Iris Italo Marquezini

Esperança é um dos principais temas e também a palavra que fecha o roteiro de Rogue One: Uma História Star Wars (2016), dirigido por Gareth Edwards. Com um terceiro ato inesquecível, o filme apresentou o protagonista da que viria a ser, anos depois, uma das séries mais, inesperadamente, revolucionárias e politicamente radicais dos últimos anos: Andor. Olhando agora, fica difícil imaginar essa saga sem Cassian (Diego Luna). Se qualquer linha do tempo dentro dessa franquia é marcada pelo antes e depois da Batalha de Yavin – confronto final de Uma Nova Esperança (1977) – então a história dessas Guerras nas Estrelas já possuem um antes e depois de Andor.

A segunda temporada não perde nada em relação à primeira, que surpreendeu os fãs indiferentes à proposta de aprofundar a história do piloto pouco explorado anteriormente. Os novos episódios se situam um ano após o final emotivo do episódio Rix Road, com Cassian e os outros rebeldes cada vez mais temerosos quanto às opressões do Império. Dedra Meero, interpretada pela atriz Denise Gough com um trabalho primoroso nas linguagens corporais, ganha destaque como a antagonista definitiva da série. A supervisora aparece como uma líder com uma sede de poder imparável e focada em planejar um genocídio no planeta Ghorman. 

A trama não possui pressa na hora de preparar a audiência para os eventos apresentados em Rebels (2014), Rogue One e Uma Nova Esperança. Por meio de um elenco de personagens criados exclusivamente para essa história, os fãs agora descobrem o destino de cada um deles no meio de uma narrativa delimitada por meio de arcos de três episódios, focada em espionagem e reflexões políticas. Esse aspecto, particularmente, a diferencia das outras produções recentes do novo cânone dessa saga. Enquanto vemos Obi-Wan (2022), Ahsoka (2023) e até mesmo The Mandalorian (2019) dependerem demais do investimento emocional e estético estabelecido antes, Andor vai no caminho contrário e cria abordagens novas.

Sem homenagens diretas ao universo Star Wars, a série busca referências em eventos históricos fora da ficção, em obras de espionagem e na ficção científica do século XX. Essas ideias se refletem em uma direção e produção que valorizam equipamentos analógicos, tecnologias retrofuturistas e figurinos exuberantes, adequados para cada classe social representada. A sonoplastia e a trilha sonora também se destacam, tornando-se um dos produtos com a melhor ambientação do cânone. Essa decisão torna todo o universo mais tátil e palpável, com menos uso de tela verde e a produção do volume de The Mandalorian, o que explica as diversas indicações ao Prêmio Emmy 2025 em todas as categorias técnicas mencionadas. 

Locais como o planeta Coruscant e a lua Yavin 4, já apresentados em outros filmes, ganham novos contornos exuberantes. Os novos cenários propostos, como Ghorman e Chandrila, não decepcionaram nem um pouco. A cinematografia (Christophe Nuyens) não deixa escapar esses detalhes, criando aqui alguns dos visuais mais criativos desde Os Últimos Jedi (2017) e garantindo uma indicação ao Emmy Awards 2025. Fica o destaque para a desesperadora e sensível cena de dança eufórica da Senadora Mon Mothma (Genevieve O’Reilly), que parece engolir berros de negação que explodem para fora do corpo, implorando para que os sacrifícios tão presentes na vida dela parem de uma vez. 

E aqui entra o maior mérito do seriado: o roteiro (Tony Gilroy, Dan Gilroy, Beau Willimon e Tom Bissell), que foi mais uma categoria a receber uma indicação do Emmy. Com diálogos cheios de nuances e sutileza característicos, os espectadores são confrontados com diversos pontos de vista tanto do Império quanto da Rebelião sobre os eventos brutais que caracterizam a trama. A franquia sempre contou com exemplos de obras maduras e repletas de comentários sociais relevantes e criativos, mas Andor muda essas referências políticas tangenciais e as trazem como foco. A maior parte dos diálogos envolvendo Luthen (Stellan Skärsgard), Mon Mothma e Saw Guerrera (Forest Whitaker) – este último, inclusive, indicado ao prêmio de Ator Convidado em Série Dramática –, são os que trazem maior impacto para o público, sem precisar apelar para respostas fáceis ou reflexões vazias. 

Grande parte da razão de Andor alcançar essa maturidade na escrita é o fato de que Tony Gilroy, o showrunner da série, substitui a própria falta de conhecimento e até mesmo respeito pelo universo de Star Wars com um repertório vasto sobre história político-militar. Assim, a história de Cassian e dos rebeldes passa a ganhar paralelos com a Revolução Haitiana, Revolução Russa, resistência palestina e Revolução Francesa, por exemplo. Essa mesma filosofia por trás da produção, positiva para criar novas perspectivas para a franquia, também foi realizada em The Acolyte (2024), mas em Andor parece ter casado de forma mais orgânica com o que foi estabelecido antes. 

Sem apelar para imagens conhecidas do público, como Jedis e os sabres de luz, essa liberdade criativa trouxe um foco maior para fazer um alerta sobre políticos fascistas da vida real. Essa atitude ajudou até mesmo a subverter recursos fáceis de fan service que a audiência já familiarizada com esse universo poderia esperar. Um exemplo foi a oportunidade clara de inserir a equipe de heróis da animação Rebels sendo deixada de lado. Vale citar também a interpretação do indicado ao Emmy 2025 em Melhor Performance de Voz – Personagem, Alan Tudyk, na introdução do droide K-2SO de forma completamente inusitada e chocante em comparação ao que poderíamos esperar do droide engraçadinho e sarcástico de Rogue One.

O episódio Quem é você?, indicado em sete das 14 categorias em que Andor concorre no Emmy, incluindo melhor direção (Janus Metz), alcança o ápice narrativo da temporada e das metáforas políticas diretas. Há referências, agora nada sutis, sobre violência policial, ascensão do neofascismo e depois usa o termo genocídio sem medo algum para se referir a uma das cenas que remete às repressões sofridas por diversos países da América Latina e do mundo todo. Efeitos sonoros de metralhadoras presentes em jogos como Star Wars: Battlefront II (2018) e os droides K-2, tão simples de eliminar em Jedi: Fallen Order (2019), aparecem em um contexto aterrorizante aqui, já que, a estética fantasiosa se mistura com a violência palpável da vida real. 

Em Bem-vinda à Rebelião, os fãs ouvem um discurso icônico para a saga. Andor lembra que fora das telas a pós-verdade reina e que enxergar Star Wars como mero escapismo é ser conivente com a realidade brutal que governos necropolíticos no mundo todo buscam ter apoio. Nem mesmo George Lucas ignorou o potencial político da narrativa, com a frase memorável de Padmé em A Vingança dos Sith (2005), e deixando claro  anos atrás que o clássico de 1977 sempre foi uma alusão à Guerra do Vietnã. É um sentimento único ver Mothma, finalmente, se expressar de forma verdadeira no Senado após o público acompanhar uma atuação tão contida até então, interpretada pela primorosa Genevieve O’Reilly, que sucede Caroline Blakiston na pele da personagem. 

Dois grandes acertos da série são as performances de Diego Luna como Cassian Andor e Kyle Soller como o infiltrado Syril Karn. Ambos os protagonistas ficam cada vez mais afetados com os massacres apresentados em tela, quase recriando o olhar traumático do ator Aleksei Kravchenko no final de Vá e Veja. Assim, a ternura aparece como um dos pontos centrais do seriado. A forma como ambos amam as pessoas próximas de si mostra o quanto o Império é frio nas relações e a Aliança Rebelde, por outro lado, “possui amigos em todos os lugares”, parafraseando o próprio seriado. 

Esse amor também aparece na maior surpresa dos novos episódios: Kleya Marki (Elizabeth Dulau). O seriado coloca a responsável pelas comunicações como uma das protagonistas da temporada, levando-a a campo no episódio Faça isso parar, com, possivelmente, a melhor direção da série por Alonso Ruizpalacios. Kleya se destaca como uma personagem profunda e cheia de semelhanças com o próprio Luthen. Skarsgärd dá mais um show de atuação aqui junto à Dulau, ambos mostrando que a relação deles é bastante única em comparação a outras duplas de mestre e aprendiz presentes em outros capítulos da saga. Kleya é sensível e possui uma determinação pela Rebelião comparável às atitudes da Princesa Leia.

