Stephanie Cardoso

O que torna uma interpretação do Homem-Aranha realmente marcante? Em menos de 20 anos, o amado amigão da vizinhança já teve três adaptações cinematográficas completamente diferentes entre si. A primeira – e a mais referenciada – teve Tobey Maguire no papel principal, trazendo uma versão que ficou eternizada na mente do público. Já a segunda trouxe Andrew Garfield no papel do herói aracnídeo e, apesar de interpretar o mesmo personagem, apresentou uma proposta bastante diferente. Anunciado em 2015, Tom Holland teve que encarar o desafio de ser o terceiro intérprete do famoso super-herói. O desafio não era pequeno, principalmente porque o público já tinha uma visão muito bem definida do que esperava de um bom filme do Cabeça de Teia.

Entre as principais críticas à versão de Holland, destacava-se sua postura quase como um pupilo do Homem de Ferro, vivendo uma jornada considerada mais fácil quando comparada à de seus antecessores ou até mesmo à dos quadrinhos. Como resposta, o final de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa (2021) entregou um desfecho agridoce para o personagem. Depois de perder tudo, Peter Parker precisou recomeçar do zero, completamente sozinho. Anos depois, o novo longa apresenta um protagonista que sobrevive, mas não vive de verdade. Sem amigos, sem família e sem ninguém que se lembre de quem ele é, resta apenas uma rotina marcada pela solidão, pelo trabalho como vigilante e pela tentativa constante de preencher um vazio que parece não ter fim.

É justamente nessa fase tão difícil da vida do personagem que a narrativa encontra o tom para entregar, sem dúvidas, o melhor filme da franquia atual. A Nova York apresentada aqui parece mais viva do que nunca, muito por causa do trabalho do Homem-Aranha. Mas, por trás disso, existe alguém que usa a máscara não apenas para proteger as pessoas, e sim também para fugir da própria realidade. A obra constrói uma interessante linha de raciocínio sobre a perda da identidade: para não encarar uma vida em que ninguém lembra seu nome, Peter deixa de viver como uma pessoa comum e passa a existir apenas como sua versão heróica. Aos poucos, o uniforme deixa de ser apenas um símbolo de heroísmo e se transforma na única forma que encontra para continuar seguindo em frente.

Um dos maiores acertos da direção de Destin Daniel Cretton – o mesmo diretor de Shang Chi e a Lenda dos Dez Anéis (2021) – está na forma como o longa coloca o público ao lado do protagonista. Assumindo a franquia após a saída de Jon Watts, Cretton consegue fazer com que a câmera, os enquadramentos e o ritmo das cenas ajudem a transmitir exatamente o que Parker está sentindo. Ao mesmo tempo, a cidade deixa de ser apenas um cenário e volta a funcionar como parte importante da narrativa, fazendo com que o herói pareça realmente pertencer à cidade. A cena de abertura em que o herói luta com vários vilões diferentes, faz claras referências aos quadrinhos e reforça a sensação de que este é, finalmente, o super-herói que muitos esperavam ver nas telas. Em nada adianta apenas fazer alusão às HQ ‘s, quando não se traz a essência do personagem para a tela. 

Outro aspecto que merece destaque é a trilha sonora de Michael Giacchino. A música sabe exatamente quando crescer e quando dar espaço para que o silêncio fale por si. A cena na qual Peter leva MJ para casa após uma conversa devastada é um bom exemplo de quando a quietude do momento é bem aproveitada. O roteiro de Erik Sommers e Chris McKenna também acerta ao transformar essa crise de identidade no principal motor da evolução do personagem. 

Pela primeira vez na franquia estrelada por Tom Holland, o amadurecimento acontece de forma realmente convincente. Seu crescimento não vem apenas das perdas que sofreu, mas das escolhas que precisa fazer diante delas. O conflito deixa de ser apenas derrotar um vilão e passa a ser encontrar um equilíbrio entre a responsabilidade de salvar pessoas e o direito de viver a própria vida. Essa talvez seja a melhor evolução de Peter Parker nos quatro filmes. Esse amadurecimento também transparece na atuação. Sua interpretação funciona tanto nos momentos mais silenciosos quanto nas cenas de maior carga emocional, mostrando o cansaço físico e emocional de alguém que já não consegue separar sua vida da missão de ser o Homem-Aranha.

Pode-se dizer que o grande mistério desta vez era descobrir quem seria a personagem de Sadie Sink. Desde o anúncio de sua escalação, em 2025, a internet passou meses criando teorias sobre seu papel. Os rumores iam desde Jean Grey até personagens pouco prováveis, como a Garota Esquilo. Quando a revelação finalmente acontece, dificilmente surpreende quem acompanhou essas especulações. Ainda assim, isso não é nem um pouco um problema. O impacto não está em esconder sua identidade e sim no significado que ela representa para o futuro do Universo Cinematográfico da Marvel.

Interpretando Jean Grey, Sink entrega uma das melhores atuações e rapidamente se torna um dos destaques. A atriz consegue transmitir a força e a vulnerabilidade que sempre marcaram a heroína nos quadrinhos, fazendo com que sua presença vá muito além de um simples gancho para o futuro da Marvel. Mesmo sem explorar todo o potencial da mutante, nos é apresentada uma versão bastante promissora e que estabelece as bases para a chegada dos X-Men. 

