Vitória Gomez

Você já sonhou com este homem? Em 2006, um boato correu na internet: mais de oito mil pessoas de diversas cidades do mundo estavam sonhando com o mesmo homem, sem nunca o terem visto antes. Posteriormente, o que era um mistério virou uma piada nas redes sociais, com a verdade sendo revelada. Mas e se, subitamente, isso realmente acontecesse e moradores ao redor do planeta vissem uma mesma pessoa desconhecida durante o sono, todas as noites? É assim que O Homem dos Sonhos começa.

A proposta chega a ser irônica quando quem personifica o Homem é Nicolas Cage. Participante de uma centena de filmes – seis deles só em 2023 –, o ator virou rosto conhecido no imaginário popular. Cá entre nós, se víssemos Cage em algum sonho, ele seria reconhecido de imediato. Não é o que acontece em Dream Scenario (título original): no longa, o veterano é Paul Matthews, um professor universitário sem muito destaque ou ânimo que, do dia para a noite, começa a aparecer no subconsciente da filha, dos alunos, colegas de trabalho e pessoas desconhecidas ao redor do mundo enquanto dormem.

O ponto de partida onírico de O Homem dos Sonhos abre espaço para abusar da criatividade. Se os sonhos são o local onde tudo pode acontecer, a produção coloca Cage no centro de toda essa irracionalidade. O motivo do homem pipocar no subconsciente das filhas e conhecidos, primeiro, e depois no de pessoas desconhecidas sequer precisa de uma explicação – o deslumbramento vem justamente do que ele pode fazer dentro desse espaço sem regras. Parece o sonho de qualquer cineasta e espectador deixar a imaginação correr livre, sem as amarras do real.

Nisso, Nicolas Cage (merecedor da indicação como Melhor Ator de Comédia ou Musical no Globo de Ouro de 2023) transita entre o drama e a comédia, com uma direção e roteiro de Kristoffer Borgli que o dá liberdade para fazê-lo. Paul é apresentado como um homem desinteressante, um professor universitário que não consegue prender a atenção da turma, um acadêmico que não atinge seu potencial completo (ele tem um livro pronto, falta só sentar para escrevê-lo), um pai chato e um marido sem muita paixão. O sonho poderia ser o espaço onde o protagonista – mesmo que uma versão dele no subconsciente das pessoas – escaparia da mediocridade, mas até assim ele é passivo, mais observando do que tomando parte nas ações. 

Até que isso muda. O onírico atinge seu auge quando Paul, já familiar aos sonhos do mundo inteiro, toma atitude – claro, apenas no subconsciente, já que na vida real ele continua patético. A escalada à fama é indesejada inicialmente, mas começa a tomar forma conforme o protagonista enxerga as vantagens disso. Nicolas Cage brilha ao dar vida a um homem mediano alçado ao status de celebridade repentinamente, deslumbrado com a atenção, sem deixar de agir desconcertado e inapto à situação. Em uma das cenas mais cômicas do longa, o personagem aceita se reunir com uma agência de publicidade. Enquanto os marqueteiros querem usar sua imagem para fazer comerciais da Sprite, ele quer aproveitar para promover seu livro sobre… plantas?

Nas mãos de Borgli, a primeira metade do filme cria expectativa para o quão longe O Homem dos Sonhos pode chegar. Tratando-se do campo imaginário, nem o céu é o limite. A trajetória desanda quando a sequência coloca os pés no chão. Ao invés de extrapolar o absurdo dos sonhos, algo que faria sentido dentro do selo da A24 e da produção de Ari Aster, o longa toma um caminho comum de abordar as consequências da fama no dia a dia de uma pessoa comum.

Ao passo que a versão imaginária de Paul passa a agir como o completo oposto da versão real, alunos, colegas de trabalho e pessoas na internet passam a acusá-lo por suas ações – que, na verdade, ele nunca chegou a fazer, elas apenas sonharam. Até que ponto o protagonista é responsável por aquilo que fizeram dele? A cultura do cancelamento e os hábitos de consumo da nova geração viram o centro de Dream Scenario, desperdiçando o potencial de continuar fora da caixinha.

Não que isso arruíne tudo que foi construído até ali. Com a liderança de Cage, Paul vira um personagem tosco, perdido dentro do que ele próprio almejou, algo simultaneamente cômico e dramático de se assistir. O debate até chega a promover a reflexão das consequências da celebrização e de levar a internet ao extremo, mas perde a força em se contentar com uma discussão repetitiva. 

Sem saber muito bem como se concluir, O Homem dos Sonhos abraça o personagem que Paul se tornou, deixando o campo onírico de lado em prol de uma sátira aos hábitos de consumo modernos. À lá Freddy Krueger, Paul Matthews eventualmente some dos sonhos, tão sem explicação quanto entrou. Agora, ele se contenta em ser alguém que passou pelo ciclo da fama completo, da exaltação à decadência do cancelamento, vendo o seu fenômeno ser repercutido como um estudo de caso publicitário. Ao final, é a sequência de Nicolas Cage vestido de David Byrne, salvando a ex-esposa ao som de Talking Heads, que lembra que todo o caminho até ali valeu a pena, pelo menos em sonho.

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Felipe Nunes

Quem nunca teve medo de uma boneca durante a infância que atire a primeira pedra. Por meio de lendas, séries e filmes, a vertente do terror associada aos brinquedos ficou enraizada no imaginário coletivo popular cultural. O fruto disso foram as célebres sequências envolvendo bonecos sobrenaturais, como a franquia de Chucky e a de Annabelle. Se, no passado, estas obras foram as responsáveis por aterrorizar as crianças, agora, o brinquedo da vez – robô, na verdade – é M3GAN – uma boneca androide que é tão maldosa quanto seus antecessores, mas que, pela primeira vez, não é alvo da possessão de nenhum espírito maligno e sim da própria tecnologia da qual foi criada.