Acontece que, da mesma forma que os heróis bem desenvolvidos ficam claros, os mal explorados também ficam nítidos para a audiência. Bix Caleen, por exemplo, é interpretada pela brilhante e intensa Adria Arjona. A atriz consegue entregar todas as nuances da mulher que protagoniza, tanto a cena mais brutal da série – quiçá de todo o universo –, quanto a mais estilosa da temporada. Ainda assim, Bix parece nunca alcançar o potencial prometido de ser uma aliada bastante próxima de Cassian junto às missões. O desfecho da personagem parece até contradizer outros momentos sanguinários dela de maior entrega à causa da Rebelião, tornando um trabalho de atuação sensível em um arco desenvolvido a conta-gotas, interrompido porque Andor não teria mais o número de episódios planejado. 

Cinta Kaz (Varada Sethu) e Vel Sartha (Faye Marsay) são, talvez, o melhor exemplo desse aspecto. O roteiro parece autoconsciente da importância de ter o primeiro casal sáfico com genuíno destaque nas obras live-action de Star Wars. Há arcos bons, diálogos importantes para ambas e momentos genuinamente tocantes entre elas, que traçam paralelos com a relação cercada de sacrifícios de Bix e Andor também. Entretanto, as cenas do casal nesta temporada aparecem de forma apressada e com resoluções óbvias para uma narrativa com tantos pontos de vista diferentes que, de repente, precisa parar tudo para desenvolver mais um romance. Por que acelerar logo o ritmo delas se supostamente sempre houve espaço para representatividade?

Um dos maiores criticismos de Andor por uma parcela da audiência é o ritmo mais parado e entediante por causa do foco menor nas tramas aventurescas características desse universo. A série, infelizmente, se torna isso quando muitos dos personagens secundários do núcleo dos rebeldes pecam em não terem quase nenhuma característica que os tornem únicos, salvo raras exceções. É quase como se Gilroy tivesse usado a estratégia de The Walking Dead (2010) e Game of Thrones (2011) de apresentar dezenas de caras novas de uma vez, apenas para ter alguns rostos reconhecíveis nas cenas chocantes. 

Essa lacuna leva até a, possivelmente, maior ausência temática da série: a raça. Desde a primeira temporada, fãs apontam que, para uma produção de ficção-científica situada em uma galáxia tão vasta, pouco se vê de espécies alienígenas em tela. Enquanto o gênero das protagonistas é um ponto chave para trazer discussões importantes para a narrativa, Gilroy peca ao afirmar que raça é um aspecto do qual não quis se aprofundar, ignorando a interseccionalidade possível do assunto. Outro potencial desperdiçado, pois esse tema já foi abordado, inclusive, por meio das histórias de um dos personagens mais conhecidos do universo expandido de Star Wars, o Grão-Almirante Thrawn, interpretado por Lars Mikkelsen em Ahsoka. 

Se era para abraçar a metáfora e fazer com que Andor ganhasse essa característica genuinamente distópica e sem medo de tocar nas feridas da realidade, essa ausência parece mais presente por ignorância do que por falta de liberdade, espaço e orçamento para desenvolver comentários pertinentes nesse caminho. Não contribui o fato de que muitos corpos não brancos são os que sofrem maiores violências explícitas ao longo da narrativa, enquanto uma maioria de personagens de etnia branca sobrevive no final. Com uma equipe com tanto talento quanto Gilroy, a impressão que fica é que ninguém teve a iniciativa de desenvolver tramas nesse caminho ou há uma ausência grave de diversidade dentro da sala de roteiristas para não notarem a importância desses assuntos.

Esses detalhes auxiliam para a impressão agridoce do final. Ainda que com problemas, Andor já ganhou a retórica dos fãs de ser um dos melhores conteúdos live-action de Star Wars desde O Império Contra-Ataca (1980). Há sim um desfecho, todavia um que ainda depende muito de Rogue One para funcionar, um filme com ritmo e tom bastante diferente do que foi observado ao longo das duas temporadas. O último episódio – Jedha, Kyber, Erso –, por sua vez, é melancólico e reflexivo, com a Aliança Rebelde formada e os heróis traumatizados por tudo que tiveram que enfrentar para chegar nesse avanço. 

A produção ainda continua o costume da saga em fazer grandes retcons, trazendo outras camadas para conteúdos que vieram anteriormente. Assistir Rogue One após Andor é uma experiência fantástica, pois houve o retorno de Orson Krennec (Ben Mendelsohn), General Draven (Alistair Petrie) e Melshi (Duncan Pow) para os  últimos episódios. Além disso, as referências à obra de Gareth Edwards são bem mais sutis em comparação a outras prequelas da franquia.

O seriado ainda ajudou a criar um paralelo grande entre Cassian e Jyn Erso (Felicity Jones) como duas pessoas profundamente traumatizadas desde a infância pelo Império, quase como se a Força tivesse dado alguém para o lembrar o piloto da irmãzinha abandonada do planeta natal dele, e não um romance para substituir Bix. Pensar que o final de Andor é fazer uma alusão ao que seria o equivalente à Bomba de Hiroshima e Nagasaki do universo de Star Wars, quase faz a história toda se assemelhar a um Oppenheimer (2023) de 20 horas, ainda mais somando os livros Catalyst (2016) de James Luceno, Rebel Rising (2017) de Beth Revis e Leia: Princesa de Aldeeran (2017), de Claudia Gray neste combo. 

O legado que Andor deixa é de um novo caminho estético, temático e maduro para os conteúdos dessa saga. Um sinal disso é o lançamento do livro Reign of the Empire: Mask of Fear (2025), de Alexander Freed, autor da aclamada trilogia do novo cânone, Alphabet Squadron (2021), e da novelização de Rogue One (2017). A nova obra aborda mais da história de Mon Mothma, Saw Guerrera e Bail Organa (Benjamin Bratt) no estilo do que a série apresentou. O gênero da espionagem veio para ficar nesta franquia, enquanto as aventuras pulp de piratas da fofíssima Skeleton Crew (2024) e a trama de detetives de The Acolyte parecem, infelizmente, não ter tido a mesma sorte por enquanto. 

Andor marca Star Wars para sempre, mas marca também a televisão de ficção científica moderna, somando 14 indicações ao Prêmio Emmy 2025, incluindo a categoria principal de Melhor Série. Com um roteiro que não subestima o público, a série traz reflexões marcantes sobre poder e momentos emocionantes com um elenco de protagonistas único. Na melhor das hipóteses, Andor talvez crie mais empatia entre os fãs e ajude a afastar as vozes responsáveis há decadas por hostilizar diversos profissionais presentes nessa saga. O seriado de Tony Gilroy toca na ferida e força a parte tóxica do fandom a pensar menos em simplesmente consumir produtos, reclamar na internet e atacar minorias. Quem sabe, no fim, após as aventuras de Cassian audiência passe a prestar mais atenção nas violências presentes em uma galáxia tão tão perto do nosso cotidiano.

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Guilherme Moraes

Depois da trilogia original, a volta de Star Wars nos anos 2000 causou grande alvoroço. Eram muitas expectativas para a história de origem de Darth Vader, que, na época, não foram atendidas (ainda que o último capítulo tenha sido poupado). A mudança de tom pode explicar tal aversão a trilogia prequel. Se a original conservava um espírito aventuresco, esta foi tomada por uma dramaticidade muito teatral. Contudo, 20 anos depois, a trajetória de Anakin Skywalker (Hayden Christensen) e, principalmente, Star Wars: Episódio III – A Vingança dos Sith está sendo revisitada e entendida como é: um grande conto sobre destino e tragédia greco-romana.

Dentro do contexto da Nova Hollywood e do surgimento dos primeiros blockbusters, os episódios IV, V e VI adotaram um teor heróico que estava em voga entre alguns cineastas do período, como Steven Spielberg, Robert Zemeckis e o próprio George Lucas, que assinou apenas o primeiro capítulo da saga. A jornada de Luke Skywalker (Mark Hamill), não apenas está inserida dentro desse cenário, como também foi um dos pilares desse momento do Cinema norte-americano e mundial.

Desta vez, o criador dirigiu todos os três filmes, o que deu uma maior consistência para essa saga. Não necessariamente em questão de qualidade, mas, sim, em questões estilísticas: havia uma ideia clara de com o que trabalhar, e como a derrocada de Anakin aconteceria. A Vingança dos Sith é o ápice qualitativo, em que a teatralidade assume totalmente o tom, com o intuito de valorizar as concepções de tragédia e destino, algo muito associado ao Teatro Grego e, neste caso, a Édipo Rei (427 a.C).

