Marcela Jardim

Cinco anos após o lançamento de Cherry Blossom, que marca a volta do hiato de 2 anos, após um período intenso de turnê e lançamentos, o disco ganha uma camada adicional de significado. Ele não só representou o retorno da banda após um período de reestruturação criativa, como acabou se transformando em seu ponto final, pelo menos por um tempo. O grupo, que ficou conhecido a partir de 2014 por sucessos como Somebody To You em parceria com Demi Lovato, Can We Dance, Oh Cecilia (Breaking My Heart), uma parceria com Shawn Mendes – que também iniciava sua carreira –, e All Night, o maior hit da banda inglesa, entrou em uma pausa após o lançamento do disco All Night por alguns anos, – e mesmo ocorreu após o quarto álbum, visando o foco dos integrantes em suas carreiras solo, em especial o vocalista Brad Simpson, e logo retornaram as atividades em 2024.

Além do peso histórico, Cherry Blossom também se destacou por romper com parte da estética anterior do grupo. Enquanto álbuns como Meet the Vamps (2014) e Wake Up (2015) abraçavam o pop adolescente vibrante, e Night & Day (2017–2018) explorava atmosferas mais eletrônicas e fragmentadas entre suas duas versões Night e Day, o quarto disco surgiu como um pacote mais compacto, conceitual e maduro. É um álbum pequeno, direto e seguro de sua identidade, diferente da amplitude experimental dos anteriores. 

Sonoramente, o disco também marca uma virada. The Vamps sempre flertou com o pop-rock juvenil, porém Cherry Blossom traz uma produção mais polida, sintetizadores mais atmosféricos e uma coesão estética que contrasta com a variedade dos trabalhos anteriores. Enquanto em Night & Day alternava entre tons mais sombrios e explosões românticas radiofônicas, aqui a banda opta por uma paleta mais uniforme, cintilante, energizada e emocionalmente direcionada. Essa estabilidade sonora, impulsionada pelo contexto da pandemia, oferecia em 2020 um respiro necessário, um álbum feito para soar como fuga, uma luz num período de clausura global. Cinco anos depois, essa estética se destaca como o momento em que o grupo encontrou um equilíbrio raro entre amadurecimento e identidade.

Tematicamente, a diferença é ainda mais evidente. Se nos primeiros discos a banda explorava crushes juvenis, situações divertidas e romances leves, em Cherry Blossom o foco recai sobre relações mais intensas e o próprio desgaste emocional, um reflexo tanto da maturidade dos integrantes quanto do clima mundial de 2020, abordando mais vulnerabilidade, fricção e introspecção. O álbum se comporta quase como uma narrativa contínua, indo do encanto inicial ao inevitável desmoronamento, algo que nenhum de seus trabalhos anteriores haviam estruturado com tamanha clareza. A linearidade emocional é o que sustenta o impacto do disco, transformando-o na obra mais consciente e organizada da banda.

A produção orbita principalmente em temas amorosos, com paixões intensas, que começam rápido, queimam forte e se desfazem quase que com a mesma velocidade. É um álbum que registra duas fases de um relacionamento com a honestidade de páginas de um diário, com um início arrebatador, onde tudo parece possível e a crise inevitável que coloca à prova o que antes parecia indestrutível. Sua construção narrativa guia o ouvinte por essas etapas com intencionalidade rara dentro da discografia do grupo.

Esse arco ganha vida já nas primeiras notas de Glory Days, que funciona como um prólogo e manifesto. Lançada em plena pandemia, a faixa carrega versos como “keep on breathing” (continue respirando), que ganharam força em um período em que respirar – literal e metaforicamente – parecia difícil. Há esperança nessa abertura, algo como um convite a viver o momento e encontrar pequenos respiros de alegria. Hoje, a faixa retorna como memória afetiva de um período em que a música se tornou combustível emocional.

A narrativa avança para canções que capturam a eletricidade do amor recém-nascido. Married in Vegas, single que marcou a nova era, estabelece o tom de impulsividade, adrenalina e decisões tomadas no calor do momento, como se o mundo fosse um cassino onde vale tudo. A estética de Las Vegas funciona como metáfora perfeita para relacionamentos que nascem velozes e intensos demais para serem racionalizados, traduzindo a vertigem do início do romance com imagens brilhantes, artificiais e irresistíveis. 

Do mesmo modo, Chemicals amplia essa atmosfera, emergindo como uma das faixas mais viciantes do projeto, é pulsante, construída para funcionar onrepeat e dotada de um refrão que facilmente poderia ter sido um dos singles oficiais. Já Nothing But You mantém o brilho do começo, apostando em uma combinação de leveza e de desejo quase obsessivo, típica da fase em que tudo ainda é descoberta, exagero e promessa. Esse trio forma o coração eufórico do álbum, a parte em que o amor parece maior que a vida.

Entretanto, Cherry Blossom não se sustenta apenas na exuberância do começo, ele sabe quando desacelerar para revelar o desgaste. Better, um dos três singles do disco – ainda que não tão marcante quanto Married in Vegas – marca essa ruptura ao expor o primeiro sinal de estagnação. Seu verso-chave, “did things get better or did we get used to it?” (as coisas melhoraram ou só nos acostumamos com isso?), encapsula um cansaço emocional que dialoga tanto com crises amorosas quanto com o esgotamento coletivo do isolamento social. Would You, também lançada como single e igualmente discreta em impacto, aprofunda essa tensão.

O arco emocional encontra seu ponto final em Protocol, a faixa mais distinta do álbum em termos sonoros e também a mais devastadora. Lenta, melancólica e guiada por uma delicadeza quase dolorosa, ela assume um tom de despedida que não tenta dramatizar o fim, mas aceitá-lo. Se Better questiona e Would You hesita, Protocol simplesmente reconhece. A transição entre as três é fluida e simbólica, começando pela dúvida, passando pela insegurança e terminando na aceitação, três estágios de um relacionamento que queimou rápido, brilhou intensamente e, inevitavelmente, se desfez.

Cinco anos depois, Cherry Blossom permanece como um dos trabalhos mais coesos e emocionalmente instintivos do The Vamps. Um álbum que não apenas refletiu seu tempo, mas também moldou a forma como a banda seria lembrada durante o hiato que se seguiu. Em retrospecto, o disco funciona como cápsula afetiva de 2020, o momento em que a música serviu ao mesmo tempo como refúgio, companhia e linguagem para sentimentos que muitos não conseguiam nomear. Sua narrativa sobre amores intensos, crises silenciosas e fins inevitáveis acabou ecoando muito além do romance; tornou-se espelho de uma juventude tentando sobreviver ao caos global. 

Com o retorno do The Vamps aos palcos em 2024, Cherry Blossom ganha ainda mais potência como documento de transição, uma florada antes do silêncio, o último capítulo antes de novas versões de cada integrante surgirem. O disco condensa juventude, fragilidade e maturidade sem perder a identidade pop que sempre definiu a banda. E talvez por isso continue vivo, pois captura um tipo de sensibilidade que é rara no pop contemporâneo, equilibrando brilho e dor, fuga e enfrentamento, começo e fim. Cinco anos depois, ele ainda respira, e talvez seja justamente essa capacidade de renascer, como a própria metáfora das cerejeiras, que mantém Cherry Blossom relevante, emotivo e indispensável dentro da história de The Vamps.

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Raquel Freire

Quando o assunto é a indústria musical, não é incomum ouvir que artistas, principalmente mulheres, precisam se reinventar múltiplas vezes para continuarem na cena. É o que aconteceu com Halsey na última década: ela fez sua estreia como uma adolescente rebelde em BADLANDS (2015), defendeu a postura de uma ‘artista conceituada’ transformando o clássico shakespeariano Romeu e Julieta em hopeless fountain kingdom (2017), mostrou-se como uma autora de sucesso mundial em Manic (2020) e uma máquina de ódio industrial que explodiu em If I Can’t Have Love, I Want Power (2021). Seu quinto álbum de estúdio, The Great Impersonator, segue a mesma linha. No entanto, ao invés de assumir uma única personalidade, Halsey assume 18.

Há um grande motivo por trás deste conceito. Ashley Nicolette Frangipane criou sua persona artística antes de entrar na vida adulta e, desde então, a assume. Com o passar do tempo, os traços que definiam cada nome tornaram-se cada vez mais parecidos, até chegar ao ponto em que a própria artista não conseguia discernir quem era quem. Dessa forma, acreditando que este seria seu último álbum, Frangipane decidiu incorporar outras personalidades para além de Halsey, explorando como sua Arte seria se ela estivesse no cenário da Música nas décadas de 1970, 1980, 1990 e 2000. Cada faixa saúda, de alguma maneira, uma das inspirações da artista, que as ‘personificou’ ao recriar looks icônicos de seus ídolos.

Em algumas músicas, as influências declaradas são bem aparentes; em outras, é difícil fazer a conexão. Ao ver Halsey posar como Dolly Parton na divulgação de Hometown, não é difícil adivinhar que essa será a produção com um sabor country no álbum, embora a descrição de como um colega de escola, que faleceu cedo demais, está congelado no tempo não pareça com algo que Parton faria. Por outro lado, Panic Attack, inspirada em Stevie Nicks e um dos pontos altos do disco, é totalmente parecida com Dreams em sua execução nitidamente analógica da década de 1970, misturando vocais cintilantes e guitarras com reverberação pesada que exploram a essência vintage de Nicks.