A história central de M3GAN gira em torno de Cady (Violet McGraw), uma jovem garotinha que fica órfã ao perder seus pais em um acidente de carro e é encaminhada para a casa de sua parente mais próxima, sua tia Gemma (Allison Williams). A nova tutora não almejava ter as responsabilidades de cuidar e educar uma criança pré-adolescente e que, como qualquer outra dessa faixa etária, carece de atenção, zelo e – o mais difícil para a mais nova ‘mãe’ -, afeto. Da mesma forma, a sobrinha também não sonhava em passar por essa avalanche sentimental, saindo da casa que vivia e da escola que estudava, sem nunca mais ver os pais com quem sempre conviveu.  

Tia e sobrinha unidas pelo infortúnio do destino. O gancho inicial da produção serviria muito bem para um longa dramático, em que ambas precisam aprender a viver suas novas realidades juntas. Porém, o filme rapidamente subverte essa narrativa e aniquila qualquer resquício dessa impressão. Ao invés de arcar com o compromisso de cuidar de Cady, Gemma tem uma ideia: aprimorar um projeto robótico e fazer com que ele cuide da sua sobrinha. Isso porque ela precisa inovar um brinquedo para empresa que trabalha, assim como também tem a necessidade de que alguém cuide da familiar. Por isso, investe no protótipo e tenta resolver dois problemas com uma única solução. Dessa forma, a grande vilã M3GAN (Model 3 Generative Android ou Androide Gerador do 3º Modelo), interpretada por Amie Donald e dublada por Jenna Davis, é criada no primeiro ato.

Como na maioria das obras cinematográficas de terror, o ato inicial de M3GAN é incumbido de ambientar a trama. Tudo parece fluir com o desenvolvimento da boneca animatrônica: Gemma tem mais tempo para se dedicar ao trabalho sem se preocupar com a criação da sobrinha, já que a boneca é quem cuida de tudo. À princípio, a jovem Cady não vê problema nisso, porque finalmente tem alguém para cuidar dela e escutá-la. No entanto, uma grande reviravolta começa, aos poucos. À medida que fica na companhia do brinquedo, a personagem de Violet McGraw fica cada vez mais dependente emocionalmente dele e transfere para o robô o carinho que nutria pelos seus falecidos pais. Enquanto supre a carência de Cady, M3GAN é sobrecarregada com a chuva de informações que uma criança em desenvolvimento pode transmitir e solicitar ao decorrer de seu dia a dia na era tecnológica. 

Eis o diferencial do filme, que tem o roteiro assinado por James Wan e Akela Cooper: a tecnologia e a sua relação com o desenvolvimento infantil. Uma obra futurista de terror que mistura comédia e ficção científica parece ser uma combinação improvável. Esses elementos destoantes, que até então pareciam formar uma junção desarmônica, se unem em uma nova abordagem cinematográfica com fortes raízes no subgênero ‘terrir’. Por essa razão, a grande aposta do longa é  fazer o telespectador, principalmente aquele que ama cultura pop, rir e sentir medo ao mesmo tempo. Sentimentos conflitantes, mas que exalam a sensação tida assistindo a nova obra da produtora Blumhouse.

As risadas são garantidas pelas inesperadas ações de M3GAN, que vão desde uma dança do TikTok, logo antes do assassinato de um cidadão, até a playlist excêntrica que transita entre Titanium, de  Sia e David Guetta, e Wrecking Ball, de Miley Cyrus. Já o medo é ambientado com as mortes que a boneca promove a cada pessoa que, de acordo com suas impressões robóticas sensoriais, oferece algum tipo de risco à Cady. Na verdade, o medo da vilã não é que alguém arrisque a integridade física e mental da personagem interpretada por McGraw e sim interfira na doentia relação que ambas criaram. Por isso, com um jeito animalesco e amedrontador, ela executa qualquer pessoa ou animal que vire um obstáculo em seu laço com Cady. 

A produção brinca muito bem com essas diferentes facetas. Porém, em muitos momentos, a obra escancara o seu viés mercadológico e isso não agrada – essencialmente, quando negligencia assuntos que mereciam atenção ao enfatizar a publicidade que se reverbera dentro e fora da ficção. Diversas questões importantes são levantadas – como a relação de crianças com o luto e os danos da utilização de brinquedos e equipamentos tecnológicos em excesso – mas, todos os pontos são abordados de forma totalmente superficial. Embora o gênero a qual pertence não seja focado exclusivamente na construção dos personagens e no desenvolvimento das temáticas sobre as quais discorre, M3GAN falha em sustentar as situações que apresenta e se perde na proposta disruptiva que a todo momento tenta destacar na composição narrativa.

Já a direção de Gerard Johnstone é assertiva e equilibrada. O arco de M3GAN e toda sua construção vilanesca é um dos acertos da obra, desde as cenas iniciais da criação da boneca até as catárticas mortes provocadas por ela. Tudo isso vem com a representação de uma personagem que não é humana, mas que atrai a atenção de quem assiste e, mais do que isso, revela os porquês que a fizeram ser quem ela é: um robô androide assassino, mas com uma aparência totalmente doce e meiga. Um dos diferenciais da produção é desmistificar a ideia de que, para ser assustador, é necessário ser grotesco e monstruoso imageticamente. Com isso, a produção enfraquece as analogias que poderia sofrer com seus antecessores, como os brinquedos Chucky, Billy (de Jogos Mortais) e Annabelle.

