Stephanie Cardoso

A segunda temporada de The Buccaneers, série original da Apple TV+, chega tentando manter o charme, mas tropeça justamente onde era mais potente: a amizade entre mulheres. O que na estreia parecia um manifesto delicado sobre juventude feminina, pertencimento e afeto – aquele calor de girlhood, para usar o termo consagrado nos círculos culturais – agora vira pano de fundo para intrigas românticas e melodramas em câmera lenta. Visualmente, continua um deslumbre, porém, narrativamente é como trocar um diário íntimo por uma coluna social de revista de época.

Inspirada no romance inacabado de Edith Wharton – publicado postumamente em 1938 – The Buccaneers tinha tudo para ser uma adaptação literária com fôlego crítico e emoção à flor da pele. A escritora, conhecida por obras como A Época da Inocência (1993) – que foi adaptada por Martin Scorsese – e A Casa da Alegria (1995), já explorava as tensões entre mulheres e sociedade com rara sofisticação. A primeira temporada honra esse legado – garotas americanas ricas invadindo a aristocracia britânica com vestidos ousados, atitudes mais ainda, e uma solidariedade de fazer inveja a muitos clubes de cavalheiros. Havia ternura, tensão, pequenas revoluções cotidianas e falava de girlhood – essa experiência densa, confusa, brilhante e, por vezes, sombria de ser jovem mulher num mundo que te julga antes mesmo de você se descobrir.

A nova temporada parece desconfortável com o próprio silêncio. Tudo precisa ser resolvido com escândalo, cartas escondidas ou paixões proibidas. O núcleo da amizade entre Nan (Kristine Froseth), Conchita (Alisha Boe), Jinny (Imogen Waterhouse), Lizzy (Aubri Ibrag) e Mabel (Josie Totah) – o coração da história – praticamente evapora. Em seu lugar, surgem rivalidades forçadas, decisões passionais e um clima de ‘vale tudo pelo plot twist’. A sensibilidade dá lugar ao choque, e o olhar delicado sobre o feminino vira vitrine para dilemas de novela das cinco com produção de Oscar.

Kristine Froseth perde parte da força que a tornava tão magnética, a personagem que antes parecia movida por princípios, agora age com hipocrisia e uma certa arrogância disfarçada de empoderamento. Ela cobra dos outros uma honestidade emocional que a própria não pratica. Diz lutar por liberdade e autonomia, mas manipula os sentimentos de Guy (Matthew Broome) e Theo (Guy Remmers) com uma ambiguidade moral desconcertante. Ao esconder verdades importantes e seguir tomando decisões impulsivas – algumas que afetam diretamente a vida das pessoas ao redor – se torna menos uma heroína feminista e mais uma anti-heroína mimada. A série parece não perceber essa virada de tom e continua tratando suas atitudes como grandes gestos de coragem, quando na verdade são, muitas vezes, apenas egoísmo disfarçado de protagonismo.

Esse descompasso fica ainda mais evidente em seu arco com a sua mãe biológica, Nell (vivida por Leighton Meester, a Blair de Gossip Girl). O reencontro entre elas tinha tudo para ser emocionalmente devastador, um mergulho nas origens e nas contradições sociais que cercam a trajetória de Nan. Contudo a produção passa por isso com pressa, sem dar tempo para a dor, o confronto, a reconciliação ou mesmo para o conflito real. O que poderia ser um dos momentos mais ricos da temporada se dilui em cenas rápidas, quase esquecíveis, que tratam com superficialidade um tema que merecia muito mais densidade. A impressão é de que até esse pedaço da história foi sacrificado para abrir espaço para mais um drama romântico qualquer.

Talvez por isso, quem vem roubando os holofotes nesta temporada é a personagem vivida por Aubri Ibrag. Lizzy, que antes orbitava discretamente a história principal, ganhou corpo, carisma e uma profundidade emocional mais convincente que a da própria protagonista. Nas redes sociais, o culto a personagem cresceu a cada episódio: vídeos, fan edits e discussões exaltam sua sensatez, sua trajetória silenciosa e sua autenticidade – tudo o que parece ter evaporado do arco de Nan. É como se o público tivesse encontrado nela aquilo que a série prometeu com a protagonista, entretanto, não entregou: uma mulher jovem, complexa, ética e que amadurece sem precisar passar por cima dos outros.

Para além das presenças femininas da obra, a figura do Theo é uma das poucas surpresas agradáveis. Durante a temporada, seu arco entrega um dos raros momentos de sinceridade emocional ao passar dos episódios. Já Guy, o antigo amor de Nan, vira quase um mártir passivo, preso numa dinâmica injusta onde o afeto nunca é retribuído com a mesma integridade. A série parece querer que o público torça por sua ex-parceira a qualquer custo, contudo ignora o quanto ela se afasta da empatia e da ética em nome de sua própria narrativa.

Ainda assim, não dá para dizer que The Buccaneers virou um desastre, a obra ainda é belíssima, tem um elenco com química e apresenta momentos isolados de potência – como as tramas centradas em Jinny e Mabel, que falam de temas como abuso e sexualidade com alguma coragem. Mas tudo isso parece surgir em meio ao caos, como relances de um seriado que já foi mais consciente de si mesma. Há menos escuta entre as personagens, afeto genuíno e espaço para as pequenas revoluções que antes costuravam cada episódio.

Talvez o problema seja justamente o tom, a série parece querer crescer junto com suas personagens, entretanto confunde o amadurecimento com o abandono de suas raízes. O foco deslocado da amizade para o drama romântico esvazia o que havia de mais revolucionário: mulheres que se escolhem, se defendem e se reconhecem. Sem isso, sobra só o que vemos em outras dezenas de dramas de época: bailes, vestidos, beijos proibidos. Bonito? Sempre. Original? Nem tanto.

The Buccaneers seguiu os passos da primeira temporada, ou seja, continuou sendo um deleite visual. Porém, para uma produção que começou com promessas de romper padrões e recontar o feminino com nuance e afeto, essa segunda temporada parece ter trocado a alma pelo verniz – e uma protagonista complexa por uma figura contraditória que se recusa a lidar com suas próprias falhas. Ainda há tempo para voltar a navegar com propósito, mas, por enquanto, o navio parece à deriva – lindo, caro, porém sem bússola.

The Buccaneers – trailer 2° temporada

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Guilherme Dias Siqueira

Quando se fala em adaptações de quadrinhos logo nos vem à cabeça grandes produções de Hollywood sobre super-heróis vestidos em roupas coloridas e muita ação. Mas isso é uma fração da verdadeira diversidade dos quadrinhos, que não só cobrem uma variedade de temas e estilos, como também de culturas e subtextos regionais. No contexto latino-americano, uma riqueza de obras permanece vastamente inexplorada pela maior parte do público. Um desses materiais, talvez o mais importante de todos, foi retirado dessa semi-escuridão pela Netflix este ano: O Eternauta, a obra-prima de Héctor Germán Oesterheld e Francisco Solano Lopes.

Em meio ao verão argentino, um grupo de amigos se encontram para jogar baralho em uma casa de Buenos Aires. A tradição que eles cultivam a anos tem sua monotonia quebrada por um evento climático inesperado, uma nevasca chega sorrateiramente e começa a matar instantaneamente qualquer um que a toque. Liderados por Juan Salvo (Ricardo Darín), o grupo precisa se livrar das desconfianças vindas de uma amizade antiga, porém não tão profunda, para sobreviver e descobrir o real contexto desse apocalipse.

A fonte da qual se adapta a série não vem de um subgênero extremamente alternativo e revolucionário. Na verdade, o cenário base para O Eternauta, uma invasão alienígena, se insere nos contextos basilares da ficção científica desde o século XIX. Mesmo com obras como A Guerra Dos Mundos de H.G. Wells existindo no cânone do gênero desde os anos 1890, Oesterheld fundou em seu trabalho conceitos antes inéditos ou não tão presentes nesse tipo de quadrinho. Talvez o mais importante desses conceitos, ‘o herói coletivo’, se mantém como pedra fundamental na versão da Netflix. 

Os protagonistas da série não possuem nenhuma habilidade especial de fato. Nenhum deles tem, individualmente, qualquer controle ou poder sobre a situação, como é comum em histórias clássicas de heróis. Somente como grupo eles encontram as soluções das quais precisam. O roteiro é muito ágil em demonstrar diversas situações em que um ou mais personagens se encontram em situações intransponíveis, inclusive de quase morte, que só são superadas com a ajuda de outros.

Outro aspecto que a série traz a vida com maestria é a atmosfera gráfica. A direção de Bruno Stagnaro consegue adaptar a arte do desenhista Francisco Solano Lopes de forma fria e seca. O cenário de desolação do mundo exterior contrasta com a sensação de claustrofobia sempre constante nos refúgios em que os personagens se protegem da neve. Isso também impacta em algo fundamental para qualquer obra pós-apocalíptica: a transformação de ambientes cotidianos nas ruínas da civilização que colapsou. Igrejas, escolas, farmácias, vagões de trem, formas comuns do dia-a-dia de qualquer pessoa, são transformados em escombros e vestígios do que um dia foram.

O roteiro é mais discreto nos comentários políticos. Oesterheld carrega uma das histórias mais trágicas oriundas da violentíssima ditadura militar argentina, suas dores, medos e indignações permeiam sua obra constantemente. Entre junho de 1976 e dezembro de 1977 suas quatro filhas, Beatriz, Diana, Marina e Estela, foram sequestradas, desaparecidas e assassinadas pelo regime sanguinário, do qual o próprio HGO seria vítima. Oesterheld desapareceu no mesmo período, de sua família só sobreviveram sua esposa e seus dois netos, que se tornaram órfãos antes de completarem 4 anos.

Desde sua primeira versão, o quadrinho tinha tons explícitos de crítica ao imperialismo, ao capitalismo e ao autoritarismo presentes nas sociedades latino-americanas. A série, por sua vez, é mais sutil, mas usa como artifício algo mais contemporâneo — a guerra das Malvinas — não só para reforçar o tom sócio-político, como também um desenvolvimento pessoal fundamental aos personagens já que vários deles são veteranos do conflito.

Esses traumas se tornam ainda mais vividos graças ao elenco estrelado, o Juan Salvo de Ricardo Darín tem todas as notas certas. O ator não decepciona a expectativa criada em torno do seu nível de astro internacional, conquistado após filmes como Argentina, 1985 (2022). Outro destaque é o uruguaio César Troncoso, seu personagem Tano tem um papel fundamental na trama como uma pessoa egoísta que aos poucos precisa se livrar do individualismo para garantir que todos sobrevivam.