Sua química com Tom Holland funciona de forma natural e contribui para alguns dos melhores momentos. Uma das cenas de maior destaque acontece quando Jean entra na mente de Peter e os dois têm uma conversa que sintetiza o principal conflito da história. Um entende a dor do outro, sendo marcados e assombrados pelas mortes de pessoas importantes para cada um. Ao enxergar tudo o que ele vem carregando nos ombros desde os acontecimentos do último filme, ela faz com que o protagonista finalmente encare a dor que passou tanto tempo tentando esconder atrás da máscara. É uma sequência íntima, que funciona muito mais pela sensibilidade do que pelos poderes da telepata.

Enquanto isso, MJ e Ned (Jacob Batalon) acabam ocupando um espaço menor do que muitos poderiam imaginar. Zendaya continua muito bem no papel e entrega cenas carregadas de emoção ao lado do protagonista. A conexão entre os dois permanece convincente justamente porque o público acompanhou a construção desse relacionamento ao longo dos filmes anteriores. No entanto, ela acaba funcionando mais como uma lembrança da vida que foi perdida do que como alguém realmente importante para os acontecimentos da história. Ainda assim, cada interação entre os dois carrega um peso emocional que reforça tudo o que foi tirado do personagem desde os acontecimentos de Sem Volta Para Casa.

O grande mérito do roteiro está em mostrar que o verdadeiro conflito não é derrotar o vilão, mas impedir que Peter Parker desapareça por completo. Aos poucos, o Homem-Aranha deixa de ser apenas seu alter ego e passa a ocupar praticamente todo o espaço da sua vida. A máscara deixa de representar apenas responsabilidade e se transforma em uma forma de escapar da dor, da solidão e do vazio deixado por quem já não se lembra de sua existência. 

Essa proposta encontra seu melhor momento na cena final. A sequência do hospital ao final é simples, porém tem uma carga emocional. O momento funciona como um paralelo direto ao início da obra anterior, quando Peter era visto com desconfiança e responsabilizado por diversas tragédias. Agora, mesmo sem que ninguém saiba quem está por trás da máscara, a cidade finalmente reconhece o símbolo que ele representa. O momento traz tanto ao herói quanto ao público o sentimento de que tudo vai dar certo, e, de que, apesar de tantos obstáculos, amanhã é um novo dia.

A pergunta feita no início desta crítica era o que torna uma interpretação do Homem-Aranha realmente marcante. Durante anos, cada ator trouxe uma resposta diferente para essa questão. Tobey Maguire ficou marcado pelo peso da responsabilidade, Andrew Garfield pela humanidade e pelo lado mais emocional do Cabeça de Teia. Depois de quatro filmes, Tom Holland finalmente encontra sua própria versão. Ao mostrar um Peter Parker que perdeu tudo, mas todos os dias escolhe fazer a diferença, o ator entrega sua atuação mais completa e ajuda a transformar, este, sem dúvidas, o melhor capítulo de sua franquia.

Além de uma grande obra de super-herói, é uma história genuína sobre identidade e sacrifício. Ao entender que ele só funciona quando nunca deixa seu lado humano de lado, o longa entrega uma das interpretações mais interessantes do herói nos cinemas, equilibrando ação e emoção de forma marcante. Ao resgatar sua essência, nos reafirma que não é à toa que o personagem ainda é uma das figuras mais amadas da cultura pop.

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Clara Sganzerla 

Moby-Dick, ou The Whale, é um famoso romance publicado em 1851 pelo escritor estadunidense Herman Melville, que conta a famosa saga do capitão Ahab atrás da baleia que arrancou sua perna. A semelhança com A Baleia, um dos filmes mais comentados do Oscar 2023, não é apenas no nome. A nova obra do diretor Darren Aronofsky nos leva em uma triste trajetória de um outro protagonista atrás de algo que vai além da forma física: uma redenção para si mesmo.

Na aclamada produção do estúdio A24, somos apresentados a Charlie (Brendan Fraser), um professor universitário que passa seus dias corrigindo redações e suprindo sua falta de perspectiva, afeto e esperança com compulsão alimentar. Em uma jornada acelerada para o seu inevitável fim, acompanhamos o personagem em seus suspiros finais: consumido pela culpa de ter abandonado sua filha para viver um romance, Charlie tira tudo o que resta em si para dar à Ellie (Sadie Sink), uma adolescente submersa na contradição de sentir-se injustiçada pelo abandono paterno e, ainda assim, querer o que lhe foi arrancado tão nova. 

Ao dizer tudo de si, é de forma literal. Sobrevivendo com severas consequências de uma condição de obesidade mórbida, o personagem recusa-se a procurar ajuda médica para, no lugar, destinar todas as suas economias ao futuro de sua filha. O que parece ser uma crítica ao sistema de saúde público dos Estados Unidos acaba por ser, na verdade, a solução mais plausível que Charlie encontra – uma conta bancária com mais de 100 mil dólares a fim de colocar um curativo em cima das feridas que ele mesmo causou, mas tentou evitar. Ellie torna-se, então, uma jovem problemática que se esforça para ser apática com toda a sua situação familiar, mas acaba por cair na grosseria e raiva como maquiagem para sua enorme carência.