O roteiro de M3GAN pode ser definido como suave, no mínimo. Quando esperamos ver um filme de terror, definitivamente não imaginamos acompanhar uma história como a desenvolvida por Wan e Cooper, que, inegavelmente, é muito mais cômica do que amedrontadora. As perseguições da boneca trazem a adrenalina e o medo conhecidos pelo gênero, mas o texto dos personagens quebra qualquer chance imersiva que a obra poderia oferecer. 

No entanto, considerando que a trama transita também para a ficção científica, é imprescindível enfatizar o bom trabalho da dupla de roteiristas no núcleo de engenheiros robóticos. Isso porque seria fácil  dificultar a compreensão dos diálogos por parte dos espectadores que não pertencem ao nicho. Os dois não se perdem em jargões técnicos e termos rebuscados, o que é extremamente recorrente em filmes com essa proposta tecnológica e científica.

Outro ponto que merece destaque é o conjunto de intérpretes. Allison Williams, que ganhou a merecida atenção com o ótimo Corra, dirigido por Jordan Peele, defende sua protagonista com total entrega em M3GAN. Ainda que não tenha um roteiro que a favoreça, ela abarca todas as singularidades que Gemma carrega: a vontade de não ser mãe, o desejo de alcançar sua estabilidade profissional e o luto pela perda de sua irmã e seu cunhado. Já Violet McGraw sabe muito bem como passear pelas camadas de sua personagem. A menina gera empatia no ato inicial e mostra vulnerabilidade, irrita nos insultos e agressões que tem com sua tia no segundo ato e faz o público admirar sua coragem no final da trama. Além das protagonistas, é essencial destacar o trabalho de Amie Donald como intérprete da boneca e Jenna Davis como dubladora, junto de Jen Brown (Tes), Kira Josephson (Ava) e Ronny Chieng (David). 

O longa usa e abusa da linguagem publicitária que demonstrou desde os teasers, trailers e divulgações, ancorando-se, principalmente, na cultura pop e no mar de possibilidades que pode ofertar quando memes, canções e referências de outros filmes são trazidos à narrativa. Contudo, a estratégia, promissora no quesito divulgação, torna-se cansativa e entediante para quem acompanha os desdobramentos da boneca-robô assassina. A sensação é que cada cena terá um elemento caricato ou de merchandising para que a trama se auto sustente em uma proposta engraçada e publicitária, como um ciclo que não para de se retroalimentar.

O fim, como é típico em obras de terror que almejam sequências, não é uma finalização amarrada e sem brechas. Muito pelo contrário, a conclusão mostra que Wan e Cooper têm planos para a nova bonequinha do terrir. M3GAN já foi feito para ter continuação e só expõe o que já mostra no começo: é uma história inovadora de um brinquedo matador que possui diversos caminhos narrativos quando se tem a internet como plano de fundo. Se o sonho de Wan era modernizar seu trabalho em uma proposta disruptiva, ele conseguiu. Mas sacrificar a narrativa de sua história realmente valeu o preço pago?

Entre risos e sustos, a produção cumpre algumas de suas promessas, como a de inovar o terrir e o slasher com foco em bonecos assassinos. Ao mesmo tempo, se perde na sua própria linguagem, linha narrativa e nos elementos externos que tenta incluir de forma totalmente exagerada. Aqui, o menos realmente seria mais. A sequência tem infinitas possibilidades de corrigir esses erros e uma delas é explorar ainda mais a tecnologia, as temáticas que envolvem a relação de pais e filhos com esse meio e os danos que o excesso pode causar não somente às crianças, mas também aos adultos. Além disso, M3GAN pode tomar cuidado com o excesso de humor e focar no medo que tanto atrai quem é fã de obras de terror, enfatizando ainda mais que uma boneca de aparência meiga também pode ser perigosa.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Por mais que seja tentador reduzir o mais recente filme do cineasta Mamoru Hosoda à uma reinterpretação moderna de A Bela e a Fera, esse simples elevator pitch não faz jus à complexidade temática e emocional da nova animação do Studio Chizu. Belle (Ryû to sobakasu no hime, no original em japonês) passa bem longe de ser uma “versão anime” do clássico francês e, ao invés disso, se utiliza da familiaridade de suas dinâmicas para contar sua própria história de amor transformativo na era das redes sociais e realidades virtuais, num semi-musical de escopo glorioso e, ao mesmo tempo, íntimo.

Com grande parte de sua música diegeticamente integrada ao longo de suas duas horas de duração, ela serve de eixo central para sua narrativa, e é a maneira com que sua protagonista, Suzu (Kaho Nakamura), interage e faz razão do mundo ao seu redor e de suas próprias emoções, expressas não com coreografias elaboradas, mas única e exclusivamente na cadência e no volume de sua voz. Seja na vida real ou no mundo virtual de U, onde ela assume o manto da diva pop Belle, Suzu honra o título ocidental da produção, que foca em sua jornada de amadurecimento pessoal, e não apenas na relação que ela constrói com a Fera (Takeru Satoh), o temível criminoso que assombra as planícies digitais.

Desde a primeira cena, Belle já diz a que veio: com uma abertura completamente de sons e cores vibrantes, somos introduzidos à U por meio da música homônima de Belle, que a canta nas costas de uma imensa baleia carregando dezenas de alto falantes. A visão de Hosoda e do resto dos animadores para o futuro é instantaneamente clara e marcante, se utilizando de formas sólidas e simples para construir um espaço minimalista recheado de personagens altamente detalhados e diversificados.

