

Do começo ao fim, o grupo protagonista não cede à imparcialidade patética da esfera sociopolítica. Verdade seja dita: é um mundo muito pequeno para as palavras “lésbica” e “imparcial” coexistirem. Querendo ou não, o lema feminista dos anos 1960, “o pessoal é político”, é uma aberração que nunca deixou de assombrar o indivíduo cujo rótulo só pode ser um: frouxo. Em suma, a autenticidade carregada por cada uma das personagens faz da obra uma bagunça linda demais para ser arrumada.

Diante de representações miseráveis da letra L na cultura pop, Perigosas Sapatas é um respiro, ainda que sua complexa doçura deixe qualquer um sem ar. Aliás, a obra reitera que ser doce não é usar esmalte ou andar de salto, isto é, Bechdel coloca uma lupa em mulheres cujos cabelos das axilas são mais longos que os da cabeça. Em suma, incluir a desfeminilidade, assim como a interseccionalidade, é um soco no estômago para quem acredita que postar “girl power” nas redes sociais enquanto divide quarto com racista e coleciona acusações de assédio é empoderador. 

A lesbiandade não é um conto de fadas e seria um erro retratá-la como tal. O fato é: há traições, medos e incertezas na narrativa cuja aliança com a realidade é um acerto de Alison Bechdel. Esta, em nenhum momento, abandona a verdade, de tal modo que as protagonistas da HQ estão despidas de filtros e se entrelaçam com cenários nos quais elas encaram suas interioridades e amadurecem. Em outras palavras, além das batalhas travadas com a conjuntura patriarcal e heteronormativa, as protagonistas enfrentam conflitos internos, mas não o fazem sozinhas. 

Perigosas Sapatas é, sobretudo, um grito melódico o qual cumpre um nobre dever de espantar o maior medo de qualquer garota lésbica: a solidão. A obra de Bechdel é um lar que acolhe corações ansiosos por uma chance de disparar sem temor e expulsa mentes heterossexuais frustradas, as quais têm a pachorra de dizer que queriam ter nascido lésbicas. Diga-se de passagem: a obra é capaz de convencer qualquer um a dar o nome de “Mo” para o animal de estimação. No fim, ser lésbica é acordar todo dia com um impulso de sentir tudo o que há para sentir e ser perigosa é deixar o Sol entrar em um ambiente que ama o frio – e ser revolucionária é ser os dois.

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Bruno Andrade

Somos rostos em meio à multidão, mas dificilmente pensamos naquilo que torna a multidão real. Sistemas de armas termonucleares coexistem com comerciais de refrigerante em um ambiente dominado pela publicidade, no qual é possível enxergar apenas pequenas frações de uma realidade mais ampla, dominada pelo inalcançável. Na tentativa de reunir o maior número de consumidores sob as armas da especulação, da alienação e de tudo que o dinheiro pode comprar, os donos do poder tecnológico resumem a grande trama neoliberal da contemporaneidade: tentar concentrar o máximo de atenção e especulação às empresas, às redes sociais e aos produtos. É sob esse contexto que Estado elétrico (2017), de Simon Stålenhag – lançado no Brasil em Maio deste ano pelo selo Quadrinhos na Cia da Companhia das Letras, sob tradução de Daniel Galera – ganha novos e assustadores contornos.

Um dos livros recebidos pelo Persona na parceria com a editora, Estado elétrico traz uma trama que se inicia em 1997, quando a Mode 6, óculos de realidade virtual da empresa ficcional Sentre, já somava 1 ano de inauguração. De forma nostálgica, Stålenhag tenta retomar o que, para muitos, foi o fim de uma era. Na Música do final dos anos 1990, o movimento grunge já parecia alertar para um início tecnológico cada vez mais opressivo – essa foi uma das cruzadas de Kurt Cobain, que tinha consciência de estar em uma batalha perdida desde o início, visto que as gravadoras transformaram suas falas anti-sistema em slogans para vender mais discos do Nirvana.