Apesar desse ponto, essa escolha totalmente diferente de criar e incentivar as pessoas a pensar sobre a obra comprova a qualidade do principal material apresentado: a mensagem que a cantora quer transmitir. Da primeira à última música, fica claro que o sentimento que guia o disco é a mais pura ansiedade e, em nenhum momento, o ouvinte deixa de prestar atenção nas grandes questões com as quais Halsey está lutando. Ao invés de formar uma grande bagunça que mais distrai do que atrai, a mistura de gêneros e tons resulta em uma experiência auditiva dinâmica e imprevisível, assim como os temas de vida, morte, amor, raiva e legado são apresentados ao longo dos 66 minutos de duração.

The Great Impersonator não foi concebido para ser uma experiência fácil de ser ouvida, ao passo que carrega algumas das músicas mais profundas e reveladoras da carreira de Halsey. Entre o lançamento de seus dois últimos álbuns, a cantora terminou um relacionamento (de uma forma não muito amigável, pelo que parece) logo após o nascimento de seu primeiro filho e foi diagnosticada com leucemia e lúpus. Essas experiências são, sem dúvidas, capazes de mudar a perspectiva de qualquer pessoa, e Frangipane incorpora esses sentimentos no álbum extraordinariamente.

Life of the Spider (Draft) é o maior exemplo. Composta apenas pelos vocais de Halsey e as notas de um piano, a música, inspirada em Tori Amos, soa como uma voicenote – um desabafo tão vulnerável que passa a sensação de que a cantora não a regravou para não precisar repeti-lo. Aqui, Halsey fala sobre como a dinâmica de seu relacionamento mudou quando ela começou a sentir os efeitos colaterais de seu tratamento. A faixa se baseia em uma metáfora muito específica: ela se caracteriza como uma aranha que, apesar de inofensiva, está prestes a ser exterminada por um homem que se sente irritado por ter que dividir seu espaço com um ser que, normalmente, gera repúdio nos outros.

Outra composição que deixa o ouvinte com vontade de fazer uma pausa para digerir o que foi dito é The End, o primeiro single do disco. Ao mesmo tempo em que é a música que aborda mais extensa e abertamente o quadro de saúde de Halsey, é a que mais se aproxima de uma música alegre na coletânea. Isso acontece porque é a única vez em que ela se dirige a um parceiro que a apoia e, aparentemente, a ama. Com uma voz calma e um simples dedilhado à la Joni Mitchell, ela canta que, ainda que parecesse o fim do mundo, ela não estava sozinha, e isso fez com que toda a situação não fosse tão difícil de lidar. O questionamento final, “Você pode me pegar às oito?/Porque meu tratamento começa hoje”, é o momento mais doce de um álbum que não possui muitos deles.

Embora pareça, em um primeiro momento, que este será um álbum apenas sobre a saúde da cantora, logo surgem músicas que abordam áreas mais universais da angústia. Uma delas é Darwinism, inspirada em David Bowie, que faz um trabalho brilhante em combinar solidão com pânico existencial. Nessa faixa, Halsey expõe o sentimento de não conseguir fazer parte de um todo, como se todas as pessoas estivessem construindo o que precisam e seguindo seus planos, enquanto ela se vê incapaz de seguir adiante. Em termos de darwinismo, ela se refere a si mesma como uma espécie primária – todos os outros evoluíram, mas ela, talvez, nunca o fará.

Lonely is the Muse e Arsonist também fazem parte deste grupo. A primeira, que ecoa a atmosfera alternativa mais sombria de Amy Lee, contém partes de um poema escrito por Halsey, no qual ela assume o papel de uma mulher cujo único propósito é inspirar um amante, sendo descartada assim que não for mais necessária. A segunda, que remete ao groove de Fiona Apple, apresenta uma melodia muito mais suave do que suas palavras atormentadas. Abertamente feita para seu ex-namorado – cujo primeiro nome, Alev, significa ‘chama’ em turco –, a música discorre sobre a toxicidade do relacionamento de ambos, no qual Halsey o define como o fogo e, ela, como a água.

Arsonist foi o resultado da colaboração da cantora com Michael Uzowuru, que participou da produção da maioria das faixas, assim como Alex G. Essa é a primeira vez que eles trabalham em parceria desde Blonde (2016), de Frank Ocean. É fato que, aqui, seria difícil superar o trabalho que Trent Reznor e Atticus Ross, da banda Nine Inch Nails, entregaram em If I Can’t Have Love, I Want Power. Entretanto, esses músicos – e alguns outros que se juntaram a eles, como Austin Corona e Caleb Laven – conseguiram criar um álbum que mantém um pouco do assombro do disco anterior, ao mesmo tempo em que se expande para uma paleta mais ampla.

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Mesmo com um conceito inédito e uma imensa qualidade na produção e na composição das músicas, escutá-las uma por uma, na ordem estabelecida, não é algo que vai agradar a todos – principalmente aqueles que não se familiarizaram com o significado por trás delas. Contudo, quem se arrisca a chegar ao final conclui que esse não foi um álbum criado para os charts e a grande massa, mas sim para a Arte e a própria Halsey. Feito em um momento de sua vida em que tudo estava incerto, o disco é um registro de que ela sobreviveu. É, também, um registro impecável de como a exploração da liberdade criativa e o desejo de não ser ‘mais do mesmo’ podem resultar em verdadeiras obras de arte.

The Great Impersonator não foge da escuridão, mas celebra a luz dentro das inspirações mais profundas de Halsey. Mais do que uma coleção de ‘imitações’, o álbum se mostra como uma declaração ousada de identidade artística; um testemunho da cantora multifacetada que ela se tornou. Ao homenagear as pessoas da indústria que a definiram, Ashley Nicolette Frangipane molda um novo capítulo em sua história – um que captura a beleza, o caos e a vulnerabilidade de sua vida e de sua Arte, ao mesmo tempo em que eleva as vozes daqueles que vieram antes dela.

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Livia Queiroz 

Quem nunca teve uma paixão forte por alguém que terminou em uma decepção ainda maior? Ou uma queda de autoestima por se comparar com outras pessoas que enxergamos como mais bonitas? Uma obsessão por uma ex do seu atual, por inveja, talvez? E a vontade de entrar em uma aventura de um amor errado? São esses tipos de situações, recorrentes na vida de uma jovem, que Olivia Rodrigo trata em seu último álbum, GUTS (2023), e em sua versão extendida, GUTS (spilled) (2024): a controversa ‘girlhood’. Percebendo o tremendo sucesso da morena, a Netflix fez um filme-documentário de uma de suas performances da sua primeira turnê mundial, a GUTS World Tour, para os fãs sentirem a vibe sem sair de casa.

Em um descontraído pop rock, a cantora encantou todos que se identificavam com suas músicas tão significativas. Mas não é com esse álbum que a descrição de momentos da juventude começou; temos que voltar a Maio de 2021, quando seu primeiro álbum, SOUR, foi lançado e abalou todas as plataformas e premiações musicais. Nele, a canção drivers licence mostrou seu potencial como compositora, narrando a história melancólica de seu último relacionamento e o sentimento amargo de perceber que seu antigo parceiro superou o término, e ela não. 

Depois do ‘estouro’ de SOUR, com três Grammys, GUTS coloca em pauta situações de sua juventude agitada depois de se tornar uma adulta. Nessa onda de repercussões e sucesso, Rodrigo anunciou a GUTS World Tour, que iniciou em Fevereiro de 2024, em Palm Springs, EUA. Mesmo com a agenda repleta de shows, ela surpreendeu com uma versão deluxe, que trouxe cinco novas canções: obsessed, girl i’ve always been, scared of my guitar, stranger e so american. 

Vivenciando um dos momentos mais mágicos e importantes da carreira de Rodrigo, a equipe da Netflix produziu um especial de um dos shows da GUTS World Tour, em sua cidade natal, Los Angeles. Trata-se de uma gravação profissional da performance, para que os fãs que não puderam estar presentes sintam-se dentro desse dia especial. O filme foi lançado em Outubro de 2024, com o título Olivia Rodrigo: GUTS World Tour e direção de James B. Merryman. “Estou muito animada para compartilhar a turnê mundial GUTS com meus fãs“, disse a artista no post de anunciamento do filme-documentário. “Para aqueles que não tiveram a chance de curtir ao vivo, agora vocês podem garantir os melhores lugares de casa!“. 

O primeiro aspecto a ser notado dentro do longa é a presença somente de mulheres, tanto na banda quanto no conjunto de dançarinas no palco, junto da jovem norte-americana. A participação de um convidado também destaca esse evento, em LA quem participou foi a nova sensação do mundo da música: Chappel Roan, com o hit HOT TO GO!. Outra surpresa agradável do espetáculo é a produção e atenção que sua equipe recebe, com vários figurinos e a interação entre a artista, suas dançarinas, banda e fãs.

Por um lado, é um show único e criativo, que junta os hits de seus álbuns. Com uma produção linda e cheia de elementos de seus dois discos, como os cinco atos com trocas de figurino, dois solos da banda ao som de brutal e get him back!, um convidado para cantar no palco, entre outros. Convém mencionar a presença de palco de Olivia Rodrigo, com um ânimo invejável: atuação conforme letras das músicas, conversas com seus fãs e coreografias junto de suas bailarinas – quando não dançava, ela pulava. 

