Nathalia Tetzner

Quando Beyoncé idealiza um projeto, dá adeus aos limites e insiste até funcionar. Em sua nova empreitada, COWBOY CARTER, ela definitivamente não chega de ‘mansinho’ para cavalgar pelo country. Diante de um gênero musical financiado por uma indústria conservadora que já a alertou para ‘tirar o cavalinho da chuva’, a texana se aventura enquanto, pelo bem e mal, deixa a sua marca registrada em todas as 27 faixas. 

O oitavo disco da artista mais culturalmente relevante do século – segunda peça de uma trilogia idealizada durante a pandemia da covid-19 –, é um estudo sobre as raízes do country estadunidense que atravessa a história de um país fadado ao fracasso, mas que sempre soube se reerguer através de simbologias libertárias. Assim como na arte de capa do álbum, dessa vez, Beyoncé Giselle Knowles-Carter deseja subverter conceitos.

Com uma mão carregando a bandeira, ou melhor, o fardo de uma nação erguida a custas do sofrimento do povo negro, e com a outra conduzindo o cavalo, a artista mostra que o controle de sua trajetória sonora está em suas mãos. Para isso, nosso amigo prateado queer ‘Reny’ dá lugar a Chardonneigh; ao contrário do anterior, um pouco menos coeso nas passadas, porém, imponente e concebido ao mundo como clássico instantâneo. 

Além de marcar território a respeito da sonoridade, a posição grandiosa da ex-vocalista do Destiny’s Child denota uma nova era para a cultura como um todo: o cowboy core. Inspirada em filmes estilo faroeste que variam desde Cowboys do Espaço (2000) até Assassinos da Lua das Flores (2023), ela percorre uma atmosfera lendária através da perspectiva de uma mulher negra, desafiando o saudosismo e colocando o cavalo na chuva no maior estilo COWBOY CARTER.

Não será de se espantar que os cantores passem a rejeitar os instrumentos programados por softwares ou que a moda seja tomada por chapéus, fivelas e franjas – afinal, tudo que Beyoncé toca vira tendência, sendo praticamente o Midas do universo do entretenimento. Sem desistir das mudanças bruscas de sonoridade que questionam a ideia de gênero musical, a obra explora os versos tradicionais do country com aquele aspecto selvagem que só ela sabe acrescentar.

Transitando entre narrativas líricas que traduzem o cotidiano do perfil padrão dos homens brancos que passam tempo demais na estrada longe da família e a vida superficialmente luxuosa de uma diva pop, a ‘Queen B’ flerta com a estética sem soar tão irônica quanto Madonna em sua época de movimentar “no beat do tuts, tuts” com Music (2000). Ela também não se insere tão naturalmente quanto Bob Dylan, no entanto, oferece uma latência energeticamente perfeita para um rodeio.

Os dois primeiros singles retratam essa espécie de dicotomia existente em COWBOY CARTER. De um lado, produções complexas que valorizam os vocais e contam histórias, do outro, batidas dançantes trabalhadas com frases de afirmação à la Beyoncé. Se 16 CARRIAGES já é um destaque de sua discografia, TEXAS HOLD’EM reúne todos os clichês do country, o que funciona para virais nas redes sociais ao passo em que soa quase como uma paródia.

Entretanto, é inegável a presença de uma representatividade potente nas duas formas de cantar. Ambas as canções trazem instrumentistas negros que atuam no gênero, entre eles, Robert Randolph, guitarrista de pedal steel e Rhiannon Giddens, tocadora de banjo. Essa colaboração com artistas renomados em suas áreas, mas não tão conhecidos pelo mainstream, os concedeu a chance de aparecer nas paradas musicais da Billboard, catapultando por tabela os ouvintes nos streamings. 

Com um excesso questionável de “Yeehaw”, que permanece nas composições menos inspiradas do ACT II, a música antecipou a vontade da texana em retratar o country, porém, revelou uma certa imaturidade à época. Agora, experiente e disposta a fazer os haters morderem a língua, ela reformula a narrativa sobre comportamentos patriarcais com maestria em DAUGHTER, de longe, a melhor produção do disco que conta com a aria Caro Mio Ben.

“Diziam que eu era country demais/Então veio a rejeição, disseram que eu não era country o bastante/Disseram que eu não ia subir na sela, mas/Se isso não é country, me diga, o que é?” – AMERIICAN REQUIEM

Fazendo jus ao conceito de partição que diferencia as faixas do álbum, a cantora também se divide entre a fumaça das ruas e os corais da igreja, em um misto de religiosidade e ambições mundanas. Nas parcerias, essa transição fica nítida com as participações no mínimo inusitadas de Post Malone na sensual LEVIIS’S JEANS e Miley Cyrus – junto de sua voz ríspida que causa um conflito entre texturas vocais transcendentes –, na redenção de II MOST WANTED.

Nesse caldeirão de sonoridades, Dolly Parton enfrenta um perigo iminente: uma composição se tornar mais popular na voz de outra pessoa, novamente. Isso porque a interpretação de JOLENE ganha uma nova dimensão com a entonação dramática de Beyoncé, uma vez que a história sobre traição casa perfeitamente com os problemas familiares da família Carter, resultados da infidelidade do marido, o rapper Jay-Z.

Do mesmo modo que I Will Always Love You foi eternizada por Whitney Houston no longa O Guarda-Costas (1993), o aviso à mulher jovem de cabelo castanho-avermelhado que remonta a “Becky with the good hair” pode se sobressair em relação a gravação original de 1974, ao menos para a audiência não familiarizada com a lenda da Música country. Outro cover presente em COWBOY CARTER é BLACKBIIRD dos The Beatles que, ao contrário, não desperta tantas emoções.

Ao repetir a lista longa de colaboradores do antecessor, o primeiro ato Renaissance (2022), a intérprete de Crazy In Love parece entender que significa algo maior do que ela mesma. Ao longo de duas décadas de atividade, Beyoncé passou a simbolizar muitas comunidades, compreendendo a sua artisticidade como um grande trabalho em grupo; até porque esses dois últimos ensaios de expressões culturais tão distintas só poderiam ser feitas a muitas mãos.

Na produção do disco, D.A Got That Dope, Ryan Tedder e Pharrell Williams formam o trio principal que exemplifica os elementos do rap, pop e R&B, sempre interpolados na discografia da cantora. Entre os poucos momentos abaixo do esperado – como a cansativa SWEET ★ HONEY ★ BUCKIIN’ –, as interludes surpreendem: intituladas como SMOKE HOUR, elas trazem narrações dos ícones Willie Nelson e Linda Martell.

Durante o aprofundamento a respeito do gênero musical, até mesmo sample de funk brasileiro foi utilizado; logo após uma breve introdução de Martell, SPAGHETTII atinge o clímax através do ‘batidão’ de Aquecimento Das Danadas, autoria dos DJs Mandrake e Xaropinho. A faixa BODYGUARD também despertou a atenção do país para além da qualidade, sendo acusada de supostamente soar como plágio de um certo hit do ‘aplicativo de dancinhas’, o que não procede.

Por vezes, as guitarras animadas de COWBOY CARTER possuem mais afinidade musical com Born to Run (1975) de Bruce Springsteen do que qualquer outra obra atual. Justamente por referenciar tantos clássicos da Música, é difícil imaginar como o Grammy irá contornar as indicações de 2025 para premiar, pela quinta vez, alguém que não seja Beyoncé com o gramofone mais cobiçado da noite, o de Álbum do Ano.

“Com quinze anos, a inocência havia se perdido/Tive que sair de casa ainda muito jovem//Eu vi minha mãe orar, eu vi meu pai batalhar/Tive que deixar para trás todos os meus doces problemas.” – 16 CARRIAGES

Ainda sem visuais, nessa altura do campeonato, é de se acreditar que Beyoncé quer o foco inteiramente na Música e, seja essa técnica reproduzida ou não no ACT III, a expectativa está alta como nunca antes. Se superar Renaissance soava quase impossível, COWBOY CARTER não facilita para o terceiro ato. Fato é que, qualquer direção que a artista e seu cavalo tomem, certamente a indústria musical irá querer cavalgar junto.