Nos Estados Unidos retratado pelo artista de origem sueca – que poderia ser apenas uma das realidades alternativas de Black Mirror –, as montanhas e paisagens naturais são descontinuadas por naves alienígenas, robôs disformes e indivíduos semi-conscientes, visivelmente controlados por uma força superior que se esconde por trás dos óculos de realidade virtual, tudo isso composto dentro de um ambiente tecnocrático, retro-futurista e melancólico. Em certas imagens, o sentimento de claustrofobia parece dominar – por todos os cantos das ilustrações, não parece existir alternativa.

Indicado ao Prêmio Arthur C. Clarke em 2019, Estado elétrico (ou Passagen, no original da língua sueca) fica no limiar entre o livro ilustrado e o romance gráfico, com grandes painéis que nem sempre vêm acompanhados de textos claros. A bem da verdade, o livro parece ser um artefato quase contemplativo, retirado diretamente da distopia que pretende retratar, embora essa aura distópica das ilustrações de Simon Stålenhag dialogue com os universos de “tecnologia sucateada” do cyberpunk, cujas ilustrações trazem similaridades aos jogos de videogame com temática similar, como a série Dead Space ou Watch Dogs (2014). Contudo, a trama ainda gira em torno de uma jovem (Michelle) e seu pequeno robô, que seguem rumo ao Oeste em uma missão de resgate, no melhor estilo A estrada (2006), de Cormac McCarthy.

Toda a distopia parece ser um retrato de tempos atuais, e em Estado elétrico não é diferente. As liberdades individuais, gradualmente cooptadas por indústrias e campanhas publicitárias, deram origem a um mundo de pesadelo: as paisagens virtuais se movem por um sistema no qual tecnologias sinistras, ameaças nucleares e sonhos consumistas foram destruídos pela queda das instituições. Como Stuart Hall aponta em A identidade cultural na pós-modernidade (1992), esse é justamente um dos motivos dessa “crise de identidade” contemporânea. A descentralização dos indivíduos fez com que os seres perdessem o sentido de si, tornando-se relativos e regidos por uma subjetividade egoísta (“somente o ‘Eu’ importa”).

Nossas concepções de passado, presente e futuro foram alteradas por um tipo de “presente contínuo”, que, como Mark Fisher escreve em Fantasmas da minha vida (2014), dão origem a um “lento cancelamento do futuro”. Esse futuro, diferente do que se convencionou a atribuir anteriormente, passou a ser apenas uma variável das infinitas possibilidades apresentadas a nós. Nesse contexto, a ficção e a realidade se alteraram significativamente – a propaganda, o consumo e uma política conduzida por indivíduos caricatos e sem qualquer consciência social são alguns dos exemplos das ficções que regem nosso cotidiano, cujo resultado é o pré-esvaziamento de qualquer resposta original à experiência.

Muitas das inspirações de Stålenhag vieram de uma viagem de carro feita com sua família pelos Estados Unidos, em 2013 – o ano do “boom” do Facebook –, quando várias fotografias que serviram de referência foram registradas. Porém, apesar do título sugestivo, esse “Estado Elétrico” que o artista desenha com um realismo assombroso não segue o padrão de clássicos como 1984 (1949), de George Orwell, em que a opressão é comandada por um governo. Aqui, a cegueira moral é imposta pelo próprio povo, que acredita estar jogando um videogame quando usa capacetes enormes que dão acesso a uma nova realidade virtual. Aos poucos, descobrimos que os neurônios da humanidade estão servindo de alimento a uma enorme inteligência artificial, da qual, por uma incompatibilidade biológica, a protagonista não pode participar.

Indo contra a lógica da indústria cultural, que sempre entrega produtos mastigados e contemplativos – sem forçar o pensamento –, o ilustrador prefere traçar conexões sutis entre uma narração não cronológica e pinturas atmosféricas. Com influência do retrofuturismo e da já citada cultura cyberpunk, as artes ressoam em nomes como Ralph McQuarrie, Syd Mead e o Philip K. Dick de Andróides Sonham com Ovelhas Elétricas? (1968), a inspiração literária de Blade Runner (1982). É também interessante perceber que, durante toda a obra, parece pairar o paradoxo defendido por James Bridle em A nova idade das trevas (2019): quanto mais sabemos sobre tecnologia, menos conseguimos agir. “A tecnologia é a condutora elementar da desigualdade em vários setores”, escreve Bridle.

