Mariana Nicastro e Nathan Sampaio

Há cinco anos, nos cinemas, Bill, Beverly, Ben, Eddie, Richie, Stanley e Mike deram as mãos em círculo e selaram a promessa de que voltariam a Derry se Pennywise também retornasse. O tal The Losers Club, Clube dos Perdedores ou Clube dos Otários ensinou valores como amizade, lealdade e coragem, e It – A Coisa marcou a cultura pop com um filme que equilibra medo e encanto com maestria. 

Baseado no livro de Horror do rei do gênero literário, Stephen King, autor de O Iluminado, Carrie, O Cemitério e outras obras famosíssimas que já tiveram suas adaptações para os cinemas, em setembro de 2017 foi o ano de It – A Coisa ganhar um novo longa, distribuído pela Warner Bros. Pictures. ‘Novo’, já que a obra foi adaptada algumas vezes no passado, como na série de televisão It (1990), protagonizada pelo palhaço assassino de Tim Curry.

Dividindo a história do livro em dois filmes, o longa-metragem estadunidense difere-se da adaptação noventista ao representar apenas a parcela da trama que se passa na juventude dos personagens. It – A Coisa se inicia com Bill Denbrough (Jaeden Martell) buscando Georgie, o irmão desaparecido, junto de seus amigos, enquanto um mal existente há séculos na cidadezinha de Derry, no Maine, retorna e assombra a região amaldiçoada. 

A direção de Andy Muschietti, responsável pelos longas Mama (2013) e o futuro – e incerto – The Flash, é habilidosa e fornece toneladas de nostalgia misturadas a um Terror sobrenatural. Isso porque It é eficaz ao desenvolver excepcionalmente seus protagonistas carismáticos, pertencentes ao final dos anos oitenta, em um misto de referências, parcerias e amores restritos à fase da pré-adolescência. Em um momento em que tudo é infinito, os amigos são eternos e há energia, pureza e criatividade suficientes para derrotar os mais tenebrosos monstros. 

Desses monstros, Derry carregava um dos piores, que sentia fome a cada vinte e sete anos e saía para caçar. Se alimentando de medo e carne humana, a Coisa é uma das criaturas mais assustadoras e interessantes escritas por King, maravilhosamente representada na Sétima Arte. Rondando principalmente crianças, presas mais fáceis, a entidade transmorfa cria cenários visíveis apenas para suas vítimas, transformados as naquilo que elas temem. Se os jovens têm medo de palhaços, a Coisa torna-se o mais macabro deles. 

E é nesse contexto de ataques e desaparecimentos de crianças que o Clube dos Otários se reúne para compartilhar experiências e decide investigar e impedir que mais ‘Georgies’ desapareçam, e mais famílias fiquem desamparadas. O filme embarca em uma aventura bizarra, com os membros do grupo sendo pessoalmente atacados e obrigados a enfrentarem seus medos enquanto lutam contra problemas pessoais e encontram refúgio uns nos outros. 

Com uma fórmula parcialmente retirada do livro, e parcialmente adequada para um filme de horror sobrenatural mais tradicional, o roteiro de Cary Fukunaga, Gary Dauberman e Chase Palmer segue uma sequência de ataques viscerais por Derry e encontros das crianças com a Coisa, encarnada no palhaço dançarino Pennywise (Bill Skarsgård). Se o grupo de atores mirins é a alma do filme, Skarsgård é o coração, que bombeia energia para cada cena montada pela direção, com sua atuação minuciosa e apavorante em cada detalhe, elogiada até mesmo pelo próprio Stephen King.