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Caio Machado

Em 1969, os membros do grupo musical The Beatles se reuniram para a produção do que viria a ser o álbum Let It Be. O cineasta estadunidense Michael Lindsay-Hogg foi chamado para filmar o processo de concepção do disco, o que deu origem ao documentário que leva o mesmo nome do álbum e contém também o famoso espetáculo no terraço, última aparição pública da banda. Mais de 5 décadas depois, foi lançada a série documental The Beatles: Get Back, dirigida e produzida por Peter Jackson (O Hobbit, King Kong), que se aproveita das imagens de arquivo produzidas em 1969 para dar origem a 3 episódios, totalizando aproximadamente 8 horas de duração. 

Indicada em 5 categorias do Emmy 2022, incluindo Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, para Peter Jackson e Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção, para Jabez Olssen, a produção impressiona por seu trabalho na reconstrução das filmagens e áudios.  As imagens apresentam uma nitidez quase assustadora e as conversas entre os presentes no estúdio, antes abafadas pelo som dos instrumentos musicais, agora são perfeitamente audíveis, graças a uma inovação trazida por Jackson. O diretor utilizou uma inteligência artificial criada para captar as vozes do quarteto e separá-las do som dos instrumentos.

O cuidado para evidenciar os diálogos entre os músicos pode passar despercebido na maior parte do tempo e só é evidenciado em uma cena logo no primeiro episódio, Parte 1: Dias 1-7, em que os membros da banda falam enquanto afinam suas guitarras e um dos técnicos ali presentes avisa que o som dos instrumentos está atrapalhando ouvi-los nos microfones. O diálogo funciona como um lembrete de que essa parte dos bastidores, antes deixada de lado por conta das limitações da época, só foi possível de ser mostrada aos fãs da banda agora por causa da tecnologia contemporânea. 

Ao longo dos 3 episódios de The Beatles: Get Back, Peter Jackson parece mais interessado em acompanhar o processo criativo de Paul, John, George e Ringo, como um fã apaixonado sentado num canto do estúdio sem atrapalhar, do que criar uma narrativa repleta de tensões entre os quatro, já perto do fim da banda. Os atritos existem, é claro, mas aparecem como consequência da divergência de opiniões que acompanha a produção de um álbum ao longo de 21 dias dentro do estúdio.

As discussões entre eles são mostradas da maneira mais honesta possível, exibindo-os como seres humanos que querem apenas entregar as melhores músicas, sem cair em nenhuma armadilha sensacionalista barata e cheia de intrigas para manter a atenção do espectador. Na verdade, o documentário assume que quem está disposto a enfrentar suas gigantescas 8 horas já gosta bastante do quarteto e não tem pressa em mostrar as dinâmicas dentro do estúdio. Seu foco está em mostrar o trabalho criativo sem romantizá-lo, com seus altos e baixos, seus momentos mágicos de pura sintonia e os períodos cansativos, em que ninguém parece sair do lugar.

Como resultado, a série joga seu holofote em cenas bastante especiais, como quando a banda consegue chegar na versão de Get Back que conhecemos hoje depois de ensaiar a canção por milhões de vezes ou mesmo quando os quatro estão tocando músicas que gostam apenas pelo prazer do ato, esquecendo um pouco o prazo que se aproximava. Por outro lado, também ocorre do documentário destacar momentos que se estendem demais, a exemplo do enorme debate tido entre Os Beatles e os produtores para decidir onde seria o show que pretendiam fazer. 

O espectador, alguém vivendo no mundo atual onde os Beatles já se tornaram uma memória no mundo da música, sabe que esse concerto foi realizado no terraço da Apple Corps, mas, para chegar nele, precisa acompanhar uma discussão demorada, cheia das ideias mais absurdas possíveis, o que prejudica no ritmo do documentário como um todo. Quando a ideia do terraço surge, é um alívio para os músicos, os técnicos e para quem assiste. Além de mostrar os Beatles como seres humanos normais que discutem, comem, bebem, fumam e fazem brincadeiras em frente às câmeras, a produção de Peter Jackson também serve para mostrar como é difícil tomar decisões em conjunto. 

A ideia de acompanhar tudo, incluindo os lados negativos, se mantém quando chega a hora da última aparição pública da banda. A obra opta por dividir a tela em 3 partes, na tentativa de acompanhar a apresentação do grupo em vários ângulos e a reação do povo londrino. O documentário insere o espectador bem no centro da ação e mostra depoimentos de pessoas maravilhadas por estarem presenciando um momento histórico, pessoas que não fazem ideia do que está acontecendo e aqueles que estão completamente descontentes com o barulho que os músicos estão fazendo, além de mostrar a chegada dos policiais no prédio do concerto. 

Parece muita informação para acompanhar ao mesmo tempo e realmente é. A escolha da divisão da tela em 3 quadrados torna a experiência ainda mais confusa e é difícil escolher para qual lado olhar. Porém, quando os olhos se acostumam àquele frenesi, é algo maravilhoso de assistir. É o momento mais catártico dos 3 episódios, capaz de causar arrepios pelo fato da banda estar em perfeita sintonia depois de longas horas de ensaios e pelo olhar empolgado do público, nos telhados e na rua. É o canto do cisne de um grupo que já havia deixado sua marca no mundo e decidiu entrar para a história em sua terra natal uma última vez, num terraço, para que qualquer um pudesse ouvir. 

The Beatles: Get Back é grandioso como a banda que acompanha ao longo de semanas de gravação. O documentário compreende o processo criativo como algo que demanda tempo, não é belo a todo momento e tem sim seus pontos baixos. Ao mesmo tempo, encanta por humanizar Paul, John, George e Ringo e mostrar momentos bastante especiais entre eles, sejam quando estão tocando alguma música ou fazendo alguma brincadeira para as câmeras que os rodeavam. Apesar de ser um pouco intimidadora em um primeiro momento, por conta de sua duração, assistir à produção é uma experiência extremamente recompensadora para qualquer um que decidir se aventurar nessa odisseia que deu origem a Let It Be. 

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Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Pegue qualquer lista de maiores hits da década de 2010 e é certo que terá um salpicado aqui e ali de uma banda britânica muito famosa. Se você não conhece o One Direction por nome, tenho certeza que pelo menos já escutou uma vez na vida o maior single dos cantores europeus, What Makes You Beautiful. Parece que foi ontem, mas o primeiro álbum do grupo, Up All Night, já está completando 10 anos de história e de recordes. Para além dos diversos caminhos tomados por seus cinco integrantes, nada poderia ser mais nostálgico do que o início de tudo.

A jornada bem sucedida da banda começou no show de talentos The X-Factor UK em 2010. Com apresentações solo, nem tão aclamadas assim na época, e unidos em um grupo por um dos jurados da edição, Louis Tomlinson, Harry Styles, Niall Horan, Liam Payne e Zayn Malik deram o tom a algumas das vozes mais marcantes de sua geração. Com cinco álbuns lançados, centenas de recordes quebrados e um hiato que já dura mais de cinco anos, o One Direction se tornou a maior banda britânica da história, ultrapassando barreiras que até então apenas The Beatles tinha atingido no mundo.

Mas, voltando para o início dessa longa caminhada, foi em novembro de 2011 que tivemos acesso ao primeiro disco do grupo. Com 15 faixas em seu lançamento, e 18 em sua versão ultimate, fomos apresentados para alguns dos maiores sucessos da carreira dos, até então, meninos. Trazendo traços característicos do seu país de origem, Up All Night ganhou o mundo facilmente por se desviar, ainda que apenas um pouco, da enxurrada pop americana, trazendo mais uma invasão britânica para a Música.