Cheias de detalhes, as artes também tentam conduzir a narrativa de uma perspectiva diferente, cuja temática do autor combina suas próprias impressões da infância às inspirações da ficção científica, resultando em um cenário estereotipado da Suécia com itens futuristas agregados. O artista cria suas imagens utilizando uma mesa gráfica, valendo-se de técnicas e configurações específicas para simular pinturas a óleo (no início, ele tentou fórmulas com tinta guache, mas optou pelos métodos digitais).

Em adaptação para o Cinema pela Netflix, com previsão de lançamento em 2024 sob direção dos Irmãos Russo, com Millie Bobby Brown no papel principal, ao lado de Chris Pratt e Michelle Yeoh, Estado elétrico parece a história alternativa de um lugar que nunca existiu. “O que estamos fazendo não é civilizado, eu sei. Mas sei que também deve ter acontecido com você. Assim como eu, você deve ter acordado um dia e constatado o inevitável: já não vivemos em tempos civilizados”, escreve Stålenhag na obra. Esse é seu segundo projeto adaptado para o Audiovisual; o primeiro foi Tales From the Loop, série lançada em 2020 pelo Amazon Prime Video baseada na HQ homônima de 2015, cujo livro ainda não foi publicado no Brasil.

Os textos que acompanham quase todas as imagens parecem ser apenas mecanismos de coesão, algo que transforma a obra em um livro com início, meio e fim, e não apenas um bloco de ilustrações hiper-realistas. Contudo, não se trata de um elemento jogado totalmente ao acaso e a trama realmente converge para uma história coesa, mesmo que não-linear. A protagonista Michelle conta sua trajetória em etapas – às vezes dando aspectos socioculturais de uma sociedade danificada, às vezes se lembrando de um passado pouco distante em que sonhar, de verdade, era possível.

Esse talento extraordinário para narrar – a junção ideal de um texto conciso e imagens profundas – é o mérito de todo o livro. Para além das investigações especulativas desenvolvidas nas páginas de Estado elétrico, a graphic novel é também um artefato poderoso para uma tomada de consciência que, talvez pela forma realista das ilustrações, ganha força como exemplo de um terrível futuro que pode, efetivamente, ser o nosso presente. Ainda assim, o autor nega o estereótipo de futurista. “Não lido com o futuro, não sou futurista. As pessoas mais fracassaram do que obtiveram sucesso ao imaginar o futuro. Eu sou parte da geração que percebeu que jamais teremos carros voadores”, diz Simon Stålenhag em entrevista. Como Fisher escreve em Realismo Capitalista (2009), a propósito de um mundo cego pela lógica neoliberal, “é mais fácil imaginar o fim do mundo do que o fim do capitalismo”.

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Carol Dalla Vecchia e Mateus Conte

A década de 60 no Brasil foi tortuosa. Naquela época, o país vivia uma crise política sem precedentes: a posse e repentina renúncia de Jânio Quadros abalava as bases democráticas da nação. Enquanto isso, a mil quilômetros do centro do planalto vazio, um ex-repórter policial iniciava uma das suas criações mais memoráveis.

Começos raramente são pomposos. Não foi diferente com o interiorano Mauricio Araújo de Sousa, convidado pela conhecida Cooperativa Agrícola de Cotia para desenvolver uma nova obra dos quadrinhos: os caipiras Zezinho e Hiroshi. Hiro, como é conhecido, representava os funcionários e familiares da CooperCotia, formada quase exclusivamente por isseis e nisseis. Dois anos depois, surgia o hoje famoso Chico Bento. Ou seja, ainda que Francisco Antônio Bento tenha surgido apenas em 1963, sua turma nasceu há exatos 60 anos. 

Ao contrário dos outros dois personagens, ele falava o linguajar típico da roça, talvez a variante diatópica mais comum do nosso português, e rapidamente conquistou a identificação daquele público. Mauricio, cujos personagens figuravam apenas em páginas de jornais, retratava sempre o ambiente urbano em suas criações. No entanto, esse era o momento do quadrinista retomar suas próprias origens em Santa Isabel, Mogi das Cruzes e a bauruense Rua Araújo Leite, já conhecida de muitos de nós.