Seja em seus olhares alaranjados intensos e famintos, em seu modo de falar misterioso e excêntrico ou em suas expressões horripilantes que sobrevivem às camadas pesadas de maquiagem, a composição do vilão criada por Skarsgård é impressionante. A caracterização bizarra se destaca das versões anteriores da criatura, com mais traços monstruosos e deformados que as demais, reforçando a ideia de que Pennywise tem aspectos do que um dia foi um palhaço, mas está longe de ser algo próximo a um humano. E a violência e ferocidade da Coisa dão um toque gore à obra que, apesar de protagonizada por crianças, exige uma maturidade para ser assistida, evidenciada pelo plano sequência inicial, nada sutil.

Suas aparições são sempre marcantes, mesmo que a regra usada para assustar se torne batida ao longo de It: A Coisa, quando usada repetidas vezes. Em uma investigação à la Scooby-Doo, as crianças perseguem o sequestrador de Georgie por casas assombradas e esgotos, com uma coragem incitada pela união do grupo. Aproveitando-se da audácia infantil, Pennywise manipula a realidade de cada uma com seus truques para atraí-las até sua teia de aranha e fisgar suas presas. 

Ainda que o método de ataque da Coisa siga uma ideia comum e termine – quase – sempre com os protagonistas escapando, os eventos são inventivos e envolventes. Muito disso se deve ao caráter sobrenatural do vilão, que faz cada aparição sua ser diferente da anterior. Somados à preocupação do público para com os membros do Clube dos Otários, decorrente de uma boa introdução e apresentação de cada um deles, e a atuação impecavelmente medonha de Skarsgård, as cenas são cativantes, angustiantes e movem o terror. 

Para que o palhaço se tornasse icônico, não bastaria apenas a atuação, seria necessário também um visual marcante. Sarah Craig e Linda Dowds, responsáveis pela maquiagem do filme, fizeram um trabalho fenomenal ao construir a estética de Pennywise. Em seu design une-se o infantil com o macabro, tornando-o uma das figuras mais conhecidas do Horror. 

O mistério sobre a natureza do vilão o torna mais assustador para o espectador, afinal não sabemos quando, onde e como ele pode atacar os protagonistas, deixando um clima de perigos constante no ar. Pennywise é uma incógnita para os protagonistas, e, consequentemente, para o público. Só com o caminhar da jornada vamos descobrindo pequenas pistas sobre suas intenções e origem. Mas Fukunaga, Dauberman e Palmer, de maneira assertiva, escolhem não contar tudo sobre a Coisa, deixando várias perguntas em nossa cabeça, que fazem o filme se prolongar durante dias na nossa mente.

Personagens atrativos como os de It são essenciais para uma história que se usa muito da empatia e nostalgia como carros-chefes. Cada um deles tem algo a oferecer que desencadeia a identificação da audiência. O protagonista Bill-gago é um líder gentil, que carrega a dor da perda do irmão mais novo e o fardo da vingança contra uma criatura aparentemente imbatível. Já Ben (Jeremy Ray Taylor) é um garoto doce e apaixonado, novato na escola e encantado com um grupo de amigos acolhedor e aventureiro.

Richie (Finn Wolfhard) é sarcástico, zombeteiro e proporciona grande parte do alívio cômico da obra ao lado do pequeno e hipocondríaco Eddie (Jack Dylan Grazer), tão cheio de inseguranças e medos quanto sua mãe o faz acreditar que é. Stanley (Wyatt Oleff) é a parcela mais cética e reclusa dos sete, o que lhe rende um destino sombrio no livro de King.

Mike (Chosen Jacobs) é corajoso, determinado e o único que criaria um laço eterno com o que viveriam ali. Por sua vez, Beverly Marsh (Sophia Lillis), com seus cabelos de fogo como brasas no inverno, é a única garota do grupo. Ousada, mas amorosa e afeiçoada por Bill, ela aproveita, no clube, a oportunidade de ter a liberdade e carinho que seu pai agressivo e abusivo impediu que ela tivesse na família. 