Em questões de sonoridade, é Payne quem abre as primeiras cinco músicas, seguido da famosa voz de Styles. Ambos conseguem introduzi-las com muito fôlego, deixando sua marca e tornando-as extremamente reconhecíveis com o decorrer do disco. A princípio, a gravadora tinha mais confiança nos vocais de Liam devido às suas duas passagens pelo reality show britânico, dando-lhe o destaque com mais facilidade. Contudo, conforme as faixas vão se desenrolando, conseguimos sentir a energia que todo o quinteto emana ao performar as canções, com o coração a mil ouvindo cada nota. 

Up All Night é construído em uma aura de altos e baixos, isto é, em uma transposição de energias. Enquanto começamos com What Makes You Beautiful no pique de Leroy (não é à toa que é a música mais ouvida de sua carreira), o disco faz sua quebra de ritmo com Gotta Be You. Essa mescla de sentimentos torna o álbum ímpar, em que o ouvinte consegue experienciar todas as emoções ao mesmo tempo, sem que haja alguma perda de consistência. 

Ainda que o rótulo de boyband pudesse fazer muitas pessoas torcerem o nariz, muito do que o grupo trouxe para sua estreia permaneceu em seus próximos trabalhos. É inegável ver a semelhança entre More Than This e Half a Heart, do disco Midnight Memories (2013). Além disso, ainda que fossem suas primeiras tentativas nesse mercado, já conseguimos ter contato com suas próprias composições. Isso só foi mais um fator determinante para ver que não se tratava apenas de uma fase, mas sim de um amadurecimento crescente que não deixava de referenciar suas raízes. 

A música que intitula o álbum é a que mais se assemelha a estética sonora da década passada, reverenciando grandes artistas da época como Ed Sheeran, Taylor Swift e, especialmente, McFly. Banda essa que além de causar grande influência indireta no som que a boyband apresentou em seu debut, também teve sua cota de participação, já que Tom Fletcher, vocalista da McFly, foi co-autor de várias faixas que fazem parte do álbum. Assim, é fácil sentir a nostalgia da era de bandas que abriu caminho para o som que o One Direction decidiu perpetuar.

Todo esse background trazido pelo grupo pode ser sentido em suas composições com o resgate do pop rock britânico, amplamente acolhido por seus fãs. Para além de meras reproduções pop, o que escutamos é um cuidado extremo em criar algo que não soe genérico, mas que ao mesmo tempo acompanhe os hits da época. Exemplo dessa dualidade bem estruturada é a faixa I Want que, sem se prender em clichês de seu gênero principal, trabalha melhor elementos como guitarra e bateria.

Ainda que Up All Night possa ser visto como o trabalho com menos personalidade da curta discografia da banda, não podemos negar que ele deixou sua marca. As baladas pop românticas entoadas pelas vozes de seus cinco integrantes acumularam fama, não apenas entre o público, mas também entre a crítica. Talvez a maior prova de seu sucesso seja a vitória de What Makes You Beautiful como Melhor Single Britânico no BRIT Awards de 2012. Nesse mesmo ano, a banda concorria com nomes como Ed Sheeran, Jessie J e Adele, com o hino Someone Like You. 

Por mais que os trabalhos posteriores do One Direction comprovem sua qualidade e não nos deixem dúvidas quanto às capacidades vocais, sonoras e de criação de seus integrantes, para um primeiro contato com o mundo, o debut da banda poderia ter sido facilmente ignorado como apenas mais um em meio a multidão. Entretanto, o que torna as produções de Up All Night extremamente valiosas, ainda hoje, é a qualidade de suas composições. Trazendo nomes de peso como Jamie Scott, compositor de Cold Water, Ilya Salmanzadeh de Side to Side e Savan Kotecha de Can’t Feel My Face, o que vemos são altas apostas da gravadora da banda em investir no talento dos europeus.

Criada, encabeçada e gerenciada pela Syco Music, não são poucas as polêmicas nas quais a gravadora, dona do programa de talentos no qual a banda surgiu, está envolvida. Assim como com diversos outros artistas comandados pela empresa, como Fifth Harmony e Little Mix, o braço da Sony Music ficou conhecido pelo abuso de gestão e até mesmo por limitar a criatividade de seus artistas para que se moldassem aos padrões que ela queria. E após perder, uma por uma, as galinhas dos ovos de ouro que tornavam a gravadora uma das mais rentáveis do Reino Unido e do mundo, a Syco declarou seu fechamento em agosto de 2020, logo após a saída de Louis Tomlinson do selo. 

Além das canções alto-astrais que Up All Night entrega, há aquelas que são dolorosas, proferidas em um lirismo singelo e magnético. É o caso de Moments, a qual consegue passar despercebida aos ouvidos daqueles que não se identificam com One Direction, mas que aconchega o coração de forma fatal. Em sua versão ultimate, as músicas bônus, ainda que não sejam carregadas da melancolia da música escrita por Ed Sheeran, também não possuem o devido reconhecimento como as restantes do álbum. Another World, Na Na Na e I Should Have Kissed You apresentam as mesmas características rítmicas que as demais companheiras, mas permanecem desconhecidas para o restante do mundo. 

A primeira tentativa na carreira musical do One Direction pode não ter sido com o melhor desempenho para os olhos de certos críticos, mas não tem como negar que eles marcaram (e continuam marcando) presença no cenário musical. A desenvoltura dos membros, bem como o amadurecimento de canções e das suas próprias personalidades, fez com que o sucesso batesse na porta para alavancar cada vez mais seus trabalhos. Up All Night não chega aos pés dos projetos seguintes da banda europeia, contudo foi o primeiro passo para sair do anonimato e atingir o coração de milhares de fãs. E é isso que o torna lindo. 

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Maria Carolina Gonzalez

Junto com a pandemia do novo coronavírus, o ano de 2020 trouxe muita angústia para a maioria de nós. O que começou com uma chance de aproveitar o tempo livre, acabou se transformando em dias longos e repetitivos que parecem não acabar tão cedo. Durante esse período, cada um encontrou a melhor maneira para não se afogar no tormento provocado pelo isolamento. Para Paul McCartney – um senhor extremamente pleno e saudável, mas que não deixa de ser grupo de risco no auge de seus 78 anos – a solução foi passar pela turbulência com a família em sua fazenda em Sussex, na Inglaterra.

Olhando para o gênio, a lenda, o Sir, o beatle, ou qualquer outro nome que lembre de sua grandeza, parece óbvio que sua válvula de escape foi fazer música. E de fato foi. Mas para Paul (e somente Paul, sem o famoso sobrenome) o momento também foi de descobertas, experimentos e aprimoramentos, mesmo para quem dedicou boa parte de sua vida para a música. E o que foi o período de isolamento para ele? A resposta está em McCartney III, novo álbum de estúdio feito em Rockdown que encerra a não planejada trilogia McCartney, iniciada em 1970.

Se tratando de Paul McCartney, muitos clichês são válidos, principalmente o de encontrar oportunidades em momentos de crise. Sua primeira experiência enquanto “banda de um homem só” surgiu logo após a separação dos Beatles, resultando no romântico McCartney (1970). Já em 1980, com o fim do Wings, McCartney II foi criado como seu trabalho mais experimental e até incompreendido da carreira. Mas apesar da grande oportunidade que a crise mundial de 2020 infelizmente ofereceu, McCartney III foge desse cânone de encerramento de ciclos e mostra que música feita para o próprio aproveitamento também pode ser genial.

Olhar para sua carreira de forma linear nunca funcionou para Macca. McCartney III não possui quase nada em comum com seu último trabalho, Egypt Station (2018) – um álbum colorido, agitado e feito para as multidões que lotam os estádios. Agora vemos um músico mais sossegado e mesmo assim inquieto, mostrando que também é gente como a gente durante esse longo isolamento. Antes de ser um álbum para a crítica, o III é um consolo em tempos terríveis, talvez mais para Paul do que para nós.

McCartney III é um álbum com começo, fim e, principalmente, meios. A vida ocorre entre a primeira faixa, Long Tailed Winter Bird, e a última, Winter Bird / When Winter Comes. Tudo entre elas são devaneios, tanto experimentais quanto pé no chão no melhor estilo McCartney. A música de abertura é uma brincadeira crua entre riffs de violão e guitarra, adicionando em alguns momentos percussão e a voz de seu criador em camadas. A partir desse momento, já estamos imersos na mente de Paul enquanto um artista isolado na natureza. 