Enquanto isso, vemos nos olhos de Liz (interpretada brilhantemente por Hong Chau) o desespero palpável de não conseguir salvar seu amigo de sua jornada de autodestruição para vê-lo afundar em uma dor que também é sua: o luto pelo seu irmão Alex, namorado de Charlie. O motivo da morte acende uma importante e dolorosa discussão sobre a aversão de determinadas igrejas ao grupo LGBTQIAP+. Isso porque a recusa do relacionamento homoafetivo entre os dois pela família foi um dos motivos para o suicídio de Alex, que fugiu de um casamento arranjado pelo pai para viver seu verdadeiro amor.

A direção de Aronofsky, como de costume, divide opiniões. Desde a maneira de retratar os episódios de compulsão alimentar até o próprio olhar ao protagonista, entramos em uma linha tênue. Para uns, faltou sensibilidade e respeito ao retratar Charlie. Para outros, não haveria outra forma de tê-lo tornado mais humano do que mostrando tudo aquilo que ele quer esconder. No entanto, talvez essa tenha sido a intenção do diretor: polemizar o suficiente para pensarmos sobre o assunto, para a discussão perdurar além dos cinco minutos após o fim de A Baleia – o que, com certeza, funcionou. 

O impacto do longa deu-se muito antes de chegar ao público nos cinemas. Em quase uma década recluso após ser vítima de assédio por Philip Berk, Brendan Fraser voltou às telas recebendo o reconhecimento que merece: teve sua primeira indicação ao Oscar na categoria de Melhor Ator. Além disso, The Whale esteve presente em outras modalidades, como Melhor Maquiagem e Cabelo, pelo trabalho de Adrien Morot, e pela sensível atuação de Hong Chau, na categoria Melhor Atriz Coadjuvante. 

E estamos ansiosos: em uma disputa acirrada com Austin Butler, fica a dúvida sobre quem receberá a estatueta de ouro. Após Fraser vencer a categoria de Melhor Ator no Critics Choice Awards e, surpreendentemente, no SAG Awards, tivemos também o intérprete de Elvis Presley sendo destaque no Globo de Ouro, no prêmio BAFTA e no Satellite Award na mesma posição de Brendan – a competição para o Oscar, que estava quase que decidida para Butler, agora, segue indefinida. 

De qualquer forma, entre polêmicas e emoções, a incrível performance de todo o elenco torna inesquecível a experiência de A Baleia. Apesar de ser doloroso, longo e sofrido, o que vale a pena na obra é enxergar a bondade nos olhos de Charlie e emocionar-se com o retrato sincero, dentro de todos os nossos defeitos e arrependimentos, sobre tudo aquilo que nos faz humanos.

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Gabrielli Natividade da Silva 

Stranger Things já está consolidada como um dos maiores sucessos da Netflix há muito tempo. Sua primeira temporada foi ao ar em 2016 e, agora, a quarta parte da história segue mantendo a boa recepção do público e consegue angariar ainda mais fãs, mesmo que seu lançamento tenha sido postergado pela pandemia. Esse ano, a série recebeu 13 indicações ao Emmy, sendo as principais Melhor Série de Drama e Melhor Elenco de Série de Drama – as outras nomeações figuram categorias técnicas. Um ponto ficou claro nesta última leva de episódios, o de que a aura infantil e sonhadora se foi e as sombras rondam os moradores de Hawkins. Os irmãos Duffer começaram um jogo brutal, mas, em alguns momentos, nota-se que desistiram de suas melhores jogadas.

É aparente que a temática geral da série se tornou mais sombria, a começar pelo próprio plot apresentado neste ano. O tão amado grupo de amigos retorna à escola após os eventos catastróficos do último quatro de julho, desta vez, com uma perspectiva nova: o Ensino Médio. Lidando com problemas considerados normais para a adolescência, como novas amizades, busca de uma identidade e até mesmo bullying, foi realmente uma surpresa para eles que corpos desconfigurados passassem a ser encontrados pela cidade, ainda mais quando uma das integrantes do bando poderia ser a próxima vítima. Essa narrativa se relaciona com o terror dos anos 1980, o que faz sentido e é muito interessante para quem consegue identificar referências nítidas no roteiro, com o principal exemplo sendo a inegável semelhança entre Vecna (Jaime Campbell Bower) e Freddie Krueger (Robert Englund até mesmo fazendo uma participação rápida na temporada). 

Toda a mudança de tom da produção leva a uma dúvida importante: Stranger Things perdeu sua coerência? A resposta não é certa. Ross e Matt Duffer se esforçaram para que todo o conteúdo se mantivesse interligado, mas não é difícil perceber que a série está quase irreconhecível. A linguagem macabra é, na verdade, muito bem-vinda. Porém, seria mais atrativo que os criadores dessem o próximo passo, já que eles não tem pena alguma de matar sem mais nem menos personagens secundários (e têm a fama de adicionarem-nos apenas para isso), contudo nunca tiveram coragem de tirar de cena um dos protagonistas. Will (Noah Schnapp), Hopper (David Harbour) e, agora, Max (Sadie Sink) chegaram perto, mas tiveram suas vidas salvas no último minuto, quebrando a expectativa do espectador e o deixando tranquilo quanto a uma possível grande morte – o que não é bom. Ver a morte da ruiva, por exemplo, teria sido mais intrigante do que assistí-la quebrada e cega em uma cama de hospital. 