Juntos, eles criam um laço forte o suficiente para desafiar a personificação da maldade e do medo e, além de funcionarem bem individualmente, unidos, o grupo tem uma essência e espírito próprio. Assim, eles são capazes de enfrentar não só a maldição sobrenatural de Derry, mas também a humana. Já que Stephen King adora criar em suas obras humanos tão perversos quanto monstros, como é o caso do bully psicopata Henry Bowers (Nicholas Hamilton), seus capangas ou Alvin Marsh (Stephen Bogaert). Seus atos são ainda intensificados diante da maldição da cidade, dominada pela Coisa. Ou, afinal, seria o mal sobrenatural intensificado pela crueldade humana local?

O fato é que Derry é rodeada pelos piores males da humanidade. Assassinatos, desaparecimentos e massacres fazem parte da história local há séculos, mas aqui, diferentemente do livro, funcionam mais como pistas ou referências para quem leu a obra original, como na relação do incêndio com a família de Mike e o racismo por eles enfrentado. De qualquer modo, os mistérios são descobertos pelas crianças ao longo da jornada e servem para mostrar que a cidade reflete tudo o que há de pior em Pennywise, ou o contrário.

Ao contar esses eventos, Muschietti faz da cidade não só uma ambientação perigosa, misteriosa e encantadora, mas cria um personagem vivo, que tem um passado e um presente sangrento. E assim como os protagonistas, Derry tem uma intensa ligação com Pennywise, e conforme o Clube dos Otários desvenda essa conexão, mais macabra se torna a visão que o público tem de ambos. 

Isso deságua em um terceiro ato repleto de mistério, alguns sustos divertidos e um embate final impactante e condizente com a atmosfera desenvolvida pelos protagonistas, na qual a união lhes dá força e todos se descobrem mais valentes do que pensavam ser. Eles se vêem cara a cara com o que está mais próximo da real face da Coisa e dão um passo em direção a sua aniquilação – pelo menos pelos próximos vinte e sete anos. 

Por sua vez, o espírito oitentista é visível em It através de sua fotografia. Chung-hoon Chung, fotógrafo de Oldboy (2003) e Noite Passada em Soho, evoca magistralmente os elementos da época com seus ângulos de câmera e a composição de cena. Além disso, suas técnicas de filmagem buscam pontos de vista que deixam Pennywise ainda mais misterioso e ameaçador.

Embora o longa seja a adaptação de apenas metade do livro, jamais vemos a escassez ou adições desnecessárias. O Clube dos Perdedores se desenvolve durante a jornada, a criatura tem alguns de seus mistérios revelados – apenas o suficiente para que ainda haja segredos suficientes ao seu redor – e a aventura jamais perde o ritmo e a tensão, com um roteiro fechado em si, mas que também deixa um gancho para a sequência já prevista. It é uma obra completa, a qual podemos finalizar sem a sensação de que faltou algo ou que tem elementos sem propósito em sua duração, um problema presente em sua sequência. 

Retirando apenas o essencial da obra original e adaptando para uma trama dinâmica e aterrorizante, It – A Coisa se destaca como uma das melhores e mais completas adaptações de Stephen King. A produção traz o mistério e o medo de uma criatura medonha, juntamente com o desenvolvimento de um clube de protagonistas carismáticos em uma jornada intensa e cruel de amadurecimento e amizade. Mais do que uma história de terror, o longa nos conta como enfrentar os nossos próprios medos e traumas, ao mesmo tempo que reflete sobre a importância de termos o nosso próprio clube de amigos inseparáveis.

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Vitória Lopes Gomez

Se o Cinema é um modo divino de contar a vida e esta não se preocupa com a originalidade, toda história é inédita. É assim que, em uma Hollywood cheia de premissas batidas, o roteirista ganhador do Oscar Alan Ball se inspirou na vida real e transformou uma sinopse repetida em uma sensível e comovente road movie sobre repressão familiar, pertencimento e aceitação da sexualidade. Em Tio Frank, o passado não fica para trás, mas ecoa no presente.