O álbum flui muito bem quando é encarado como um Faça-Você-Mesmo totalmente pessoal, e claro que os outros dois trabalhos solos dão essa credibilidade. Há momentos acelerados, como Find My Way e Seize the Day (um grande presente para os entusiastas do Sgt. Pepper’s), e também momentos de angústia no piano, como a bela Women and Wives. E se tratando de Sir Paul McCartney claro que não poderia faltar as partes cômicas, como a faixa Lavatory Lil, que remete a uma das composições de John Lennon presente no Abbey Road (1969): Polythene Pam.

A mente de Paul toma um grande fôlego de 8 minutos durante Deep Deep Feeling, que funciona melhor como uma combinação de ideias do que apenas uma música. Os altos e baixos voltam com as guitarras pesadas em Slidin’ e a balada The Kiss of Venus, relembrando o McCartney romântico que derrete nossos corações desde os tempos de Fab Four.

E, como mencionado anteriormente, o encerramento dessa aventura fica por conta de Winter Bird / When Winter Comes que, apesar de complementar a faixa de abertura,  mostra um corte seco nos pensamentos de Paul que precisa voltar para a “vida normal”. Esse é o fim da viagem na cabeça de um artista brincando de fazer música.

Mesmo com uma bagagem musical invejável e um conhecimento fortalecido por anos, esse novo trabalho deixa tudo isso de lado e é construído com as coisas mais simples que foram redescobertas, como rascunhos, livros infantis e até músicas descartadas de 30 anos atrás. Mesmo sendo um álbum de quarentena, McCartney III não é de forma alguma melancólico. Até durante os momentos desacelerados, há uma pontinha de esperança em cada canção. E quem não alimenta um pouco de esperança atualmente?

Paul McCartney se tornou uma lenda, mas não é um músico que fica preso somente à nostalgia para alcançar suas glórias. Há 15 anos, com o lançamento de Chaos and Creation in the Backyard, vemos um cantor já consolidado, mas que olha para o futuro buscando atualizar seu estilo, mesmo que isso signifique mudar um pouco de sua essência. E é aí que a carreira solo de Paul se diferencia dos colegas.

Atualmente, os irmãos McCartney e McCartney II são redescobertos como obras essenciais dessa longa discografia, mas passaram por muitas críticas um tanto injustas durante cada estreia. Talvez ainda seja cedo para dizer como McCartney III será visto daqui alguns anos, mas com certeza é um material valioso não apenas para compreender 2020, mas também para conhecer Paul sendo apenas Paul.

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Maria Carolina Gonzalez

Em setembro de 1969, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr encerravam juntos uma jornada que perdurou por sete anos intensos. Abbey Road – último trabalho que os Beatles fizeram, embora não seja o último a ser lançado – nasceu em meio ao caos, às desavenças e às rupturas que os quatro viviam até se reunirem novamente no lendário estúdio. Mesmo com as diferenças, o quarteto de Liverpool mostrou muito entusiasmo para assim completar, de forma brilhante, a longa e sinuosa viagem que transformou os Beatles… em Beatles.

Sete anos de carreira é praticamente nada para uma banda hoje em dia. Mas claro que se tratando de Beatles a história é diferente. Quando Please Please Me começou a ser gravado em 1962, eles ainda eram garotos excitados chegando na cidade grande para vender sua música e mostrar seu carisma. Já em 1969, nenhum dos integrantes tinha chegado aos 30 anos e já haviam experimentado de tudo, musical e pessoalmente. Todo o prestígio estava se ofuscando pelo peso da fama e da exploração por parte da indústria artística. Foi inevitável que cada um seguisse seu caminho. 

O Fab Four virou uma bagunça. O próprio Lennon já conseguia ver o fim do grupo ainda em 1967, devido o colapso que a morte do empresário Brian Epstein trouxe. Essa ruptura, juntamente com as infelizes gravações do Let It Be (penúltimo álbum gravado, mas foi o último lançado), deixaram evidente que os quatro não existiam mais em forma de grupo. Porém, o próprio slogan dos estúdios Abbey Road diz que lá é o lugar “onde tudo acontece”. Deixar as desavenças de lado? Nem tanto. John, Paul, George e Ringo levaram o que cada um tinha de melhor em sua personalidade para editar e finalizar as 17 faixas que compõe o álbum. 

Quatro pessoas atravessam juntas a faixa de pedestre

Mesmo com estilos fragmentados, os Beatles estavam em sintonia, principalmente Lennon, McCartney e Harrison – as três forças criativas do grupo. Os dois primeiros sempre foram considerados “mais beatles” do que os outros. John era a letra enquanto Paul era a melodia e a combinação entre eles (mesmo em constante desentendimento) criou faíscas que se transformaram em composições inesquecíveis. No Abbey Road, Lennon assinou 6 das 17 músicas, incluindo faixa que abre o disco, “Come Together”.

“Alguns sabichões disseram que cada estrofe se refere a um beatle. “Holy roller” [enrolador sagrado] era o espiritual George. “He got monkey finger, he shoot Coca-Cola” [Tem dedos manchados, se injeta Coca-Cola] era Ringo. “Got to be good looking cause he’s so hard to see” [Precisa ser bonito porque é duro de ver] era Paul.” – O jornalista Hunter Davis, em seu livro As letras dos Beatles.

Logo no início já dá pra ter noção das letras escassas, de poucos versos e muitas repetições. Sem metáforas, o que tinha que ser dito era dito, embora algumas partes nonsense chamem a atenção. “I Want You (She’s So Heavy)” é uma canção minimalista, com pouca coisa a declarar, totalmente dedicada à Yoko Ono. Apenas 12 palavras em um canto desesperado de John que se estende por 7 minutos e 44 segundos que encerra o lado A do disco.

Paul – otimista, alegre e perfeccionista – trouxe oito faixas, entre elas a controversa “Maxwell’s Silver Hammer” e “You Never Give Me Your Money” – um declarado hino contra os abusos da Apple Corps e a briga de empresários que acelerou o fim da banda. A partir desse momento, o lado B do Abbey Road segue para aquilo que foi originalmente chamado de “A Huge Medley” (Um Medley Enorme). Este nome não apareceu no resultado final, mas claramente nota-se o que ele significa. A sequência “Sun King” – “Mean Mr. Mustard” – “Polythene Pam” – “She Came in Through the Bathroom Window” é formada de maneira a formar um único conceito, formato que não se via desde o Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. 

Não dá pra continuar falando de Abbey Road sem mencionar a grande surpresa que foi George Harrison como compositor – surpresa pelo menos para John e Paul que diversas vezes deixaram o quiet beatle na sombra. A segunda faixa do disco e primeiro lado A do guitarrista, “Something”, foi composta por George sozinho (como sempre) em um piano, ainda durante os trabalhos do Álbum branco. O engenheiro de som Geoff Emerick disse que a canção era algo que nunca tinha visto antes. A singela história de amor cheia de dúvidas e preocupações, contada em apenas cinco notas e guitarras harmônicas, se tornou a segunda música mais regravada do grupo, perdendo apenas para “Yesterday”. 

Outra composição de Harrison, “Here Comes the Sun”, mostrava o quanto ele era complexo e foi o primeiro a perceber que ser um beatle era um absurdo. Após um longo período de burocracias na Apple Corps e imerso em uma filosofia de desapego ao mundo material, George, munido de um violão, aproveitou uma rara folga no jardim de Eric Clapton para criar uma melodia otimista para aliviar a tensão de ser um astro. Uma gravação revelada recentemente, feita após o fim da produção de Abbey Road, mostra que Paul McCartney não achava que George esteve à altura dele e de John como compositor até aquele momento. É engraçado pensar que atualmente Paul dedica boa parte de seus shows para homenagear o companheiro, morto em 2001, quase como um pedido de desculpas. 