Apesar de tanto o espaço virtual quanto o real serem meticulosamente compostos de maneira a fornecer uma experiência cinematográfica singular, por vezes há uma falta de contexto que prejudica na interpretação do filme. Belle nos explica o funcionamento de U apenas brevemente, e mais tarde passa por cima de vários aspectos da construção desse espaço, esperando que as dinâmicas familiares sejam autoexplicativas. Se por um lado essas explicações vagas são parte deliberada da direção experiente de Hosoda, confiando na carga emocional das cenas para mover a história em frente, por outro há horas em que ficamos com a sensação de que seu roteiro não consegue acompanhar essas cargas o tempo todo, prejudicando o ritmo da obra.

Isso é especialmente evidente nos momentos em que os dois entram em sincronia, em que os arcos e motivações das personagens são claros e concisos e os visuais e sons se agigantam sobre nós, o efeito não é nada menos do que mágico. Todas as quatro músicas cantadas por Suzu ao longo da trama chegam no momento exato em que essa onda de emoção parece prestes a nos afogar, gritando aquilo que não poderia ser dito de nenhuma outra forma, através de composições monumentais e letras arrebatadoras, a maioria das quais escritas por Hosoda e Nakamura.

Assim como em trabalhos anteriores, Hosoda explora a emergência da web e das relações cultivadas à partir dela e, mesmo quando os temas não recebem o devido espaço para florescer em meio ao coming-of-age de sua protagonista, as ideias do roteiro e as subversões ao conto original são inventivas e instigantes o suficiente para suportar sua reinterpretação. Em U, a pior coisa que pode acontecer com um usuário é ele ser “revelado”, tendo seu Ás (avatar virtual) deletado e sua identidade exposta para o resto do mundo. É também o que Justin (Toshiyuki Morikawa), um dos autodenominados “justiceiros” dessa realidade e principal antagonista da heroína, ameaça fazer com a Fera caso a encontre. Enquanto na obra original o monstro ansiava por reverter sua condição e reencontrar sua humanidade, aqui o conflito de Suzu é definido pela ambiguidade de sua condição, uma celebridade anônima, conhecida apenas através do Ás de Belle.

Um dos principais e mais bem desenvolvidos questionamentos do roteiro está no papel do anonimato no ambiente virtual: se por um lado ela nos dá carta branca para agirmos com crueldade uns com os outros, protegidos por máscaras arbitrárias, por outro ela também permite que aqueles que não tem voz sejam ouvidos ou até mesmo que achem sua própria voz com o tempo. Após uma tragédia que a afeta profundamente, Suzu descobre que só consegue cantar como Belle, compartilhando sua música sem se preocupar e quem vai ouvir e descobrindo, contra todas as possibilidades, que outras pessoas querem ouvi-la.

Muito mais do que o remake medíocre e desinteressante de Bill Condon em live-action, Belle é capaz de reviver a magia da animação de 1991 através de sua própria combinação de animação e sonorização, mesmo sem adaptar diretamente a sua fábula moral. O próprio design mágico e technicolor de sua protagonista vem de Jin Kim, veterano da Disney e responsável por personagens de Frozen, Operação Big Hero e Zootopia. O vínculo indelével da obra com o clássico, no entanto, vai muito além do material e da caracterização, e é ressaltado na gravidade que Hosoda e o Studio Chizu dão ao casamento entre imagem e som, na capacidade de criar sonhos que define o Cinema como o conhecemos. Como diversos profissionais ressaltaram durante a noite de premiações no Oscar 2022, onde a categoria de Melhor Animação foi apresentada por três das atrizes que deram vida às suas contrapartes animadas nos remakes recentes, animação vai muito além de algo “para crianças, e que os adultos têm que aguentar”.

“Enquadrar os cinco nomeados ao prêmio da Academia de Melhor Animação como produtos corporativos para crianças que os pais têm de aguentar a contragosto poderia ter sido encarado como um simples descuido. Mas para aqueles de nós que dedicamos nossas vidas para fazer filmes animados, esse descuido se tornou rotina. O diretor de um grande estúdio de animação uma vez disse à uma reunião de animadores que, se jogássemos nossas cartas corretamente, um dia ‘passaríamos para o live-action.’ Anos depois, um executivo de outro estúdio disse que um certo filme animado que fizemos foi tão bom que o lembrou de ‘um filme de verdade.’”

– Phil Lord e Chris Miller, em um artigo de opinião para a Variety

Em Belle, vemos a história de uma jovem lidando com um luto debilitante e cáustico, expressando seus sentimentos por meio de visuais deslumbrantes e músicas de partir o coração. Acompanhamos sua transição entre a vida real e um recomeço virtual, por meio da mudança de técnicas 2D e 3D de animação que dão profundidade física e temática aos seus personagens e seus conflitos, em uma celebração do meio que conta sua história exatamente por ser uma história que só poderia ter sido contada por esse meio.

Mesmo ficando de fora do Oscar 2022, Belle conseguiu abocanhar cinco indicações ao Annie Awards, sendo ovacionado durante 14 minutos após sua estreia no Festival de Cannes em 2021, e não é difícil entender o porquê: o terceiro ato do longa é uma declaração de afeto do tipo que inspira cineastas até hoje, o tipo de sequência que extraí lágrimas não de tristeza, mas em virtude do quão belo tudo ao seu redor é, reunindo e ordenando belamente seus principais temas e ideias ao longo de sua melhor canção, jogando todas as cartas na mesa e implorando para que você sinta a canção junto de Suzu.