Não foi apenas o cenário do Chico Bento que foi inspirado na infância do cartunista, mas também todas as suas temáticas: uma das principais é a valorização da família, representada por seus pais Nhô Bento e a Dona Cotinha. Ambos são muito trabalhadores e exigentes com a educação de seu filho. Outro ponto importante é a preservação do meio ambiente: mesmo que ele pesque, cace e roube goiabas do Nhô Lau, tudo é feito visando a subsistência. Temas como pesca predatória e desmatamento, por exemplo, são sempre abordados de forma negativa.

Por fim, o último ponto fulcral da obra caipira de Mauricio é a religiosidade da Vila Abobrinha e do próprio Chico, com destaque para o sacerdote católico Padre Lino. O frade, que por suas vestes e tonsura aparenta ser franciscano, é o principal símbolo religioso dentro das histórias. Juntamente com os pais de Chico, Pe. Lino representa a figura paterna da infância, isto é, a personagem procura estabelecer às crianças o que é correto e o que é errado, construindo os conceitos morais de cada um deles.

Este conceito é um retrato fiel do que entendemos por Brasil profundo. Uma família simples, habitantes da zona rural, onde o pai trabalha na roça e a mãe é dona-de-casa; o filho frequenta a escola com seus amigos e namoradinha, mas não antes de passar por um bom caminho a pé. No final da semana, todos se encontram na igreja da vila.

Vale dizer que a religiosidade é o que coordena as demais áreas da revista: os personagens agem segundo seus princípios; e estes, por sua vez, são formados pelos ensinamentos do padre Lino. Como de costume na roça daquela época, o sacerdote também representa uma autoridade cultural na Vila Abobrinha: isto é perceptível nas histórias onde Frei Lino faz as vezes de professor de canto no coral litúrgico das crianças.

Além do Padre Lino, não raramente o próprio Deus aparece nas histórias. Quando isso acontece, ele sempre assume um papel protetor e que, ainda que por vezes pareça rigoroso, busca apenas trazer ensinamentos aos personagens. Do mesmo modo, o Diabo também teve algumas participações nos gibis: porém, de forma diametralmente oposta, ele pretende causar a doença, a desesperança e a morte. E, quando isso acontece, comumente há batalhas entre Deus e o demônio.

Porém, vale ressaltar que não foi apenas o catolicismo a figurar nas páginas das revistinhas do Chico. Em 1985, a história O Rezador apresentou a idosa negra Nhá Belarmina, uma benzedeira que se denominava como Preta Véia. Nela, a senhora ensina a Chico Bento todo o seu conhecimento sobre rezas e benzimentos que ela havia recebido de seus antepassados, continuando a tradição oral de sua cultura.

Curioso em descobrir se aquelas preces tinham efeito, Chico resolve testá-las invocando o sobrenatural para amarrar o amor de sua namorada Rosinha. A reza, porém, funciona de forma exagerada e Rosinha age como se estivesse em hipnose. Resolvida a situação, a maior lição de Chico foi entender que todo o poder obtido deve ser usado com sabedoria e responsabilidade.

Esta história demonstra que, embora o catolicismo tenha presença constante nas histórias da Vila Abobrinha, ainda há espaço para outras religiões e para aprender valores importantes com elas. Nobu Chinen, doutor em Ciências da Comunicação, explicou no artigo científico A religiosidade afro-brasileira nos quadrinhos que no momento da publicação dessa história do Chico Bento, as religiões de matriz africana eram sempre representadas de forma negativa, “capazes de interferir na realidade cotidiana, normalmente em benefício de interesses pessoais nem sempre louváveis ou como forma de obter poderes sobre-humanos”.

Porém, podemos dizer que se valer dos princípios religiosos para ensinar valores morais às crianças saiu de moda na Mauricio de Sousa Produções. Talvez em nome do ecumenismo, a cada era que se passa menos vemos este tipo de história nos gibis: comum na editora Abril, raro na editora Globo e praticamente inexistente na editora Panini, onde a turminha é publicada até hoje.

Voltemos a onde partimos: nos anos 60, frente a um país em contínua instabilidade financeira, política e econômica, Mauricio se valeu da cosmovisão religiosa para formar personagens verdadeiramente humanos, colaborando para a preservação do imaginário de várias gerações e provendo a milhões de crianças tudo o que elas mais precisam: alegria e esperança.