Na obra de Sófocles, o Oráculo de Delfos prevê que Édipo irá matar seu pai, o Rei de Tebas, e se casar com sua mãe. A fim de driblar o destino, eles o enviam para a morte. Entretanto, a criança sobreviveu e foi adotada por outra família. Anos depois, já adulto, o herói descobre sobre a Profecia a qual está ligado e, como consequência, decide abandonar sua cidade, também com o intuito de evitá-la. No meio de sua jornada, Édipo se desentende com um homem e o mata, sem saber que aquele era seu pai biológico. Assim, a primeira parte da profecia se cumpre. Chegando a sua cidade natal, encontra uma esfinge que lhe faz uma pergunta, até então, nunca solucionada. Ao acertá-la, ele é bem visto por todos e, desta forma, é proclamado o Rei, se casando com a sua mãe, a Rainha. Ao consultar o Oráculo pela última vez, Édipo descobre que o seu destino se concretizou e, vendo todo este horror, decide arrancar os próprios olhos, enquanto a matriarca se suicida.

Em A Vingança dos Sith, Anakin tem sonhos com a morte de Padmé (Natalie Portman) durante o parto. Uma vez que a vida de sua esposa e filhos estão ameaçadas, ele busca a qualquer custo evitar a fatalidade. No entanto, seu empenho pela salvação o leva cada vez mais ao “lado escuro da força”. A história de Skywalker se associa a de Édipo, na medida em que, quanto mais eles tentam fugir de sua sina, mais seus caminhos os levam a ela. Assim como a Rainha se suicidou, Padmé perdeu a vontade de viver e, assim como o Rei arrancou os seus olhos, o Jedi perdeu vários membros de seu corpo, desta forma, selando seu destino trágico.

Diferente de outras histórias de origem, que estão interessadas apenas em retratar a transformação de um personagem, essa se destaca por pensar no como contar. A inspiração em Sófocles não está apenas no enredo e, sim, na narrativa; no tom adotado. O público já sabe o final da história, mas o que interessa é a abordagem. A criação de Darth Vader não é uma consequência, é um destino que deve ser cumprido. É uma tragédia grega, inevitável, reforçada pela teatralidade da obra.

George Lucas sabe muito bem conciliar o surgimento de Luke e Leia (Carrie Fisher), com a criação do Sith. São contrastes que vão muito além de dar coesão ao universo, eles dão força à narrativa. É a gênese de um herói, com a de um vilão. Falece o pai, nasce o filho. Cai o falso profeta, enquanto ascende o verdadeiro. Vários paralelos são concebidos em poucas cenas, é uma carga emocional que foi trabalhada durante as duas horas do longa-metragem. A construção do Lorde Vader representa a destruição total de Anakin. Some o humano, intenso, imprevisível, cheio de personalidade, em detrimento da máquina, fria, arrogante, inócua, burocrática e perfeita. A persona de Skywalker é queimada para surgir o Lorde Sith. Ele morreu para renascer de outra forma.

A teatralidade está impregnada na obra, não apenas pela história, mas principalmente pela forma. A maneira como a câmera de David Tattersall dramatiza o protagonista, muito por closes e com uma iluminação que realça os olhares. Ademais, os cenários de Piero Di Giovanni e Richard Roberts o transformam, enquanto o templo dos jedis tem cores mais amenas, e a sua casa tons mais românticos, o escritório do Senador Palpatine (Ian McDiarmid) é vermelho vivo, assim como o planeta da batalha final. Outro ponto que chama a atenção são as atuações. Os atores colocam mais energia nas falas do que na fisionomia, além de expressarem seus sentimentos de forma mais intensa, o que é muito típico do Teatro.

Star Wars: Episódio III – A Vingança dos Sith, em conjunto com seus dois antecessores, talvez sejam os que melhor entendem as verdadeiras qualidades da franquia. Contemporâneo à Indiana Jones (1981) e Taxi Driver (1976), a saga de Luke Skywalker não consegue acompanhar o senso aventuresco do longa de Steven Spielberg, nem o discurso político de Martin Scorsese. Nesse sentido, a trilogia prequel entendeu que sua maior força está na análise da jornada do herói e coloca a aventura como motor do filme, além de emular a política da Roma Antiga para fortalecer essa relação teatral. De Anakin a Luke, e de Luke a Kylo Ren (Adam Driver) e Rey (Daisy Ridley), é sobre figuras que, popularmente, se tornam lendas, mas falham constantemente, afinal, são todos humanos. É a jornada do herói que é, simultaneamente, idealizada, humana e shakespeariana.

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Guilherme Moraes

Existem diretores que não precisam de muito para extrair algo interessante, fazem do simples algo profundo, seja por um movimento de câmera, pela maneira como enquadra uma cena ou até como posiciona seus atores. Esse é o caso de Akira Kurosawa, diretor japonês que, há 70 anos, lançava Os Sete Samurais, um dos seus melhores e mais influentes filmes. Na trama, lavradores descobrem que bandidos vão saquear a sua vila e decidem contratar samurais para protegê-la. No entanto, apesar da sua aparente simplicidade, Kurosawa traz profundidade ao analisar os conflitos históricos entre camponeses e guerreiros japoneses, além de meditar sobre a vida e a guerra.

O longa explora a histórica relação conflituosa causada pela estratificação social do Japão na época retratada, que, com algumas ressalvas, se baseava na suserania e vassalagem, no caso, os camponeses seriam os vassalos e os guerreiros os suseranos. No entanto, o idealizador evita o caminho fácil e moralista de colocar os personagens como representantes de suas classes. Ao invés disso, ele dá personalidade própria para cada um dos samurais e alguns dos principais lavradores, entendendo o contexto histórico e social em que que estão inseridos, mas não limitando-os a isso. A melhor maneira de ilustrar essa ideia é por meio do personagem Kikuchiyo (Toshiro Mifune), um filho de lavradores que sofreu muito nas mãos dos samurais, porém, mesmo dentro de uma sociedade estratificada, muda o seu destino e se torna um deles.

Os camponeses traumatizados com os abusos dos guerreiros que passavam pela vila – principalmente as meninas mais novas que os samurais sempre se interessavam –, passam a reagir e matá-los, ficando com suas armas e armaduras. Toda essa base dos conflitos é construída por meio de diálogos ao longo do filme, fazendo com que, inicialmente, tenhamos raiva dos lavradores que não recepcionam os samurais por medo deles, mas, conforme a obra avança, uma empatia é construída ao entendermos seus traumas.

Os samurais, por outro lado, estão longe de serem o que os moradores da vila pensam, pois estes reforçam os valores do código de conduta samurai ao aceitarem o trabalho sem nenhuma pretensão gananciosa, visto que o valor ofertado – três refeições completas durante o tempo em que estiverem no vilarejo – era muito baixo para os riscos que exigia. O interessante dos guerreiros é que cada um deles tem um motivo diferente para aceitar a empreitada, combinando com a sua própria personalidade, seja por querer ajudar os indefesos, para adquirir experiência, melhorar suas técnicas de combate ou, até mesmo, provar que é um samurai, como é o caso de Kikuchiyo.

Nesse sentido, o filme passa a obedecer uma lógica própria, sem se guiar, necessariamente, pelas bases históricas, obedecendo mais à coerência dos seus personagens. Estas sete figuras, na verdade se mostram bem arquetípicas; Kanbê (Takashi Shimura) é o líder do grupo, que detém a moral, toma a frente para tudo, gere as pessoas e traça as estratégias; Shichiroji (Daisuke Katō) e Gorobê (Yoshio Inaba) são os homens de confiança do comandante. Esses três homens são a representação da coletividade e do respeito ao trabalho em equipe. Em certo momento Kanbê briga com Kikuchiyo por desrespeitar as ordens gerais, independente do resultado obtido.

 Okamoto (Isao Kimura) e Kikuchiyo refletem sobre a vida de maneiras distintas; o primeiro é jovem em busca de aprendizado e novas experiências; o outro é cheio de mágoa, raiva e busca se provar como um samurai, apesar da origem humilde. Eles são a dualidade entre o que busca conhecer a vida e o que já passou por tudo. Diferente desses, Kiûzô (Seiji Miyaguchi) é calado, independente, habilidoso em conflito e com uma postura que impõe respeito, um cowboy do faroeste por essência; Heihachi (Chiaki Minoru) soa como aquele que apenas quer se divertir matando, olhando para o todo, ele parece o mais apagado.