Belle é, despudoradamente, uma história de amor. No entanto, é uma jornada que nos desafia a recontextualizar o amor não como um ideal romântico, mas como uma ação necessária para a vida em sociedade. Como um dos efeitos da ascensão das redes sociais, Hosoda nos pergunta fervorosamente: o que nós devemos uns aos outros? Até que ponto devemos ir por pessoas que não conhecemos, mas às quais estamos intimamente ligados? Se o amor não te impele a se sacrificar por alguém, a se entregar por completo, o quanto ele realmente vale?

Acontece que nenhuma dessas perguntas tem respostas simples. As diversas complexidades da vida contemporânea também se aplicam no meio virtual, e seus realizadores deixam claro que U não é uma utopia. Ainda há vilões que buscam condenar os outros e usam máscaras para esconder sua crueldade; verdades e mentiras se espalham e igual medida e o tribunal da internet nunca absolve, apenas condena. 

Mas, apesar de tudo isso, Hosoda encara o futuro com o otimismo inabalável de alguém que acredita plenamente no potencial humano de estarmos prontos para ajudar quando alguém precisar, de que se olharmos o mundo como uma única comunidade, veremos que não há outra coisa a fazer senão amar uns aos outros e se sacrificar por todos. E que no fim, assim como no começo, você só pode ajudar alguém sendo quem você é. Em sua última nota musical antes do fim climático da jornada de Suzu, Belle faz um único apelo à sua audiência, não na voz de uma celebridade virtual, mas na de uma adolescente que acaba de entender a dimensão do amor que a envolve: “Cante!”

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Vitor Evangelista

Não há nada mais atual que o avanço das redes sociais e seu domínio completo por sobre a percepção humana e a opinião individual. Irmandade (Sestri) realoca a equação de juventude mais Instagram para o contexto muito específico da Macedônia do Norte, mostrando à 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo a força a que laços de amor podem ser submetidos antes de se estraçalharem.

No enredo de Irmandade, a diretora Dina Duma nos mostra o cotidiano de estudantes do Ensino Médio. Conhecemos a protagonista Maya (papel da emotiva Antonija Belazelkoska) e sua amicíssima Jana (Mia Giraud), que navegam por entre os stories do Insta e os crushes nos meninos, e ainda orbitando a vida de Elena (Marija Jancevska), com quem o santo delas não bate.

Numa das festas em que as garotas vão escondidas da mãe de Maya, as BFFs flagram Elena transando com um dos garotos populares do colégio. Garoto esse que, minutos antes, quase havia tirado a virgindade de Maya, que desistiu no último minuto, mas afirmou à galera que havia selado o acordo. Com os hormônios à flor da pele, ela e Jana filmam Elena e postam um curto vídeo na internet.

Culpada e ressentida, Maya quer fazer o possível para limpar a imagem de Elena, que some da escola e não dá notícias a ninguém. Jana impede a amiga de abrir o bico e ameaça humilhá-la em público se alguém descobrir algo. A trama progride exponencialmente, ao passo que o roteiro idealizado pela diretora em companhia de Martin Ivanov adentra ainda mais nas emoções de Maya.

Percorrendo sua hora e meia, Sisterhood avalia o drástico ato de postar algo imprudente nas redes sociais e os reflexos que essas ações causam na vida real. É claro que mil histórias do gênero já foram contadas e recontadas, mas assistir a uma percepção não-norte-americana do assunto é um exercício e uma experiência gratificantes. Pelas lentes de Naum Doksevski, o filme se acentua nas nuances culturais e nas particularidades de sua garota principal, alguém humana e suscetível a falhas.

Mostrando que nem todo colega é amigo, essa coprodução de Macedônia do Norte, Kosovo e Montenegro versa sobre os perigos da confiança. Irmandade poda laços, destrói sorrisos e distancia abraços. O sutil subtexto do divórcio que acompanha Maya é mais do que suficiente para entendermos de onde nascem comportamentos autodestrutivos e maléficos. A diretora Dina Duma não precisa inventar a roda para que a mensagem seja passada; pelo contrário, ela a faz girar, ressaltando seu caráter cíclico. 

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Vitória Silva

O amor em tempos modernos. As primeiras trocas de olhares foram substituídas por matches em aplicativos de relacionamento. As conversas deram espaço para emojis e figurinhas do Whatsapp. Chegamos num ponto em que até ouvir a voz da outra pessoa se tornou um grande ato de intimidade à primeira vista. Essa digitalização do romance é apenas mais um exemplo de como nos reconstruímos no meio virtual e somos cada vez mais dependentes dele para criar e manter nossas relações. 

Há quem diga que essa mediação tecnológica não é tão vantajosa quanto parece, Fernanda Young e Alexandre Machado decidiram mostrar isso. O casal de roteiristas que deu origem a séries grandiosas, como Os Aspones e Os Normais, decidiu encarar uma comédia-romântico-dramática no contexto dos tempos atuais. Quase que sucessores da dupla Vani e Rui, surgiram Rita (Tatá Werneck) e Enzo (Eduardo Sterblitch). E, dessa combinação, nasceu Shippados.

Ambientada num Rio de Janeiro mais melancólico do que estamos acostumados, sob a direção artística de Patricia Pedrosa, a produção do Globoplay trata de uma história de amor que surgiu de um desencontro. Rita e Enzo são dois solitários que buscam incansavelmente pela felicidade em outro parceiro para se sentirem completos, e fazem isso, claro, por meio de um aplicativo de relacionamentos. Afinal, como diz a música que dá abertura ao primeiro episódio: o que mais alguém pode querer além de amar e ser amado?