Quanto a adição dos personagens novos, pode-se dizer que houve alguns acertos e muitos erros. Chrissy (Grace Van Dien) foi um raio de luz e conquistou o público rapidamente com seu jeito simpático, mas, infelizmente, sua presença não durou nem dois episódios. Pelo menos sua participação foi imortalizada com os vários remixes de Chrissy, Wake Up. Seu namorado Jason (Mason Dye), por outro lado, foi mantido até o último momento, mesmo que fosse inconveniente e minimamente carismático. A adição mais injusta foi a de Vickie: todo o talento incontestável de Amybeth McNulty acabou desperdiçado, uma vez que a personagem foi resumida a um interesse romântico e apareceu em pouquíssimos segundos de tela. Argyle (Eduardo Franco) teve uma trajetória parecida com a da paixão de Robin, tratado como um simples alívio cômico e tendo utilidade em alguns raros momentos. 

Eddie Munson, por outro lado, foi um sopro de ar fresco em meio ao caos da quarta temporada de Stranger Things. Joseph Quinn foi capaz de impor sua forte presença no minuto em que apareceu, mantendo-na até seu último suspiro. Com uma personalidade impossível de desgostar e uma coleção de momentos icônicos, o jovem adulto repetente trouxe uma química surreal com uma grande quantidade de personagens, especialmente com Dustin (Gaten Matarazzo), característica até então atribuída apenas para o ex bad boy Steve Harrington (Joe Keery). Eddie foi o típico jovem deslocado, a quem nunca foi dada uma oportunidade real de mostrar sua verdadeira face, e, mesmo que as teorias apontem que o metaleiro mais amado da Netflix ainda está vivo e no mundo invertido, as injustiças lhe ocorreram até mesmo depois de sua morte. 

O protagonismo neste quarto ano ficou por conta de Max e Eleven (Millie Bobby Brown). Mesmo que a súbita falta de poderes da última a tenha colocado em segundo plano, o resto da trupe foi obrigado a lidar com os problemas sem se apoiar em sua super-heroína. As duas personagens são próximas desde a temporada anterior e o fato de Max ser a última vítima de Vecna fez com que a ligação entre elas se estreitasse ainda mais. Eleven estava desesperada para retomar suas habilidades e salvar sua melhor amiga, assim como, mesmo se afogando em desespero, Max foi capaz de se acalmar com a proteção de sua aliada, até mesmo tentando ajudá-la no meio de um embate de gigantes. 

Mesmo que a volta de Max não seja tão interessante de se assistir, é emocionante notar que a personagem de Millie preza tanto pela garota que foi capaz de ressuscitá-la. Para a surpresa de muitos, nenhuma das atrizes foi indicada ao Emmy esse ano. A exclusão de Sadie foi a mais chocante, já que, após a sua performance no episódio Dear Billy, parecia óbvio que a jovem seria indicada ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante em Drama. 

Um fato curioso e, nesta altura do campeonato, um pouco incômodo, é o fato de que Eleven ainda não descobriu sua própria identidade, sempre se adaptando ao meio em que está inserida. Na primeira temporada, ela era influenciada por Brenner (Matthew Modine) e Mike (Finn Wolfhard), e na segunda, por Hopper e Kali (Linnea Berthelsen). Já na terceira, era Max quem desempenhava esse papel e, na quarta, Joyce (Winona Ryder) e Brenner novamente. De certa forma, faz sentido que a garota não saiba quem é por ter tido sua infância roubada de si, mas após quatro anos era de se esperar que houvesse um progresso em seu processo de descoberta, e não é o que aparenta. 

No início da trama dessa temporada, Eleven trava uma grande discussão com Mike, por sentir que não se encaixa em lugar algum e, pouco depois, demonstrou que seu antigo ‘papa’ ainda demonstrava muito poder sobre ela. Com o cientista morto e a jovem tendo descoberto a origem de seus problemas e seus novos poderes, aguarda-se que ela finalmente deixe desabrochar sua personalidade. Porém, tendo perdido uma batalha para Vecna, o futuro ainda é imprevisível.  

Já ficou claro que houve muita quebra de expectativa na mais recente temporada de Stranger Things, mas a maior delas envolve Mike e Will. Wheeler estava acostumado a ser o líder do grupo desde o primeiro ano da série, porém seu brilho foi ofuscado e ele foi rebaixado ao posto de namorado bobinho de Eleven e interesse romântico de Will. Byers, por sua vez, tem sido cada vez menos aproveitado: sua ligação intensa com o mundo invertido praticamente não foi abordada no novo plot e, com certeza, quase todo o público se sentiu enganado pela Netflix ter optado por prolongar o queerbating mais um pouco. Os sinais de que Will se assumiria gay e apaixonado por um de seus melhores amigos eram óbvios para muitos, mas, por algum motivo incompreensível, o último passo não foi dado. Só resta esperar que esses personagens tão importantes sejam melhor explorados na próxima trama. 

Um fator que passou longe de decepcionar no novo ano de Stranger Things foi, definitivamente, a trilha sonora. A inserção de Eddie na série realmente foi benéfica nesse sentido, já que o garoto agraciou a todos com referências ao rock e o metal dos anos 1980, além de trazer um dos melhores momentos da temporada: o solo de Master of Puppets, que faz todo o sentido com a narrativa. Mas a cereja do bolo é, sem surpresas, a música Running up That Hill. A faixa ficou na cabeça de todos por ter sido tocada tantas vezes, fazendo com que o espectador realmente se sentisse como a Max, agarrando-se à voz segura de Kate Bush nos momentos de alerta. A cantora obteve resultados muito positivos com a série, uma vez que a sua canção se popularizou novamente décadas depois de seu lançamento, alcançando até mesmo posições altas na Billboard Hot 100. É o que dizem, não dá para se competir com os clássicos. 