Ao final do filme, Akira Kurosawa volta a trabalhar o conflito, dando um final diferente do que acontecia historicamente, e reflete sobre as derrotas da guerra. Enquanto morreram mais da metade dos samurais sem ganhar nada, a não ser as refeições durante o tempo em que ficaram na vila – não continham tudo que os lavradores produziam –, os camponeses, apesar das perdas, voltam a viver suas vidas normalmente, contagiados por terem vencido a guerra. Apesar de estarem do mesmo lado, Kanbê reforça que eles, os guerreiros, não venceram a batalha, apenas os lavradores.

A produção foi um marco no Cinema mundial, influenciando muito o gênero Western, que trabalhava com questões como a honra, a coragem e o sacrifício em seus heróis. Além disso, ele influencia diretamente o universo Star Wars, que é definido como um faroeste no espaço, mas com sabres de luz ao invés de armas, o que apenas realça essa semelhança com o longa. Existe, até mesmo, um episódio de Mandaloriano que repete a mesma sinopse, entretanto com outra roupagem, adaptado ao universo.

Em suma, Os Sete Samurais é uma obra com um legado extenso, que vai além do Cinema japonês, pois incita o estudo e o novo olhar para a história, cria personagens complexos com características muito cativantes e, sendo muito inspirado pelo livro A arte da Guerra de Sun Tzo, fala sobre a guerra e suas perdas. É um filme histórico de um dos diretores mais marcantes do pós-guerra no Japão, talvez, ele não fosse o melhor exemplo do que era a Sétima Arte japonesa, mas com certeza foi um dos que mais chamou a atenção do mundo para o seu Cinema.

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Carlos Staff

Ahsoka Tano é uma personagem criada por George Lucas e Dave Filoni em 2008 para ser a Padawan do cavaleiro Jedi Anakin Skywalker, no primeiro e único filme animado de Star Wars até hoje. Em seguida, ela também se tornou protagonista do ótimo Star Wars: The Clone Wars, ganhando o carinho dos fãs e se tornando uma das figuras mais populares desse universo ao longo das sete temporadas da série animada.

Ahsoka e Filoni têm muito em comum. O atual diretor-executivo criativo da Lucasfilm foi convocado diretamente por Lucas para, primeiramente, comandar o departamento de animações da empresa. Foi nesse posto e nas suas diversas conversas com o produtor que ele foi evoluindo como roteirista e diretor, se estabelecendo como a principal mente criativa da franquia atualmente. Então, quem melhor do que Dave Filoni para comandar a série live-action de Ahsoka e nos contar uma história sobre mestres e aprendizes?

A produção se passa depois dos eventos finais de Star Wars: Rebels (outra ótima animação dirigida por Filoni), na qual Ahsoka, interpretada por Rosario Dawson, está em busca de conter apoiadores remanescentes do antigo Império Galáctico e daquele que é considerado o herdeiro dele, o desaparecido Grão Almirante Thrawn (Lars Mikkelsen), para impedir o início de uma nova guerra. Para essa missão, ela conta com a ajuda da mandaloriana Sabine Wren (Natasha Liu Bordizzo) e da general da Nova República Hera Syndulla (Mary Elizabeth Winstead), que além de Thrawn, procuram também o Jedi desaparecido Ezra Bridger (Eman Esfandi).

Ahsoka, nesse momento de sua vida, mais velha e madura, é mostrada como alguém solitária e muito relutante em contar com ajuda em suas missões. É mencionado que ela tentou fazer de Sabine sua Padawan por um momento, mas acabou não funcionando muito bem por todas a guerras e traumas que ela passou, incluindo o sentimento de culpa por ter ‘abandonado’ seu mestre Anakin Skywalker, que logo depois viraria Darth Vader. Dawson traz isso muito bem na sua atuação. Ahsoka, nos primeiros episódios, continua tendo os jeitos e características que conhecemos de suas versões mais jovens nas animações, mas que, ao mesmo tempo, parece ainda impactada por tudo aquilo que vivenciou.

Desse ponto de partida, o roteiro da série desenvolve a personagem principal ao longo dos episódios, com destaque para o quinto, Guerreiro das Sombras, que pode ser considerado o ápice da série. Logo após falhar em pegar o mapa que levava até Ezra e Thrawn e ter sido derrotada por Baylan Skoll, Ahsoka cai no mar e desaparece. No entanto, vemos que ela reaparece em outro lugar completamente diferente. A protagonista estava no Mundo Entre Mundos, um lugar com forte conexão com a força, onde é possível ver todos os eventos passados, mas que não podem ser alterados. Lá, ela encontra o seu antigo mestre Anakin, interpretado novamente por Hayden Christensen, encarando o seu passado e recebendo uma última lição.

O conceito do Mundo Entre Mundos poderia ser melhor explicado e detalhado na série, mas isso não tira os méritos da sua boa execução. O encontro entre Ahsoka e Anakin não é apenas um mero ‘fan service’ para agradar e mexer com as emoções do público. Ele é importante para o desenvolvimento do seriado, sendo um momento de grande mudança para a togruta na sua jornada. E isso é um dos pontos positivos da produção, que não opta por um caminho que talvez fosse mais seguro se apenas colocasse elementos e personagens já estabelecidos em outras obras confiando na sua popularidade somente, mas faz com que eles sejam cruciais ao longo da história e evoluam os arcos contados.

Sabine Wren também é uma das grandes peças da trama. Uma das protagonistas de Rebels, ela se encarrega de procurar o seu amigo Ezra Bridger como prometido, custe o que custar. A novidade agora é que ela também começou a treinar o uso da força, além de continuar praticando para duelos de sabres. Tornar Wren uma Jedi talvez tenha sido uma das principais apostas de Dave Filoni no roteiro e que acabou dando certo, podendo ser uma história a ser melhor explorada em outros momentos. Vale lembrar que durante a saga até então só existia apenas um registro de um Jedi mandaloriano em toda a história da galáxia.

A escolha dela ser a Padawan de Ahsoka se justifica ainda mais, principalmente se lembrarmos de como foi o seu rápido treinamento com Kanan Jarrus, onde vemos o seu passado e dilemas internos sendo explorados. Ambas têm características muito parecidas – com Wren lembrando Tano nos seus primeiros anos de treinamento –, o que gera muitos embates, mas no fim elas acabam aprendendo juntas e por isso funcionam tão bem como uma dupla. A trajetória da artista é muito importante para as escolhas que ela toma ao longo dos episódios e é muito interessante ver como a construção dela caminha para o seu amadurecimento no fim da temporada. E a atuação da Natasha Liu Bordizzo é excelente: ela e Rosario Dawson possuem uma ótima química nos momentos em que contracenam juntas, tornando Sabine uma das melhores personagens da série.

No meio do confronto entre República e Império, existem dois novos personagens introduzidos e que possuem um excelente desenvolvimento ao longo dos episódios. Baylan Skoll (Ray Stevenson) é um ex-Jedi totalmente desacreditado com a Ordem e alguns de seus conceitos após o fim das Guerras Clônicas, que acaba virando um mercenário. Ao seu lado está a sua aprendiz, Shin Hati (Ivanna Sakhno). Ambos foram contratados por Morgan Elsbeth (Diana Lee Inosanto) para buscarem o mapa que os leva até o planeta onde está Thrawn e impedir qualquer ameaça aos seus planos, mas Baylan procura algo além que o está chamando.

Baylan Skoll brilha em praticamente todas as cenas em que aparece. Ele se sente alguém distante da eterna disputa entre Jedis e Siths e, como testemunha, quer acabar com esse ciclo de alternância. Mesmo quando questionado por sua aprendiz Shin sobre como era a Ordem e se ele sentia saudades ou sobre como a aliança deles com Thrawn pode ser benéfico para chegarem ao poder, Baylan sempre tenta manter uma posição sóbria em relação aos seus pensamentos, embora os sentimentos balancem por dentro.

É uma pena que ele e Shin Hati tenham perdido espaço da metade da temporada até o final com a chegada de Thrawn – que é um excelente vilão –, assumindo o papel de antagonista. A série deu pistas do que pode vir a seguir em uma continuação, mas é triste também que não veremos mais o falecido ator Ray Stevenson dando continuidade ao seu excelente trabalho. Ele conseguiu trazer uma identidade única para Skoll, sendo capaz até de segurar o papel de opositor a Tano sozinho se fosse o caso, e poderia ter sido mais aproveitado pelo roteiro.

