Marina Iwashita Canelas

Com elenco de peso, Jessica Yu volta após seis anos desde o seu último longa-metragem com Quiz Lady, que tem como missão unir duas irmãs distantes para pagarem a dívida deixada pela mãe e salvarem o cachorro de Anne, Mr. Linguini. As atrizes Sandra Oh (Jenny) e Awkwafina (Anne) são escaladas nessa trama que dá papel à representatividade asiática, ressignificando e mostrando a força da família e do amor.

Apesar de ser uma comédia padrão que segue um estilo road-trip movie, o que nos prende desde o início é a boa atuação das personagens. Awkwafina e Oh são irmãs totalmente opostas. Enquanto a primeira repete o estereótipo que a pôs no mapa de Hollywood com Anne – que tem falas rápidas, postura curvada e olhar para baixo, sendo mais introvertida e ranzinza, além de amante desde criança do programa Can’t Stop The Quiz –, a segunda, por outro lado, atua entre o drama e a comédia com uma versatilidade em todos os níveis de atuação, dando vida à uma Jenny carismática que, apesar de ser a irmã mais velha, age como a mais nova e irresponsável. Para quem conhece a atriz pelos seus papéis mais clássicos, a mudança nítida de estilo de personagem choca pela boa atuação.

O roteiro busca trazer paradas ao longo da viagem das irmãs pelo país para Anne participar do seu programa favorito, colocando à prova a relação desfalcada e com traumas delas. Além disso, o texto conta com improvisações e piadas de mulheres asiáticas, como a fala de Jenny: “Ah, é tão difícil ser uma mulher asiática na América!”, sem pesar na trama. Isso porque as protagonistas são cômicas sobre elas mesmas, sem se levar tanto a sério, principalmente Oh com sua personagem mais dramática.

Quiz Lady ainda traz a participação de ótimos atores coadjuvantes. Jason Schwartzman, por exemplo, é o competidor determinado e egocêntrico Ron Heacock, que busca bater o recorde do programa; Tony Hale é o cômico Benjamin Franklin, dono de uma pousada temática; e Holland Taylor, a idosa vizinha de Anne que tem crush em um cara que ela acha que é ator, mas não é. Com esse elenco de peso, vemos as personagens tendo interações orgânicas e naturais, quase como se conhecessem há muito tempo.

Vindo do recente Barbie, Will Ferrell estrela como o apresentador do quiz, Terry McTeer, e tem destaque entre os coadjuvantes. Companheiro de todas as noites de Anne há muito tempo, ele é quase o apresentador do programa Jeopardy!, Alex Trebek, mas com uma energia mais ingênua, gerando uma proximidade entre apresentador e espectador. Por conta disso, Anne parece vê-lo como uma figura paterna desde sua infância traumática.

A luta de Anne na seletiva para participar do Can’t Stop The Quiz é árdua. Isso porque a personagem tem ansiedade e não gosta de interagir com outras pessoas. Jenny acaba tendo um papel central como irmã mais velha, ajudando-a a passar por essa etapa desafiadora da vida para que consigam de volta o Sr. Linguini. É nesse período também que vemos ela ficando mais responsável e crescendo na vida adulta.

Desde o início do encorajamento e proximidade das personagens, vemos as irmãs ensinando coisas uma para outra. As duas atrizes nos fazem sentir que, de fato, existem temas do passado não resolvidos entre elas, portanto, quando momentos de conversas íntimas e de reaproximação acontecem, a vida real é realmente refletida no longa.

Quiz Lady cumpre seu papel de comédia. Apesar de ser previsível, traz personagens divertidos e únicos que nos entretém durante toda a evolução pessoal que cada ator tem no seu papel. Para quem tem irmãos, o filme toca em uma parte mais sensível e pessoal de cada um, o que torna o longa realmente mais especial. Com um bom senso de humor, Jessica Yu consegue fazer de Quiz Lady um bom comfort movie.

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Guilherme Veiga

A TV é um território onde não se pode errar, mesmo com as produções desastrosas sempre existindo, inclusive na história recente. Nesse sentido, criou-se um lugar seguro de gêneros em que se pode transitar. Tais segmentos definem uma moda em seu respectivo tempo: os anos 2000 foram férteis para as séries de ‘casos da semana’ com House, Supernatural e CSI nadando de braçada; atualmente, as antologias tem seu lugar ao sol com o sucesso estrondoso de Black Mirror e seus filhos como Love, Death & Robots. 

Porém, toda moda, na verdade, é cíclica. As antologias retomam Além da Imaginação e Contos da Cripta, enquanto o que moldou a Televisão no início deste século bebe de Columbo, série dos anos 1970 que catapultou o gênero de investigação como o conhecemos. Respeitando o intervalo de, pelo menos, duas décadas entre tendências, assim como a estética y2k, Poker Face promete ser a precursora de um possível movimento de retorno.