Por outro, fica notável a semelhança com as turnês de Taylor Swift, The Eras Tour, e de Beyoncé, Renaissance. Com performances que contam histórias; a grande quantidade de interações; uma plataforma diferente com aspectos de seu álbum; momentos a capella; solos no piano e violão. Apesar das claras inspirações, a artista continua inovando e se dedicando, com uma melhora perceptível em seu vocal ao vivo.  

No início do filme e nos créditos somos apresentados aos bastidores. Com cenas das rotinas de alongamento, aquecimento de voz, abraço com a equipe e demais preparações, desejamos mais desses momentos, mesmo que não seja esse o objetivo da obra. Além disso, após o fim do espetáculo, a câmera filma alguns fãs presentes, com elementos da loja oficial e outros caracterizados em roupas parecidas com as usadas pela compositora nos videoclipes de seus álbuns anteriores.

Diante dos assuntos abordados em suas músicas, como girlhood, amor, raiva, inveja e teenage dreams, o público alvo de Rodrigo e seus shows é muito bem definido e isso fica claro até mesmo no documentário. Sabendo disso, a compositora e cantora norte-americana criou uma iniciativa mundial de arrecadação para um futuro justo e com equidade para mulheres e garotas, chamado Fund 4 Good, dentro de seu site. A cada continente, ela escolhe um instituto para ajudar com as doações.

Por fim, diante do filme-documentário é possível sentir a paixão da artista pela música e performances ao vivo junto de seu elenco e fãs. Com uma presença de palco e carisma fora do comum, Olivia Rodrigo consegue cativar o público por completo e emocionar qualquer um com suas letras cheias de storytelling tristes e identificáveis. Para além, a cantora mostra-se como uma mulher vulnerável, empática e política, com manifestações dentro e fora de seu ambiente de trabalho.  

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Laura Hirata-Vale

Dentro de nossas veias e artérias, por meio do plasma, viajam as hemácias, as plaquetas e os leucócitos. O fluido vital que permeia nossas vidas pulsa e leva com ele o ferro, o vermelho, a hemoglobina. Quando rompidos, o sangue extravasa, sendo acompanhado – na maior parte das vezes – pelo choro e por fortes emoções. Ele também é responsável por esquentar e aquecer o corpo, em situações de perigo e excitação. Já na corrente sanguínea da 5 Seconds of Summer, podemos encontrar a dor, a doçura e o melodrama. 

O líquido escarlate e viscoso também é personagem principal de histórias de vampiros, de amor e de loucura, além de representar os mais variados sentimentos do ser humano. Com uma grande pontada aflitiva, eles são aspectos que machucam e encantam de uma forma inesperada. O sangue jovem e reativo da banda diz, com versos repletos de ardor: “lembre-se das palavras que você me disse: ‘me ame até o dia que eu morrer’”. De forma raivosa, emocionada e cheia de decepção, nascia – em Junho de 2018 – o terceiro álbum da banda australiana: o grande e aclamado Youngblood.

Com apunhaladas melódicas, o grupo australiano prova que não é mais composto por adolescentes e que agora são jovens adultos. Desiludidos com a juventude, o quarteto formado por Ashton Irwin, Calum Hood, Luke Hemmings e Michael Clifford mostra – de maneira nua, crua e intimista – seus desapontamentos em relação ao mundo e à realidade. Deprimidos após términos de relacionamentos, com pequenas bolhas de esperança para o futuro, o grupo faz experimentações sonoras e mostra as dualidades da jovialidade e da música, indo de ritmos rápidos e oitentistas para canções calmas e dolorosas, que machucam e cortam qualquer um.

Beirando o escapismo – afinal, “o tempo acabou, e o fim é apenas um sonho” –, a banda apresenta seu ápice da paixão e seu ponto mais baixo da tristeza. Com constantes ondulações de humor, Youngblood faz um retrato sincero sobre o que é ser um jovem adulto: sofrer, amar, dançar, transar e festejar. Em um ode ao ultrarromantismo, a 5 Seconds of Summer segura em suas mãos corações arrancados do peito, por meio de uma overdose sentimental e boêmia. Coberto pela cor carmim, o disco retrata a madrugada obscura como um período cheio de segredos – “se estas paredes pudessem falar, eu espero que eles não digam nada” –, insônia e reflexões.

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Reflexões estas que, durante as dezesseis músicas, passam pelas fases do luto pós término de relacionamento. O disco gira majoritariamente ao redor da barganha – temos como exemplo o grandioso single e faixa-título Youngblood, responsável pelo primeiro bilhão de streams da banda, e na canção Lie To Me –, além do tom colérico da faixa Moving Along, que representa fielmente a fase da raiva. Porém, o álbum possui um dulçor açucarado feito de caramelo, crocante e vermelho, igual a uma maçã do amor pecaminosa, tóxica e envenenada. 

Feita para ser mordida e apreciada, Valentine chega para celebrar a paixão do Dia de São Valentim, com todos os sabores adocicados e melosos que a data pode trazer. Em versos como “eu amo a luz nos seus olhos e a escuridão no seu coração”, “não tenho nada além de amor por você, me apaixono mais a cada dia” e “tão profundo, seu DNA está sendo bagunçado com meu toque”, a 5 Seconds of Summer – além de mostrar seu lado amoroso –, apresenta sua versão sexy, efervescente, que beira o erotismo romântico. Como a cereja do bolo, a faixa ainda possui toques vibrantes no baixo, e construções brilhantes – e cheias de glitter – em sua melodia e em seu clipe, que fazem um ode ao glam rock e ao New Wave. 

No single Lie To Me, vemos a tentativa de superar o fim de uma relação. Produzida por Andrew Watt – o responsável por Señorita, de Shawn Mendes e Camila Cabello, e por Eastside, de benny blanco, Halsey e Khalid –, a música possui vocais harmoniosos e sofridos, que lembram uma rouquidão pós choro. Com versos delicados e doloridos – “mas se eu te perguntar se você me ama, eu espero que você minta para mim” – mostra o sentimento amargo que nos ocorre quando vemos um antigo amor. Why Won’t You Love Me, por sua vez, foi construída de forma avassaladora, usando a sobreposição e repetição de vozes e instrumentos. Mostrando a ansiedade e os conflitos presentes em um relacionamento em demolição, percebe-se uma ambiguidade no eu-lírico da faixa: quem faz a pergunta “por que você não me ama?”? O narrador em primeira pessoa ou o personagem da narrativa?

Porém, um dos maiores destaques do disco é a faixa Ghost Of You. Tida como um dos maiores feitos líricos da carreira da 5 Seconds of Summer, possui um ‘quê’ poético, deprimente, de partir qualquer coração em milhares de pedacinhos. Nua, crua e cheia de emoção, a banda mostra um lado vulnerável, machucado, visto antes nas canções Amnesia e Jet Black Heart, dos primeiros dois álbuns. Refletindo sobre a perda de um grande amor, há a dúvida se é um simples término de relação, ou se o ‘fantasma de você’ é literal, por ser a morte de um amado. Seria a 5SOS “muito jovem, muito idiota, para saber coisas como o amor”? Quando será que estamos prontos para amar? Ou será que já nascemos prontos para isso?

A dor da canção é tangível, quebradiça, e, de forma extraordinária, encanta belamente. A sonoridade acompanha a qualidade lírica com detalhes graciosos. Os toques delicados no piano, acompanhados dos vocais melodiosos de Luke Hemmings no silêncio oco e absoluto, e – com a adição gradual de instrumentos – beiramos uma sensação esotérica inexplicável. As harmonias de Ghost Of You são surpreendentes e afirmam como a 5 Seconds of Summer evoluiu em todos os âmbitos musicais nos quase três anos de hiato entre Sounds Good Feels Good (2015) e Youngblood (2018).

Youngblood, mesmo depois de cinco anos, ainda prova que a juventude corre solta em suas veias e artérias. Considerado como um renascimento da banda, o disco mostra o amadurecimento pessoal e musical da carreira da 5 Seconds of Summer. Sendo um grande favorito dos fãs – e até do próprio quarteto –, ele é lembrado sempre em turnês e em shows, com performances impactantes e cheias de energia. Triunfal, o terceiro disco nos deu a certeza que o grupo australiano tem fogo, oxigênio e histórias de sobra para contar e cantar. Jovens, apaixonados, melodramáticos e com seus corações partidos, a 5SOS entra em combustão e sempre “nos encontrará lá”, na madrugada sombria, doce, sangrenta e amanteigada de Youngblood. 

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Clara Sganzerla e Guilherme Machado Leal

Para uma geração, o MTV Video Music Awards foi um grande acontecimento. Mobilizou votações, foi palco de grandes anúncios e era uma das premiações mais aguardadas do ano, sendo prestigiada por diversos nomes de peso da indústria musical. Madonna, Michael Jackson, Whitney Houston, Spice Girls, Britney Spears, Eminem, Beyoncé, Lady Gaga e diversos ícones se apresentaram no palco ao longo das décadas, disputando as estatuetas do Homem na Lua e fazendo história em Nova York ou Los Angeles. No entanto, ao olharmos para o presente, não podemos afirmar que o evento tem o mesmo brilho, mas, aos trancos e barrancos, tenta recuperar os tempos de glória de um passado não tão distante.

A edição de 2023 foi realizada em Nova Jersey, no Prudential Center, e foi comandada por Nicki Minaj, vencedora do Vanguard Award de 2022. A rapper cantou Last Time I Saw You – música presente no seu quinto álbum, Pink Friday 2 –, envolta de brilhos e fumaça roxa. A apresentadora também ganhou uma estatueta na categoria Melhor Videoclipe de Hip-Hop com Super Freak Girl.