Se Andor foca na política da galáxia e The Mandalorian se sustenta na aventura, Ahsoka encontra sua assinatura ao explorar o lado fantástico e mitológico desse universo. Desde os tradicionais duelos de sabres de luz muito bem enquadrados e coreografados, passando pelo uso da força para se comunicar com baleias espaciais até as Grandes Mães usando de seu poder para controlar Stormtroopers zumbis, é possível ter uma noção do quão acertada é a identidade proposta para a série. Os diretores conseguiram executar essa temática de maneira certeira dentro das ideias previstas no roteiro de Dave Filoni, que tem em si uma grande essência daquilo que Star Wars tem de melhor.

Mas é bem verdade também que algumas dessas ideias poderiam ter sido diferentes, como a reta final da temporada, que tenta amarrar a história de uma maneira muito acelerada e com um ritmo diferente do que vinha sendo até então. É entendível também que essa é uma jogada para que assuntos ainda não resolvidos possam ser explorados ainda mais no futuro, o que gera grandes expectativas a partir de agora. Ahsoka pode não ser excelente como Andor, mas certamente é a melhor série desse universo depois da anterior e se posiciona entre as grandes histórias contadas na saga.

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Guilherme Dias Siqueira 

A julgar pelo desempenho de seus contemporâneos, a chegada de Andor (2023) era esperada com um certo receio, já que Star Wars não estava em seu melhor momento em termos de crítica. Desde os malabarismos de roteiro de A Ascensão Skywalker, não havia grande expectativa com a franquia. A série Obi-Wan Kenobi (2022), sua precedente imediata, também não sustentou boas opiniões. Porém, não se pode negar a existência de verdadeiras joias no Disney+, como O Mandaloriano e Star Wars: Visions, produtos que parecem ter experimentado mais carinho de seus diretores e roteiristas do que apenas um apetite comercial.

Em Andor, a história aborda as origens de Cassian Andor (Diego Luna), deuteragonista do filme Rogue One: Uma História Star Wars (2016), quando o conhecemos como um agente secreto da aliança rebelde. No longa, ele tem o objetivo de desvendar os segredos da terrível arma de destruição em massa do Império Galático, a Estrela da Morte. Cassian é uma pessoa marginalizada pela galáxia muito antes de se envolver em qualquer batalha: como um refugiado do planeta Kenari, ele leva uma vida problemática em Ferrix, um planeta industrial completamente dominado por uma gigantesca corporação, ao lado de sua tutora e mentora Maarva (Fiona Shaw).

Desde sempre, Star Wars pretendeu ser uma obra divertida e de certa forma não ambiciosa demais. George Lucas, criador da saga, já declarou que esse universo nunca abandonaria o público infantojuvenil. No entanto, também é verdade que a política foi fundamental para o desenvolvimento da franquia: em meados dos anos 1970, a Guerra Fria pairava sob Hollywood e, por mais que se tentasse escapar por meio de ficções científicas e filmes de fantasia e aventura, o campo gravitacional das tensões geopolíticas atraia para si qualquer produção. Cabia aos autores apenas a decisão de propagandear em prol da hegemonia americana ou expressar um ponto de vista crítico ao intervencionismo.

Logo em Star Wars: Episódio IV – Uma Nova Esperança (1977), o filme inicial da saga, Lucas já deixava claro que a ideia de um pequeno grupo de rebeldes derrotando um império de força militar descomunal ressoava os resultados da guerra do Vietnã. A franquia ainda foi mais longe durante as prequels dos anos 1990 que, por muitas vezes, serviram de alegoria para a derrota da democracia em países como a Alemanha dos anos 1930.

Andor é extremamente madura. Sua relação com conceitos políticos extravasa a mera metáfora e a transforma em reflexão filosófica. Nisso, a frase de Karis Nemik (Alex Lawther) – “O ritmo da repressão supera nossa capacidade de entendê-la” – faz jus ao modo de representar a opressão do regime imperial, como um sistema vivo que busca destruir a oposição para sobreviver e, ao mesmo tempo, se reproduzir em corações e mentes – “sistemas mudam ou morrem”. Além disso, os antagonistas da série não são um simples exército genérico. O ISB é a organização de inteligência e espionagem do Império, representada pela astuta Dedra Meero (Denise Gough), que não utiliza só força bruta como também estratégias traiçoeiras em um jogo de ‘gato e rato’ com os rebeldes.

A rebelião, por sua vez, é profundamente analisada pelos motivos que levaram os personagens a abandonar suas vidas comuns, que variam da filosofia política, ou os que lutam por um familiar ou um amigo. A humanização de todos os personagens é um ponto-chave na minissérie, com suas relações familiares e comunidades servindo de ponte para o desenvolvimento da trama.

As atuações de Andor são extremamente precisas, com Andy Serkis e Genevieve O’ Reilly se destacando em seus papéis. Ele é o prisioneiro relutante Kino Loy, um homem que a pressão e o trauma fizeram se tornar em um quase colaborador do Império. Já ela é Mon Mothma, a principal financiadora e líder da aliança rebelde, que precisa sacrificar muito de sua vida política e pessoal. A personagem é apresentada como uma senadora desde à República e que, agora, nos tempos sombrios, já cansada de ser ignorada ao protestar pelos meios oficiais, está disposta a muita coisa para se livrar da opressão.

Outras atuações fundamentais são as de Stellan Skarsgård, que interpreta Luthen Rael, um rebelde que leva uma vida dupla como um vendedor de antiguidades. O ator entrega para o público discursos fortes e grande ambiguidade moral à medida que muitas de suas ações abrem mão de valores éticos pelo bem da causa maior.

A direção de Andor busca um realismo extraordinário e, para isso, o foco da produção desvia dos grandes set pieces e foca em detalhes que não são muito explorados no Cinema. O que as pessoas desta galáxia comem? Como se relacionam com seu emprego? Sua família? Essas são perguntas que se respondem não só com o roteiro de Tony Gilroy e Stephen Schiff, mas também com a direção de nomes como Benjamin Caron, Toby Haynes e Susanna White, que preenche essas lacunas, usando o próprio cenário em que circulam os personagens. Frequentemente os vemos comendo, bebendo e trabalhando, pormenores que ajudam na imersão em um universo cheio de seres e conceitos alheios à nossa realidade.   

Ainda neste aspecto, a equipe de direção de arte e a cinematografia de Damián García também se aproveitam muito da perspectiva, uma vez que até as menores naves espaciais são grandes ameaças quando se está ‘à pé’. Na série, os planetas e a própria galáxia se mostram incomensuráveis perto das pessoas que os habitam, algo demonstrado em um roteiro que – fora alguns mundos muito importantes para o contexto político como Coruscant – cria novos lugares, se distanciando dos fanservices de outras séries recentes.

Não por menos, a primeira temporada de Andor foi indicada ao prêmio de Melhor Série de Drama no Emmy 2023. A força dos concorrentes é enorme: entre eles estão a multi-indicada Succession, além das também gigantes da HBO, The Last of Us, A Casa do Dragão e The White Lotus assim como Better Call Saul, The Crown e Yellowjackets. Apesar do seriado não ser o favorito e talvez nem estar entre as mais plausíveis campeãs, ela conquistou esse lugar com um bom nível de qualidade e esmero que torna sua indicação muito mais que merecida.

A série garantiu ainda outras sete indicações, como as técnicas Música de Abertura, para o compositor Nicholas Britell, Melhor Edição de Som para o episódio O olho, e Efeitos Visuais em Temporada ou Filme. Benjamin Caron concorre na categoria Melhor Direção em Série de Drama pelo 12º e último episódio da temporada, Rix Road, que também levou Damián García a disputar Melhor Cinematografia e Nicholas Britell a ser indicado por Melhor Composição Musical. O roteiro do capítulo Só uma saída, de responsabilidade de Beau Willimon, concorre como Melhor Roteiro em Série de Drama.

As indicações de Andor, quando combinadas à Obi-Wan Kenobi e O Mandaloriano, somam mais de 20 menções para o universo Star Wars só este ano. Isto mostra que a franquia, mesmo veterana tanto no Cinema, quanto na TV e agora no streaming, ainda é capaz de produzir histórias interessantes que podem ir da clássica aventura ao drama. Não importa por quantos gêneros passe, dos mais diversos possíveis, a saga continua sem perder sua essência e seu espírito de desbravamento do novo.

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Gabriela Bita

Com um começo lento, mas intrigante, e um final explosivo, a terceira temporada de The Mandalorian apresenta força suficiente para, assim como as anteriores, concorrer ao Emmy de 2023. Contando com uma produção visual de tirar o fôlego, os oito novos episódios apresentam um foco diferente — mas muito bem explorado e desenvolvido — do observado anteriormente, o que pode causar um estranhamento inicial para os admiradores da história. Nessa nova fase, continuamos a ser presenteados com a fofura de Grogu e partimos com ele e seu mentor em busca da redenção do Mandaloriano nas minas de seu planeta natal.