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Caroline Campos

Em Esquadrão Suicida (2016), Dexter Tolliver questiona o que aconteceria se o Superman resolvesse arrancar o teto da Casa Branca e levar o presidente embora. Até então, conhecendo o Homem de Aço, nós sabemos que é um cenário pouco provável, afinal, ele sempre esteve do nosso lado. Mas e se não estivesse? Como seria viver em um mundo com uma criatura tão poderosa e tão descontrolada ao mesmo tempo? A segunda temporada de The Boys, série da Amazon Prime Video, conseguiu nos dar doses cavalares dessa sensação assustadora ao amadurecer ainda mais o Capitão Pátria, uma versão insana e desequilibrada do último filho de Krypton.

Assim, continuamos a acompanhar a árdua jornada de nossos Rapazes para derrubar a Vought, corporação bilionária responsável por criar e licenciar super-humanos através do Composto V. Responsável pelos Sete, a empresa é a grande antagonista nas duas temporadas da série baseada nos quadrinhos de Garth Ennis e Darick Robertson. Dessa vez, os donos da narrativa não são apenas Hughie Campbell e Billy Butcher, já que, neste ano, vemos um aprofundamento maior nos nossos coadjuvantes Frenchie, Kimiko e Mother’s Milk (Leitinho da Mamãe, para nós brasileiros). Ainda mais sangrentos, os oito novos capítulos conseguiram alavancar o status da obra, consagrando-a como um dos dramas mais interessantes entre os serviços de streaming atuais.

Kimiko (Karen Fukuhara) ganhou, devidamente, um pouco mais de história para chamar de sua. A Fêmea, que foi sequestrada e teve o Composto V injetado a força por guerrilheiros, encontra seu irmão mais novo, Kenji, que também havia sido recrutado. Com ele, descobrimos o motivo do seu silêncio, desenvolvendo ainda mais seu relacionamento com Frenchie (Tomer Kapon). Enquanto isso, conhecemos a trajetória do francês e como foi recrutado para trabalhar ao lado de Butcher e Milk (Laz Alonso), em uma cena hilária envolvendo o recém-apresentado Facho de Luz, o manipulador de fogo interpretado por Shawn Ashmore (que, ironicamente, dava vida ao Homem de Gelo, em X-Men). Um trio que se conhece há tempos e divide as mesmas cicatrizes de batalha.

No entanto, o carro-chefe de The Boys, é, definitivamente, o Capitão Pátria. Antony Starr alcança um nível absurdo, beirando a psicopatia em cada movimento e feição estampada no rosto do “protetor” dos Estados Unidos. Nessa temporada, Homelander, no original, surge ainda mais desorientado após o assassinato de Madelyn Stillwell – que, por sinal, ele mesmo cometeu – e desesperado por apego emocional com alguém, que seja o mínimo. O líder dos Sete é grotesco, sádico e instável, gerando pavor e apreensão em todos ao seu redor, incluindo seus companheiros de equipe. Sempre sorrindo para as câmeras, ele vê seu mundo oscilar quando o público se volta contra sua figura – seu fandom é a única coisa que ele possivelmente valoriza, a única coisa capaz de mantê-lo sob controle.

E essa necessidade de afeto é o que o leva voando até Ryan, o filho resultado do estupro que cometeu contra Becca (Shantel VanSanten), esposa de Billy Butcher. Se na primeira temporada acompanhamos Butcher, o Bruto, na sede de vingança contra Capitão Pátria por acreditar na morte da companheira, agora ele concentra seus esforços em encontrar o esconderijo supervisionado pela Vought, onde ela e Ryan se mantêm longe do mundo dominado pela obsessão em super-heróis. Billy ainda é um grande cão raivoso, incapaz de ocultar os demônios que coexistem dentro dele, e Karl Urban consegue manipular essa ira a seu favor enquanto dá vida ao líder dos rapazes foragidos. O anti-herói continua a enfrentar traumas do seu passado – conhecemos Lenny e seus pais, sua tia Judy e até seu buldogue Terror – e a lidar com as consequências no presente, principalmente em seu reencontro com Becca.