A ideia era celebrar os 50 anos do hip-hop ao lado de figuras importantes do gênero, como Darryl “D.M.C.” McDaniels, Grandmaster Flash and the Furious Five, Doug E. Fresh, LL Cool J e Lil Wayne. Diddy Sean, no entanto, roubou a cena ao se apresentar com as músicas I’ll Be Missing You, Bad Boys For Life, I Need a Girl e ao receber o prêmio Global Icon, uma honraria para a lenda do hip-hop.

Apesar de muitos famosos de alto nível não frequentarem mais o evento, Taylor Swift continua fiel. Desde 2008 marcando presença, a loirinha do momento elevou as expectativas: depois de ser indicada em 11 categorias pelo videoclipe e música Anti-Hero, a artista voltou para casa com oito prêmios e o título de maior vencedora da noite, além de ter dominado os melhores memes pela internet – que movimentaram mais o Twitter do que o próprio VMA’s em si. 

Como se não bastasse esse título vitorioso ao fim da noite, Swift abriu a cerimônia com a maior das honras dentro do mundo pop. Na apresentação da primeira categoria, o grupo NSYNC reuniu-se oficialmente após uma década separados para entregar a estatueta de Melhor Pop para a artista. Ao anunciá-la, Justin Timberlake a definiu muito bem: “a imparável Taylor Swift“. 

Outra figura que retornou depois de seis anos ao VMA’s foi Demi Lovato. Com um medley de seus hits em uma nova versão rock, Heart Attack, Sorry Not Sorry e Cool For The Summer foram performados com maestria pela cantora, que dividiu o palco com sua banda composta apenas por mulheres. Além de ter sido indicada nas categorias de Melhor Pop e Videoclipe com uma Mensagem Social, Lovato mostrou que sua nova era chegou para ficar.

O grande destaque da noite foi Shakira, vencedora do Vanguard Award de 2023. A cantora realizou uma grande performance de 10 minutos com diversos hits de sua carreira, entre eles Whenever, Whenever, Hips Don’t Lie, She Wolf e até Bzrp Music Sessions #53. Com muito carisma e talento, ela apenas confirmou que seu lugar de referência nunca será ocupado e que a homenagem foi mais do que merecida.

Seguindo para outra loira de sucesso, precisamos falar sobre Sabrina Carpenter. Marcando presença na The Eras Tour e conquistando corações por onde passa, a artista performou no pré-show os sucessos Nonsense – que viralizou no TikTok e levou a canção ao palco da premiação da MTV –, e Feather, presente na edição deluxe do álbum emails i can’t send.  

No entanto, parece que não há um critério definitivo acerca de quem vai ocupar os holofotes da noite, algo que pode ter relação com o vasto número de apresentações que preenchem as três horas. É importante frisar que a voz de Nonsense, pelo seu talento e dedicação, merecia mostrar o que tem de melhor no palco principal: Carpenter cantou ao vivo e dançou, enquanto outros artistas usaram autotune.  

Quem também arrasou com a sua apresentação foi a cantora Olivia Rodrigo. Performando dois dos três singles da era Guts, a mais nova princesa do pop rock norte-americano entregou ao público duas versões de sua persona. A primeira, com a balada Vampire, mostrando um lado mais sentimental da garota, enquanto a segunda, em Get Him Back, Rodrigo evoca toda a raiva que possui ao cantar sobre um homem babaca que partiu seu coração. 

Comparando em relação à última vez da artista no VMA’s, o crescimento é notável. Na sua apresentação de estreia, ao cantar Good 4 u, ela foi criticada pela falta de fôlego. Agora, após 10 meses no período de criação do novo álbum, a ‘MC Detran’ chega com os dois pés na porta e confirma, de uma vez por todas, que não é dona de um hit só e veio para ficar. 

E quanto ao território nacional, o funk brasileiro finalmente chegou às premiações estadunidenses – e não poderíamos estar mais felizes. Seria um erro ter a presença de um ritmo musical apenas em seu país de origem, então, ao exportar o gênero para o mundo, os artistas têm a possibilidade de levá-lo a um novo tipo de público.

Por esse lado, as influências brasileiras do gênero apareceram no VMA’s não só uma, como três vezes. Tudo começou quando Anitta se apresentou com o mashup das músicas Used To Be e Funk Rave – que, aliás, ganhou o prêmio na categoria Melhor Videoclipe Latino – além de encerrar com um break-dance da canção Grip, ainda não lançada. 

Não foi apenas a ‘Girl From Rio’ que levou o funk brasileiro. A colombiana Karol G também nos presenteou com o gênero ao cantar as músicas Oki/Doki – faixa do seu último projeto, MAÑANA SERÁ BONITO (BICHOTA SEASON) – e o remix de Tá Ok,  de Kevin o Chris. A artista parece ter tido uma boa experiência com a nossa cultura, já que virá ao Brasil em 2024 com a turnê homônima. 

Com uma performance visualmente perfeita e toda trabalhada nas cores verde e rosa, o momento latino do MTV Video Music Awards foi um dos pontos altos da premiação. Por fim, Megan The Stallion e Cardi B voltaram aos palcos da MTV e apresentaram Bongos, a nova colaboração entre as artistas e que, sem dúvidas, traz referências do contato da voz de Bodak Yellow com cantores brasileiros, a exemplo de Ludmilla.

O intercâmbio entre culturas não se restringiu ao gênero musical: Anitta e o grupo de K-pop TXT estrearam a sua parceria, Back For More. O fruto dessa colaboração resultou em uma faixa deliciosa e diferente do que os meninos costumam fazer. Na parte da cantora, por exemplo, o funk tem destaque e consegue combinar as influências latinas com o som produzido pelo grupo coreano. Os fãs do gênero leste asiático, sempre muito fiéis, receberam a brasileira com gritos acalourados no momento em que ela dançou com um dos membros do Tomorrow X Together. 

Um dos motivos que ainda fazem o público se importar com o VMA’s é a performance de artistas comprometidos com o seu trabalho, como a icônica apresentação de Britney Spears na cerimônia de 2001. Nesse sentido, toda vez que Doja Cat é anunciada na lista de shows da premiação, há a curiosidade em torno do que a rapper irá entregar ao público.

A voz de Say So, na edição desse ano, cantou três músicas do novo projeto, o Scarlet, quarto álbum da sua carreira. Tendo a cor vermelha como conceito do recente trabalho, a artista começou com Attention ao lado da plateia, depois cantou Paint The Town Red, sucesso na Billboard Hot 100, e finalizou com Demons já em cima do palco da MTV. 

Metida em polêmicas, como a sua associação a grupos neonazistas, é triste ver que a sua Arte perde fôlego diante de suas atitudes. Não só isso, mas nos últimos tempos a cantora foi devidamente julgada pela forma como trata os seus fãs. Infelizmente, o histórico problemático de Doja Cat apenas a distancia daqueles que a acompanham e torcem pelo seu sucesso.

Os saudosistas da participação de Reneé Rapp em A Vida Sexual das Universitárias podem ficar tranquilos: a cantora e atriz é o novo nome da indústria musical que precisa da sua atenção. Ela cantou Pretty Girls, faixa do seu primeiro álbum de estúdio Snow Angel e Too Well, presente no EP Everything To Everyone. Infelizmente, Rapp não levou a melhor na categoria em que concorria, a de Artista Revelação, mas com certeza, apenas pela indicação, sua campanha para obter uma nomeação no Grammys 2024 será potente.

Atualmente, os artistas estrangeiros  comandam a premiação. O grupo Stray Kids se apresentou com a faixa S-Class e levou o público à loucura. A performance, que contava com um jogo de câmeras característico das apresentações de K-pop, evidenciou ainda mais o talento dos ganhadores, pelo segundo ano consecutivo, na categoria Melhor K-pop. Além disso, os figurinos dos meninos, estilizados de preto e tons amarronzados, se destacaram aos olhos de quem acompanhou tanto no conforto de casa quanto na plateia do VMA’s. É sempre bom ver a excelência sul-coreana em ação. 

Além da comemoração dos 50 anos do hip-hop, que levou diversos artistas ao palco do evento, o rapper Metro Boomin fez uma performance de cinco minutos com a presença de Future, Swae Lee, A Boogie Wit da Hoodie e NAV. Dessa maneira, todos tiveram o seu momento de brilhar e puderam mostrar o seu trabalho. Juntos, eles cantaram Superhero e a faixa Calling, da trilha-sonora do segundo filme do homem-aranha de Miles Morales. Vale destacar também que  Boomin foi quem fez a curadoria do álbum de Homem Aranha: Através do Aranhaverso, o retrato mais aclamado do teioso nos últimos anos. 

Sem contar com os grandes prêmios da noite, como Videoclipe do Ano, Artista do Ano e Canção do Ano (todos para Taylor Swift), tivemos Ice Spice como ganhadora da categoria Artista Revelação, SZA em Melhor Videoclipe R&B por Shirt e Karol G e Shakira em Melhor Parceria pela música TQG. Nos outros gêneros, tivemos Maneskin como ganhador de Melhor Videoclipe de Rock por The Loneliest, Lana Del Rey e Jon Batiste em Melhor Videoclipe de Música Alternativa por Candy Necklace e nossa querida Selena Gomez com Rema em Melhor Videoclipe de Afrobeats por Calm Down.