O Eternauta é mais uma adaptação literária de grande qualidade da Netflix, depois de Cem Anos de Solidão (2024), baseada no livro homônimo de Gabriel Garcia Márquez e de Ripley (2024), baseada na obra de Patricia Highsmith. O seriado revela que, mesmo com toda a disputa pela atenção e concentração dos telespectadores, ainda há espaço para produções densas e deslocadas do eixo América do Norte/Europa nos serviços de streaming. 

https://www.youtube.com/watch?v=95V9sqY80K8

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Laura Lopes

Rusty Sabich é um vice-promotor temido, reconhecido pelo seu talento em colocar criminosos de Chicago atrás das grades. Esse não é seu único atributo, porém. Na série Acima de Qualquer Suspeita (Presumed Innocent, no original), Sabich é vivido pelo ator norte-americano Jake Gyllenhaal (Donnie Darko; O Segredo de Brokeback Mountain) – ou seja, além de justiceiro, o protagonista é um galã com G maiúsculo, capaz de atrair qualquer mulher em um piscar de olhos – o que é um problema para ele.

A vida de Rusty, que, à primeira vista é digna dos comerciais de margarina mais cafonas, começa a degringolar quando sua companheira de trabalho e amante, Carolyn Polhemus (Renate Reinsve), é encontrada morta em seu próprio apartamento. A cena é chocante – Polhemus indubitavelmente não foi vítima de morte morrida, mas de morte matada, com requintes de crueldade. Não demora para que o romance, até então secreto entre Polhemus e Sabich, seja descoberto e ele se torne o principal suspeito.

O crime inunda a vida dos personagens centrais como uma avalanche. Sabich se vê pela primeira vez do outro lado do tribunal, no campo da defesa, e não mais na acusação. Raymond Horgan (Bill Camp), que, além de melhor amigo, é chefe de Rusty, vê suas chances de reeleição ao cargo de procurador geral devastadas com o assassinato. Barbara (Ruth Negga), esposa do vice-promotor, se encontra presa no dilema entre ficar ao lado de seu marido, que ela já não reconhece mais, e se proteger de um possível criminoso. Jaden (Chase Infiniti) e Kyle (Kingston Rumi Southwick), filhos de Sabich, sofrem com a possibilidade de perder o pai para a prisão durante o processo judicial.

As únicas pessoas felizes com o crime e acusação do já ex-vice-promotor são Nico Della Guardia (O. T. Fagbenle) e Tommy Molto (Peter Sarsgaard), que assumem os cargos de Horgan e Sabich, respectivamente, e se aproveitam da situação para alcançarem o poder que sempre desejaram. Destacam-se na série as cenas espetaculares contracenadas entre Jake Gyllenhaal e Peter Sarsgaard, que, mesmo sendo cunhados na vida real, deixam o parentesco de lado ao presentearem o público com uma rivalidade explosiva e sem escrúpulos. Molto é fissurado por Rusty e tenta deixá-lo atrás das grades a qualquer custo, não se sabe se por inveja da carreira e currículo quase impecáveis do galã, por ciúmes de Carolyn ou pelos dois.

Gyllenhaal, que teve sua estreia na TV com a produção, apresenta aos telespectadores um personagem diferente do que se viu com Louis Bloom de O Abutre e com o detetive Looki do thriller Os Suspeitos. Dessa vez, o ator seduz a audiência a seu favor, de modo a fazer com que torçamos pela absolvição de Rusty, mesmo em meio às inúmeras dúvidas que pairam no ar sobre ele . Gyllenhaal supera, inclusive, a interpretação de Harrison Ford ao trazer um protagonista muito mais complexo e multifacetado do que o vivido anteriormente pelo ídolo de Indiana Jones.

E quem assistiu ao filme de 1990 não está livre das surpresas, nem precisa se preocupar com spoilers: o desfecho chocante da obra de Kelley e Abrams não é o mesmo de 34 anos atrás. O sucesso foi tanto, que, após bater recordes de audiência na plataforma, a produção teve sua renovação garantida. Um novo caso, no entanto, deve ser desenvolvido na segunda temporada, que ainda não tem data de lançamento.

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Gabriel Saez

Se a primeira temporada de The White Lotus não foi o suficiente para entender que Mike White domina a arte de contar histórias, o seu retorno com certeza é. Com uma forma incomum de desenvolver seus personagens, o segundo ano da série da HBO Max reforçou as qualidades do diretor. Agora na Itália, o resort White Lotus recebe mais uma vez um grupo de turistas que, com toda a certeza, irá desfrutar de sua hospitalidade, deixando uma marca única em Sicília e seus residentes. 

Assim como quando se abre um jogo de tabuleiro, a segunda cena do primeiro episódio é reservada para nos mostrar as peças que iremos acompanhar desta vez. Harper (Aubrey Plaza), Ethan (Will Sharpe), Cameron (Theo James), Daphne (Meghann Fahy), Tanya (Jennifer Coolidge), Portia (Haley Lu Richardson), Albie (Adam DiMarco), Dominic (Michael Imperioli) e Bert (F. Murray Abraham) serão o foco das tramas que se abrirão pelos próximos capítulos  – obviamente, acompanhados de convidados tão interessantes quanto o grupo.

Neste tão aguardado retorno da série, que roubou a cena na última edição do Emmy, temos mudanças renovando os ares da trama, assim como pilares que permanecem no enredo. Entre as novidades, os destaques são alguns temas que todos os personagens explorarão: paixão, ternura, desejo e sexo. Seja por falta ou por excesso desses elementos, em algum momento cada trajetória irá esbarrar em dilemas que envolvem la passione.

Sobre o que permanece, novamente temos uma trama amarrada por um mistério exposto logo no primeiro episódio. Essa estrutura não é nova: séries como The Flight Attendant e How To Get Away With Murder exploram o formato também. O que The White Lotus faz de diferente é não deixar que a audiência se leve por isso e perca o foco das críticas e pontadas ácidas que serão feitas – afinal, ainda trata-se de uma sátira. 

Na dinâmica entre os personagens e o hotel, também há uma nova linha que Mike White escolhe seguir: as trajetórias não serão tão antagônicas ou dicotômicas como vimos anteriormente. Enquanto na primeira temporada o ângulo utilizado faz a audiência ter a sensação de assistir um experimento social, agora, nos envolvemos em um nível muito mais íntimo com alguns personagens.

E como começar a falar sobre a nova temporada da minissérie sem ser pelo assunto do momento e atual vício da internet, Jennifer Coolidge? A atriz está vivendo o auge de sua carreira aos 60 anos e é destaque na temporada de premiações. Até agora, ela já arrebatou um Globo de Ouro, dois Critics’ Choice Awards e, ano passado, também levou para casa seu primeiro Emmy.

Sua personagem, Tanya, reúne o melhor da combinação poderosa que é Coolidge e Mike White. Com ela, tanto o diretor quanto a veterana de comédias besteirol exploram o gênero melodramático e levam diálogos e situações corriqueiras a um nível de comédia invejável. Particularmente, é na personalidade que está o pote de ouro da série: é impossível querer um pouco menos dessa comediante tão talentosa.

Desde não encontrar seu bolo favorito no buffet a defender sua vida em um iate, a figura esbanja drama e caos em cada expressão e segundo que tem em tela. Assim como na primeira temporada, sua personalidade não mudou muito: a milionária continua solitária, desesperada por afeto ou atenção e em negação daquilo que ocorre ao seu redor. 

Por mais que a proposta da personagem possa parecer exagerada, Tanya cria um excelente contraponto na trama da segunda temporada The White Lotus e traz um descanso para o telespectador com momentos hilários. Esse descanso é merecido, pois a tensão criada pelo clima constrangedor entre a dupla de casais que decidiu viajar juntos pela primeira vez é capaz de fazer qualquer um desistir de ter a mesma ideia. 

A personalidade de Harper é o fio condutor dos rumos que a viagem desse quarteto irá tomar e ela não poupa esforços para deixar claro como se sente sobre os amigos de seu marido recém milionário, Cameron e Daphne. Enquanto isso, o casal não poderia parecer mais feliz com o relacionamento ordinário que desenvolveram. Esse é um dos fatores que mais incomoda a advogada: como os dois podem ser tão vazios e ignorantes, mas tão felizes, enquanto ela e Ethan estão cada vez mais distantes? 

O humor que Aubrey Plaza traz para a personagem é completamente diferente do escolhido por Coolidge. Aqui, prestamos atenção nas minúcias, no silêncio e no que não é falado. São os momentos constrangedores, as olhadas de lado durante os jantares e o timing de cada comentário ácido que fazem a comédia de Plaza tão excepcional e assertiva na trama.

Já os Di Grasso, que foram à Itália com suas três gerações de homens (Albie, Dominic e Bert) para se reconectar com suas origens, acabam se deparando com muito mais do que esperavam. Afinal, nada melhor do que escancarar traços em comum para perceber que a maçã realmente não cai tão longe da árvore e que alguns defeitos são, sim, hereditários.

Aqui, o desenrolar dos personagens não foi tão instigante quando comparado com a trajetória de outros núcleos. A trama se desenvolve de forma mais lenta e até mesmo as características de cada membro da família beiram o tédio e desinteresse. Ainda assim, o enredo é muito bem utilizado para reforçar o quanto a ingenuidade é conveniente e o patriarcado é longívio. 

As cenas também são uma ótima deixa para ressaltar a importância de coadjuvantes poderosos para apoiar e enriquecer a narrativa das protagonistas. Valentina, The gays, Lucia e Mia trazem um ar diferente para a série e dão um tempo para a audiência que, em muitos momentos, pode ficar sobrecarregada com a intensidade acumulada pelas relações dos turistas.

Com tantos elementos, personagens, cenários e histórias para lidar, Mike White conduz a segunda temporada de The White Lotus de forma intrigante. O equilíbrio que há entre o pingue-pongue das personagens, a velocidade em que as informações vão sendo apresentadas e a conclusão de todas as introduções são muito bem executados pelo diretor.

Mesmo quando as pontas de alguns personagens não se prendem, é de forma tão bem pensada e satisfatória quanto os arcos concluídos. Fazia tempo que o desenrolar de uma série não acontecia de forma tão surpreendente e resolvia tudo na hora certa quanto The White Lotus o fez, deixando a audiência querendo mais, mais e um pouco mais sem se decepcionar.