A partir de um primeiro encontro desastroso com outras pessoas, eles, por acaso, acabam se encontrando. Assim se inicia uma história sobre relações virtuais, contada a partir de um namoro nada virtual. Desde o início, Machado e Young não pretendem mostrar um romance idealizado, Rita e Enzo se complementam por suas loucuras e defeitos. Rita é uma pessoa antipática, sincera e com um humor sarcástico que se encontra perfeitamente em Tatá Werneck, além de apresentar uma série de traumas causados por sua mãe, Dolores (Yara de Novaes), com quem ela mora até hoje. Enquanto Enzo é um rapaz ansioso, com um jeito esquisitão e várias dificuldades de socialização, mas que tem uma ternura que se balanceia com o mau humor de sua companheira.

O carioca divide apartamento com Valdir (Luis Lobianco) e sua namorada Brita (Clarice Falcão), ambos adeptos do naturismo. Eles vivenciam uma relação completamente oposta a de Enzo e Rita, ao invés de se completarem, o casal nudista age como se fosse um só, se entendendo nos mais diversos delírios. O grupo de amigos se conclui com Suzete (Júlia Rabello) e Hélio (Rafael Queiroga), casal que surge quase que de imediato por intermédio dos protagonistas. Estes apresentam um amor mais carnal do que qualquer coisa, e mostram muito sobre a superficialidade das relações do mundo atual. 

Diferente de Os Normais, a narrativa de Shippados não é composta por episódios independentes. Além do surgimento dos novos casais, o arco principal da temporada se dá na jornada de Rita em tentar encontrar seu pai, cuja identidade tentou ser ocultada ao máximo por Dolores, por interesse em manter a pensão que ele enviava para sustentar as duas. Nessa aventura, partem o grupo de seis amigos e a mãe desequilibrada para Maricá.

A dupla de roteiristas já é especialista em trazer a comicidade para momentos desconfortáveis entre os seus personagens, e dessa vez não poderia ser diferente. O humor surge nas situações mais escatológicas e constrangedoras possíveis, como quando uma excursão escolar chega na suposta praia de nudismo. Os diálogos sobre tópicos mundanos e aleatórios também são outro ingrediente comum do casal, e se encaixam perfeitamente aqui. Não é uma história forçada para nos fazer rir, com tiradas e clichês previsíveis. Em Shippados, nós rimos das situações e das pessoas. 

As redes sociais são o alvo de boa parte do humor sarcástico e afiado da série. Em diversos momentos, os diálogos entre os personagens exemplificam a superficialidade do meio virtual e as falhas comunicativas que ele proporciona, em que até um emoji errado pode alterar o tom de uma conversa. E acabam por tirar sarro da supervalorização das coisas na internet, como os testes de compatibilidade entre namorados e o status de relacionamento no Facebook.

Após descobertas decepcionantes na viagem para Maricá, e as diversas tentativas de sabotagem por parte de Dolores, a narrativa se vira completamente para a evolução do namoro de Enzo e Rita. Nenhum relacionamento é perfeito, muito menos nos roteiros de Young e Machado. A partir de uma sequência de desentendimentos, surgem as primeiras discussões, os conflitos iniciais e o primeiro término, como toda relação de pessoas normais. 

Por mais que esse talvez não seja o primeiro relacionamento sério da vida dos personagens, é a sensação que transparece para nós. Vemos a relação de Enzo e Rita como aquele namoro de adolescência, em que ambos precisam aprender a se entender antes para conseguirem, de fato, entender o outro. Erram como adolescentes, mas também amam como se fossem iniciantes nesse ramo. 

A dramaticidade ainda surge como um tempero adicional na narrativa. Seria difícil falar sobre o mundo da conectividade e do imediatismo sem abordar o lado daqueles esquisitões que não se encaixam por entre as bolhas virtuais. E, mais do que isso, mostrar as dificuldades que os relacionamentos do mundo digital ocultam, em saber lidar com o outro. Nesses momentos, o temperamento difícil de Rita e seu grande potencial de auto sabotagem, unido ao nervosismo de Enzo em tentar ao máximo que as coisas deem certo não poderiam ser mais compreensíveis. 

A transição para as cenas dramáticas não nos pega desprevenidos em nenhum momento, sentimos cada pontada da dor que é ser um estranho em um ambiente onde todas as relações são tão parecidas e simples, e da dificuldade em lutar por algo que não depende apenas de nós mesmos. A trilha sonora ainda é perfeitamente escolhida para nos derrubar de vez, com faixas de nomes como O Terno, Vanguart, Rubel e Los Hermanos. Ou seja, tudo de mais triste que existe na cena atual da música brasileira. 

Se fosse necessário dar nome aos bois, Dolores com certeza seria a maior antagonista da série, por suas sucessivas tentativas em destruir o namoro da filha, visando apenas o seu próprio benefício. Mas também poderia ser considerada a personificação do verdadeiro vilão do mundo real: o imprevisível (ou melhor, os absurdos idiotas da vida). Aquele acontecimento que vai além do nosso próprio controle e o maior obstáculo dos verdadeiros relacionamentos. Para se manter uma relação é preciso muito mais que amar, ou ter um endereço próximo, é necessário lidar com as adversidades da vida, e também lutar contra elas. Essa talvez seja a maior lição que o primeiro ano de Shippados nos deixa.

Shippados é um atestado das falsas promessas do meio virtual, que nos distancia, ao mesmo passo que busca nos aproximar. E também é um abraço caloroso para mostrar que ainda devemos ter esperança no amor, em encontrar alguém mesmo em meio a um mar de individualismo e das dificuldades repentinas da vida. Apenas mais um dos milhares de exemplos do grandioso legado de Fernanda Young, que não poderia ter se despedido de uma forma melhor.

A tecnologia vai precisar evoluir muito para conseguir transparecer as trocas de olhares apaixonadas, o nervosismo do toque acidental de mãos e as borboletas no estômago que a vida real nos proporciona. E não importa o quanto ela lute para conectar cada vez mais as pessoas, nunca conseguirá causar um encontro de almas tão bonito como o simples acaso. 