E como Ringo Starr fica nessa história? Ora, a personalidade do Ringo é ser o Ringo. E pra ele isso nunca foi um problema. Pelo menos uma música do Abbey Road leva seu nome na composição: “Octopus’s Garden”. A voz marcante, carregada com o sotaque de Liverpool, mais uma vez canta sobre uma vida feliz e segura em alto mar. 

And in the end…

Mais um medley é colocado no álbum, mas dessa vez em tom de despedida. A primeira parte, “Golden Slumbers”, baseada em uma canção de ninar, faz jus a nostalgia. Em seguida, “Carry That Weight” faz mais uma provocação à Apple e às brigas entre os empresários, repetindo entre os cinco versos a melodia de “You Never Give Me Your Money”. 

Por fim (quase que literalmente), “The End” sintetiza a ideia do álbum ao trazer os quatro juntos fazendo um solo. Ringo bate nos bumbos enfurecido dando abertura ao duelo divertido de guitarras entre John, Paul e George. A nota final do piano se junta a voz de Paul que canta “And in the end, the love you take is equal to the love you make” (E no fim, o amor que você recebe é igual ao amor que gera). 

Eles poderiam se despedir falando de amor, mas após um longo silêncio, “Her Majesty” surge por descuido em apenas 23 segundos. Mas considerando o calor do momento e o fato de que “The End” é descrita como última faixa oficialmente, consideramos esta como o epitáfio dos Beatles. Nas gravações reveladas recentemente, o grupo ainda planejava gravar mais um álbum após o Abbey Road. E por incrível que pareça, John Lennon – diversas vezes apontado como o responsável pelo fim da banda – é quem estimula os colegas a trazerem singles para um novo trabalho. Sabemos que nada disso foi pra frente. Seis dias depois, John anuncia oficialmente sua saída da banda.

Amor é velho, amor é novo

Para aqueles que se dedicam a estudar suas obras, Abbey Road pode não ser o melhor ou mais revolucionário dos Beatles – totalmente compreensível. Como foi dito anteriormente, o quarteto já havia experimentado, criado e incrementado em sete anos (que pareciam setenta) tudo que a música poderia oferecer e claro que finalizaram sua carreira de forma polida. Fim dos Beatles? Hoje sabemos que é impossível falar disso.

Este texto poderia facilmente se estender por mais quatro páginas de elogios aos Beatles e mostrando porque eles são eternos. Também poderia pontuar como o Abbey Road é uma despedida inovadora e única, mas qualquer enaltecimento ficaria repetitivo. Os fatos não deixam mentir, basta saber que milhares de pessoas se arriscam em uma das ruas mais movimentadas de Londres para imitar os passos que o quarteto fez em uma sessão de fotos que não durou nem dez minutos. 

Abbey Road não foi o fim. Foi o começo de um legado que já conhecemos muito bem. Um obra prima única que, meio século depois, não foi ofuscada por nenhuma outra banda nem pelos próprios Beatles. E esse é o melhor jeito do quarteto de Liverpool se despedir sem dizer adeus. 

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Gabriel Rodrigues de Mello e Maria Carolina Gonzalez

Em 22 de março de 1963, o mundo passaria a conhecer a potência e a ambição do famoso quarteto de Liverpool em apenas 32 minutos. Apesar da pouca duração, o impacto que Please Please Me trouxe para o rock e para a evolução da indústria musical ainda é modelo para várias gerações.

A produção do álbum também foi curta. Em apenas 12 horas, a banda gravou 10 das 14 faixas presentes no disco. O restante já estava salvo em fitas produzidas em 1962. O objetivo do produtor musical George Martin, “o quinto beatle”, era ousado: representar no álbum, com máxima fidelidade, a atmosfera dos shows no Cavern Club, onde o carisma dos Beatles foi apresentado pela primeira vez. John Lennon mais tarde concordaria que isso foi o mais próximo que o público chegou das antigas apresentações em Liverpool, antes de se tornarem um Beatles “mais inteligente”.

Martin não conseguiu realizar a produção no famoso bar, mas o estilo que os Beatles levaram para a primeira experiência nos estúdios Abbey Road concretizou a magia do álbum ao se aproximar da mistura entre harmonia e gritos. Até esse ponto, os Beatles eram basicamente intérpretes. Seis faixas de Please Please Me são covers, escolhidos por Martin e pela banda, que logo ganhariam o devido destaque nas versões do grupo.

A origem da dupla

Foi com Please Please Me que a célebre assinatura Lennon–McCartney (originalmente McCartney–Lennon) começou a prosperar, contando com quatro faixas, incluindo aquela que deu nome ao álbum. “Please Please Me” foi lançada inicialmente como single em janeiro de 1963, depois do sucesso de “Love Me Do”. A canção, com um apelo sexual um tanto camuflado, fez George Martin desconfiar da capacidade musical da banda a princípio. John e Paul logo trataram de trabalhar em um novo arranjo para diminuir ao máximo as influências nada discretas do repertório de Roy Orbison e Bing Crosby. O novo ritmo, os “come on, come on” e a gaita na introdução garantiram aos Beatles seu primeiro single número 1 nas paradas inglesas.

Só mesmo com os Fab Four o final de 12 horas de gravação poderia render uma boa história que possa ser coincidência ou a confirmação de que eles eram destinados ao sucesso. O ilustre cover de “Twist and Shout” foi a última faixa a ser produzida. A voz de John foi escolhida para assumir o vocal depois de passar por um dia inteiro gravando e tomar pastilhas para garganta em consequência de um resfriado. De maneira cômica, os gritos e a voz rasgada em dois minutos e meio de música começaram a dar forma à imagem da Beatlemania. Por muito tempo essa música foi escolhida para encerrar os shows, levando histeria para qualquer lugar em que tocavam.

Solidificando a banda como símbolo mundial

De certa maneira, o álbum representa os primeiros clichês que criamos ao pensar nos Beatles. O tom romântico e um tanto melancólico das músicas, o começo da fase que os tornariam conhecidos pelos “iês, iês, iês” e a imagem de quatro jovens de terno com cabelos no estilo moptop. Os Beatles não poderiam ter começado de um jeito melhor.

Caso tivessem esperado alguns meses, talvez o álbum de estreia contasse com “She Loves You”, “It Won’t Be Long”, “I Want To Hold Your Hand”, “All My Loving”, entre outros sucessos lançados posteriormente. No entanto, sua essência está justamente na ousadia, seja na composição de canções próprias ou em lançar arranjos novos para o estilo, servindo de modelo em uma época que o rock e pop não eram tão maduros na Inglaterra. E a recepção não poderia ter sido diferente: Please Please Me ficou por 30 semanas no topo dos charts britânicos antes de ser substituído por With The Beatles.

Daqui pra frente a história já é familiar. Apesar do sucesso do álbum de estreia, os Beatles avançaram sendo conhecidos por não se prenderem em fórmulas prontas e sempre buscarem experimentar em trabalhos futuros. O primeiro álbum de uma banda que se consagrou pelas inovações não poderia ser diferente: simples. Paul McCartney descreveria  Please Please Me como um trabalho incrivelmente barato, sem bagunças, “apenas um enorme esforço nosso.”

A febre beatlemaníaca

O pontapé inicial havia começado uma histeria sem precedentes. Em breve, o quarteto de Liverpool teria que se refugiar no estúdio para poder dar mais atenção aos seus próprios gritos internos ao invés do frenesi da plateia. Em 29 de agosto de 1966, no Candlestick Park, a banda encerrou quatro anos de turnês com um setlist que sensatamente ignorava todas as faixas de seu mais recente disco, Revolver. Não só a música em si que era inviável para apenas quatro pessoas tocarem ao vivo, mas os próprios integrantes estavam exaustos da rotina. De acordo com Ringo: “John queria desistir mais do que os outros. Ele dizia que já tinha tido o suficiente.”