Logo nos primeiros minutos, Grogu e Din Djarin (Pedro Pascal) estão juntos em mais uma aventura, o que causa uma leve confusão ao público, já que, no último episódio da segunda temporada, vemos o pequeno ser levado por Luke Skywalker (Mark Hamill) para aprender a ser um Jedi. É nesse ponto que o roteiro começa a pecar fortemente, pois os acontecimentos entre o final do último capítulo de 2020 e o começo do primeiro de 2023 são mostrados apenas na nova série – pouco aclamada pelos fãs – do universo de Star Wars, O Livro de Boba Fett.

Após diversas produções extras do universo intergaláctico, a história de Fett era mais do que aguardada. Afinal, qual padawan não estava ansioso para saber mais sobre o vilão que ajudou no sequestro do querido Han Solo em O Império Contra-Ataca? No entanto, assim como para o Império, a queda veio para a série desenvolvida em recordações. Poucos foram os que deram uma chance e assistiram ao reencontro de Djarin e sua criança — aparentemente os dois episódios, mesmo sendo o ponto alto da narrativa, não foram suficientes para conquistar a audiência.

Sendo assim, é inevitável a sensação de falta de contexto entre os fatos, que não é superada com os meros cinco minutos de flashbacks acrescentados em migalhas para o público durante uma simples lembrança de Grogu. No entanto, apesar do furo no roteiro de Jon Favreau, a trama segue seu rumo com Djarin buscando suas origens e uma forma de voltar a ser um Mandaloriano, enquanto, é claro, auxilia seus velhos amigos em outras questões e problemas que aparecem no meio de sua jornada.

Na aventura da vez, passamos a conhecer mais a fundo a história de Mandalore e, apesar da forte presença dos amados protagonistas, os novos capítulos focam em personagens secundários, como é o caso de Bo-Katan Kryze (Katee Sackhoff), que retorna para ajudar Mando e sua espécie a retomarem seu lar. As questões pessoais de Djarin são colocadas em segundo plano na terceira temporada e dão lugar ao desenvolvimento do próprio povo Mandaloriano. Até mesmo a relação entre o tutor e Grogu — apesar de continuar divertida e carregada de sentimentalismo — está mais voltada para o ensinamento da Doutrina.

Enquanto os Mandalorianos se reúnem, a Nova República atua para manter seu domínio após a queda do Império. No terceiro episódio, O Convertido, que parece não acrescentar em nada para história, passamos por Coruscant, capital da Nova República, na qual vemos um governo regido pela hipocrisia e não menos controlador do que o anterior. Assim, duas narrativas se desenvolvem uma de cada lado do universo, o que pode parecer estranho à primeira vista, mas é muito bem trabalhado por todo o enredo. Ao final, as histórias se colidem em uma grande explosão.

É impossível negar que um dos pontos altos da série é a participação especial da cantora Lizzo e do ator Jack Black nos papéis de Duquesa e Capitão Bombardier. Juntos, a ganhadora do Grammy de 2023 e o astro de Escola de Rock formam uma dupla excêntrica e divertida que atrai toda a atenção para si. Apesar de Black se destacar mais na parte técnica da atuação, a rapper americana não fica para trás e é visível sua paixão por Grogu, tanto enquanto personagem quanto fora das câmeras, o que deixa sua adição ao elenco ainda mais interessante.

Após se banhar nas Águas Vivas, lutar contra piratas e outras criaturas, Din e seu povo partem para Mandalore, onde um velho inimigo os espera para a luta final. Depois do quinto episódio,  intitulado O Pirata, The Mandalorian ganha um ritmo mais dinâmico, no entanto, a aparição de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) — depois de todo o suspense produzido —  por pouco não se tornou um tiro no próprio pé. O fato do vilão estar vivo já havia se tornado óbvio e sua grande entrada não foi nem um pouco grandiosa, chegando apenas nos últimos minutos para ter seu final concretizado nas mãos de Bo-Katan.

Se o antagonista não teve a presença que poderia, os protagonistas mostraram o motivo de serem tão aclamados pelo público. Em uma sucessão de cenas intensas e emocionantes, vemos tutor e aprendiz serem separados duas vezes, enquanto do lado de fora, a luta entre stormtroopers e Mandalorianos no planeta-mãe destruídos acontece desenfreadamente. É aqui que toda a criatividade e habilidade de Jon Favreau atingem seu ápice e fica claro as intenções do produtor ao escrever um roteiro no qual a temporada se desenvolve gradualmente.

Ao conhecer um pouco mais da história dos Mandalorianos e acompanhar Djarin ensinando ao garoto O Caminho, ver o mais velho e sua criança lutando lado a lado gera arrepios por todo o corpo. Quando Grogu, agora mais habilidoso com a Força, e Din salvam um ao outro, temos um pai fazendo de tudo para não perder seu filho e este encarando seus medos para salvar seu pai. Apesar de não contextualizar o reencontro de ambos e não se aprofundar em suas questões pessoais, a terceira temporada de The Mandalorian finaliza o arco da história dos personagens com êxito, oficializando a relação paternal entre os dois e nos deixando esperançosos para o que as próximas aventuras irão trazer.

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Nathan Nunes

Em 1952, o cultuado cineasta japonês Akira Kurosawa (Ran) lançou ao mundo Ikiru. 70 anos depois, o pouco conhecido diretor sul-africano Oliver Hermanus (O Rio Sem Fim) se reuniu ao vencedor do prêmio Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro, autor de best-sellers como Vestígios do Dia e Não Me Abandone Jamais, para prestar tributo ao longa original através de um remake chamado Living. O resultado dessa empreitada é sentido nas expressivas indicações do filme ao Oscar 2023 de Melhor Roteiro Adaptado para o escritor e Melhor Ator para Bill Nighy (Simplesmente Amor, Piratas do Caribe) no papel principal. 

Essa está longe de ser a primeira vez que um filme de Kurosawa é refeito para uma linguagem ocidental. Por Um Punhado de Dólares (1964), por exemplo, é um remake de Yojimbo (1961), enquanto Sete Homens e um Destino (1960) e Vida de Inseto (1998) ecoam diretamente Os Sete Samurais (1954). Até George Lucas diz ter se inspirado em A Fortaleza Escondida (1958) para conceber Uma Nova Esperança (1977). Contudo, é apenas agora que estamos presenciando o debute de Ikiru nessa mesma linha, pois a maioria dos realizadores sempre esteve ciente da grande dificuldade de adaptá-lo para uma nova roupagem. Felizmente, o tributo que Living faz ao clássico mantém a sua essência desde o nome, pois ambas as palavras titulares têm o mesmo significado em tradução: viver. 

Os cenários e o período histórico são evidentemente diferentes. Living troca o Japão pós-guerra onde se passa Ikiru pela Londres de 1953, no entanto, ambos se situam na mesma estafante burocracia do mercado de trabalho. No que tange a sua representação em cena, talvez o primeiro se saia melhor em como integra a cultura local com a sensação de aprisionamento do protagonista, ao se utilizar dos tradicionais costumes britânicos de educação e da finesse dos figurinos de Sandy Powell para surtir tal efeito. Ainda assim, tanto um quanto o outro recorrem ao mesmo recurso na direção de arte: o ambiente que sufoca os trabalhadores com pilhas gigantes de documentos ao redor.

Independente da época de produção, fato é que a história naturalmente começa se voltando para um olhar bastante pessimista da burocracia como uma sugadora de almas. Para ilustrar esse ponto, acompanhamos as diversas tentativas de um grupo de mulheres para conseguir aprovar a construção de um parque infantil numa região desolada de Londres. O que se sucede é uma rápida edição de movimento entre um setor e outro, cujas transições laterais (que também aparecem em Star Wars até hoje), organizadas pelo montador Chris Wyatt em Living, prestam homenagem as mesmas que Koichi Iwashita organizou em Ikiru.

Logo nos primeiros minutos de imersão dentro desse universo, somos introduzidos ao personagem principal, um homem idoso que dedicou grande parte de sua vida aos mecanismos do trabalho e se esqueceu de vivê-la no decorrer dos anos. Essa noção fica clara com o diagnóstico de uma doença terminal, que o condena a poucos meses de vida. A cena da descoberta dessa fatalidade funciona como um meio para entendermos a dicotomia entre os filmes. 