Em resumo, o VMA’s de 2023 não alcançou outras edições da premiação e não entrou para nenhuma lista das melhores apresentações de todos os tempos, mas trilha um caminho bonito até seu lugar de origem e relevância. Dessa vez, com novos nomes, estilos, gostos e hits, que bebem das referências de um passado brilhante e adorado. 

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Nathalia Tetzner

Ela não gritou quando viu uma aranha assustadora e escolheu os acordes da guitarra em troca das sapatilhas de balé, mas dentro dela sempre existiu um desejo oculto: o de se tornar uma musa pin-up, daquelas que os meninos colecionam posters. Então, começou a ler revistas para adolescentes e a depilar as pernas na tentativa de se tornar a rainha do baile de alguém. Ainda assim, ela continuou invisível para eles. Há 15 anos, o álbum One of the Boys dava luz a Katy Perry, essa jovem que procurava incessantemente o seu lugar no mundo e que não teve outra escolha a não ser se infiltrar entre os garotos para deixar a sua marca.

Seguindo com o tom desafiador e, até mesmo, irônico da faixa-título, Perry dedicou a maior parte do disco em provar que, ainda que se esforçasse, a delicadeza de colares de pérolas nunca a satisfariam como a provocação despertada por acessórios adornados de cerejas. E não é que a irreverência convenceu? A sonoridade pop rock misturada com a imaginação fértil da cantora resultou em algo completamente diferente do que as outras garotas da Música estavam fazendo em 2008. Ela veio, de fato, para mudar o jogo da indústria com uma declaração que não poderia ser mais incisiva para o seu primeiro projeto sob o nome artístico.

Influenciada por Alanis Morissette e toda a ruptura causada na década de 1990 pelo álbum Jagged Little Pill, Katy Perry estava decidida em emplacar as 13 faixas de One of the Boys e se transformar em uma inspiração para as novas gerações de ouvintes. De uma certa maneira, Perry tinha em mente a necessidade de reproduzir o que Morissette significou para ela durante a sua juventude. Por isso, a fim de alcançar uma rachadura no ordinário, a californiana adotou temas que os artistas masculinos exploram sem limites desde que o universo foi criado: o sexo e a sexualidade.

O diferencial aqui não caiu no pioneirismo e sim na abordagem, afinal, outras cantoras já haviam trilhado esse caminho tortuoso para as mulheres anteriormente. É através das bochechas coradas e dos olhos cativantes que Katy Perry arrancou os gritos da mesma quantidade de meninas que qualquer membro de boyband nos anos 2000. Infelizmente, mesmo que a malícia do duplo-sentido nas letras tenha sido grandiosa nos minutos cruciais, unindo o disco como um todo, algumas insinuações feitas por ela acabaram datadas pelo teor potencialmente nocivo, principalmente para a causa LGBTQIA+.

Não é de se estranhar que Madonna tenha se encantado pela primeira composição de Perry a tocar nas rádios quando a mesma começa com os versos: “Eu espero que você se enforque com seu lenço H&M/Enquanto se masturba ouvindo Mozart”. O que é de se questionar é a verdadeira intenção de Ur So Gay, que utiliza o termo como um insulto não relacionado a homossexualidade, no entanto, enraizado em uma certa moralidade. Com notas tímidas no violão, um vocal ríspido e um videoclipe cômico, a obra é um capítulo que mereceu ser esquecido junto com os demais atos desse tempo que retratam percepções ultrapassadas da sociedade.

Com doses de fetichização circulando pela corrente sanguínea do álbum, I Kissed a Girl veio para continuar o frenesi de caráter duvidoso e, simultaneamente, consagrar Katy Perry como um ícone da comunidade. Em 2017, o grupo de defesa dos direitos civis LGBTQIA+ estadunidense, Human Rights Campaign, concedeu à cantora um prêmio pelo ativismo ao longo da carreira que, após One of the Boys, realmente foi efetivo: “Espero estar aqui como evidência de que não importa de onde você veio, é para onde você está indo e que uma mudança pode acontecer se abrirmos nossas mentes e abrandarmos nossos corações”, afirmou Perry durante a cerimônia.

O primeiro single do disco também significou o encontro dos produtores Max Martin e Dr. Luke, uma dupla imbatível no estúdio quando o objetivo era a criação de uma sonoridade extremamente radiofônica e, nem por isso, menos autêntica. Nos anos que se seguiram, escutar a artista significava entrar em contato com a combinação perfeita entre eles, pensada exclusivamente para a persona Katy Perry. Contudo, a colaboração chegou ao fim com as acusações de abuso e assédio sexual feitas pela cantora Kesha contra Luke; o experimental Witness (2017) encerrou a parceria com apenas Martin assinando a direção executiva.

Colecionando nomes que ascenderam ao topo com o sucesso comercial do álbum, o time de Perry tomou forma quando Glen Ballard, responsável pelos bons frutos da sua ídola Alanis Morissette, aceitou trabalhar com a menina, que bateu em sua porta carregando um violão e um sonho. Nas canções delirantes à la Hot N Cold, o multi-instrumentista Benny Blanco fez história com a sagacidade de seu ritmo. Já nas passagens mais cruas, Greg Wells deixou o DNA nas texturas estridentes e teatrais de faixas como Mannequin. A tarefa de arrematar os diferentes estilos ficou a cargo do técnico em masterização Brian Gardner, que cumpriu com maestria.

Esperta e criativa ao extremo, Katy Perry não foi apagada pela genialidade de sua equipe. Nos palcos, ela demonstrou que, devido a sua experiência nada fácil no mercado musical, sabia exatamente como queria fidelizar a imagem dessa novata fissurada por gatos infláveis, frutas e figurinos camp. Em 2008, pegou a estrada com a Vans Warped Tour, festival que revelou Paramore e 3OH!3, e logo arrumou as malas para a sua primeira turnê solo, a carismática Hello Katy Tour. Repleto de referências próprias do projeto, o cenário dominado por um gigante coração rosa cravou que Perry se tornaria uma especialista em eras temáticas.

O estilo pin-up e a estética que remonta aos anos 1940 foram usados com sabedoria pelo diretor de arte do disco, Ed Sherman. Partindo do logo, divertidamente colorido, passando pela ambientação cartunesca até os elementos tão característicos como os flamingos rosas, a obra se tornou um símbolo de sua época. Por meio das lentes do fotógrafo Michael Elin, One of the Boys foi eternizado com uma capa que captura o oceano hipnotizante do olhar da musa. E, se “com cada cicatriz tem um mapa que conta uma história”, a melódica e dramática Self Inflicted sumariza esse aspecto magnetizador.

Inserida por completo no contexto de avanço das redes sociais e a consequente interação dos músicos com as plataformas, a artista navegou pelo MySpace, Vimeo e Tumblr como ninguém. Com vídeos em formato de vlogs, Perry divulgou o seu trabalho ao mesmo tempo em que desenvolveu um laço profundo com os fãs, os ‘katycats’. Seja rodando em círculos na sala de espera da gravadora, a Capitol Records, importunando a sua gata de estimação Kitty Purry ou se enrolando em luzes de natal, ela criou momentos que são lembrados com carinho e, obviamente, muita nostalgia.

Duas décadas separaram o nascimento de Katheryn Elizabeth Hudson e a criação da identidade Katy Perry, ou melhor, da possessão da menina que cantava no coral da igreja pela entidade popstar. Antes de assumir o nome de solteira de sua mãe, Katy Hudson distribuiu apenas 200 cópias do seu primeiro álbum auto-intitulado, algo que não se repetiu com One of the Boys, detentor de 7 milhões de discos vendidos. Dessa vez, porcentagem fundamental para tamanho sucesso foi a existência de uma equipe capaz de fazer tudo acontecer e que, em 2023, permanece ao lado da cantora.

Entre os membros mais efetivos, o empresário Bradford Cobb e o desenvolvedor artístico Chris Anokute deram tudo de si para que a jovem não tivesse outro projeto cancelado como o simples e rebelde (A) Katy Perry, ou que gravasse vocais para alguma banda que tentasse se aproveitar do seu sucesso, como The Matrix fez em 2009 ao lançar músicas produzidas quando ela tinha apenas 19 anos. Injetando respeito ao nome e à marca Katy Perry, o ambiente de If You Can Afford Me resumiu a ascensão: “Porque alguns não tem paciência/Alguns me chamam de manutenção cara/Mas você paga a conta/Porque esse é o trato”.

Compositora nata, Katy Perry deixou a caneta pesar nas duas faixas mais dolorosas e sombrias do álbum: Thinking Of You e I’m Still Breathing. A primeira, totalmente autoral, contém os versos mais inspirados dela que, através de uma progressão tocante, ganharam amplitude na balada romântica trágica, sendo praticamente um prelúdio da história contada por The One That Got Away no sucessor de One Of The Boys, o pop perfection Teenage Dream (2010). Por outro lado, a respiração pesada foi a chave da segunda canção, dotada de tendências suicidas e que evidenciou o processo de independência vivido por Perry durante essa fase.

Personalizando a luz no fim da estrada, a artista entregou uma redenção única em Lost, música que trata da sensação de não se sentir em seu próprio corpo e o de saber o caminho para casa e, mesmo assim, não conseguir voltar. Surpreendentemente, o sentimento deixado para os ouvintes foi o de conforto por descobrir que há mais alguém no universo que já esteve perdido. O especial acústico MTV Unplugged potencializou a melodia e, ainda, trouxe o belíssimo cover de Hackensack da banda de rock alternativo Fountains of Wayne e o toque sensível de Brick by Brick, gravação que infelizmente acabou descartada do disco.