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Passeamos pelos multiversos de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e The Umbrella Academy, exploramos o brilhantismo obscuro da terceira temporada de Barry e refletimos sobre o final provisório dos malditos Peaky Blinders. Foi assim que o mês popularmente mais calmo no audiovisual, quase uma preparação para o ápice da temporada de Summer Movies, conseguiu deixar sua marca como um dos capítulos mais interessantes do ano até então. Neste Cineclube de Junho, o Persona destrincha o que rolou no Cinema e na TV no Mês do Orgulho.

O período junino começou agitado logo no seu primeiro dia, com o resultado do desnecessariamente midiatizado julgamento entre Johnny Depp e Amber Heard. Depois de quase um mês de análise do processo, o júri decidiu o que o Twitter e o TikTok já haviam julgado há muito tempo: a “inocência” (entre muitas aspas) de Depp. Por mais que os dois tenham saído com condenações, o ator foi quem tirou mais proveito da situação. Apesar de seu caráter ser tão duvidoso quanto o de Heard, ele tomou um banho de imagem e hoje é visto como um injustiçado por uma base de fãs aficionados.

Partindo para notícias mais animadoras, Junho concedeu uma das maiores honras do Teatro para Jennifer Hudson. Graças a sua mais nova estatueta do Tony Awards pela produção do musical A Strange Loop, Hudson atingiu o status de EGOT — destinado aos ganhadores do Emmy, Grammy, Oscar e Tony — e se tornou a segunda mulher negra a receber a honraria, ao lado de Whoopi Goldberg. Falando em representatividade, o Mês do Orgulho separou uma surpresa quase em sua reta final. Nos últimos dias do mês, o lendário Pedro Almodóvar divulgou informações sobre seu próximo projeto, o curta-metragem western Extraña Forma de Vida. Segundo o diretor, a obra será uma resposta ao clássico contemporâneo O Segredo de Brokeback Mountain.

Adentrando as telonas do cinema e do streaming, o destaque vai para Cha Cha Real Smooth – O Próximo Passo. O filme foi vencedor do Festival de Sundance 2022, assim como CODA, seu irmão de plataforma no ano passado. A história gira em torno de um jovem, interpretado por Cooper Raiff – que também dirige o longa — que trabalha como anfitrião em bar mitzvás, onde conhece uma mãe (Dakota Johnson) e sua filha autista, criando um forte laço com elas. Por mais improvável que seja a obra seguir o mesmo premiado caminho de No Ritmo do Coração, o serviço da maçã mordida já provou que sabe nos surpreender.

Ainda nos lançamentos da plataforma dos iPhones, Liam Neeson estreia nas produções do streaming interpretando um velho conhecido: o porradeiro de meia idade do qual já está acostumado retorna em Assassino sem Rastro. A produção conta a história de um assassino de aluguel com Alzheimer que sofre as consequências de se recusar a matar uma criança. Sendo uma refilmagem do filme belga A Memory of a Killer, o longa entrega um plot genérico e não convence, principalmente ao focar na ação e deixar de lado a interessante premissa de um assassino lidando com essa condição médica.

Indo ao infinito e às salas de cinema, acompanhamos a jornada intergalática repleta de ação de Buzz (Chris Evans) e outros astronautas do Comando Estelar em Lightyear. Dentre eles, destacamos Alisha Hawthorne (Uzo Aduba), responsável pelo primeiro beijo homoafetivo da Pixar. Porém, o feito só ocorreu após uma onda de protestos contra a Disney, que, em pleno Mês do Orgulho, resolveu manter sua política do Don’t Say Gay ao originalmente censurar o casal sáfico. A obra tem a assinatura de Angus MacLane (Procurando Dory) e, apesar das críticas mistas, deve encantar os fãs do personagem, mesmo decepcionando nas bilheterias.

E a Disney decidiu investir no marketing do filme do astronauta para além dos cinemas. Isso nos deu Ao Infinito e Além: Buzz e sua Jornada para ser Lightyear, documentário original do Disney+, que desmembra a origem do emblemático personagem desde sua primeira aparição em Toy Story. O longa serve como um aquecimento para Lightyear, mostrando as etapas de produção da nova aventura da Pixar, e das mudanças estéticas para caracterizar o patrulheiro espacial.

Ainda no streaming do rato, temos A Extraordinária Garota Chamada Estrela Em Hollywood, sequência de A Extraordinária Garota Chamada Estrela. O longa, uma típica aventura adolescente dos anos 2000, mas dessa vez repaginada, continua acompanhando Stargirl Caraway (Grace VanderWaal), que sai da cidade de Mica e se muda para Los Angeles com o intuito de começar uma vida nova. A obra é baseada no livro Com Amor, A Garota Chamada Estrela, tem direção de Julia Hart e conta com nomes como Uma Thurman no elenco.

Para se afastar das polêmicas, a Disney decidiu se redimir produzindo alguns conteúdos LGBTQIA+, e um deles é Trevor: O Musical. Seguindo os moldes de Hamilton, o longa é uma versão filmada do musical off-Broadway de mesmo nome. Baseado no curta-metragem ganhador do Oscar em 1995, a trama acompanha a adolescência do jovem Trevor em 1981, e a descoberta de sua identidade enquanto tenta se encaixar em um mundo difícil. 

Ainda na mesma temática, só que dessa vez para o streaming adulto da empresa, o Star+, Fire Island: Orgulho e Sedução nos traz uma comédia romântica LGBTQIA+ inspirada no clássico Orgulho e Preconceito, de Jane Austen. Apesar do longa dirigido por Andrew Ahn e protagonizado por Bowen Yang ter um tom cômico, a obra traz várias alusões sobre camadas sociais, além de uma abordagem de aspectos culturais, raciais, de gênero e sexualidade. Entre piadas e clichês, Fire Island é um grito de resistência e representatividade.

Em função das finais da NBA, uma das apostas dos streamings para esse mês foi o conteúdo voltado para um dos esportes mais amados pelos americanos, o basquete. É isso que Rise, produção do Disney+, buscou. A obra, dirigida por Akin Omotoso, conta a história dos irmãos Antetokounmpo, o primeiro trio de irmãos a se tornarem campeões do campeonato. O elenco conta com Dayo Okeniyi (Fresh), Yetide Badaki (This Is Us), Uche Agada e Ral Agada e teve uma recepção positiva por parte da crítica, com 95% de aprovação no Rotten Tomatoes. 

Porém, o que conseguiu mais holofotes ainda foi a aposta da Netflix, Arremessando Alto, derivado da parceria com Adam Sandler. Depois de Joias Brutas, o longa é mais uma prova que Sandler leva muito mais jeito para a veia dramática do que para a comédia. Porém, aqui, o veterano consegue mesclar suas duas personas em uma dramédia esportiva bem gostosa. 

No filme, o ator interpreta um olheiro do Philadelphia 76ers disposto a mudar de vida, até que descobre, na Espanha, o talento Bo Cruz (Juancho Hernangomez). Com um elenco composto em sua maioria por jogadores e lendas da NBA, a atuação de Sandler é um destaque, pois entrega algo muito acima da maioria de seus trabalhos. Mas os méritos precisam ser dados aos atletas, que desempenham seu papel sem prejudicar o longa. Aqui, um destaque para Juancho, jogador do Utah Jazz, que coestrela a obra.

Outra que deu as caras  também, mas dessa vez em um gênero específico, foi Megan Fox. Até a Morte, longa de Scott Dale, marca a volta da atriz (que já vive o terror de ser casada com Machine Gun Kelly) ao cinema de Horror. A história, uma espécie de Jogo Perigoso, narra a história de uma mulher que tenta sobreviver à investida de dois assassinos enquanto está algemada a seu marido morto. Esse jogo de gato e rato conquistou a crítica, que destaca a atuação convincente de Fox.

As duas maiores surpresas tinham que ficar para o final. Os destaques a seguir rapidamente perderam o status de filme e conquistaram o de experiência, ora pela sua qualidade, ora pelo seu apelo. Essa última opção é justamente o caso de Minions 2: A Origem de Gru. Hoje, a internet tem o poder de mudar o rumo dos filmes, como aconteceu com Sonic, recentemente com Morbius e, num futuro próximo, com Barbie, de Greta Gerwig. No presente, o escolhido da vez é o prelúdio de Gru (Steve Carell), em meio a história dos seres amarelos favoritos do Cinema.

Recebido com uma pompa e circunstância a princípio descabidos, o longa traz uma estética setentista para a história da (tentativa de) ascensão do malvado favorito dos Minions. A direção tem a assinatura de Kyle Balda e a trilha sonora tem como grande nome o de Jack Antonoff, responsável por trazer nomes como St. Vincent, Phoebe Bridgers, Kali Uchis e H.E.R. para a produção de covers, com destaque para uma canção original assinada por Diana Ross e Tame Impala. Leve e divertido, Minions 2: A Origem de Gru tem tudo para ser mais um (se não o maior) acerto da franquia.

Fechando com chave de ouro, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo veio decretar seu lugar na Sétima Arte. Totalmente fora dos radares, o longa já chamava a atenção quando lançava seus trailers, mas nem a pessoa mais empolgada com o material poderia esperar a experiência que o filme é. Dirigido por Daniel Scheinert e Daniel Kwan, que carinhosamente assinam como Os Daniels, a obra é somente a segunda aventura conjunta dos diretores em longas, que tiveram sua estreia com o já intrigante Um Cadáver para Sobreviver.

Aqui, os dois replicam o que deu certo no projeto anterior, e vão muito além. Narrando a história de Evelyn (Michelle Yeoh), uma imigrante chinesa que descobre o acesso ao multiverso enquanto presta contas de sua lavanderia para a Receita Federal, o filme é extremamente despretensioso e sem compromisso. Porém, o roteiro, em sua maioria propositalmente pastelão, guarda um subtexto muito comovente, o que é capaz de te levar às lágrimas com um diálogo entre duas pedras (sim). Em qualquer realidade possível, Everything Everywhere All at Once com certeza é o filme do ano.

Passando para o universo das séries, a Netflix geralmente é ousada em suas produções, mas, em Junho, escolheu apostar no seguro. La Casa de Papel: Coreia entrega exatamente o que promete: um remake de um dos maiores sucessos da plataforma. Levando em conta que a série original espanhola se manteve no topo do streaming por cinco anos, e que as produções coreanas trouxeram um impacto estrondoso recentemente, não foi uma surpresa que os dois universos tenham se unido. 

A série, no entanto, pode ser mais aproveitada por aqueles que não têm familiaridade com o time espanhol, já que não há grandes alterações nos personagens e na trama. Mas, para os fãs que sentem saudade da antiga produção, pode ser interessante ver a história com um contexto novo: um assalto à Casa da Moeda de uma Coreia unificada. Uma segunda temporada deve chegar ainda esse ano.