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Gabriel Fonseca

Rede de Ódio (Hejter) é um drama político que se propõe a mostrar como o medo e o preconceito podem se espalhar com facilidade pelas redes sociais. O longa polonês foi dirigido por Jan Komosa e chegou ao catálogo brasileiro da Netflix no final de julho. Nele, acompanhamos a história de Tomasz Giemza, interpretado por Maciej Musiałowski, um jovem frustrado que descobre a sua vocação em arruinar reputações através de informações e notícias falsas na internet, uma espécie de marketing inverso. 

Inicialmente, a trama se baseia na proximidade entre Tomasz e a família Krasucki. Descobrimos que ele é expulso da faculdade por plágio e somos introduzidos à sua relação com os “tios”, que financiam seus estudos enquanto um embate político acontece em Varsóvia. Ao descobrir que é menosprezado pelo casal e sua filha, Gabi (Vanessa Aleksander), o rapaz sente um impulso de vingança simultâneo ao desejo de ser aceito. À partir daí, suas ações são motivadas pela vontade de se aproximar de Gabi e se provar à família. 

Enquanto isso, somos apresentados à capital polonesa, onde uma onda de manifestações conservadoras emerge sob a premissa de combater os supostos inimigos da Europa: homossexuais, imigrantes e muçulmanos. Este universo é retratado por protestos com bandeiras de supremacia branca e a promoção da violência como arma para frear a imigração, ambos intensificados nas redes por declarações alarmistas de grupos que veem seu estilo de vida ameaçado. É por um acaso que este conflito se choca com o jovem protagonista, que começa a trabalhar em uma empresa que destrói imagens sociais e o direciona contra Rudnik, o candidato progressista que disputa o cargo de prefeito de Varsóvia e que é financiado pelos Krasuckis.

Os elementos desta narrativa parecem caminhar isolados até que Tomasz é rejeitado pela família mais uma vez, o que o leva a unificar motivação pessoal e trabalho: atingir a campanha de Rudnik significa atingir Zofia (Danuta Stenka) e Robert Krasucki (Jacek Koman). Então, vemos a transformação do protagonista, que assume o seu cinismo para mergulhar em decadência. Toda a ação passa a se concentrar no seu personagem e Maciej Musiałowski eleva o nível de sua performance, exibindo plasticidade e emoção persuasivamente.

Em Rede de Ódio, Komosa retoma a parceria com o roteirista de sua obra anterior, Corpus Christi, indicado ao Oscar de 2020 na categoria de Melhor Filme Internacional, prêmio que foi para Parasita (2019). Mateusz Pacewicz é simples com seu roteiro, ele determina todas as condições para desenvolvê-las em seguida. As peças são dadas ao espectador logo no começo, com a demonstração das personalidades, o conflito familiar e a tensão política que infla a cidade. Depois, estas peças se amarram e uma nova expectativa é criada, queremos descobrir o que Tomasz está planejando, mas já pressentimos a fatalidade.

O diálogo tem um papel fundamental nas ações e na montagem, funcionando nos momentos em que revela os personagens e na maneira como direciona as cenas, amarrando sequências e determinando o ritmo da narrativa. A música também é um recurso bem utilizado, se tornando perceptível quando é conveniente, principalmente quando faz parte do ambiente, como nas cenas em casas noturnas e no desfecho desta história, cujo horror explicitado visualmente se entrelaça à música clássica, como um anúncio de sua tragédia.

Rede de Ódio nos mostra como é fácil converter a dor e o sofrimento em destruição pelas redes sociais, mesmo quando fazemos isto de forma anônima. O longa não tem uma abordagem pessimista sobre a tecnologia, como acontece constantemente em Black Mirror, mas explora a dimensão e o alcance que ela nos oferece quando o assunto é influenciar negativamente. Ao fim de seu esforço por vingança, Tomasz Giemza não é responsabilizado pelos danos causados.

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Gabriel Gomes Santana

Lançado em 2017 pela Star Thrower Entertainment, Ingrid Vai Para o Oeste (2017)  vem causando muitas reflexões sobre o poder de influência das redes sociais no estado de saúde mental de seus usuários. Adicionado no início de maio no catálogo da Netflix, o filme retrata o descontrole obsessivo de Ingrid Thorburn perante o seu uso do Instagram. Além de trazer Matt Spicer na direção, a obra ainda conta com o protagonismo de Aubrey Plaza e Elizabeth Olsen.

Logo no início do filme somos apresentados pela protagonista de maneira inusitada, na qual ela invade um casamento e agride a noiva que não a convida à celebração. Sua decepção lhe causa transtornos agressivos de personalidade, recebendo ajuda em um centro psiquiátrico para tratar seu vício no consumo da plataforma digital.

Percebemos que Ingrid é uma adolescente extremamente solitária. Por conta da morte de sua mãe, a jovem acabou restringindo ao máximo sua conexão com grupos sociais no ambiente externo (vizinhos, colegas e familiares), criando uma forte identidade com a comunidade ativa das redes sociais (seguidores e membros de grupos online).

Seu isolamento presencial fez com que toda sua atenção fosse voltada exclusivamente ao Instagram, como se suas interações fossem de fato reais. A necessidade de ter um amparo emocional fez com que ela procurasse perfis que compartilhassem seus mesmos gostos, um relacionamento que proporcionasse o encontro de estilos de vida semelhantes que pudessem construir uma amizade na vida real. 