A última temporada da produção não é o que os fãs estavam esperando, mas todo o caos trouxe uma adrenalina necessária para quem lida com rotinas monótonas. Porém, o final deixa a desejar e quebra o ritmo frenético criado nos oito episódios. O erro começa com a divisão dos capítulos: desde o anúncio do quarto ano, foi divulgado que o lançamento seria feito em duas partes, no entanto, a segunda ‘metade’ era apenas dois episódios muito longos, diferente do formato comum das produções que recorrem a esse recurso. O fim quebra o clima de vez, já que, após altas emoções, só o que se vê é uma tela preta informando que dois dias haviam se passado e, em seguida, todos praticamente agem como se nada tivesse acontecido. 

Entre altos e baixos, a produção tem um longo histórico de participação no Oscar da TV, acumulando 51 indicações e 7 vitórias. Assim como neste ano, a maior parte do reconhecimento da série vai para as categorias técnicas, em especial as relacionadas à edição de som – Stranger Things já recebeu três estatuetas pelo seu desempenho nessa área e concorre a mais duas em 2022, Melhor Edição de Som em Série de Comédia ou Drama (Uma Hora) e Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Uma Hora), ambas pelo sétimo episódio, Dear Billy. Quanto às principais categorias da noite, o título compete pela estatueta de Melhor Série de Drama pela quarta vez, porém nunca conseguiu levá-la para casa; para Melhor Elenco de Série de Drama, Stranger Things já está em sua terceira indicação, vencendo somente em seu segundo ano no evento, em 2017. Com o sucesso estrondoso da última temporada, pode ser que mais alguns prêmios entrem para a coleção.

Dentre os episódios dessa leva, o Querido Billy e O massacre no laboratório de Hawkins se destacaram no Emmy 2022, concorrendo a quatro categorias cada, e o final da série simplesmente não faz jus a isso. Carregando momentos inesquecíveis e outros que é melhor apagar da memória, Stranger Things já está confirmada para uma quinta e última temporada, e espera-se que os Duffer tenham a coragem de tirar seu público do escuro e entregar as melhores cartas no fim do jogo.

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Júlia Caroline Fonte

Poucas obras audiovisuais conseguem se consagrar como um marco do entretenimento, mas Stranger Things é uma delas. A série poderia facilmente ter saído direto dos anos 80 e se destacado como um clássico da época, e por mais que não pareça, ela completa em 2021 apenas 5 anos desde que torcemos muito para Joyce ter Will de volta em seus braços. E é também curioso que seu aniversário de meia década seja no auge dos conflitos das gerações, causando, antes mesmo de seu encerramento, nostalgia em qualquer pessoa que tenha uma alma cringe.

Stranger Things foi um fenômeno imediato, contribuindo até mesmo para elevar o sucesso da própria plataforma que a produziu, a Netflix. Tudo isso porque a criação dos irmãos Duffer conseguiu nos proporcionar uma viagem de volta à nossa infância, enquanto celebrava os coloridos e nerds anos 80 norte-americanos, relembrando tudo o que teve origem nesse período. 

A época é muito bem construída visualmente em todas as três temporadas, sempre trazendo uma quantidade enorme de referências e easter eggs – muitas vezes não tão escondidos – dos grandes sucessos da cultura pop daquele momento, como Star Wars, E.T. O Extraterrestre, Os Goonies, Alien, Os Caça-Fantasmas, Dungeons & Dragons e Dig Dug. Além disso, não podemos deixar de mencionar os figurinos divertidos e estilosos e uma ambientação perfeita com fliperamas, locadoras de vídeo e shopping center na pequena Hawkings, que cria um cenário perfeito para a série.

Contudo, Stranger Things não se garante apenas por isso: seu ponto alto e ingrediente principal para o sucesso são, sem dúvida, seus personagens e tudo o que os envolve. Acompanhamos Mike (Finn Wolfhard), Will (Noah Schnapp), Lucas (Caleb McLaughlin) e Dustin (Gaten Matarazzo) desde a primeira temporada, ainda crianças, e presenciamos todo o peso e trajetória dessa amizade. Trazendo um forte gostinho de infância, somos invadidos pela nostalgia que eles nos proporcionam ao criarem seu próprio mundo de fantasia no porão de casa.

A partir de uma amizade forte e fiel, e com muita inocência, os garotos moveram tudo o que podiam para resgatar Will, como faziam em seu tabuleiro de D&D, uma vez que isso é o que mais importa para eles, pois “um amigo é alguém por quem você faria de tudo. Você empresta coisas legais, como gibis e figurinhas. E ele nunca quebra uma promessa”. Assim, suas personagens bem construídas e cativantes garantiram identificação com o público logo de cara, trazendo acolhimento quando se viam espelhados na tela, já que todo nerd quando criança passou por algumas coisas que esses garotos viveram, seja na vida real ou em seu imaginário.

É importante também destacar que essas relações se expandem muito mais ao longo das temporadas. Há a satisfação em ver Eleven (Millie Bobby Brown) e Max (Sadie Sink) deixando de lado uma rivalidade feminina totalmente infundada e sem sentido, para dar lugar a um laço muito forte, tornando-se melhores amigas. Elas se apoiam a todo momento e tentam abrir os olhos uma da outra para situações injustas para as quais não devem baixar a cabeça, além de mostrar que são capazes de resolver qualquer coisa.