O afastamento do público foi essencial para que o quarteto pudesse se voltar de uma vez por todas ao teor subjetivo de suas letras, assim como a experimentação musical que caracteriza seus álbuns na segunda metade dos anos 60. Este caminho conduziu a banda até o aclamado Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, que mesmo utilizando estrutura e símbolos populares – a essência da fase beatlemania –, conseguia concentrar o foco temático das faixas de forma muito mais pessoal e subjetiva: uma conquista de precisão emocional impulsionada pela instrumentação psicodélica. No entanto, a individualidade como força motora de criação somente atingiu o seu auge um ano depois, com o lançamento de The Beatles, o famoso álbum branco.

No começo de 1968, seguindo a tendência da época e a insistência de George Harrison, os quatro foram para a Índia participar de um curso de Meditação Transcendental com o guru Maharishi Mahesh Yogi. George já havia mostrado interesse pela cultura indiana desde que havia ouvido pela primeira vez a música de Ravi Shankar, em 1965. A obsessão que começou pela música inevitavelmente transbordou para a espiritualidade hinduísta e logo a banda inteira estava no mínimo intrigada com o país.

A viagem não foi tão ideal quanto George esperava. John tinha uma atitude imatura em relação à meditação e impacientemente exigia respostas. Ringo e Paul voltaram para Londres antes dos outros dois por diversos motivos que os impediam de se dedicar como o beatle quieto. O golpe final foi quando surgiram denúncias de que o Maharishi havia assediado a atriz Mia Farrow, além de outras pessoas que participavam do curso. O episódio resultou na faixa “Sexy Sadie”, escrita ainda na Índia por Lennon, que mostrava a sua desilusão com o  supostamente virtuoso guru.

O surgimento das forças opostas

Não é coincidência que a busca pela espiritualidade condisse com o distanciamento dos componentes da banda. De um jeito ou de outro, o quarteto sabia que não se podia transcender espiritualmente como um conjunto: o isolamento dos membros contribuiu para a evolução de cada um, individualmente. E é nesta lógica que o álbum branco se baseia e prospera.

As faixas de Lennon lembram a intimidade que permearia sua carreira solo. Por exemplo, “Julia” é uma singela confissão que retrata uma falsa lembrança de sua mãe. Por outro lado, “Glass Onion” utiliza a imagem de uma cebola de vidro – com camadas transparentes – para uma autorreflexão que desconsidera a busca por significados escondidos pelos fãs nas músicas da banda, valorizando a subjetividade do processo todo.

Em contraponto à delicadeza de “Julia”, “Yer Blues” mantém o tom confessional, pegando emprestado a energia do blues como válvula de escape para a angústia. A faixa é uma demonstração da capacidade dos Beatles de conversarem entre si instrumentalmente, assim como é um dos mais fortes argumentos de que John soava bem mais sincero cantando raiva do que amor.

Outro destaque vindo de Lennon é “Revolution 9”. Influenciado por Yoko Ono e pela música concreta em geral, a faixa de mais de 8 minutos é uma colagem sonora de diálogos, trechos de músicas, ruídos, gritos, etc. De acordo com Lennon, a composição seria um tipo de representação sônica de uma revolução, embora seja isenta de qualquer significação fixa. A própria inclusão da faixa em um álbum da banda mais popular do mundo já é, por si só, uma revolução contida.

É impressionante ver o quão bem Paul McCartney conseguia encontrar o equilíbrio entre suas baladas mais inofensivas – como “Martha My Dear” e “I Will”  –, e as composições mais energéticas como “Why Don’t We Do It in the Road?” e,  principalmente, “Helter Skelter”. Esta última foi uma espécie de homenagem ao barulho. No estúdio, a banda inteira se esforçara para tocar o mais alto possível, sendo uma das poucas gravações do álbum que a união do grupo ainda tinha um papel importante.

Segundo McCartney, helter skelter é um brinquedo de parquinho semelhante a um escorregador, do qual o músico usou a sensação da descida como fonte para a energia crua dos instrumentos. O resultado é um tipo de força cega, sem finalidade e nem contexto, que existe em um instante e desaparece rápido demais para perguntas. A faixa não poderia terminar de outra maneira, senão com o grito de Ringo: “I’ve got blisters on my fingers!” (“Eu tenho bolhas nos meus dedos!”).

O baterista possui apenas uma composição no disco, sendo essa a primeira que escreveu sozinho. “Don’t Pass Me By” mistura elementos de country e blues para montar uma atmosfera deprimente, enquanto Ringo descreve memórias da amada se confundindo com a sua realidade solitária. Starr, no resto do álbum, mantém sua admirável habilidade de acompanhar quaisquer ideias novas dos outros três, sabendo dosar suas contribuições como ninguém.

O segundo músico mais contido na banda é George Harrison, o que mais aproveitou a viagem à Índia, não só espiritualmente, mas musicalmente. Logo após a despedida de Maharishi, George foi visitar Ravi Shankar. O músico indiano, para George, foi a inspiração que Maharishi falhou em ser.

De volta aos estúdios, George já havia gradativamente conseguido um pequeno espaço nas composições da banda nos álbuns anteriores. No álbum branco, ele abandonaria os arranjos indianos presentes em suas faixas de álbuns anteriores, como “Love You To” e “Within You Without You”, para criar um som próprio.

A imaterialidade incentivada pelo hinduísmo estimulou Harrison a reduzir sua presença, já elusiva, a um tipo de vulto espectral. Uma das músicas mais famosas da discografia inteira da banda é “While My Guitar Gently Weeps”, escrita por George, que chamara seu amigo Eric Clapton para tocar guitarra solo. Os vocais lamentam o potencial perdido da humanidade, que nunca foi ensinada a propriamente “desdobrar o seu amor”. Ao final, os instrumentos elevam a tensão emocional da canção, transformando a voz de Harrison em gritos e gemidos.

Assim como John, George também antecipou a temática das suas músicas de sua carreira solo, principalmente com “Long, Long, Long”. A canção relata a relação de George com Deus, ou consigo mesmo, já que ele via a religião intrinsecamente ligada ao seu Eu interior. Acompanhado pelo órgão pacífico tocado por Paul e em conflito com a bateria dissonante de Ringo, a música reconta a conturbada jornada em busca de si mesmo.

O começo do fim

A individualidade ganhou uma imensa força durante a criação do álbum branco. A própria capa vazia do disco se contrapõe com a colorida e lotada do Sgt. Pepper’s. Se esta mostrava as diversas influências da banda, é válido pensar que The Beatles faz o mesmo, só que desta vez os membros estavam tão autocentrados que a estampa mais sincera seria vazia. Essa decisão também ajuda a valorizar o álbum como uma obra exclusivamente sonora e livra a banda de dar a mínima explicação sobre o conteúdo. O diferencial deste em relação aos seguintes é que ainda existia uma ligação entre os quatro, sendo que o afrouxamento de suas dependências passou a ser um importante elemento temático e estético.

É tragicamente intrigante pensar que a harmonia que levou os Beatles ao sucesso, evidente desde Please Please Me, foi sendo dissolvida aos poucos, enquanto cada membro fazia uso de sua fama, experiência e dinheiro para caminhar em direções opostas. Parece que todos os fatores – idade dos músicos, época do sucesso, influências em comum, etc. – contribuíram para traçar os altos e baixos do grupo, e o talento de cada um permitia uma atitude criativa em relação às crises. Por fim, o White Album captura a fase de transição em que a banda estava unida o suficiente para autorreferenciar o seu próprio distanciamento, juntos.

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Mariana Faria

Lançado em 1° de junho de 1967, entre tantos discos que marcaram a história desse simbólico ano, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dos Beatles é para muitos o maior álbum já feito. Disse para muitos pois há quem discorde, inclusive no ramo musical, como Keith Richards, guitarrista dos Rolling Stones. Em entrevista à Esquire, o guitarrista afirmou: “Algumas pessoas acham que [Sgt. Pepper’s] é um disco genial, mas eu acho que é uma mistura de lixo, mais ou menos como Their Satanic Majesties’ Request (disco dos Rolling Stones)”.