A obra é uma produção original do Peacock, serviço de streaming – não disponível no Brasil – da rede norte-americana NBC, mesmo canal de Columbo, por isso, pode ser categorizada como um filho pródigo da história setentista. Ela discorre sobre Charlie Cale (Natasha Lyonne), uma estadunidense média que, mediunicamente ou não, tem a habilidade de perceber quando uma pessoa está mentindo apenas olhando em seus olhos. Com esse dom, ela acaba descobrindo um crime em um cassino que culmina no suicídio do gerente, fazendo com que ela seja perseguida pelo pai do falecido e dono do empreendimento.

A partir daí, a obra engata em uma road trip bem ao estilo Supernatural, passando pelos cartões postais dos Estados Unidos que menos vendem em lojas de beira de estrada. Cada lugar, um mistério diferente. Mas esse roteiro você já viu aos montes por aí e a série sabe disso, por isso, brinca com elementos do subgênero. O mistério na verdade é bem claro, nos minutos iniciais de cada episódio você já sabe o que aconteceu, com quem e quem fez. A graça vem quando é revelado como Cale curiosamente está inserida em cada contexto e o que ela faz para chegar à solução.

Nesse sentido, Poker Face também incorpora aspectos de antologia, tanto por seus episódios fechados em si como na trama revelada no final que fecha a temporada, mas diferente de The White Lotus, por exemplo, não usa dessa artimanha para se beneficiar. Por mais que tenha um fio narrativo, ele é bem frouxo e só se amarra devido aos vários nós que a personagem principal dá enquanto percorre as estradas norte-americanas. Para se ter ideia, nem mesmo um elenco fixo robusto ela tem. De personagens recorrentes, somente a Charlie Cale de Natasha Lyonne (Boneca Russa) aparece em todos os episódios juntamente com o capanga Cliff, interpretado por Benjamin Bratt (Miss Simpatia), e o agente do FBI Luca, de Simon Helberg (The Big Bang Theory), que aparecem esporadicamente.

A ideia e criação são de Rian Johnson, que começou de maneira tímida em Hollywood, mas logo foi escanteado da indústria após o incompreendido Star Wars: Os Últimos Jedi. O cineasta se encontrou novamente na carreira em 2019 com Entre Facas e Segredos, tão bem recebido que rendeu a continuação Glass Onion e o indício de uma franquia de mistério. Poker Face é a prova de que Johnson achou seu lugar no gênero investigativo.

Nesse sentido, é natural vinculamos a série aos longas anteriores, de forma que ela possa ser concebida como se o brainstorming do diretor na concepção dos filmes ganhasse vida, ou até mesmo os crimes que não chegaram às mãos de Benoit Blanc. Através dela, fica perceptível o manejo e destreza que o idealizador tem para escrever e filmar esses tipos de histórias. 

É um pecado que Johnson não tenha tomado as rédeas de forma total da produção, tanto que, mesmo escrevendo todos os episódios, os melhores e mais empolgantes são os que ele dirige: Dead Man’s Hand, The Night Shift e Escape from Shit Mountain. Mas esse ponto é totalmente entendível visto que, ainda que se apresente como uma série procedural, ela pega das antologias a característica de ser uma vitrine para novos diretores.

Sempre transitando em estilos, é difícil categorizá-la e analisá-la de forma contínua. Esse reflexo pode ser notado em suas indicações ao Emmy 2023. Temos ótimos personagens na produção, mas o malabarismo que precisaria ser feito para tentar enquadrá-los em ator ou atriz coadjuvante talvez não valesse o esforço. O problema é o mesmo para ator ou atriz convidado: ainda que contenha atuações como as de Joseph Gordon-Levitt, Stephanie Hsu e vários outros podendo (e merecendo) monopolizar as duas categorias, a divisão de votantes em uma série estreante seria prejudicial para ela mesma.

Nesse cenário, a melhor estratégia da produção é focar suas campanhas nas categorias técnicas de Melhor Coordenação de Dublês em Série de Comédia ou Programa de Variedades e Melhor Design de Produção em Programa de Narrativa Contemporânea (Uma Hora ou Mais). Além de confiar nas indicadas Judith Light (O Menu, Transparent) em Melhor Atriz Convidada em Comédia e Natasha Lyonne por Melhor Atriz em Comédia. Por mais que o páreo seja duro para as duas, Lyonne é quem tem mais chance dado ao seu carisma inigualável, suas presenças recentes nas premiações e por sua atuação carregar a série nas costas na construção de uma Charlie Cale extremamente extrovertida e astuta.