Para aqueles que morrem de saudade somente em lembrar das performances grandiosas em premiações na época em que One of the Boys conquistava incontáveis indicações e vitórias, desde 2021, Katy Perry relembra os grandes clássicos da era na setlist da sua residência de shows em Las Vegas, a PLAY. Com cenários de tirar o fôlego, cogumelos e um banheiro completo em escala gigantesca, Perry oferece um prato cheio para os ‘katycats’ da velha-guarda mais saudosistas e coloca a extravagante Waking Up In Vegas em destaque no espetáculo para os olhos e ouvidos.

Entretanto, a experiência sensorial do projeto não ficou restrita aos palcos, uma vez que a edição física passou a ser uma peça fundamental da memória do público graças ao design atemporal de Shayne Ivy. Para além do ensaio fotográfico esplêndido e um material de encarte que fez qualquer colecionador ficar obcecado, o desenho de morango estampado no CD permanece capaz de trazer o cheiro da fruta à mente. Katy Perry, querendo que todos se lembrem dela como em Fingerprints, também investiu nos videoclipes em que os diretores Melina Matsoukas, Alan Ferguson, Kinga Burza e Joseph Kahn eternizaram as canções.

Depois de beijar uma garota e gostar, se infiltrar entre os garotos e tentar de todas as formas colocar a sua digital na história da Música, a jovem deixou para trás a inocência de debutante e assumiu que estava pronta para o amadurecimento com I Think I’m Ready, faixa que encerra o disco e a sua sonoridade pop rock. Celebrando 15 anos de One of the Boys e de sua carreira artística sob o nome Katy Perry, a camaleoa que transitou por diversas eras, refletiu as cores do arco-íris com PRISM (2013) e recuperou o sorriso em Smile (2020), chega em 2023 sabendo exatamente qual é o seu lugar no mundo.

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Laura Hirata-Vale

“Eu tenho os melhores amigos neste lugar” é a frase que resume o que é a 5 Seconds of Summer. Amigos desde a escola, Luke Hemmings, Calum Hood, Michael Clifford e Ashton Irwin começaram a trajetória do grupo com covers publicados no YouTube em 2011, na cidade de Sidney. Em Setembro de 2022, a banda australiana lançou o seu quinto álbum de estúdio, 5SOS5, que mostra toda a evolução e maturidade adquirida pelo quarteto durante mais de uma década de carreira.

Foram quase dois anos de uma separação forçada pela Covid-19, suspensão de shows e muita reflexão. Por isso, o disco é uma renovação para o grupo. Depois de ser marcada pelo lançamento do complexo e sentimental CALM, logo no começo da pandemia, a 5 Seconds of Summer mostra como mudou durante o período de isolamento social. O lançamento de dois projetos solos de seus integrantes – Superbloom, do baterista Ashton Irwin, e When Facing The Things We Turn Away From, do vocalista Luke Hemmings –, e a saída da gravadora Interscope Records e o ingresso na BMG Rights Management, que gerencia outros cantores como Louis Tomlinson e Rita Ora, mostraram como a banda adquiriu mais liberdade e independência. 

O quinto álbum é responsável por sintetizar toda a evolução musical que a banda adquiriu ao longo dos anos. Os dois primeiros discos foram marcados pela presença do pop punk que, lentamente, foi se tornando um pop rock cheio de guitarras, baixos e baterias. 5SOS5, por sua vez, consolida o gênero e ainda adiciona mais variações de sons aos clássicos, como sintetizadores, pianos e cordas. A mudança de estilo musical, ao mesmo tempo que consegue atingir mais pessoas, deixou alguns fãs saudosistas sentindo falta do passado; principalmente quando se fala da parte do fandom mais antigo, que acompanha a banda desde seus primórdios.

O quarteto dá um show de vocais: a maior parte das músicas possui Hemmings como o vocalista principal, mas, diferentemente do passado, muitas partes são cantadas pelos três outros integrantes, fazendo o trabalho ter uma harmonia bela e equilibrada. Além disso, o guitarrista Michael Clifford canta inteiramente a faixa Emotions. Com frases como “Não se importe comigo, só estou me sentindo meio quebrado, meio quebrado, se precisar de mim, estarei aqui com minhas emoções, minhas emoções”, a canção é uma das mais tocantes, íntimas e sensíveis do disco todo.

Clifford também teve um destaque diferente durante o álbum: ele foi o responsável por boa parte da produção do projeto. Por causa da mudança para a BMG, a banda teve mais liberdade para criar, produzir e escrever, e assim, 5SOS5 possui uma variedade de sonoridades, sentimentos e ritmos, indo de músicas reflexivas e cheias de energia para canções com temas tristonhos, chegando até em odes à amizade e ao companheirismo.

Direto de uma caixinha de música, Older mostra todo o romantismo da 5 Seconds of Summer. O single tem os vocais de Hemmings e sua noiva, a cantora-compositora Sierra Deaton, conhecida pelo hit Little Do You Know. Em uma canção melódica, melancólica e até dolorosa, a dupla canta sobre a paixão e o pesar causado pela perda do amor da vida. Com versos poéticos e bem pensados, como “Em seu vestido de noiva cor de cocaína”, “Minha querida devota delicada” e “Eu sempre estarei sangrando amor” podemos ouvir, sentir e entender a dor e a angústia que o eu-lírico sente. A música é como uma carta de despedida, em que cada palavra escrita possui uma enorme carga sentimental.

Com a flexibilização das medidas protetivas contra a Covid-19, o lançamento de 5SOS5 fez com que a banda realizasse ações que não pôde fazer com o quarto álbum. O primeiro single, Complete Mess, foi lançado simultaneamente com o seu videoclipe, no começo de Março de 2022. Ao longo do tempo, a era ganhou outros cinco singles e mais quatro vídeos. Houve também, no dia em que o disco foi liberado, o show especial The Feeling of Falling Upwards: One Night Only realizado no Royal Albert Hall, uma sala de espetáculos emblemática de Londres, como uma celebração aos dez anos de carreira, ao álbum novo e à volta aos palcos. 

Com o retorno dos shows, o grupo já está confirmado em dois festivais de música: o Tecate Pa’l Norte, no México, e o When We Were Young, nos Estados Unidos. Em relação a outros planos, há a especulação de que Ashton estaria trabalhando em seu segundo projeto solo. É interessante ver como a banda cresceu desde o seu terceiro álbum, Youngblood, o responsável pelo primeiro bilhão de streams de uma canção do quarteto. Em 5SOS5, podemos ver uma 5 Seconds of Summer mais madura, adulta e que se sente confortável em experimentar novos estilos, sons e ritmos. 

Depois de tanto tempo esperando por novidades, os corações da fanbase ficaram “em um liquidificador emocional” e quase pararam por causa das dezenove músicas que compõem o disco. E, de um jeito cheio de carinho, afeição e celebração, a 5SOS vai conquistando seu espaço no cenário musical enquanto acha seu lugar no mundo. Sem esquecer de suas raízes e fazendo questão de voltar ao “nascer do sol em Sydney”, o grupo também mostra como o quinto integrante da banda é a junção da Música com os fãs.  

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Monique Marquesini

Um ano após o lançamento do brilhante Dancing with the Devil… The Art of Starting Over, Demi Lovato mostra mais uma vez sua potência em começar de novo. Lançado em 19 de agosto, o seu oitavo álbum de estúdio, Holy Fvck, traz a artista retomando suas origens do rock e do punk em arranjos mais pesados. Além das novas sonoridades, é fácil notar uma mudança genuína em Lovato –  as fases da vida da cantora são reflexos de seus sentimentos, e parece que em cada uma das 16 faixas do disco ela está realmente se redescobrindo.

Do desejo ao amor e à raiva, Demi explora uma explosão de sentimentos e de energia em cada música. A voz precisa nos agudos e a intensidade nas letras carregadas de experiências pessoais e dolorosas, nos leva a experimentar cada emoção da cantora. A primeira canção é FREAK, uma colaboração com YUNGBLUD e uma abertura perfeita para sua nova fase – já que ela aproveita para satirizar a indústria que tratou seus traumas como piada e a colocou como “freak” (esquisita ou até aberração, em português).

Na sequência das faixas estão os intensos singles SKIN OF MY TEETH e SUBSTANCE, que carregam honestidade e intimidade e que são um ajuste perfeito para a Demi Lovato de Holy Fvck. O primeiro single do álbum, SKIN OF MY TEETH, faz uso de batidas intensas e sons de guitarras fortes – junto a letra em que ela tenta reescrever o período de sua overdose e a recuperação, além de carregar as descobertas dela sem o uso de substâncias. Já no segundo single, SUBSTANCE, a cantora busca criticar a exaustão e ausência de conteúdo na sociedade, e produz um clipe com inspiração na década de 90 e início dos anos 2000. “Demi saiu da reabilitação outra vez/Quando essa merda vai acabar?”.

No geral, a lista de faixas é muito coesa e forte. Na quarta música, Demi mostra uma colaboração feroz com Royal & the Serpent, compondo talvez uma das músicas mais impositivas do álbum – EAT ME. Em um rock punk forte, a letra denúncia como a indústria musical é responsável por moldar artistas para o que é mais vendável. E é nesse momento que a Lovato de Holy Fvck aparece vívida na canção, já que ela não mais ignora sua identidade e essência, mas se permite sentir desde o prazer até a raiva.