A nova temporada trouxe o que achávamos ser impossível: alguém tão desprezível quanto o Capitão Pátria. Tempesta, interpretada friamente por Aya Cash, era o que nossos protagonistas não precisavam para sobreviver mais um ano nas telas. Junto dela, surgiram temas que, infelizmente, não nos são estranhos. Tempesta manipula o ódio na internet, gerando ainda mais violência através da ameaça velada de super-terroristas. E a abertura excepcional do episódio 7, O Bruto, o Belo e a Estrela, mostra a consequência direta de tal manipulação. Tocando na ferida do problema estadunidense com a imigração e do reaparecimento de grupos neonazistas, The Boys foi cirúrgica ao dar à Tempesta a importância midiática que receberia fora do set, assim como sua relação disfuncional com o Capitão. “As pessoas adoram o que eu tenho a dizer. Elas acreditam nisso. Só não gostam da palavra ‘nazista’”.

Inclusive, não foi apenas esse tema que o showrunner Eric Kripke e o time de roteiristas introduziram que condiz com nossos traumas da realidade. Profundo, o assediador de mulheres interpretado por Chace Crawford, está no ápice do seu ridículo até encontrá-la: a Igreja da Coletividade. Em uma vibe meio cientologia, a Igreja promete que vai colocá-lo de volta aos Sete quando ele terminar os cursos caríssimos disponibilizados pelo messias. Assim, ele poderá encontrar a redenção que o fará ser aceito novamente pela sociedade e pela equipe, expurgando todos os seus pecados – independente de quantas vidas femininas ele destruiu. Profundo passa por uma reabilitação visual, para mostrá-lo como um homem agora mais maduro, casado e respeitoso com quem o cerca. Erguemos as mãos ao céu, pois o arrependimento chegou – parcelado em 12 vezes e a troco de sua conta bancária.

Luz-Estrela (Erin Moriarty), talvez uma das únicas heroínas de fato da série, caminhou a passos lentos, mas, finalmente, passou a ditar seu próprio jogo na Torre da Vought. Annie se vê em alerta constante cercada de inimigos no seu local de trabalho, mas as idas e vindas na relação com Hughie ajudam-na a manter os pés no chão na tentativa secreta de desmascarar Stan Edgar (Giancarlo Esposito) e seus contratantes. A garota vai criando cada vez mais rivais e faz malabarismos para passar a imagem de membro dos Sete que caminha ao lado de Deus. O amor que sente pelo Hughie de Jack Quaid é o nosso único suspiro para além da violência e das entranhas jogadas para todo lado, e, se o magricela simpático que acompanhamos desde a primeira temporada quer ser mais livre, com certeza vai dividir essa liberdade com sua estrela.

Uma coisa da qual o segundo ano da série se empanturrou foram as chantagens. A todo momento, surgia alguém com um novo vídeo proibido na ameaça de divulgar e conseguir o que queria. Rainha Maeve (Dominique McElligott) também tirou uma casquinha dessa saída contra Capitão Pátria, num confronto que queríamos ter visto há muito tempo. Depois de viver subjugada pelo líder, Maeve, que foi tirada do armário a força em rede nacional, consegue seu triunfo. Enquanto a Vought tentava vender lasanhas vegetarianas da #GayMaeve, a nossa rainha perdia a companheira Elena e se afundava na própria revolta. O que acaba levando-a a salvar a pele dos mocinhos diversas vezes e gerando a cena mais satisfatória da série: ver uma suástica virando catavento. O episódio final, em meio a um turbilhão de grandes cenas, mostrou que as garotas realmente dão conta.

Apesar de The Boys ser marcada por personagens bem trabalhados e complexos, quando se trata de Black Noir (Nathan Mitchell), a frustração é inevitável. Ainda não temos nenhum indício de quem é ele, por que faz o que faz, ou outra mísera sugestão de existência do seu arco. O único avanço na segunda temporada é que descobrimos sua alergia a nozes. Bem, nenhum personagem vive só de alergias e cenas de luta – se os produtores estão tramando seu arco, melhor se apressarem, porque já passaram do ponto. Mesmo com uma participação um pouco maior neste ano, a curiosidade de conhecermos melhor o personagem, não apenas como mais um dos super-cachorrinhos da Vought, pode até prejudicar um pouco o apego com o mascarado.