Poker Face é a definição visual de como um gênero se revitaliza e Rian Johnson já se mostrou extremamente competente em usar dos clássicos para trazer uma nova roupagem aos estilos. Os investigadores sedutores do passado aqui dão lugar para uma carismática mulher que, antes, seria uma donzela indefesa mas, agora, assume um papel minuciosamente desenhado para ela. A produção retoma o formato consagrado ao mesmo tempo que pincela conceitos que a sociedade moderna assumiu para ele, como a fanatização de true crimes e o consumo de podcasts pela audiência.

Caso essa vertente televisiva volte com tudo mesmo, ela encontrou em Poker Face o perfeito ponto de partida. Instigante, inventiva, cheia de charme e cativante desde o primeiro minuto, a produção traz para si o discurso de Lavoisier de que “nada se cria, tudo se transforma” e nos lembra que o clássico tem um motivo para ser denominado assim, porém, ele jamais deve ser copiado e sim revisitado. Agora, se essa moda realmente vai pegar, é um mistério que a própria série terá que responder.

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Vitor Evangelista

A tarefa de selecionar, entre uma vastidão de olhares e marcas, um único filme para representar o país mundo afora não é nada fácil. Afinal, qual a fórmula secreta para a submissão perfeita? Quais atributos um longa nacional deve possuir para, de fato, ser o “mais brasileiro” possível? Em 2022, a missão é de Deserto Particular, bela produção comandada por Aly Muritiba e presente na seção Mostra Brasil da 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

Escolhido como a submissão oficial do Brasil para o Oscar 2022, Deserto Particular nos apresenta Daniel (Antonio Saboia), um policial exemplar, mas agora afastado por um problema traumático que quebrou seu braço e colocou um homem na UTI. Desiludido, ele vive uma vida pacata em Curitiba, alternando sua rotina entre os trabalhos na Força e os cuidados do pai, um ex-sargento idoso e que sofre com problemas de memória.

Os únicos lampejos de vida nos olhos de Daniel acontecem no mundo on-line, quando troca mensagens com Sara, sua namorada virtual, residente da Bahia. De repente, a mulher para de respondê-lo e, sem nada a perder, Daniel sobe na picape e viaja do Sul ao Nordeste em busca da amada.

Ao passo que o roteiro, escrito por Muritiba ao lado de Henrique dos Santos, se dedica aos percalços da viagem na estrada, Deserto Particular parece estar migrando para uma trama simples de causa e efeito, onde a selvageria de Daniel iria de encontro a quebra de expectativas com a qual ele bateria de frente no momento que respirasse o ar seco da região. Mas o ponto de tensão da obra não é bem por aí.

Na marca dos quarenta minutos, quando o filme se situa na outra ponta do Brasil e Sara surge em cena, a narrativa vira de cabeça para baixo e justifica, com primazia, o destaque dado ao filme pelo país. Quase como uma lenda mística digna de nossa Literatura, Private Desert (como foi vendido lá fora) desvenda experiências humanas e sensoriais, abrindo espaço para discussões no eixo da sexualidade e da expressão de gênero, com a suavidade e o respeito que temas assim demandam.

A inserção de Robson, papel do brilhante e inigualável Pedro Fasanaro, na história dá o brilho necessário para que essa se torne uma das investidas queer mais potentes que o Brasil verá em muito tempo. Na interpretação do jovem, o ator não poupa nuances e realça o conhecido sofrimento de ser diferente dentro de uma sociedade religiosa e nada mente aberta. Entretanto, longe de se encaixar no estereótipo LGBTQIA+ que costumeiramente acaba em dor e perdição, Aly Muritiba dá sua cartada de mestre.

Ressignificando Total Eclipse of the Heart, Deserto Particular prova que o Cinema é máquina potente de histórias e vida, e, acima de tudo, de cultivar sonhos, fazer florir esperança, mesmo denunciando uma lenda triste de intolerância, recheada de passagens potentes e chorosas, mas nunca em baixo astral. A própria epifania experienciada por Daniel evidencia o caráter separatório desta obra quando em comparação com longas mais engessados e que buscam a solução esperada.

Tudo morre no deserto coletivo, tudo se fortalece no deserto particular. O árido do local físico é metáfora para reconstrução, é sinônimo de força, de reinvenção, é definição de sonho. O Deserto Particular de Aly Muritiba, povoado por Daniéis, Robsons e Saras, é palco de revoluções. Com ciência do potencial nutritivo e fortalecedor do ecossistema que escolheu para cultivar suas ideias e concretudes, o diretor narra o amadurecimento, a vida, e o Brasil que merece ser visto aqui dentro e lá fora. 

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