Em entrevista para Zane Lowe, Demi Lovato se abriu sobre a sua jornada na recuperação, saúde mental, traumas e sua sexualidade: “Voltei ao tratamento e, quando saí, tinha todo esse trauma não resolvido com o qual eu não havia lidado. E então, quando saí, pensei: ‘Tudo bem ficar com raiva e sentir essas coisas’”. Com certeza, é possível entender como cada um de seus processos pessoais tocam cada música e fazem com que o ouvinte se relacione com as sensações da cantora. Na mesma entrevista, Lovato ainda comenta sobre como se sentiu durante a produção: “Nunca estive tão segura de mim e de minha música, este álbum fala por si só“.

29 é um dos exemplos mais crus dos sentimentos dela colocados em uma música. A faixa aborda o relacionamento de seis anos de Demi com Wilmer Valderrama, que começou quando ela tinha 17 anos e ele 29 – Lovato busca trazer uma pesada e direta mensagem sobre idade e consentimento. No podcast Call Her Daddy, ela conta que, anos após o término, a reflexão sobre a situação vem de um olhar mais maduro, de como mulheres jovens são enganadas por homens muito mais velhos.

Além da pressão de viver sob os holofotes e expectativas, em Holy Fvck Demi explora abertamente sua sexualidade. Com letras eletrizantes e sons dançantes, é visível que ela não teve medo de abraçar suas sensações na escrita. Faixas como BONES, CITY OF ANGELS e principalmente HEAVEN são como celebrações da relação com si mesma e com seu corpo. Em HEAVEN, Lovato fala sobre o tabu da masturbação feminina, e faz até brincadeiras líricas entre a letra e referências religiosas: “Crucificada pela vida que vivo/Oh, meu Deus, espero receber perdão/Indo para o inferno, porque parece o paraíso“.

É do meio para o final das faixas que podemos observar uma Demi falando de amor e ainda assim tocando diversas vulnerabilidades de sua vida. Mas algumas músicas podem soar pouco frustrantes, em contraste com a força das músicas que abrem o álbum – como em WASTED e COME TOGETHER, em que a sonoridade não cativa tanto quem experimentou a veia punk rock de Lovato.

O trabalho da cantora em Holy Fvck é antes de tudo um relato autêntico, potente e ao mesmo tempo vulnerável sobre as feridas de Demi. É bravo vê-la abraçando um renascimento em meio aos sons de guitarra, sua potência vocal intensa e letras emocionantes. O álbum tem uma veia nos primeiros trabalhos da artista em Don’t Forget e Here We Go Again, mas as reflexões cruas e a honestidade inabalável mostram o amadurecimento do som pop-rock adolescente para um hard rock muito bem produzido.

Apesar de terminar em tons mais baixos, muitos sentimentos marcam a experiência da obra de Demi Lovato. Talvez essa seja uma das surpresas mais agradáveis da experiência: o álbum é amargo, picante, ácido, forte e encantador. Diferente de todos os seus trabalhos anteriores, Holy Fvck tem a substância que os álbuns pop de Lovato sentiam falta – a identidade, fúria e autoridade. Não há como esconder suas inspirações, que dessa vez soam mais verdadeiras e intensas. A liberdade de si e de chegar aos extremos – da ira ou da vulnerabilidade –, fazem com que Demi acerte em cheio, expondo seus ápices emocionantes e reencontre sua força nos recomeços.

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Vitória Silva

Há 10 anos, Twenty One Pilots vem fazendo barulho ao redor do globo terrestre. Desde Regional at Best, o duo original de Columbus, Ohio, formado por Tyler Joseph e Josh Dun, luta constantemente para manter a unicidade de sua musicalidade, caracterizada por uma junção de elementos que vão desde o rap até o pop dançante. Característica essa  inegociável para a banda, que fez questão de manter seus gritos estridentes mesmo após assinarem o contrato com a gravadora Fueled by Ramen.

Mas a identidade de Joseph e Dun vai muito além de se aventurar em diferentes estilos musicais, usar gorros na cabeça e moletons com desenho de esqueleto. Desde o lançamento do Blurryface – que, de fato, revelou Twenty One Pilots mundo afora – a dupla vem materializando a construção do seu próprio universo no meio musical. Muito mais do que apenas uma era, essa concepção contempla, agora, 3 álbuns completos, e contando.

Tyler é a grande fonte originadora de todas as letras dos discos, e sempre teve como teor principal abordar sobre questões que envolvam sua saúde mental e transtornos psicológicos. A partir disso, nasceu a persona do Blurryface, como forma de materializar todos os seus medos e inseguranças. “Meu nome é Blurryface e eu me importo com o que você pensa” é como ele decide se apresentar ao público na faixa Stressed Out, presente no álbum que carrega o mesmo nome do personagem.

Mais tarde, o duo ampliou a narrativa para o que seria a cidade de DEMA, uma espécie de local representativo da mente de Tyler, capaz de aprisioná-lo em seus próprios conflitos, representados por 9 bispos. Tyler e Josh seriam, então, dois insurgentes tentando fugir desse sistema, unidos aos rebeldes locais: os Banditos. E é nessa narrativa que o álbum Trench se constrói, sob uma sonoridade mais densa e representativa de toda essa revolução idealizada na mente do cantor. Com os toques melancólicos de Leave The City, a trajetória do disco acaba com Tyler sendo aprisionado pelos bispos.

Uma turnê mundial depois, um nascimento na família Joseph e o início de uma pandemia, surge o Scaled And Icy. O isolamento social com certeza foi um fator impulsionador para a mente criativa da dupla, que até teve como lançamento à parte a faixa Level of Concern, abordando o atual contexto que o mundo vem enfrentando. O que ninguém esperava era que a estética sombria e turbulenta até então característica de Twenty One Pilots daria origem a um universo colorido em tons pastéis, com dragões mágicos, arco-íris e todas as outras coisas fofinhas e nada associáveis aos dois esquisitões. 

Como porta de entrada para esse “novo” mundo, somos bem recepcionados ao som de Good Day, que soa como a abertura de um programa matinal (e talvez essa seja exatamente a intenção). Numa jogada à la Pumped Up Kicks, a sonoridade alegre e otimista esconde o teor perturbador da letra que a acompanha. Em meio a um ukulele e um piano simpáticos, Tyler canta sobre uma situação hipotética de perder a sua esposa e filha, passando pela fase de negação do luto.

E não poderia haver uma forma melhor de introduzir o universo de Scaled And Icy se não com essa canção que é o puro suco do dualismo presente no álbum. O pop e as guitarras animadas que dominam as faixas não escondem a mensagem obscura que existe por trás dele, por mais que tentem. Retornando para a narrativa criada pela banda, SAI não passa de uma propaganda muito bem arquitetada por DEMA. Com Tyler aprisionado, o disco seria uma forma de manipulação para fingir normalidade, mascarada pela fantasia. Metaforicamente falando, uma autossabotagem do vocalista para fingir que está tudo bem, apesar de ainda aprisionado por seus demônios.

O videoclipe do primeiro single, Shy Away, evidencia essa nova realidade. Trazendo luz a um pop oitentista, a dupla está enclausurada em uma sala iluminada por luzes neon. Em paralelo, Tyler aparece em uma cidade sombria em ruínas, com o mesmo dragão azul da capa do disco a sobrevoando. A cada novo clipe, vamos conhecendo outras partes dessa localidade. Em Choker, é apresentada uma loja de brinquedos com referências da propaganda de DEMA e até de personagens já conhecidos. Enquanto em Saturday, somos levados ao alto mar da região, em uma viagem submarina, com o Trash The Dragon dando as caras novamente. 

Se as evidências dos vídeos não forem suficientes para materializar esse universo, Twenty One Pilots já o desenhou para o público, literalmente. Para revelar o Scaled And Icy, a dupla realizou uma live de lançamento diferente de tudo já feito. Voltando aos palcos de forma virtual, Tyler e Josh construíram a cidade de DEMA na tela, composta por todos os elementos anteriormente apresentados no Trench e no Blurryface. Ambientada em uma espécie de Encontro com Fátima Bernardes – com uma certa faixa de abertura -, a transmissão nos leva a um passeio imersivo na genialidade da construção presente em suas mentes, e que agora tomou forma, além de voltar para eras passadas. 

Twenty One Pilots nunca esteve tão bem, isso é fato. Tyler Joseph e Josh Dun já são dois homens adultos vivendo comodamente seus relacionamentos com as respectivas esposas, além da forte relação que também existe entre eles mesmos. Joseph ainda desfruta a beleza da paternidade com sua filha Rosie, e vai ser pai pela segunda vez, como anunciado ao final da performance no VMA 2021, e sua batalha incansável contra questões como a depressão e ansiedade parece cada vez mais distante. Donos de um Grammy, turnês inesquecíveis, um recorde mundial e um sucesso que já alcança todas as pontas do globo, a dupla se tornou imbatível. Scaled And Icy é o prato ideal para elucidar toda essa euforia. 