Stranger Things acompanhou a vida dessas personagens, e, por isso, as mudanças são muito evidentes no decorrer de sua história. Após deixarem um pouco a infância de lado – nem todos, é claro -, a série desenvolve o debate sobre crescer e amadurecer. Assim como mostra Will, esse processo pode ser difícil, e às vezes não estamos preparados para deixar de lado tudo o que vivemos e amamos, ou aceitar que nem tudo se manterá da forma como queríamos para sempre. Tudo são fases, e enfrentar monstros com suas habilidades mágicas no porão de Mike um dia teria que chegar ao fim.

Crescer é fundamental e importante para entender que o mundo pode ser mais difícil do que parece e precisamos aprender a lidar com ele. Nancy (Natalia Dyer), Jonathan (Charlie Heaton) e Steve (Joe Keery) nos provam isso. Entender seu passado e consertar o que é necessário no presente pode nos levar a caminhos surpreendentes, e trazer novas experiências e pessoas importantes em nossas vidas. Além disso, é importante não apenas crescer, mas se conhecer e tentar superar antigos traumas, e aprendemos isso com Joyce (Winona Ryder) e Jim Hopper (David Harbour), que constroem uma ótima relação e mudam totalmente de vida diante de tudo o que passaram.

Essas transformações vão além dos personagens, e marcam presença na série em sua totalidade. As temporadas muito bem construídas, embora não isentas de deslizes de roteiro, conseguem captar as mudanças da época e de Hawkings de uma maneira certeira. Principalmente quando analisamos a terceira parte de Stranger Things: a chegada do verão transparece o auge das cores e da vida dos anos 80, junto com a adolescência do nosso elenco principal, trazendo um tom um pouco diferente das temporadas anteriores, mas que casa com seu desenvolvimento.

No entanto, essas mudanças e complexo desenvolvimento dos arcos das personagens não comprometem a linha geral da série, que sempre mantém seu foco nos problemas e caos que o Mundo Invertido pode trazer para o nosso. Porém, parece que essas complicações supostamente resolvidas em uma temporada continuam insistindo, ao mesmo tempo em que seu apelo se esgota. Em algum momento precisaremos ter uma solução de fato, e isso nos faz questionar até que ponto Stranger Things continuará. 

Se a intenção dos irmãos Duffer é finalizar a série em seu auge, o tempo parece acelerar, trazendo a preocupação de seu fandom sobre até onde será possível assegurar sua qualidade sem chegar ao ponto de saturação de temporadas, como ocorreu com diversas séries. Com a quarta temporada cada vez mais próxima, temos uma legião de fãs em que permanece uma forte dúvida: esperamos algum tipo de decepção ou realmente podemos nos surpreender com mais uma parte grandiosa dessa história, como já é de costume quando se trata de Stranger Things? 

A série já conseguiu deixar seu impacto no audiovisual e no entretenimento em apenas 5 anos, sem nem mesmo chegar em seu encerramento. E da mesma forma que grandes sagas – como Harry Potter, Star Wars, Game of Thrones e Jogos Vorazes -, ST tornou-se para a cultura pop um marco que dificilmente será alcançado por outra série do gênero. E o principal: consegue deixar uma forte marca para seus fãs, pois as aventuras e inocência dos personagens nos transportam em uma viagem no tempo até a época em que acreditávamos que poderíamos enfrentar qualquer Demogorgon.

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Vitor Evangelista

A tarefa de finalizar uma franquia é um tanto quanto ingrata. A trilogia-relâmpago Rua do Medo, lançada em doses homeopáticas na Netflix, chega ao ápice revisitando o passado da maldita Sarah Fier, bruxa, áspera, pecadora. Para isso, a diretora Leigh Janiak retorna ao século dezessete, lar do paganismo, da culpa católica e do núcleo base do terror psicológico: o medo do diabo. Entre a prosa arcaica e o ato de revisitar grandes filmes do gênero, a máquina do tempo de Rua do Medo: 1666 funciona à perfeição. O ontem é vital, mas é no hoje que a porrada come. 

O elenco de 1666 escala figurinhas repetidas de 94 e 78, dando espaço para que Kiana Madeira troque peles de Deena para Sarah. A atriz expressa medo e pavor pelos olhos e pelo corpo retraído, inserindo raiva nesse combo premiado. Sob os olhos da pagã da Shadyside, o público é apresentado à história real da maldição e de sua origem. A inspiração mais superficial é a de A Bruxa, filme de Robert Eggers que colocou a cultura colonial e o ato de cagar nas valas de volta ao eixo da cultura popular.

Longe do poético fecho narrativo que a inspira, Leigh Janiak usa e abusa de seu currículo televisivo, filmando sequências episódicas, como mini-capítulos de um grande todo. Essa pegada fragmentada faz a produção da Netflix vibrar em uma energia moderna, por mais que metade desse último filme se passe séculos atrás. Chega a ser recompensador que a diretora use do contexto antigo para contar uma história de amor entre duas mulheres, e as consequências do ato de amar. Rua do Medo: 1666 – Parte 3 caminha em direção ao núcleo conceptivo do horror e sua proximidade com a cultura queer.