Ainda assim, o oitavo álbum do quarteto de Liverpool teve impacto imediato, vendendo 2,5 milhões de cópias só nos três primeiros meses. Além disso, o disco é uma das grandes vozes da contracultura – que ganharia mais força nos anos seguintes – e tão melancólico quanto um tanto irônico é o aniversário de meio século desse álbum fundamental ser celebrado em tempos onde os valores negados pela geração flower power são destacados pelo conservadorismo político ao redor do globo.

O disco do sargento pimenta representa o auge dos Beatles e se revela dissimulador do real. Situado na época recheada de esperança, otimismo e criatividade do summer of love de 67, Sgt. Pepper’s expõe essa fuga da realidade em duas vertentes. Uma delas é a psicodelia iridescente, marca da geração flower power. A outra é a fuga da identidade, por assim dizer, crítica da própria banda. Nesse sentido de outra identificação, surge a criação da Banda do Clube dos Corações Solitários liderada pelo sargento Pimenta. Já em 1966, o quarteto estava cansado de se apresentar ao vivo devido à histeria da beatlemania, então decidiram deixar de fazer shows. Com isso, McCartney deu a ideia do álbum ser gravado por uma banda fictícia:

“I made a suggestion. I said, ‘We need to get away from ourselves – how about if we just become sort of an alter ego band?”

– Paul McCartney

A abertura com a música homônima, um rock’n’roll anos 50 com quarteto de trompas, reproduz o começo de um show, em tom crítico: “They’ve been going in and out of style/ But they’re guaranteed to raise a smile”, referente à impopularidade dos Beatles nos EUA; e também modesto:“We’re Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band/ We hope you will enjoy the show”, afinal eles eram a banda pop dos anos 60. Além disso, a música encerra sem a comum separação entre faixas, o trecho final “chama” a próxima música: “So let me introduce to you/ The one and only Billy Shears”, ou mais conhecido por Ringo Starr. Então se inicia With A Little Help From My Friends, interpretada pelo baterista, dando sequência ao show. A segunda faixa também apresenta a autocrítica logo no primeiro verso (“What would you think if I sang out of tune?/ Would you stand up and walk out on me?”),  já que Ringo cantava geralmente as músicas com arranjos mais simples.

Na sequência vem “Lucy In The Sky With Diamonds” e a fuga entra, então, no plano lisérgico. Se em São Francisco, Jefferson Airplane e Grateful Dead movimentavam a cena psicodélica, em Liverpool os Beatles também começavam a se aventurar na psicodelia do verão do amor. Posteriormente, essa proposta seria melhor explorada por conterrâneos como Pink Floyd, com The Piper at the Gates of Dawn, e até mesmo os Stones e seu Satanic Majesties’.

Picture yourself in a boat on a river

With tangerine trees and marmalade skies

Somebody calls you, you answer quite slowly

A girl with kaleidoscope eyes

Cellophane flowers of yellow and Green

Towering over your head

Look for the girl with the sun in her eyes

And she’s gone

-Lucy In The Sky With Diamonds

Apesar de John Lennon negar que Lucy se refira a LSD, a letra por si só se mostra imersa na fantasia onírica colorida. Esse passeio lisérgico mistura a realidade, no tom mais animado cantado no refrão, com a viagem alucinógena, perpassada na lentidão do vocal de Lennon ao longo do resto da letra.

O resto do enredo performático do lado A envolve a esperança e o otimismo do “paz e amor” no ritmo agitado de “Getting Better” e no divagar da mente em “Fixing a Hole”. Já a liberdade buscada pela juventude sessentista e o ideal anticonsumista dos hippies aparecem com uma orquestra de cordas em “She’s Leaving Home”, e por fim, “Being for the Benefit of Mr. Kite!”, uma ótica do circo com efeitos simulando o clima festivo desse ambiente.

Continuando o lado B, “Within You Without You” traz, sob uma musicalidade totalmente oriental, a contracultura e a espiritualidade hindu – esta bastante requisitada à época –  e a concepção de amor, no sentido romântico, que aparece em “When I’m Sixty-Four” e “Lovely Rita”. Antes do show acabar com a reprise de “Sgt Pepper’s”, “Good Morning, Good Morning” fecha com um experimentalismo de sequência de sons de animais seguindo a linha de Revolver e de Pet Sounds, dos Beach Boys, ambos do ano anterior.

Depois da reprise de “Sgt. Pepper’s” tocada ao vivo, anunciando o fim do show da banda do sargento pimenta, “A Day In The Life” termina os 44 minutos do disco com uma atmosfera, de certo modo, deprimida. Realidade e sonho se encontram novamente em contraste. E talvez a realidade aqui se mostre tão angustiante quanto o som intenso da sintonia orquestral crescente no final da música que desmorona num estrondo como a vida, sendo assim, a fuga da realidade a única saída.

Mas para Keith Richards os Beatles se perderam. “Os Beatles soavam ótimos quando eram os Beatles. Mas não tem muita raiz nessa música [Sgt. Peppers]. Acho que eles foram longe demais”. Segundo o guitarrista dos Stones, o grupo de Liverpool tinha acabado em 1966. Porém, a mudança deu mais liberdade de criação para o grupo de Liverpool.

 “(…) and thought of ourselves as artists rather than just performers. There was now more to it; not only had John and I been writing, George had been writing, we’d been in films, John had written books, so it was natural that we should become artists.”

-Paul McCartney na biografia Many Years From Now, de Barry Miles

A fala de McCartney pode ser observada na arte da capa feita pelo artista Peter Blake. Ao fundo estão personalidades como parte do público da banda fictícia no centro do quadro. O recorte das figuras, que são pessoas admiradas pelos músicos, foi ampliado e colado em papelão para a foto tirada pelo fotógrafo Michael Cooper, além do uso de flores para escrever “Beatles”.

Essa preocupação artística não se restringiu apenas à estética visual do disco. A produção – com o apoio brilhante do engenheiro de som, Geoff Emerick, e do produtor e maestro George Martin – também teve tal viés nas 700 horas trabalhadas no estúdio. Fora a tentativa de criar uma narrativa contínua de música nos dois lados do LP para ouvir uma faixa logo após a outra, sem pulá-las, como num show ao vivo.

“Por sabermos que os Beatles nunca tocariam essas músicas ao vivo, não existiram barreiras criativas.”

– Geoff Emerick, em Here, There and Everywhere: My Life Recording the Music of the Beatles, do próprio Emerick

Assim, por mais que soe ardido aos ouvidos de Keith Richards é inegável atribuir a Sgt. Pepper’s pouca qualidade, tanto estética quanto sonora, mesmo que se trate de um disco pop superproduzido. Toda a  experiência artística e autocrítica, otimista e fugaz da realidade percorrida no disco anima os corações solitários de seus ouvintes, especialmente nessa época de ares conservadores.

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Mariana Faria

Experimentação: essa é a palavra-chave que define o que o sétimo álbum dos Beatles representou no repertório da banda. Lançado em agosto de 1966, Revolver trouxe inovações não só para a banda inglesa, mas também para todo o cenário musical dos últimos anos da década de 60.   

Insatisfeitos com as performances ao vivo sob a alegação de não se ouvirem por causa da gritaria das fãs, os Beatles procuraram explorar novos efeitos e sons durante as gravações, que duraram 300 horas – inclusive, houve a intenção de o álbum ser gravado nos Estados Unidos, em estúdios mais modernos, mas a ideia não foi para frente e os ingleses continuaram no estúdio Abbey Road, em Londres.

Fato é que desde o álbum anterior, Rubber Soul, o quarteto já vinha com uma mudança em sua sonoridade diante da influência de seus contemporâneos norte-americanos: Bob Dylan, Beach Boys e Byrds, no contexto do ápice do folk rock e da surf music. Além de o disco ser mais poético, a faixa “Norwegian Wood” refletiu bem a nova direção que os músicos tomaram com o uso do sitar, instrumento indiano, sendo assim o primeiro contato da banda com a cultura oriental.