Seguindo o plot fora da lei, A Escada, obra de ficção baseada no crime que virou documentário em 2004, investiga o assassinato de Kathleen (Toni Collette) pelas mãos de seu marido Michael (Colin Firth). Com um buzz interessante e bem-vindo para as produções do HBO Max, a produção pode surpreender nas vindouras premiações. A plataforma também investiu em Barry, que retorna após uma espera de 3 anos. Mais intensa e sombria, a história sobre o assassino de aluguel que quer mudar de vida chega em seu melhor ano e se consolida como uma das mais originais da atualidade. Bill Hader, protagonista e criador, prova que sua escrita só evoluiu, assim como suas habilidades na direção.

No Hulu e em breve no Star+, Under the Banner of Heaven, série baseada no best seller de mesmo nome, segue a cartilha de um bom American Crime. Estrelada por Andrew Garfield, a obra acompanha um crime real dos anos 80, cometido em nome de Deus por dois irmãos mórmons. Tanto a obra como Garfield, que interpreta um detetive religioso, conseguem conduzir bem o dilema religioso e mesclá-lo em um thriller criminal extremamente envolvente, com lampejos que lembram os melhores anos de True Detective.

Marcando o retorno dos heróis desajustados mais queridos da Netflix, The Umbrella Academy chega ao seu terceiro ano com uma base sólida de fãs, que, infelizmente, se decepcionou. É evidemte que a produção chegou em um nível de conforto: as temporadas anteriores foram tão grandiosas a ponto da mais recente não conseguir dar conta de seu próprio tamanho, e grandes ganchos do segundo ato acabaram se desperdiçando. Mesmo assim, a obra ainda entrega uma boa aventura com muitos pontos positivos, com destaque para as dinâmicas entre Klaus (Robert Sheehan) e Número 5 (Aidan Gallagher), e para a transição de Viktor (Elliot Page), que apesar de singela, foi executada com carinho.

Em relação aos super-heróis do HBO Max, a quarta temporada de Young Justice, intitulada de Phantons, traz de volta os poderosos adolescentes e suas missões desafiadoras. Com a produção ocorrendo durante o auge da pandemia, em 2020, algumas das etapas de desenvolvimento foram diferentes das demais séries de animação, como a dublagem feita individualmente. Dentre as tramas principais da temporada estão a viagem de Miss Marte, Superboy e Mutano para o casamento de M’gann e Conner em Marte, onde os personagens se deparam com um assassinato e com o preconceito racial, que se desenvolvem junto a outros eventos no planeta vermelho.

Indo para os heróis das estrelas, no Disney+, Obi-Wan Kenobi narra os acontecimentos após a queda e corrupção de Anakin Skywalker (Hayden Christensen) para o lado sombrio da força. O personagem principal interpretado por Ewan McGregor, que deu nome a produção, lida com as consequências da perda de um amigo e do fracasso como Mestre Jedi. A minissérie apela para a nostalgia dos fãs de Star Wars, mas, ao mesmo tempo, se mostra ousada em tentar expandir a trama original e apresentar outras facetas dos personagens já popularmente conhecidos. 

Queer as Folk, reboot da série britânica de mesmo nome, é comandada por Stephen Dunn e acompanha um grupo diverso em Nova Orleans, que encontra apoio na comunidade queer da cidade após uma tragédia. Russell T. Davies, criador da produção original, atua como produtor executivo, e o elenco conta com nomes como Devin Way, Fin Argus, Jesse James Keitel e Kim Cattrall.

A comunidade queer também marcou presença nos reality shows. A segunda temporada de Drag Race España se encerrou com a vitória de Sharonne. A competição para nomear a próxima Super Estrela Drag da Espanha foi acirrada, mas a apresentadora Supremme de Luxe decidiu coroar a rainha de Barcelona por seu desempenho invejável nos desafios. Além da grande vencedora, Estrella Xtravaganza e Venedita Von Däsh chegaram até a final, e Samantha Ballentines conquistou o título de Miss Simpatia. 

Legendary, o reality de voguing do HBO Max, retorna sem o glamour da segunda temporada e sem uma grande estrela no painel de jurados. A saída de Megan Thee Stallion para a entrada de Keke Palmer foi uma troca inicialmente injusta com o público, mas que ao longo dos dez episódios exibidos em quase dois meses, se mostrou eficiente para a competição de 2022 – além da participação especial de Anitta e do retorno da lendária Dominique Jackson, que deram o que falar. No geral, com elencos nada inspirados e desafios repetitivos, Legendary se tornou apenas ordinária.

A plataforma também apostou em A Ponte – The Bridge Brasil, reality original que foi a grande surpresa do mês e reúne um grupo de anônimos e famosos para construir uma ponte e chegar a um prêmio recheado. Sendo tudo que a nova versão de No Limite sonhou em se tornar, a produção escalou nomes como Pepita e Dani Winits, servindo drama, confusão e a diversão mais genuína que o mundo das competições de realidade ofereceu no ano até agora.

Falando sobre o reality da família mais amada e odiada dos Estados Unidos, a 1ª temporada de The Kardashians chegou ao fim, mas logo deve voltar para um segundo ano. O programa que acompanha o clã trouxe menos episódios do que o falecido Keeping Up with the Kardashians, porém, a premissa continou a mesma: dramatizar os eventos que acontecem na intimidade dos ricaços. Nas redes sociais, o programa viralizou com momentos como o relacionamento de Kim com Pete Davidson e a maneira peculiar com que Kendall corta pepino.

Mudando os ares, o Paramount+ trouxe um pouco de política em Junho. Em The First Lady, Viola Davis, Michelle Pfeiffer e Gillian Anderson interpretam as primeiras damas mais memoráveis da História dos Estados Unidos, sob a direção da vencedora do Oscar Susanne Bier. A Primeira-Dama tinha tudo para arrebatar a audiência e a aclamação dos críticos: antes da estreia, somente as imagens promocionais de Davis na pele de Michelle Obama foram o suficiente para causar um frenesi nas redes sociais. No entanto, a produção caricata quebrou a expectativa e fez a 1ª temporada da série se tornar alvo de deboche do público. Até o momento, o futuro da obra é incerto.

A política estadunidense também foi abordada em Gaslit, que deu uma nova perspectiva ao livro escrito por Bob Woodward e Carl Bernstein, Todos os Homens do Presidente. Se na obra original há a visão dos jornalistas sobre o evento polêmico que levou à renúncia de Richard Nixon, na adaptação, dirigida por Matt Ross, a narrativa é tratada pelos olhos do grupo de corruptos que compunham a equipe então presidente. 

Ao acompanhar os bastidores das manipulações cometidas pelos homens do presidente, o resultado são cenas cômicas de um planejamento tão meticuloso que fica difícil acreditar que se trata de uma história real. O destaque fica para as interações do procurador-geral, John Mitchell (Sean Penn), e seu improvável contratempo, a esposa Martha Mitchell (Julia Roberts). A minissérie, criada por Robbie Pickering, difunde um roteiro extremamente original e bem pensado. Abusando de um suspense político misturado a um humor bastante peculiar, Gaslit remonta a história com um descaramento libertino tão fiel que parece piada.

O Poderoso Chefão é, provavelmente, uma das maiores produções cinematográficas da História, posta em um patamar tão alto que qualquer obra que tente retratá-la acaba se tornando alvo de críticas. Dessa vez quem reviveu o longa foi The Offer, minissérie do Paramount+ que propõe mostrar os bastidores da criação do clássico. A série não é excepcional e nem revolucionária, mas a metalinguagem explícita já a torna interessante o suficiente para uma maratona. 

Peaky Blinders também traz a atmosfera derivada do Cinema de Coppola de forma bem perceptível. Mesmo sendo a sexta e última temporada da série, a história da família Shelby tem um desfecho temporário, uma vez que um filme fechando a história está para sair do papel. Porém, o final que a trama entrega condiz muito com o caminho que o próprio show tomou. Girando em torno do legado dos Shelby, a obra não perde tempo tentando redimir seus personagens, e a escrita de Steven Knight é bem mais sútil ao tratar de seus temas. 

Elevar o nível de uma temporada inaugural recheada de méritos não é simples, mas o time criativo de Hacks deu conta do recado. Pouco tempo depois de vencer 3 importantes prêmios da Academia, a comédia de Jean Smart e Hannah Einbinder retorna com a sagacidade que impregna seu DNA rebelde. No novo ano, Deborah entra em turnê ao mesmo tempo em que descobre uma traição de Ava. Entre a viagem de ônibus, um cruzeiro de lésbicas e um show televisivo, Hacks sobe cada vez mais no pódio de grandes comédias sobre o ato de se fazer comédia. Com um final com cara de desfecho de novela, uma terceira temporada já foi anunciada e só nos resta aguardar o que as megeras preparam a seguir.

A comédia também ficou por conta do segundo ano do revival de iCarly, que retomou o clima de amizade entre os personagens principais após a série de desilusões amorosas na 1ª temporada. Com participações especiais como a de Josh Peck, a sitcom continuou a acompanhar a jornada de Carly e seus amigos em aumentar o alcance do seu canal na web. A renovação ainda não foi anunciada, mas, com o clamor dos fãs, tudo indica que a produção deverá ser retomada.

A Mulher do Viajante do Tempo, adaptação do romance homônimo de Audrey Niffenegger, mistura o romance com a ficção científica e acompanha o casal formado por Henry (Theo James) e Claire (Rose Leslie). Apesar de sua relação ser vista como perfeita pelos outros, o casamento dos dois enfrenta um grande problema: Henry tem um distúrbio que o permite viajar no tempo. Criada por Steven Moffat, que é bem familiarizado com o conceito de viagem no tempo, a série conta com Everleigh McDonell, Desmin Borges e Kate Siegel e já foi cancelada pela HBO após péssima recepção do público.  

Também pincelando o romance e em clima de despedida, a 3ª e última temporada de Com Amor, Victor, disponibilizada no Star+, entrega o fim do arco de seus personagens com a maturidade necessária. Desde seu lançamento em 2020, a série spin-off do filme Com Amor, Simon criou uma narrativa sobre evolução e autoconhecimento, principalmente de pessoas da comunidade LGBTQIA+. 

Entre reviravoltas e crises de identidade, a temporada escolhe se distanciar do que é exatamente previsível e deixar os romances com “felizes para sempre” em segundo plano. Com foco no crescimento, Victor (Michael Cimino) e seus amigos passam por problemas nos relacionamentos, nas famílias e, essencialmente, consigo mesmos. Love, Victor mostra a adolescência como um período de transição, em que os sentimentos, mesmo que verdadeiros, não são mais importantes que o desenvolvimento e o cuidado pessoal. 