O formato desse novo ciclo também foi novidade: ao invés de liberar a temporada completa, a Amazon se arriscou e decidiu disponibilizar apenas um episódio por semana. O modelo não agradou muito aos fãs, mas, com certeza, gerou um bom suspense para a geração imediatista das redes sociais. Finais como o do episódio 7 (sim, esse episódio foi tão bom) são passíveis de cabelos arrancados, e a espera de mais uma semana deixa o espectador ainda mais ansioso. Além disso, a trilha sonora, cheia de Billy Joel e clássicos do rock como The Rolling Stones, embala as viagens de carro como uma forma de nos levar lado a lado com nossos Rapazes.

No fim das contas, a salvação vem de vários lugares. Trem-Bala, que passa os oito episódios brincando de gato e rato com a onipresente Vought, resolve dar a força necessária para enterrar Tempesta. Jessie Usher deixa o velocista mais carismático do que o roteiro talvez exija, mas, por mais rápido que ele corra, o personagem tem dificuldades em sair do lugar. Junto com Profundo, ele se vê nas entranhas da Igreja da Coletividade, só que a representatividade do marketing da Vought opta por trazê-lo de volta ao palco, mostrando como o amigo dos peixes, no melhor estilo Aquaman, era apenas mais um brinquedo sem utilidade.

Entre revoltas populares, ataques de ódio e experimentos em hospícios, a segunda temporada de The Boys amadureceu sua trama, dosando as cenas gráficas para encaixarem mais na narrativa do que chocar a audiência. Com uma terceira temporada e uma série derivada já confirmadas, Eric Kripke garantiu ao TVLine que Tempesta está viva, mesmo esturricada no chão durante sua última cena. Victoria Neuman (Claudia Doumit) e os miolos espalhados são as grandes apostas para a continuação, ao lado de um Ryan Butcher tentando não se tornar uma sombra do pai – e, com certeza, veremos ainda mais insanidade de Capitão Pátria, já que seus momentos finais não são nem um pouco tranquilizadores.

The Boys é, provavelmente, o retrato mais realista de um mundo com super-heróis. Claro que o capitalismo não ia se contentar em vender apenas bonequinhos e fantasias, mas, sim, criar uma própria empresa que monopolizasse onde e por quanto tempo esses supers dedicariam sua proteção. Fazer com que o mundo inteiro reconheça os rostos que estampam a sua marca, colocando-os no exército, na política, nas igrejas. Deixemos os bons valores para os Vingadores e a Liga da Justiça. Nossos Sete querem mesmo é ver cabeças explodindo – contanto que não percam pontos de aprovação com o público.

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Flora Vieira

Boa Noite Punpun, escrito pelo mangaká Inio Asano, foi meu retorno aos mangás físicos, e liberou um gosto que até pouco tempo estava enterrado em mim — o de ler gibis. Dessa vez, um com uma história adulta e temas complexos e profundos, do gênero Slice Of Life , que também descobri ser um dos meus gêneros favoritos. O Volume Um acompanha Punpun Punyama, que, com onze anos, vive o começo de uma adolescência conturbada e solitária.

Um elemento dos mangás tão importante quanto o enredo é, sem dúvida nenhuma, a arte. E aqui, ela é muito bonita, e também bastante metafórica. Representada como pássaros, de traços simples e crus, a família Punyama se destaca entre o cenário extremamente realista e o nível de detalhes no traço dos personagens ao redor.

Ela é metafórica porque essa escolha de estilo vai contra uma das características principais do protagonista: a de ser aparentemente ordinário, sem sonhos, objetivos ou individualidade que o diferencie dos outros. A metáfora também se completa com o fato do personagem não ter balões de fala e ter seus pensamentos mediados por um narrador, que, quando precisa, apresenta as falas de Punpun entre aspas.