A criação de Revolver foi impulsionada com o lançamento de Pet Sounds dos Beach Boys, a obra sonora mais inovadora na época. Com composições mais ousadas do que em Rubber Soul, os Beatles começaram a se aventurar pelo estado lisérgico, cheio de descobertas, e passaram a incorporar ainda mais as influências da cultura oriental. Assim, a percepção artística dos músicos de Liverpool evoluía.

Logo na abertura do disco já houve uma novidade, pois foi a primeira vez que George Harrison teve uma de suas canções como a primeira faixa de um álbum dos Beatles, além de três de suas composições fazerem parte da obra. Mas para o “quinto Beatle”, o produtor George Martin, e o novo engenheiro de som da gravadora, Geoff Emerick, ainda havia muito a ser explorado.

Emerick veio com a ideia de aproximar os microfones aos instrumentos e amplificadores para emitir um som mais intenso e pesado. O fato não agradou a EMI, pois segundo o padrão de regras da gravadora, a nova técnica danificaria os equipamentos que eram sensíveis. Os Beatles, então, adotaram uma postura radical: ou a gravadora cedia, ou nada seria feito. A conclusão foi uma inovação sonora impressionante. Outros resultados dessas novas experiências incluem a utilização de gravações de trás para frente, de instrumentos indianos (o sitar e a tabla), de instrumentos orquestrais e de efeitos nos vocais.

Em meio a tanto entusiasmo no estúdio, o grupo produziu uma diversidade musical bem ampla. Desde a primeira faixa “Taxman”, um protesto sobre os altos impostos ingleses com riffs agressivos, até o fechamento com a mais experimental “Tomorrow Never Knows”, na qual Lennon queria que sua voz soasse como a de Dalai Lama no topo de um monte e que não podia ser tocada ao vivo devido às limitações dos equipamentos da época.

O uso de arranjos orquestrais aparece na deprimida “Eleanor Rigby”. Em “I’m Only Sleeping”, além de a canção mencionar o prazer de John ficar deitado na cama, levou Harrison a gravar o solo duplo de guitarra invertido numa sessão de 5 horas; Em “She Said She Said”, proveniente de uma viagem de LSD durante uma conversa de John com o ator Peter Fonda, e “Doctor Robert”, uma alusão ao médico Robert Freymann que receitava anfetaminas a alguns famosos, há influências psicodélicas. Já “Love You To” expôs o amor de Harrison tanto pela filosofia quanto à Patti Boyd – sua recente esposa na época – conta com a presença de instrumentos indianos e foi a primeira utilização da tabla pelo grupo.

Inspirada na canção “God Only Knows”, dos Beach Boys, e nos vocais de Marianne Faithfull no sucesso de seu single “As Tears Go By” (composição originalmente dos Stones, embora o single de Faithfull tenha sido lançado antes da versão do grupo inglês), “Here There And Everywhere”, junto com a  singularidade do solo de trompa francesa em “For No One” , que fala sobre o término de um relacionamento, são clássicas baladas de McCartney. Enquanto “Yellow Submarine”, apesar de ser repleta de efeitos sonoros, engloba uma melodia simples, pois foi feita para Ringo assumir o microfone.

Contagiado pela energia do folk e do jazz de “Daydream”, do The Loving Spoonful, Paul queria fazer uma música seguindo essa linha. O resultado foi o otimismo de “Good Day Sunshine”, que se diferencia do power pop da enigmática “And Your Bird Can Sing”, sustentada pelos notáveis riffs no dueto das guitarras, soladas ao mesmo tempo. A canção misteriosa, escrita por Lennon, tem várias especulações a respeito de sua letra. Uma delas seria sobre a rivalidade entre os Beatles e os Rolling Stones, embora eles fossem amigos. A hipótese seria uma jogada com o termo “bird”, que no inglês britânico é uma gíria para “namorada” e seria uma referência à Marianne Faithfull, amante de Mick Jagger na época, que estava começando sua ascensão nas paradas pop. Lennon mais tarde desprezaria a composição; contudo, nunca revelou a inspiração por trás da letra indecifrável.

A terceira canção de George no disco, “I Want To Tell You”, ressalta o amadurecimento dos ingleses, pois expõe mediante um lado filosófico a dificuldade de transmitir alguns pensamentos. Na parte final da música identifica-se uma singela influência indiana na harmonia dos vocais. E, por fim, “Got To Get You Into My Life”, a única canção do disco que se refere explicitamente às drogas (mais precisamente à maconha), foi “literalmente um aumento da consciência” segundo as próprias palavras de seu compositor Paul McCartney. A música dispõe da utilização de metais destacando o soul americano, principalmente da Motown.

Lançado junto com o álbum em agosto, o single “Yellow Submarine/Eleanor Rigby” atingiu o topo das paradas inglesas. No lado A o tema sugestivo à psicodelia, influenciada pelo uso de drogas, de “Yellow Submarine” surpreende quando, na verdade, a intenção da música é caracterizada pelo tema infantil. Composta essencialmente por McCartney, mas creditada a Lennon/McCartney e com a colaboração de Donovan – que no mesmo ano lançou seu single “Mellow Yellow” – a viagem pelo submarino amarelo dos Beatles conta com uma variedade de efeitos sonoros como bolhas (sopradas através de um canudo por John em um balde cheio de água), assovios, brinde de taças, barulhos de uma caixa registradora (mais tarde usada em “Money” do Pink Floyd), sinos, buzinas, metais e um conjunto de vozes que incluem a participação de Brian Jones e Marianne Faithfull simulando o ambiente de festa dentro do submarino.

A fúnebre “Eleanor Rigby” compõe o lado B do single. A canção, escrita por McCartney, transmite o tom de solidão não apenas em sua letra melancólica, mas também na harmonia com a utilização do octeto de cordas, unindo o erudito ao pop que rendeu ao grupo uma de suas composições mais sólidas.

Duas músicas que não fizeram parte do disco, mas foram gravadas durante as sessões de Revolver, saíram no single “Paperback Writer/Rain”. Lançadas meses antes do álbum, ambas as canções foram um prelúdio do que o sétimo trabalho dos Beatles iria trazer. No lado A “Paperback Writer”, escrita na forma de uma carta, traz um maior protagonismo do baixo, com uma sonoridade mais vibrante, além da harmonia dos vocais evidenciando a influência de Pet Sounds dos Beach Boys. Enquanto no lado B a atmosfera de “Rain”, composta pela sensação de lentidão junto com o vocal mais delongado, relacionou a parte musical com a lírica sobre o estado de consciência demonstrando, assim, a profundidade da canção.

Um fato interessante sobre “Rain” é a respeito de seu final. Foi a primeira vez que o grupo utilizou a técnica de rodar a fita de trás para frente. Com a nova façanha (recorrente em Revolver), o final da música é na verdade o primeiro verso da canção “If the rain comes they run and hide their heads”.

Após o lançamento do disco, sucesso nas paradas americana e inglesa, o quarteto encerrou suas atividades nos palcos. Além do descontentamento dos músicos em tocar ao vivo, a polêmica e famosa fala de John Lennon, “Somos mais populares que Jesus”, mal interpretada por conservadores religiosos norte-americanos, culminaram no fim das performances ao vivo, e, assim, os Beatles passaram apenas a se dedicarem aos estúdios. Tanto que em novembro de 1966, eles já começariam a gravar o seu álbum mais criativo e conceitual, lançado no ano seguinte, o Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. A loucura vivida nos palcos será ilustrada no documentário Eight Days A Week – The Touring Years, dirigido por Ron Howard, com data de lançamento para setembro de 2016 nos cinemas de todo o globo. O filme também retratará a rotina dos Beatles em seus primeiros anos de carreira, entre 1962 e 1966, além de entrevistas com Paul e Ringo, os integrantes remanescentes.

Revolver traz o início do psicodelismo no som dos Beatles juntamente com a continuação do amadurecimento lírico com composições ainda mais elaboradas, reflexivas e metafóricas. O disco, que recebeu o nome em razão da rotação do vinil na vitrola, pode até não ser considerado o melhor do quarteto inglês, entretanto foi definitivamente o momento mais significante do experimentalismo presente na fase madura da banda.

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