Em um mês lotado de lançamentos no Cinema e na TV, os concorrentes às premiações começam a aparecer. Abrindo a temporada de competição e se cansando da rivalidade entre streamings, a Academia de Televisão anunciou seus indicados ao Primetime Emmys de 2022 no último dia 12, sem dar de bandeja quais foram as plataformas e canais que mais tiveram seus nomes anunciados. Com 17 nomeações, é improvável Hacks não reaparecer no Cineclube nos próximos meses – dentre as modalidades, a série figura em todas as categorias de atuação feminina em Série de Comédia, algumas com mais de uma atriz concorrendo, além de disputar o troféu principal.

Na publicação mensal do Persona, Barry é outra que tem chances de pipocar de novo por aqui, e The Staircase torce para ser lembrada na edição de Setembro, quando os vencedores do Emmy 2022 serão anunciados. Andrew Garfield, que garantiu a aparição de Under the Banner of Heaven na lista de indicados do Oscar da TV, pode não voltar a representar a série por aqui, mas seu nome com certeza será lembrado de outras produções. Sem apresentador anunciado, a cerimônia do Emmy 2022 será realizada em 12 de Setembro, mas antes disso, o mês 7 reserva espaço para Os Garotos do Prime, a super-heroína da Disney e até o Rei do Rock de Baz Luhrmann. 

Texto: Gabrielli Natividade da Silva e Guilherme Veiga

Pesquisa e Pauta: Caio Machado, Gabriel Gatti, Jamily Rigonatto, Nathalia Tetzner e Vitor Evangelista

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Nathan Sampaio

Não há tempo mais mágico do que as férias escolares. Nesse período, podemos conhecer novas pessoas, formar amizades e laços duradouros, sejam com amigos ou familiares, aprender novas atividades e conhecer o mundo. Essa é, com certeza, a época mais agradável para uma criança. Gravity Falls, série que completa 10 anos em 2022, nos faz recordar com carinho das férias escolares no mesmo momento que adentra em uma grande investigação cativante. 

Na trama, os irmãos Dipper (Jason Ritter) e Mabel (Kristen Schaal) vão passar as férias de verão numa cidade chamada Gravity Falls, local onde mora seu tio-avô Stanley (Alex Hirsch), um homem picareta que chefia a Cabana do Mistério, uma loja que lucra em cima das lendas locais. O que pode parecer entediante se torna muito mais interessante quando os irmãos encontram o diário perdido de um homem relatando que todos os mitos da região são reais e podem ser perigosos, e essa descoberta fará os protagonistas entrarem numa grande conspiração. 

A premissa das férias escolares é muito utilizada em séries animadas, tanto que há exemplos como Phineas e Ferb e O Mundo de Greg que também usam desse ponto de partida. Porém, o diferencial de Gravity Falls é a gradativa expansão dos mistérios que rondam a cidade e os personagens. Essa trama começa simples, e aos poucos se torna tão complexa que é impossível o espectador não teorizar sobre o que está acontecendo em tela. Algo parecido ocorre com Hora de Aventura, que possui uma mitologia pós-apocalíptica, mas mascarada pela trama infantil.

O ponto mais divertido do desenho é que ele convida o espectador para participar da investigação, pois os segredos do diário vão sendo descobertos junto com Dipper e Mabel. No entanto, esse é apenas o terceiro diário, e há mais dois que estão perdidos. O próprio livro contém segredos, como linguagens antigas, runas, tinta que só aparece na luz negra, entre outros detalhes.

O interessante é que essa busca por respostas cativa aos poucos, e ao final ela se torna compensatória. A trama sobre os livros é muito complexa e envolve diversos personagens da cidade, além de ser uma ameaça gigantesca a todo o planeta. Logo, essa jornada, além de gostosa de acompanhar, é ameaçadora e perigosa, dando um peso muito maior às ações dos personagens.  

Porém, não existe somente essa narrativa. Cada episódio tem seu próprio mistério e sua aventura, tornando cada momento de Gravity Falls algo gostoso de se ver. Em todo capítulo, o criador Alex Hirsch propõe situações inusitadas e que se relacionam com algum mito ou história do mundo real, criando situações malucas e criativas. 

Algo genial que o desenho possui é que, além de seus mistérios durante a história, a própria animação carrega seus segredos. Todo episódio possui criptogramas, símbolos e palavras escondidas que remetem a algo da história ou fazem referência ao mundo real, e estão ali simplesmente para serem decifrados pelo público. Até mesmo a icônica abertura da animação apresenta alguns presságios do que acontecerá durante toda a série.    

Muitas das loucuras e mistérios de Gravity Falls vem da sua influência: o seriado Twin Peaks, criado por David Lynch nos anos noventa. É possível ver essa referência em vários episódios, pois a equipe de animação recria diversos cenários e momentos da série precursora. Além disso, o nome dos protagonistas remetem ao título desse programa, afinal eles são os irmãos Pines, ou Twin Pines no original, e até mesmo Lynch foi chamado para dublar o vilão Bill Cipher, mas acabou recusando a proposta.

Grande parte do carisma da série animada vem de seus personagens, que conquistam o coração do público logo nas primeiras cenas. Dipper e Mabel são protagonistas incríveis, muito diferentes entre si, mas que se complementam perfeitamente, e o carinho que eles têm um pelo outro é palpável e lindo de se observar. Também é incrível que ambos crescem muito com o passar dos capítulos, e, ao final do seriado, são pessoas novas e que mudaram por causa dessas experiências.

Dipper é um menino estudioso e que adora quebra-cabeças, por isso os segredos do diário o intrigam tanto, porém, por mais que ele queira parecer maduro, ele ainda precisa lidar com muitas situações amorosas e que vão ensinar lições de amor e amizade, provando a qualidade de seu arco. Já Mabel é o coração do seriado, com suas atitudes emotivas e carinhosas, ela cria laços de amizade muito verdadeiros, e ensina sobre empatia e sobre o amor em si. Uma curiosidade interessante é que os protagonistas foram inspirados no criador e em sua própria irmã. 

O tio-avô Stanley é um dos personagens mais divertidos, carismáticos e enigmáticos do desenho, tanto por ele ser protagonista de vários mistérios quanto por possuir uma personalidade única. Suas atitudes trambiqueiras rendem situações muito divertidas e caóticas, e o carinho que ele possui por Dipper e a Mabel é muito verdadeiro. Ele acaba funcionando como uma figura paterna para ambos, ensinando e estando presente quando eles mais precisam.

Há outros coadjuvantes que ganham muito destaque durante o seriado, como Soos Ramirez (Alex Hirsch), que, embora pareça um personagem bobo, tem muito carinho por todos ao seu redor, além de ganhar um episódio próprio que é muito dramático. Wendy Corduroy (Linda Cardellini) é outra coadjuvante que rouba a cena. Ela vem de uma família muito peculiar de lenhadores e tem uma relação bacana com Dipper, auxiliando no arco desse personagem. 

Entre os personagens de maior destaque, há o vilão da série, Bill Cipher (Alex Hirsch). Seu design é muito peculiar: uma pirâmide com um olho central, usando cartola e bengala. Pode parecer extremamente inofensivo, mas que, magistralmente, o desenho usa deformidades da animação para torná-lo ameaçador. Além disso, seus poderes e voz demonstram uma imponência grande, causando medo tanto nos personagens quanto no espectador. 

Outro toque mágico de Gravity Falls é que o desenho possui mais uma dezena de personagens que são carismáticos e únicos, fazendo com que a cidade pareça muito viva, com seus vários habitantes. O seriado aproveita esses personagens para incluir diversas participações especiais na dublagem, como Neil deGrasse Tyson, Nathan Fillon, J.K. Simmons, Alfred Molina, Mark Hamill, entre outros.

Muitos dos fatores que fazem de Gravity Falls um desenho tão bacana é o fato da cidade-título ser tão rica de lendas, histórias, personagens e localidades, e o mais legal é que parte da culpa da sua riqueza narrativa vem de uma inspiração na vida real. Hirsch, quando criança, passava suas férias de verão na cidade de Boring (entediante, na tradução do inglês), no Oregon, e esse local serviu de base para construir o povoado visto e explorado no desenho.

Comemorando 10 anos de sua estreia em 2012, Gravity Falls é um desenho cheio de coração e criatividade, elaborando um mistério magistral ao mesmo tempo que desenvolve seus personagens e relações. Essa aventura é tão gostosa que, assim como o Dipper e a Mabel, nos perdemos no tempo e nas histórias daquela cidadezinha. Quando chega a hora de dizer adeus, a despedida é muito triste, mas fica a sensação agradável de que aquela viagem foi inesquecível e que não seremos os mesmos novamente. 

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Vitor Evangelista

Não há nada que um homem goste mais do que agradar e impressionar outro homem. Seja numa relação romântica ou apenas na amizade, a Arte explorou, desde o Batalhão Sagrado de Tebas até os garotos bobos de amor de Heartstopper, que eles compartilham esse fascínio, um senso de deslumbramento que os coloca no centro do universo. Quando foi lançado em 1986, o romance entre Maverick e Charlie em Top Gun: Ases Indomáveis era, à primeira vista, o único ponto de tensão no filme. Mas o produto final mostrou um subtexto extra.

Acontece que, na escola para os pilotos mais velozes do planeta, o protagonista sorridente e teimoso de Tom Cruise se choca com alguém que faz seu coração bater mais forte que os cachos dourados de uma Kelly McGillis na flor da idade. Iceman (Val Kilmer) representa um rival imbatível, entretanto, a camada abaixo da superfície revela uma tensão (e um tesão) incubado entre os militares. Quando jogam vôlei na praia, ou mesmo quando desfilam só de cuequinha branca pelos vestiários do quartel, Kilmer e Cruise não desgrudam os olhos um do outro.

Esse fator, provavelmente surpreendente até mesmo para o diretor Tony Scott, rendeu à Top Gun o título de filme gay. O filme mais não intencionalmente gay dos anos oitenta. Ou será que havia intenção? Afinal, a quem pertence O Babadook? A Arte, como meio de expressão e mensagem, serve propósito àqueles que a consomem, quer o significado seja idealizado por quem o criou, quer o contrário.

No caso de Top Gun, a questão do homoerotismo era tão presente no núcleo narrativo da obra que, para reafirmar a heterossexualidade de seu protagonista, o ideal americano de macho familiar, sadio e pronto para defender o país que ama, o filme rompe sua virgindade ao som da canção que imortalizou o amor sacana da década. Posteriormente vencedora do Oscar, Take My Breath Away ilustra com maestria o papel social do homem naquele ambiente: ele luta arduamente para ser recompensado pelo beijo caloroso de sua amada, à meia luz, banhados pelo azul e desnudos em uma cama de lençóis brancos. 