No longa, Betty (Sophia Lillis) se sente deslocada na cidadezinha interiorana e conservadora em que vive, na Carolina do Sul, e se muda para Nova Iorque para fazer faculdade. Longe de casa, ela reencontra o tio Frank (Paul Bettany), reconhecido e admirado professor na universidade, e logo descobre que ele vive uma vida diferente da que é conhecida pela família: o tio preferido da menina é gay e casado há anos. Quando uma tragédia familiar os força a voltar para sua cidade natal, a viagem faz com que os dois conheçam mais um sobre o outro e sobre si mesmos. 

É através dos olhos e das palavras de Betty que conhecemos e acompanhamos o personagem do título: Frank Bledsoe é professor de literatura, inteligente, divertido e atencioso, como ela mesma o descreve. Ele logo contrasta com o restante da família e a menina não entende o porquê do tio ser o alvo das piadas do irmão e dos maus tratos do pai, o cruel Daddy Mac (Stephen Root). Betty, que também se sente diferente e incompreendida, se identifica com o parente e o admira, mesmo que ele se mantenha distante e resguardado no ambiente familiar. 

Anos depois, a narradora escapa da sua cidade natal em direção a Nova Iorque, assim como Frank fez. A sobrinha o tem como exemplo, mas as expectativas são idealizadas quando sabe tão pouco sobre ele. Quando ela conhece o tio longe do restante da família, vivendo plenamente e feliz ao lado do marido Wally (Peter Macdissi) e sem ter que esconder a sexualidade, o progressismo se contrapõe ao conservadorismo da criação.

Frank receia a reação da menina com a descoberta, já que ela cresceu no mesmo ambiente preconceituoso que ele. Recém-chegada na Nova Iorque dos anos 70, a Betty de Lillis é inocente e divertida ao se deparar com as diferenças na cidade grande e não falha em acolher o tio. Apesar das dores do passado, a leveza e a ternura da relação dos dois, somadas aos alívios cômicos que vêm a calhar, criam o tom ideal para uma condução leve e agradável na mão de Ball, que também assume a direção. Isso até que a notícia da morte de Daddy Mac obriga a dupla a viajar de volta para casa.

Tio Frank é perspicaz ao engatar em uma roadtrip: de Nova Iorque à Carolina do Norte, uma longa viagem de carro é o jeito ideal para Frank e Betty se aproximarem ainda mais. Além do ritmo do filme, o cenário também muda e, saindo da cidade grande rumo ao interior, quanto mais a paisagem se torna rural, mais Frank tem que se esconder e se reprimir. 

Os flashbacks relembram o início da intolerância e dos maus tratos do parente, que nunca aceitou o fato de Frank ser gay. A repressão e o preconceito velados o afastaram, mas, apesar de ter escapado e construído uma vida para si mesmo, longe da opressão e dos disfarces, ser forçado a se esconder e não se sentir acolhido e pertencente à própria família não são traumas esquecidos ou superados facilmente. 

Entre os problemas com o álcool e a dificuldade de se deixar ser amado pelo parceiro, que acompanha a viagem do tio e sobrinha escondido, mostram como o passado ainda ecoa e afeta o presente de Frank. E confrontar a figura do terrível pai, que mesmo depois de morto ainda faz questão de ofendê-lo, desencadeia o pior nele.

Ganhador do Oscar de Melhor Roteiro Original por Beleza Americana, Alan Ball é afiado nos poderosos diálogos e na direção simplista, que vai da atmosfera leve à densa ao passo que o protagonista de Bettany retorna à sua origem. Somado à fotografia com iluminação e tons naturais, o trabalho do diretor e roteirista permite que seus personagens existam naquele ambiente dos anos 70 no sul estadunidense. Felizmente, até quando a narrativa segue por um lugar comum e previsível, o foco continua neles.