Desde as origens literárias de Carmilla, o horror se mostrou fundamentado e correlacionado às pessoas da comunidade LGBTQIA+. Os exemplos são muitos, passando pela criação dos imortais Drácula e Frankenstein e ao Cinema que abraça o enclausurado Doutor Jekyll, chegando aos modernos A Pele que Habito e As Boas Maneiras. Parte do medo do futuro, do receio do mal e da culpa de se tornar um pecador vem da constante perseguição e angústia fomentada nas vivências desses indivíduos. Colocar em tela monstros e maldições como alegorias para o preconceito foi apenas uma das maneiras encontradas para transformar o trauma em arte.

Rua do Medo: 1666 não se enquadra propriamente como o mercado rotula seus ‘filmes LGBT’, mas usa questões clichês a fim de movimentar sua narrativa. O preconceito do século XVII é a força motriz da perseguição da Sarah e sua demonização, assim como a homofobia da mãe de Sam em 1994, o que faz sentido considerando as épocas de ambientação. Quer existisse um Rua do Medo: 2021, é provável que o roteiro de Phil Graziadei, Leigh Janiak e Kate Trefry não cairia na questão já exaustiva de aceitação e identidade, à exemplo de produções recentes como We Are Who We Are e genera+ion.

O simples e direto protagonismo da franquia, com duas mulheres envolvidas romanticamente no auge do preconceito e do descaso midiático e governamental, denota um ponto de destaque de Rua do Medo. Afinal, para a trilogia que se esbalda na homenagem e na memória, revisitando da máscara de Jason à faca ensanguentada de Pânico, e brincando com as convenções do horror, a cereja do bolo só poderia ser abraçar o núcleo da história em pessoas LGBTQIA+. Deena já era uma baita heroína, mas Kiana Madeira brilha mesmo na pele de Sarah Fier. Sem a preocupação em criar uma aura arcaica para a bruxa, a atriz emula a visão de uma para a outra.

O xerife Nick Goode (Ashley Zukerman) se transforma em Solomon na porção final da saga, mas o fedor de impostor permanece imutável. Enquanto o filme desmistifica o muquirano, o público se afeiçoa por Sarah Fier, solidificando sua figura de mártir e injustiçada. O esperado seria uma simples narrativa de limpeza espiritual e da imagem da bruxa, mas Fear Street: 1666 não tem interesse algum em soar esquecível. Fier é sim inocente, mas sua sede de sangue não é silenciada ou repensada como benévola. Puta da vida, a bruxa quer o sangue de quem a amaldiçoou.

Bruxa no sentido não-literal da palavra, já que de feiticeira a jovem não tinha nada. Seu caráter sobrenatural vem da figura de lenda e de maldita, perseguida por amar a filha do pastor, Hannah Miller (papel da apagada Olivia Scott Welch). A química entre Welch e Madeira é mínima quando comparada à das irmãs dos anos setenta, mas a forte presença de cena da protagonista dá conta do ritmo nunca se perder (e olha que a abrupta divisão entre 1666 e 1994 deixa o último filme com um rombo narrativo que jorra sangue demais). Quando retorna para os anos noventa é que Rua do Medo arquiteta a arapuca final.

A solução conclusiva é simples, mas bem realizada. O shopping manchado de sangue Thurman que abre a trilogia é revisitado em seu desfecho, colocando Gillian Jacobs (o destaque absoluto de toda essa empreitada da Netflix) frente a frente com o seu bendito passado. A atriz, conhecida por Community, Love e por dublar a Atom Eve em Invencível, é uma das vigas de sustentação de Rua do Medo, muito ao fato da escalação sublima de Sadie Sink para lufar vida à versão jovenzinha da ex-ruiva.

Entre maldições, mãos decepadas, homenagens às vísceras do horror e muita cultura queer em tela, a trilogia Rua do Medo entrega à 1666 uma conclusão sóbria, morna e nada alegórica: nunca duvide de mulheres fortes nem confie em alguém que tem ‘bem’ no nome! A cena pós-créditos instiga uma continuação, e, considerando que a série de livros de R.L. Stine se alonga além dessa viela amedrontada, não será uma surpresa se a Rua se transformar em Avenida, Cidade, Estado ou País do Medo. 

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Caroline Campos

Há quem diga que qualquer outra época é fichinha perto da década de 70. Com mais sexo, mais drogas e muito mais sangue, alguns dos clássicos indiscutíveis do terror saíram rastejando do inferno setentista – O Exorcista, Halloween, Suspiria, O Massacre da Serra Elétrica, Carrie – A Estranha podem encabeçar a lista. Para quem não superou Michael Myers e Leatherface, nada melhor para, em pleno 2021, reviver todo aquele bando de gente morrendo esfaqueada, desmembrada ou possuída do que com Rua do Medo: 1978, a segunda parte da trilogia lançada em três sextas-feiras pela Netflix.

Se Rua do Medo: 1994 já foi uma obra ambiciosa e divertida ao ambientar a cidadezinha amaldiçoada de Shadyside e seus moradores assassinos, a diretora Leigh Janiak garante que não está para brincadeira ao voltar no tempo e desenvolver uma história ainda mais frenética e sangrenta. Agora, Deena e Sam são deixadas de lado para conhecermos as irmãs Berman e entender aquele verão caótico de 78 no Acampamento Nightwing, quando o jovem monitor Tommy Slater “teve um surto psicótico” e assassinou a machadadas doze crianças durante a clássica Guerra das Cores de Sunnyvale contra Shadyside.