Por definição, o homoerotismo se caracteriza pela relação erótica, sem ser necessariamente sexual e genital, entre pessoas do mesmo gênero, ou mesmo satisfação encontrada por meio de um objeto do mesmo gênero. No papel, a relação de Iceman e Maverick não passa de uma rivalidade banal, uma competição de egos e uma medição de testosterona. Na prática, a química dos intérpretes, aliada à direção calculada de Scott, sempre equiparando o desejo de posse ao de conquista, o público pôde muito bem enxergar um grau além do aparente retrato do mundano.

Oito anos se passaram até que Tom Cruise se metesse em outro projeto homoerótico. Dessa vez na pele de Lestat, o ator vivia um vampiro imortal que, na solidão da noite, busca a companhia de Louis (Brad Pitt), a quem trata com carinho e o gracejo de alguém apaixonado pela ideia de dividir o infinito com outro alguém. Em Entrevista com o Vampiro (1994), o diretor Neil Jordan adapta o clássico de Anne Rice abusando do erótico e do libidinoso. Expressando o desejo das criaturas da noite por meio de um texto polido ao ponto de soar como poesia de alta qualidade, Louis e Lestat são carne e unha. 

Isso até que Claudia (Kirsten Dunst) entra na equação. A criança, amaldiçoada pelo vírus sanguinário em um momento de fraqueza dos protagonistas, se torna uma filha do casal, e se a relação a dois já passava por percalços, a três a situação azeda. Entre incêndios, jacarés famintos e o encontro com outro vampirão sexy (Antonio Banderas), o personagem de Brad Pitt é feito de gato e sapato pela luxúria. 

Cruise, mais velho que o companheiro de trabalho, assume a figura do mentor/amante maduro, que abre o horizonte para o jovem, oferecendo-o a possibilidade de se deliciar com os sucos da vida. E se Top Gun tinha vergonha de expor o lado travesso da relação de seus brucutus, Entrevista com o Vampiro não se acanha ao lamber os lábios frente a devassa e apetitosa possibilidade de consumação. Ninguém precisa ouvir trocas de afetos melosos entre os vampiros, já que o subtexto, nascido da necessidade de explorar o amor homossexual e o desejo de poder entre monstros carnívoros, atravessa a sutileza e não passa despercebido. 

Entre 1994 e 2022, o mundo mudou um bocado, e o homoerotismo passou de figurante para elemento principal das narrativas. E no contexto em que a Netflix domina gráficos de audiência e toma as rédeas das tendências, não tem produção que melhor exemplifique o assunto do que Elite. Nascida como uma parente distante de Rebelde e uma prima rebelde de Riverdale, a criação de Darío Madrona e Carlos Montero há muito abandonou a coesão e o cuidado para encher a tela com homens seminus se admirando nos chuveiros de Las Encinas. 

Os assassinatos continuam no roteiro nada amarrado do seriado, que finalizou uma quinta temporada cada vez mais abraçando o dadaísmo na TV. Sem preocupação com arcos, ganchos, desenvolvimento de personagens coadjuvantes e um clímax digno da maratona de oito horas, Elite fez seu 2022 ao redor da tensão entre Patrick (Manu Ríos) e Iván (o brasileiro André Lamoglia), um casal improvável que atravessa tempestades e furacões até que se aceitem como o destino os prostrou. 

Mas, antes de Patrick fazer qualquer um babar, Elite era dominada pelo fascínio que Ander (Arón Piper) provocava não apenas em Omar (Omar Ayuso), mas em qualquer um que o orbitasse. Polo (Álvaro Rico) se fascinou por Christian (Miguel Herrán), depois procurou refúgio na relação com o próprio Ander, figura máxima da tentação máscula. Isso até a chegada de Patrick, que enfeitiçou personagens e público, o que diminuiu ao passo que Iván pisou no colégio. Ciente de que seu elenco masculino gera mais engajamento que qualquer interação entre mulheres ou casal heterossexual, a produção da Netflix reconstrói seu universo ao redor do homoerotismo e do homossexual, já que nao faltam cenas picantes entre os garotos ao longo de todos os anos de exibição.

Importante entender, mais do que apenas criticar a evidente má qualidade de Elite nos princípios básicos de drama e roteiro, que a série nasceu, como já dito, na figura de uma repaginação de Rebelde, sem censuras. Na série mexicana, o público assistia o imperialismo heterossexual, onde o sexteto protagonista era categorizado em três casais, por mais que Giovanni (Christian Chávez) representasse, sem dúvida alguma, um homem queer, ou, ao menos, um homem que não tinha enlace romântico com Lupita (Maite Perroni), a única das meninas sem uma contraparte heteronormativa para fazer pose ao lado nos pôsteres e álbuns de figurinhas. 

De um Giovanni trancafiado no armário para um Patrick assumido e aceito pela família e pela escola elitista da Espanha, muito melhorou na mídia e na sociedade que a consome. Mas o que une Top Gun, Entrevista com o Vampiro e Elite, para além da obviedade da tensão homoerótica? A resposta vive na origem deste texto: o fascínio e o êxtase de quem acompanha a trama pelo desenrolar de uma semente “proibida”, algo primeiramente tachado de errado mas que, se provado, floresce em emoção e sedução.

O homoerotismo sempre nos deixou de quatro pela força das narrativas, para além do mocinho encontrar a princesa e eles viverem felizes para sempre. Por vezes, o mocinho ia de encontro a outro mocinho, e eles nem sempre viviam no marasmo e na boa vida de suas contrapartes heterossexuais. Em Top Gun, Maverick leva Charlie na garupa, para longe da figura de Iceman. Em Entrevista com o Vampiro, Lestat e Louis ganham contornos de antagonistas, por mais que a paixão ainda resida no fundo do ódio. Em Elite, Patrick e Iván trocam afagos calorosos depois de presenciarem uma morte chocante, sem saber o que o amanhã reserva a eles. Tudo que nos resta é assistir. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

É bem possível que estejamos entrando em um período de ouro para as adaptações de videogames na Televisão: embora o Cinema ainda sofra para traduzir narrativas interativas para filmes de duas horas, vemos cada vez mais exemplos de como estruturas serializadas são capazes de realizar essa transição incólumes. Arcane, da Netflix, conseguiu transformar a poderosa mitologia de League of Legends em uma das melhores séries do ano, construindo uma trama emocionante sobre desigualdade e opressão em cima de um jogo de estratégia competitivo, enquanto a versão de The Last of Us para a HBO promete estar na vanguarda da temporada de premiações de 2023.

Porém, ainda em 2021 tivemos um novo e último capítulo para a série que provavelmente deu início à essa moda. Na quarta temporada de Castlevania, diversos arcos são concluídos e a busca de seus protagonistas para acabar com o mal de uma vez por todas chega ao seu final climático. A adaptação da icônica franquia de jogos da Konami que empresta parte do nome ao gênero metroidvania foi desenvolvida pelo estúdio Powerhouse, que desde então vem provando sua excelência no meio com projetos como O Sangue de Zeus e Mestres do Universo: Salvando Eternia. Após uma humilde primeira temporada com apenas quatro episódios, a trama do seriado rapidamente se expandiu para uma verdadeira saga de poder e mitologia vampírica.

Embora nem sempre tenha seguido a linha dos jogos que a inspiraram e seu próprio criador, o roteirista Warren Ellis, ter admitido nunca nem tê-los jogado, a série jamais deixou de homenagear seu material original, de pequenas e grandes maneiras, que evidenciam o amor de sua equipe pela obra. Ainda é muito cedo para decidir como é a melhor maneira de adaptar videogames (um meio obrigatoriamente interativo) para o formato audiovisual, mas Castlevania faz um ótimo argumento para o modelo episódico, tomando liberdades narrativas e visuais, usando as bases de sua estrutura como ponto de partida para contar histórias inteiramente novas.

Com o set-up perfeito ao final da primeira temporada, o segundo ano logo parte para águas desconhecidas ao apresentar a corte de Drácula (Graham McTavish), composta não só por grandes e temíveis vampiros-generais sedentos pelo sangue da vingança do Conde, mas também por dois humanos, Isaac (Adetokumboh M’Cormack) e Hector (Theo James), que têm suas próprias razões para auxiliarem o projeto de extinção da humanidade. Juntando isso à chegada de Carmilla (Jaime Murray), a misteriosa vampira da Estíria com seus próprios planos para a raça humana, e o núcleo político de Castlevania logo se torna um dos mais engajantes da série, repleto de maquinações e reviravoltas que revelam suas personagens e provém um insight mais profundo sobre seu antagonista principal e suas reais motivações.

O segundo ano do seriado revolve ao longo de dois eixos que se atraem para um único confronto e, embora o núcleo da corte de Drácula seja o que oferece maior dinamicidade, é na companhia de Trevor (Richard Armitage), Sypha (Alejandra Reynoso) e Alucard (James Callis) que a produção encontra seu verdadeiro coração melancólico. Inicialmente unidos apenas pela necessidade de matar Drácula antes que ele complete sua terrível missão, o trio ganha familiaridade conforme as pilhas de corpos de demônios se acumulam ao seu redor, e essa intimidade se faz mais evidente na maneira coordenada com que lutam nas elaboradas cenas de ação do que em qualquer diálogo.

Castlevania transforma essas cenas em expressões visuais macabras dos elos entre seus personagens através da animação da Powerhouse, altamente inspirada tanto pela estética de animes quanto pelas ilustrações da artista Ayami Kojima, tão inerentes aos jogos da série quanto suas próprias mecânicas. A série sempre teve uma inclinação para exagerar o efeito para acentuar suas causas, algo que até mesmo explica o porque vemos tão pouco de alegria na vida das personagens antes que elas sejam tiradas de lá; porque precisamos apenas da reação de Drácula à morte de Lisa (Emily Swallow) na primeira temporada para entender a dimensão de seu amor e, consequentemente, de sua perda.

Onde tantas outras adaptações de jogos tropeçam, Castlevania se sobressai: ao invés de tentar condensar horas de jogabilidade em algumas poucas cenas de exposição, a animação tenta ao máximo expressar a liberdade inerente a um meio interativo por meio da causalidade das ações de suas personagens, se interessando mais em diálogos que construam o aqui e o agora do que o passado imediato. Nas poucas ocasiões que somos submetidos a um flashback, há uma qualidade quase teatral no texto de fazer evidente sua tragédia antes mesmo que nós tenhamos tempo para processá-la por completo, culminando no final agridoce da temporada, em que, para mal ou para bem, o trio completa sua missão.