Se Uncle Frank, o título original do longa, é sobre o tio Frank, Paul Bettany brilha. À medida que o longa avança e o protagonista se aproxima de casa, o ator descasca as camadas de seu personagem e o ressentimento passa a consumi-lo. Mesmo que o intérprete do Visão não seja o ideal para encarnar as vivências de Frank – não tinha nenhum ator gay igualmente competente em Hollywood? -, Bettany imprime a dor e a mágoa ao mesmo tempo que a doçura e o carinho, em uma performance sensível, emocionante e, nos minutos finais, verdadeiramente comovente.

Só que não só de Frank se faz Tio Frank: a narradora de Sophia Lillis é inocente e divertida, e seu carinho pelo tio é a esperança em meio à família. Junto do Wally de Peter Macdissi, que é caloroso e acolhedor mesmo na dor da sua própria jornada como um homem gay muçulmano, os dois são o respiro para Frank e para o longa. Na Carolina do Norte, a mãe (Margo Martindale) e a cunhada (Judy Greer) do protagonista, ao final, transparecem suas boas intenções e o Daddy Mac de Stephen Root sabe se manter desprezível e nojento até depois de sair de cena.

Após a boa recepção e as críticas positivas no Festival de Sundance de 2020, onde estreou, a produção independente foi adquirida pela Amazon Studios e destinada ao streaming da empresa. Tio Frank foi oficialmente lançado para o público no Prime Video e a exibição na TV rendeu uma indicação ao Emmy 2021 na categoria Melhor Telefilme. O longa concorre com Oslo, da HBO, Natal com Dolly Parton, da Netflix, Robin Roberts Presents: Mahalia, do Lifetime e O Amor de Sylvie, também do Prime Video.

Um dos favoritos para sair com o troféu, Tio Frank se inspira na vida real para mostrar que o passado ainda pode afetar o presente. Ninguém é obrigado a perdoar aqueles que machucaram, por mais próximos que sejam, e nem buscar a aprovação de ninguém, mas, se cada história é diferente, o sentimento de pertencer e se aceitar plenamente foi essencial para Frank.

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I Am Not Okay With This é a segunda adaptação das HQs de Charles Forsman na plataforma (Foto: Reprodução)

Bruno Azevedo

Ano após ano a criação de conteúdo original na Netflix só aumenta. Apenas em 2019, foram lançadas 371 produções. Nessa enxurrada de filmes e séries, I Am Not Okay With This chama a atenção não só por ser dos mesmos produtores de Stranger Things, mas também por compartilhar da estética e da direção de The End of the F***ing World. O atrativo maior, no entanto, é a premissa da série, que prende pela mistura de drama e comédia irônica desde o primeiro episódio.

O roteiro acompanha Sydney Novak, uma menina aparentemente ordinária do Ensino Médio, que está passando por mudanças, transições e descobertas internas. Apenas mais uma série de vida adolescente, salvo pelo fato de que uma onda de poderes incontroláveis que a jovem manifesta ocasionalmente. O que torna tudo mais interessante, beirando a angústia, é o fato de que os poderes estão diretamente conectados à saúde mental de Syd.

Interpretada por Sophia Lillis (It: A Coisa), a personagem ganha a simpatia do público ao se mostrar simpática e afetuosa, apesar de introvertida (Foto: Reprodução)

A narrativa é construída de forma que a série seja como um diário da estudante. Sendo assim, as cenas são em grande parte narradas pela própria protagonista, além de construídas para que transmitam sentimentos genuínos a quem assiste. Ao fim de um diálogo com um novo personagem, por exemplo, IANOWT se dá a liberdade de deixar alguns segundos a mais de tela, para que o desconforto do silêncio seja passado para quem assiste.