Em Ikiru, o recebimento dessa notícia pelo burocrata Kanji Watanabe vem acompanhado de uma grande dramaticidade, onde o intérprete Takashi Shimura (Rashomon) incorpora fortes e notáveis expressões de medo e angústia. Já em Living, o protagonista, aqui chamado Rodney Williams, reage de maneira melancólica e triste, mas menos intensa. Imediatamente, a câmera de Hermanus o captura quieto nas sombras de sua sala de estar, como se estivesse completamente engolido por esses sentimentos. 

Toda obra artística é produto do seu tempo e, assim sendo, do seu próprio Cinema. O longa de Kurosawa, por exemplo, é carregado de uma teatralidade que remete às raízes do texto na literatura de Tolstói (A Morte de Ivan Ilitch é a maior referência). Além disso, também toma liberdades mais expressivas. Uma delas é a poética, através do uso da narração para situar o espectador no estado de espírito do protagonista, nos confidenciando a informação de sua iminente morte antes mesmo dele ter conhecimento dela. A outra é a comercial, tendo em vista a sua longa duração com  ritmo lento, que naturalmente afasta as gerações mais novas. 

O remake de Hermanus opta por um caminho oposto, apesar de ainda manter essa notável qualidade poética. Ela se faz presente na trilha sonora melódica de Emilie Levienaise-Farrouch e na cinematografia de Jamie D. Ramsay, que transita brilhantemente entre a dor da escuridão, o calor da boemia e o sentimento pitoresco de aproveitar um belo passeio no parque. Por outro lado, existe uma concisão tão forte na forma como os temas são explorados que os impede de ecoar de modo tão complexo quanto o clássico. O melhor representante disso são os minutos de farra de Williams nas noitadas londrinas ao lado do Sr. Sutherland de Tom Burke, que são comprimidos em breves montagens. 

Ainda assim, as aspirações mais sutis de Living não deixam de ter eficiência própria. A cena do jantar entre Williams, seu filho Michael (Barney Fishwick) e sua nora Fiona (Patsy Ferran) é um ótimo exemplo disso. Desde o início, onde vemos Nighy treinando em frente ao espelho para revelar a verdade e falhando, até o desfecho, em que o silêncio prevalece sobre a mesa e o design de som faz rugir cada tilintar dos talheres nos pratos, sente-se perfeitamente o desconforto e as tensões entre os três, tão acumuladas que o simples gesto de pegar uma colher de comida fala mais alto que suas vozes. 

Essas sutilezas são a base da interpretação de Nighy e fazem valer a sua indicação ao Oscar. O ator britânico trabalha com gestos muito delicados ao longo de toda rodagem, seja em sua fala vagarosa ou em sua hiper postura de cavalheiro inglês. Contudo, há de ser dito que nenhum elemento de sua performance é tão fascinante quanto o seu olhar, principalmente em uma de suas últimas conversas com a amiga Margaret Harris (Aimee Lou Wood), onde ele finalmente se abre sobre o estado de sua saúde. No decorrer da cena, percebemos a transformação orgânica de seu olhar, conforme ele se conforma com a inevitabilidade de seu desfecho e retoma o ânimo para aproveitar o pouco que lhe resta de vida. 

O que se segue, a partir daí, é um terço final que esmiúça as memórias de seus companheiros de trabalho sobre sua vida e personalidade. Enquanto todos os burocratas sufocados por ternos e gravatas chiques tentam chegar a uma explicação lógica para o legado que o protagonista deixou, somos pouco a pouco apresentados a uma imagem belíssima e contemplativa. 

Ela acontece no parque que tanto Williams em Living, quanto Watanabe em Ikiru construíram para as crianças de um bairro carente, conforme os desejos das mulheres que foram apresentadas nos minutos iniciais. Isolados em meio a neve, eles permanecem cantando e sentados em um balanço, num contexto extremamente interessante metaforicamente falando. São homens à beira do fim de suas vidas, que escolheram morrer num local que é símbolo de seus estágios iniciais. A cena encanta na sua versão de 52, e também na atual. Logo, percebemos que, independente do momento histórico, de escolhas estilísticas e de diferentes abordagens cinematográficas, a importância de Viver continua a mesma. 

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Gustavo Alexandreli

A primeira temporada de O Livro de Boba Fett estreou no catálogo do Disney+ em 29 de dezembro de 2021. Chegando já na virada do ano, a produção marcou não somente o novo ciclo, como também a primeira das apostas para as séries do universo Star Wars em 2022. No semestre inicial, a saga apresentada pela franquia no streaming foi a de Obi-Wan Kenobi, com o protagonista homônimo interpretado por Ewan McGregor. Já em setembro será a vez de Andor, cujo personagem principal será novamente protagonizado por Diego Luna. A coincidência entre ambas produções é que todas trazem a história de uma figura com passagem em histórias anteriores.

Obi-Wan Kenobi teve sua primeira aparição em 1977, em Uma Nova Esperança, e possui relação ainda mais identificada com o público por conta do tempo. A presença de Cassian Andor é mais recente: chegou em 2016 em Rogue One para fechar uma ponta solta da história, aberta entre os capítulos III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV, filme que deu início à saga. Por fim, no caso de Boba Fett, o caçador de recompensas apareceu pela primeira vez  em 1980, em O Império Contra-Ataca. Na série homônima do vilão, a franquia Star Wars, que obteve extremo sucesso com The Mandalorian (2019), apresenta a volta de Fett (Temuera Morrison). A sua trajetória é feita na cidade arenosa de Tatooine, trazendo à tona peças conhecidas, como o palácio de Jabba e também a sua nave, agora com um formato diferente do usual.

Na primeira aparição de Boba nos filmes, ele trabalhou para Jabba The Hutt, inclusive participando no sequestro de Han Solo e Leia. Em The Book of Boba Fett, porém, o personagem chega ao local com novos propósitos e uma trajetória de pacificidade bastante longa. Dividida em sete episódios, a obra entrega ao público as devidas explicações sobre como o agora piedoso vilão sobreviveu às ameaças enfrentadas no poço de Sarlacc e outras das suas aventuras. O retorno, no entanto, se deu na segunda temporada de The Mandalorian. Na ocasião, Boba buscava por outra peça chave de sua história: seu traje

Apesar disso, a série que carrega o nome daquele que deveria ser o personagem principal acaba escorregando entre flashbacks e misturas com a trajetória do que viveu o mandaloriano. A produção anterior, que se tornou um fenômeno, anda mais perto do que deveria. Embora não haja um grande brilhantismo individual, O Livro de Boba Fett possui lampejos de boas produções. Por definição, é uma série com a essência Star Wars, porém comum.

A essência de The Book of Boba Fett pode ser traduzida nas indicações ao Emmy que a série recebeu. Das surpreendentes quatro categorias indicadas, todas em aspectos técnicos, inicialmente vale o destaque para Melhor Coordenação de Acrobacias em Série de Drama, Limitada ou Antologia ou Telefilme, para JJ Dashnaw, e também para Melhores Efeitos Visuais em uma Temporada ou Telefilme. Nesses dois aspectos, de fato, não há decepções. A produção saiu como a vencedora na categoria que premia os melhores efeitos durante a temporada. Já na primeira, quem levou a melhor foi Stranger Things, recebendo 5 estatuetas no total. No entanto, também vale ressaltar que a série de Boba Fett chegou ao Oscar da TV com vinte indicações a menos que a saga do Mandaloriano – recordista do ano em que participou.

Produzida por Jon Favreau e Dave Filoni, O Livro de Boba Fett não possui um roteiro ruim, porém deixa a desejar na narrativa do próprio vilão. Por conta disso, assim como fazem as premiações, é melhor ressaltar a técnica. Sob o comando de Ludwig Göransson, a trilha sonora é um show à parte. Desde a entrega na música tema e a passagem do capítulo de estreia, Um Estranho Numa Terra Estranha, é possível ter a certeza que esse será um dos pontos altos da série. No Emmy 2022, o capítulo 6, Do Deserto Vem Um Estranho, é quem carregou a indicação como Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama, apesar do prêmio ter ficado com o Disney+, na franquia vizinha. Cavaleiro da Lua, da Marvel Studios, saiu vencedora.

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Laura Hirata-Vale

Star Wars: Visions, a fascinante nova aposta da Lucasfilm Ltd., possui nove episódios, nove histórias e nove estilos de animação diferentes. Lançada em setembro de 2021, os desenhos vão de traços fortes em preto e branco a traços suaves em cores vivas e cores pastéis, e de episódios musicais e fofos a outros com vários plot-twists. Feita em parceria com sete estúdios produtores, a antologia conta jornadas de novos personagens do universo de Guerra das Estrelas, ao mesmo tempo em que celebra a essência da saga. A obra é um prato cheio que pode apetecer vários gostos.