O conflito de pai e filho entre Drácula e Alucard amarra esse fim com os laços estabelecidos entre as personagens até então, além de suprir o potencial mítico da história, que faz questão de terminar não com glória, mas com um grito de terror e sofrimento. A beleza da animação contrasta com a brutalidade dos golpes dados e recebidos por cada um dos vampiros, ao ponto que é difícil dizer quem está vencendo ou perdendo. Em uma temporada marcada pela promessa de dar fim ao mal, Castlevania tem o bom senso de terminar em um silêncio antecipatório, já que muitas das peças continuam no tabuleiro e o jogo não parece nem um pouco perto de acabar.

Alucard, enquanto isso, lida com a solidão de seu novo endereço, preso entre a imponência terrível do castelo de Drácula e os mistérios enterrados do porão dos Belmont, numa metáfora pouco sutil de sua condição de meio-vampiro, mas que faz um bom trabalho em refletir sua existência partida e tortuosa. O filho do Conde aceita o pedido inusitado de dois estrangeiros para ensiná-los a enfrentar os vampiros que oprimem suas terras e, na busca por se separar da figura maníaca do pai, acaba redescobrindo seus próprios sentimentos sobre a humanidade.

Mas a estrela da terceira temporada não é ninguém menos do que Carmilla. A rainha da Estíria e seu pequeno Conselho das Irmãs formam o cerne do núcleo político deste capítulo, que se dedica a caracterizar o seu plano ambicioso para assegurar o futuro de sua raça. Muito longe da insanidade do antagonista anterior, Carmilla e suas companheiras têm planos mais elaborados, mas não menos cruéis, baseados em motivações tão compreensíveis quanto as dele. O relacionamento entre Lenore (Jessica Brown Findlay) e Hector é um dos pontos chave da sequência de maquinações que compõem o clímax tríplice da temporada.

Em julho de 2020, mais de um ano antes do lançamento da quarta e última temporada da série, um coletivo de mais de 60 mulheres e indivíduos não-binários denominado So Many of Us lançou uma carta aberta acusando o criador Warren Ellis de comportamentos inapropriados, manipulativos e predatórios durante sua carreira, se utilizando de sua influência como escritor para pressioná-las em relacionamentos. À época, ele já havia terminado seu trabalho nos roteiros da quarta temporada, mas a Netflix eventualmente confirmou que ele não faria parte da sequência planejada para a produção. 

Apesar do roteirista ter pedido desculpas publicamente (tentando convenientemente negar sua própria influência como autor best-seller), ele apenas entrou em contato com o coletivo em agosto de 2021 para iniciar o processo de reparação. Após o choque inicial das alegações e suas repercussões na carreira profissional de Ellis, os irmãos Sam e Adam Deats viraram a nova face pública de Castlevania. Responsáveis, entre outros aspectos, pela direção e produção dos episódios, eles foram a escolha perfeita para ocupar o lugar do roteirista na promoção da quarta temporada, dado seu amor pela franquia de games.

Muitas vezes elogiada por sua caracterização e variedade de personagens femininas bem como a apreciação do female gaze, aspectos desenvolvidos em muitas áreas de sua produção, a série não é apenas definida por seu roteirista. Ao mesmo tempo, não podemos (ou sequer devemos) separar o artista de sua obra, por mais difícil que seja aceitar a influência que Ellis teve na concepção de seu mundo e de suas personagens. Se tem uma constante em Castlevania, é a angústia de viver em um mundo traiçoeiro que se volta contra você, de repente e sem aviso.

Nesse clima agridoce, a quarta temporada estreou em março de 2021 com mais 10 episódios de violência sangrenta e melancolia gótica, encontrando tantos os heróis quanto os vilões em estado de crise: Trevor e Sypha mal conseguem conter as tentativas de ressuscitar Drácula, ignorantes dos planos cada vez mais impossíveis de Carmilla, auxiliada a contragosto por Hector. Alucard, mais sozinho do que nunca, tenta manter as pessoas longe do castelo enquanto atende um pedido de ajuda urgente. Todos estão exaustos e toda vitória parece apenas atrasar o inevitável num mundo regressando cada vez mais e sem sinal de que vai parar.

Seguindo a linha das temporadas anteriores, a maior força do final de Castlevania continua sendo sua habilidade de tecer tramas e personagens complexas ao redor de umas das outras, trançando seus arcos narrativos para cruzarem no ponto de maior impacto, quando a audiência está preparada e ansiando para o espetáculo de animação que se seguirá. No entanto, nos últimos capítulos do seriado essa insistência em segurar o melhor para o final se prova detrimental para a conclusão de alguns de seus arcos secundários, que chegam ao fim sem a pompa adequada à qualidade de seus personagens.

Embora regularmente introduza visuais cativantes e mais alguns personagens marcantes, como a valente humana Greta (Marsha Thomason) e o hilário vampiro londrino Varney (Malcolm McDowell), que complementam as narrativas já estabelecidas, Castlevania foca em retornar às suas origens e ao cerne dos defeitos de seu mundo catastrófico, fechando seu ciclo com familiaridade, apesar de ainda guardar algumas surpresas e revelações em sua reta final. Castlevania: Nocturne, revelada durante a Semana Geeked 2022, promete explorar algumas dessas ramificações, agora focando em futuras gerações de vampiros e caçadores de monstros.

Apesar da história de Castlevania inevitavelmente girar em torno de Drácula e das batalhas e maquinações que irão decidir o futuro de vampiros e humanos, seu melhor personagem se desenvolve muito longe de tudo isso. Isaac, que ao final da segunda temporada havia jurado prosseguir (e até mesmo expandir) a vingança do Conde, parte em uma jornada que, espelhando aquela que Lisa imaginava para seu marido no início da série, irá fundamentalmente mudá-lo. Motivado por seu sofrimento, é difícil para Isaac ver algum futuro para a humanidade que não seja a destruição, e com razão: o personagem nunca deixa de ser moralmente complexo e os grandes acontecimentos que mudam sua perspectiva são sempre diálogos com pessoas tão complexas quanto ele – e, quase sempre, pessoas negras.

Elas mostram a ele que, apesar do mal, ainda há espaço para gentileza e bondade na raça humana, e que não há sentido em querer seguir uma história que não seja a sua. Ao final da terceira temporada, Isaac segue um desses conselhos e confronta um feiticeiro que havia escravizado mentalmente toda a população local para construir uma cidade, usando uma magia que curiosamente toma a forma de uma coroa de espinhos. Enfrentando-o com seu próprio exército de Criaturas da Noite, Isaac é capaz de resistir e quebrar o feitiço, ganhando acesso a um espelho capaz de levá-lo à Estíria e se vingar da traição de Carmilla e Hector.

E no que é talvez a jogada mais acirrada do roteiro até então, ele não o faz. Ao invés disso, seu motivo para eliminar Carmilla não é tão diferente do de nossos heróis para matar Drácula. Mais da metade de sua participação na série se dedica a revelar uma condição humana ainda mais profunda que a dor ou a crueldade: a esperança. Quando Hector acha que Isaac está lá para matá-lo, ele facilmente rebate que “Vingança é algo para crianças”. Em sua última cena antes da conclusão climática da série, ele nos presenteia com um sorriso sincero e a promessa de que, aconteça o que acontecer, ele irá viver.

“Recentemente, comecei a pensar no futuro… o que, para mim, é uma novidade, porque nunca pensei que eu teria um. É assim que nos pegam, Hector. Eles nos convencem de que não há futuro. Só existe um eterno agora, e o melhor que podemos fazer é sobreviver até o amanhecer e fazer tudo de novo. Isso não é jeito de viver. E descobri, com alguma surpresa… que estou interessado em viver.”

Castlevania é uma narrativa sobre um mundo violento e cruel, infestado por monstros e abominações de todos os tipos e espécies. Em seu início, achamos que esse mal pode ser eliminado, que podemos combatê-lo e extirpá-lo da terra de uma vez por todas se apenas derrotarmos o próximo chefe, se passarmos para a próxima fase e chegarmos ao final do jogo. Em seus momentos mais derradeiros, a série abraça a estrutura típica de videogames e se delicia em entregar algumas das sequências mais sangrentas da animação recente. Mas, quando a poeira baixa, apenas isso não é suficiente.

No final das contas, temos que fazer as pazes com um mundo complexo e volátil se quisermos salvá-lo. O mal se recusa a ficar morto, e algumas pessoas continuamente tem que enterrá-lo, de novo e de novo. As personagens são consumidas por essa repetição maníaca, pelo menos inicialmente, mas logo tem que perceber que também há, de certa forma, paz nela. Em seus últimos momentos, Castlevania se presta a não se contentar com as soluções simples e deixa as ações de seus heróis e vilões falarem por si só, sem nunca esquecer de nos deixar sentir empatia por ambos.

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Marina Llata

The Owl House (A Casa Coruja) é uma série animada criada por Dana Terrace. Lançada em janeiro de 2020, acompanha a trajetória de Luz Noceda (Sarah-Nicole Robles), uma adolescente que tem dificuldade de se encaixar e fazer amigos e, ao encontrar um portal para as Ilhas Escaldadas, localizadas em uma dimensão habitada por bruxas e demônios, escolhe passar um tempo nesse mundo fantástico ao invés de ir ao Acampamento de Realidade no verão. Lá, ela encontra Eda (Wendie Malick), uma bruxa rebelde, e seu amigo King (Alex Hirsch), um demônio muito fofo, sendo acolhida pelos dois e se tornando aprendiz de Eda. 

O estilo do desenho é bastante único e pode-se arriscar dizer que inédito na Disney, com ênfase em elementos obscuros e de horror misturados a alguns outros fofos em contraposição. Apesar de uma animação e backgrounds bem detalhados, Terrace disse em entrevista à Collider que, inicialmente, o design dos personagens e artes conceituais eram mais minuciosos, o que não foi possível de ser mantido devido a uma questão prática de produção. Além disso, a criadora e showrunner já comentou em diversas outras entrevistas e também em sua conta no Twitter sobre como a ideia inicial para o tom e estilo da série era mais gráfica e obscura, mas teve que ser modificada para se enquadrar melhor na marca e seu público.