Mas esses sentimentos podem ser transmitidos de uma forma muito mais direta nos momentos em que a personagem perde o controle. Os pensamentos transbordam a mente, em segundos o espectador é exposto a flashes de várias cenas passadas que percorrem a mente de Syd, até que ela chegue ao seu limite. O chão treme, paredes racham, coisas flutuam ou são jogadas para longe, as causalidades dos poderes da garota não são muito consistentes, mas são sempre instáveis e perigosas, assim como suas crises de pânico.

A diferença de Sydney para Eleven, de Stranger Things, é que os poderes aqui saem como num espirro, sem qualquer aviso ou premonição (Foto:Reprodução)

A relação entre os poderes e o desgoverno emocional da personagem é muito clara. Quando o sentimento é direcionado a alguém, essa pessoa se torna um alvo, se é algo puro ou voltado para si mesma, as consequências se manifestam no ambiente à sua volta e podem ser, literalmente, explosivas. Essas “habilidades”, no entanto, podem trabalhar contra a própria Syd, como quando suas paranoias tomam a forma de uma sombra que a persegue constantemente.

Se não com seus efeitos especiais, a série passa mensagens por meio das relações da colegial com aqueles no seu convívio. Desenhando diversas experiências de autodescobertas, a relação com a sua melhor amiga Dina (Sofia Bryant), por exemplo, é motor para a construção de autoconfiança e para a descoberta da sua sexualidade. Por outro lado, as cenas com sua mãe refletem muito do impacto que tem o luto como membro da família.

Com o suicídio do pai, prévio aos eventos da série, a casa se torna um espaço caótico, onde toda conversa vira discussão. A Mãe, sem saber como endereçar o assunto, simplesmente o ignora. A filha, deixada no escuro, não sabe lidar com a situação e coloca a culpa em tudo e em todos, incluindo ela, pelo acontecimento. O filho menor, pego no fogo cruzado, simplesmente tenta manter a paz entre as duas partes, sem muito sucesso. Toda essa situação é uma das formas que a série encontrou de mostrar o impacto que doenças como ansiedade e depressão, e suas consequências, têm nas relações com as pessoas mais próximas.

A exploração do ambiente da casa só melhora depois que a morte do pai é devidamente discutida e o assunto deixa de ser um tabu entre Syd e sua mãe (Foto: Reprodução)

Até a progressão da série segue a lógica de uma doença psiquiátrica. O pontapé cheio de conflitos, que se resolvem conforme se aproxima o fim da temporada mas, como qualquer doença, ela pode repentinamente piorar e a finale é exatamente essa recaída. Numa cena que presta homenagem ao filme Carrie: A Estranha (2013), a jovem tem sua sanidade levada ao limite e explode, sendo obrigada a fugir da escola coberta de sangue. É um novo fundo do poço, do qual vai partir um eventual segundo ano.

A série é tão bem construída que o fim da sua primeira temporada, além de ser um ótimo gancho para uma sequência, consegue impactar, mesmo que não seja exatamente surpreendente. As últimas cenas levantam diversas dúvidas, mas dão espaço para especulações e teorias bem fundamentadas. Isso pelo vício de IANOWT gostar de dar dicas do que está por vir no enredo através dos diálogos entre as personagens. 

Numa sequência de cenas angustiantes, o desfecho causa arrepios em quem assiste (Foto: Reprodução)

Fato é que com apenas sete episódios, totalizando pouco menos que duas horas e meia de duração, a série deixa quem assiste com vontade de ver mais sete, e mais sete e mais sete. A série não foi o estouro de popularidade de Stranger Things (provavelmente devido à ênfase no lado humano da personagem, no lugar de seu lado sobrenatural), mas apesar disso conseguiu cativar um público que anseia por uma continuação.

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Vitor Evangelista

Estrelada por Amy Adams, a minissérie da HBO adentra o passado da jornalista Camille Preaker, que retorna a sua cidade natal para noticiar a morte de duas jovens garotas. Carregada de ressentimento, a produção caminha a passos lentos e cores quentes para mapear as relações familiares problemáticas de sua protagonista. Camille é uma mulher marcada por abusos. A começar pela distante relação que construiu com a mãe Adora (Patricia Clarkson, sublime), a perda de sua irmã caçula ainda na infância, os anos marcados pela automutilação e alcoolismo, a personagem de Amy Adams tem problemas em encarar o passado e, principalmente, deixá-lo ir. 