Apesar de se passar em 1978, é a obra de 1980, Sexta-Feira 13, e seu Acampamento Crystal Lake que dialogam explicitamente com a segunda parte de Rua do Medo. A máscara de hockey de Jason Vorhees dá lugar para um saco medonho que envolve a face do Assassino de Nightwing, um dos serial killers de Shadyside que aterrorizam a vida dos protagonistas do primeiro filme – Simon que o diga. O resultado são 110 minutos de homenagens e referências a slashers clássicos e Stephen King, mas sem perder a própria personalidade no meio de tanta reinvenção.

Por se tratar do filme do meio da trilogia, 1978 provocou menos expectativas do que 1994 e 1666, que se propuseram a iniciar e finalizar uma história de mais de três séculos. No entanto, o protagonismo das irmãs Berman, o clima mórbido e claustrofóbico tanto em cima quanto embaixo da terra e o desenrolar poético e violento da trama roubaram a cena na empreitada de Janiak. A imersão no flashback de C. Berman (Gillian Jacobs) é tão grande que fica fácil se esquecer de uma Sam possuída e amarrada no banheiro e consolida Rua do Medo: 1978 – Parte 2 quase como um filme solo e independente de suas amarras familiares. 

Dessa vez, o roteiro de Leigh Janiak mira e acerta em um melhor desenvolvimento das relações entre personagens, focando, especialmente, em Cindy e Ziggy (não o Stardust), interpretadas por Emily Rudd e Sadie Sink. O amor das irmãs, escondido atrás de xingamentos e frases cruéis, é o motor mais eficiente que um filme de terror como Rua do Medo poderia ter escolhido. Sem muitos paparicos românticos, o eixo da narrativa se volta para o papel das garotas nos últimos passos da única sobrevivente da maldição de Sarah Fier – C. Berman é, de longe, uma das final girls mais interessantes dos últimos tempos.

Enquanto isso, viver em uma cidade assombrada por uma bruxa ainda é algo que os moradores de Shadyside têm dificuldades para engolir. A inconformada da vez é Ziggy, a garota rebelde perseguida pelos companheiros de acampamento de Sunnyvale. Sadie Sink, completamente à vontade no meio do massacre, consegue manter o carisma mesmo enquanto é esfaqueada por um leiteiro-zumbi. Sua personagem é a heroína incompreendida pela qual vale a pena torcer, e nossa Mad Max carrega a coroa do protagonismo com elegância e descontração.

É em Ziggy, por sinal, que podemos perceber as referências mais divertidas do filme: para se vingar de Sheila, surge Carrie; perseguida por Tommy, as machadadas na porta retomam à O Iluminado; quando é xingada nas paredes, a frase “Ziggy chupa paus no inferno” é quase a mesma que sai da boca de uma jovem Regan possuída em O Exorcista. Janiak claramente se entretém ao esconder os detalhes para instigar os fãs de horror mais atentos. 

Bem mais assustador do que o assassino-estilo-Ghostface de 1994, o Nightwing de McCabe Slye eleva o padrão de brutalidade da trilogia ao esquartejar criancinhas vestidas com o azul de Shadyside. As cenas podem não ser 100% explícitas, mas os membros espalhados em poças de sangue e o barulho seco e repetitivo do machado adentrando a pele são suficientes para causar arrepios de agonia ou excitação, dependendo do tipo de espectador. Isso talvez se explique pelo fato de que Rua do Medo: 1978 foi o último dos três filmes a ser filmado, então, como disse em entrevista ao IndieWire, Janiak já estava tão cansada que apenas pediu para “jogar mais e mais sangue em tudo”.

Enquanto a trama da superfície fica responsável por desmembrar Shadysiders, o plot subterrâneo de Cindy e Alice (Ryan Simpkins) mergulha mais profundamente nas artimanhas de Sarah Fier. No segundo longa, a bruxa é retratada como uma verdadeira vilã, que quer, a todo custo, impedir que aqueles adolescentes quebrem sua maldição. Através de um labirinto de cavernas, Sarah ganha personalidade e contornos mais vívidos na história, dando palhinhas de suas falecidas vítimas e provocando o subconsciente das jovens. A mitologia ao redor da bruxa também ganhou uma grande e horrenda gosma para chamar de sua, que, aparentemente, só serve para gerar assassinos, fornecer o exército de moscas que assombram a trilogia e, bem, ser nojenta.

Como se não soubéssemos que tudo daria errado e voltaria a acontecer 16 anos depois, assistir a sequência final de Fear Street: 1978 espanta tanto pela beleza quanto pela violência da cena, como se A Criação de Adão tivesse sido pintada pelas garras sangrentas de Wes Craven. Sarah Fier definitivamente não estava para brincadeira com esse lance de vingança, e Leigh Janiak faz questão de deixar isso claro ao fechar seu filme.

Irreverente, astuto e espirituoso, Rua do Medo: 1978 – Parte 2 é aquilo que os apaixonados por slashers esperam ao dar play em uma obra que se propõe a revigorar o gênero. Apesar da necessidade gritante do roteiro de explicar tudo ao espectador como se fôssemos amebas, o magnetismo da segunda parte da trilogia contagia o suficiente para que o gancho final seja dado com eficiência. Agora, cabe ao passado desenterrar a ossada de Sarah Fier e questionar até que ponto Shadyside é responsável por suas próprias maldições.

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