Por ser uma série derivada de uma grande produção cinematográfica, entregar uma temporada inteira feita em anime é algo que dá ainda mais força para a popularização desse gênero e de seus estilos. A forma que Star Wars: Visions realiza essa proposta também é genial. Com a participação de estúdios importantes, como a Production I.G, que fez Haikyuu e Ghost in the Shell, e a Trigger, produtora de Little Witch Academia, o Disney+ inova ao trazer histórias tão diferentes, mas que funcionam tão bem em conjunto. 

É impressionante a maneira como Star Wars: Visions propõe um novo olhar sobre o universo. A produção não se importa com o cânone, mas, ao mesmo tempo, mantém elementos marcantes das histórias originais. O episódio Balada de Tatooine nos proporciona um reencontro com os personagens Jabba, o Hutt e Boba Fett. Acompanhado de uma trilha sonora eletrizante, o capítulo traz a crônica de uma pequena banda, que nos mostra como o poder da música é capaz de mudar opiniões que pareciam ser imutáveis. 

Além disso, durante o terceiro episódio da série, Os Gêmeos, podemos novamente assistir o clássico e lindo pôr dos sóis no planeta Tatooine. É nele que conhecemos a história de Karre e Am, criados para ‘levarem ordem à toda galáxia’ – uma releitura dos irmãos Leia Organa e Luke Skywalker-, e também vemos as versões ‘do mal’ dos droids R2-D2 e C-3PO. Para completar a nostalgia, as questões sobre os lados da Força também são revisitadas nos episódios Lop & Ochô, O Nono Jedi e O Ancião.

Porém, apesar de todo o trabalho feito ao longo da série, o grande destaque permanece em seu primeiro episódio, O Duelo. O capítulo, com seus traços e riscos em preto e branco, entrelaçados por alguns toques de cor – principalmente nos sabres de luz -, conta a história de um viajante misterioso que chega em uma vila pouco antes desta ser invadida por perigosos intrusos. No desenrolar da trama, o homem se revela um Sith, luta e derrota os invasores. Dessa forma, ele acaba defendendo a aldeia e levanta dúvidas clássicas do universo de Star Wars: o que é fazer o bem e o que é fazer o mal. 

O episódio piloto foi feito pelo estúdio Kamikaze Douga, produtor das aberturas das três primeiras temporadas de Jojo’s Bizarre Adventure e pelo filme Batman Ninja. Escrito por Mitsuyasu Sakai e dirigido por Takanobu Mizuno, O Duelo recebeu a primeira indicação de Star Wars: Visions ao Emmy, na categoria Melhor Programa Curto de Animação. A produção começa, então, a seguir os passos de sua irmã mais velha, The Mandalorian, que já foi indicada 39 vezes – incluindo como Melhor Série de Drama e Melhor Direção em Drama -, além de já ter levado para casa 14 estatuetas da premiação técnica. Outra produção do mesmo universo que também recebeu indicações esse ano foi a série O Livro de Boba Fett, que concorre em quatro categorias técnicas. 

Star Wars: Visions é, em sua essência, o retorno das inspirações de George Lucas. No passado, o produtor e diretor foi influenciado pelos elementos de filmes japoneses sobre samurais para contar a história da saga principal. Agora, estúdios nipônicos se inspiram no trabalho de Lucas para a produção dos curtas. A estrada de influências, a partir desse momento, é de mão dupla, ou seja, vai e volta. Visions é uma série que une o universo intergalático com o dos animes de uma forma linda, tocante, emocionante e reflexiva. A animação apresenta algumas aventuras mais simples e outras mais complexas, sem sair dos eixos filosóficos de Star Wars, como o uso da Força e seus lados. 

A antologia está na espera de sua segunda temporada, que tem data prevista para o primeiro semestre de 2023. Nela, descobriremos novas histórias, novos estilos de animação – já que a proposta da vez será ter mais estilos além do anime -, novas representações e reinterpretações desse universo cheio de raios laser, sabres de luz, droids, naves espaciais, estrelas e, é claro, que nos lembra sempre de que ‘a Força está conosco’.

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Gustavo Alexandreli

Se você gosta ou já ouviu falar da saga Star Wars, sabe que compreender a cronologia é um grande desafio, até mesmo para os fãs mais apaixonados. Com Rogue One: Uma História Star Wars, lançado em dezembro de 2016, não é diferente. Para entender a jornada de Jyn Erso (Felicity Jones), é necessário voltar mais de uma década e encaixar a história rebelde deste spin-off, o primeiro de Star Wars, entre os eventos dos episódios III (A Vingança dos Sith, de 2005) e IV (Uma Nova Esperança, de 1977).

Com direção do britânico Gareth Edwards, a trama se inicia quando o notável cientista Galen Erso (Mads Mikkelsen) é levado à força por um Esquadrão Imperial e seu líder para finalizar a construção da Estrela da Morte – arma destruidora de planetas –, e sua filha, Jyn Erso, ainda criança é deixada para ser resgatada pelo líder Saw Gerrera (Forest Whitaker) – que não possui sua primeira aparição do universo Star Wars neste filme.

A primeira vez que o vimos foi na animação Star Wars: The Clone Wars, lançada em 2008, que se passa na Era Republicana. O personagem reaparece em Star Wars Rebels, sequência de 2014, já na Era Rebelde – a mesma de Rogue One, em mais uma demonstração do quão extenso é o universo e a cronologia desta franquia. A saga ainda possui em seu horizonte após Rogue One ao menos 7 produções já disponíveis e receberá ainda nos próximos anos conteúdos que foram anunciados durante Disney Investor Day, em 2020.

Após essa breve introdução, Jyn Erso, agora adulta, está presa pelo Império e escondida sob um pseudônimo, enquanto a Aliança Rebelde busca por informações de um suposto piloto desertor enviado por Galen. Ambientado em diversas áreas, inicialmente Rogue One transita muito rapidamente entre as várias cidades, luas, campos e espaços. Com fotografia sob direção do experiente Greig Fraser, é de ressaltar a alta qualidade deste quesito.

Após saber destas informações, o filme não possui muito aprofundamento e segue com a caça por parte da inteligência rebelde em não perder as esperanças de deter a tão temida Arma Imperial. Jyn, agora sob controle da rebelião, é crucial para a missão por conta do sobrenome que carrega. A garota, no entanto, participa ativamente da missão e os acompanha nos diferentes espaços. Possuindo voz forte em decisões que norteiam a rebelião, ela chega ao comando do grupo em conflitos determinantes, fugindo do fardo de ser apenas a portadora do sobrenome.

Os inúmeros conflitos, ambientados desde espionagem até roubos, não possuem elementos conhecidos como os sabres de luz ou a presença da Força dos Jedis e do Lado Sombrio, pois Rogue One se passa pelos esforços daqueles que lutaram pela rebelião para termos “Uma Nova Esperança”. A luta perdura muito mais por questões políticas do que em torno da Força – o que não significa abandono aos elementos base, que, a partir de referências sutis, trazem essa lembrança dos outros filmes da franquia.

Este objeto político durante toda a saga Star Wars sempre se faz muito presente, mas é neste filme que, durante o último suspiro, nos faz pensar para além de apenas uma guerra – indo desde o ideal revolucionário, até mesmo como parte da sua própria vida. As desavenças políticas, o poder de escolha ou não, tornam-se mais do que somente parte da obra.

Rogue One não é a melhor, mas sem dúvidas é uma das melhores produções recentes da saga Star Wars. O roteiro de Rogue One preenche com honra o legado dos que lutaram pela rebelião. Poderia ser simplesmente mais um filme de guerra, mas, ao final, entrega muita luta e esperança para se manter firme em roubar os planos da Estrela da Morte, essenciais na sequência da aventura de Luke Skywalker. O último ato rebelde se dá em uma intensa batalha no planeta Scarif onde a missão se encerra, porém, ainda revela, em seus últimos 3 minutos, um fim dramático e impressionante para uma rebelião contra o Imperador Darth Vader.

Mesmo estando situado entre filmes longínquos – tanto 1977 quanto 2005 –, Rogue One: Uma História Star Wars é a esperança anterior a tudo que a rebelião e os Jedis, quando presentes dentro dos filmes sequenciais da franquia, prosseguem. Atualmente, após 5 anos de sua chegada, a obra ainda preenche parte essencial no universo Guerra nas Estrelas, com um pouco mais de profundidade na história daqueles que não possuíam sabres nas mãos.

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