A produção de Gillian Flynn (Garota Exemplar) adapta seu primeiro livro, lançado lá em 2006, quando o assunto de mulheres problemáticas e com as psiques estudadas e trabalhadas ainda não entrara em voga. A autora já chegou a dizer que essa é sua criação que mais lhe causa raiva, tanto pela índole das personagens por ela idealizadas quanto pela força negativa da história aqui contada. 

Sob o olhar astuto e imersivo de Jean-Marc Vallée (Big Little Lies, obra-prima), Sharp Objects dança no limiar de um pós-horror e thriller psicológico mesclado ao relato sujo de uma história de abuso e desafeto. Todas as personagens em cena guardam ressentimento. Todas gostariam de não estar ali. Transitando pela infância de Camille por flashs pontuais e impactantes, a jovem interpretada por Sophie Lilils (de It – A Coisa) cimenta muito bem o arcabouço problemático e ferido que a persona de Adams transmite, já na vida adulta.

Junto de Adams, no hall das mulheres desagradáveis postas em tela, temos Adora e Amma Crellin. Patricia Clarkson constrói sua Adora internalizando todo o rancor e o desgosto que a personagem sente pela primogênita. Uma mulher silenciosa, ardilosa e que faz de tudo para manter intacta a reputação da cidade de Wind Gap, no Missouri.

Amma é a personagem mais interessante do seriado. A atuação de Eliza Scanlen patina entre duas personalidades que a garota oculta, sempre um passo a frente dos outros. Amma representa o meio da linha entre Camille e Adora. Enquanto sua meia-irmã tenta se desvencilhar das raízes da cidadezinha do interior e sua mãe ergue a bandeira do passado, a adolescente busca, ao longo dos oito capítulos, um lugar para se prostrar nisso tudo.

Outra protagonista oculta em meio as atuações marcantes é a cidade que toma lugar a trama. Conhecida pelo mercado do abatedouro de porcos e pelo clima quente, Wind Gap cresce ao passo que a história progride. Há aqui um ar misterioso, fantástico, quase folclórico, que incomoda, deixa o espectador na ponta da cadeira, esperando o pior. Sempre tomando as atenções para si, a cidade elucida as ações de seus residentes. Todos são daquele modo pelo simples fato de ser. Não há qualquer escapatória.

Completando a parcela de personagens deslocados e desconfortáveis, a minissérie apresenta o delegado Bill Vickery (Matt Craven), aparentemente o único policial da cidadezinha, responsável pela investigação da morte das meninas Ann e Natalie. Outro homem da lei que aqui figura é Richard Willis (Chris Messina), vindo do Kansas, que auxilia nas investigações, tem boas cenas junto da protagonista.

É importante ressaltar aqui que o foco do seriado não é a resolução dos casos ou qualquer retrato que demande explicações e motivos. Sharp Objects trabalha sim esses temas, mas toda sua carga criativa se concentra na ascensão e queda de suas mulheres protagonistas. As trocas dúbias de palavras fortes, o envenenamento de suas almas.

Os objetos cortantes do título são tão materiais quanto são figurativos, todo diálogo entre mãe e filha machuca até mais que a agulha que Camille leva a tiracolo. O show é pesado e sabe estudar as suas mulheres, deixando aqui um retrato semelhante ao que David Fincher fez em Garota Exemplar, de 2014. Quando dadas as devidas atenções, as mulheres são tão perigosas quanto os homens. Sharp Objects cumpre mais do que promete e finaliza sua trajetória na Televisão sem muitos porquês. Não se esqueça das cenas pós-créditos.

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