The Owl House consegue ser profunda não apenas no quesito visual, mas também em seus tópicos e temas abordados, tratando de questões como não se sentir pertencente, algo que se mostra presente na vida de Luz até que ela encontra as Ilhas Escaldadas. Também são abordados problemas familiares, mostrados no caso de Amity (Mae Whitman), com sua mãe manipuladora e narcisista, o processo de auto descoberta de King, o empoderamento de Willow (Tati Gabrielle), que antes se sentia inferior e fraca, o desenvolvimento emocional de Hunter (Zeno Robinson), que passa a confiar em outras pessoas. Além disso, a série aborda a questão da ansiedade, mostrada de forma metafórica em um episódio focado no personagem Gus (Issac Ryan Brown), e ainda o totalitarismo, representado pelo tirano Belos (Matthew Rhys), contra quem Eda é rebelde.

Um dos aspectos que ganhou notoriedade a respeito da série é sua ampla representatividade, que inclusive é inovadora se pensarmos nos padrões da Disney. A série conta com uma protagonista bissexual e retrata abertamente o primeiro relacionamento homoafetivo em um desenho animado da empresa. Além de contar com ume personagem não-binarie, e diversidade racial, com personagens diversos culturalmente e de distintos tipos físicos.

No entanto, recentemente uma pauta constante no fandom tem sido o famigerado cancelamento de The Owl House e quais seriam seus motivos. Quando finalmente pudemos ver avanços consideráveis a respeito de inclusão e diversidade na indústria de animação por parte da Disney, a marca volta a dar passos para trás? Em outubro de 2021, Dana Terrace esclareceu que não acredita que o motivo do cancelamento tenha sido a abordagem da temática LGBTQIA+. “Por mais que nós tenhamos tido problemas em ir ao ar em alguns países, eu não vou supor má fé das pessoas com quem eu trabalho em LA”, disse a criadora em entrevista à DigitalSpy. 

É visível a tentativa de Terrace de amenizar os boatos sobre uma Disney queerfóbica, afinal ela tem um contrato vigente com a empresa, mas também é visível sua frustração. E ela não é a primeira a passar por essa situação de censura vinda da marca, Alex Hirsch foi impedido de representar em tela um casal gay em Gravity Falls, ao passo que Daron Nefcy teve que manter um casal sáfico subentendido e há evidências de que ela não pôde colocar em Star vs. As Forças do Mal uma personagem transgênero. Os três criadores já se pronunciaram algumas vezes em suas redes sociais a respeito da censura que produtores executivos da empresa impõem. 

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Guilherme Veiga

Burnout. Substantivo masculino. Palavra derivada do inglês, da junção de burn, “queima” mais out, “exterior”. Distúrbio psíquico ocasionado pelo excesso de trabalho, sendo capaz de levar alguém a exaustão extrema, estresse generalizado e esgotamento físico, comumente conhecido como Esgotamento Profissional ou Síndrome do Esgotamento Profissional. Em função do estrangulamento de tempo causado pelo mundo moderno, o termo é muito discutido e recentemente, saídas vêm sendo postas a prova, como o debate acerca de uma implementação da redução da carga horária para quatro dias, por exemplo. Já em Severance (Ruptura), a nova queridinha do streaming, a alternativa é bem mais distópica.

A série acompanha o departamento de Mark (Adam Scott) em uma empresa onde é possível, através do processo de ruptura, separar sua vida pessoal do seu “eu” do trabalho, criando personalidades e consciências distintas para a mesma pessoa. Você, trabalhador que chegou até aqui, já deve ter discordado e achado essa ideia na verdade bem utópica. E isso é totalmente compreensivo, porque o próprio criador Dan Erickson, estreando no formato televisivo, desenvolveu a ideia enquanto estava no porre do escritório. Porém, o show, como uma das melhores ficções científicas do audiovisual nos últimos tempos, extrapola o conceito ao máximo, invertendo todo esse mar de rosas.

O criador, aqui, desenvolve uma camada própria de seu “Inferno de Dan” ao desvirtuar completamente as relações trabalhistas as quais inconscientemente aceitamos. Se The Office inovou ao trazer humor ao mundo corporativo, Severance inova ainda mais ao trazer um suspense de ficar na ponta do sofá e um sentimento de estranhamento para esse meio. Na série, a burocracia, corporativismo, monotonia e as frias relações entre departamentos assustam. E tudo isso piora com uma ambientação desconfortavelmente minimalista e milimetricamente planejada em um molde meio Wes Anderson de ser.

Aliás, é bem interessante notar como a série consegue agregar vários conceitos da ficção científica de uma forma extremamente original que façam com que a comparação com outras obras não seja nem um pouco contundente. Desde elementos de Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, com essa espécie de “perda de memória”, até mesmo à questão de se estar em um ambiente extremamente controlado trazida de O Show de Truman, tudo é construído de uma forma muito engenhosa e rica em detalhes, fugindo assim da mesmice de conceitos já apresentados anteriormente.

Porém, uma das ideias mais frescas que a série traz são as de Backrooms. O termo surgiu em meados de 2019 para identificar um gênero de lenda urbana de fóruns, assim como aconteceu com o Slenderman, e se trata de lugares “entre realidades” simbolizados por salas — geralmente escritórios — desconfortáveis e intermináveis e já foi abordado principalmente em jogos como a demo de Kojima e Del Toro, P.T, e o indie The Stanley Parable. E logo nos primeiros minutos do piloto Good News About Hell já é possível perceber isso através de um ótimo e angustiante plano-sequência e, futuramente, isso se intensifica com as bizarrices que os corredores da empresa Lumon escondem.

Gagné, que já tinha trabalhado com Ben Stiller em obras anteriores, a princípio nem queria assumir o posto em Severance, tamanha a dificuldade de imprimir algo em um ambiente tão monótono. Porém, a fotografia por si só é um deleite à parte e te faz mergulhar naquele ambiente claustrofóbico. Uma das assinaturas da fotógrafa na série são as transições dos externos (outies, as personas reais) para internos (innies, as personas do escritório) no elevador da empresa. Para isso,  é usada a técnica de Dolly Zoom, ou Efeito Vertigo, imortalizado por Alfred Hitchcock. Em Ruptura, a composição de um local apertado como o elevador faz com que o efeito distorça os próprios personagens ao invés do fundo, deixando assustadoramente nítida essa troca de consciência.

Fechando os pilares por trás das câmeras, é impossível não dar os méritos para a direção. A função aqui é dividida entre Aoife McArdle (Admirável Mundo Novo) e Ben Stiller e os dois são um ingrediente crucial da obra. Mesmo o ator sendo extremamente ligado à comédia, na direção ele já mostrava que levava jeito para outras vertentes e Severance é seu TCC com nota máxima. Em um universo de histórias com potencial que a indústria desperdiçou, a dupla consegue fazer com que a premissa interessante vá se desenvolvendo e se enriquecendo com paciência, para chegar ao season finale, The We We Are, sendo estarrecedor, de forma a parecer ser muito mais longo que seus 40 minutos, tamanha a sensação de sufocamento que eles conseguem imprimir no clímax da história.

E aqui eles vão no cerne da ficção científica ao cultivar um existencialismo típico do gênero para conduzir suas questões éticas e morais. Desde a melancolia dos exteriores, que a princípio aceitaram o processo por questão de qualidade de vida, até mesmo a adaptação moderna do Mito da Caverna que é feita com os internos, tudo é apresentado de uma forma muito sútil, concisa e cadenciada. Isso faz com que os questionamentos do espectador venham aos poucos com o desenvolver da história, de forma com que seja nutrida uma empatia com as personagens em seus dois “núcleos”, pois ambos espelham perguntas sobre nós mesmos, gerando um engajamento orgânico por parte de quem assiste.

Por isso, você não deve maratonar Severance. Em um mundo onde o binge-watching, graças à Netflix, reinou por anos, e, assim como ela, está entrando em decadência, a obra da Apple TV+ é talvez a maior cabo eleitoral do “reject modernity, embrace tradition” nessa questão. Seus episódios, mesmo que com ganchos fenomenais, são concebidos de maneira a serem digeridos um por vez, pois a série te joga no meio de duas realidades totalmente distintas e não se apressa para explicar as coisas, fazendo com que a confusão e os questionamentos dos dois mundos se repliquem em quem a assiste só que de forma muito mais potencializada. Além disso, a construção de mistérios dela é feita de forma única nos últimos anos, emulando o que a geração passada sentia acompanhando Lost.

Para que tudo isso funcione no produto final, é necessário que a atuação esteja a altura. E grande parte do elenco entrega aqui o trabalho de suas carreiras. Interpretar mais de um papel é uma tônica até que recorrente, que vai desde viver gêmeos antagônicos em narrativas novelescas, troca de corpos feitas por artefatos mágicos e vilões com 27 personalidades. Mas o trabalho que Adam Scott (Parks and Recreation, Big Little Lies) desempenha aqui é surreal e vai além. Ele consegue transmitir a carga de estar sobrecarregando o corpo com duas personas distintas e transitar muito bem entre seus personagens.

O restante do departamento também não fica atrás. A Helly R. de Britt Lower (Man Seeking Woman) funciona aqui como o contraponto da história e a forma com que ela imprime o estranhamento do escritório faz com que seja a personagem mais próxima do público. Zach Cherry (You) desenvolve aos poucos um funcionário exemplar que começa a cair na real e é o que consegue imprimir os debates éticos imputados ao telespectador. E John Turturro (The Batman , O Grande Lebowski) junto com Christopher Walken (Click) transmitem em tela um dos relacionamentos afetivos mais singelos dos últimos tempos. Já o Milchik de Trevor Tillman (The Godfather of Harlem) e a Cobel de Patricia Arquette (The Act, Boyhood) estão assustadoramente bens na composição de funcionários que não medem escrúpulos para fazer a empresa funcionar.

Severance é extremamente inventiva em seus conceitos e os executa de maneira primorosa. Sua escolha de se estruturar de uma forma intrigante é um de seus maiores acertos, fazendo uma crítica bem sutil, porém certeira, da sociedade cosmopolita e da máquina de moer silenciosa do capitalismo. Como uma ótima ficção científica, a série traz a distopia tão próxima do espectador e o encara até ele ficar desconfortável e começar a repensar a si próprio diante de uma realidade que, mesmo com a bagunça dos aparelhos oitentistas em conflito com o cenário futurista, é mais atual do que nunca.

Inteligente e audaciosa, Severance é minimalista ao mesmo tempo que gigantesca e não se prende a um formato, transitando do humor ácido para o thriller de forma imperceptível e impecável. Belamente fotografada e narrativamente instigante, a obra, que apesar do lançamento modesto, conquistou seu espaço no boca a boca como nos velhos tempos, merece ser falada muito mais do que já é, até porque, em questão de série, não estamos falando apenas da funcionária do mês, mas sim a do ano.

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