Essa característica é explorada logo no primeiro capítulo, que é uma preparação pra tudo que vem pela frente. Punpun, acostumado com a rotina de violência entre seus pais — que, em vez de ampararem o garoto, brigam e gritam entre si — está na escola, quando o professor pede aos alunos para que escrevam sobre seus sonhos e ele não tem a menor ideia sobre o que escrever. Mais tarde nesse dia, conversa com a aluna nova da escola, Aiko (por quem ele logo se apaixona), que diz, basicamente, que a humanidade vai acabar porque a terra vai ser destruída, e em busca de evitar a extinção, os seres humanos deveriam ir pro espaço. 

Punpun decide, então, que seu sonho é se tornar um astronauta. Isso se repete em várias situações durante o mangá, como quando um de seus amigos leva um fora e ele, mesmo apaixonado por Aiko, promete junto ao grupo nunca mais se encontrar com meninas. Punpun é um “maria vai com as outras”, e visivelmente sofre por isso, porque tem medo de decepcionar as pessoas — principalmente Aiko — ao longo da história. A relação do protagonista com a família revela ainda outras coisas, retratadas com a delicadeza e sensibilidade que a história precisa, por tratar dos assuntos que trata. 

O mangaká consegue mostrar, por meio dos diálogos (que são também crus, e ainda assim, muito reais e bem escritos), tanto como Punpun enxerga o mundo, quanto como as coisas são de verdade. Um exemplo, também do primeiro capítulo: Punpun se levanta, desce as escadas de sua casa, e vê sua mãe machucada no chão. A primeira reação do pai, que percebe o filho descendo as escadas, é lhe dizer “Um ladrão entrou em casa!”, quando, na verdade, quem lê sabe muito bem que não há ladrão algum, e que a mãe tinha acabado de sofrer violência doméstica. O pai, claro, mentiu pro garoto, que não entendeu muito bem o que aconteceu ali. 

Outro ponto importante do mangá é a representação dos adultos. Eles agem de forma estranha ao mesmo tempo que são desenhados com feições esquisitas, como se estivessem próximos de um ataque de nervos. O mangá, com elementos assim, procura discutir temas não só, mas ligados principalmente à cultura japonesa, como a padronização do indivíduo e a necessidade de adequação – que representam fortes pressões da sociedade e restringem as vivências dos japoneses, ao mesmo tempo que são um dos grandes motivos para o alto índice de suicídio do país. Punpun, mesmo sem entender, já se vê confrontado com todas essas expectativas.

Além do protagonista, o mangá não poupa esforços ao desenvolver alguns dos outros personagens da história. Alguns exemplos são o tio do garoto, Yuchi, e Aiko, sua paixão. Yuichi é o oposto dos outros adultos representados na obra, com postura imatura e acomodada diante de suas responsabilidades, enquanto é o único que eu vi se preocupar com o sobrinho.

Ao contrário do que sua postura parece revelar, ele também é retratado como vítima das pressões sociais japonesas, exibindo comportamento agressivo e pessimista para com a realidade. Aiko, por outro lado, ainda é só uma criança, e tem um desejo enorme de escapar – talvez por isso a obsessão com o espaço, no começo da história – e acaba por depositar essas expectativas em Punpun, coisa que influencia muito na relação dos dois.

Apesar da construção dramática, o mangá também acerta nos momentos de comédia. As expressões do protagonista e suas reações puras e inocentes, enquanto se descobre na adolescência, incluem boa parte desses momentos, e também evitam que a leitura fique maçante, tediosa ou muito cansativa. A habilidade de aprofundar os assuntos igualmente na comédia vale a pena ser mencionada. Ao mesmo tempo em que eu ria, me colocava no lugar do protagonista e entendia a dimensão que ele dá para coisas, por vezes naturais, por vezes absurdas, que acontecem com ele ao longo da história.

Boa Noite Punpun trata de temas como solidão, amadurecimento e negligência emocional com muita consciência e realidade, por meio de uma arte muito única que várias vezes me fez querer parar e observar os detalhes de cada quadrinho, com destaque para os desenhos que ocupam páginas duplas (e são sensacionais). Vale a pena aqui elogiar também a tradução do mangá, feita pela JBC, que ficou bem fluída e adaptada, respeitando abreviações e marcas de oralidade típicas do Brasil, valorizando a localização para o país, e acrescentando bastante na experiência. A jornada desse pássaro, mesmo assim, está só no começo.

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