Compulsiva pelo desejo de criar laços online, a jovem encontra o perfil de Taylor,  uma blogueira de sucesso que vive na Califórnia. Ela, que por sua vez é popular dentro do aplicativo, começa a responder os comentários de Ingrid. Tal gesto afetará diretamente a trajetória de nossa protagonista, fazendo com que ela transforme toda a sua vida ao se mudar para a Costa Oeste somente para encontrar sua nova amiga celebridade.

O longa consegue cumprir seu papel em nos alertar sobre o uso desenfreado das redes sociais. A principal crítica presente em Ingrid Vai Para o Oeste são os excessos. Seja através do comportamento da protagonista na internet, pelo instinto insaciável de Taylor em expôr sua linda e perfeita vida em Los Angeles ou pela necessidade devastadora de pertencimento que Ingrid deposita em si mesma. 

Quem nunca ficou insatisfeito por não ser mencionado em algum stories de algum colega? Quem nunca teve inveja por não ser convidado à festa que seu amigo postou no feed? Quantas pessoas já stalkearam seu perfil sem você saber? Todas estas indagações são representadas no filme, ainda que de maneira exagerada, para ilustrar o quão influente nosso comportamento no Instagram pode ser na vida real. 

Matt Spicer neutraliza muito bem o drama da narrativa através da comicidade de muitas cenas. O personagem secundário Daniel Pinto é chave necessária para ativar o lado cômico do filme, sem contar sua importância para o desfecho da trama. Embora o longa assuma um nítido objetivo crítico, ele não deixa escapar a oportunidade de trazer humor, atraindo com sucesso o público adolescente.

Ao longo do enredo o espectador presencia diversas cenas em que Ingrid demonstra seu vício contínuo, mas são poucas as cenas que abordam a maneira com que Taylor administra sua vida fora do alcance midiático. A influencer constantemente publica fotos sobre tudo o que acontece em seu cotidiano, sem se preocupar com a exposição de sua vida pessoal e o quanto isto afeta o psicológico  de seus seguidores. Ingrid por outro lado, é incapaz de perceber que estava se tornando uma pessoa sociável no momento em que se aproxima de Daniel. Indiretamente, o filme nos mostra um ciclo de relações que são pautadas por interesses pessoais.

O sentimento de não pertencimento da protagonista é o que vem afetando a maioria dos usuários do Instagram, que buscam no aplicativo uma forma de se comunicar e ter uma identidade que os identifique como membros de algum grupo. Segundo uma pesquisa britânica disponibilizada pela Royal Society for Public Healthy, o Instagram foi considerado o aplicativo mais nocivo à saúde mental. Cerca de 90% de seu público consumidor é composto por jovens entre 14 a 24 anos de idade, em que a maioria relata já ter sofrido pressões psicológicas por conta das imagens e vídeos da plataforma. 

Ansiedade, desconforto com o próprio corpo, insegurança e inveja são emoções que compõe os distintos cenários presentes no feed dos usuários. Hoje em dia, ter um perfil em uma rede social faz com que você fique por dentro de tudo o que acontece no mundo, ou no churrasco clandestino do seu amigo que não respeita o isolamento da pandemia. Não à toa, Spicer nos conduz ao sentimento de pena pela protagonista, uma vez que ela apresenta dificuldades em lidar com seus traumas e aposta todas as suas fichas em uma bola de neve composta por mentiras.  

Ingrid queria relembrar como eram os momentos de alegria passados ao lado de sua mãe. Em troca, ela se vê em um emaranhado de confusões devido à inveja que ela guarda pela nova melhor amiga. Dificilmente, conseguimos desvincular nossas imagens virtuais de nossas reais identidades, impactando diretamente a maneira pela qual moldamos nossa identidade cultural.

O fenômeno da identidade cultural, desde os primórdios da civilização humana, sempre esteve aliado às inúmeras tentativas de que os indivíduos têm de se encaixarem em grupos. Ingrid dá exemplos disso nas cenas em que ela arquiteta todas as ações para se aproximar cada vez mais de Taylor (incluindo cometer crimes para tal). 

A convivência é uma norma que exige comportamentos semelhantes de um ser entre seus pares. Ao longo dos anos, nos adequamos de acordo com rituais, danças, gostos musicais, memes, vídeos do TikTok e outros elementos que estabelecem padrões de comportamento na sociedade. Com isso, nos vemos diante de novos mecanismos que nos condicionam a estabelecer vínculos para além dos limites físicos, conectando terra-planistas, adeptos da anti-vacina e negacionistas do aquecimento global ao longo de todo o mundo.

Assim como Ingrid se recusa à aceitação de perda de sua mãe, nós nos recusamos a aceitar que o meio ambiente está se degradando e que nossos representantes públicos são corruptos. Ou que estamos vivendo uma pandemia, que nossas religiões são moldadas por seres humanos que também são falhos ou ainda que as mídias sociais são ambientes que podem ser muito hostis. A característica psicológica que liga todas estas recusas é influenciada pela maneira que encaramos nossas atitudes. Administrar nossas decisões e pensar que elas sofrem consequências nos traz desconforto e dor, por isso, tentamos construir perfis dentro do espaço virtual onde o desagradável perante a sociedade não existe.

Constantemente somos induzidos a nos conectar com tudo aquilo que nos cerca e quando um padrão de comportamento, ainda que negativo à saúde, se torna efetivo para criar vínculos e identidades, a irracionalidade se torna ainda mais frequente. O impacto das redes sociais pode ampliar ou diminuir o modo pelo qual observamos a realidade. Por isso Ingrid Vai Para o Oeste é lançado no catálogo da Netflix no melhor momento, de grande relevância para discussão sobre o uso excessivo das redes sociais. 

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