A própria capa do álbum é um retrato da nova fase. Dentro do mapa de energia do feng shui, o bagua, mencionado em No Chances, existem oito áreas conectadas a certos aspectos da vida. Rosa, azul e branco estão associados a relacionamentos, família e amigos, um retrato mais do que exato do que representa a banda hoje. Sem deixar a temática sobre problemas psicológicos de lado, ressoado principalmente na sensibilidade de Choker, o otimismo vem com força em versos como os de Shy Away, que falam sobre buscar seu propósito. Temas esses que ainda conversam com o trágico cenário da pandemia, em que as tristezas recorrentes desse contexto foram mais um impulso para buscar mensagens motivadoras e o apoio para lidar com perdas. 

O controle de DEMA também não passa despercebido nas letras, com alusões diretas em No Chances: “Nós viemos por você”. E aqui a dualidade se faz mais do que presente, abrindo a diversas interpretações. O domínio da cidade e dos bispos é relativo tanto às inseguranças que assombram nossas próprias mentes quanto à manipulação da indústria midiática, alvo frequente de críticas da dupla. O que é melhor para mostrar a alienação do público do que lançar um disco repleto de batidas mais simplistas que facilmente hitariam no TikTok? 

Para quem bate o pé para falar que o novo álbum foge completamente da identidade de Twenty One Pilots, talvez seja preciso retornar um pouco para os primórdios da banda. Desde o início, Joseph e Dun nunca buscaram se restringir apenas a um gênero, e sim passear por uma fusão de elementos de todos eles, e Scaled And Icy é apenas um trajeto diferente desse caminho que ambos têm trilhado, mas longe de ser o destino final. Sempre muito preocupados com a narrativa criada pela ordem das faixas de cada disco, o peso presente no encerramento de Redecorate já é um indicativo do que está por vir em um próximo trabalho.

Apostando mais na guitarra que Tyler finalmente aprendeu a tocar, o álbum ainda conversa e homenageia trabalhos passados da banda. O monólogo de Choker é quase um diálogo direto com o de Taxi Cab, enquanto Never Take It e The Outside ecoam o que já vinha há muito tempo sendo falado em We Don’t Believe What’s on TV. E se as sextas já eram melhores que o suicídio dos domingos, os sábados se tornaram o dia de pintar a cidade. 

Scaled And Icy subverte toda e qualquer expectativa que alguém possa ter de um trabalho de Twenty One Pilots. Pode não ser seu melhor álbum, melhor estética, melhor era ou qualquer outra caixinha que o público tente estabelecer para uma banda que já cansou de se definir pela autenticidade. Mas o disco é uma peça necessária para esse quebra-cabeça maluco que constitui a mente da dupla de Columbus. E a prova mais do que precisa de que nunca foi apenas sobre Música. 

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Vitor Evangelista

Não há nada mais lucrativo que um coração partido, e Olivia Rodrigo sabe muito bem disso. Ninguém poderia prever o sucesso de drivers license, um desafogo sincero e genuíno sobre seu término. Nos tempos em que sair de casa não é uma opção, a canção virou trilha sonora de qualquer desavença sentimental, propiciando à jovem americana uma porrada de recordes quebrados. Poucos meses depois de contar ao mundo todo o status de sua carteira de motorista, Rodrigo retorna com 11 canções que potencializam o momento mais frágil, difícil e azedo de sua vida.

A prosa de SOUR é simples: por quase trinta e cinco minutos, tomam forma os relatos de uma pessoa viciada em controle mas que perdeu qualquer senso de direção cultivado até então. Sua adolescência foi marcada pela dúvida, ela canta em uma das 3 músicas que formam a trinca de ouro do trabalho: “Eu usava maquiagem quando namorávamos/Porque pensava que você iria gostar mais de mim/Se eu parecesse com as outras rainhas de formatura/Que eu sei que você amou antes”, se referindo aos traços de sua descendência filipina.

Por mais que as emoções da garota tenham se misturado no liquidificador que comanda seu coração, SOUR prevalece uma narrativa de imparidade. O discurso de comparar Rodrigo ao lirismo de Taylor Swift ou Lorde é cansativo, mas é possível idealizar uma linha de semelhança muito covalente: essas são três compositoras que encontram verdade em descobrir ecos de si mesmas nas canções a que dão vida. A abertura com brutal tem pouco fôlego comparada a entradas mais potentes do disco, mas a batida pop rock conquista não só pela finesse da nostalgia, mas também por repetir os jargões que solidificam a tal geração Z: ninguém se sente estável.

Instabilidade presente no corpo e na alma do LP, que não traça mapas simplórios do luto pela morte de um amor. Olivia Rodrigo usa a produção de Dan Nigro, responsável pelos trabalhos de Conan Gray, para eletrocutar o cenário da Música e também o de si mesma. SOUR revela o vício de Olivia em não procurar terreno firme, seja para superar a rapidez com que foi esquecida ou para endereçar as cartas aos buracos nas asas de borboletas. As metáforas carregadas perdem o rumo ora ou outra, mas a recriação de invólucros temporais precisos é o que cutuca a simpatia pelo trabalho. É impossível se sentir apático frente aos testemunhos da cantora, estamos torcendo por ela, mesmo que involuntariamente.

As letras do CD intercalam o macro (soando difusas) e o micro (favorite crime, destaque máximo e quando Rodrigo se alça às nuvens). Uma carteira de motorista movimentou o mundo por algumas semanas, logo substituída pela ideia de assistir as reprises de Glee. jealousy, jealousy é óbvia ao descrever um dos Sete Pecados Capitais, ao passo que happier usa do comum para revelar uma faceta muito mais malévola do sentimento, retificando a verdade que sai da garganta da artista, que rasga o véu entre sua geração e qualquer pessoa mais velha que ouça e se relacione com a obra. É a ponte entre dois mundos, conectada pelo pé-na-bunda, pelo fora e pela dor de cotovelo.

A gourmetização do coração estraçalhado não é uma caça ao tesouro ou um mapa detalhado do coração da garota. SOUR está mais perto de ser uma lista de equações que procuram o momento exato em que ela deixou a armadura cair. E essa autocobrança persiste: “Eu sabia desde o começo que era assim que você iria embora” é o desabafo e a linha mais forte do trabalho, mostrando que muitos dos sentimentos cantados nasceram antes do namoro, mas foram potencializados pelo término. 

Nessa toada, Olivia Rodrigo escreve a si mesma como a protagonista da própria história, falando sobre ela, o que sente, fez e o que deixou de fazer. As canções que se focam na figura do ‘ele’, ou, nesse caso, nas diversas variações de you, são constatações projetadas. Ele a traiu, ele a deixou de lado, mas é o que ela quem pensa e isso já é o bastante. Olivia entende quem a colocou nessa situação (e a resposta está refletida no espelho). Com essa leitura, fica claro que SOUR é um disco sobre os reflexos de alguém na jovem, as marcas e cicatrizes de uma ação recebida, abrindo margem para que, no futuro, conheçamos Olivia Rodrigo para além do coração partido e do fantasma de Joshua Bassett.

Ao longo dos curtos quase quarenta minutos, existe até uma aversão da artista em repetir os direcionamentos raivosos. É só reparar na estilização das faixas, que não usam o padrão correto da palavra ‘you’: good 4 u abraça o frenesi da fonética numérica, enquanto Rodrigo homenageia Garota Infernal, bota fogo nas tralhas e ainda chama Joshua de sociopata, sem esconder o prazer de expurgar esse sentimento. A MVP enough for you, marcando a única vez em que Olivia obedece o dicionário, é a composição mais dolorosa de SOUR (“Porque tudo que eu queria era ser suficiente, mas eu acho que nada poderá ser suficiente para você”). 

A terceira referência ao ‘você’ vem na conclusão, com a amistosa e fantasiosa hope ur ok, que concilia a última das fases do luto. Sem repetir os diversos vocês que compõem SOUR, Olivia Rodrigo quer que foquemos nela. Ela, também, não deixa o processo de encarar o fim de um namoro com base no estudo de passagem do luto acontecer apenas uma vez, com pinceladas em quase todas as canções, e também pela escolha nada linear ou conclusiva da ordem delas. 

1 step forward, 3 steps back grita barganha, e, de quebra, usando a interpolação de New Year’s Day, fechamento do arisco reputation de Taylor Swift (madrinha de Olivia), a jovem admite a neurose de viver enclausurada em uma bomba de instabilidade. “E talvez de alguma forma masoquista/Eu meio que acho tudo isso emocionante/Tipo, que amante eu terei hoje?/Você vai me acompanhar até a porta ou vai me mandar para casa chorando?”, ela confidencia, acompanhada do piano gélido que mascara a índole do momento. SOUR não recria os instantes felizes que o casal viveu, deixando a cargo das memórias, por vezes metafóricas (drivers license), por vezes literais (a adocicada deja vu), o trabalho de montar o quebra-cabeças do pré, do antes, das promessas e do ‘e se?’.

O ‘e se?’ morreu. O relacionamento de Olivia Rodrigo morreu. Mas, no doloroso processo de coletar os cacos e se proteger do hostil mundo real, nasceu um disco bem resolvido, maluco, instável e viciado em nos fazer sofrer, independente de não sabermos dirigir, não assistirmos Glee ou não vermos nosso namorado de rolo com uma loira um tiquinho mais velha que a gente. A pisciana de 18 anos teve esse alcance: criando lembranças falsas na cabeça de qualquer ouvinte de SOUR, sua dor passou de individual para a experiência mais coletiva possível. O futuro não pode ser pior do que acabou de acontecer, e, agora no banco do motorista, uma curada Olivia Rodrigo pode nos mostrar o que vem depois de provar do azedo. 

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